Помощь по Теле2, тарифы, вопросы

Современное искусство сложно судить или оценивать, так как оно изначально выводит себя за рамки такой возможности. Хорошо, что есть Алексей Лифанов , который пусть и не японовед, но в исскустве разбирается лучше меня. Кто, если не Алексей, помог бы мне понять увиденное?
Да, японцы - народ странный. Впечатления от выставки на Гоголевском бульваре .

Экспонаты на выставке "Двойная перспектива" можно условно разделить на три части (по затронутой авторами тематике). Первая посвящена человеку и государству, роли идеологии в частной жизни, диктату социума над личностью. Вторая тема смежна: человек и его влияние на природу (при этом даже в рамках одной выставки разные художники выражали диаметрально противополодные взгляды). Третья тема сугубо японская и посвящена идеологии "лоли" и прочим эфебофильским штукам, которые процветают в японском обществе.

1. Произведения Кэндзи Янобэ замешаны на постапокалиптической эстетике, при этом, надо заметить, что без всякого "сталкеризма". Его творчество очень наивно на уровне метода. "Дитя солнца" - масштабная и трогательная скульптура. Каким должен быть человек, чтобы противостоять техногенному миру - смелым, решительным или непосредственным и наивным?

3. Продолжение темы в ещё более утрированно наивной стилистике.

4. Мотохико Одани рассуждает о половом созревании, сексуальности и её психологии. Напротив этой скульптуры куда более выразительная видеоинсталляция, но её нужно видеть воочию.

5. Макото Айда тему развивает. Дерево бонсай с девичьими головами - гиперболизированный символ извращённой любви. Символика прозрачна и вряд ли нуждается в пояснении.

6. Другое его произведение "Воспитанницы школы харакири". Графически - просто потрясающее.

7. Продолжение "детской" темы у Ёсимото Наро. Детские лица и недетские эмоции.

8. Такахиро Ивасаки создал из всякого мусора очень условную диараму некого города. Эстетика города, который на самом деле помойка - идея не новая, но интересно реализованная.

10. Картины Таданори Ёкоо - коллаж из аллюзий, цитат и архетипов. При этом колористика просто потрясает.

11. Яёи Кусама обратился к экзистенциальной эстетике бытия и небытия, создав команту, где пространство разламывается и распадается.

12. Ясумаса Моримура сделал пародию на пародию. Он изображает вовсе не Адольфа Гитлера, как может показаться, а Аденоида Гинкеля - персонажа из фильма Чаплина "Великий диктатор". Остальные его произведения посвящены уже непосредственным правителям и диктаторам, а суть ясна - угроза тотальной идеологии.

13. Зрителей немного, но те, что есть, очень воодушевлённо обсуждают увиденное. В целом складывается впечатление, что посетителям происходящее очень нравится.

14. Это голова Джорджа Буша. Джордж Буш поёт гимн США. Идея проста для понимкания - о вторжении идеологии и государства даже в личное пространство человека.

15. Крысы-покемоны. Моя любимая часть.

16. Часть выставки - фотографии. Местами интересно, местами - слишком интимно для понимания.

18. Фотографии Тосио Сибаты. Тут идея гармоничного сосуществования человека и природы решена в форме фотографий, по эстетике куда более близких абстракии, нежели реализму - настолько выверенная геометрия и композиция.

19. Один из приветов Ленину.

В любом случае выставки созданы, чтобы их посещать вживую, а не смотреть фотоотчёты в блогах. Многие произведения совершенно невозможно оценить в статике и в размерах экранного фото. Поэтому лучше сходить на выставку "Двойная перспектива" самому.

Партнер проекта, компания Sony, проводит конкурс и разыгрывает ноутбук и другие призы! Если пойдете на выставку, обязательно сфотографируйте экспонаты и напишите свои краткие впечатления. Чтобы принять участие в конкурсе, поделитесь

Который охватывает множество техник и стилей. За всю историю существования она претерпела большое количество изменений. Добавлялись новые традиции и жанры, а также оставались исконные японские принципы. Наряду с удивительной историей Японии живопись также готова представить множество уникальных и интересных фактов.

Древняя Япония

Первые стили появляются в самый древний исторический период страны, еще до н. э. Тогда искусство было довольно-таки примитивным. Сначала, в 300 году до н. э., появились различные геометрические фигуры, которые выполнялись на гончарных изделиях при помощи палочек. К более позднему времени относится такая находка археологов, как орнамент на бронзовых колоколах.

Чуть позже, уже в 300 году н. э., появляются наскальные рисунки, которые намного разнообразнее геометрического орнамента. Это уже полноценные изображения с образами. Их находили внутри склепов, и, вероятно, люди, которые нарисованы на них, являлись захороненными в этих могильниках.

В 7-м веке н. э. Япония принимает письменность, которая приходит из Китая. Примерно в это же время оттуда поступают первые картины. Тогда появляется живопись как отдельная сфера искусства.

Эдо

Эдо - это далеко не первая и не последняя живописи, однако в культуру именно она принесла много нового. Во-первых, это яркость и красочность, которые добавлялись в привычную технику, выполняемую в черных и серых тонах. Наиболее выдающимся художником этого стиля считается Сотасу. Он создавал классические картины, но его персонажи были очень красочными. Позже он переключился на природу, и большинство пейзажей выполнялись на фоне из позолоты.

Во-вторых, в период Эдо появилась экзотика, жанр намбан. В нем использовались современные европейские и китайские техники, которые переплетались с традиционными японскими стилями.

И в-третьих, появляется школа Нанга. В ней художники сначала полностью имитируют или даже копируют произведения китайских мастеров. Затем появляется новое ответвление, которое получило название бунджинга.

Период модернизации

Период Эдо сменяет Мейджи, и теперь японская живопись вынуждена выйти на новый этап развития. В это время по всему миру становились популярными такие жанры, как вестерн и ему подобные, поэтому модернизация искусства стала обычным положением вещей. Однако в Японии, стране, где все люди почитают традиции, в данное время положение вещей значительно отличалось от того, что происходило в других странах. Здесь остро вспыхивает конкуренция между европейскими и местными техниками.

Правительство на этом этапе отдает свое предпочтение молодым художникам, которые подают большие надежды на совершенствование навыков в западных стилях. Поэтому они отправляют их в школы Европы и Америки.

Но так было только в начале периода. Дело в том, что известные критики довольно-таки сильно раскритиковали западное искусство. Чтобы избежать большого ажиотажа вокруг этого вопроса, европейские стили и техники стали запрещать на выставках, их показ прекратился, как, впрочем, и популярность.

Появление европейских стилей

Далее наступает период Тайшо. В это время молодые художники, которые уезжали учиться в зарубежных школах, приезжают обратно на родину. Естественно, с собой они привозят новые стили японской живописи, которые очень похожи на европейские. Появляется импрессионизм и постимпрессионизм.

На данном этапе образуется множество школ, в которых возрождаются древние японские стили. Но полностью избавиться от западных тенденций не удается. Поэтому приходится совмещать несколько техник, чтобы угодить как любителям классики, так и поклонникам современной европейской живописи.

Некоторые школы финансируются государством, благодаря чему удается сохранить многие из национальных традиций. Частники же вынуждены идти на поводу у потребителей, которые хотели чего-то нового, они устали от классики.

Живопись времен ВОВ

После наступления военного времени японская живопись некоторое время оставалась в стороне от событий. Она развивалась отдельно и самостоятельно. Но вечно продолжаться так не могло.

Со временем, когда политическая ситуация в стране становится все хуже, высокие и уважаемые деятели привлекают многих художников. Некоторые из них еще в начале войны начинают творить в патриотических стилях. Остальные приступают к этому процессу только по приказу властей.

Соответственно, особо развиваться японское изобразительное искусство в период ВОВ было неспособно. Поэтому для живописи его можно назвать застойным.

Вечная суйбокуга

Японская живопись суми-э, или суйбокуга, в переводе означает «рисование тушью». Это и определяет стиль и технику данного искусства. Оно пришло из Китая, но японцы решили назвать его по-своему. И изначально техника не имела какой-либо эстетической стороны. Ее использовали монахи для самосовершенствования во время изучения Дзен. Более того, сначала они рисовали картины, а впоследствии тренировали концентрацию при их просмотре. Монахи полагали, что совершенствованию помогают строгие линии, расплывчатые тона и тени - все то, что называется монохромностью.

Японская живопись тушью, несмотря на большое разнообразие картин и техник, является не настолько сложной, как может показаться на первый взгляд. В ее основу входят всего 4 сюжета:

1. Хризантема.
2. Орхидея.
3. Ветка сливы.
4. Бамбук.

Малое количество сюжетов не делает освоение техники быстрой. Некоторые мастера полагают, что учеба длится всю жизнь.

Несмотря на то что суми-э появилась давно, она востребована всегда. Более того, сегодня встретить мастеров этой школы можно не только в Японии, она распространена и далеко за ее пределами.

Современный период

По окончании ВОВ искусство в Японии процветало только в крупных городах, сельчанам и деревенским жителям хватало забот. По большей части художники старались отвернуться от потерь военных времен и изобразить на холстах современную городскую жизнь со всеми ее прикрасами и особенностями. Успешно принимались европейские и американские идеи, но такое положение вещей сохранялось недолго. Многие мастера начали постепенно отходить от них в сторону японских школ.

Оставался модным всегда. Поэтому современная японская живопись может отличаться только по технике исполнения либо материалам, которые используются в процессе. Но большинство художников плохо воспринимают различные новшества.

Нельзя не отметить модные современные субкультуры, такие как аниме и похожие стили. Многие художники стараются стереть грань между классикой и тем, что востребовано сегодня. По большей части такое положение вещей обусловлено коммерцией. Классику и традиционные жанры фактически не покупают, соответственно, невыгодно работать художником в любимом жанре, нужно подстраиваться под моду.

Заключение

Несомненно, японская живопись представляет собой целый кладезь изобразительного искусства. Пожалуй, рассматриваемая страна осталась единственной, которая не пошла на поводу у западных тенденций, не стала подстраиваться под моду. Несмотря на множество ударов во времена прихода новых техник, художники Японии все-таки смогли отстоять национальные традиции во многих жанрах. Вероятно, именно поэтому в современности на выставках очень высоко ценят картины, выполненные в классических стилях.

Тадасу Такаминэ. "Боже, храни Америку", 2002. Видео (8 мин. 18 сек.)

Двойная перспектива: Современное искусство Японии
Кураторы Елена Яичникова и Кэндзиро Хосака

Часть первая: «Реальность/Обычный мир». Московский музей современного искусства, гор. Москва, Ермолаевский пер., д. 17
Часть вторая: «Воображаемый мир/Фантазии». Московский музей современного искусства, гор. Москва, Гоголевский бульвар, д. 10

Московский музей современного искусства совместно с Японским фондом представляют выставку «Двойная перспектива: Современное искусство Японии», призванную познакомить широкую публику с современными японскими художниками.
Двойная перспектива — это два куратора из разных стран, две площадки музея и двухчастная структура проекта. Курируемая Еленой Яичниковой и Кэндзиро Хосака выставка объединяет работы более 30 художников разных направлений, работавших с 70-х годов XX века до настоящего времени. Проект состоит из двух частей — «Реальный мир/Повседневность» и «Воображаемый мир/Фантазии» — которые располагаются на площадках музея на Ермолаевском переулке, 17 и Гоголевском бульваре, 10.

Часть первая: «Реальность/Обычный мир»

В первой части выставки «Реальный мир/Повседневность» представлен взгляд японских художников на окружающий нас мир через обращение к мировой истории 20 века (Ясумаса Моримура, Ёсинори Нива и Юкэн Тэруя), размышления об устройстве современного общества (Dumb Type и Тадасу Такаминэ), взаимодействие с городским пространством (contact Gonzo и ChimPom) и поиски поэзии в повседневности (Cимабуку, Цуёси Одзава, Кохэй Кобаяси и Тэцуя Умэда). Ясумаса Моримура в серии видеоработ «Реквием» перевоплощается в различных исторических персонажей: Чаплина, писателя Юкио Мисиму и даже Ленина — и воссоздает эпизоды из их жизни. Другой участник проекта Тэцуя Умэда создает инсталляции из подручных средств, обычных вещей — таким образом, искусством становится самая банальная повседневность. На выставке будут показаны работы Йоко Оно — знаменитая «Cut Piece» в версии 1965 и 2003 годов и звуковая инсталляция «Cough Piece» (1961). Выставка представит произведения Кисио Суга — одного из центральных представителей движения Моно-Ха (Mono-Ha, в переводе «Школа вещей»), которое предложило японскую альтернативу западному модернизму. Фото-секция представит работы Тосио Сибата, Такаси Хомма и Лиэко Сига.

Яёй Кусама. "Я здесь, но нигде", 2000. Смешанная техника. Инсталляция в Maison de la culture du Japon, Париж.
Собрание автора

Произведения, составляющие вторую часть проекта, представят публике свободный, воображаемый мир в котором существуют все то, что мы не способны разглядеть в реальной жизни, все то, что находится за ее пределами. Работы художников этой части выставки отсылают к японской поп-культуре, миру фантазий, наивности, мифам и размышлениям о космогоническом устройстве мира. Каждый участник выставки вкладывает в понятие «воображение» свой собственный смысл. Так художник Таданори Ёкоо в своих отношениях с воображаемым миром делает главной темой своих работ исчезновение, а точнее «самоисчезновение». Похожий мотив прослеживается и в творчестве Яёй Кусама: проецируя свои фантазии на реальность, она создает мир, полный причудливых узоров. Гигантская скульптура «Дитя солнца» (2011) работы Кэндзи Янобэ была создана в страшное время, когда произошел взрыв на атомной электростанции «Фукусима-1». Его монументальный объект становится точкой пересечения воображений. Художник понимает, что опыт, пережитый на границе реального, станет толчком для создания нового мира. В части «Воображаемый мир/Фантазии» также представлены работы Ёситомо Нара, Такаси Мураками, Макото Айда, Хираки Сава и многих других.
Некоторые работы были созданы специально для выставки. Художник Ёсинори Нива для своего проекта «В московских квартирах разыскивается Владимир Ленин» (2012) приезжал в Москву для того, чтобы найти артефакты, связанные с личностью революционера в квартирах москвичей. Его работа — это видеодокументация его поисков и путешествий по Москве. Художник Тэцуя Умэда, чьи работы будут представлены одновременно на двух площадках, приедет в Москву для того, чтобы реализовать свои инсталляции на месте.
Эти две, на первый взгляд, несопоставимые части выставки призваны показать два полюса японского искусства, которые в действительности оказываются неотделимы друг от друга.
В рамках выставки также планируется проведение открытых мастер-классов и творческих встреч с участниками проекта. Пройдут лекции японского куратора Кэндзиро Хосака и художника Кэндзи Янобэ. Для России данная выставка впервые в подобном масштабе представляет современное японское искусство.

Ёситомо Нара. "Леденцово-синяя ночь", 2001. 1166,5 х 100 см. Холст, акрил
Фото: Ёситака Утида

Кисио Суга "Пространство разделения", 1975. Ветки и бетонные блоки. 184 x 240 x 460 см
Фото: Ёситака Утида

Кэндзи Янобэ. "Дитя Солнца", 2011. Стеклопластик, сталь, неон и др. 620 х 444 х 263 cm. Инсталляция в мемориальном парке Ezpo"70
Фото: Томас Сваб

Искусство и дизайн

3946

01.02.18 09:02

Сегодняшняя художественная сцена Японии очень разнообразна и провокационна: рассматривая работы мастеров из Страны Восходящего солнца, вы решите, что попали на другую планету! Тут живут новаторы, которые изменили «ландшафт» отрасли в глобальном масштабе. Представляем вам список 10 современных японских художников и их творения – от невероятных существ Такаси Мураками (который сегодня празднует день рождения) до пестрой вселенной Кусамы.

От футуристических миров до точечных созвездий: современные японские художники

Такаси Мураками: приверженец традиций и классик

Начнем с виновника торжества! Такаси Мураками – один из самых знаковых современных японских художников, работающий над картинами, крупномасштабными скульптурами и модной одеждой. На стиль Мураками влияют манга и аниме. Он основатель движения Superflat, поддерживающего японские художественные традиции и послевоенную культуру страны. Мураками продвигал многих своих коллег-современников, с некоторыми из них мы сегодня тоже познакомимся. «Субкультурные» произведения Такаси Мураками представлены на арт-рынках моды и искусства. Его провокационный My Lonesome Cowboy (1998-й год) был продан в Нью-Йорке на аукционе Sotheby’s в 2008-м за рекордные 15,2 миллиона долларов. Мураками сотрудничал со всемирно известными брендами Marc Jacobs, Louis Vuitton и Issey Miyake.

Тихо Асима и ее сюрреалистическая вселенная

Член художественной производственной компании Kaikai Kiki и движения Superflat (и та, и другое основаны Такаси Мураками) Тихо Асима известна своими фантастическими городскими пейзажами и странными поп-существами. Художница создает сюрреалистические мечты, населенные демонами, призраками, молодыми красавицами, изображаемыми на фоне диковинной природы. Ее произведения обычно крупномасштабны и печатаются на бумаге, коже, пластике. В 2006-м году эта современная японская художница участвовала в Art on the Underground в Лондоне. Она создала 17 последовательных арок для платформы – волшебный пейзаж постепенно превращался из дневного в ночной, из городского – в сельский. Это чудо расцвело на станции метро Gloucester Road.

Тихару Сима и бесконечные нити

Другая художница – Тихару Сиота – работает над широкомасштабными визуальными установками для конкретных достопримечательностей. Она родилась в Осаке, но сейчас живет в Германии – в Берлине. Центральные темы ее творчества – забвение и память, мечты и реальность, прошлое и настоящее, а еще – конфронтация тревоги. Самые знаменитые работы Тихару Сиоты – непроницаемые сети черной нити, охватывающие множество бытовых и личных предметов – таких как старые стулья, свадебное платье, сожженное фортепиано. Летом 2014-го года Сиота соединила пожертвованные ей туфли и ботинки (которых было более 300) нитками красной пряжи и подвесила их на крючки. Первая выставка Тихару в столице Германии прошла во время Берлинской художественной недели в 2016-м году и вызвала сенсацию.

Эй Аракава: везде, ни нигде

Эй Аракава вдохновлен состояниями перемен, периодами нестабильности, элементами риска, а его инсталляции нередко символизируют темы дружбы и коллективного труда. Кредо современного японского художника определяется перформативным неопределенным «везде, но нигде». Его творения всплывают в неожиданных местах. В 2013-м году работы Аракавы выставлялись на Венецианском биеннале и в экспозиции японского современного искусства в Музее искусств Мори (Токио). Инсталляция Hawaiian Presence (2014) была совместным проектом с нью-йоркской художницей Кариссой Родригес и участвовала в биеннале Whitney. В том же 2014-м году Аракава и его брат Тому, выступающие дуэтом под названием «United Brothers», предлагали посетителям Frieze London свое «произведение» «The This Soup Taste Ambivalent» с «радиоактивными» корнеплодами дайкона Фукусимы.

Коки Танака: взаимосвязь и повторения

В 2015-м Коки Танака был признан «Художником года». Танака исследует общий опыт творчества и воображения, поощряет обмен между участниками проектов и выступает за новые правила сотрудничества. Его установка в японском павильоне на Венецианском биеннале 2013-го года состояла из видео с объектами, превращающими помещение в платформу для художественного обмена. Инсталляции Коки Танака (не путайте с его полным тезкой-актером) иллюстрируют взаимосвязь между объектами и действиями, например, на видео присутствует запись простых жестов, выполняемых с обычными предметами (нож, нарезающий овощи, пиво, наливаемое в стакан, открытие зонта). Ничего существенного не происходит, но навязчивое повторение и внимание к мельчайшим деталям заставляют зрителя ценить мирское.

Марико Мори и обтекаемые формы

Еще одна современная японская художница, Марико Мори, «колдует» над мультимедийными объектами, сочетая видео, фотографии, предметы. Ей свойственны минималистское футуристическое видение и гладкие сюрреалистические формы. Повторяющейся темой творчества Мори является сопоставление западной легенды с западной культурой. В 2010-м году Марико основала Фонд Фау, образовательную культурную некоммерческую организацию, для которой она изготовила серию своих художественных инсталляций в честь шести обитаемых континентов. Совсем недавно постоянная установка Фонда «Кольцо: одна с природой» была водружена над живописным водопадом в Ресенде недалеко от Рио-де-Жанейро.

Риоджи Икеда: синтез звуков и видео

Риоджи Икеда – новый медиахудожник и композитор, чья работа, в основном, связана со звуком в разных «сырых» состояниях, от синусоидальных звуков до шумов с использованием частот на грани человеческого слуха. Его захватывающие инсталляции включают звуки, созданные компьютером, которые визуально преобразуются в видеопроекции или цифровые шаблоны. Аудиовизуальные арт-объекты Икеды используют масштаб, свет, тень, объем, электронные звуки и ритм. Известный тестовый объект художника состоит из пяти проекторов, которые освещают площадь 28 метров в длину и 8 метров в ширину. Установка преобразует данные (текст, звуки, фотографии и фильмы) в штрих-код и двоичные паттерны нулей и единиц.

Тацуо Миядзима и светодиодные счетчики

Современный японский скульптор и художник-монтажник Тацуо Миядзима использует в своем искусстве электрические схемы, видео, компьютеры и другие гаджеты. Основные концепции Миядзимы вдохновлены гуманистическими идеями и буддистскими учениями. Светодиодные счетчики в его установках непрерывно мигают в повторении от 1 до 9, символизируя путешествие от жизни к смерти, но избегая окончательности, которая представлена 0 (ноль никогда не появляется в работах Тацуо). Вездесущие цифры в сетках, башнях, схемах выражают интерес Миядзимы к идеям непрерывности, вечности, связи и потока времени и пространства. Не так давно объект Миядзимы «Стрела времени» был продемонстрирован на инаугурационной выставке «Незавершенные мысли, видимые в Нью-Йорке».

Нара Ёсимото и злые дети

Нара Ёсимото создает картины, скульптуры и рисунки, изображающие детей и собак – субъектов, в которых отражены ребячье чувство скуки и разочарования и яростная независимость, естественная для малышей. Эстетика работ Ёсимото напоминает традиционные книжные иллюстрации, это смесь беспокойной напряженности и любви художника к панк-року. В 2011-м году в Музее общества Азии в Нью-Йорке состоялась первая персональная выставка Ёсимото под названием «Yoshitomo Nara: Nobody"s Fool», охватывающая 20-летнюю карьеру современного японского художника. Экспонаты были тесно связаны с мировыми молодежными субкультурами, их отчужденностью и протестом.

Яёй Кусама и пространство, разрастающееся диковинными формами

Поразительная творческая биография Яёй Кусамы длится семь десятилетий. За это время удивительная японка успела изучить сферы живописи, графики, коллажа, скульптуры, кино, гравюры, экологического искусства, инсталляции, а также литературы, моды и дизайна одежды. Кусама разработала весьма своеобразный стиль точечного искусства, которых стал ее торговой маркой. Иллюзорные видения, представленные в работах 88-летней Кусамы (когда мир кажется покрытым разрастающимися диковинными формами), – это результат галлюцинаций, которые она испытывала с детства. Комнаты с красочными точками и «бесконечными» зеркалами, отражающими их скопления, узнаваемы, их не перепутаешь ни с чем иным.

Что такое аниме и манга? Самое простое определение выглядит так:
Манга - это японские комиксы.
Аниме - это японская анимация.

Часто считают, что термины "манга" и "аниме" ограниченны каким-то жанрами (фантастика, фэнтези) и графическими стилями (реалистичность, "большие глаза"). Это не так. Термины "манга" и "аниме" определяют только базовую культуру, на основе которой создаются соответствующие произведения.
Нет ни одной страны мира, в какой бы такое внимание уделялось комиксам и анимации. Создатели популярных японских комиксов - весьма состоятельные люди (Такахаси Румиком - одна из самых богатых женщин Японии), наиболее известные из них - национальные знаменитости, манга составляет около четверти всей выпускаемой в Японии печатной продукции и читается независимо от возраста и пола. Положение аниме несколько более скромно, но также вполне завидно. Скажем, нет ни одной страны мира, в которой бы актеры, озвучивающие анимацию (cэйю), пользовались таким признанием, уважением и любовью. Япония - единственная страна в мире, выдвигавшая на Оскар за "лучший иностранный фильм" полнометражный мультфильм.

Помимо прочего, аниме и манга - прекрасный способ оценить не только то, как современные японцы отражают и переживают свои исконные традиции, но и то, как в японских произведениях отражаются мотивы и сюжеты других народов. И отнюдь не факт, что первое всегда интереснее второго. Нужно очень хорошо знать японский язык и теорию литературы, чтобы по-настоящему понять, чем японское стихосложение (и японская ментальность) отличается от европейского. А чтобы понять, чем японские эльфийки отличаются от эльфов Толкиена, достаточно посмотреть один-два сериала.
Таким образом, аниме и манга - своеобразный "черный ход" в мир японского сознания. И идя через этот ход, можно не только сократить путь, не продираясь через все заборы и бастионы, воздвигнутые полуторатысячелетней "высокой культурой" Японии (искусство аниме и манги значительно моложе, и в нем меньше традиций), но и получить немалое удовольствие. Совмещение приятного с полезным - что может быть лучше?

Теперь несколько конкретных замечаний о манге и аниме по отдельности.

Манга

"Истории в картинках" известны в Японии с самого начала ее культурной истории. Даже в курганах-кофунах (гробницах древних правителей) археологи находят рисунки, чем-то напоминающие по идеологии и структуре комиксы.
Распространению "историй в картинках" всегда способствовали сложность и неоднозначность японской письменности. Даже сейчас японские дети могут читать "взрослые" книги и газеты только после окончания начальной школы (в 12 лет!). Практически сразу после появления японской прозы появились и ее иллюстрированные пересказы, в которых текста было немного, а основную роль играли иллюстрации.

Первым японским комиксом считаются "Веселые картинки из жизни животных" , созданные в XII веке буддийским священником и художником Какую (другое имя - Тоба, годы жизни - 1053-1140). Это четыре бумажных свитка, на которых изображена последовательность из черно-белых, нарисованных тушью картинок с подписями. Картинки повествовали о животных, изображающих людей, и о буддийских монахах, нарушающих устав. Сейчас эти свитки считаются священной реликвией и хранятся в монастыре, в котором жил подвижник Какую.
За почти тысячу лет своей истории "истории в картинках" по-разному выглядели и назывались. Слово "манга" (буквально - "странные (или веселые) картинки, гротески") придумал знаменитый график Кацусика Хокусай в 1814 году, и, хотя сам художник использовал его для серии рисунков "из жизни", термин закрепился для обозначения комиксов.
Огромное влияние на развитие манги оказала европейская карикатура и американские комиксы, ставшие известными в Японии во второй половине XIX века. Первая половина XX века - время поиска места комиксов в системе японской культуры нового времени. Большую роль здесь сыграло милитаристское правительство, использовавшее массовую культуру для воздействия на население. Военные финансировали "правильную" мангу (она даже ненадолго стала выходить в цвете) и запрещали мангу с политической критикой, заставляя бывших карикатуристов осваивать приключенческие и фантастические сюжеты (так, идея "гигантского робота" впервые появилась в реваншистской манге 1943 года, в которой такой робот громил ненавистные США). Наконец, в послевоенный период великий Тэдзука Осаму своими работами совершил настоящую революцию в мире манги и, вместе с учениками и последователями, сделал мангу основным направлением массовой культуры.

Манга практически всегда черно-белая, в цвете рисуются только обложки и отдельные иллюстрации. Большая часть манги - это сериалы "с продолжением", печатающиеся в газетах или (чаще) в еженедельных или ежемесячных журналах. Обычный объем порции сериала в еженедельном журнале - 15-20 страниц. Популярную у читателей мангу переиздают в виде отдельных томов - танкобонов. Существуют, разумеется, и короткие манга-рассказы, и манга, сразу изданная в виде танкобонов.
Журналов, печатающих мангу, в Японии множество. Каждый из них ориентирован на определенную аудиторию, скажем, на младших подростков-мальчиков, интересующихся фантастикой, или на старших подростков-девочек, интересующих балетом. Наиболее сильны различия между женскими и мужскими журналами. Диапазон аудиторий таких журналов варьируется от малышей (для них печатается манга без подписей) до мужчин и женщин среднего возраста. Уже есть эксперименты и в области манги для пожилых. Конечно, такое разнообразие аудиторий породило целое множество стилей и жанров: от символизма до фотореализма и от сказок до философских произведений и школьных учебников.

Создатель манги называется "мангака". Обычно один человек (часто - с помощниками-подмастерьями) и рисует комикс, и пишет тексты, но встречается и групповое творчество. Тем не менее, над одной мангой обычно более трех-четырех человек не работает. Художественная цельность от этого повышается, а личные доходы - растут. Помимо профессиональной манги, существует и любительская - "додзинси". Многие мангаки начинали как создатели додзинси ("додзинсика"). В крупных городах существуют специальные рынки, на которых додзинсики торгуют своей продукцией и иногда находят серьезных издателей для своих работ.

Аниме

Термин "аниме" укрепился только в середине 1970-х, до этого обычно говорили "манга-эйга" ("кино-комиксы"). Первые эксперименты с анимацией японцы начали в середине 1910-х, а первые аниме появились в 1917 году. Довольно долго аниме находилось на задворках кино, однако и здесь благотворную роль сыграли милитаристы, поддерживавшие любое "правильное" искусство. Так, два первых больших аниме-фильма вышли в 1943 и в 1945 годах соответственно и были "игровой" пропагандой, прославлявшей мощь японской армии. Как и в случае с мангой, решающую роль в истории аниме сыграл Тэдзука Осаму, который предложил отказаться от бессмысленного соревнования с полнометражными фильмами Уолта Диснея и перейти к созданию ТВ-сериалов, превосходящих американские не по качеству изображения, а по привлекательности для японской аудитории.

Большая часть аниме - ТВ-сериалы и сериалы, созданные для продажи на видео (OAV-сериалы). Однако есть и множество ТВ-фильмов и полнометражных аниме. С точки зрения разнообразия стилей, жанров и аудиторий манга существенно превосходит аниме, однако последнее с каждым годом догоняет конкурентку. С другой стороны, многие аниме - экранизации популярной манги, и они не соревнуются, а поддерживают в коммерческом отношении друг друга. Тем не менее, большая часть аниме - детское и подростковое, хотя встречается и аниме для молодых людей. Аудиторию средних лет завоевывает "семейное аниме", которое дети смотрят вместе с родителями. Сериальность диктует свои законы - создатели аниме менее, чем аниматоры других стран, склонны к техническим экспериментам, зато уделяют много внимания созданию привлекательных и интересных образов персонажей (отсюда важность качественного озвучания) и разработке сюжета. Дизайнеры в аниме важнее аниматоров.
Созданием аниме занимаются аниме-студии, обычно сравнительно небольшие и работающие на внешнем финансировании от различных спонсоров (ТВ-каналы, корпорации по выпуску игрушек, манга-издательства). Обычно такие студии возникают вокруг нескольких выдающихся творцов, а потому студии часто бывает присущ определенный "студийный стиль", который задают ведущие дизайнеры.