Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Si Lyubov Popova ay ipinanganak sa Kazakhstan sa lungsod ng Aksai.Siya ay nanirahan at nag-aral sa lungsod ng Angarsk, rehiyon ng Irkutsk. Ang pamilya ay musikal, hindi isang solong bakasyon ang kumpleto nang walang mga impromptu na konsiyerto.

Tumugtog ng balalaika si lolo, tumugtog ng gitara ang tatay ko, tumugtog ng harmonica ang tiyuhin ko, at nagditties ako. Dahil naramdaman ko ang sarap ng pagsasalita sa publiko, nagsimula akong kumanta kahit saan, sa bawat pagkakataon.

Pagkatapos ng kindergarten, mayroong Angarsk school number 32. Ang mga taon ng pag-aaral ay lumipad nang mabilis at lubhang kawili-wili. Nasiyahan si Lyubov Popova sa pag-aaral at paglalaro ng isports at nakahanap ng oras upang paunlarin ang kanyang mga kakayahan sa musika.

"Sa oras na iyon, malinaw na alam ko na gusto kong maging isang mang-aawit at nagsimulang mag-aral ng mga katutubong kanta ng Russia sa Palace of Creativity and Youth," paggunita niya.

Matapos makapagtapos ng high school, hindi niya sinasadyang nalaman na ang isang pop-vocal studio ay nagtatrabaho sa propesyonal na lyceum No. 32, na pinamumunuan ng sikat na musikero at kompositor na si Yevgeny Yakushenko. Ang mga mag-aaral lamang ng lyceum ang maaaring mag-aral sa studio, samakatuwid, nang walang pag-aatubili sa loob ng mahabang panahon, pumasok siya doon at nag-aral sa espesyalidad na "Builder Technician".Matagumpay siyang lumahok sa mga kumpetisyon sa rehiyon at ginawaran ng Unang Gantimpala "Para sa Awit ng May-akda".Ang susunod na yugto ay ang Irkutsk College of Music, kung saan ang hinaharap na mang-aawit ay pumasok sa departamento ng pop-jazz, nag-aral ng pamamaraan at propesyonal na mga boses mula sa isang kahanga-hangang guro na si A. Ya. Fratkina.

Hindi ako tumigil doon, ngunit nagpatuloy sa pag-aaral. Ang pagnanais na umunlad ang nag-udyok sa akin na pumunta sa kabisera.

Matapos maipasa ang pagpili, pumasok siya sa Moscow State University. Sholokhov sa departamento ng pop-jazz. At noong 2008, ipinadala si Lyubov Popova mula sa Moscow State University of Humanities sa ikatlong internasyonal na pagdiriwang ng mga bokalista, kung saan nanalo siya ng 2 premyo.Pagkatapos ay nagkaroon siya ng pagkakataon na lumahok sa ikalimang kumpetisyon na "Cinderella FM" at maging isang laureate, at nagtagumpay din sa semi-finals ng bukas na kumpetisyon sa telebisyon - "Leysya song" kung saan ang performer ay iginawad sa unang premyo.

Sa paglipas ng mga taon kumanta ako ng iba't ibang mga kanta, sa iba't ibang genre, ngunit ang pangarap na bumuo ng aking sariling solo repertoire ay hindi iniwan sa akin, sa oras na iyon ako mismo ay nawalan ng husay sa pagsulat ng mga kanta. Sa kabutihang palad para sa akin, noong 2014 ang aking kaibigan sa pagkabata at ngayon ay isang matagumpay na chanson singer-songwriter na si Evgeny Konovalov ay dumating sa Moscow. Alam ng maraming tao sa Angarsk na nagsusulat si Zhenya ng mga kanta para sa kanyang sarili at para sa mga sikat na artista - Alexander Marshal, Andrey Bandera, Galina Zhuravleva, Oleg Golubev at marami pang iba. Sa loob ng mahabang panahon ay hindi ko kailangang hikayatin si Evgeny at naitala namin ang unang kanta, pagkatapos nito ay hindi na kami tumigil at ang mga kanta ay mabilis na "pumutok" sa mga social network, at nagsimula ring tumunog sa mga istasyon ng radyo sa rehiyon sa buong bansa. Ang aming malikhaing tandem ay sinamahan ng kahanga-hangang Usolskaya, ang makata na si Irina Demidova, ang may-akda ng mga magagandang tula, at ang mga pagsasaayos para sa mga kanta ay naitala sa Moscow studio na "ZAK-studio" ng kahanga-hangang musikero na si Alexander Zakshevsky. Narito kung paano naging maayos ang lahat.

Sa parehong 2014, ang mang-aawit ay nag-aplay para sa ikalimang internasyonal na pagdiriwang na "My Chanson" "Russian Soul" at pagkatapos na makapasa sa pagboto sa Internet ay nakatanggap siya ng isang imbitasyon sa Alemanya upang lumahok sa kompetisyon-festival, kung saan siya ay nakakuha ng unang lugar at iginawad ang Audience Award, bumalik sa Russia na may dalawang medalya.

Noong 2015, matagumpay na naitala ang aking unang solo album. Maraming trabaho at magagandang kanta sa unahan. Mayroon kaming isang kahanga-hanga at palakaibigan na koponan, kung saan ipinapahayag ko ang aking taos-pusong pasasalamat: Evgeny Konovalov, Irina Demidova, Alexander Zakshevsky, Yuri Kalitsev - gitara.

Nais kong pag-ibig, kaligayahan, pananampalataya at kabaitan ang lahat ng aking mga tagahanga at tagapakinig!

Si Lyubov Popova ay ipinanganak noong Mayo 6, 1889 - isang maliwanag na kinatawan ng artistikong avant-garde, pintor, graphic artist, taga-disenyo, taga-disenyo ng set, tagalikha ng mga di-layunin na komposisyon...

Sa gawain ng L.S. Popova "Picturesque architectonics", 1918. Tate Modern gallery.

Si Lyubov Sergeevna Popova ay ipinanganak sa Krasnovidovo estate (Ivanovskoye village) malapit sa Mozhaisk, sa isang merchant family. Ang lolo sa tuhod ng kanyang ama ay isang miller, ang ama na si Sergei Maksimovich Popov ay nagmamay-ari ng mga pabrika ng tela at mayaman. Ang pamilya ng ina, Lyubov Vasilievna, nee Zubova, ay kabilang sa edukadong bahagi ng klase ng mangangalakal at gumawa ng isang makabuluhang kontribusyon sa kasaysayan ng kulturang Ruso. Ang isa sa mga Zubov, ang lolo ng artist, ay ang may-ari ng mga natatanging nakayukong instrumento - Stradivari, Guarneri, Amati violins, na ngayon ay ipinagmamalaki ng State Collection of Unique Instruments of Russia, at isang malawak na koleksyon ng mga barya ng kanyang anak na si Pyotr Si Vasilyevich, na naibigay sa Historical Museum, ay naging batayan ng kanyang numismatic department.

Ang mga magulang ay mahusay na connoisseurs ng musika at teatro at nagtanim ng pagmamahal sa sining at mga bata: Pavel, Sergey, Lyubov at Olga. Itinuro sa kanila ng artist na K. M. Orlov ang mga unang aralin sa pagguhit. Ang edukasyon sa gymnasium para kay Lyubov Sergeevna ay nagsimula sa Yalta, kung saan nanirahan ang pamilya noong 1902-1906. Sa pagtatapos, nasa Moscow na, nag-aral si Popova ng philology sa mga kursong pedagogical ng A.S. Alferov at, sa parehong oras, noong 1907, nagsimula ang kanyang seryosong edukasyon sa sining sa drawing studio ng S.Yu. Zhukovsky.

Mula sa panahon ng mga klase noong 1908-1909 sa School of Drawing and Painting nina K.F. Yuon at I.O. Dudin, ilang naunang landscape na may genre motif ang napanatili. Ang kaakit-akit na "Mga Bahay", "Tulay", "Washerwomen", "Sheaves" sa pamamagitan ng pagpapalakas ng patag, pandekorasyon na diskarte sa paglipat ng kalikasan, ay naiiba sa mga gawa ng mga guro na nagtrabaho sa diwa ng katamtamang impresyonismo.

Sa susunod na tatlong taon, si Lyubov Sergeevna ay gumuhit ng maraming, nag-aral ng kasaysayan ng sining at gumawa ng maraming mga paglalakbay kasama ang kanyang pamilya sa paligid ng Italya at makasaysayang mga lungsod ng Russia. Ang naipon na mga impresyon ng sining ng Italyano at mga mural ni Vrubel na nakita noon sa Kyiv, ang sinaunang pagpipinta ng icon ng Russia at pagpipinta sa dingding sa Yaroslavl, Rostov, Vladimir ay talagang nagpakita ng kanilang sarili sa ibang pagkakataon, sa mature na panahon ng kanyang trabaho.

Ang mga gawa ng huling bahagi ng 1900s - graphic at pictorial na "sitters" at "sitters", ay nagpapatotoo sa pagkahilig para sa trabaho ni Cezanne at bagong French art. Sa mahusay na pagtitiyaga, si Popova ay nagtrabaho sa iba't ibang mga liko ng mga katawan, maingat na pinag-aralan ang kahubaran, na inilalantad dito ang nakabubuo na batayan ng mga numero. Ang isang katulad na saloobin sa mga gawain ng pagpipinta ay nakikilala sa maraming mga nagsisimula noon na mga artista, lalo na, sina Lentulov at Tatlin, kung saan sila naging kaibigan sa studio ng Tower sa Kuznetsky Most.

Popova Lyubov Sergeevna. "Komposisyon na may mga figure", 1913, Langis sa canvas, 160 x 124.3 cm.

Sa oras na iyon, ang isang paglalakbay sa Paris ay isang natural na pagpapatuloy ng hindi pang-akademikong edukasyon. Lyubov Sergeevna sa kumpanya ng lumang governess A.R. Ginugol ni Dege ang taglamig ng 1912-1913 doon. Ang magkasanib na mga klase sa studio na "La Palette" sa loob ng mahabang panahon ay nagdala sa kanya ng mas malapit sa V. Pestel, N. Udaltsova at V. Mukhina, na nag-aral doon. Ang kapaligiran ng artistikong kabisera ng Europa at ang mga aralin nina J. Metzinger, A. Le Fauconnier at A. de Segonzac ay nakatulong kay Popova na i-orient ang sarili sa mga uso sa pag-unlad ng sining ng Europa.

Sa kontemporaryong sining ng Russia, nagsimula na ang aktibong pag-unlad ng iba't ibang impluwensya: French cubism, Italian futurism, German expressionism. Si Popova ay kabilang sa mga Russian artist na noong 1910s ay natagpuan ang kanilang mga sarili sa harapan ng European art at ginawa ang kanilang mga paraan out, isang pambihirang tagumpay sa non-objectivity, sa isang bagong pag-unawa sa artistikong espasyo. Ang kanyang trabaho ay naipon ang mga ideya ng Malevich's Suprematism, ang bagong materyalidad ni Tatlin, at pagkatapos ay umunlad ito, at si Popova ay napalapit sa pagbuo ng mga prinsipyo ng konstruktibismo.

Ang sandali ng muling pag-iisip ng natural na pangitain ay minarkahan ng mga gawa ng 1913 na "Two Figures" at "Standing Figure", na ginawa ni Popova pagkatapos bumalik sa Moscow. Kasunod ng mga cubist, ang artista ay kumilos bilang isang tagabuo ng mga volume ng kulay. Sa mga canvases, pati na rin sa mga guhit sa paghahanda para sa kanila, matapang niyang ginawa ang mga figure ng mga modelo sa isang artikulasyon ng mga stereometric volume, na inilalantad ang mga palakol ng koneksyon ng ulo, balikat at braso. Ang "pagguhit" na mga linya ng puwersa ay inalis mula sa ranggo ng mga pantulong na elemento ng pagguhit, sila ay tumagos sa buong espasyo ng larawan, at ang kanilang mga intersection ay bumubuo ng mga bagong pictorial-spatial na anyo at ritmo.

Si Lyubov Popova noong 1910s ay tumayo mula sa Moscow "artistic" na kabataan na "para sa lahat ng kanyang pagkababae, mayroon siyang hindi kapani-paniwalang talas sa pang-unawa sa buhay at sining." Ang bilog ng kanyang mga taong katulad ng pag-iisip ay ang mga artista na si N.S. Udaltsova, A.A. Vesnin, A.V. Grishchenko, pilosopo P.A. Florensky, mga istoryador ng sining B.R. Vipper, M.S. Sergeev, B.N. von Eding, na kalaunan ay naging asawa niya. Ang mga seryosong teoretikal na talakayan tungkol sa sining ay naganap sa lingguhang pagpupulong sa studio ni Popova sa Novinsky Boulevard, at ang mga pag-uusap na ito ay naghanda sa artist para sa kanyang hinaharap na gawain sa pagtuturo.

Matapos pumasok sa mainstream ng modernong sining, noong tagsibol ng 1914, kailangan ni Popova ng isa pang paglalakbay sa Paris at Italya bago siya nagpasya na ipakita sa publiko ang kanyang mga gawa. Sa pamamagitan ng mga bagong mata ay tiningnan niya ang mga monumento ng arkitektura ng Renaissance at Gothic, pinag-aralan ang mga batas ng kanilang mga ugnayang komposisyon at ang malakas na kapangyarihan ng mga kumbinasyon ng klasikal na kulay. Bumalik siya sa Russia ilang sandali bago magsimula ang World War II. Maraming mga artista mula sa kanyang bilog ang pumunta sa harap noong 1914, ngunit ang kanyang malikhaing buhay ay hindi tumigil, at sa lalong madaling panahon si Popova ay nakibahagi sa eksibisyon ng samahan ng Jack of Diamonds sa unang pagkakataon. Tulad ng sinabi ng istoryador ng sining na si D.V. Sarabyanov, "nagpaalam siya sa kanyang mahiyain na nakaraan" dito.

Ang isang karagdagang, mas mature na panahon ay minarkahan ng pakikilahok sa cubo-futuristic na mga eksibisyon ng 1915-1916 - "Tram B", "0.10", "Shop".
Isang tagasuporta ng cubo-futurism, "isang estilistang uso na lumitaw sa Russia salamat sa mga pagsisikap ng mga futurist na makata at pintor na Malevich, Rozanova, Exter, Kruchenykh", sumulat si Popova noong 1914-1915 ng isang serye ng mga cubist one-figure na komposisyon (" Manlalakbay", "Man + Air + Space") , mga portrait ("Portrait of a Philosopher", "Sketch for a Portrait") at mga still life na naglalarawan ng mga instrumentong pangmusika.

Ang mga paboritong tema ng kanyang mga kuwadro na gawa - "Violin", "Guitar", "Clock" - ay hiniram mula sa iconography ng French Cubists, Picasso at Braque. Ang mga plot na ito ay naging posible upang biswal na mabulok ang tilapon ng pendulum ng orasan sa magkakahiwalay na mga fragment, elemento ng paggalaw, o "visual" na nagpapakita ng mahabang tunog ng isang tunog, o kung hindi man ay "beat", pagsamahin ang Cubist analytical "decomposition" ng isang tatlong -dimensional na bagay sa isang eroplano at ang futuristic na simultaneity ng paggalaw. Para kay Popova, ang mga larawan ng mga fragment ng biyolin, ang fretboard at soundboard nito, ang mga kurba ng gitara, ay hindi lamang isang pagpupugay sa modernong tradisyon. Ang mga form na ito ay may ibang, mas "animated" na kahulugan para sa kanya. Pagkatapos ng lahat, mula pagkabata, narinig niya ang mga kamangha-manghang kwento tungkol sa "nominal" na mga instrumento mula sa koleksyon ng kanyang lolo.

Ang mga nilalaman ng still lifes at portraits ng artist ay lubos na materialized. Ang mga ito ay kinumpleto ng mga indibidwal na titik o salita, pati na rin ang mga collage ng mga sticker, wallpaper, mga tala, mga baraha. Ang mga naka-texture na pagsingit ay ginawa rin sa gypsum bilang bumpy na "substrate" para sa pintura, o iginuhit gamit ang isang suklay sa ibabaw ng basang pintura at mukhang mga kulot na guhit. Ang nasabing "mga pagsasama" sa nakalarawan na ibabaw ng gawa ng mga tunay na label, ang mga pahayagan ay nagpakilala ng mga bago, hindi makatwiran, mga nauugnay na koneksyon sa nilalaman. Nadagdagan nila ang pagpapahayag ng mga kuwadro na gawa, binago ang kanilang pang-unawa. Mula sa isang ilusyon ng totoong mundo, ang gawain mismo ay naging isang bagong bagay ng mundong ito. Ang isa sa mga still lifes noong 1915 ay tinawag na "Objects".

Aktibong binuo ng artist ang mga ideya ni Tatlin, ang lumikha ng unang counter-relief - "mga pagpipilian sa materyal", at nag-alok ng kanyang sariling orihinal na bersyon ng counter-relief. Ang "A Jug on the Table" ay isang plastik na pagpipinta kung saan organikong pinapanatili ng Popova ang pagkakaisa ng kulay at pagkakayari sa mga flat at convex na bahagi ng imahe, na nagbibigay sa spatial na komposisyon ng mga katangian ng isang bagay na may larawan.

Mula sa mga unang independiyenteng gawa, patuloy na hinahangad ng artist na "bumuo" ng isang easel painting at gawing isang suite ng intersecting color planes ang statics at dynamics ng mga form. Ang karagdagang pag-iisip ng larawan-bagay, ang larawan-bagay, ay humantong sa artist sa hindi layunin na pagpipinta. Ang abstraction ng isang tiyak na paksa sa antas ng mga simpleng geometric na anyo, na sinimulan ni Malevich at Tatlin, ay organikong tinanggap ni Popova. Ang isang tiyak na papel sa pag-master ng partikular na wika ng abstract na sining ay ginampanan din ng isang paglalakbay sa Turkestan noong tagsibol ng 1916, kung saan nakilala niya ang pinaka sinaunang mga monumento ng arkitektura ng Islam sa Bukhara at Khiva, na kilala sa kanilang mga halimbawa ng geometric na palamuti. .

Ang mga canvases na may pamagat na "Picturesque architectonics" ay nagmamarka ng isang bagong pagliko sa gawain ni Popova. Mahirap husgahan nang eksakto kung ang kanyang unang hindi matalinghagang pagpipinta, na minarkahan sa catalog ng posthumous exhibition noong 1915, ay ginawa bago o pagkatapos na makilala ng artist si Malevich, na lumikha ng kanyang Black Square noong 1915. Ngunit noong 1916-1917, lumahok si Popova sa organisasyon ng Supremus society, kasama ang iba pang mga kasama ng Malevich - O. Rozanova, N. Udaltsova, I. Klyun, V. Pestel, N. Davydova, A. Kruchenykh.

Sa pagpipinta na "Picturesque architectonics. Itim, pula, kulay abo" (1916), napagtanto ni Popova ang isa sa kanyang mga graphic sketch ng tanda ng lipunang "Supremus". Ang itim na quadrangle na inilagay sa gitna ng di-layunin na komposisyon ay malinaw na tumuturo sa Malevich's "Black Square", ngunit ang gawa ni Popova ay naiiba sa "square" sa matalinghagang nilalaman. Ang kulay sa interpretasyon ni Malevich - itim, puti - ay simbolo na higit na nakabukas sa kawalang-hanggan, espasyo, ang kailaliman ng mga posibilidad na nakatago sa loob nito, hindi ito mahigpit na nakaugnay sa isang tiyak na anyo, tulad ng nangyayari sa Popova. Ang mga kulay na eroplano ng tatlong figure ng kanyang komposisyon, sa kabaligtaran, ay mas materyal, hindi sila "lumulutang sa kawalan ng timbang" gaya ng mga anyo ng Suprematist na gawa ni Malevich, Rozanova at Klyun.

Ang mga di-layunin na komposisyon ay hindi sinasadyang tinatawag na "architectonics" ni Popova. Wala silang tunay, functional, tectonicity ng mga istruktura ng gusali, ngunit pictorial architectonicity, pictorial power, plastic monumentality, espesyal na kalinawan at pagkakatugma ng mga form. Sa paglikha ng ganitong uri ng pagpipinta, ginamit ng artist ang kanyang karanasan sa pag-aaral ng sinaunang arkitektura ng Russia at ang mataas na pagkakasunud-sunod ng Renaissance European art. Sa higit sa apatnapung mga gawa ng maraming seryeng ito, walang monotony ng pag-uulit ng mga motibo; ang lahat ng "plot" ay parang mga independiyenteng tema dahil sa kayamanan ng kanilang marka ng kulay.

Ang mga komposisyon ng 1916-1917 at 1918 ay nakikilala rin sa pamamagitan ng kaugnayan sa pagitan ng mga puwang ng mga kuwadro na gawa at ang mga anyo na nahuhulog sa kanila. Sa unang yugto, inayos ni Popova ang mga geometric na figure, ang pangunahing "mga character" ng mga kuwadro na gawa, sa mga layer, na nagbigay ng ideya ng lalim ng larawan, at nag-iwan ng puwang para sa background, sa gayon ay pinapanatili ang "memorya" ng Suprematist na espasyo.

Sa "architectonics" ng 1918, ang background ay ganap na nawala. Ang mga ibabaw ng mga kuwadro na gawa ay napuno hanggang sa limitasyon ng mga figure - sila ay masikip, ang isang anyo ay sumasalubong sa isa pa sa ilang mga lugar, binabago ang saturation ng kulay: lumilitaw ang mga break ng form kasama ang mga linya ng mga intersection, ang mga kakaibang "gaps" ay lilitaw, ang epekto ng "pagsalamin ” ng mga eroplano ay nilikha, ngunit ang kanilang mga kulay ay hindi pa rin naghahalo . Ang layering ng Suprematist colored planes ng unang "architectonics" noong 1918 ay pinalitan ng isang dialogue ng mga form, na puno ng enerhiya, ang dynamics ng mga banggaan at ang kanilang interpenetrations.

Ang pag-unlad ng maliwanag na indibidwalidad ng artista ay nahulog sa kritikal na digmaan at mga rebolusyonaryong taon, kasama ang kanilang mga panlipunang kaguluhan at mga personal na pagsubok, na naantala ang pare-parehong pag-unlad ng artist nang ilang sandali. Mula Marso 1918 hanggang taglagas 1919, nakaranas si Lyubov Sergeevna ng maraming mga kaganapan - kasal kay Boris Nikolaev von Eding, ang kapanganakan ng isang anak na lalaki, lumipat sa Rostov-on-Don, typhus at pagkamatay ng kanyang asawa. Siya mismo ay nahihirapang dumanas ng typhoid fever at typhus at nagkaroon ng matinding sakit sa puso. At iyon ang dahilan kung bakit walang mga gawa na may petsang 1919 sa pamana ni Lyubov Popova.

Ang artista, na bumalik sa Moscow, ay suportado ng mga kaibigan, lalo na ang pamilyang Vesnin, at ang kanyang pagbabalik sa propesyon ay dahan-dahang nagsimula. Lumahok si Popova noong 1919 kasama ang kanyang mga naunang gawa sa X State Exhibition na "Non-Objective Creativity and Suprematism". Ang kanyang mga pintura ay binili noon para sa museo bureau ng People's Commissariat of Education. Sinuportahan nito kahit papaano ang artista hindi lamang sa pananalapi. Ipinadala ng Department of Fine Arts ng People's Commissariat of Education ang mga biniling gawa sa mga eksibisyon at sa mga bagong organisadong museo ng kulturang nakalarawan. Noong 1920s, ang mga gawa ni Popova ay nakarating sa mga hindi inaasahang sulok ng Soviet Russia at mula noon sila ay nasa mga museo sa Vladivostok, Vyatka, Irkutsk, Krasnodar, Nizhny Novgorod, Smolensk, Perm, Tobolsk, Tula, Tashkent, Yaroslavl, St. Petersburg at Moscow. Ang ilan sa kanila, kasama ang mga gawa ng iba pang mga artista, ay kumakatawan sa sining ng Russia sa isang eksibisyon sa Berlin noong 1922 at sa Venice Biennale noong 1924.

Ang bagong pag-unawa ni Popova sa mga pormal na problema ay ipinakita mismo sa mga gawa na may pamagat na "Construction" at "Space-Force Constructions".

Ang pinakasikat na "Construction" ay ginawa noong 1920 sa likod ng isang malaking "Picturesque Architectonics" noong 1916-1917. Ito ay isang dynamic at monumental na komposisyon, bristling na may itim na matutulis na triangles-ngipin, na may isang itim na scythe at dalawang krus. Sa larawan, lumilitaw ang spiral motif ni Popov, bago sa pagkamalikhain, bilang isang higanteng funnel, na nagpapalabas ng mga namuong enerhiya at maliliit, "random" na mga anyo. Ang spiral na ito ay bubuo, umiikot pataas, pataas, sa kabila ng madilim na mga tatsulok ng harapan na humahadlang sa pag-unlad nito. Ang mga figure at eroplano sa larawan ay walang katatagan, sila ay nakadirekta sa kalawakan, ang kanilang paggalaw ay multidirectional, at samakatuwid ay nagkakasalungatan.

Ang buhay ng abstract geometric figure ng larawang ito ay naglalaman, sa antas ng pagmuni-muni ng kamalayan sa isang mediated form, ang sariling drama ng artist na naranasan ng artist. Ang "Architectonics" at "Construction", na nilikha sa isang canvas, ay sumasalamin sa dalawang pinakamahalagang panahon sa trabaho ni Popova at sa kanyang buhay din.

Ang dalawang-panig na gawain sa maraming paraan ay isang programmatic na gawain din dahil ito ang naging huling canvas sa gawa ni Popova. Pagkatapos niya ay sunud-sunod na sundin ang kanyang "Mga Konstruksyon". Mayroong halos 10 sa kanila, at lahat ng mga ito ay ginawa na sa unprimed plywood o papel.

Ang kulay at texture ng kahoy na base ay kumikilos bilang mga aktibong elemento ng mga abstract na komposisyon sa kanila, na binubuo ng mga intersecting na linya at eroplano. Upang mapahusay ang kaibahan ng texture ng isang bilang ng mga gawa at gawing mas nagpapahayag ang mga ito, ang artist ay gumagamit ng plaster at metal chips. Kasabay nito, ang puwang ay itinalaga sa makasagisag na paraan - sa pamamagitan ng mga linya ng openwork abstract na mga istraktura. Ang color palette ay understated at sopistikado.

Ang oras pagkatapos ng rebolusyon ay nangangailangan ng aktibong pakikilahok mula sa mga taong malikhain sa samahan ng buhay kultural, inilapat na pag-aaral, at maraming mga artista ang pumasok sa mga namamahala na katawan ng bagong estado. Noong 1920 nagkaroon din ng pagpapalawak ng saklaw ng mga propesyonal na interes ni Popova. Kasama ang kanyang mga kasama - Udaltsova, Vesnin, Kandinsky - nagtatrabaho siya sa Institute of Artistic Culture, unti-unting lumalapit sa isang pangkat ng mga constructivist productionists, at nagtuturo sa VKhUTEMAS.

Ang huling panahon ng trabaho ni Popova ay naganap sa dibdib ng "produksyon" na sining. Ang artist ay nagsimulang magdisenyo ng mga libro, magasin, theatrical productions, paggawa ng mga poster at maging ang pagbuo ng mga sketch para sa mga tela at mga modelo ng damit.

Ang debut ni Popova sa teatro sa disenyo ng "Romeo and Juliet" ni W. Shakespeare ay tila hindi masyadong matagumpay para sa direktor na si A. Tairov, at nang itanghal ang pagtatanghal, ginamit niya ang mga sketch na ginawa ni A. Exter. Habang nagtatrabaho sa isang papet na palabas batay sa fairy tale ni A.S. Pushkin "Tungkol sa pari at sa kanyang manggagawang si Balda", naalala ni Popova ang kanyang nakaraang karanasan sa pag-aaral ng katutubong sining. Noong 1916, gumawa siya ng mga sample ng Suprematist embroidery para sa Verbovka enterprise, at samakatuwid sa pagkakataong ito ay matapang niyang inisip muli ang estilo ng katutubong sining at tanyag na pag-print.

Ang mga costume at sketch para sa paggawa ng "The Chancellor and the Locksmith" batay sa dula ni A. Lunacharsky, na isinagawa ng mga direktor na sina A.P. Petrovsky at A. Silin, ay nagdala ng mga elemento ng isang futuristic na pag-unawa sa espasyo at lakas ng tunog, na matagal nang nawala mula sa ang kanyang easel art.

Mahalaga ang pagpupulong ni Popova at V.E. Meyerhold noong 1922. Ginawa nila ang dulang "The Magnanimous Cuckold" ni F. Krommelink sa isang panimula na makabagong gawain ng sining sa teatro. Upang palamutihan ang entablado ni Popova, isang spatial na pag-install ang idinisenyo, na pinalitan ang pagbabago ng tanawin sa panahon ng pagtatanghal. Ang kanyang imahe ay batay sa tema ng isang gilingan na may mga gulong, isang windmill, isang chute at mga intersecting na diagonal na istruktura. Walang kahit isang pahiwatig ng isang pakunwaring pag-unawa sa espasyo ng entablado sa disenyo nito. Ang graphic na kalidad ng buong komposisyon ay katulad ng mga poetics ng pinakabagong easel na "spatio-power constructions". Ang halaga ng bagong aparato, na imbento ni Popova upang maglaro ng mga aktor ayon sa sistema ng Meyerhold at ayon sa mga batas ng biomechanics, ay hindi limitado sa kasaysayan ng teatro at pag-unlad ng constructivism sa arkitektura. Ang natapos na gawaing sining ay mahalaga bilang isang aesthetic na bagay at bilang isang functionally made na bagay.

Isang araw pagkatapos ng premiere, naganap ang "Trial of Popova" sa INHUK. Inakusahan ng mga kasamahan sa konstruktivist si Popova ng "napaaga na lumingon sa teatro, dahil sa katotohanan na ang konstruktivism ay hindi pa hinog para sa paglabas mula sa estado ng eksperimentong laboratoryo." Ang ganitong mga malikhaing talakayan ay nasa diwa ng kolektibistang pamumuhay noong mga taong iyon. Ang "pangungusap" sa artist ay pinalambot ng kuwento mismo, na inskripsiyon ang karanasang ito ni Popova sa mga talaan ng sining ng ikadalawampu siglo, at si Vsevolod Meyerhold, na kaagad pagkatapos ng unang pinagsamang gawain, ay inanyayahan si Popova na ituro ang kursong "Ang materyal na disenyo ng pagganap" sa kanyang mga mag-aaral sa State Higher Directing Studios.

Noong 1923 ay naglabas sila ng isa pang pagtatanghal na magkasama - "The Earth on End" batay sa dula ni M. Martinet. Ang mga paglalarawan ng theatrical performance at reproductions ng isang plywood plank montage na may sketch ni Popova ay napanatili. Ang pangunahing elemento ng permanenteng disenyo ay isang napakagandang istraktura (ngunit hindi na ang "imahe" ng isang tunay na istraktura, isang gilingan, na siyang istraktura sa "Cuckold"), ngunit isang literal na kahoy na pag-uulit ng isang gantry crane. Ang mga plywood board na may mga slogan-poster at mga screen ay ikinakabit sa istrukturang ito, kung saan ang mga newsreel ay inaasahang. Ito ay isang uri ng agitation-mass art ng mga unang rebolusyonaryong taon, na idinisenyo para sa mga parisukat, mabilis na pagbabago at isang malaking bilang ng mga tao. Ang manonood ay na-set up para sa isang aktibo, lubos na na-update na pananaw ng balangkas. Nagtagumpay si Popova sa nakakagulat na maikling pagsasama-sama ng functional constructiveness at concentrated imagery sa information richness.

Gaya ng isinulat ni Ya. Tugenhold, "ang pagiging prangka ng artista ay hindi nasisiyahan sa ilusyon ng teatro - naakit siya sa huling lohikal na hakbang, sa pagpapakilala ng sining sa mismong produksyon." Sa mga taong ito, gaya ng itinala ni N.L. Adaskina sa Popova, isang post-non-objective na "attitude sa pictorial art, batay sa eskematiko na kalinawan ng imahe, na nagpapakita ng pagiging tunay ng dokumentaryo nito. Nagpapakita ito ng sarili sa disenyo ng libro, interes sa pagbuo ng mga font, sa montage ng teksto na may mga litrato. Kaya, halimbawa, Popova sa disenyo ng pabalat para sa aklat ng mga tula ni I.A. Aksenov "Eiffel. 30 od” hindi inaasahang nag-post ng mga larawan ng mga de-kuryenteng motor.

Ang apela sa katotohanan ay bahagi ng programa ng bagong pang-industriyang sining, na naghangad na magtatag ng mga bagong prinsipyo ng pagbuo ng buhay. Ang mga ideyang utopian sa panahon ng Art Nouveau at Art Nouveau ay naulit sa bagong yugto ng constructivist sa pagbuo ng wika ng sining.
Si Popova, sa loob ng balangkas ng mga gawaing ito, ay bumaling sa paglikha ng mga sketch para sa mga tela at damit, na nagmumungkahi sa pamamagitan ng gawaing ito na magpatuloy sa pagdidisenyo ng isang bagong imahe at pamumuhay. Ang kanyang mga tela, na ginawa sa pabrika ng pag-print, ay sikat. Noong tagsibol ng 1923, ang lahat ng Moscow ay nagsuot ng mga damit na gawa sa mga tela batay sa mga guhit ng artist, nang hindi nalalaman. Sinabi ni Popova na walang kahit isang artistikong tagumpay ang nagdulot sa kanya ng labis na kasiyahan gaya ng makita ang isang babaeng magsasaka o manggagawa na bumili ng isang piraso ng kanyang tela. Gayunpaman, ang mga damit na idinisenyo ni Popova ay ipinaglihi para sa isang bagong uri ng babaeng nagtatrabaho. Ang kanyang mga pangunahing tauhang babae ay hindi "proletaryong manggagawa", ngunit mga empleyado ng mga institusyong Sobyet o magagandang dalaga na sumusunod sa uso at alam kung paano pahalagahan ang kagandahan ng isang simple at functional na hiwa.

Ang kanyang mga modelo ay napaka-mapanlikha; kapag nilikha ang mga ito, ang artist ay umasa sa karanasan ng paglikha ng parehong theatrical costume at ang kanyang "constructivist" na bagahe ng mga ideya. Si Popova ay gumawa lamang ng mga dalawampung sketch ng mga damit, at lahat ng mga ito ay naging isang tiyak na programa para sa higit pang mabungang pag-unlad ng pagmomolde ng kasuutan.

Mahirap isipin sa kung ano ang ibang lugar ang maliwanag na personalidad ng artista ay magkakaroon ng oras upang ipakita ang sarili, kung ang trabaho at buhay ng artista ay hindi natapos sa isang mataas na tala. Si Lyubov Popova ay 35 taong gulang nang mamatay siya sa scarlet fever noong Mayo 1924, kasunod ng kanyang limang taong gulang na anak na lalaki.

Pakhomova Anna Valerievna - Propesor ng Moscow Art and Industry Academy. S. G. Stroganova, Ph.D. sa Cultural Studies, permanenteng kolumnista na "Fashion and Us" sa magazine na "Studio D'Entourage", nakikipagtulungan sa mga magazine na "Atelier" at "Fashion Industry", eksperto sa disenyo ng Union of Designers of Moscow , miyembro ng International Art Fund, Miyembro ng International Association of Writers and Publicists.

Sa mga post-rebolusyonaryong taon, sa mga artista na tumanggap ng bagong rehimen, nagsimula ang isang aktibong paghahanap para sa "bagong sining". Sa pagtanggi ng mga proletaryado at petiburges na kinatawan ng lahat ng bagay na may kinalaman sa ibinagsak at, gaya ng gusto nilang isipin, isang kulturang dumaan na sa nakaraan, kinakailangang magharap ng alternatibong “... sisirain natin ang luma mundo sa lupa, at pagkatapos ay itatayo natin ang ating bagong mundo ... ". Ang pagsalungat na ito ay isang kalakaran na lumitaw batay sa mga malikhaing paghahanap ng ilang kilalang makabagong mga artista.

E. Lissitzky. Pambansang Konserbatoryo. Poster project, 1919-1920

A. Exter. Disenyo ng kurtina para sa Chamber Theatre, 1920

Maraming mga artista ang kabilang sa direksyon, na tinawag na sa mga taong iyon, "Russian avant-garde". Goncharova, Larionov, David Burliuk, Lissitzky, Malevich, Popova, Rodchenko, Rozanova, Stepanova, Tatlin, Filonov, Exter at Yakulov - binago ng kanilang mga ideya at aktibidad ang kurso ng pag-unlad ng sining ng Russia sa mga unang dekada ng ika-20 siglo. Ang avant-garde ay kumakatawan sa ilang magkasalungat na uso - sina Goncharova at Larionov ay mga tagasuporta at sa maraming paraan ang mga tagalikha ng Rayonism at neo-primitivism, ipinagtanggol ni Filonov ang sistema ng analytical art, Lissitzky at Malevich - Suprematism, Rodchenko, Popova, Alexander Vesnin at Stenberg ang mga kapatid ay kinatawan ng mga ideyang konstruktibista. Bilang isang patakaran, ang mga artistang ito ay hindi nakagapos ng mga ugnayan ng pagkakaibigan, ngunit lahat sila ay may walang hanggan na pananampalataya sa bagong sining. Karaniwang itinuturing ni Lissitzky, Malevich at Filonov na ang kanilang sining ay eschatological, na kinukumbinsi ang iba na "ang cubism at futurism ay mga rebolusyonaryong kilusan sa sining, na humadlang sa rebolusyon sa buhay pang-ekonomiya at pampulitika noong 1917" . Naniniwala sila na ang lumang mundo ay dapat na sirain, at isang bagong sibilisasyon ay dapat na dinisenyo at constructed. Ang malikhaing hanay ni Lissitzky, tulad ng alam natin, ay malawak, at ang larangan ng kanyang artistikong aktibidad ay kasama ang mga eksperimento sa pagpipinta, arkitektura, at, siyempre, imposibleng maiwasan ang tukso na subukan ang kanyang kamay sa theatrical space.

Ang opera na "Victory over the Sun" ay makikita bilang simbolo ng pananampalatayang ito. "Nakakalungkot na ang sampung pigurin ni Lissitzky para sa "Victory over the Sun" ay hindi ginamit sa paggawa ng opera! Ang mga costume tulad ng "Old Man" at "Concerned" ay malalim na theatrical at hindi gaanong kahanga-hanga kaysa sa mga sketch ni Benois para sa Petrushka. Ang pangunahing bagay sa mga costume ni Lissitzky ay ang pagkasira ng gitnang axis at ang diin sa mga prinsipyo ng kawalan ng pagkakaisa, kawalaan ng simetrya at arrhythmia. Ang mga pigurin ay hindi isang pokus, ngunit marami; sila ay bukas sa mata ng manonood hindi mula sa dalawang panig, ngunit mula sa marami; hindi sila apektado ng gravity, parang lumulutang sila sa kalawakan. Ang paglabag sa aming nakagawiang ideya ng espasyo, sinisira ni Lissitzky ang aming balanse, ginagawa kaming "pabilog na parang planeta" sa paligid ng pigura. Nagtalo si John Boult na ang mga papet ni Lissitzky ay isang mapanlikhang aplikasyon ng kanyang teorya ng PROUNs (proyekto para sa pagpapatibay ng bago). At narito ang sinabi mismo ng pintor tungkol sa kanyang mga PROUN: “Ang PROUN ay ang malikhaing pagbuo ng isang anyo (batay sa mastery ng espasyo) sa tulong ng isang matipid na disenyo ng materyal na ginamit. Ang gawain ng PROUN ay isang hakbang-hakbang na paggalaw sa landas ng tiyak na pagkamalikhain, at hindi ang pagbibigay-katwiran, pagpapaliwanag o pagpapasikat ng buhay.

E. Lissitzky. Disenyo ng opera Victory over the Sun (teksto ni A.E. Kruchenykh, musika ni M.V. Matyushin).

Kaliwa: Takpan para sa figurine folder, sketch. Kanan: "Reader", figurine (costume sketch)

E. Lissitzky.

Kaliwa: "Budetlyansky strong man", figurine. Kanan: "Cowardly", figurine

E. Lissitzky. Disenyo ng opera Victory over the Sun.

Kaliwa: "Manlalakbay sa lahat ng edad", figurine. Kanan: "Mga Atleta", figurine

E. Lissitzky. Disenyo ng opera Victory over the Sun.

Kaliwa: "Zabiyaka", pigurin. Kanan: "Old-timer", figurine

E. Lissitzky. Disenyo ng opera Victory over the Sun.

Kaliwa: The Undertakers, figurine. Kanan: "Bago", figurine

Ang paglihis mula sa tradisyonal na axis, ang paglabag nito sa isang gawa ng sining ay isang pangunahing konsepto para sa pag-unlad ng Russian avant-garde. ganyan shift sa mga taon bago ang Unang Digmaang Pandaigdig ay karaniwan sa lahat ng sining. Ang karaniwang paraan ng pagtingin sa mga bagay ay nagbago. Ngayon ang isang tao ay hindi na nagbabasa ng larawan, tulad ng noong ika-19 na siglo. Siya ay kinakailangan upang tumingin sa kanya bilang isang kumbinasyon ng mga kulay, hugis at texture. Naniniwala ang mga kompositor na ang musika ay hindi na dapat magsilbi sa lipunan at relihiyon, bumaling sila sa abstract na mga prinsipyo. Hindi na sumusulat ng sentimental o moral na tula ang mga makata. Ang tula ay nagsimulang mamuhay bilang isang independiyenteng tunog at ritmikong eksperimento. Siyempre, pinag-uusapan natin ang mga sumusunod sa bagong kalakaran. Ang mga Russian avant-garde graphic designer ay nasa aktibong paghahanap din, ang kanilang hanay ay lumawak at kasama ang isang theatrical space, kung saan, bilang karagdagan sa visualization, mga kilos at tunog ay kasangkot. Ang Tairov Chamber Theater ay lubos na nakatulong sa kanila sa mga paghahanap na ito.

A. Exter. Pagganap "Famira at Kifared", 1916.

Kaliwa: disenyo ng kasuutanmga mananayaw sa tunika. Tama: ehbacchante costume sketch

A. Exter. MULA SA pagganap na "Ghost Lady", 1924.

Kaliwa: e sketch ng costume ng isang babae sa palda na may fijma. Kanan: sketch ng costume para sa babaeng may fan

Kaliwa: A. Exter. MULA SA ang dulang "Ghost Lady", 1924. Sketch of a men's suit with ruffs.

Kanan: A. Exter. Disenyo ng costume para sa Aelita para sa pelikulang "Aelita", 1924

Noong 1914, si Alexandra Exter, isa sa mga nangungunang Russian graphic designer, ay bumalik mula sa Paris. Kusang-loob niyang tinanggap ang imbitasyon ni Tairov na magtrabaho sa Chamber Theatre. Naniniwala si Tairov na siya ay "isang artista na may pambihirang sensitivity", "nakatuklas ng isang kahanga-hangang kahulugan ng mga epektibong elemento ng teatro sa pinakaunang mga hakbang."

Magkasama silang lumikha ng ilang mga pagtatanghal: ang una ay "Famira at Kifared" (1916), pagkatapos ay "Salome" (1917), "Romeo at Juliet" at "The Death of Tarelkin" (1921), ngunit ang huli ay hindi natupad. Ang pangunahing tampok ng istilong diskarte ni Exter sa teatro ay ang pagtuon sa maindayog na organisasyon ng espasyo. Ginamit niya ang diskarteng ito hindi lamang sa mga theatrical productions. Ngunit din sa trabaho sa isang koleksyon ng mga puppet (kasama si N. Shmushkovich, 1926), sa disenyo ng Berlin apartment ng sikat na mananayaw na si Elsa Kruger (1927) at sa iba pa, tulad ng sasabihin nila ngayon, mga proyekto ng sining, gayunpaman, ang pinakamalaking trabaho ay ang disenyo ng pelikula ni Y. Protazanov "Aelita" (1924).

A. Exter. Stage design sketch para sa revue. Sa paligid ng 1925

A. Exter. Stage design sketch para sa Spanish pantomime. Sa paligid ng 1925

A. Exter. Sketch para sa disenyo ng eksena ng tunggalian sa dulang "Othello". Sa paligid ng 1927

A. Exter. Lighting sketch para sa isang trahedya. Sa paligid ng 1927

A. Exter. Stage lighting sketch na may dalawang mananayaw na may hawak na hoop. Sa paligid ng 1927

Ang isang grupo ng mga babaeng artista na nagtrabaho sa panahong iyon (ang isa ay inilarawan nang kaunti sa itaas) ay karaniwang tinatawag na "Amazons of the Russian avant-garde." Ang isa pang maliwanag na kinatawan ng malikhaing komunidad na ito ay si Lyubov Popova. Ito ay sa kanya, bukod sa iba pa, na lubos na pinili at pinahahalagahan ni Meyerhold. Noong Setyembre 1921, binisita niya ang kolektibong eksibisyon na "5x5=25", kung saan 5 avant-garde artist (Alexander Vesnin, Popova, Rodchenko, Stepanova at Exter) ang nagpakita ng limang gawa bawat isa. Agad na napagtanto ng direktor na ang ganitong uri ng trabaho ay maaaring ilapat sa disenyo ng espasyo sa teatro. Upang maipatupad ang kanyang mga ideya, pinili niya si Popova, na sa isang maikling panahon ay nakabuo ng isang kawili-wiling konsepto para sa disenyo ng pagtatanghal batay sa komedya ni Fernand Krommelinck tungkol sa isang malas na tagagiling na patuloy na niloloko ng kanyang asawa, The Magnanimous Cuckold (itinatanghal ni Meyerhold noong Abril 25, 1922). "Sa gabi ng unang pagtatanghal ng The Magnanimous Cuckold, ang mga Muscovites na pumuno sa hindi komportable na theater hall sa 20 Sadovaya Street ay nakakita sa isang ganap na hubad na entablado, na walang kurtina, mga backdrop, isang portal at isang rampa, isang kakaibang hitsura na makina ng konstruksiyon na gawa sa kahoy. . Ito ay inimuntar sa anyo ng isang uri ng gilingan at isang kumbinasyon ng mga plataporma, hagdanan, rampa, umiikot na pinto at umiikot na mga gulong. Ang makina mismo ay hindi naglalarawan ng anuman. Nagsilbi lamang itong suporta, isang instrumento para sa paglalaro ng mga aktor - tulad ng isang kumplikadong kumbinasyon ng mga springboard, trapeze at gymnastic machine. Sa kabila ng gayong mga pagsusuri at ang katotohanan na si Meyerhold mismo at si Popova ay hindi isinasaalang-alang ang pagganap na ito bilang isang modelo, naimpluwensyahan niya (ang pagganap) ang maraming mga desisyon sa teatro noong 20s, kabilang ang disenyo ng "Death of Tarelkin" ni Stepanova, ang disenyo ni A. Vesnin " Ang Tao na Noong Huwebes (1923).

Kanan: A. Vesnin. Sketch ng cover ng programa mula sa fig. Phaedra (A. G. Koonen) at Theseus (K. V. Eggert) para sa dulang "Phaedra", 1922

V. Stepanova. Poster para sa dulang "Death of Tarelkin". 1922. Sketch para sa isang poster na nakatuon sa Sun. Meyerhold

Mahal si Popova. Pagganap

Kaliwa: e Sketch ng costume ni Balda. Sa kanan: eh Sketch ng costume ni Popadya

Mahal si Popova. Pagganap"Ang Kuwento ng Pari at ng Kanyang Manggagawa na si Balda", 1919.

Kaliwa: e sketch ng costume ni Balda sa isang sombrero. Sa kanan: eh sketch ng kasuotan

L. Popova. Pagganap"Chancellor at locksmith", 1921.

Kaliwa: e sketch ng costume ng isang babae sa isang asul na hood. Tama: ehsuit sketch ng isang lalaking naka green

N. Goncharova. Sketch ng tanawin para sa unang pagkilos ng opera-ballet na The Golden Cockerel, 1914

Ang "paghahanap" na ito ni Popova ay nagdulot ng parehong papuri at malupit na pagpuna. Halimbawa, sumulat si I. Sokolov pagkatapos ng pagtatanghal: "... mahirap isipin ang anumang mas bulgar, bastos at walang lasa kaysa sa umiikot na mga gulong ng pula at itim ng pari na disenyo ng Cuckold, na nagpapataas ng damdamin ng paninibugho o kahambugan" .

"Maraming Ruso na artista, makata at direktor ang sinasadyang nagtataguyod ng "bulgar" na mga anyo ng sining sa mga nangungunang posisyon sa hierarchy ng sining sa mga unang taon ng ika-20 siglo. Nais nilang alisin ang maling, tulad ng tila sa kanila, halo mula sa mga tradisyonal na istilo ng "ihagis si Pushkin, Dostoevsky, Tolstoy at iba pa. at iba pa. atbp. mula sa steamboat ng modernong panahon". Ito ay talagang ligaw - isang senyales upang hamunin si Raphael at palitan si Verdi ng Vampuka.

Gustuhin man natin ang pagliko ng mga kaganapan o hindi, naimpluwensyahan ng mga avant-garde na artista ng Russia ang karagdagang ebolusyon ng teatro, sa partikular, sining ng teatro at pandekorasyon. Sa pagtatapos ng 30s. Ang "Mahusay na Eksperimento" ay halos nakalimutan. Sinulat ni Ilya Shlepyanov noong 1938 na "Mga sinehan sa Moscow< …>ngayon ay mukhang isang serye ng mga sasakyang pang-komunikasyon - ang antas ng tubig ay pareho.

Sa paunang salita sa The Artists of the Russian Theater, isinulat ni John Boult: "Sa kabutihang palad, ang mga mahuhusay na artista ng bagong henerasyon, tulad nina Sergei Barkhin, Eduard Kochergin, Valery Leventhal at Enar Stenberg, ay naibalik ang kanilang malikhaing koneksyon sa mahusay na mga tradisyon ng simula. ng siglo,<…>pagkakaroon ng muling pagtuklas ng masining, pampanitikan at musikal na mga tagumpay ng modernistang panahon, sila ay naging mas nababaluktot, madaling kapitan ng pag-eeksperimento.

Kaliwa: Anat. Petritsky. Disenyo ng costume para sa Medora para sa ballet na Le Corsaire, 1926

Kanan: L. Popova. Kasuotan ng kababaihan para sa dulang "Priest Tarquinius", 1922

N. Goncharova. B allet "Liturhiya", 1915.

Kaliwa: e sketch ng costume ng mangkukulam. Kanan: sketch ng costume ng St. Petra

N. Goncharova. B allet "Liturhiya", 1915.

Kaliwa: e sketch ng costume ni Kristo. Kanan: sketch ng costume ng St. tatak

Sa pagtatapos ng artikulong ito, idaragdag ko na ang mga kabataang artista ngayon ay madalas na bumaling sa masining na paraan ng pagpapahayag, katangian ng avant-garde na sining. Ako ay nasa pagtatanggol ng mga diploma ng mga artista na ginawa ng Moscow Art Theatre School-Studio at, halimbawa, sa paglabas noong nakaraang taon, 2/3 ng mga gawa sa pagtatapos ay literal na ganap o fragmentarily na nalutas sa istilong avant-garde . Ang ganitong mga masining na solusyon ay naroroon kapwa sa mga sketch ng mga costume at sa scenography.

Eschatology - (mula sa Greek eschatos - extreme, last at logos - teaching) (relihiyon sa kasaysayan). Sa iba't ibang relihiyon - ang doktrina, ang ideya ng katapusan ng mundo, ang huling kapalaran ng sangkatauhan, ang tinatawag na. kabilang buhay, atbp. Jewish eschatology. Kristiyanong eskatolohiya.

Malevich K. Sa mga bagong sistema sa sining. Vitebsk, 1919. P.10

Lissitzky Lazar Markovich (Mordukhovich) - Nobyembre 10 (22), 1890 - Disyembre 30, 1941.

El Lissitzky. Suprematismo at muling pagtatayo ng mundo. (sa Ingles) London, 1968, p. 328

El Lissitzky. Abstract sa PROUN (mula sa pagpipinta hanggang sa arkitektura). 1920. Binanggit. mula sa aklat: Masters of Soviet Architecture on Architecture. M., 1975, v.2. P.133 - 134.

Tairov A.Ya. Mga Tala ng Direktor. Mga artikulo, pag-uusap, talumpati, liham. M., 1970. P.163

Yelagin Y. Dark genius. New York, 1955. pp. 248-249.

Sokolov I. Theatrical constructivism. (Chamber Theatre). - "Theatre and Music", 1922, December 19, No. 12. P.288

Mula sa manifesto ng mga futurist na "Isang sampal sa harap ng pampublikong panlasa." M., 1912, p.3.

"Wampuka - African Bride", ang tinatawag na. "Huwarang opera sa dalawang gawa" ni V. Erenberg, libretto ni M.N. Volkonsky, ay itinanghal sa "Crooked Mirror" sa St. Petersburg, 1909. Ang "Vampoka" ay naging magkasingkahulugan ng operatic routine at masamang lasa.

Ang pamagat ng unang edisyon ng kahanga-hangang pag-aaral ni Camille Gray ng Russian avant-garde.

Ilya Shlepyanov. Ed. B. Graeva. M., 1969. S.22

Mga artista ng teatro ng Russia 1880-1930. Text ni Jln Boult. M., 1991. P.63

Popova Lyubov Sergeevna

Lyubov Popova

(1889 - 1924)

Sa kanyang maikling buhay, si L.S. Popova ay nagpunta sa lahat ng paraan ng Russian avant-garde - mula sa Cezannism, sa pamamagitan ng cubism at futurism hanggang sa suprematism, at pagkatapos ay sa constructivism, at mula sa easel painting hanggang sa industriyal na sining; pinamamahalaang magtrabaho sa mga graphics ng libro (mga pabalat para sa magazine na "Lef", 1921; para sa aklat ni P.A. Aksenov na "Eiffelia. Thirty Ones", 1922) at mga poster, sa teatro ("The Magnanimous Cuckold" ni F. Krommelink sa Actor's Theater , 1922, at "The Earth on End" ni S.M. Tretyakov sa V.E. Meyerhold Theater, 1923) at sa disenyo ng tela (mga sketch ng tela, burda, damit) - at saanman ang kanyang mga eksperimento ay minarkahan ng mga espesyal na organiko.

Isang kalahok sa lahat ng makabuluhang eksibisyon ng avant-garde ("Tram", "O, 10", "Shop", "5x5 = 25"), isang propesor ng Vkhutemas at isang aktibista ng Inkhuk, namatay siya nang hindi inaasahan, mula sa iskarlata na lagnat (bago pagkawala ng kanyang asawa, at ilang araw bago ang kanyang kamatayan - ang kanyang anak), namatay sa pagtaas ng talento.

Ginawa ni Popova ang kanyang mga unang hakbang sa pagpipinta, nag-aaral sa mga pribadong studio ng S.Yu. Zhukovsky at K.F. Yuon (1907-08), sa studio na "Tower" (kasama ang V.E. A.A. Vesnin, 1912) at sa Paris Academy "La Palette" kasama sina A. Gleize at J. Metsenger (1913).

Ang Cubism, na nakita sa Paris, ay pinatong sa pag-ibig para sa icon ng Russia at sa Renaissance ng Italya; ang klasikal na panukala ay nakaapekto rin sa mga kasunod na di-layunin na mga gawa ni Popova - kapwa noong siya ay naging miyembro ng Supremus group (1915) at isinama ang kanyang bersyon ng "common faith" sa seryeng "Picturesque architectonics" (1916-18), at pagkatapos nang lumipat siya sa "picturesque constructions" (1920) at "space-force constructions" (1921), at pagkatapos ay nang tuluyan na siyang umalis sa pagpipinta para sa produksyon ng tela. Ang kanyang mga gawa ay dayuhan sa mga pathos ng cosmism - sa halip, sa iba't ibang yugto ng kanyang trabaho, siya ay naghahanap ng isang istruktura at maharmonya na batas ng istraktura ng pagiging, sinusubukang ikalat ang natagpuan na pagkakaisa sa lahat ng dako.

__________________________

Si Lyubov Sergeevna Popova ay ipinanganak sa Krasnovidovo estate (Ivanovskoye village) malapit sa Mozhaisk, sa isang merchant family.

Ang lolo sa tuhod ng kanyang ama ay isang miller, ang ama na si Sergei Maksimovich Popov ay nagmamay-ari ng mga pabrika ng tela at mayaman. Ang pamilya ng ina, Lyubov Vasilievna, nee Zubova, ay kabilang sa edukadong bahagi ng klase ng mangangalakal at gumawa ng isang makabuluhang kontribusyon sa kasaysayan ng kulturang Ruso. Ang isa sa mga Zubov, ang lolo ng artist, ay ang may-ari ng mga natatanging nakayukong instrumento - Stradivari, Guarneri, Amati violins, na ngayon ay ipinagmamalaki ng State Collection of Unique Instruments of Russia, at isang malawak na koleksyon ng mga barya ng kanyang anak na si Pyotr Si Vasilyevich, na naibigay sa Historical Museum, ay naging batayan ng kanyang numismatic department.

Ang mga magulang ay mahusay na connoisseurs ng musika at teatro at nagtanim ng pagmamahal sa sining at mga bata: Pavel, Sergey, Lyubov at Olga. Itinuro sa kanila ng artist na K. M. Orlov ang mga unang aralin sa pagguhit. Nagsimula ang edukasyon sa gymnasium ni Lyubov Sergeevna sa Yalta, kung saan nanirahan ang pamilya noong 1902-1906. Sa pagtatapos, nasa Moscow na, nag-aral si Popova ng philology sa mga kursong pedagogical ng A.S. Alferov at, sa parehong oras, noong 1907, nagsimula ang kanyang seryosong edukasyon sa sining sa drawing studio ng S.Yu. Zhukovsky.

Mula sa panahon ng mga klase noong 1908-1909 sa School of Drawing and Painting nina K.F.Yuon at I.O.Dudin, ilang mga maagang landscape na may mga genre na motif ang napanatili. Ang kaakit-akit na "Mga Bahay", "Tulay", "Washerwomen", "Sheaves" sa pamamagitan ng pagpapalakas ng patag, pandekorasyon na diskarte sa paglipat ng kalikasan, ay naiiba sa mga gawa ng mga guro na nagtrabaho sa diwa ng katamtamang impresyonismo.

Sa susunod na tatlong taon, si Lyubov Sergeevna ay gumuhit ng maraming, nag-aral ng kasaysayan ng sining at gumawa ng maraming mga paglalakbay kasama ang kanyang pamilya sa paligid ng Italya at makasaysayang mga lungsod ng Russia. Ang naipon na mga impresyon ng sining ng Italyano at mga mural ni Vrubel na nakita noon sa Kyiv, ang sinaunang pagpipinta ng icon ng Russia at pagpipinta sa dingding sa Yaroslavl, Rostov, Vladimir ay talagang nagpakita ng kanilang sarili sa ibang pagkakataon, sa mature na panahon ng kanyang trabaho.

Ang mga gawa ng huling bahagi ng 1900s - graphic at pictorial na "sitters" at "sitters", ay nagpapatotoo sa pagkahilig para sa trabaho ni Cezanne at bagong French art. Sa mahusay na pagtitiyaga, si Popova ay nagtrabaho sa iba't ibang mga liko ng mga katawan, maingat na pinag-aralan ang kahubaran, na inilalantad dito ang nakabubuo na batayan ng mga numero. Ang isang katulad na saloobin sa mga gawain ng pagpipinta ay nakikilala sa maraming mga nagsisimula noon na mga artista, lalo na, sina Lentulov at Tatlin, kung saan sila naging kaibigan sa studio ng Tower sa Kuznetsky Most.

Sa oras na iyon, ang isang paglalakbay sa Paris ay isang natural na pagpapatuloy ng hindi pang-akademikong edukasyon. Lyubov Sergeevna sa kumpanya ng lumang governess A.R. Ginugol ni Dege ang taglamig ng 1912-1913 doon. Ang magkasanib na mga klase sa studio na "La Palette" sa loob ng mahabang panahon ay nagdala sa kanya ng mas malapit sa V. Pestel, N. Udaltsova at V. Mukhina, na nag-aral doon. Ang kapaligiran ng artistikong kabisera ng Europa at ang mga aralin nina J. Metzinger, A. Le Fauconnier at A. de Segonzac ay nakatulong kay Popova na i-orient ang sarili sa mga uso sa pag-unlad ng sining ng Europa.

Sa kontemporaryong sining ng Russia, nagsimula na ang aktibong pag-unlad ng iba't ibang impluwensya: French cubism, Italian futurism, German expressionism. Si Popova ay kabilang sa mga Russian artist na noong 1910s ay natagpuan ang kanilang mga sarili sa harapan ng European art at ginawa ang kanilang mga paraan out, isang pambihirang tagumpay sa non-objectivity, sa isang bagong pag-unawa sa artistikong espasyo. Ang kanyang trabaho ay naipon ang mga ideya ng Malevich's Suprematism, ang bagong materyalidad ni Tatlin, at pagkatapos ay umunlad ito, at si Popova ay napalapit sa pagbuo ng mga prinsipyo ng konstruktibismo.

Ang sandali ng muling pag-iisip ng natural na pangitain ay minarkahan ng mga gawa ng 1913 na "Two Figures" at "Standing Figure", na ginawa ni Popova pagkatapos bumalik sa Moscow. Kasunod ng mga cubist, ang artista ay kumilos bilang isang tagabuo ng mga volume ng kulay. Sa mga canvases, pati na rin sa mga guhit sa paghahanda para sa kanila, matapang niyang ginawa ang mga figure ng mga modelo sa isang artikulasyon ng mga stereometric volume, na inilalantad ang mga palakol ng koneksyon ng ulo, balikat at braso. Ang "pagguhit" na mga linya ng puwersa ay inalis mula sa ranggo ng mga pantulong na elemento ng pagguhit, sila ay tumagos sa buong espasyo ng larawan, at ang kanilang mga intersection ay bumubuo ng mga bagong pictorial-spatial na anyo at ritmo.

Si Lyubov Popova noong 1910s ay tumayo mula sa Moscow "artistic" na kabataan na "para sa lahat ng kanyang pagkababae, mayroon siyang hindi kapani-paniwalang talas sa pang-unawa sa buhay at sining." Ang bilog ng kanyang mga taong katulad ng pag-iisip ay ang mga artista na si N.S. Udaltsova, A.A. Vesnin, A.V. Grishchenko, pilosopo P.A. Florensky, mga istoryador ng sining B.R. Vipper, M.S. Sergeev, B.N. von Eding, na kalaunan ay naging asawa niya. Ang mga seryosong teoretikal na talakayan tungkol sa sining ay naganap sa lingguhang pagpupulong sa studio ni Popova sa Novinsky Boulevard, at ang mga pag-uusap na ito ay naghanda sa artist para sa kanyang hinaharap na gawain sa pagtuturo.

Matapos pumasok sa mainstream ng modernong sining, noong tagsibol ng 1914, kailangan ni Popova ng isa pang paglalakbay sa Paris at Italya bago siya nagpasya na ipakita sa publiko ang kanyang mga gawa. Sa pamamagitan ng mga bagong mata ay tiningnan niya ang mga monumento ng arkitektura ng Renaissance at Gothic, pinag-aralan ang mga batas ng kanilang mga ugnayang komposisyon at ang malakas na kapangyarihan ng mga kumbinasyon ng klasikal na kulay. Bumalik siya sa Russia ilang sandali bago magsimula ang World War II. Maraming mga artista mula sa kanyang bilog ang pumunta sa harap noong 1914, ngunit ang kanyang malikhaing buhay ay hindi tumigil, at sa lalong madaling panahon si Popova ay nakibahagi sa eksibisyon ng samahan ng Jack of Diamonds sa unang pagkakataon. Tulad ng sinabi ng istoryador ng sining na si D.V. Sarabyanov, "nagpaalam siya sa kanyang mahiyain na nakaraan" dito.

Ang isang karagdagang, mas mature na panahon ay minarkahan ng pakikilahok sa mga cubo-futuristic exhibition ng 1915-1916 - "Tram B", "0.10", "Shop".

Isang tagasuporta ng cubo-futurism, "isang estilistang uso na lumitaw sa Russia salamat sa mga pagsisikap ng mga futurist na makata at pintor na Malevich, Rozanova, Exter, Kruchenykh", sumulat si Popova noong 1914-1915 ng isang serye ng mga cubist one-figure na komposisyon (" Manlalakbay", "Man + Air + Space") , mga portrait ("Portrait of a Philosopher", "Sketch for a Portrait") at mga still life na naglalarawan ng mga instrumentong pangmusika. Ang mga paboritong tema ng kanyang mga kuwadro na gawa - "Violin", "Guitar", "Clock" - ay hiniram mula sa iconography ng French cubists, Picasso at Braque. Ang mga plot na ito ay naging posible upang biswal na mabulok ang tilapon ng pendulum ng orasan sa magkakahiwalay na mga fragment, elemento ng paggalaw, o "visual" na nagpapakita ng mahabang tunog ng isang tunog, o kung hindi man ay "beat", pagsamahin ang Cubist analytical "decomposition" ng isang tatlong -dimensional na bagay sa isang eroplano at ang futuristic na simultaneity ng paggalaw. Para kay Popova, ang mga larawan ng mga fragment ng biyolin, ang fretboard at soundboard nito, ang mga kurba ng gitara, ay hindi lamang isang pagpupugay sa modernong tradisyon. Ang mga form na ito ay may ibang, mas "animated" na kahulugan para sa kanya. Pagkatapos ng lahat, mula pagkabata, narinig niya ang mga kamangha-manghang kwento tungkol sa "nominal" na mga instrumento mula sa koleksyon ng kanyang lolo.

Ang mga nilalaman ng still lifes at portraits ng artist ay lubos na materialized. Ang mga ito ay kinumpleto ng mga indibidwal na titik o salita, pati na rin ang mga collage ng mga sticker, wallpaper, mga tala, mga baraha. Ang mga naka-texture na pagsingit ay ginawa rin sa gypsum bilang bumpy na "substrate" para sa pintura, o iginuhit gamit ang isang suklay sa ibabaw ng basang pintura at mukhang mga kulot na guhit. Ang nasabing "mga pagsasama" sa nakalarawan na ibabaw ng gawa ng mga tunay na label, ang mga pahayagan ay nagpakilala ng mga bago, hindi makatwiran, mga nauugnay na koneksyon sa nilalaman. Nadagdagan nila ang pagpapahayag ng mga kuwadro na gawa, binago ang kanilang pang-unawa. Mula sa isang ilusyon ng totoong mundo, ang gawain mismo ay naging isang bagong bagay ng mundong ito. Ang isa sa mga still lifes noong 1915 ay tinawag na "Objects".

Aktibong binuo ng artist ang mga ideya ni Tatlin, ang lumikha ng unang counter-relief - "mga pagpipilian sa materyal", at nag-alok ng kanyang sariling orihinal na bersyon ng counter-relief. Ang "A Jug on the Table" ay isang plastik na pagpipinta kung saan organikong pinapanatili ng Popova ang pagkakaisa ng kulay at pagkakayari sa mga flat at convex na bahagi ng imahe, na nagbibigay sa spatial na komposisyon ng mga katangian ng isang bagay sa pagpipinta.

Mula sa mga unang independiyenteng gawa, patuloy na hinahangad ng artist na "bumuo" ng isang easel painting at gawing isang suite ng intersecting color planes ang statics at dynamics ng mga form. Ang karagdagang pag-iisip ng larawan-bagay, ang larawan-bagay, ay humantong sa artist sa hindi layunin na pagpipinta. Ang abstraction ng isang tiyak na paksa sa antas ng mga simpleng geometric na anyo, na sinimulan ni Malevich at Tatlin, ay organikong tinanggap ni Popova. Ang isang tiyak na papel sa pag-master ng partikular na wika ng abstract na sining ay ginampanan din ng isang paglalakbay sa Turkestan noong tagsibol ng 1916, kung saan nakilala niya ang pinaka sinaunang mga monumento ng arkitektura ng Islam sa Bukhara at Khiva, na kilala sa kanilang mga halimbawa ng geometric na palamuti. .

Ang mga canvases na may pamagat na "Picturesque architectonics" ay nagmamarka ng isang bagong pagliko sa gawain ni Popova. Mahirap husgahan nang eksakto kung ang kanyang unang hindi matalinghagang pagpipinta, na minarkahan sa catalog ng posthumous exhibition noong 1915, ay ginawa bago o pagkatapos na makilala ng artist si Malevich, na lumikha ng kanyang Black Square noong 1915. Ngunit noong 1916-1917, lumahok si Popova sa organisasyon ng Supremus society, kasama ang iba pang mga kasama ng Malevich - O. Rozanova, N. Udaltsova, I. Klyun, V. Pestel, N. Davydova, A. Kruchenykh.

Sa pagpipinta na "Picturesque architectonics. Itim, pula, kulay abo" (1916), napagtanto ni Popova ang isa sa kanyang mga graphic sketch ng tanda ng lipunang "Supremus". Ang itim na quadrangle na inilagay sa gitna ng di-layunin na komposisyon ay malinaw na tumuturo sa Malevich's "Black Square", ngunit ang gawa ni Popova ay naiiba sa "square" sa matalinghagang nilalaman. Ang kulay sa interpretasyon ni Malevich - itim, puti - ay simbolikong lumiliko patungo sa kawalang-hanggan, espasyo, ang kailaliman ng mga posibilidad na nakatago sa loob nito, hindi ito mahigpit na nakaugnay sa isang tiyak na anyo, tulad ng nangyayari sa Popova. Ang mga kulay na eroplano ng tatlong figure ng kanyang komposisyon, sa kabaligtaran, ay mas materyal, hindi sila "lumulutang sa kawalan ng timbang" gaya ng mga anyo ng Suprematist na gawa ni Malevich, Rozanova at Klyun.

Ang mga di-layunin na komposisyon ay hindi sinasadyang tinatawag na "architectonics" ni Popova. Wala silang tunay, functional, tectonicity ng mga istruktura ng gusali, ngunit pictorial architectonicity, pictorial power, plastic monumentality, espesyal na kalinawan at pagkakatugma ng mga form. Sa paglikha ng ganitong uri ng pagpipinta, ginamit ng artist ang kanyang karanasan sa pag-aaral ng sinaunang arkitektura ng Russia at ang mataas na pagkakasunud-sunod ng Renaissance European art. Sa higit sa apatnapung mga gawa ng maraming seryeng ito, walang monotony ng pag-uulit ng mga motibo; ang lahat ng "plot" ay parang mga independiyenteng tema dahil sa kayamanan ng kanilang marka ng kulay.

Ang mga komposisyon ng 1916-1917 at 1918 ay nakikilala rin sa pamamagitan ng kaugnayan sa pagitan ng mga puwang ng mga kuwadro na gawa at ang mga anyo na nahuhulog sa kanila. Sa unang yugto, inayos ni Popova ang mga geometric na figure, ang pangunahing "mga character" ng mga kuwadro na gawa, sa mga layer, na nagbigay ng ideya ng lalim ng larawan, at nag-iwan ng puwang para sa background, sa gayon ay pinapanatili ang "memorya" ng Suprematist na espasyo.

Sa "architectonics" ng 1918, ang background ay ganap na nawala. Ang mga ibabaw ng mga kuwadro na gawa ay napuno hanggang sa limitasyon ng mga figure - sila ay masikip, ang isang anyo ay sumasalubong sa isa pa sa ilang mga lugar, binabago ang saturation ng kulay: lumilitaw ang mga break ng form kasama ang mga linya ng mga intersection, ang mga kakaibang "gaps" ay lilitaw, ang epekto ng "pagsalamin ” ng mga eroplano ay nilikha, ngunit ang kanilang mga kulay ay hindi pa rin naghahalo . Ang layering ng Suprematist colored planes ng unang "architectonics" noong 1918 ay pinalitan ng isang dialogue ng mga form, na puno ng enerhiya, ang dynamics ng mga banggaan at ang kanilang interpenetrations.

Ang pag-unlad ng maliwanag na indibidwalidad ng artista ay nahulog sa kritikal na digmaan at mga rebolusyonaryong taon, kasama ang kanilang mga panlipunang kaguluhan at mga personal na pagsubok, na naantala ang pare-parehong pag-unlad ng artist nang ilang sandali. Mula Marso 1918 hanggang taglagas 1919, nakaranas si Lyubov Sergeevna ng maraming mga kaganapan - kasal kay Boris Nikolaev von Eding, ang kapanganakan ng isang anak na lalaki, lumipat sa Rostov-on-Don, typhus at pagkamatay ng kanyang asawa. Siya mismo ay nahihirapang dumanas ng typhoid fever at typhus at nagkaroon ng matinding sakit sa puso. At iyon ang dahilan kung bakit walang mga gawa na may petsang 1919 sa pamana ni Lyubov Popova.

Ang artista, na bumalik sa Moscow, ay suportado ng mga kaibigan, lalo na ang pamilyang Vesnin, at ang kanyang pagbabalik sa propesyon ay dahan-dahang nagsimula. Lumahok si Popova noong 1919 kasama ang kanyang mga naunang gawa sa X State Exhibition na "Non-Objective Creativity and Suprematism". Ang kanyang mga pintura ay binili noon para sa museo bureau ng People's Commissariat of Education. Sinuportahan nito kahit papaano ang artista hindi lamang sa pananalapi. Ipinadala ng Department of Fine Arts ng People's Commissariat of Education ang mga biniling gawa sa mga eksibisyon at sa mga bagong organisadong museo ng kulturang nakalarawan. Noong 1920s, ang mga gawa ni Popova ay nakarating sa mga hindi inaasahang sulok ng Soviet Russia at mula noon sila ay nasa mga museo sa Vladivostok, Vyatka, Irkutsk, Krasnodar, Nizhny Novgorod, Smolensk, Perm, Tobolsk, Tula, Tashkent, Yaroslavl, St. Petersburg at Moscow. Ang ilan sa kanila, kasama ang mga gawa ng iba pang mga artista, ay kumakatawan sa sining ng Russia sa isang eksibisyon sa Berlin noong 1922 at sa Venice Biennale noong 1924.

Ang bagong pag-unawa ni Popova sa mga pormal na problema ay ipinakita mismo sa mga gawa na may pamagat na "Construction" at "Space-Force Constructions".

Ang pinakasikat na "Construction" ay ginawa noong 1920 sa likod ng isang malaking "Picturesque Architectonics" noong 1916-1917. Ito ay isang dynamic at monumental na komposisyon, bristling na may itim na matutulis na triangles-ngipin, na may isang itim na scythe at dalawang krus. Sa larawan, lumilitaw ang spiral motif ni Popov, bago sa pagkamalikhain, bilang isang higanteng funnel, na nagpapalabas ng mga namuong enerhiya at maliliit, "random" na mga anyo. Ang spiral na ito ay bubuo, umiikot pataas, pataas, sa kabila ng madilim na mga tatsulok ng harapan na humahadlang sa pag-unlad nito. Ang mga figure at eroplano sa larawan ay walang katatagan, sila ay nakadirekta sa kalawakan, ang kanilang paggalaw ay multidirectional, at samakatuwid ay nagkakasalungatan.

Ang buhay ng abstract geometric figure ng larawang ito ay naglalaman, sa antas ng pagmuni-muni ng kamalayan sa isang mediated form, ang sariling drama ng artist na naranasan ng artist. Ang "Architectonics" at "Construction", na nilikha sa isang canvas, ay sumasalamin sa dalawang pinakamahalagang panahon sa trabaho ni Popova at sa kanyang buhay din.

Ang dalawang-panig na gawain sa maraming paraan ay isang programmatic na gawain din dahil ito ang naging huling canvas sa gawa ni Popova. Pagkatapos niya ay sunud-sunod na sundin ang kanyang "Mga Konstruksyon". Mayroong halos 10 sa kanila, at lahat ng mga ito ay ginawa na sa unprimed plywood o papel.

Ang kulay at texture ng kahoy na base ay kumikilos bilang mga aktibong elemento ng mga abstract na komposisyon sa kanila, na binubuo ng mga intersecting na linya at eroplano. Upang mapahusay ang kaibahan ng texture ng isang bilang ng mga gawa at gawing mas nagpapahayag ang mga ito, ang artist ay gumagamit ng plaster at metal chips. Kasabay nito, ang espasyo ay itinalaga sa makasagisag na paraan - sa pamamagitan ng mga linya ng openwork abstract na mga disenyo. Ang color palette ay understated at sopistikado.

Ang oras pagkatapos ng rebolusyon ay nangangailangan ng aktibong pakikilahok mula sa mga taong malikhain sa samahan ng buhay kultural, inilapat na pag-aaral, at maraming mga artista ang pumasok sa mga namamahala na katawan ng bagong estado. Noong 1920 nagkaroon din ng pagpapalawak ng saklaw ng mga propesyonal na interes ni Popova. Kasama ang kanyang mga kasamahan - Udaltsova, Vesnin, Kandinsky - nagtatrabaho siya sa Institute of Artistic Culture, unti-unting lumalapit sa isang pangkat ng mga constructivist-productionist, nagtuturo sa VKhUTEMAS. Ang huling panahon ng trabaho ni Popova ay naganap sa dibdib ng "produksyon" na sining. Ang artist ay nagsimulang magdisenyo ng mga libro, magasin, theatrical productions, paggawa ng mga poster at maging ang pagbuo ng mga sketch para sa mga tela at mga modelo ng damit.

Ang debut ni Popova sa teatro sa disenyo ng "Romeo and Juliet" ni W. Shakespeare ay tila hindi masyadong matagumpay para sa direktor na si A. Tairov, at nang itanghal ang pagtatanghal, ginamit niya ang mga sketch na ginawa ni A. Exter. Habang nagtatrabaho sa isang papet na palabas batay sa fairy tale ni A.S. Pushkin "Tungkol sa pari at sa kanyang manggagawang si Balda", naalala ni Popova ang kanyang nakaraang karanasan sa pag-aaral ng katutubong sining. Noong 1916, gumawa siya ng mga sample ng Suprematist embroidery para sa Verbovka enterprise, at samakatuwid sa pagkakataong ito ay matapang niyang inisip muli ang estilo ng katutubong sining at tanyag na pag-print.

Ang mga costume at sketch para sa paggawa ng "The Chancellor and the Locksmith" batay sa dula ni A. Lunacharsky, na isinagawa ng mga direktor na sina A.P. Petrovsky at A. Silin, ay nagdala ng mga elemento ng isang futuristic na pag-unawa sa espasyo at lakas ng tunog, na matagal nang nawala mula sa ang kanyang easel art.

Mahalaga ang pagpupulong ni Popova at V.E. Meyerhold noong 1922. Ginawa nila ang dulang "The Magnanimous Cuckold" ni F. Krommelink sa isang panimula na makabagong gawain ng sining sa teatro. Upang palamutihan ang entablado ni Popova, isang spatial na pag-install ang idinisenyo, na pinalitan ang pagbabago ng tanawin sa panahon ng pagtatanghal. Ang kanyang imahe ay batay sa tema ng isang gilingan na may mga gulong, isang windmill, isang chute at mga intersecting na diagonal na istruktura. Walang kahit isang pahiwatig ng isang pakunwaring pag-unawa sa espasyo ng entablado sa disenyo nito. Ang graphic na kalidad ng buong komposisyon ay katulad ng mga poetics ng pinakabagong easel na "spatio-power constructions". Ang halaga ng bagong aparato, na imbento ni Popova upang maglaro ng mga aktor ayon sa sistema ng Meyerhold at ayon sa mga batas ng biomechanics, ay hindi limitado sa kasaysayan ng teatro at pag-unlad ng constructivism sa arkitektura. Ang natapos na gawaing sining ay mahalaga bilang isang aesthetic na bagay at bilang isang functionally made na bagay.

Isang araw pagkatapos ng premiere, naganap ang "Trial of Popova" sa INHUK. Inakusahan ng mga kasamahan sa konstruktivist si Popova ng "napaaga na lumingon sa teatro, dahil sa katotohanan na ang konstruktivism ay hindi pa hinog para sa paglabas mula sa estado ng eksperimentong laboratoryo." Ang ganitong mga malikhaing talakayan ay nasa diwa ng kolektibistang pamumuhay noong mga taong iyon. Ang "pangungusap" sa artist ay pinalambot ng kuwento mismo, na inskripsiyon ang karanasang ito ni Popova sa mga talaan ng sining ng ikadalawampu siglo, at si Vsevolod Meyerhold, na kaagad pagkatapos ng unang pinagsamang gawain, ay inanyayahan si Popova na ituro ang kursong "Ang materyal na disenyo ng pagganap" sa kanyang mga mag-aaral sa State Higher Directing Studios.

Noong 1923 ay naglabas sila ng isa pang pagtatanghal na magkasama - "The Earth on End" batay sa dula ni M. Martinet. Ang mga paglalarawan ng theatrical performance at reproductions ng isang plywood plank montage na may sketch ni Popova ay napanatili. Ang pangunahing elemento ng permanenteng disenyo ay isang napakagandang istraktura (ngunit hindi na ang "imahe" ng isang tunay na istraktura, isang gilingan, na siyang istraktura sa "Cuckold"), ngunit isang literal na kahoy na pag-uulit ng isang gantry crane. Ang mga plywood board na may mga slogan-poster at mga screen ay ikinakabit sa istrukturang ito, kung saan ang mga newsreel ay inaasahang. Ito ay isang uri ng agitation-mass art ng mga unang rebolusyonaryong taon, na idinisenyo para sa mga parisukat, mabilis na pagbabago at isang malaking bilang ng mga tao. Ang manonood ay na-set up para sa isang aktibo, lubos na na-update na pananaw ng balangkas. Nagtagumpay si Popova sa nakakagulat na maikling pagsasama-sama ng functional constructiveness at concentrated imagery sa information richness.

Gaya ng isinulat ni Ya. Tugenhold, "ang pagiging prangka ng artista ay hindi nasisiyahan sa ilusyon ng teatro - naakit siya sa huling lohikal na hakbang, sa pagpapakilala ng sining sa mismong produksyon." Sa mga taong ito, gaya ng itinala ni N.L. Adaskina sa Popova, isang post-non-objective na "attitude sa pictorial art, batay sa eskematiko na kalinawan ng imahe, na nagpapakita ng pagiging tunay ng dokumentaryo nito. Nagpapakita ito ng sarili sa disenyo ng libro, interes sa pagbuo ng mga font, sa montage ng teksto na may mga litrato. Kaya, halimbawa, Popova sa disenyo ng pabalat para sa aklat ng mga tula ni I.A. Aksenov "Eiffel. 30 od” hindi inaasahang nag-post ng mga larawan ng mga de-kuryenteng motor.

Ang apela sa katotohanan ay bahagi ng programa ng bagong pang-industriyang sining, na naghangad na magtatag ng mga bagong prinsipyo ng pagbuo ng buhay. Ang mga ideyang utopian sa panahon ng Art Nouveau at Art Nouveau ay naulit sa bagong yugto ng constructivist sa pagbuo ng wika ng sining.

Si Popova, sa loob ng balangkas ng mga gawaing ito, ay bumaling sa paglikha ng mga sketch para sa mga tela at damit, na nagmumungkahi sa pamamagitan ng gawaing ito na magpatuloy sa pagdidisenyo ng isang bagong imahe at pamumuhay. Ang kanyang mga tela, na ginawa sa isang cotton-printing factory (dating Tsindelya), ay popular. Noong tagsibol ng 1923, ang lahat ng Moscow ay nagsuot ng mga damit na gawa sa mga tela batay sa mga guhit ng artist, nang hindi nalalaman. Sinabi ni Popova na walang kahit isang artistikong tagumpay ang nagdulot sa kanya ng labis na kasiyahan gaya ng makita ang isang babaeng magsasaka o manggagawa na bumili ng isang piraso ng kanyang tela. Gayunpaman, ang mga damit na idinisenyo ni Popova ay ipinaglihi para sa isang bagong uri ng babaeng nagtatrabaho. Ang kanyang mga pangunahing tauhang babae ay hindi "proletaryong manggagawa", ngunit mga empleyado ng mga institusyong Sobyet o magagandang dalaga na sumusunod sa uso at alam kung paano pahalagahan ang kagandahan ng isang simple at functional na hiwa.

Ang kanyang mga modelo ay napaka-mapanlikha; kapag nilikha ang mga ito, ang artist ay umasa sa karanasan ng paglikha ng parehong theatrical costume at ang kanyang "constructivist" na bagahe ng mga ideya. Si Popova ay gumawa lamang ng mga dalawampung sketch ng mga damit, at lahat ng mga ito ay naging isang tiyak na programa para sa higit pang mabungang pag-unlad ng pagmomolde ng kasuutan.

Mahirap isipin sa kung ano ang ibang lugar ang maliwanag na personalidad ng artista ay magkakaroon ng oras upang ipakita ang sarili, kung ang trabaho at buhay ng artista ay hindi natapos sa isang mataas na tala. Si Lyubov Popova ay 35 taong gulang nang mamatay siya sa scarlet fever noong Mayo 1924, kasunod ng kanyang limang taong gulang na anak na lalaki.

Lyubov Sergeevna Popova — mahusay na artistang Ruso. Nagtrabaho siya sa iba't ibang genre ng avant-garde, kabilang ang cubism, cubo-futurism, constructivism, suprematism. Ipinanganak sa lalawigan ng Moscow, ang nayon ng Ivanovskoye, noong 1889. Mula sa pagkabata, napapalibutan siya ng pansin at hindi nangangailangan ng anuman, dahil ang kanyang ama ay isang napakayamang negosyante. Kasama sa bilog ng mga kaibigan ng pamilya ang mga sikat na tao, kabilang ang mga artista. Ang isa sa mga artista na si K. M. Orlov ay naging unang guro ng batang talento.

Matapos lumipat si Lyubov Popova sa Moscow, natanggap niya ang kanyang pangalawang edukasyon sa isang gymnasium at kumuha ng mga aralin sa paaralan ng sining ng kahanga-hangang pintor na si Konstantin Yuon. Gayundin, pinag-aralan ni Lyubov Popova ang sining ng pagguhit at pagpipinta sa Italya at Paris. Palagi siyang naaakit sa mga hindi karaniwang diskarte sa pagpapahayag ng sarili. Siya ay may napakahusay na sulat-kamay sa pagpipinta, at madali siyang maging isang pintor ng landscape, pintor ng larawan, mga eksena sa labanan sa pintura at iba pa, ngunit sa halip ay mas pinili niyang pumunta sa avant-garde. Lalo siyang naakit ng bagong imbentong istilo ng Malevich. Sa Suprematism, nakamit niya ang napakahusay na mga resulta, kung saan nakakuha siya ng katanyagan at katanyagan. Kasama ang ilang iba pang mga artista, siya ay miyembro ng Supremus art group, na inayos din ni Kazimir Malevich.

Bilang karagdagan sa Suprematism, nagtrabaho din siya sa iba pang mga genre ng avant-garde, nakikibahagi sa disenyo ng mga theatrical productions sa estilo ng constructivism, at nagtrabaho bilang isang taga-disenyo. Sa kasalukuyan ay itinuturing na isa sa mga pinakamaliwanag na kinatawan ng Russian avant-garde. Namatay siya sa scarlet fever noong 1924. Siya ay inilibing sa sementeryo ng Vagankovsky.

Kailangan mo bang mabilis at mahusay na maghatid ng mga bagay mula sa isang lugar patungo sa isa pa? Matutulungan ka ng Meteor courier service dito. Ang mga manggagawang may mataas na kasanayan ay gagawa ng kanilang trabaho sa transportasyon sa pinakamataas na antas.

Lyubov Popova

Grocery

Kaakit-akit na arkitekto

Cubic cityscape

Linear na komposisyon

Still life na may dalang tray

Pabalat ng magazine Mga Tanong ng Shorthand

Larawan ng isang pilosopo