Ewige Themen im Werk Kuprins. Die wichtigsten Themen und Probleme der Kreativität A

Das Schreiben

Das Thema Liebe ist ein ewiges Thema nicht nur in der Literatur, sondern auch in der Kunst im Allgemeinen. Jeder Künstler bringt etwas Eigenes mit: sein eigenes Verständnis von diesem Gefühl, seine Einstellung dazu. Schriftsteller des Silbernen Zeitalters interpretierten Liebesbeziehungen auf ihre eigene Weise. Wir können sagen, dass sie ihre eigene Philosophie der Liebe entwickelt haben.

Bunin und Kuprin gehören zu den prominentesten Schriftstellern jener Zeit, die weit über das Silberzeitalter hinausgingen. Die meisten ihrer Arbeiten widmen sich dem Thema Liebe. Jeder dieser Künstler schuf seine eigenen, originellen Werke. Sie können nicht verwechselt werden. Aber die allgemeine Bedeutung der Werke sowohl von Bunin als auch von Kuprin kann durch eine rhetorische Frage vermittelt werden: „Ist Liebe manchmal selten?“

Tatsächlich gibt es in Bunins "Dark Alleys" wahrscheinlich keine einzige Geschichte, die der glücklichen Liebe gewidmet ist. Auf die eine oder andere Weise ist dieses Gefühl nur von kurzer Dauer und endet dramatisch, wenn nicht sogar tragisch. Aber der Schriftsteller behauptet, dass die Liebe trotz allem schön ist. Es erhellt, wenn auch nur für einen kurzen Moment, das Leben eines Menschen und gibt ihm einen Sinn für die weitere Existenz. In der Geschichte „Cold Autumn“ zum Beispiel fasst die Heldin, die ein langes und sehr schwieriges Leben geführt hat, zusammen: „Aber wenn ich mich an alles erinnere, was ich seitdem erlebt habe, frage ich mich immer: Ja, was ist in meinem passiert? Leben? ? Und ich antworte mir selbst: nur jener kalte Herbstabend. Nur an diesem kalten Herbstabend, als die Heldin sich von ihrem Verlobten verabschiedete, der in den Krieg aufbrach. Es war so leicht und zugleich traurig und schwer in ihrer Seele.

Erst am Ende des Abends begannen die Helden über das Schlimmste zu sprechen: Was ist, wenn die Geliebte nicht aus dem Krieg zurückkehrt? Würden sie ihn töten? Die Heldin will und kann nicht einmal daran denken: „Ich dachte: „Was ist, wenn sie wirklich töten? und vergesse ich das wirklich irgendwann - schließlich ist alles vergessen? Und sie antwortete hastig, erschreckt von ihrem Gedanken: „Sprich nicht so! Ich werde deinen Tod nicht überleben!"

Der Verlobte der Heldin wurde tatsächlich getötet. Und das Mädchen überlebte seinen Tod. Sie hat sogar geheiratet und ein Kind bekommen. Nach der Revolution von 1917 musste sie durch Russland und andere Länder wandern. Aber am Ende der Jahre, wenn sie über ihr Leben nachdenkt, kommt die Heldin zu dem Schluss, dass es in ihrem Leben nur eine Liebe gab. Außerdem gab es in ihrem Leben nur eine Herbstnacht, die das ganze Leben einer Frau erleuchtete. Das ist ihr Lebenssinn, ihre Stütze und Unterstützung.

Die Helden der Geschichten "Kaukasus" und "Sauberer Montag" sprechen nicht über ihr Leben, begreifen es nicht. Aber in ihrem Leben spielten Love-Flash, Love-Rock eine große Rolle. Man kann sagen, es scheint mir, dass sie die Existenz von Helden verändert hat, ihre Lebensweise und Gedanken verändert hat.

In "Clean Monday" liebt der Held seine mysteriöse Geliebte mit heißer Leidenschaft-Liebe. Er will dasselbe von ihr. Aber seine Herzensdame kann nicht einfach glücklich sein. Etwas nagt an ihr, lässt sie nicht los. Eine Art Traurigkeit erlaubt der Heldin nicht, glücklich zu sein. "Glück, Glück ..." Unser Glück, mein Freund, ist wie Wasser in einer Täuschung: Sie ziehen - es ist aufgeblasen, aber Sie ziehen es heraus - da ist nichts ", sagt sie.

Nur in der letzten Nacht vor dem sauberen Montag gibt sich die Heldin dem Helden vollständig hin: sowohl körperlich als auch geistig. Aber danach kündigt sie an, dass sie in ihre Heimat, nach Twer, zurückkehrt. Und wahrscheinlich wird er ins Kloster gehen.

Das Herz des Helden aus Trauer wurde in Stücke gerissen. Er liebte dieses Mädchen von ganzem Herzen. Doch trotz aller Leiden ist seine Liebe zu ihr ein Lichtblick im Leben, wenn auch mit einer Beimischung von etwas Bitterem, Unbegreiflichem, Geheimnisvollem.

Die Liebe in der Geschichte "Kaukasus" endet im Allgemeinen tragisch. Ihretwegen stirbt ein Mann, der Ehemann der Geliebten des Erzählers. Das Gefühl der Liebe bringt laut Bunin viel Bitterkeit mit sich. Dauerhaft kann es nicht sein. Liebe ist ein Blitz, der schnell vergeht und nicht nur eine kreative, sondern auch eine zerstörerische Kraft in sich trägt. Liebe, so der Autor, ist immer mit Schicksal, Mysterium, Mysterium verbunden. Trotzdem ist dies das höchste Glück, das nur im Leben eines Menschen sein kann.

Diese Idee in seiner Arbeit wird von AI Kuprin voll unterstützt. In der Geschichte "Garnet Bracelet" zeichnet er ein aufopferungsvolles und unerwidertes Gefühl, das den Helden vollständig einnimmt. Dieser scheinbar unauffällige kleine Mann, ein kleiner Beamter, hatte eine große Gabe. Zheltkov wusste, wie man liebt. Außerdem hat er sein ganzes Leben, sein ganzes Wesen diesem Gefühl untergeordnet. Als er gebeten wurde, seiner angebeteten Vera Nikolaevna keine Aufmerksamkeit mehr zu schenken, starb der Held einfach. Ohne eine Prinzessin hat er keinen Grund zu leben. In seinem letzten Brief schrieb er: „Es ist nicht meine Schuld, Vera Nikolajewna, dass es Gottes Wille war, mir als großes Glück Liebe für dich zu schicken. Zufällig interessiere ich mich für nichts im Leben: weder Politik noch Wissenschaft noch Philosophie noch Sorge um das zukünftige Glück der Menschen - für mich ist alles Leben nur in dir.

Zheltkov ist sich dessen bewusst und dankt Gott für das Gefühl, das er durchlebt. Der Held braucht keine Gegenleistung, schreibt nur Briefe an seine Geliebte und schenkt ihr das Kostbarste - ein Stück seiner riesigen Seele.

Dieser Held, so scheint es mir, könnte ausrufen: "Ist die Liebe jemals unglücklich?" Wenn wir die Werke von Bunin und Kuprin lesen, beginnen wir darüber nachzudenken. Und außerdem, so scheint es mir, beginnen wir dieses Gefühl mehr zu schätzen, ungeachtet seiner Gegenseitigkeit.

Hauptthemen und Ideen der Prosa A. I. Kuprina .

1. Ein Wort über die Arbeit von A. I. Kuprin.

2. Hauptthemen und Let's go Kreativität:

a) "Moloch" - ein Bild der bürgerlichen Gesellschaft;

b) das Bild der Armee ("Nachtschicht", "Feldzug", "Duell");

c) der Konflikt eines romantischen Helden mit der alltäglichen Realität („Olesya“);

d) das Thema der Harmonie der Natur, der Schönheit des Menschen ("Smaragd", "Weißer Pudel", "Hundeglück", "Shulamith");

e) das Thema Liebe ("Granatarmband").

3. Die spirituelle Atmosphäre der Ära.

1. Die Arbeit von A. I. Kuprin ist eigenartig und interessant, sie beeindruckt die Beobachtungsfähigkeit des Autors und die erstaunliche Plausibilität, mit der er das Leben der Menschen beschreibt. Als realistischer Schriftsteller blickt Kuprin sorgfältig in das Leben und hebt die wichtigsten, wesentlichen Aspekte darin hervor.

2. a) Dies gab Kuprin die Gelegenheit, 1896 ein Hauptwerk "Moloch" zu schaffen, das sich dem wichtigsten Thema der kapitalistischen Entwicklung Russlands widmete. Wahrhaftig und ohne Schnörkel zeichnete der Schriftsteller das wahre Gesicht der bürgerlichen Zivilisation. In dieser Arbeit prangert er heuchlerische Moral, Korruption und Falschheit in den Beziehungen zwischen Menschen in einer kapitalistischen Gesellschaft an.

Kuprin zeigt eine große Fabrik, in der die Arbeiter brutal ausgebeutet werden. Die Hauptfigur, Ingenieur Bobrov, ein ehrlicher, menschlicher Mensch, ist schockiert und empört über dieses schreckliche Bild. Gleichzeitig stellt der Autor die Arbeiter als eine nicht klagende Masse dar, die machtlos ist, aktiv etwas zu unternehmen. In Moloch wurden Motive skizziert, die für alle späteren Arbeiten Kuprins charakteristisch sind. Bilder von humanistischen Wahrheitssuchern werden in vielen seiner Werke in einer langen Reihe vorkommen. Diese Helden sehnen sich nach der Schönheit des Lebens und lehnen die hässliche bürgerliche Realität ihrer Zeit ab.

b) Seiten voller aufschlussreicher Kraft widmete Kuprin der Beschreibung der zaristischen Armee. Die Armee war die Hochburg der Autokratie, gegen die sich in jenen Jahren alle fortschrittlichen Kräfte der russischen Gesellschaft erhoben. Aus diesem Grund hatten Kuprins Werke "Nachtschicht", "Kampagne" und dann "Duell" eine große öffentliche Wirkung. Die zaristische Armee mit ihrer mittelmäßigen, moralisch degenerierten Führung erscheint auf den Seiten von "Duell" in all ihrer unansehnlichen Erscheinung. Vor uns liegt eine ganze Galerie von Dummköpfen und Geeks, ohne jeden Schimmer von Menschlichkeit. Sie werden von der Hauptfigur der Geschichte, Leutnant Romashov, bekämpft. Er protestiert von ganzem Herzen gegen diesen Albtraum, findet aber keinen Weg, ihn zu überwinden. Daher der Name der Geschichte - "Duell". Thema der Geschichte ist das Drama des „kleinen Mannes“, sein Duell mit einer unwissenden Umwelt, das mit dem Tod des Helden endet.

c) Aber nicht in allen seinen Arbeiten hält sich Kuprin an den Rahmen einer streng realistischen Richtung. Es gibt auch romantische Tendenzen in seinen Geschichten. Er stellt romantische Helden im Alltag, in einer realen Umgebung, neben gewöhnliche Menschen. Und so wird der Hauptkonflikt in seinen Werken sehr oft zum Konflikt eines romantischen Helden mit dem Alltag, der Stumpfheit und Vulgarität.

In der wunderbaren, von echtem Humanismus durchdrungenen Geschichte „Olesya“ besingt Kuprin Menschen, die inmitten der Natur leben, unberührt von der geldgierigen und korrumpierenden bürgerlichen Zivilisation. Vor dem Hintergrund einer wilden, majestätischen, wunderschönen Natur leben starke, ursprüngliche Menschen - „Kinder der Natur“. So ist Olesya, die so einfach, natürlich und schön ist wie die Natur selbst. Der Autor romantisiert das Bild der „Tochter der Wälder“ deutlich. Aber ihr Verhalten, psychologisch subtil motiviert, lässt Sie die wahren Perspektiven des Lebens sehen. Ausgestattet mit beispielloser Kraft bringt die Seele Harmonie in die offensichtlich widersprüchlichen Beziehungen der Menschen. Solch ein seltenes Geschenk drückt sich in der Liebe zu Ivan Timofeevich aus. Olesya gibt sozusagen die Natürlichkeit von Erfahrungen zurück, die er kurzzeitig verloren hatte. So beschreibt die Geschichte die Liebe eines realistischen Mannes und einer romantischen Heldin. Ivan Timofeevich fällt in die romantische Welt der Heldin und sie - in seine Realität.

d) Das Thema Natur und Mensch beschäftigt Kuprin Zeit seines Lebens. Die Kraft und Schönheit der Natur, Tiere als integraler Bestandteil der Natur, ein Mensch, der den Bezug zu ihr nicht verloren hat, der nach ihren Gesetzen lebt – das sind die Facetten dieses Themas. Kuprin bewundert die Schönheit des Pferdes ("Emerald"), die Treue des Hundes ("White Poodle", "Dog's Happiness"), die weibliche Jugend ("Shulamith"). Kuprin besingt die schöne, harmonische, lebendige Welt der Natur.

e) Nur wo ein Mensch im Einklang mit der Natur lebt, ist die Liebe schön und natürlich. Im künstlichen Leben der Menschen erweist sich die Liebe, die wahre Liebe, die es einmal in hundert Jahren gibt, als unerkannt, missverstanden und verfolgt. In The Pomegranate Bracelet wird der arme Beamte Zheltkov mit diesem Geschenk der Liebe ausgestattet. Die große Liebe wird zum Sinn und Inhalt seines Lebens. Die Heldin - Prinzessin Vera Sheina - reagiert nicht nur nicht auf seine Gefühle, sondern nimmt auch seine Briefe, ein Geschenk - ein Granatarmband - als etwas Unnötiges wahr, das ihren Frieden und ihre gewohnte Lebensweise stört. Erst nach Zheltkovs Tod wird ihr klar, dass "die Liebe, von der jede Frau träumt", vergangen ist. Gegenseitige, vollkommene Liebe fand nicht statt, aber dieses hohe und poetische Gefühl, auch wenn es in einer Seele konzentriert ist, öffnet den Weg zu einer wunderschönen Wiedergeburt einer anderen. Hier zeigt der Autor die Liebe als Phänomen des Lebens, als unerwartetes Geschenk – poetisches, erhellendes Leben inmitten des Alltags, nüchterne Realität und nachhaltiges Leben.

3. Kuprin dachte über die Individualität des Helden, seinen Platz unter anderem, über das Schicksal Russlands in einer Krisenzeit um die Wende von zwei Jahrhunderten nach und studierte die spirituelle Atmosphäre der Ära und porträtierte "lebende Bilder" der Umwelt .

Das Liebesthema in der Prosa KI Kuprin .

Variante 1

Kuprin stellt die wahre Liebe als den höchsten Wert der Welt dar, als ein unbegreifliches Mysterium. Für solch ein alles verzehrendes Gefühl gibt es keine Frage „Sein oder Nichtsein?“, es ist zweifelsfrei und daher oft voller Tragödien. „Liebe ist immer eine Tragödie“, schrieb Kuprin, „immer Kampf und Leistung, immer Freude und Angst, Auferstehung und Tod.“
Kuprin war zutiefst davon überzeugt, dass selbst ein unerwidertes Gefühl das Leben eines Menschen verändern kann. Er sprach darüber weise und berührend in The Granat Bracelet, einer traurigen Geschichte über den bescheidenen Telegraphenbeamten Scheltkow, der so hoffnungslos und selbstlos in Gräfin Wera Sheina verliebt war.
Der pathetisch-romantische Charakter der figurativen Verkörperung, das zentrale Thema der Liebe, verbindet sich im „Garnet Bracelet“ mit einem sorgfältig reproduzierten Alltagshintergrund und geprägten Figuren von Menschen, deren Leben nicht mit dem Gefühl der großen Liebe in Berührung gekommen ist. Der arme Beamte Zheltkov, der Prinzessin Vera Nikolaevna seit acht Jahren liebt, dankt ihr im Sterben dafür, dass sie "die einzige Freude im Leben, der einzige Trost, der einzige Gedanke" für ihn war, und der stellvertretende Staatsanwalt, der glaubt, dass die Liebe gestoppt werden kann durch administrative Maßnahmen - Menschen zweier unterschiedlicher Lebensdimensionen. Doch Kuprins Lebenswelt ist nicht eindeutig. Er hebt besonders die Figur des alten Generals Anosov hervor, der sich sicher ist, dass es große Liebe gibt, aber es „muss eine Tragödie sein. Das größte Geheimnis der Welt“, das keine Kompromisse kennt.

Option 2

Das Thema Liebe in der Prosa von A. I. Kuprin

1. Das Thema Liebe ist eines der Hauptthemen in der Arbeit von A. I. Kuprin.

2. Die Handlung, die Idee der Geschichte "Garnet Bracelet".

3. Große Kraft der Liebe.

1. Die Liebe jedes Menschen hat ihr eigenes Licht, ihre eigene Traurigkeit, ihr eigenes Glück, ihren eigenen Duft. Lieblingshelden von A. I. Kuprin streben nach Liebe und Schönheit, aber sie können keine Schönheit im Leben finden, wo Vulgarität und spirituelle Sklaverei herrschen. Viele von ihnen finden kein Glück oder sterben bei einem Zusammenstoß mit einer feindlichen Welt, aber mit all ihrer Existenz, mit all ihren Träumen bekräftigen sie die Idee der Möglichkeit des Glücks auf Erden.

Liebe ist ein geliebtes Thema für Kuprin. Die Seiten von Olesya und Shulamith sind gefüllt mit majestätischer und alles durchdringender Liebe, ewiger Tragödie und ewigem Mysterium. Liebe, die einen Menschen wiederbelebt, alle menschlichen Fähigkeiten offenbart, in die verborgensten Winkel der Seele eindringt, dringt von den Seiten des Granatarmbands in das Herz des Lesers ein. In diesem durch seine Poesie erstaunlichen Werk besingt der Autor die Gabe der überirdischen Liebe und setzt sie mit hoher Kunst gleich.

2. Die Handlung der Geschichte basiert auf einer merkwürdigen Begebenheit aus dem Leben. Das einzige, was der Autor geändert hat, war das Ende. Überraschend ist aber, dass sich die anekdotische Situation unter der Feder des Autors in eine Liebeshymne verwandelt. Kuprin glaubte, dass Liebe ein Geschenk Gottes ist. Nicht viele Menschen sind zu einem wunderbaren, erhabenen Gefühl fähig. Der Held des „Duells“ Nazansky spricht so von der Liebe:

„Sie ist das Los der Elite. Hier ein Beispiel für Sie: Alle Menschen haben Gehör, aber Millionen haben es wie Fische, und einer dieser Millionen ist Beethoven. Also in allem: in der Poesie, in der Kunst, in der Weisheit ... Und die Liebe hat ihre Höhepunkte, die nur wenigen von Millionen zugänglich sind. Und solche Liebe erleuchtet den "kleinen Mann", den Telegraphenbetreiber Zheltkov. Sie wird für ihn zu einem großen Glück und einer großen Tragödie. Er liebt die schöne Prinzessin Vera und hofft nicht auf Gegenseitigkeit. Wie General Anosov zutreffend feststellt: „Liebe muss eine Tragödie sein. Das größte Geheimnis der Welt! Keine Annehmlichkeiten des Lebens, Berechnungen und Kompromisse sollten sie betreffen.“ Für Zheltkov gibt es nichts als Liebe, die "den ganzen Sinn des Lebens enthält - das ganze Universum!" Aber die Tragik der Geschichte liegt nicht nur darin, dass Zheltkov und Prinzessin Vera unterschiedlichen Klassen angehören und nicht einmal darin, dass er in eine verheiratete Frau verliebt ist, sondern darin, dass sich ihre Umgebung gut versteht Leben ohne wahre Liebe und sehe in diesem Gefühl alles andere als heilige und reine Zuneigung.

Es gibt eine von Kritikern wiederholt geäußerte Meinung, dass das Image von Zheltkov eine gewisse Minderwertigkeit aufweist, weil sich für ihn die ganze Welt auf die Liebe zu einer Frau beschränkt hat. Kuprin bestätigt mit seiner Geschichte, dass es für seinen Helden nicht die Welt ist, die sich auf die Liebe verengt, sondern die Liebe sich auf die Größe der ganzen Welt ausdehnt. Es ist so groß, dass es alles verdunkelt, es wird nicht mehr Teil des Lebens, auch nicht des größten, sondern des Lebens selbst. Daher hat Zheltkov ohne eine geliebte Frau nichts anderes, womit er leben könnte. Aber Zheltkov beschloss, im Namen seiner Geliebten in den Tod zu gehen, um sie nicht mit seiner Existenz zu stören. Er opfert sich für ihr Glück und stirbt nicht an Hoffnungslosigkeit, weil er den einzigen Sinn des Lebens verloren hat. Zheltkov war Vera Sheina nie näher bekannt, und daher wäre der „abwesende“ Verlust von Vera nicht das Ende der Liebe und des Lebens für ihn. Schließlich war die Liebe, wo immer er auch war, immer bei ihm und verlieh ihm Vitalität. Er sah Vera nicht so oft, dass er, wenn er ihr nicht mehr folgte, sein großartiges Gefühl verlor. Solche Liebe kann jede Distanz überwinden. Aber wenn die Liebe die Ehre der geliebten Frau in Frage stellen kann und die Liebe das Leben ist, dann gibt es keine höhere Freude und Glückseligkeit, als das eigene Leben zu opfern.

Das Schreckliche aber sei, dass Vera selbst „im süßen Schlummer liege“ und noch nicht begreifen könne, „dass ihr Lebensweg von genau der Liebe gekreuzt wurde, von der Frauen träumen und zu der Männer nicht mehr fähig sind“. Kuprin erschuf eine Geschichte nicht über die Geburt von Veras Liebe, sondern über ihr Erwachen aus dem Schlaf. Das bloße Erscheinen eines Granatarmbandes mit Zheltkovs Brief bringt eine aufgeregte Erwartung in das Leben der Heldin. Beim Anblick von "fünf scharlachroten, blutigen Feuern, die in fünf Granaten zittern", so anders als die üblichen teuren Geschenke von ihrem Mann und ihrer Schwester, fühlt sie sich unwohl. Alles, was passiert, schärft das Bewusstsein für die Exklusivität der vergangenen Liebe weiter, und als die Auflösung kommt, sieht die Prinzessin auf Zheltkovs totem Gesicht „diesen sehr friedlichen Ausdruck“, wie „auf den Masken der großen Leidenden – Puschkin und Napoleon “. Die Größe des Gefühls, das ein einfacher Mensch erlebt, wird von ihr zu den Klängen von Beethovens Sonate verstanden, als würde sie der Heldin seinen Schock, seinen Schmerz und sein Glück übermitteln und unerwartet alle eitlen Dinge aus der Seele verdrängen und gegenseitiges erhebendes Leiden einflößen. Zheltkovs letzter Brief hebt das Thema Liebe bis zur höchsten Tragödie. Es stirbt, also ist jede seiner Zeilen mit einer besonders tiefen Bedeutung gefüllt. Aber noch wichtiger ist, dass der Klang pathetischer Motive der allmächtigen Liebe nicht mit dem Tod des Helden endet. Zheltkov hinterlässt im Sterben seine Liebe der Welt und Vera. Die große Liebe einer unbekannten Person tritt in ihr Leben und wird in ihrer Erinnerung als unauslöschliche Erinnerung an das Sakrament existieren, mit dem sie in Berührung kam und dessen Bedeutung sie nicht rechtzeitig verstand.

Der Name der Heldin Kuprin ist nicht zufällig gewählt - Vera. Vera bleibt in dieser eitlen Welt, als Zheltkov stirbt, weiß sie, was wahre Liebe ist. Aber der Glaube bleibt in der Welt, dass Zheltkov nicht die einzige Person war, die mit solch einem überirdischen Gefühl ausgestattet war.

3. Die emotionale Welle, die im Laufe der Geschichte anwächst, erreicht ihre maximale Intensität im letzten Kapitel, wo das Thema der großen und reinigenden Liebe in den majestätischen Akkorden von Beethovens brillanter Sonate vollständig offenbart wird. Die Musik nimmt kraftvoll Besitz von der Heldin, und Worte werden in ihrer Seele komponiert, die von einer Person, die sie über alles liebte, sozusagen geflüstert werden: „Geheiligt werde dein Name! ...“ In diesen letzten Worten ist beides ein Gebet für Liebe und tiefe Trauer für seine Unerreichbarkeit. Hier findet jener große Seelenkontakt statt, von dem der eine den anderen zu spät verstanden hat.

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Jeder Mensch hat mindestens einmal in seinem Leben Liebe erfahren – sei es die Liebe zu einer Mutter oder einem Vater, einem Mann oder einer Frau, seinem Kind oder einem Freund. Dank dieses alles verzehrenden Gefühls werden die Menschen freundlicher und aufrichtiger. Das Thema Liebe wird in den Werken vieler großer Schriftsteller und Dichter berührt, sie war es, die sie zu ihren unsterblichen Werken inspirierte.

Der große russische Schriftsteller A. I. Kuprin schrieb eine Reihe von Werken, in denen er die reine, ideale, erhabene Liebe besang. Unter der Feder von A. I. Kuprin

Es entstanden so wunderbare Werke wie die Geschichten Garnet Bracelet, Shulamith, Olesya, Duel und viele andere, die diesem strahlenden Gefühl gewidmet sind. In diesen Werken zeigte der Schriftsteller Liebe anderer Art und anderer Menschen, aber sein Wesen ist unverändert - es ist grenzenlos.

In der Geschichte "Olesya", geschrieben von A. I. Kuprin im Jahr 1898, wird die alles verzehrende Liebe von Olesya, einem Mädchen aus einem abgelegenen Dorf in Polissya, für den Meister Ivan Timofeevich gezeigt. Auf der Jagd trifft Ivan Timofeevich auf Olesya, die Enkelin der Hexe Manuilikha. Das Mädchen fasziniert ihn mit ihrer Schönheit, begeistert mit Stolz und Selbstbewusstsein. Und Ivan Timofeevich zieht Olesya mit seiner Freundlichkeit und Intelligenz an. Die Hauptfiguren verlieben sich ineinander und geben sich ganz ihren Gefühlen hin.

Olesya in der Liebe zeigt ihre besten Eigenschaften - Sensibilität, Zartheit, Beobachtung, angeborene Intelligenz und unbewusstes Wissen um die Geheimnisse des Lebens. Um ihrer Liebe willen ist sie zu allem bereit. Aber dieses Gefühl machte Olesya wehrlos und führte sie in den Tod. Im Vergleich zu Olesyas Liebe ist Ivan Timofeevichs Gefühl für sie eher eine flüchtige Anziehungskraft.

Nachdem die Hauptfigur dem Mädchen eine Hand und ein Herz angeboten hat, impliziert sie, dass Olesya, der nicht von der Natur leben kann, in seine Stadt ziehen wird. Vanya denkt nicht einmal daran, die Zivilisation wegen Olesya aufzugeben. Er erwies sich als schwach, fand sich mit den Umständen ab und unternahm nichts, um bei seiner Geliebten zu sein.
In der Geschichte "Garnet Bracelet" wird Liebe als ein unerwidertes, uneigennütziges, romantisches Gefühl dargestellt, das die Hauptfigur Zheltkov, ein unbedeutender Angestellter, für Prinzessin Vera Nikolaevna Sheina erlebt.

Der Sinn von Zheltkovs Leben waren seine Briefe an seine geliebte Frau, voller reiner, selbstloser Liebe. Der Ehemann der Prinzessin, ein fairer und freundlicher Mensch, sympathisiert mit Zheltkov und zeigt, nachdem er alle Vorurteile beiseite geschoben hat, Respekt vor seinen Gefühlen. Zheltkov erkennt jedoch die Unerfüllung seines Traums und hat alle Hoffnung auf Gegenseitigkeit verloren und begeht Selbstmord.

Gleichzeitig denkt er selbst in den letzten Minuten seines Lebens nur an seine Geliebte. Und erst nach dem Tod der Hauptfigur erkennt Vera Nikolaevna, dass "die Liebe, von der jede Frau träumt, an ihr vorbeigegangen ist". Dieses Werk ist zutiefst tragisch und spricht davon, wie wichtig es ist, die Liebe eines anderen Menschen rechtzeitig zu verstehen und zu erwidern.

In seinen Werken demonstrierte A. I. Kuprin Liebe als ein aufrichtiges, hingebungsvolles und uneigennütziges Gefühl. Dieses Gefühl ist der Traum eines jeden Menschen, für den alles geopfert werden kann. Dies ist eine ewige, alles erobernde Liebe, die die Menschen glücklich und freundlich und die Welt um uns herum schön machen wird.

1. Ein Wort über die Arbeit von A. I. Kuprin.

2. Hauptthemen und Let's go Kreativität:

a) "Moloch" - ein Bild der bürgerlichen Gesellschaft;

b) das Bild der Armee ("Nachtschicht", "Feldzug", "Duell");

c) der Konflikt eines romantischen Helden mit der alltäglichen Realität („Olesya“);

d) das Thema der Harmonie der Natur, der Schönheit des Menschen ("Smaragd", "Weißer Pudel", "Hundeglück", "Shulamith");

e) das Thema Liebe ("Granatarmband").

3. Die spirituelle Atmosphäre der Ära.

3. Poesie der russischen Symbolik (am Beispiel der Arbeit eines Dichters)

SYMBOLIK -

die erste literarische und künstlerische Richtung der europäischen Moderne, die Ende des 19. Jahrhunderts in Frankreich im Zusammenhang mit der Krise der positivistischen künstlerischen Ideologie des Naturalismus entstand. Die Grundlagen der Ästhetik des Symbolismus wurden von Paul Verlaine, Arthur Rimbaud, Stefan Mallarmé gelegt.

Der Symbolismus wurde mit zeitgenössischen idealistischen philosophischen Strömungen in Verbindung gebracht, deren Grundlage die Idee von zwei Welten war - der scheinbaren Welt der alltäglichen Realität und der transzendenten Welt der wahren Werte (vergleiche: absoluter Idealismus). In Übereinstimmung damit beschäftigt sich die Symbolik mit der Suche nach einer höheren Realität, die jenseits der sinnlichen Wahrnehmung liegt. Hier erweist sich das poetische Symbol als das effektivste Werkzeug der Kreativität, um den Schleier des Alltags zu transzendenter Schönheit zu durchbrechen.

Die allgemeinste Lehre der Symbolik war, dass Kunst ein intuitives Verständnis der Welteinheit durch die Entdeckung symbolischer Analogien zwischen der irdischen und der transzendentalen Welt ist (vgl.: die Semantik möglicher Welten).

So ist die philosophische Ideologie des Symbolismus immer Platonismus im weitesten Sinne, zwei Welten, und die ästhetische Ideologie ist Panästhetik (vgl.: „Das Bildnis des Dorian Gray“ von Oscar Wilde).

Die russische Symbolik begann um die Jahrhundertwende und übernahm die Philosophie des russischen Denkers und Dichters Vladimir Sergeevich Solovyov über die Seele der Welt, die ewige Weiblichkeit und die Schönheit, die die Welt retten wird (diese Mythologie stammt aus Dostojewskis Roman „Der Idiot“) ).

Russische Symbolisten werden traditionell in "Senior" und "Junior" unterteilt.

Die Ältesten - sie wurden auch Dekadenten genannt - D.S. Merezhkovsky, Z.N. Gippius, V. Ya. Bryusov, K.D. Balmont, F.K. Sologub spiegelte in seinem Werk die Züge des gesamteuropäischen Panästhetizismus wider.

Die jüngeren Symbolisten - Alexander Blok, Andrei Bely, Vyacheslav Ivanov, Innokenty Annensky - verkörperten in ihrer Arbeit neben dem Ästhetizismus die ästhetische Utopie der Suche nach der mystischen Ewigen Weiblichkeit.

Für die russische Symbolik ist das Phänomen der Lebensbildung besonders charakteristisch (siehe Biografie), das Aufheben der Grenzen zwischen Text und Realität, das Leben als Text leben. Die Symbolisten waren die ersten in der russischen Kultur, die das Konzept des Intertexts entwickelten. In ihrer Arbeit spielt generell die Vorstellung vom Text mit Großbuchstaben eine entscheidende Rolle.

Die Symbolik nahm den Text nicht als Spiegelbild der Realität wahr. Bei ihm war es umgekehrt. Die Eigenschaften eines literarischen Textes wurden von ihnen der Realität selbst zugeschrieben. Die Welt wurde als Hierarchie von Texten dargestellt. In dem Bemühen, den Textmythos an der Spitze der Welt neu zu erschaffen, interpretieren die Symbolisten diesen Text als einen globalen Mythos über die Welt. Eine solche Hierarchie der Welttexte wurde mit Hilfe der Zitat- und Reminiszenzpoetik geschaffen, also der Poetik des Neomythologismus, die ebenfalls zuerst von den Symbolisten in der russischen Kultur angewandt wurde.

Wir werden kurz die Merkmale der russischen Symbolik am Beispiel der Poesie ihres herausragenden Vertreters zeigen Alexander Alexandrowitsch Blok.

Blok kam unter dem direkten Einfluss der Werke von Vladimir Solovyov zur Literatur. Seine frühen „Gedichte über die schöne Dame“ spiegeln direkt die Ideologie der Soloviev-gefärbten Doppelwelt wider, die Suche nach dem unmöglich zu erreichenden weiblichen Ideal. Die Heldin von Bloks frühen Gedichten, projiziert auf das Bild der Frau des Dichters, Lyubov Dmitrievna Mendeleeva, erscheint in Form eines vagen Bildes der ewigen Weiblichkeit, der Prinzessin, der Braut, der Jungfrau. Die Liebe des Dichters zur Schönen Dame ist nicht nur platonisch und mit Zügen mittelalterlicher Höflichkeit gefärbt, was am deutlichsten im Drama „Die Rose und das Kreuz“ zum Ausdruck kam, sondern sie ist mehr als nur Liebe im gewöhnlichen Sinne – sie ist eine Art mystische Suche nach der Gottheit unter dem Deckmantel des erotischen Starts.

Da die Welt verdoppelt ist, kann das Erscheinen der Schönen Dame nur in den Entsprechungen und Analogien gesucht werden, die die symbolistische Ideologie liefert. Die bloße Erscheinung der Schönen Dame, wenn man sie sieht, ist nicht klar, ob es eine echte oder eine falsche Erscheinung ist, und wenn sie echt ist, ob sie sich unter dem Einfluss der vulgären Atmosphäre der irdischen Wahrnehmung ändern wird - und das ist das Schrecklichste für den Dichter:

Ich erwarte dich. Die Jahre vergehen

Alles in der Gestalt von einem, den ich dich voraussehe.

Der ganze Horizont brennt - und unerträglich klar,

Und schweigend warte ich - sehnsüchtig und liebevoll.

Der ganze Horizont brennt, und die Erscheinung ist nahe,

Aber ich fürchte: Du wirst dein Aussehen verändern,

Und kühn Verdacht erregen,

Ersetzen der üblichen Funktionen am Ende.

Im Grunde passiert genau das bei der Weiterentwicklung von Bloks Texten. Doch zunächst einige Worte zur kompositorischen Struktur seiner gesamten Dichtung. In seinen reifen Jahren teilte der Dichter den gesamten Korpus seiner Gedichte in drei Bände auf. Es war so etwas wie die Hegelsche Trias: These, Antithese, Synthese. Die Diplomarbeit war der erste Band - "Gedichte über die schöne Dame". Antithese - die zweite. Das ist die Andersartigkeit der Heldin, die auf die Erde herabgestiegen ist und dabei ist, „ihr Aussehen zu verändern“.

Sie taucht im vulgären Restaurantgetümmel in Form einer schönen Fremden auf.

Und langsam unter den Betrunkenen vorbei,

Immer ohne Begleiter, allein,

Geister und Nebel einatmen,

Sie sitzt am Fenster.

Und atmen Sie alten Glauben

Ihre elastische Seide

Und ein Hut mit Trauerfedern

Und in den Ringen eine schmale Hand.

Und gefesselt von einer seltsamen Nähe,

Ich schaue hinter den dunklen Schleier,

Und ich sehe das verzauberte Ufer

Und die verzauberte Ferne.

In der Zukunft passiert das Schlimmste: Der Dichter ist von der Idee der platonischen Liebe enttäuscht - der Suche nach einem Ideal. Besonders deutlich wird dies in dem Gedicht „Over the Lake“ aus dem Zyklus „Free Thoughts“. Der Dichter steht auf dem Friedhof über dem Abendsee und sieht ein schönes Mädchen, das ihm wie immer eine schöne Fremde vorkommt, Tekla, wie er sie nennt. Sie ist ganz allein, aber irgendein vulgärer Offizier "mit wackelndem Hintern und Beinen / Eingewickelt in Hosenschläuche" kommt auf sie zu. Der Dichter ist sich sicher, dass der Fremde den Vulgären vertreiben wird, aber es stellt sich heraus, dass dies nur ihr Ehemann ist:

Er kam hoch ... er schüttelt ihre Hand! ... schau

Seine Peepers in klaren Augen! ..

Ich bin sogar hinter der Krypta hervorgekommen...

Und plötzlich... schlägt er sie lange,

Hilft ihr und führt zur Datscha!

Ich will! Ich laufe hoch. Ich werfe

In ihnen tanzen Kegel, Sand, Kreischen

Unter den Gräbern - unsichtbar und hoch ...

Ich rufe "Hey, Fekla, Fekla!" ...

So verwandelt sich Tekla in Thekla, und dies beendet im Wesentlichen den negativen Teil der Ernüchterung des Dichters von Solowjows Mystik. Der letzte Komplex seiner Texte ist "Carmen", und der letzte Abschied von der "ehemaligen" schönen Dame ist das Gedicht "The Nightingale Garden". Dann folgt eine Katastrophe – eine Reihe von Revolutionen, auf die Blok mit dem brillanten Gedicht „Die Zwölf“ antwortet, das sowohl die Apotheose als auch das Ende der russischen Symbolik ist. Blok starb 1921, als seine Erben, Vertreter des russischen Akmeismus, bereits mit voller Stimme über sich selbst sprachen.

4. Poesie des russischen Akmeismus (am Beispiel der Arbeit eines Dichters)

ACMEISMUS -

(altgriechisch akme - der höchste Grad an Blüte, Reife) ist eine Richtung der russischen Moderne, die sich in den 1910er Jahren herausgebildet hat und sich in ihren poetischen Haltungen an ihrem Lehrer, der russischen Symbolik, orientiert.

Die Akmeisten, die Mitglieder des Vereins „Werkstatt der Dichter“ waren (Anna Achmatowa, Nikolai Gumilyov, Osip Mandelstam, Mikhail Kuzmin, Sergey Gorodetsky), „überwanden den Symbolismus“, wie sie im gleichnamigen Artikel von der benannt wurden Kritiker und Philologe, der zukünftige Akademiker V.M. Zhirmunsky. Der Akmeismus kontrastierte die transzendentale Zweiweltlichkeit der Symbolisten mit der Welt der einfachen alltäglichen Gefühle und alltäglichen spirituellen Manifestationen. Daher nannten sich die Akmeisten auch „Adamisten“ und stellten sich selbst als den ersten Menschen Adam dar, „ein nackter Mensch auf bloßer Erde“. Achmatowa schrieb:

Ich brauche keine Odic Ratis

Und der Charme elegischer Unternehmungen.

Für mich sollte in der Poesie alles fehl am Platz sein,

Nicht wie Menschen.

Wann würdest du wissen, von welchem Müll

Gedichte wachsen, ohne Scham zu kennen,

Wie ein gelber Löwenzahn am Zaun

Wie Klette und Quinoa.

Aber die Einfachheit des Akmeismus war von Anfang an nicht die gesunde, sanguinische Einfachheit, die man bei Landbewohnern findet. Es war eine exquisite und unbestreitbar autistische (siehe autistisches Bewusstsein, Charakterologie) Einfachheit des äußeren Schleiers der Verse, hinter der die Tiefen intensiver kultureller Suche lagen.

Nochmals Achmatowa:

So hilflos wurde meine Brust kalt,

Aber meine Schritte waren leicht

Ich lege meine rechte Hand auf

Linker Handschuh.

Eine fehlerhafte Geste, eine „irrtümliche Handlung“, um Freuds psychoanalytische Terminologie aus seinem damals bereits in Russland erschienenen Buch „Die Psychopathologie des Alltagslebens“ zu verwenden, vermittelt eine starke innere Erfahrung. Es kann bedingt gesagt werden, dass die gesamte frühe Poesie von Achmatowa eine "Psychopathologie des Alltagslebens" ist:

Ich habe meinen Verstand verloren, oh seltsamer Junge

Mittwoch um drei Uhr!

Gestochener Ringfinger

Eine klingelnde Wespe für mich.

Ich habe sie versehentlich gedrückt

Und sie schien zu sterben

Aber das Ende des vergifteten Stachels

War schärfer als die Spindel.

Erlösung von der gewohnheitsmäßig unglücklichen Liebe in einer Sache - Kreativität. Die vielleicht besten Verse des Akmeismus sind Verse über Verse, die der Forscher des Akmeismus Roman Timenchik Auto-Meta-Beschreibung nannte:

Wenn ich nachts auf ihre Ankunft warte,

Das Leben scheint an einem seidenen Faden zu hängen.

Welche Ehrungen, welche Jugend, welche Freiheit

Vor einem netten Gast mit einer Pfeife in der Hand.

Und so trat sie ein. Wirf die Abdeckung zurück

Sie sah mich aufmerksam an.

Ich sage zu ihr: „Hast du Dantu diktiert

Seiten der Hölle?" Antworten: "Ich".

Die zunächst zurückhaltende, „geklärte“ (das heißt Klarheit proklamierende) Poetik des Akmeismus galt auch dem großen russischen Dichter des 20. Jahrhunderts, Mandelstam. Davon spricht bereits das erste Gedicht seines berühmten „Steins“:

Der Ton ist vorsichtig und gedämpft

Die Frucht, die vom Baum gefallen ist

Inmitten des stillen Gesangs

Tiefe Stille des Waldes...

Die Lakonie dieses Gedichts lässt Forscher an die Poetik des japanischen Haiku (drei Zeilen) erinnern, das zur Zen-Tradition gehört (siehe Zen-Denken) - äußere Farblosigkeit, hinter der sich ein angespanntes inneres Erleben verbirgt:

Auf einem kahlen Ast

Raven sitzt alleine...

Herbstabend!

So ist es mit Mandelstam in dem zitierten Gedicht. Es scheint, dass dies nur eine Haushaltsskizze ist. Tatsächlich sprechen wir über einen Apfel, der vom Baum der Erkenntnis von Gut und Böse gefallen ist, also über den Beginn der Geschichte, den Beginn der Welt (deshalb ist das Gedicht das erste in der Sammlung). Gleichzeitig kann es Newtons Apfel sein – der Entdeckungsapfel, also wieder der Anfang. Das Bild des Schweigens spielt eine sehr wichtige Rolle – es bezieht sich auf Tyutchev und die Poetik der russischen Romantik mit ihrem Kult der Unausdrückbarkeit von Gefühlen in Worten.

Auch das zweite Gedicht „Stein“ bezieht sich auf Tyutchev. Saiten

Oh, meine Traurigkeit,

Oh meine stille Freiheit

schwingen mit Tyutchevs Zeilen mit: O meine prophetische Seele!

O Herz voller Angst!

Allmählich wird die Poetik des Akmeismus, insbesondere seiner beiden Hauptvertreter Achmatowa und Mandelstam, äußerst kompliziert. Achmatovas größtes und berühmtestes Werk, Ein Gedicht ohne Helden, ist wie eine Schachtel mit doppeltem Boden aufgebaut – die Rätsel dieses Textes werden noch von vielen Kommentatoren gelöst.

Dasselbe geschah mit Mandelstam: Die Überfülle an kulturellen Informationen und die Besonderheit des Talents des Dichters machten seine reife Poesie zur komplexesten des 20. Jahrhunderts, so komplex, dass Forscher manchmal in einer separaten Arbeit nicht das gesamte Gedicht, sondern nur eine Zeile analysierten davon. Mit der gleichen Analyse werden wir unseren Aufsatz über den Akmeismus abschließen. Wir werden über eine Zeile aus dem Gedicht "Swallow" (1920) sprechen:

Ein leeres Boot schwimmt in einem ausgetrockneten Fluss.

GS Pomeranz glaubt, dass diese Zeile im Sinne eines Zen-Koan als bewusst absurd verstanden werden sollte. Es scheint uns im Gegenteil, es ist mit Bedeutung überladen. Erstens findet sich das Wort „Shuttle“ noch zweimal in Mandelstam und beide Male in der Bedeutung von Teil des Webstuhls („Das Shuttle dreht sich, die Spindel brummt“). Für Mandelstam sind die kontextuellen Bedeutungen von Wörtern äußerst wichtig, da Studien der Schule von Professor K.F. Taranovsky, der sich auf das Studium der Poetik des Akmeismus spezialisierte.

Das Shuttle bewegt sich also über den Fluss, überquert den Fluss. Wo segelt er? Dies deutet auf den Kontext des Gedichts selbst hin:

Ich habe vergessen, was ich sagen wollte.

Die blinde Schwalbe wird in die Halle der Schatten zurückkehren.

"The Hall of Shadows" ist das Reich der Schatten, das Reich des toten Hades. Das leere, tote Boot von Charon (Shuttle) schwimmt zur "Schattenkammer" entlang des ausgetrockneten Flusses des toten Styx. Dies ist eine alte Deutung.

Es mag eine östliche Interpretation geben: Leerheit ist eines der wichtigsten Konzepte der Tao-Philosophie. Das Tao ist leer, weil es das Gefäß von allem ist, schrieb Lao Tzu im Tao Te Ching. Chuang Tzu sagte: "Wo kann ich jemanden finden, der alle Worte vergessen hat, um mit ihm zu sprechen?" Die Wortvergessenheit ist daher nicht als etwas Tragisches zu sehen, sondern als Bruch mit der europäischen Tradition des Sprechens und Hineinfallens ins Orientalische sowie dem traditionellen romantischen Konzept des Schweigens.

Auch eine psychoanalytische Deutung ist möglich. Dann wird Wortvergessenheit mit poetischer Ohnmacht und einem leeren Kanu in einem ausgetrockneten Fluss mit Phallus und (erfolglosem) Geschlechtsverkehr assoziiert. Der Kontext des Gedichts bestätigt diese Interpretation. Ein Besuch einer lebenden Person im Reich der Toten, der in diesem Gedicht zweifellos erwähnt wird, kann mit mythologischem Tod und Auferstehung im Sinne des Agrarkreislaufs als Feldzug für Fruchtbarkeit (siehe Mythos) in Verbindung gebracht werden, was in einer subtilen Sinn kann als der Feldzug von Orpheus (dem ersten Dichter) hinter der verlorenen Eurydike in das Reich der Schatten interpretiert werden. Ich denke, dass in diesem Gedicht alle drei Interpretationen gleichzeitig funktionieren, wenn man diese Zeile versteht.

5. Russischer Futurismus (am Beispiel der Arbeit eines Dichters)

Futurismus (von lateinisch futurum – Zukunft) ist die gebräuchliche Bezeichnung für die künstlerischen Avantgardebewegungen der 1910er – frühen 1920er Jahre. XX Jahrhundert., Vor allem in Italien und Russland.

Anders als der Akmeismus hat der Futurismus als Strömung in der russischen Poesie seinen Ursprung gar nicht in Russland. Dieses Phänomen wird vollständig aus dem Westen eingeführt, wo es seinen Ursprung hat und theoretisch begründet wurde. Italien war der Geburtsort der neuen modernistischen Bewegung, und der berühmte Schriftsteller Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944) wurde zum wichtigsten Ideologen des italienischen und weltweiten Futurismus, der am 20. Februar 1909 auf den Seiten der Samstagsausgabe der Pariser Zeitung sprach Le Figaro mit dem ersten „Manifest des Futurismus“, in dem seine „antikulturelle, antiästhetische und antiphilosophische“ Ausrichtung erklärt wird.

Im Prinzip behauptete sich jede modernistische Richtung in der Kunst durch die Ablehnung der alten Normen, Kanons und Traditionen. Allerdings zeichnete sich der Futurismus in dieser Hinsicht durch eine extrem extremistische Ausrichtung aus. Diese Strömung erhob den Anspruch, eine neue Kunst aufzubauen – „die Kunst der Zukunft“, und sprach unter dem Slogan einer nihilistischen Leugnung aller bisherigen künstlerischen Erfahrungen. Marinetti proklamierte „die weltgeschichtliche Aufgabe des Futurismus“, der darin bestehe, „täglich auf den Altar der Kunst zu spucken“.

Die Futuristen predigten die Zerstörung der Formen und Konventionen der Kunst, um sie mit dem beschleunigten Lebensprozess des 20. Jahrhunderts zu verschmelzen. Sie zeichnen sich durch Bewunderung für Aktion, Bewegung, Schnelligkeit, Kraft und Aggression aus; Selbsterhöhung und Verachtung für die Schwachen; der Vorrang der Gewalt, des Kriegsrausches und der Zerstörung wurde bekräftigt. In dieser Hinsicht stand der Futurismus in seiner Ideologie sowohl rechten als auch linken Radikalen sehr nahe: Anarchisten, Faschisten, Kommunisten, die sich auf den revolutionären Umsturz der Vergangenheit konzentrierten.

Das Futuristische Manifest bestand aus zwei Teilen: einem einleitenden Text und einem Programm, bestehend aus elf Punkten – Thesen der futuristischen Idee. Milena Wagner stellt fest, dass „Marinetti in ihnen radikale Änderungen im Prinzip der Konstruktion eines literarischen Textes behauptet – „die Zerstörung der allgemein akzeptierten Syntax“; "die Verwendung des Verbs in einer unbestimmten Stimmung", um die Bedeutung der Kontinuität des Lebens und der Elastizität der Intuition zu vermitteln; die Zerstörung hochwertiger Adjektive, Adverbien, Satzzeichen, das Weglassen von Konjunktionen, die Einführung von „Analogiewahrnehmung“ und „maximaler Unordnung“ in die Literatur - mit einem Wort alles, was auf Prägnanz und Steigerung der „Stilgeschwindigkeit“ abzielt einen „Lebensstil zu schaffen, der sich nach sich selbst erschafft, ohne bedeutungslose Pausen, die durch Kommas und Punkte ausgedrückt werden. All dies wurde vorgeschlagen, um ein literarisches Werk zu einem Mittel zu machen, um das „Leben der Materie“ zu vermitteln, ein Mittel, „alles zu ergreifen, was in der Materie schwer fassbar und schwer fassbar ist“, „damit die Literatur direkt in das Universum eindringt und mit ihm verschmilzt ” ...

Die Worte futuristischer Werke wurden vollständig aus dem starren Rahmen syntaktischer Perioden, aus den Fesseln logischer Zusammenhänge befreit. Sie waren frei im Raum der Seite angeordnet, lehnten die Normen der linearen Schrift ab und bildeten dekorative Arabesken oder spielten ganze dramatische Szenen, die durch Analogie zwischen der Form eines Buchstabens und einer Figur der Realität aufgebaut waren: Berge, Menschen, Vögel usw. So , die Worte wurden zu visuellen Zeichen...

Der letzte, elfte Absatz des "Technischen Manifests der italienischen Literatur" verkündete eines der wichtigsten Postulate des neuen poetischen Konzepts: "Zerstöre das Ich in der Literatur".

"Ein Mann, der von der Bibliothek und dem Museum völlig korrumpiert wurde<...>ist nicht mehr ganz uninteressant ... Uns interessiert die Härte der Stahlplatte selbst, also die unverständliche und unmenschliche Vereinigung ihrer Moleküle und Elektronen ... Die Wärme eines Stücks Eisen oder Holz erregt uns jetzt mehr als das Lächeln oder die Träne einer Frau.

Der Text des Manifests löste eine stürmische Reaktion aus und legte den Grundstein für ein neues "Genre", das ein aufregendes Element in das künstlerische Leben einführte - einen Faustschlag. Jetzt begann der auf der Bühne aufsteigende Dichter das Publikum auf jede erdenkliche Weise zu schockieren: Beleidigung, Provokation, Aufruf zu Rebellion und Gewalt.

Futuristen schrieben Manifeste, verbrachten Abende, an denen diese Manifeste von der Bühne verlesen und erst dann veröffentlicht wurden. Diese Abende endeten gewöhnlich in hitzigen Auseinandersetzungen mit der Öffentlichkeit, die sich in Schlägereien verwandelten. So erhielt der Trend seine skandalöse, aber sehr breite Popularität.

Angesichts der gesellschaftspolitischen Situation in Russland fiel die Saat des Futurismus auf fruchtbaren Boden. Es war diese Komponente des neuen Trends, die vor allem von den russischen Kubo-Futuristen in den vorrevolutionären Jahren begeistert aufgenommen wurde. Für die meisten von ihnen waren „Softwarewerke“ wichtiger als die Kreativität selbst.

Obwohl die unverschämte Technik von allen modernistischen Schulen weit verbreitet war, war sie für die Futuristen die wichtigste, da der Futurismus, wie jedes Avantgarde-Phänomen, erhöhte Aufmerksamkeit benötigte. Gleichgültigkeit war für ihn absolut inakzeptabel, eine notwendige Existenzbedingung war die Atmosphäre eines literarischen Skandals. Bewusste Extreme im Verhalten der Futuristen provozierten aggressive Ablehnung und einen deutlichen Protest der Öffentlichkeit. Und genau das war erforderlich.

Russische Avantgarde-Künstler des Anfangs des Jahrhunderts gingen als Erneuerer in die Kulturgeschichte ein, die eine Revolution in der Weltkunst machten – sowohl in der Poesie als auch in anderen Bereichen der Kreativität. Darüber hinaus wurden viele als große Schläger berühmt. Futuristen, Kubo-Futuristen und Ego-Futuristen, Wissenschaftler und Suprematisten, Rayonisten und Budutlyaner, alles und nichts erregte die Vorstellungskraft der Öffentlichkeit. „Aber in Diskussionen über diese künstlerischen Revolutionäre“, wie A. Obukhova und N. Alekseev zu Recht bemerkten, „wird oft eine sehr wichtige Sache übersehen: Viele von ihnen waren brillante Persönlichkeiten dessen, was man heute „Promotion“ und „Öffentlichkeitsarbeit“ nennt.“ Sie erwiesen sich als Vorläufer moderner "künstlerischer Strategien" - dh der Fähigkeit, nicht nur talentierte Werke zu schaffen, sondern auch die erfolgreichsten Wege zu finden, um die Aufmerksamkeit des Publikums, der Mäzene und der Käufer auf sich zu ziehen.

Die Futuristen waren natürlich Radikale. Aber sie wussten, wie man Geld verdient. Es wurde bereits davon gesprochen, mit Hilfe von Skandalen aller Art auf sich aufmerksam zu machen. Diese Strategie funktionierte jedoch für ganz materielle Zwecke gut. Die Blütezeit der Avantgarde, 1912-1916, umfasst Hunderte von Ausstellungen, Dichterlesungen, Performances, Reportagen, Debatten. Und dann wurden all diese Veranstaltungen bezahlt, man musste eine Eintrittskarte kaufen. Die Preise reichten von 25 Kopeken bis zu 5 Rubel - das Geld war damals sehr beträchtlich. [Angesichts der Tatsache, dass ein Handwerker damals 20 Rubel im Monat verdiente und manchmal mehrere tausend Menschen zu Ausstellungen kamen.] Außerdem wurden auch Gemälde verkauft; Im Durchschnitt verließen Dinge im Wert von 5-6 Tausend königlichen Rubel die Ausstellung.

Futuristen wurden in der Presse oft der Gier bezichtigt. Zum Beispiel: „Wir müssen den Futuristen, Kubisten und anderen Gelehrten gerecht werden, die wissen sich zurechtzufinden. Kürzlich heiratete ein Futurist die Frau eines wohlhabenden Moskauer Kaufmanns und nahm als Mitgift zwei Häuser, ein Kutschenunternehmen und ... drei Tavernen. Im Allgemeinen geraten Dekadenten immer irgendwie "tödlich" in die Gesellschaft von Geldsäcken und arrangieren ihr Glück in ihrer Nähe ... ".

Im Kern war der russische Futurismus jedoch noch immer eine überwiegend poetische Strömung: In den Manifesten der Futuristen ging es um die Reform des Wortes, der Poesie und der Kultur. Und in der Rebellion selbst, die die Öffentlichkeit schockierte, in den Skandalschreien der Futuristen, gab es mehr ästhetische Emotionen als revolutionäre. Fast alle von ihnen neigten sowohl zu Theorien als auch zu Werbung und theatralischen Propagandagesten. Dies widersprach nicht ihrem Verständnis von Futurismus als einer Kunstrichtung, die die Zukunft des Menschen prägt, unabhängig von den Stilen und Genres, in denen ihr Schöpfer arbeitet. Es gab kein einzelnes Stilproblem.

„Trotz der scheinbaren Nähe zwischen russischen und europäischen Futuristen gaben Traditionen und Mentalität jeder der nationalen Bewegungen ihre eigenen Merkmale. Eines der Zeichen des russischen Futurismus war die Wahrnehmung aller Arten von Stilen und Trends in der Kunst. "Allness" ist zu einem der wichtigsten futuristischen künstlerischen Prinzipien geworden.

Der russische Futurismus führte nicht zu einem integralen künstlerischen System; Dieser Begriff bezeichnete eine Vielzahl von Strömungen in der russischen Avantgarde. Die Avantgarde selbst war das System. Und es wurde in Russland in Analogie zum Italienischen als Futurismus bezeichnet.“ Und dieser Trend erwies sich als viel heterogener als der Symbolismus und Akmeismus, der ihm vorausging.

Die Futuristen selbst haben das verstanden. Einer der Mitglieder der Mezzanine of Poetry-Gruppe, Sergej Tretjakow, schrieb: „Jeder, der Futurismus (insbesondere literarisch) als eine Schule, als eine literarische Bewegung definieren möchte, die durch eine Gemeinsamkeit von Methoden der Materialverarbeitung verbunden ist, einen gemeinsamen Stil , befindet sich in einer äußerst schwierigen Situation. Sie müssen normalerweise hilflos zwischen ungleichen Fraktionen umherirren.<...>und verblüfft zwischen dem „archaischen Songwriter“ Khlebnikov, dem „Tribunen-Urbanisten“ Mayakovsky, dem „Ästheten-Agitator“ Burliuk, dem „zaum-knurrenden“ Kruchenykh stehen bleiben. Und wenn wir hier Pasternaks "Spezialisten für Indoor-Luftfahrt auf dem Syntax-Fokker" hinzufügen, wird die Landschaft voll sein. Noch mehr Verwirrung wird durch diejenigen verursacht, die vom Futurismus „abfallen“ - Severyanin, Shershenevich und andere ... All diese heterogenen Linien koexistieren unter dem gemeinsamen Dach des Futurismus und halten hartnäckig aneinander fest!<...>

Tatsache ist, dass der Futurismus nie eine Schule war, und die gegenseitige Einbindung heterogenster Menschen in eine Gruppe natürlich nicht als parteiisches Zeichen aufrechterhalten wurde. Der Futurismus wäre nicht er selbst, wenn er sich endlich auf wenige vorgefundene Muster der künstlerischen Produktion festlegen und aufhören würde, ein revolutionäres Ferment zu sein, das unerbittlich zur Erfindung, zur Suche nach neuen und neuen Formen drängt.<...>Das arschstarke bürgerlich-kleinbürgerliche Leben, in das vergangene und moderne Kunst (Symbolik) als feste Bestandteile eingingen und einen stabilen Vorgeschmack auf ein heiteres und sorgloses, sicheres Leben bildeten, war die Hauptfestung, von der aus und von der der Futurismus abgestoßen wurde es brach zusammen. Der Schlag gegen den ästhetischen Geschmack war nur ein Detail des allgemein geplanten Schlags gegen den Alltag. Keine einzige unverschämte Strophe oder Manifest der Futuristen sorgte für so viel Aufhebens und Kreischen wie bemalte Gesichter, eine gelbe Jacke und asymmetrische Anzüge. Das Gehirn eines Bourgeois konnte jeden Spott über Puschkin ertragen, aber einen Spott über den Hosenschnitt, eine Krawatte oder eine Blume in einem Knopfloch zu ertragen, ging über seine Kraft hinaus ... ".

Die Poesie des russischen Futurismus war eng mit dem Avantgardismus in der Malerei verbunden. Es ist kein Zufall, dass viele futuristische Dichter gute Künstler waren - V. Khlebnikov, V. Kamensky, Elena Guro, V. Mayakovsky, A. Kruchenykh, die Burliuk-Brüder. Gleichzeitig schrieben viele Avantgarde-Künstler Gedichte und Prosa, beteiligten sich nicht nur als Designer, sondern auch als Schriftsteller an futuristischen Veröffentlichungen. Die Malerei hat den Futurismus in vielerlei Hinsicht bereichert. K. Malevich, P. Filonov, N. Goncharova, M. Larionov haben fast das geschaffen, wonach die Futuristen strebten.

Allerdings hat der Futurismus auch die Avantgarde-Malerei in mancher Hinsicht bereichert. Zumindest in puncto Skandalös standen die Künstler ihren poetischen Pendants in nichts nach. Zu Beginn des neuen, 20. Jahrhunderts wollte jeder Innovator sein. Vor allem Künstler, die sich auf das einzige Ziel stürzten – das letzte Wort zu sagen, und noch besser – zum letzten Schrei der Moderne zu werden. Und unsere einheimischen Innovatoren begannen, wie in dem bereits zitierten Artikel der Zeitung "Foreigner" erwähnt, den Skandal als vollbewusste künstlerische Methode einzusetzen. Sie arrangierten verschiedene Skandale, die von schelmischen Theaterpossen bis hin zu banalem Rowdytum reichten. Der Maler Mikhail Larionov zum Beispiel wurde wegen Verbrechen während der sogenannten „öffentlichen Auseinandersetzungen“ wiederholt verhaftet und mit einer Geldstrafe belegt, wo er Gegner, die nicht seiner Meinung waren, großzügig schlug, einen Notenständer oder eine Tischlampe nach ihnen warf ...

Im Allgemeinen wurden die Wörter „Futurist“ und „Hooligan“ für die moderne gemäßigte Öffentlichkeit sehr bald synonym. Die Presse verfolgte begeistert die „Heldentaten“ der Schöpfer der neuen Kunst. Dies trug zu ihrem Bekanntheitsgrad in der breiten Bevölkerung bei, weckte gesteigertes Interesse, zog immer mehr Aufmerksamkeit auf sich.

Die Geschichte des russischen Futurismus war eine komplexe Beziehung zwischen den vier Hauptgruppen, von denen sich jede als Exponent des "wahren" Futurismus betrachtete und eine heftige Debatte mit anderen Verbänden führte, um die dominierende Rolle in dieser literarischen Bewegung in Frage zu stellen. Der Kampf zwischen ihnen führte zu Strömen gegenseitiger Kritik, die die einzelnen Teilnehmer der Bewegung keineswegs verband, sondern im Gegenteil ihre Feindschaft und Isolation verstärkte. Von Zeit zu Zeit näherten sich jedoch Mitglieder verschiedener Gruppen oder wechselten von einer zur anderen.

+ Wir fügen der Antwort Informationen aus dem Ticket über V. V. Mayakovsky hinzu

EINLEITUNG

Für den Aufsatz habe ich ein Thema gewählt, das mit dem Werk des berühmten russischen Schriftstellers Alexander Ivanovich Kuprin zusammenhängt. Die Wahl dieses Namens erklärt sich aus der Tatsache, dass dies ein ziemlich bekannter und interessanter Schriftsteller ist, aber seiner Arbeit im Schullehrplan nicht viel Zeit gewidmet wird und Sie bei der Arbeit an einem Aufsatz die Arbeit des Schriftstellers studieren können Detail. Das Leben des Schriftstellers, seine Persönlichkeit machen einen starken Eindruck. Dies ist eine ganze Person, die sich durch die Festigkeit ihrer Lebensposition, wahre Intelligenz und Freundlichkeit, die Fähigkeit, das Leben zu verstehen, auszeichnet.

Das Ziel meiner Arbeit:

Die Merkmale des Bildes des Themas Liebe in den Werken von Kuprin aufzudecken;

Zeigen Sie die Bedeutung dieses Themas in seiner Arbeit.

Zeigen Sie den Platz des Themas Liebe in der Welt- und russischen Literatur;

Um die Besonderheiten des Verständnisses dieses Gefühls durch verschiedene Autoren aufzudecken;

Am Beispiel einer Trilogie über die Liebe ihre verschiedenen Seiten und Gesichter aufzuzeigen;

Zeigen Sie die Fähigkeiten des Autors im Bild der Charaktere.

Manchmal scheint in der Weltliteratur alles über die Liebe gesagt worden zu sein. Was kann man nach Shakespeares Geschichte von Romeo und Julia, nach Puschkins Eugen Onegin, nach Leo Tolstois Anna Karenina über die Liebe sagen? Sie können diese Liste von Kreationen fortsetzen, die Liebe sangen. Aber die Liebe hat tausend Schattierungen, und jede ihrer Manifestationen hat ihr eigenes Licht, ihre eigene Traurigkeit, ihre eigene Pause und ihren eigenen Duft.

Kuprin hat viele subtile und ausgezeichnete Geschichten über die Liebe, über die Erwartung der Liebe, über ihre tragischen Ausgänge, über Sehnsucht und ewige Jugend in der menschlichen Seele. Kuprin immer und überall gesegnete Liebe. Vor der Liebe kann man nichts verbergen: Entweder unterstreicht sie den wahren Adel der menschlichen Seele oder Laster und niedere Wünsche. Viele Autoren in ihren Büchern haben ihre Charaktere getestet und werden sie testen und ihnen dieses Gefühl vermitteln. Jeder Autor versucht, die Liebe auf seine Weise zu erklären, zu ihrer Definition beizutragen. Liebe ist für Kuprin ein Geschenk Gottes, das nicht jedem zur Verfügung steht. Die Liebe hat ihre Gipfel, die wenige von Millionen zu meistern vermögen. Leider ist es jetzt immer weniger möglich, eine große feurige Liebe zwischen einem Mann und einer Frau zu treffen. Die Leute hörten auf, sich vor ihr niederzubeugen und sie zu verehren. Liebe ist zu einem gewöhnlichen, alltäglichen Gefühl geworden. Die Relevanz dieser Arbeit besteht darin, dass sie sich an ein ewiges Gefühl richtet, ein Beispiel außergewöhnlicher, heller, selbstloser Liebe zeigt und uns, die wir in einer so unromantischen und manchmal seelenlosen Zeit leben, noch einmal über die Bedeutung der erstaunlichsten Begegnung nachdenken lässt auf den Straßen des Lebens - das Treffen eines Mannes und einer Frau.

kreativität kupri love story

LIEBE IST EINES DER EWIGEN THEMEN DER LITERATUR

Das Thema der Liebe ist ewig, da das Gefühl, das es hervorgebracht hat, die Kunst aller Zeiten und Völker vergeistigt hat. Aber in jeder Epoche drückte es einige besondere moralische und ästhetische Werte aus. Schließlich ist die Liebe ein Gefühl, das Sie dazu bringt, Heldentaten zu vollbringen und Verbrechen zu begehen, ein Gefühl, das Berge versetzen kann, den Lauf der Geschichte verändern kann, ein Gefühl, das Glück und Inspiration gibt und Sie leiden lässt, ein Gefühl, ohne das das Leben keinen Sinn hat .

Wie alle anderen Literaturen der Welt widmet die russische Literatur dem Thema Liebe einen beträchtlichen Platz, ihr „spezifisches“ Gewicht ist nicht geringer als in der französischen oder englischen Literatur. Obwohl „Liebesgeschichten“ in ihrer reinsten Form in der russischen Literatur nicht so verbreitet sind, ist die Liebeshandlung häufiger mit Nebenlinien und Themen belastet. Die Umsetzung dieses Themas in verschiedenen Texten der russischen klassischen Literatur zeichnet sich jedoch durch seine große Originalität aus, die es scharf von allen anderen Literaturen der Welt unterscheidet.

Diese Originalität liegt vor allem darin begründet, dass die russische Literatur sich durch einen ernsthaften und genauen Blick auf die Liebe und im weiteren Sinne auf die intime Beziehung zwischen Mann und Frau auszeichnet. Das Motto einer solchen Haltung kann als bekanntes Sprichwort dienen: „Mit Liebe kein Scherz“. Es gibt nur einen Grund für eine solche Ernsthaftigkeit - die Liebe gehört in der russischen Literatur fast immer zum Bereich des dramatischen und sehr oft tragischen Pathos, aber sehr selten gibt die Geschichte der Beziehung zwischen einem Mann und einer Frau - ob in Prosa oder Poesie - eine Grund zum Spaß. Ein Happy End, das von vielen ausländischen Schriftstellern geliebt und von Balzac manchmal sogar geduldet wird, fehlt in der russischen Literatur nicht nur, es ist ihr auch fremd. Alle berühmten Liebesgeschichten russischer Klassiker, von Karamzins „Arme Lisa“ bis Bunins „Dunkle Gassen“, sind sehr angespannt und enden sehr schlecht.

Die Tragödie in der Entwicklung von Liebesthemen stammt aus mehreren Quellen, von denen die älteste natürlich die Volkstradition ist. Nur in der russischen Folklore werden Liebeslieder "Leiden" genannt, nur im russischen Dorf war das Wort "Mitleid" gleichbedeutend mit dem Wort Liebe. Somit liegt die Betonung auf der traurigen, schmerzhaften Seite der Beziehung zwischen einem Mann und einer Frau, und das spirituelle Prinzip wird an die Spitze der Beziehung gehoben. Das volkstümliche Verständnis von Ehe und Liebe spiegelt das christlich-orthodoxe Verständnis der Ehe als Krafttest der geistigen und körperlichen Stärke eines Menschen wider, harte Arbeit im Namen eines gemeinsamen Ziels.

Das Verständnis der Liebe als höchste Kraft, die das Göttliche mit dem Menschlichen verbindet, ist charakteristisch für die Literatur des 20. Jahrhunderts. Es kann argumentiert werden, dass die Autoren das integrale Konzept des Lebens weitgehend durch das Verständnis der Essenz der Liebe bestimmt haben. Dieses Streben kam zunächst in der Prosa von Alexander Kuprin und Ivan Bunin zum Ausdruck. Schriftsteller wurden nicht so sehr von der Beziehungsgeschichte eines Liebespaares oder der Entwicklung ihres psychologischen Duells angezogen, sondern vom Einfluss der Erfahrung auf das Selbst- und Weltverständnis des Helden. Daher ist die Ereignisskizze in ihren Werken extrem vereinfacht, und die Aufmerksamkeit konzentriert sich auf Momente der Einsicht, die die inneren Zustände der Charaktere umkehren:

Liebe, Liebe - sagt die Legende -

Die Vereinigung der Seele mit der Seele des Eingeborenen -

Ihre Verbindung, Kombination,

Und ihre fatale Verschmelzung,

Und ... ein tödliches Duell ...

(F. Tyutchev)

Bunins Liebesgeschichten sind eine Geschichte über das Geheimnis der Liebe. Er hatte sein eigenes Konzept von Liebe: Sie entsteht wie ein Sonnenstich und trifft einen Menschen. Bunin glaubt, dass wahre Liebe etwas mit der ewigen Natur gemeinsam hat. Nur das Gefühl ist schön, das natürlich, nicht falsch, nicht erfunden ist. I. Bunins Buch "Dark Alleys" kann als Enzyklopädie der Liebe betrachtet werden. Der Autor selbst hielt es für seine vollkommenste Schöpfung. Der Schriftsteller stellt sich eine schwierige künstlerische Aufgabe: Achtunddreißig Mal (so viele Geschichten in dem Buch) über dasselbe zu schreiben - über die Liebe. Bunin zeigt verschiedene und bizarre Gesichter der Liebe: Liebe ist Feindschaft, verdorbene Liebe, Liebe ist Mitleid, Liebe ist Mitleid, fleischliche Liebe. Das Buch beginnt mit der gleichnamigen Geschichte „Dark Alleys“. Trotz der Tatsache, dass es klein ist, entwickelt sich die Handlung schnell, der Autor hat es geschafft, das Thema der tragischen Liebe von Menschen verschiedener Klassen vollständig aufzudecken. Der alte grauhaarige Offizier Nikolai Alekseevich trifft im Gasthaus eine Frau, in die er in seiner Jugend verliebt war, und geht dann weg. Sie trug ihre Gefühle ihr ganzes Leben lang. „Jugend geht für alle, aber Liebe ist eine andere Sache“, sagt die Heldin. Dieses große leidenschaftliche Gefühl geht wie ein heller Strahl durch ihr Schicksal und erfüllt sie mit Glück, wenn auch in Einsamkeit. Ihre Liebe wurde im Schatten der Gassen geboren, und Nikolai Alekseevich selbst wird am Ende der Geschichte sagen: „Ja, natürlich die besten Momente. Und nicht das Beste, aber wirklich magisch!“ Liebe, wie ein "leichter Hauch" besucht die Helden und verschwindet. Zerbrechlich und zerbrechlich ist sie zum Tode verurteilt: Nikolai Alekseevich verlässt Nadezhda, und nachdem sie sich viele Jahre später getroffen haben, müssen sie sich wieder trennen. Aus der Liebe wurde eine Tragödie. Der Held versteht jetzt, welche Momente seines Lebens die wichtigsten waren. In seinem Leben gab es keinen Platz für Glück: Seine Frau verließ ihn, sein Sohn "kam als Schurke heraus, ein unverschämter Mann, ohne Herz, ohne Ehre, ohne Gewissen". Die Geschichte konnte kein Happy End haben, hinterlässt aber dennoch keinen schmerzhaften Eindruck, denn laut Bunin ist „alle Liebe ein großes Glück“. Ein kurzer Moment genügt, um das ganze Leben der Helden zu beleuchten. In der Liebe wie im Leben stehen sich helle und dunkle Prinzipien immer gegenüber. Neben dem Gefühl, das das Leben erleuchtet, hat jeder Liebhaber seine eigenen dunklen Gassen. Darüber und die besten Seiten der Liebesprosa eines anderen Vertreters der russischen Literatur - A. Kuprin.