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Einführung

In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts verschärfte sich die Krise des feudalen Leibeigenschaftssystems, die die Herausbildung der kapitalistischen Ordnung behinderte, immer mehr. Freiheitsliebende Ideen verbreiten und vertiefen sich in den fortgeschrittenen Kreisen der russischen Gesellschaft. Die Ereignisse des Vaterländischen Krieges, die Hilfe der russischen Truppen bei der Befreiung der Staaten Europas von der Tyrannei Napoleons verschärften die patriotischen und freiheitsliebenden Stimmungen. Alle Grundprinzipien des feudalen Leibeigenschaftsstaates werden kritisiert. Deutlich wird der illusorische Charakter von Hoffnungen auf eine Veränderung der gesellschaftlichen Realität mit Hilfe der staatlichen Tätigkeit eines aufgeklärten Menschen. Der Aufstand der Dekabristen im Jahr 1825 war der erste bewaffnete Aufstand gegen den Zarismus. Es hatte einen großen Einfluss auf die progressive Kunstkultur Russlands. In dieser Ära entstand das brillante Werk von A. S. Puschkin, populär und universell, voller Freiheitsträume.

Die bildende Kunst der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts hat eine innere Gemeinsamkeit und Einheit, einen einzigartigen Charme heller und humaner Ideale. Der Klassizismus wird um neue Züge bereichert, seine Stärken manifestieren sich am deutlichsten in der Architektur, in der Historienmalerei und teilweise in der Skulptur. Die Wahrnehmung der Kultur der Antike wurde historischer als im 18. Jahrhundert und demokratischer. Neben dem Klassizismus wird die romantische Richtung intensiv entwickelt und eine neue realistische Methode nimmt Gestalt an.

Nach der Niederschlagung des Aufstands der Dekabristen errichtete die Autokratie ein grausames reaktionäres Regime. Seine Opfer waren A. S. Puschkin, M. Yu. Lermontov, T. G. Shevchenko und viele andere. Aber Nikolaus I. konnte die Unzufriedenheit der Menschen und das fortschrittliche soziale Denken nicht unterdrücken. Befreiungsideen breiteten sich aus und umfassten nicht nur den Adel, sondern auch die raznochintsy Intelligenz, die eine immer bedeutendere Rolle in der künstlerischen Kultur zu spielen begann. V. G. Belinsky wurde zum Begründer der russischen revolutionär-demokratischen Ästhetik, die Künstler beeinflusste. Er schrieb, Kunst sei eine Form des Selbstbewusstseins der Menschen, führte den ideologischen Kampf um Kreativität, sei lebensnah und gesellschaftlich wertvoll.

Die russische Kunstkultur im ersten Drittel des 19. Jahrhunderts entstand in einer Zeit des gesellschaftlichen Aufschwungs, die mit den heroischen Ereignissen des Vaterländischen Krieges von 1812 und der Entwicklung der antileibechten und freiheitsliebenden Ideen der vordezembristischen Zeit verbunden war. Zu dieser Zeit erreichten alle Arten der bildenden Kunst und ihre Synthese eine glänzende Blüte.

Im zweiten Drittel des 19. Jahrhunderts verlor die Kunst durch die verschärfte staatliche Reaktion weitgehend jene fortschrittlichen Züge, die sie früher geprägt hatten. Zu diesem Zeitpunkt hatte sich der Klassizismus im Wesentlichen erschöpft. Die Architektur dieser Jahre beschritt den Weg des Eklektizismus - die äußere Verwendung von Stilen verschiedener Epochen und Völker. Die Skulptur verlor die Bedeutung ihres Inhalts, sie nahm die Züge oberflächlicher Prunkhaftigkeit an. Aussichtsreiche Suchen wurden nur in der Kleinplastik skizziert, hier, ebenso wie in Malerei und Grafik, wuchsen und verstärkten sich realistische Prinzipien, die sich gegen den aktiven Widerstand der Vertreter der offiziellen Kunst durchsetzten.

Der Klassizismus in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts schuf im Einklang mit romantischen Tendenzen Bilder, die erhaben, vergeistigt, emotional erhaben waren. Der Appell an eine lebendige unmittelbare Naturwahrnehmung und die Zerstörung des Systems sogenannter High- und Low-Genres widersprachen jedoch bereits einer auf klassischen Kanons basierenden akademischen Ästhetik. Es war die romantische Richtung der russischen Kunst im ersten Drittel des 19. Jahrhunderts, die die Entwicklung des Realismus in den folgenden Jahrzehnten vorbereitete, denn sie brachte die romantischen Künstler gewissermaßen näher an die Realität, an das einfache wirkliche Leben. Dies war die Essenz der komplexen künstlerischen Bewegung in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Es ist kein Zufall, dass die Herausbildung einer satirischen Alltagsgattung in Malerei und Grafik am Ende dieser Zeit steht. Im Allgemeinen ist die Kunst dieser Phase – Architektur, Malerei, Grafik, Skulptur, angewandte und Volkskunst – ein herausragendes Phänomen voller Originalität in der Geschichte der russischen Kunstkultur. Durch die Weiterentwicklung der fortschrittlichen Traditionen des vorigen Jahrhunderts hat es viele großartige Werke von großem ästhetischem und sozialem Wert geschaffen, die zum Welterbe beitragen.

Ein wichtiger Beweis für die Veränderungen in der russischen Kunst in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts war der Wunsch eines breiten Publikums, die Ausstellungen kennenzulernen. 1834 wurde beispielsweise in der "Northern Bee" berichtet, dass der Wunsch, "Der letzte Tag von Pompeji" von K. P. Bryullov zu sehen, die Bevölkerung von St. Petersburg erfasste und sich "in allen Staaten und Klassen" ausbreitete. Dieses Bild, so argumentierten Zeitgenossen, diente weitgehend dazu, "unserem Publikum die künstlerische Welt näher zu bringen".

Das neunzehnte Jahrhundert zeichnete sich auch durch die Erweiterung und Vertiefung der Verbindungen zwischen der russischen Kunst nicht nur mit dem Leben, sondern auch mit den künstlerischen Traditionen anderer Völker aus, die Russland bewohnten. Motive und Bilder des nationalen Randgebietes Sibiriens tauchten in den Werken russischer Künstler auf. Die nationale Zusammensetzung der Studenten an russischen Kunstinstitutionen wurde vielfältiger. Ureinwohner der Ukraine, Weißrusslands, der baltischen Staaten, Transkaukasiens und Zentralasiens studierten an der Akademie der Künste, in der Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur, die in den 1830er Jahren organisiert wurde.

In der zweiten Hälfte des 19. und frühen 20. Jahrhunderts weckten nur einzelne Meister und vor allem A. A. Ivanov das Interesse an der künstlerischen Welt Russlands. Erst in den Jahren der Sowjetmacht fand die Kunst dieser Zeit breite Anerkennung. In den letzten Jahrzehnten hat die sowjetische Kunstgeschichte dem Studium der Arbeit der Meister der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts große Aufmerksamkeit geschenkt, insbesondere im Zusammenhang mit den großen Jubiläumsausstellungen von A. G. Venetsianov, A. A. Ivanov, O. A. Kiprensky, dem 225. Jahrestag der Akademie der Künste der UdSSR.

32. Russische Malerei der ersten HälfteXIXJahrhundert. Entwicklung des Genres, Meister.

Die russische bildende Kunst war geprägt von Romantik und Realismus. Die offiziell anerkannte Methode war jedoch der Klassizismus. Die Akademie der Künste wurde zu einer konservativen und trägen Institution, die jeden Versuch kreativer Freiheit behinderte. Sie forderte die strikte Einhaltung der Kanone des Klassizismus und ermutigte das Schreiben von Gemälden zu biblischen und mythologischen Themen. Junge talentierte russische Künstler waren mit dem Rahmen des Akademismus nicht zufrieden. Daher wandten sie sich oft dem Porträtgenre zu.

Romantische Ideale der Zeit des nationalen Aufschwungs wurden in der Malerei verkörpert. Die Künstler lehnten die strengen Prinzipien des Klassizismus ab, die keine Abweichungen zuließen, und entdeckten die Vielfalt und Originalität der Welt um sie herum. Dies spiegelte sich nicht nur in den bereits bekannten Gattungen – Porträt und Landschaft – wider, sondern gab auch Impulse zur Entstehung der Alltagsmalerei, die im Mittelpunkt der Aufmerksamkeit der Meister der zweiten Hälfte des Jahrhunderts stand. In der Zwischenzeit blieb der Primat bei der historischen Gattung. Es war das letzte Refugium des Klassizismus, doch auch hier verbargen sich hinter der formal klassizistischen „Fassade“ romantische Ideen und Themen.

Romantik - (Französisch Romantisme), eine ideologische und künstlerische Richtung in der europäischen und amerikanischen spirituellen Kultur des späten 18. - 1. Jahrhunderts. 19. Jahrhundert Enttäuschung über die Ergebnisse der Französischen Revolution des späten 18. Jahrhunderts, über die Ideologie der Aufklärung und den gesellschaftlichen Fortschritt. Die Romantik stellte dem Utilitarismus und der Nivellierung des Individuums das Streben nach grenzenloser Freiheit und dem „Unendlichen“, dem Streben nach Perfektion und Erneuerung, dem Pathos persönlicher und bürgerlicher Unabhängigkeit gegenüber. Die schmerzhafte Diskrepanz zwischen Ideal und gesellschaftlicher Realität ist die Grundlage der romantischen Weltanschauung und Kunst. Die Behauptung des inhärenten Wertes des spirituellen und schöpferischen Lebens des Einzelnen, das Bild starker Leidenschaften, das Bild starker Leidenschaften, vergeistigter und heilender Natur, für viele Romantiker - Helden des Protests oder Kampfes grenzen an die Motive der "Welt Leid", "Welt Böse", "Nacht" Seite der Seele, gekleidet in Formen der Ironie, groteske Poetik zweier Welten. Das Interesse an der nationalen Vergangenheit (oft deren Idealisierung), Traditionen der Folklore und Kultur der eigenen und anderer Völker, der Wunsch, ein universelles Bild der Welt zu schaffen (vor allem Geschichte und Literatur), die Idee der Kunstsynthese fand ihren Ausdruck in Ideologie und Praxis der Romantik.

In der bildenden Kunst manifestierte sich die Romantik am deutlichsten in Malerei und Grafik, weniger deutlich in Skulptur und Architektur (z. B. falsche Gotik). Die meisten nationalen Schulen der Romantik in der bildenden Kunst entwickelten sich im Kampf gegen die offizielle akademische Klassik.

In den Eingeweiden der offiziell-staatlichen Kultur macht sich eine Schicht „elitärer“ Kultur bemerkbar, die der herrschenden Klasse (der Aristokratie und dem königlichen Hof) dient und eine besondere Anfälligkeit für ausländische Innovationen hat. Es genügt, an die romantische Malerei von O. Kiprensky, V. Tropinin, K. Bryullov, A. Ivanov und anderen großen Künstlern des 19. Jahrhunderts zu erinnern.

Kiprensky Orest Adamowitsch , russischer Künstler. Ein herausragender Meister der russischen bildenden Kunst der Romantik, bekannt als wunderbarer Porträtmaler. In dem Gemälde „Dmitri Donskoi auf dem Kulikovo-Feld“ (1805, Russisches Museum) demonstrierte er eine souveräne Kenntnis der Kanons des akademischen Geschichtsbildes. Aber schon früh ist der Bereich, in dem sich sein Talent am natürlichsten und natürlichsten offenbart, das Porträt. Sein erstes Bildporträt („A. K. Schwalbe“, 1804, ebd.), in „Rembrandtscher“ Manier geschrieben, zeichnet sich durch ein ausdrucksstarkes und dramatisches Licht- und Schattensystem aus. Im Laufe der Jahre wird seine Fähigkeit, die sich in der Fähigkeit manifestiert, in erster Linie einzigartige individuell charakteristische Bilder zu schaffen, indem er spezielle plastische Mittel wählt, um diese Eigenschaft hervorzuheben, immer stärker. Voller beeindruckender Vitalität: ein Porträt eines Jungen von A. A. Chelishchev (um 1810-11), Paarbilder der Ehegatten F. V. und E. P. Rostopchin (1809) sowie V. S. und D. N. Khvostov (1814, alle - Tretjakow-Galerie). Der Künstler spielt zunehmend mit den Möglichkeiten von Farbe und Licht- und Schattenkontrasten, Landschaftshintergrund, symbolischen Details („E. S. Avdulina“, um 1822, ebd.). Der Künstler versteht es, auch große zeremonielle Porträts lyrisch, fast intim entspannt zu machen („Porträt des Lebenhusaren Oberst Yevgraf Davydov“, 1809, Russisches Museum). Sein Porträt eines jungen A.S. Puschkin ist einer der besten, wenn es darum geht, ein romantisches Bild zu schaffen. Kiprenskys Puschkin sieht feierlich und romantisch aus, in einem Heiligenschein von poetischem Glanz. „Du schmeichelst mir, Orestes“, seufzte Puschkin und blickte auf die fertige Leinwand. Kiprensky war auch ein virtuoser Zeichner, der (hauptsächlich in der Technik des italienischen Bleistifts und der Pastellkreide) Beispiele zeichnerischen Könnens schuf und seine malerischen Porträts oft mit offener, aufregend leichter Emotionalität übertraf. Dies sind alltägliche Typen („Der blinde Musiker“, 1809, Russisches Museum; „Kalmychka Bayausta“, 1813, Tretjakow-Galerie) und die berühmte Serie von Bleistiftporträts von Teilnehmern des Vaterländischen Krieges von 1812 (Zeichnungen von E. I. Chaplits, A. R. Tomilova , P. A. Olenina, dieselbe Zeichnung mit dem Dichter Batyushkov und anderen, 1813-15, Tretjakow-Galerie und andere Sammlungen); der heroische Anfang bekommt hier eine aufrichtige Konnotation. Eine große Anzahl von Skizzen und Textbelegen zeigen, dass der Künstler während seiner gesamten Reifezeit dazu neigte, ein großes (in seinen eigenen Worten aus einem Brief an A. N. Olenin im Jahr 1834) „spektakuläres oder auf Russisch beeindruckendes und magisches Bild zu schaffen “, wo die Ergebnisse der europäischen Geschichte sowie das Schicksal Russlands in allegorischer Form dargestellt würden. „Zeitungsleser in Neapel“ (1831, Tretjakow-Galerie) – dem Anschein nach nur ein Gruppenporträt – ist tatsächlich eine heimlich symbolische Antwort auf die revolutionären Ereignisse in Europa. Die ehrgeizigsten der malerischen Allegorien von Kiprensky blieben jedoch unerfüllt oder verschwanden (wie das 1821 fertiggestellte "Grab von Anakreon"). Diese romantischen Suchen wurden jedoch in großem Umfang in den Arbeiten von K. P. Bryullov und A. A. Ivanov fortgesetzt.

Die realistische Art spiegelte sich in den Werken von V. .SONDERN. Tropinin. Tropinins frühe, in zurückhaltenden Farben gemalte Porträts (Familienporträts der Grafen Morkovs von 1813 und 1815, beide in der Tretjakow-Galerie) stehen noch ganz in der Tradition der Aufklärung: Das Modell ist das unbedingte und stabile Zentrum des Bildes in Sie. Später wird die Farbigkeit von Tropinins Malerei intensiver, die Volumen sind meist klarer und plastischer geformt, aber vor allem wächst ein rein romantisches Gefühl der bewegenden Elemente des Lebens einschmeichelnd heran, von dem der Held des Porträts nur einen Teil zu haben scheint sei ein Fragment ("Bulakhov", 1823; "K. G. Ravich" , 1823; Selbstbildnis, um 1824; alle drei - ebenda). So ist A. S. Puschkin in dem berühmten Porträt von 1827 (Allrussisches Museum von A. S. Puschkin, Puschkin): Der Dichter legt seine Hand auf einen Stapel Papier, als ob er „der Muse zuhört“, und lauscht dem kreativen Traum, der ihn umgibt das Bild mit einem unsichtbaren Heiligenschein. Er malte auch ein Porträt von A.S. Puschkin. Vor dem Betrachter erscheint der durch Lebenserfahrung weise, nicht sehr glückliche Mensch. Im Porträt von Tropinin ist der Dichter auf heimelige Art charmant. Von Tropinins Werken geht eine besondere altmoskauer Wärme und Geborgenheit aus. Bis zu seinem 47. Lebensjahr war er in Knechtschaft. Daher sind die Gesichter der einfachen Menschen auf seinen Leinwänden wahrscheinlich so frisch und inspiriert. Und die Jugend und der Charme seines „Lacemaker“ sind grenzenlos. Am häufigsten ist V.A. Tropinin wandte sich dem Bild von Menschen aus dem Volk zu ("The Lacemaker", "Portrait of a Son" usw.).

Die künstlerische und ideologische Suche nach russischem Gesellschaftsdenken, die Erwartung von Veränderungen spiegelten sich in den Gemälden wider K.P. Brjullow„Der letzte Tag von Pompeji“ und A.A. Ivanov "Die Erscheinung Christi vor den Menschen".

Ein großartiges Kunstwerk ist das Gemälde „Der letzte Tag von Pompeji“ von Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852). 1830 besuchte der russische Künstler Karl Pavlovich Bryullov die Ausgrabungen der antiken Stadt Pompeji. Er ging über die alten Bürgersteige, bewunderte die Fresken, und diese tragische Nacht des 79. August n. Chr. stieg in seiner Vorstellung auf. h., als die Stadt mit glühender Asche und Bimsstein des erwachten Vesuvs bedeckt war. Drei Jahre später machte das Gemälde „Der letzte Tag von Pompeji“ eine triumphale Reise von Italien nach Russland. Der Künstler fand erstaunliche Farben, um die Tragödie der antiken Stadt darzustellen, die unter der Lava und Asche des ausbrechenden Vesuvs starb. Das Bild ist von hohen humanistischen Idealen durchdrungen. Es zeigt den Mut der Menschen, ihre Selbstlosigkeit, gezeigt während einer schrecklichen Katastrophe. Bryullov war auf einer Geschäftsreise von der Akademie der Künste in Italien. In dieser Bildungseinrichtung war die Ausbildung in der Technik des Malens und Zeichnens fest verankert. Die Akademie konzentrierte sich jedoch eindeutig auf das antike Erbe und heroische Themen. Die akademische Malerei zeichnete sich durch eine dekorative Landschaft, Theatralik der Gesamtkomposition aus. Szenen aus dem modernen Leben, eine gewöhnliche russische Landschaft, wurden als des Pinsels des Künstlers unwürdig angesehen. Klassizismus in der Malerei wurde Akademismus genannt. Bryullov war mit all seiner Arbeit mit der Akademie verbunden.

Er besaß eine starke Vorstellungskraft, ein scharfes Auge und eine treue Hand – und er schuf lebendige Schöpfungen, die den Kanons des Akademismus entsprachen. Wirklich mit Puschkins Anmut gelang es ihm, die Schönheit eines nackten menschlichen Körpers und das Zittern eines Sonnenstrahls auf einem grünen Blatt auf die Leinwand zu bannen. Seine Leinwände „Reiterin“, „Bathseba“, „Italienischer Morgen“, „Italienischer Mittag“, zahlreiche zeremonielle und intime Porträts werden für immer unvergängliche Meisterwerke der russischen Malerei bleiben. Der Künstler hat sich jedoch immer zu großen historischen Themen hingezogen, zur Darstellung bedeutender Ereignisse der Menschheitsgeschichte. Viele seiner diesbezüglichen Pläne wurden nicht umgesetzt. Bryullov hat nie die Idee aufgegeben, eine epische Leinwand zu schaffen, die auf einer Handlung aus der russischen Geschichte basiert. Er beginnt mit dem Gemälde "Die Belagerung von Pskow durch die Truppen von König Stefan Batory". Es zeigt den Höhepunkt der Belagerung von 1581, als die Pskower Krieger und. Die Stadtbewohner beeilen sich, die Polen anzugreifen, die in die Stadt eingebrochen sind, und werfen sie hinter die Mauern zurück. Aber das Bild blieb unvollendet, und die Aufgabe, wirklich nationale historische Gemälde zu schaffen, wurde nicht von Bryullov, sondern von der nächsten Generation russischer Künstler ausgeführt. Bryullov war genauso alt wie Puschkin und überlebte ihn um 15 Jahre. Er war in den letzten Jahren krank. Von einem damals gemalten Selbstporträt blickt uns ein rothaariger Mann mit zarten Gesichtszügen und einem ruhigen, nachdenklichen Blick entgegen.

In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. der Künstler lebte und arbeitete Alexander Andrejewitsch Iwanow(1806-1858). Er widmete sein gesamtes kreatives Leben der Idee des spirituellen Erwachens der Menschen und verkörperte sie in dem Gemälde „Die Erscheinung Christi vor den Menschen“. Mehr als 20 Jahre arbeitete er an dem Gemälde „Die Erscheinung Christi vor den Menschen“, in das er die ganze Kraft und Leuchtkraft seines Talents legte. Im Vordergrund seiner grandiosen Leinwand fällt die mutige Gestalt Johannes des Täufers ins Auge, der die Menschen auf den nahenden Christus hinweist. Seine Figur ist in der Ferne angegeben. Er ist noch nicht gekommen, er kommt, er wird bestimmt kommen, sagt der Künstler. Und die Gesichter und Seelen derer, die auf den Erlöser warten, erhellen sich, reinigen sich. Auf diesem Bild zeigte er, wie I. E. Repin später sagte, „ein unterdrücktes Volk, das nach dem Wort der Freiheit dürstet“.

In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Russische Malerei beinhaltet Alltagshandlungen. Einer der ersten, der ihn kontaktierte Alexey Gavrilovich Wenezianov(1780-1847). Er widmete seine Arbeit der Darstellung des Lebens der Bauern. Er zeigt dieses Leben in idealisierter, ausgeschmückter Form und zollt dem damals modischen Sentimentalismus Tribut. Wenezianows Gemälde „Tenne“, „Bei der Ernte. Sommer“, „Auf Ackerland. Frühling“, „Bäuerin mit Kornblumen“, „Zakharka“, „Morgen des Gutsbesitzers“, die die Schönheit und den Adel des gewöhnlichen russischen Volkes widerspiegeln, dienten dazu, die Würde einer Person unabhängig von ihrem sozialen Status zu bekräftigen.

Seine Traditionen wurden fortgesetzt Pavel Andreevich Fedotov(1815-1852). Seine Leinwände sind realistisch, voller satirischer Inhalte und enthüllen die Söldnermoral, das Leben und die Bräuche der Elite der Gesellschaft ("Major's Matchmaking", "Fresh Cavalier" usw.). Er begann seine Karriere als Satiriker als Wachoffizier. Dann machte er lustige, schelmische Skizzen des Armeelebens. 1848 wurde sein Gemälde „Der frische Kavalier“ auf einer akademischen Ausstellung präsentiert. Es war ein gewagter Hohn nicht nur auf dumme, selbstzufriedene Bürokratie, sondern auch auf akademische Traditionen. Das schmutzige Gewand, das die Hauptfigur des Bildes anlegte, ähnelte sehr einer antiken Toga. Bryullov stand lange vor der Leinwand und sagte dann halb im Scherz, halb im Ernst zum Autor: „Herzlichen Glückwunsch, Sie haben mich besiegt.“ Andere Gemälde von Fedotov ("Frühstück eines Aristokraten", "Major's Matchmaking") sind ebenfalls komödiantischer und satirischer Natur. Seine letzten Bilder sind sehr traurig („Anker, mehr Anker!“, „Witwe“). Zeitgenossen verglichen zu Recht P.A. Fedotov beim Malen mit N.V. Gogol in der Literatur. Die Aufdeckung der Seuchen des feudalen Russlands ist das Hauptthema der Arbeit von Pavel Andreevich Fedotov.

Während der Regierungszeit von Alexander I. erreichte die russische Kunst ein hohes künstlerisches Niveau, die russische Architektur erreichte ihren Höhepunkt. Zu dieser Zeit wurde in St. Petersburg ein bedeutender Teil der herausragenden architektonischen Bauwerke errichtet, die zu Denkmälern der russischen Klassizismus-Architektur wurden. Dies sind: die Kasaner Kathedrale, das Gebäude des Bergbauinstituts (Architekt A. Voronikhin), der Mikhailovsky-Palast, das Alexandrinsky-Theater (Architekt K. Russia), das Börsengebäude (Architekt J.F. Thomas de Thomon), die Admiralität (Architekt Andrey Zakharov), Dreifaltigkeitskathedrale, Verklärungskathedrale (Architekt V. Stasov).

Nach dem Sieg Russlands im Krieg von 1812 entwickelt sich Russland Empire-Stil, die sich auf der Grundlage des „Alexander-Klassizismus“ entwickelte. Die dekorativen Elemente des St. Petersburger Reiches bestanden aus Elementen der antiken römischen Militärausrüstung (traditionell mit dem französischen Reich). Dies waren Legionszeichen mit Adlern, Speerbündeln, Äxten, Pfeilbündeln, Schildbildern, es wurden auch Elemente der ägyptischen Kunst verwendet: ägyptische Ornamente, Bilder von Sphinxen. Das Russische Reich war durch die blassgelbe Farbe der Gebäude und die weiße Farbe der Säulen, Giebel, Pilaster und anderer Details der architektonischen Dekoration gekennzeichnet (die Farben des napoleonischen Reiches waren rot, blau, weiß mit Gold). Der führende Architekt, der die Ideen des Russischen Reiches zum Ausdruck brachte, war Karl Rossi. Er baute 12 Straßen und 13 Plätze im Zentrum von St. Petersburg. Schöpfungen von C. Rossi: Schlossplatz, Mikhailovsky-Palast mit weitläufigem Park und Dienstleistungen, Alexandrinsky-Theater. Rossi kombinierte gekonnt architektonische Formen mit skulpturaler und malerischer Dekoration außen und innen. Er entwarf den Ort und Charakter von Reliefs, Gemälden, Statuen, Vorhängen und Möbeln. Das Dekor im Inneren unterlag dem gleichen Prinzip wie die Außengestaltung. Eines der besten Beispiele für das Empire-Interieur ist Weißer Saal des Michailowski-Palastes. Das ruhige Weiß der Wände und Säulen wird durch die Vergoldung der geformten Gesimse und korinthischen Kapitelle hervorgehoben. Über den Türen befinden sich Basreliefs mit Figuren von ruhenden Bacchantinnen, Kränzen, Girlanden und anderen Empire-Attributen. Die Bemalung der Decke und des oberen Teils der Wände kombiniert Mehrfarbenmalerei, Goldmuster und Grisaille (monochrome Bemalung). Der Goldton des Parketts und der Türen harmoniert mit den blauen Polstern der vergoldeten Möbel. Das Interieur wird durch hohe Stehlampen in Form von Säulen, Kronleuchtern, Kandelabern, Kerzenhaltern aus Bronze, Stein und Kristall ergänzt. Bei aller Vielfalt zeichnet sich die Innenausstattung durch Augenmaß aus, das allgemein für den Empire-Stil charakteristisch ist.

In den ersten Jahren der Regierungszeit von Kaiser Nikolaus I. wurden die Aktivitäten von K. Rossii, V. Stasov fortgesetzt. "Nikolaev-Reich" wurde die letzte Phase der Entwicklung des Klassizismus in der russischen Architektur. Eine visuelle Darstellung der Architektur dieser Zeit bieten die Gebäude des St. Isaaksplatzes in St. Petersburg. Die Isaakskathedrale erbaut von dem Architekten Auguste Montferan. Ein riesiges, rechteckiges Gebäude, auf vier Seiten mit den gleichen mehrsäuligen Portiken mit schweren Giebeln verziert, die mit Hochreliefs verziert sind. Eine vergoldete Kuppel erhebt sich über der Kathedrale bis zu einer Höhe von 101 m, die Trommel ist von einer Kolonnade umgeben, die von einer Balustrade mit Statuen gekrönt wird. Im Inneren der Kathedrale spielen Skulpturen, Mosaike, Gemälde (ausgeführt von den Malern des akademischen Klassizismus K. Bryullov, F. Bruni, P. Basin) eine wichtige Rolle.

Malen erste Hälfte des 19. Jahrhunderts Es wird von verschiedenen Richtungen vertreten: Es gab Klassizismus, Romantik entwickelte sich.

Die russische Romantik war keine so starke künstlerische Bewegung wie in Frankreich und Deutschland. Es gibt keine extreme Aufregung darin, keine tragische Hoffnungslosigkeit.

Im Porträtgenre manifestierte sich die Romantik in der Arbeit von Orest Kiprensky, Vasily Tropinin.

O. Kiprensky absolvierte die St. Petersburger Akademie für Malerei in der Klasse für historische Malerei. In jungen Jahren dreht er sich im Kreis der freigeistigen Adelsintelligenz. Er kannte die romantischen Dichter Batyushkov, Vyazemsky, V. Zhukovsky, die für ihn posierten, und später A. Puschkin. In Porträts versuchte Kiprensky, verschiedene Facetten des menschlichen Charakters und der geistigen Welt eines Menschen zu entdecken. Dazu bedient er sich jedes Mal unterschiedlicher Maltechniken. Aus dem Klassizismus übernimmt Kiprensky die Idealisierung des Bildes, sucht aber den romantischen Seelenflug zu zeigen. Zu den bedeutendsten Werken gehört eine Reihe von Porträts des Militärs - Teilnehmer des Krieges von 1812. (E. Davydova, I. und A. Lanskikh und andere). Kiprenskys Malerei zeichnet sich durch künstlerische Freiheit aus. In freier Pose, nachdenklich zur Seite blickend, lässig an eine Steinplatte gelehnt, steht Colonel of Life Caps E.B. Davydov (1809, Russisches Museum). Dieses Porträt wird als kollektives Bild des Helden des Krieges von 1812 wahrgenommen, obwohl es sehr spezifisch ist. Die romantische Stimmung wird durch die Darstellung einer stürmischen Landschaft verstärkt, vor der die Figur präsentiert wird. Die Farbgebung basiert auf klangvollen Vollfarben - Rot und Gold und Weiß und Silber in der Kleidung eines Husaren - und auf dem Kontrast dieser Farben zu den dunklen Tönen der Landschaft. Kiprenskys Meisterwerk ist „Porträt von Puschkin“ (1827). Die wahre Erscheinung des Dichters und das von der Inspiration erleuchtete Gesicht. Der Dichter schrieb dazu: "Ich sehe mich wie in einem Spiegel, aber dieser Spiegel schmeichelt mir." Im Porträt schuf Kiprensky ein kollektives Bild. Kiprensky wurde der Begründer des russischen Bleistiftporträts.

Zu den romantischen Künstlern gehört Vasily Tropinin (im Alter von 45 Jahren wurde er aus der Leibeigenschaft befreit). Er lebte ein langes fruchtbares Leben, erhielt zu Lebzeiten Anerkennung, den Titel eines Akademikers, wurde der berühmteste Künstler der Moskauer Porträtschule der 20-30er Jahre. In den Porträts von Tropinin gibt es keinen romantischen Impuls von Kiprensky. Die besten Porträts Tropinins zeichnen sich durch hohe künstlerische Perfektion aus. Besonders deutlich wird dies im Porträt von Arsenys Sohn, einem ungewöhnlich ehrlichen Bild, dessen Lebendigkeit und Unmittelbarkeit durch gekonnte Beleuchtung betont wird: Die rechte Seite der Figur, das Haar durchbohrt, von Sonnenlicht durchflutet, vom Meister gekonnt wiedergegeben. Die Farbpalette von Goldocker bis Rosabraun ist ungewöhnlich reich, die weit verbreitete Verwendung von Lasur erinnert noch an die Maltraditionen des 18. Jahrhunderts.

In der Regel wird Tropinins Bild auf einem neutralen Hintergrund mit einem Minimum an Zubehör dargestellt. Genau so funktioniert Tropinin A.S. Puschkin (1827) - in freier Position am Tisch sitzend, gekleidet in ein Hauskleid, das das natürliche Erscheinungsbild betont. In den Bildern von Tropinin, Aufrichtigkeit des Ausdrucks, Einfachheit, Einfachheit, Wahrhaftigkeit der Charaktere, Authentizität alltäglicher Details. Tropinin wurde der Schöpfer des Porträtbildes, dh eines Porträts, in dem die Merkmale des Genres eingeführt wurden. "Lacemaker", "Spinner", "Gitarrist", "Golden Sewing" sind typisierte Bilder mit einer bestimmten Handlung. Der Künstler vermittelt die innere Welt seiner Figuren.

Auf den Leinwänden von Sylvester Shchedrin wird eine romantische Landschaft dargestellt. Nach der Akademie der Künste im Ausland gelebt, den Hafen von Sorrento gemalt, die Uferböschungen von Neapel, verschiedene Ansichten der Stadt Rom. Der Künstler vermittelt alles im komplexen Zusammenspiel der Licht-Luft-Umgebung, verwendet silbergraue Töne mit einem Hauch von Rot (im rostigen Laub von Herbstbäumen, in Kleidern usw.) Seine Gemälde: „Die Küste in Sorrento mit Blick darauf. Capri“, „Blick auf Neapel in einer Mondnacht“.

Die Romantik in der Landschaftsmalerei wird am deutlichsten durch die Arbeit von Alexei Venetsianov (einem Schüler von Borovikovsky) repräsentiert. Seine Bilder zeigen das beschauliche bäuerliche Leben: „Auf Ackerland. Frühling“, „In der Ernte. Sommer“, „Morgen des Gutsbesitzers“, „Mäher“. Venetsianov vermittelte die Poesie des Volkslebens, das ist der romantische Charme seiner Bilder. Wenezianow enthüllte nicht die schärfsten Widersprüche des zeitgenössischen Lebens des russischen Bauern, sprach nicht die „wunden Fragen“ der Gegenwart an. Das ist eine patriarchalisch idyllische Lebensweise. In den Gemälden „passiert nichts“, die Charaktere sind statisch, aber eine Person ist immer in Einheit mit der Natur, in ewiger Arbeit, und das macht Venetsianovs Bilder wirklich monumental.

Auch die russische Historienmalerei der 30er und 40er Jahre des 19. Jahrhunderts entwickelte sich im Zeichen der Romantik. Karl Bryullov war der Künstler, der einen Kompromiss zwischen den Idealen des Klassizismus und den Innovationen der Romantik fand. Nach der Akademie der Künste lebte er in Italien, nach einer Reise nach Pompeji arbeitete er an seinem Hauptwerk Der letzte Tag von Pompeji (1830-1833). Er zeigte ein echtes Ereignis der antiken Geschichte - den Tod der Stadt während des Ausbruchs des Vesuvs im Jahr 79. ANZEIGE (Themen im Klassizismus sind immer historisch). Das Thema Tod ist charakteristisch für die Romantik, auch im Tod bleibt ein Mensch schön: Ein junger Mann rettet seine Geliebte, eine Mutter bedeckt ein Kind, ein Künstler nimmt Farben weg, aber er verlässt die zerstörte Stadt und versucht, einen schrecklichen Anblick einzufangen. Der Künstler zeigte die Größe und Würde des Menschen im Angesicht des Todes. Szenische Beleuchtung mit romantischen Effekten.

Alexander Ivanov war eine zentrale Figur in der Malerei der Mitte des Jahrhunderts. Nach der Akademie der Künste lebte er in Italien, 1,5 Monate vor seinem Tod kehrte er in seine Heimat zurück. Das Hauptgemälde ist „Die Erscheinung Christi vor den Menschen“. Ivanov ging lange zu dieser Arbeit. Er glaubte an die Idee des prophetischen Schicksals des Künstlers in dieser Welt, er glaubte an die Perfektion eines Menschen, der Freiheit und Wahrheit sucht. Er zeigte die spirituelle Einsicht der Menschen, die Jesus sahen, und brachte so die Idee der moralischen Vollkommenheit der Menschheit zum Ausdruck. Die Zugehörigkeit dieses Bildes zur Romantik ist umstritten: Es hat keine dramatische Handlung, keine Handlungsdynamik, keine rasenden Leidenschaften, keine Farb- und Lichteffekte. Dabei ist die Idee und der Gesamtgedanke zweifellos romantisch: Der Ruf Johannes des Täufers und die Predigt J. Christi sollten die Menschen in Judäa aus dem „säkularen Schweigen“ erwecken.

Skulptur.

1838 erhielt P.K.Klodt den Titel eines Akademikers und wurde zum Professor für Bildhauerei an der Akademie der Künste ernannt.

Peter Klodt ist ein herausragender Bildhauer, der skulpturale Pferdegruppen geschaffen hat. Sie schmücken die Anitschkow-Brücke aus St. Petersburg, das Bolschoi-Theater (eine Quadriga mit Apollo auf dem Giebel des Theaters). Die feierliche Eröffnung der Brücke mit Klodts Skulpturen fand am 20. November 1841 vor einer großen Menge bewundernden Publikums statt.

Bei der ersten dieser Arbeiten bäumte sich das Pferd auf, es war aufgeregt, seine Nasenlöcher waren geschwollen, es versuchte zu fliehen, aber der junge Wagenlenker zügelte es und deckte es mit einer Decke zu. Auf dem zweiten – das Pferd bleibt noch aufgeregt, gehorcht aber dem Mann, der junge Mann führt ihn neben sich – aufgezäumt, beschlagen und mit einer Decke bedeckt. PKKlodt beteiligte sich an der Dekoration der Innenräume der St. Isaaks-Kathedrale (Hochrelief „Christus in Herrlichkeit“). Er ist der Autor des Denkmals für I. A. Krylov im Sommergarten in St. Petersburg, der Statue des Heiligen Wladimir in Kiew. Das letzte seiner großen Werke ist ein Denkmal für seinen Gönner, Kaiser Nikolaus I. von St. Petersburg.

Die Hauptbewegung ging zum Realismus, setzte sich aber im Kampf gegen den von der Akademie vertretenen autoritativen Klassizismus durch und konnte sich daher viel später als in der Literatur durchsetzen. Während Puschkin bereits im Alter von 25-26 Jahren zum „Dichter der Realität“ geworden war, hatte die russische Malerei Schwierigkeiten, den trägen Einfluss der vorangegangenen Ära zu überwinden. Die neue russische Malerei verband sich zunächst mit der Romantik.
Orest Adamowitsch Kiprensky (1782 - 1836)
Dieser Künstler stand an den Ursprüngen der russischen Malerei des 19. Jahrhunderts. Seine Kunst zeichnet sich durch Leidenschaft und Impuls aus, der Wunsch, die Bewegung des Innenlebens zu vermitteln. Er suchte das Erhabene in einem Menschen, stellte Helden in den besten Momenten dar, vermittelte die Fähigkeit zu fühlen, den Wunsch, ein spirituelles Leben zu führen. Der beste Teil seiner Arbeit sind Porträts der späten 1800-1810er Jahre. Kiprensky suchte nach Spiegelungen des Ideals in den Gesichtern der Menschen. Ihn interessiert ein Mensch, der nichts mit öffentlichem Dienst zu tun hat, der im Bereich privater Interessen lebt, in der Welt der Gefühle.
Porträts: ein Porträt von Evgraf Davydov (1809), ein Porträt eines Jungen Chelishchev (1808 - 1809), ein Porträt des Dichters V. A. Zhukovsky (1816). Die wichtigsten Maltechniken sind wie folgt:
ein scharfer Kontrast von Licht und Schatten, manchmal eine enge Abstufung benachbarter Farben. Vorwiegend Rot, Blau und Weiß bilden den Hauptfarbakkord. Jedes Gesicht von Kiprensky ist einzigartig, man kann über einen solchen Helden sagen, dass er der einzige ist. Das ist ein Merkmal der Romantik.
Das berühmteste Porträt von Kiprensky entstand 1827. Das Porträt von A. S. Puschkin, worüber alle Verwandten sagten, dass er näher als andere am Original ist.

Sylvester Schtschedrin (1791 - 1830)
Landschaft der Romantik. Nach einer Reise nach Italien entledigt sich Shchedrin der akademischen Razzia und erlangt die Freiheit. Dort verbringt er 10 Jahre, erlebt die Blüte der Kreativität und stirbt, bevor er in seine Heimat zurückkehren kann. Er schreibt italienische Ansichten. Die Natur erscheint auf seinen Leinwänden strahlend, fröhlich, berauschend. Die Farben funkeln. Mensch und Natur bilden die Grundlage seines Weltbildes. Shchedrin ging den gleichen Weg wie der Constable in England, wie Corot in Frankreich. Die Aufgabe besteht darin, das Innenleben für den Einklang mit der Natur zu öffnen. Shchedrin wurde der erste russische Künstler, der unter freiem Himmel arbeitete - unter freiem Himmel. "Neues Rom", "Küste in Sorrento mit Blick auf die Insel Capri".
Shchedrin suchte nach der Wahrheit von Licht und Luft, ihrer Wechselwirkung, beherrschte die Gesetze der freien Luft. Er verbannte museale „Braun“-Töne. Er mochte kaltes Silber, Grau. Am Ende seines Lebens kehrte der Künstler zu heißen Farben zurück. "Terrasse am Meer".

Der Vorfahre des Haushaltsgenres. Alexej Gawrilowitsch Wenezianow (1780 - 1847).
Ein einfacher Angestellter, ein Landvermesser, begann Anfang des 19. Jahrhunderts mit der Malerei. Von Moskau nach St. Petersburg gezogen, Unterricht bei Borovikovsky genommen. Wenezianow stand den fortgeschrittenen Kreisen der Gesellschaft nahe. Das sagt seine Radierung. "Edelmann". Um die Wende der 10-40er Jahre. Venetsianov entdeckte das Genre des Alltagslebens, erwarb ein kleines Anwesen in der Provinz Tver und griff das Bild der bäuerlichen Welt auf.
Er stand vor der Aufgabe, aus verschiedenen Quellen strömendes Licht darzustellen, das die Bauern in verschiedenen Positionen zeigt. Poesie sah er im Gewöhnlichsten, im Leben des Dorfes. Darin steht er Puschkin nahe. In Venetsianovs Gemälden passiert nichts Besonderes. Die Handlung ist normalerweise einsilbig. Der Künstler bildet keine Konflikte ab. Der Mann auf seinen Leinwänden ist umgeben von Natur dargestellt. Venetsianov war der erste, der die Schönheit seiner heimischen Natur entdeckte. Die besten Kreationen von Venetsianov „Auf dem Ackerland. Frühling“, „In der Ernte, Sommer“.

Karl Pawlowitsch Brjullow (1799 - 1852)
Bryullov ist im gleichen Alter wie Puschkin und trifft in seinem Werk oft auf den großen Dichter. Aber wenn Puschkin schnell von der Romantik zur realistischen Art und Weise, zur "Poesie der Realität" überging, dann konnte Bryullov gerade in seinem berühmtesten Gemälde nur akademisches kaltes Geschick mit romantischem Weitblick verbinden. Er suchte das Ideale, Helle und Fröhliche, ging aber keine schwierigen Wege in der Kunst. Nach der Akademie landete Bryullov, wie immer bei den besten Absolventen, in Italien. In den Gemälden der 20er Jahre zu Themen der Antike, der italienischen Renaissance, der Bibel überwiegen dekorative Elemente und äußere Brillanz. In den 30er Jahren taucht eine tragische Lebensauffassung auf. Zu dieser Zeit reift der zentrale Plan von Bryullov.
"Der letzte Tag von Pompeji" (1830 - 1833)
In den 30er Jahren. Bryullov schafft eine Reihe zeremonieller Porträts. Er wurde ein ungewöhnlich modischer Künstler, der mit Aufträgen überschwemmt wurde. Bryullov versucht, einen erhabenen Moment festzuhalten. Takova "Fahrer"- Schülerin der Gräfin Samoilova - Jovanina.
In den 40er Jahren. der Künstler suchte nach psychologischer Ausdruckskraft. wunderbar "Selbstportrait" 1848 vom Künstler nach schwerer Krankheit gemalt. Vor uns steht ein müder, enttäuschter, lebensmüder Mensch. Dieses Porträt ist weit entfernt von kaltem Akademismus. Es ist frei geschrieben, der Strich ist breit, nicht geleckt, was von der Zukunft der russischen Kunst spricht.

Alexander Iwanow (1806 - 1858)
Er war ein Mann von außergewöhnlicher Denkstärke, Charakter, "goldener Seele", der wusste, wie man sich um seine Lieben kümmert, und gleichzeitig sehr streng im häuslichen Leben. Er war ein echter Dichter und verachtete alle äußeren Wirkungen, Vorteile. Er zeichnete sich durch eine große, grenzenlose Liebe zum Mutterland aus, ein Traum ihrer Erhebung. Der grenzenlose Durst nach Selbstverbesserung, ständige Selbstentwicklung, Unzufriedenheit mit sich selbst - all dies machte ihn zu einer außergewöhnlich hellen Persönlichkeit. Alexander Ivanov wurde von Herzen und Ogarev, Chernyshevsky, geschätzt, sein Freund war N. V. Gogol.
Ivanov wurde in St. Petersburg in der Familie eines Künstlers geboren. Er absolvierte die Akademie und kam 1830 nach Italien, nach Rom. Er wird nur anderthalb Monate vor seinem Tod zurückkehren und die „Erscheinung Christi vor den Menschen“ bringen. Die Aufgaben, die sich Ivanov stellte, wurden immer komplizierter. Zuerst wollte er die italienische Schule und ihren Geist verstehen, dann Religion und Mythologie mit den Problemen von Gut und Böse verbinden.
"Erscheinung Christi vor Magdalena"- die erste Annäherung an eine neue, noch weitgehend akademische Aufgabe.
"Die Erscheinung Christi vor den Menschen".
Von 1836 bis 1848 schrieb Ivanov sein zweites und wichtigstes Werk. Tatsächlich arbeitete er bis zu seinem Tod weiter daran. Diese Leinwand ist voller erstaunlicher Tugenden: das Bild von Natur und Menschen, Charakteren, spirituellen Manifestationen, der Bewegung des Herzens, die Idee selbst ist brillant - die den Menschen offenbarte Wahrheit und die Hoffnung auf Erlösung darzustellen. Ivanov führte in seinen Skizzen keine menschlichen Figuren oder Genremotive ein. Seine Landschaften sind philosophisch und historisch. Auf der "Appian-Weg" zeigt die Straße, auf der es nach dem Aufstand von Spartakus Kreuze mit gekreuzigten Sklaven gab. In einem Zweig, der in der Sonne funkelte, konnte Ivanov das Universum spüren. Nach 1848, nach den Revolutionen in Europa, kam kein Geld mehr aus Russland. Vater starb. Ivanov konnte das Bild jetzt nicht so vervollständigen, wie er es wollte. Und seine neuen Ideen waren noch großartiger: ein Zyklus biblischer Gemälde an der Wand eines besonderen Gebäudes. Skizzen werden freier. Befreit von den Überresten des Akademismus. Aber wie Michelangelo, Bazhenov, Rodin konnte Ivanov nicht alle seine Ideen verwirklichen. Ivanov wurde in Russland nicht anerkannt, aber seine Arbeit spielte eine große Rolle in der Entwicklung der gesamten russischen Kunst des 19. Jahrhunderts.
Pavel Andreevich Fedotov. (1815 - 1852)
Seine Blütezeit und sein Tod kamen in den 40er Jahren. Das 19. Jahrhundert ist die Zeit des Triumphs der Reaktion von Nikolaev. Tragisch ist das Schicksal des Künstlers, der einen hohen Preis dafür zahlte, dass er als Erster mutig in die Züge des russischen Lebens geblickt hat. Er absolvierte das Moskauer Kadettenkorps, landete in St. Petersburg im finnischen Garderegiment und war den größten Teil seines Lebens mit der russischen Armee verbunden. Ohne diese Kenntnis des Heeresumfelds hätte er das Bild seines Majors nicht so genau in das berühmte Bild einzeichnen können. In der Armee interessierte sich Fedotov für Zeichnen, Karikaturen, Skizzieren, zeichnete oft seine Freunde, alltägliche Militärszenen, Reisen in Sommermilitärlager usw. Er studierte selbstständig Malerei, begann Unterricht an der Akademie zu nehmen. Bekannt für seine wunderbaren Zeichnungen „Die Folge des Todes von Fidelka“, „Ehemann einer betrogenen Frau“, Das von einem Offizier am Bett einer kranken Mutter verführte Mädchen. Schon die Namen dieser Werke erinnern an eine natürliche Schule in der Literatur, deren Bedeutung eine direkte Darstellung der typischsten Aspekte des russischen Lebens war. Aber Fedotov wurde nicht in den Kreis der Schriftsteller aufgenommen, die mit dem Ideologen der natürlichen Schule - Belinsky - verbunden waren. Er ging seinen eigenen Weg. In den 40er Jahren. Fedotov beginnt sich in der Ölmalerei zu versuchen. Er taucht in die Essenz des Lebens ein, sein Werk wird immer tragischer.
Fedotov schuf die bedeutendsten Leinwände von 1846 bis 1852. Jedes seiner Bilder war ein Meilenstein auf dem Weg zu einem neuen System künstlerischer Wirklichkeitsauffassung.
"Frischer Kavalier" 1846. Eine faszinierende Idee wird präsentiert.

"Major's Matchmaking" 1848
Dies ist der Höhepunkt von Fedotovs Kreativität. Die Essenz der berühmten Leinwand ist das Bild der Welt der Täuschung, Lügen, Ehe, die natürlich wie ein gewöhnliches Geschäft erscheint. Die Welt auf den Leinwänden des Künstlers wird immer schrecklicher. Objekte werden verzerrt, ein starker Ausdruck erscheint. Verschwindet Satire im Bild "Witwe", wo sich Fedotov im Porträt des verstorbenen Mannes der Frau präsentierte.
"Spieler" 1852. Die Szene ist fast unwirklich, fantastisch. Bald erkrankte Fedotov an einer Geisteskrankheit und endete seine Tage in einer Irrenanstalt.Er ist auf dem Friedhof des Alexander-Newski-Klosters in St. Petersburg begraben. Fedotov selbst, wie der Kritiker Stasov schrieb, wäre wahrscheinlich überrascht, wenn er wüsste, dass seine Suche in die gleiche Richtung ging wie die Suche nach den besten französischen Künstlern des 19. Jahrhunderts, die der realistischen Richtung den Weg ebneten. Für den Mut, mit dem er in die Realität von Nikolaev blickte, zahlte er einen hohen Preis, aber seine Leistungen, deren Ernst die Akademiker nicht sofort verstanden, bereiteten den Weg für russische realistische Künstler - die Wanderers.

Der Weg der russischen Kunstkultur verlief in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts ausgehend vom Klassizismus über die Romantik bis hin zum Realismus. Diejenigen Maler, die den ausgetretenen Pfaden des Klassizismus folgten, der zu Beginn des 19. Jahrhunderts in der Malerei einen akademischen Ton annahm, gelangten nicht zu großen Höhen. Die Zeitgenossen schätzten ihre Kunst zwar sehr; Das historische Genre, in dem sie arbeiteten, galt an der Akademie als das höchste. In der Historienmalerei gab es zwar einige Veränderungen. Sie bestanden darin, dass nationale Themen immer mehr an Gewicht gewannen.

Einer der berühmtesten Historienmaler der Jahrhundertwende Andrej Iwanow - der Vater des großen Alexander Ivanov - widmete seine Werke am häufigsten Helden aus der alten Geschichte Russlands - Mstislav the Udaly oder einem jungen Kiewer. Ein weiterer Künstler des frühen 19. Jahrhunderts Dmitri Iwanow widmete sein Gemälde Marfa Posadniza, die damals in den Augen fortschrittlicher Menschen des frühen 19. Jahrhunderts eine konsequente Kämpferin für die Freien von Nowgorod war. Historische Charaktere in all diesen Werken traten als echte Helden auf. Ihre Heldentaten sollten als Vorwand dienen, die Geschichte mit der Gegenwart zu vergleichen.

Dennoch hat sich die Historienmalerei gegenüber den Meistern des ausgehenden 18. Jahrhunderts in nichts Wesentlichem weiterentwickelt.

Der Klassizismus als Trend in der russischen Kunstkultur bekommt jetzt einen kraftvollen bürgerlichen Klang. In der wissenschaftlichen Literatur wird diese Zeit meist als Hochklassizismus bezeichnet.

Auch in der Malerei spiegelte sich der Hochklassizismus wider, doch war hier der Wunsch der Künstler, der Kunst das Leben näher zu bringen, fruchtbarer. Charakteristisch für die Maler dieser Zeit war das romantische Statement von der Schönheit des Einzigartigen, Individuellen, Ungewöhnlichen.

Einer der Künstler, die an den Ursprüngen der Kunst des 19. Jahrhunderts standen, war Orest Adamowitsch Kiprensky (1782-1836) . Wenn wir einerseits alle Gemälde historischer Maler und andererseits mehrere Porträts von Kiprensky auf die Waage der Geschichte legen, wird letzteres zweifellos überwiegen. Sie sind es, die uns von dieser Zeit erzählen; sie haben die Seele jener Jahre. Sie haben die Schönheit der Aufregung und des Impulses, das Verlangen nach der Dynamik des Innenlebens. Kiprensky war mit der ihn umgebenden Realität nicht zufrieden; Er suchte nach einem erhabenen Anfang in einer Person, porträtierte seine Helden in den besten Momenten, vermittelte ihre Fähigkeit zu fühlen, ihren Wunsch, ein spirituelles Leben zu führen. Die Helden von Kiprensky blicken in die Welt, vertrauen sich dem Gesprächspartner an. Nicht umsonst werden diese Porträts manchmal mit poetischen Botschaften an einen Freund verglichen – mit dem in der Vor-Puschkin- und Puschkin-Zeit weit verbreiteten Genre der Lyrik.

Kiprensky entdeckte nicht nur neue Qualitäten einer Person, sondern auch neue Möglichkeiten der Malerei. Jedes seiner Porträts hat seine eigene besondere Bildstruktur. Einige basieren auf einem scharfen Kontrast von Licht und Schatten. In anderen ist das Hauptbildmittel eine subtile Abstufung von Farben, die nahe beieinander liegen. Diese Vielfalt von Manifestationen des kreativen Gesichts des Künstlers gehört auch zum neuen Jahrhundert - dem romantischen kreativen Konzept.

Die russische Romantik in ihrer ersten Phase wird von einem Landschaftsmaler repräsentiert Sylvester Schtschedrin (1791-1830) . Er begann zu einer Zeit, als in der russischen Landschaft eine gewisse Stagnation herrschte: Die dekorative Landschaft des 18 Klassischer Schematismus. Der Künstler verbrachte mehr als zehn Jahre in Italien, das damals von russischen Künstlern und Dichtern als „gelobtes Land“ bezeichnet wurde. Dort erlebte er die Blüte der Kreativität; Dort starb er, bevor er in seine Heimat zurückkehren konnte. Dies waren die besten Jahre seines kurzen Lebens und seiner Kreativität voller Suchen. Shchedrin malte italienische Ansichten. Italien mit seiner malerischen, großartigen Natur schien ihm genau der Ort, an dem ein Landschaftsmaler schaffen konnte und sollte. Shchedrins Natur ist immer erhaben und leuchtet in fröhlichen Farben; es berauscht einen Menschen, bringt ihm ein süßes Glücksgefühl. Es scheint jenes „dolce far niente“ („schönes Nichtstun“) zu prädisponieren, das in den Augen der Russen die wahre Grundlage des italienischen Lebens war. Den Weg zu einem solchen Naturverständnis eröffneten dem Künstler neue romantische Vorstellungen über das Verhältnis des Menschen zu seiner natürlichen Umwelt; die Natur erwies sich als fähig, den Menschen mit ihrer ungeheuren Majestät zu unterdrücken oder ihm ihr Inneres zum Zusammenleben zu öffnen.

V.A. Tropinin (1776-1857) demonstrierte mit seinem Werk einen allmählichen und nicht wie bei Kiprensky scharfen Übergang vom 18. zum 19. Jahrhundert. Tropinin übernahm die Traditionen von Borovikovskys Sentimentalismus und bediente sich allgemein des Erbes des 18. Jahrhunderts, was besonders in seinen frühen Werken („Das Mädchen von Podol“) auffällt.

Bald jedoch billigte der Künstler sein eigenes Prinzip der Interpretation einer Person. Seine Porträts der 20-30er Jahre, d.h. Blütezeit, zeugen bereits von einer völlig eigenständigen Figurenkonzeption. Tropinin kann als Antipode von Kiprensky angesehen werden. Porträts des Moskauer Meisters sind immer einfach, „hausgemacht“. Es gibt keine besondere innere Erregung in seinen Charakteren. Aber andererseits verhalten sie sich entspannt, ruhig. Der Künstler nimmt mit großer Unmittelbarkeit die Merkmale des Modells und die Umgebung, in der sich dieses Modell befindet, wahr und vermittelt sie. In diesen Porträts gibt es die Wahrheit der Charaktere und die Wahrheit der Umgebung. Sie interessieren sich für die spezifische Umgebung eines Menschen, für seine Kleidung, in einem genau markierten Moment, in dem sich dieser besondere Zustand eines Menschen offenbart. Gleichzeitig zeichnen sich diese Porträts durch hohe bildnerische Qualitäten aus: Die sanfte Modellierung des Volumens, begleitet von tonaler Einheit, hindert Tropinin nicht daran, manchmal sowohl den Wert unabhängiger Farbqualitäten als auch die Schönheit der Textur zu sehen. All diese Merkmale sind in den Porträts des Sohnes (um 1818), Bulakhov (1823), Ravich (1825), Zubova (1834) und anderer zu beobachten.

Das Interesse des Künstlers an der Umwelt, an der Umwelt, in der Menschen leben, führte ihn zu einer besonderen Art der Malerei, in der sich das Porträt mit dem Genre verbindet. In zahlreichen „Klöpplerinnen“, „Goldenen Näherinnen“, „Gitarristinnen“ findet sich in der Regel ein typisiertes Porträtbild und gleichzeitig stellt der Künstler eine Aktion nach, wenn auch eindeutig und einfach. In diesen Werken wird Tropinins Verbindung mit dem sentimentalen Erbe früherer Maler besonders deutlich, aber Tropinins Bilder tendieren mehr zum Genre, zum alltäglichen Anfang.

Tropins Werk bestimmte maßgeblich die Besonderheiten der Moskauer Malerei. Tropinin war die zentrale Figur der Moskauer Kunst. Obwohl er selbst keine Lehrtätigkeit ausübte, ließen sich die Lehrer und Schüler der Moskauer Schule von den Erfahrungen Tropinins leiten und seine Tradition setzte sich bis zum Ende des 19. Jahrhunderts fort.

Der wahre Vorfahr des alltäglichen Genres in der russischen Malerei war Alexej Gawrilowitsch Wenezianow (1780-1847) . Bleistift-, Pastell- und Ölporträts, die Venetsianov im ersten Jahrzehnt des Jahrhunderts anfertigte, haben einen frühromantischen Charakter. Dann wendet sich der Künstler der Karikatur und dem alltäglichen Skizzieren zu.

Um die Wende der 10er- zu den 20er-Jahren des 19. Jahrhunderts fand sich Venetsianov im Alltagsgenre wieder. Seine besten Werke entstanden in den 1920er Jahren („Gumno“). Die Handlungen seiner Gemälde begannen, die gewöhnlichsten Phänomene des Lebens aufzunehmen: Bauern, die Rüben putzen, eine Landbesitzerin, die ihren Leibeigenenmädchen eine „Lektion“ für den Tag erteilt, ein Hirte, der neben einem Baum einschlief, eine Szene des Pflügens und Erntens und Heuernte. Schließlich schuf er Porträts von Bauern - ein Junge Zakharka, ein älterer Mann, ein Mädchen mit Kornblumen. Der Künstler sang von einfachen Menschen, dachte nicht an die Widersprüche des bäuerlichen Lebens und versuchte vor allem, Poesie in den Grundfesten des Lebens seines zeitgenössischen Dorfes zu finden.

Zeitgenossen der Historienmalerei legten großen Wert darauf. Das Gemälde „Der letzte Tag von Pompeji“ (1830-1833) war weithin bekannt. Karl Pawlowitsch Brjullow (1799-1852) ; Gogol begrüßte sie, und Puschkin widmete ihr mehrere Zeilen. Im Glanz dichter Wolken durchbohrender Blitze, in intensiven Licht- und Schattenkontrasten stellte sich der Künstler den Tod der Bewohner des antiken Pompeji beim Ausbruch des Vesuvs vor. Die erhabene Schönheit des Menschen und die Unausweichlichkeit seines Todes stehen hier in einem tragischen Widerspruch. Der romantische Charakter ist auch den meisten Porträts Bryullovs innewohnend („Self-portrait“ 1848).

Der größte Meister der Historienmalerei war Alexander Andrejewitsch Iwanow (1806-1858) , ein Künstler, bei dem sich, so Chernyshevsky, „ein tiefer Wahrheitsdurst“ mit „einer infantilen Seelenreinheit“ verband. Iwanow, ein Mann von außergewöhnlicher Intelligenz, war von der großen historischen Zukunft des russischen Volkes glühend überzeugt. In seinen Werken versuchte er, die Elemente populärer Bewegungen in der Geschichte zu verstehen und nahm viele der Bestrebungen der russischen realistischen Malerei in den folgenden Jahrzehnten vorweg.

In der Mitte des Jahrhunderts, in der Ära von Belinsky und Gogol, rückt die Denunziation der Laster des öffentlichen Lebens in den Vordergrund der bildenden Kunst. Russische Grafiken – spöttische und bissige Buch- und Zeitschriftenillustrationen – sind die ersten, die diese Bewegung in Gang setzen. Es folgte die Lackierung. Die satirische Richtung in der Malerei war die hellste vertreten durch Pawel Andrejewitsch Fedotow (1815-1852) . Seine Gemälde, die die dunklen Seiten der russischen Realität darstellen, markierten den Beginn der Kunst der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts.