Musikalischer Klassizismus und die wichtigsten Etappen seiner Entwicklung

Klassizismus (von lat. сlassicus - vorbildlich) - ein Stil in der Kunst des 17. - 18. Jahrhunderts. Der Name „Klassizismus“ kommt von der Berufung auf die klassische Antike als höchstem Anspruch ästhetischer Vollkommenheit. Vertreter des Klassizismus schöpften ihr ästhetisches Ideal aus Mustern antiker Kunst. Der Klassizismus basierte auf dem Glauben an die Vernünftigkeit des Seins, an das Vorhandensein von Ordnung und Harmonie in der Natur und der inneren Welt des Menschen. Die Ästhetik des Klassizismus enthält die Summe verbindlicher strenger Regeln, denen ein Kunstwerk entsprechen muss. Die wichtigsten davon sind die Forderung nach Ausgewogenheit von Schönheit und Wahrheit, logischer Klarheit, Harmonie und Vollständigkeit der Komposition, strengen Proportionen und einer klaren Genretrennung.

In der Entwicklung des Klassizismus werden 2 Stufen festgestellt:

Klassizismus des 17. Jahrhunderts, der sich teils im Kampf mit der Kunst des Barock, teils in Wechselwirkung mit ihr entwickelte.

Aufklärerischer Klassizismus des 18. Jahrhunderts.

Der Klassizismus des 17. Jahrhunderts ist in vielerlei Hinsicht die Antithese zum Barock. Ihren vollständigsten Ausdruck erhält sie in Frankreich. Dies war die Blütezeit der absoluten Monarchie, die der höfischen Kunst die höchste Schirmherrschaft zuteil werden ließ und ihr Prunk und Pracht abverlangte. Die Tragödien von Corneille und Racine sowie die Komödien von Moliere, auf deren Werk sich Lully stützte, wurden zum Höhepunkt der französischen Klassik auf dem Gebiet der Theaterkunst. Seine „lyrischen Tragödien“ tragen die Prägung des Klassizismus (strenge Konstruktionslogik, Heroismus, zurückhaltender Charakter), haben aber auch barocke Züge – die Pracht seiner Opern, die Fülle der Tänze, Prozessionen, Chöre.

Der Klassizismus des 18. Jahrhunderts fiel mit dem Zeitalter der Aufklärung zusammen. Aufklärung - eine breite Bewegung in Philosophie, Literatur, Kunst, die alle europäischen Länder umfasst. Der Name "Aufklärung" erklärt sich aus der Tatsache, dass die Philosophen dieser Zeit (Voltaire, Diderot, Rousseau) versuchten, ihre Mitbürger zu erziehen, versuchten, Probleme der Struktur der menschlichen Gesellschaft, der menschlichen Natur und seiner Rechte zu lösen. Aufklärer gingen von der Idee der Allmacht des menschlichen Geistes aus. Der Glaube an einen Menschen, in seinem Geist, bestimmt die helle, optimistische Stimmung, die den Ansichten der Aufklärer innewohnt.

Die Oper steht im Zentrum musikalischer und ästhetischer Auseinandersetzungen. Französische Enzyklopädisten betrachteten es als ein Genre, in dem die Synthese der Künste, die im antiken Theater existierten, wiederhergestellt werden sollte. Diese Idee bildete die Grundlage für K.V. Glück.

Die große Errungenschaft der aufklärerischen Klassik ist die Schaffung der Gattung Symphonie (Sonaten-Symphonie-Zyklus) und Sonatensatz, die mit dem Schaffen von Komponisten der Mannheimer Schule verbunden ist. Die Mannheimer Schule entstand Mitte des 18. Jahrhunderts in der Stadt Mannheim (Deutschland) auf der Grundlage eines Hofchores, in dem hauptsächlich tschechische Musiker wirkten (größter Vertreter war der Tscheche Jan Stamitz). Im Schaffen der Komponisten der Mannheimer Schule wurden die 4-stimmige Struktur der Symphonie und die klassische Komposition des Orchesters etabliert.

Die Mannheimer Schule wurde zum Vorläufer der Wiener Klassik – einer Musikrichtung, die das Werk von Haydn, Mozart, Beethoven bezeichnete. Im Schaffen der Wiener Klassik bildete sich schließlich der zum Klassiker avancierte Sonaten-Symphonie-Zyklus heraus, ebenso wie die Gattungen Kammerensemble und Konzert.

Unter den Instrumentalgenres waren vor allem verschiedene Arten der alltäglichen Unterhaltungsmusik beliebt - Serenaden, Divertissements, die abends im Freien erklangen. Divertimento (französische Unterhaltung) - mehrstimmige Instrumentalwerke für ein Kammerensemble oder Orchester, die die Merkmale einer Sonate und einer Suite kombinieren und einer Serenade, einem Nocturne, nahe kommen.

K. V. Gluck - der große Reformer des Opernhauses

Christoph Willibald Gluck (1714 - 1787) - ein gebürtiger Deutscher (geboren in Erasbach (Bayern, Deutschland)) - ist dennoch einer der herausragenden Vertreter der Wiener Klassik.

Glucks Reformaktivitäten fanden in Wien und Paris statt und wurden in Anlehnung an die Ästhetik des Klassizismus durchgeführt. Insgesamt schrieb Gluck etwa 40 Opern – italienisch und französisch, buffa und seria, traditionell und innovativ. Letzterem ist es zu verdanken, dass er sich einen prominenten Platz in der Musikgeschichte sicherte.

Die Grundsätze von Glucks Reform sind in seinem Vorwort zur Partitur der Oper Alceste skizziert. Sie kommen darauf hinaus:

Die Musik muss den poetischen Text der Oper ausdrücken, sie kann nicht für sich allein existieren, außerhalb der dramatischen Handlung. Damit wertet Gluck die Rolle der literarisch-dramatischen Grundlage der Oper deutlich auf und ordnet die Musik dem Drama unter.

Die Oper soll eine moralische Wirkung auf den Menschen haben, daher der Appell an antike Plots mit ihrem hohen Pathos und Adel („Orpheus und Eurydike“, „Paris und Helena“, „Iphigenie in Aulis“). G. Berlioz nannte Gluck „Aischylos der Musik“.

Die Oper muss den „drei großen Prinzipien der Schönheit in allen Künsten“ – „Einfachheit, Wahrheit und Natürlichkeit“ – entsprechen. Es ist notwendig, die Oper von übermäßiger Virtuosität und vokaler Verzierung (inhärent in der italienischen Oper), komplizierten Handlungen zu befreien.

Zwischen Arie und Rezitativ sollte kein scharfer Kontrast bestehen. Gluck ersetzt das Secco-Rezitativ durch eine Begleitung, wodurch es sich einer Arie nähert (in der traditionellen Opera seria dienten Rezitative nur als Bindeglied zwischen Konzertnummern).

Auch Gluck interpretiert Arien neu: Er führt Merkmale improvisatorischer Freiheit ein, verbindet die Entwicklung des musikalischen Materials mit einer Veränderung des psychischen Zustands des Helden. Arien, Rezitative und Chöre verbinden sich zu großen dramatischen Szenen.

Die Ouvertüre soll den Inhalt der Oper vorwegnehmen, die Zuhörer in ihre Atmosphäre einführen.

Das Ballett sollte keine Zwischennummer sein, die nichts mit der Handlung der Oper zu tun hat. Seine Einführung muss durch den Verlauf der dramatischen Handlung bestimmt werden.

Die meisten dieser Prinzipien wurden in der Oper Orpheus und Eurydike (uraufgeführt 1762) verkörpert. Diese Oper markiert den Beginn einer neuen Etappe nicht nur in Glucks Schaffen, sondern auch in der Geschichte der gesamten europäischen Oper. Auf Orpheus folgte eine weitere seiner bahnbrechenden Opern, Alceste (1767).

In Paris schrieb Gluck weitere reformistische Opern: Iphigenie in Aulis (1774), Armida (1777), Iphigenie in Tauris (1779). Die Inszenierung von jedem von ihnen wurde zu einem grandiosen Ereignis im Leben von Paris und löste eine heftige Kontroverse zwischen den "Glukisten" und "Picchinisten" aus - Anhängern der traditionellen italienischen Oper, die durch den neapolitanischen Komponisten Nicolo Picchini (1728 - 1800). Glucks Sieg in dieser Kontroverse war gekennzeichnet durch den Triumph seiner Oper Iphigenie auf Tauris.

So machte Gluck die Oper zu einer Kunst mit hohen erzieherischen Idealen, sättigte sie mit tiefen moralischen Inhalten und offenbarte echte menschliche Gefühle auf der Bühne. Glucks Opernreform hatte einen fruchtbaren Einfluss sowohl auf seine Zeitgenossen als auch auf nachfolgende Komponistengenerationen (insbesondere die Wiener Klassik).

Staatliche Universität Perm

Institut für Neuere und Neueste Geschichte

Zusammenfassung zum Thema

Musik der Aufklärung Frankreich

Abgeschlossen von: Student im 3. Jahr

1 Gruppe IPF

Efimova Marina

Einführung

Aufklärung - eine intellektuelle und spirituelle Bewegung des späten XVII - frühen XIX Jahrhunderts. in Europa und Nordamerika. Es war eine natürliche Fortsetzung des Humanismus der Renaissance und des Rationalismus des beginnenden New Age, die die Grundlagen der aufklärerischen Weltanschauung legten: die Ablehnung der religiösen Weltanschauung und die Berufung auf die Vernunft als einziges Kriterium für das Verständnis von Mensch und Mensch Gesellschaft.

Frankreich wurde im 18. Jahrhundert zum Zentrum der Aufklärungsbewegung. In der ersten Phase der französischen Aufklärung waren die Hauptfiguren Montesquieu (1689 - 1755) und Voltaire (1694 - 1778). In den Werken von Montesquieu wurde Lockes Rechtsstaatslehre weiterentwickelt. Voltaire vertrat unterschiedliche politische Ansichten. Er war der Ideologe des aufgeklärten Absolutismus und versuchte, den Monarchen Europas die Ideen der Aufklärung einzuflößen. Er zeichnete sich durch deutlich zum Ausdruck gebrachte antiklerikale Aktivität aus, die sich gegen religiösen Fanatismus und Heuchelei, kirchlichen Dogmatismus und den Primat der Kirche über Staat und Gesellschaft wandte. Diderot (1713 - 1784) und die Enzyklopädisten spielten die Hauptrolle in der zweiten Phase der französischen Aufklärung. Encyclopedia, or Explanatory Dictionary of Sciences, Arts and Crafts, 1751-1780, war die erste wissenschaftliche Enzyklopädie, die die grundlegenden Konzepte auf dem Gebiet der physikalischen und mathematischen Wissenschaften, Naturwissenschaften, Wirtschaft, Politik, Technik und Kunst skizzierte. Die Artikel waren in den meisten Fällen ausführlich und spiegelten den neuesten Wissensstand wider.

Die dritte Periode brachte die Figur von J.-J. Rousseau (1712-1778). Er wurde zum prominentesten Popularisierer der Ideen der Aufklärung. Rousseau schlug seinen eigenen Weg der politischen Struktur der Gesellschaft vor. Rousseaus Ideen fanden ihre Weiterentwicklung in Theorie und Praxis der Ideologen der Großen Französischen Revolution.

Die Aufklärung hat die Kunst und Kultur ganz Europas stark beeinflusst, insbesondere die Musik Frankreichs als Zentrum der Aufklärung.

Der Zweck dieses Abstracts ist ein allgemeiner Überblick über die Musik Frankreichs zu dieser Zeit.

Das 17. und frühe 18. Jahrhundert sind eine der bedeutendsten und brillantesten Perioden in der Geschichte der französischen Musik. Eine ganze Periode in der Entwicklung der Musikkunst, die mit dem "alten Regime" verbunden war, schwand in die Vergangenheit; die Zeit des letzten Ludwig, die Zeit des Klassizismus und des Rokoko war zu Ende. Das Zeitalter der Aufklärung begann. Stile einerseits abgegrenzt; Andererseits waren sie geschichtet, miteinander verschmolzen und bildeten seltsame Hybriden, die schwer zu analysieren waren. Das intonatorische Erscheinungsbild und die figurative Struktur der französischen Musik waren wandelbar und vielfältig. Aber die führende Richtung, die in Richtung der bevorstehenden Revolution lief, zeichnete sich mit unaufhaltsamer Deutlichkeit ab.

Am Ende des XVII - Anfang des XVIII Jahrhunderts. Hof und wurde der Hauptkunde für das Schreiben von Musikdarbietungen (ein Monopol erscheint), und infolgedessen bestand die Hauptfunktion der französischen Musik der Aufklärung darin, die Bedürfnisse des französischen Hofes zu befriedigen - Tänze und verschiedene Darbietungen.

Die französische Oper war gewissermaßen das geistige Kind des Klassizismus. Ihre Geburt war ein wichtiges Ereignis in der Geschichte der nationalen Kultur des Landes, das bis zur zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts außer der importierten italienischen fast keine andere Opernkunst kannte. Der Boden der französischen Kunstkultur war ihr jedoch keineswegs fremd und unfruchtbar. Die Oper baute auf nationalen genregeschichtlichen Voraussetzungen auf und nahm deren Errungenschaften ganz organisch auf 2 .

Jean Baptiste Lully (1632 - 1687), ein Komponist, Geiger, Tänzer, Dirigent und Lehrer italienischer Herkunft, kann zu Recht als der Vater der französischen Oper angesehen werden; Berater und Sekretär des Königs, des Königshauses und der Krone von Frankreich; sur-Intendant der Musik Seiner Majestät.

Am 3. März 1671 fand in Paris die Uraufführung der ersten französischen Oper Pomona statt, die von Pierre Perrin und Robert Cambert geschrieben wurde. Es war nicht einmal eine Oper, sondern eher ein Pastoral, aber es war ein fantastischer Erfolg beim Publikum, trotz 146 Aufführungen an der Opernakademie, für die Perrin ein 15-jähriges königliches Privileg hatte. Trotzdem ging Perrin bankrott und wurde ins Gefängnis geschickt. Lully, der dem König nahe stand, spürte sehr subtil die Stimmung des Publikums und, was noch wichtiger ist, des Königs. Er verlässt Molière, löst 1672 das Privileg von Perrin ein und erhält, nachdem er einige Sonderpatente des Königs erhalten hat, die vollständige Kontrolle über die französische Opernbühne.

Die erste „vertonte Tragödie“ war die Tragödie „Cadmus und Hermine“, geschrieben nach den Versen von Philip Kino. Das Grundstück wurde vom König ausgewählt. Die Uraufführung der Oper fand am 27. April 1673 im Palais Royal statt, nach dem Tod von Molière wurde sie Lully geschenkt. Das Hauptmerkmal seiner Opern war die besondere Ausdruckskraft der Melodien: Lully schaut sich beim Komponieren die großen Tragödienschauspieler an. Ihre dramatische Rezitation hält er in Noten fest und gibt sie dann in seinen Kompositionen wieder. Er wählt seine eigenen Musiker und Schauspieler aus, er bildet sie aus. Er probt seine Opern selbst ein und dirigiert sie selbst mit einer Geige in der Hand. Insgesamt komponierte und inszenierte er 13 „musikalische Tragödien“ im Theater: Cadmus und Hermine (1673), Alceste (1674), Theseus (1675), Atys (1676), Isis (1677), Psyche (1678, Opernfassung). des Komödienballetts 1671), Bellerophon (1679), Proserpina (1680), Perseus (1682), Phaeton (1683), Amadis (1684) ), "Roland" (1685) und "Armida" (1687). Die Oper Achilles und Polyxena (1687) wurde von Pascal Colas 3 nach Lullys Tod vollendet.

Erstes Drittel des 18. Jahrhunderts war für die Opernkunst sehr schwierig. Es sind Zeiten der Zeitlosigkeit, der ästhetischen Verwirrung, einer Art Dezentralisierung der Oper – sowohl in Bezug auf die Verwaltung des Opernhauses als auch in künstlerischer Hinsicht. Große kreative Individuen kommen praktisch nicht vor 4 . Unter den vielen Komponisten, die im Opernhaus auftraten, ist Andre Campra (1660 - 1744) der bedeutendste. Nach Lully war er der einzige Komponist, der ihn zumindest teilweise ersetzen konnte. Nur das Erscheinen Rameaus drängte die Arbeiten Campras etwas in den Hintergrund. Pasticcio Campra hatte großen Erfolg (d. h. Opern, die aus Auszügen von Opern verschiedener Komponisten bestehen, die den größten Erfolg hatten) - "Fragments de Lulli", "Telemaque ou les fragments des modernes". Von Campras Originalwerken sticht „La sérénade vénétienne ou le jaloux trompé“ hervor. Campra schrieb 28 Werke für die Bühne; Er komponierte auch Kantaten und Motetten. 5

Auf die französische Oper wirkten zur Zeit Ludwigs XV. ganz andere, ja sogar gegensätzliche Kräfte: die vom Klassizismus des 17. Jahrhunderts geschaffene Trägheit des Heroischen; Einflüsse von exquisit elegantem, schmucklosem und oft idyllischem Rokoko; der neue, bürgerliche und polemisch-didaktische Klassizismus des Dramatikers Voltaire und seiner Schule; schließlich die ästhetischen Ideen der Enzyklopädisten (D'Alembert, Diderot und andere). Im Theater der Hauptstadt etablierte sich der sogenannte „Versailles-Stil“, der die Handlung und das Schema des Klassizismus beibehielt, sie jedoch in einem brillanten Kleidungsdivertissement auflöste und sich durch einen besonders raffinierten Luxus der Inszenierung auszeichnete: Kulissen, Requisiten, Kostüme und architektonische Dekoration des Auditoriums. Ein wichtiger Faktor bei der Entstehung des „Versailles-Stils“ mit seiner dem Ballett innewohnenden Hegemonie war die Bildung und Verbesserung einer neuen französischen Schule für choreografische Kunst in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts – einer Schule, die sich zu einer äußerst einflussreichen kulturellen und künstlerische Kraft und prägte das Opernhaus 6 nachhaltig.

Ein weiterer französischer Komponist, der die Musik der Aufklärung in Frankreich maßgeblich beeinflusst hat, ist Jean Philippe Rameau. Rameaus Art der Oper ist französisch, nicht italienisch: Die musikalische Entwicklung wird nicht unterbrochen, der Übergang von fertigen Gesangsnummern zu Rezitativen wird geglättet. In Rameaus Opern steht nicht die vokale Virtuosität im Mittelpunkt; sie haben viele Orchesterzwischenspiele, und im Allgemeinen wird dem Orchesterteil die ganze Zeit viel Aufmerksamkeit geschenkt; Chöre und ausgedehnte Ballettszenen sind ebenfalls unerlässlich. Im Vergleich zum späteren klassischen Opernmodell hat Rameau weniger Gesang und etwa gleich viel Orchester und Chor. Rameaus Melodie folgt immer dem Text und vermittelt dessen Bedeutung genauer als die italienische Arie; Obwohl er ein ausgezeichneter Melodiker war, ist die Gesangslinie in seinen Opern im Prinzip eher dem Rezitativ als der Kantilene ähnlich. Das wichtigste Ausdrucksmittel ist nicht die Melodie, sondern der reiche und ausdrucksstarke Einsatz von Harmonien – das ist die Originalität von Rameaus Opernstil. Der Komponist nutzte in seinen Partituren die Fähigkeiten des zeitgenössischen Orchesters der Pariser Oper: Streicher, Holzbläser, Hörner und Schlagzeug, und er widmete den Holzbläsern besondere Aufmerksamkeit, deren Klangfarben Rameaus Opern einen originellen Orchestergeschmack verleihen. Der Chorsatz variiert je nach Bühnensituation, die Chöre sind immer dramatisch und oft tänzerisch. Typisch für seine endlosen Tänze und Ballettszenen ist eine Verbindung von plastischer Schönheit mit emotionaler Ausdruckskraft; es sind die choreografischen Fragmente von Rameaus Opern, die den Zuhörer sofort in ihren Bann ziehen. Die figurative Welt dieses Komponisten ist sehr reich, und jeder der im Libretto gegebenen emotionalen Zustände spiegelt sich in der Musik wider. So ist leidenschaftliche Mattigkeit beispielsweise in den Klavierstücken „Timide“ (La timide) und „Das Gespräch der Musen“ (L „Entretien des Muses“) sowie in vielen pastoralen Szenen aus seinen Opern und Opernballetten 7 eingefangen.

Die meisten Werke des Komponisten sind in alten, heute nicht mehr existierenden Formen geschrieben, was jedoch die hohe Wertschätzung seines Vermächtnisses nicht beeinträchtigt. Rameau kann neben G. Purcell gestellt werden, und was seine Zeitgenossen betrifft, ist er an zweiter Stelle nur nach Bach und Händel. acht

Rameaus Erbe besteht aus mehreren Dutzend Büchern und einer Reihe von Artikeln über Musik- und Akustiktheorie; vier Bände mit Klavierstücken (einer davon – Konzertstücke – für Klavier und Flöte mit Viola da Gamba); mehrere Motetten und Solokantaten; 29 Bühnenkompositionen - Opern, Opernballette und Pastorale.

Rameau erklärte den ihm zeitgenössischen Umgang mit Akkorden anhand eines von der Klangphysik ausgehenden harmonischen Systems und ging in dieser Hinsicht weiter als der bekannte Akustiker J. Sauveur. Allerdings lässt Rameaus Theorie, die das Wesen der Konsonanz erhellt, die nicht aus den Elementen der Obertonreihe gebildete Dissonanz sowie die Möglichkeit, alle temperierten Klänge auf eine Oktave zu reduzieren, ungeklärt.

Heute ist nicht die theoretische Forschung Rameaus, sondern seine Musik von größerer Bedeutung. Der Komponist arbeitete zur gleichen Zeit mit J. S. Bach, G. F. Händel, D. Scarlatti und überlebte sie alle, aber Rameaus Werk unterscheidet sich von der Musik seiner großen Zeitgenossen. Heute sind vor allem seine Klavierstücke berühmt, doch das Hauptbetätigungsfeld des Komponisten war die Oper. Bereits im Alter von 50 Jahren bekam er die Gelegenheit, in Bühnengenres zu arbeiten, und in 12 Jahren schuf er seine wichtigsten Meisterwerke - die lyrischen Tragödien Hippolytus und Arisia (1733), Castor und Pollux (1737) und Dardanus (zwei Ausgaben - 1739 und 1744). ; Opernballette „Gallant India“ (1735) und „Feasts of Hebe“ (1739); lyrische Komödie "Platea" (1745). Rameau komponierte bis zu seinem 80. Lebensjahr Opern, und in jeder von ihnen gibt es Fragmente, die seinen Ruhm als großer musikalischer Dramatiker bestätigen 9 .

Die Ideen der Enzyklopädisten spielten auch eine bedeutende Rolle bei der Vorbereitung der Reform von K. V. Gluck, die am Vorabend der Französischen Revolution zur Schaffung eines neuen Opernstils führte, der die ästhetischen Ideale des dritten Standes verkörperte. Die Inszenierung von Glucks Opern Iphigenie auf Aulis (1774), Armida (1777) und Iphigenie auf Tauris (1779) in Paris verschärfte den Richtungskampf. Anhänger der alten französischen Oper sowie Anhänger der italienischen Oper, die sich Gluck widersetzten, setzten ihm das traditionelle Werk von N. Piccinni entgegen. Der Kampf zwischen den "Glukisten" und den "Picchinnisten" (Gluck ging als Sieger hervor) spiegelte die tiefgreifenden ideologischen Veränderungen wider, die in Frankreich in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts stattfanden.

In den Opern von Lully und Rameau entwickelte sich eine besondere Art der Ouvertüre, die später die französische genannt wurde. Dies ist ein großes und farbenfrohes Orchesterstück, das aus drei Teilen besteht. Die äußersten Teile sind langsam, feierlich, mit einer Fülle von kurzen Passagen und anderen exquisiten Verzierungen des Hauptthemas. Für die Mitte des Stücks wurde in der Regel ein schnelles Tempo gewählt (es war offensichtlich, dass die Autoren alle Techniken der Polyphonie brillant beherrschten). Eine solche Ouvertüre war keine flüchtige Nummer mehr, unter der sich Nachzügler geräuschvoll niederließen, sondern ein ernsthaftes Werk, das den Zuhörer in Bewegung versetzte und die reichen Möglichkeiten des Klangs des Orchesters offenbarte. Von den Opern ging die französische Ouvertüre bald in die Kammermusik über und wurde später oft in den Werken der deutschen Komponisten G. F. Händel und J. S. Bach verwendet. Auf dem Gebiet der Instrumentalmusik in Frankreich sind die wichtigsten Errungenschaften mit dem Klavier verbunden. Keyboardmusik wird durch zwei Genres repräsentiert. Eines davon sind Miniaturstücke, einfach, elegant, raffiniert. Kleine Details sind in ihnen wichtig, Versuche, eine Landschaft oder eine Szene mit Geräuschen darzustellen. Französische Cembalisten schufen eine besondere Melodie voller exquisiter Verzierungen - Melismen (vom griechischen "Melos" - "Lied", "Melodie"), die eine "Spitze" aus kurzen Tönen sind, die sich sogar zu einer winzigen Melodie addieren können. Es gab viele Arten von Melismen; sie wurden im Notentext durch Sonderzeichen gekennzeichnet. Da sich der Klang des Cembalo nicht ausdehnt, sind oft Melismen notwendig, um eine durchgehend klingende Melodie oder Phrase zu erzeugen. Ein weiteres Genre der französischen Claviermusik ist die Suite (aus der französischen Suite - „Reihe“, „Folge“). Ein solches Werk bestand aus mehreren Teilen - Tanzstücken mit kontrastierendem Charakter; sie folgten einander. Vier Haupttänze waren für jede Suite obligatorisch: Allemande, Courante, Sarabande und Gigue. Die Suite kann als internationales Genre bezeichnet werden, da sie Tänze aus verschiedenen nationalen Kulturen enthielt. Allemande (von Französisch allemande - "deutsch"), zum Beispiel deutscher Herkunft, Chimes (von Französisch courante - "laufend") - Italienisch, der Geburtsort der Sarabande (spanisch zarabanda) - Spanien, jig (englisch, jig) - England . Jeder der Tänze hatte seinen eigenen Charakter, Größe, Rhythmus, Tempo. Allmählich wurden neben diesen Tänzen auch andere Nummern in die Suite aufgenommen - Menuett, Gavotte usw. Das Suitengenre fand eine reife Verkörperung in den Werken von Händel und Bach 10 .

Die Französische Revolution hat auch die Musik stark beeinflusst. In diesen Jahren verbreitete sich die komische Oper (obwohl die ersten komischen Opern bereits Ende des 17. Jahrhunderts erschienen 11) – meist Einakter, die auf Volksmusik basieren. Dieses Genre war bei den Menschen sehr beliebt - die Motive und Worte der Couplets waren leicht zu merken. Auch die komische Oper gewann im 19. Jahrhundert an Popularität. Aber immer noch das beliebteste Genre war zweifellos das Lied. Die neue soziale Funktion der Musik, geboren aus der revolutionären Situation, führte zu Massengenres, darunter Märsche und Lieder (Gosseks Lied vom 14. Juli), Kompositionen für mehrere Chöre und Orchester (Lesueur, Megül). Erstellt patriotische Lieder. In den Jahren der Revolution (1789 - 1794) erschienen mehr als 1500 neue Lieder. Die Musik wurde teilweise aus komischen Opern, Volksliedern des 16.-17. Jahrhunderts entlehnt. 4 Lieder waren besonders beliebt: „Saera“ (1789), „The Camping Song“ (1794), „Carmagnola“ (1792) – der Name stammt wahrscheinlich vom Namen der italienischen Stadt Carmagnola, in der die arbeitenden Armen die Mehrheit der Bevölkerung, Revolutionshymne „La Marseillaise“; jetzt die Nationalhymne; komponiert und vertont von Rouger de Lisle in Straßburg nach der Kriegserklärung im April 1792. Unter dem Einfluss der revolutionären Ideologie entstanden neue Gattungen – Propagandaaufführungen mit großen Chormessen („Der republikanische Auserwählte oder das Fest der Vernunft“ Gretry, 1794; „The Triumph of the Republic, or Camp at the Grand Pre, Gossek, 1793), sowie die „Rettungsoper“, gemalt mit der Romantik des revolutionären Kampfes gegen die Tyrannei („Lodoiska“, 1791, u „Wasserträger“, 1800, Cherubini; „Die Höhle“ von Lesueur, 1793) 12. Revolutionäre Veränderungen betrafen auch das System der Musikerziehung. Kirchenschulen (Metrisas) wurden abgeschafft, und 1793 wurde in Paris auf der Grundlage der fusionierten Musikschule der Nationalgarde und der Königlichen Schule für Gesang und Rezitation das Nationale Musikinstitut gegründet (seit 1795 - das Konservatorium für Musik und Rezitation). Paris wurde zum wichtigsten Zentrum der musikalischen Bildung.

Fazit

Die französische Musik der Aufklärung entwickelte sich entsprechend der Epoche selbst. So ist die französische komische Oper aus einer Jahrmarktskomödie mit Musik zu einem etablierten musikalischen und theatralischen Genre von eigenständiger Bedeutung geworden, vertreten durch bedeutende Künstlerpersönlichkeiten unterschiedlicher Persönlichkeiten, viele Genrevarianten und eine Vielzahl interessanter, einflussreicher Werke.

Musik entwickelte sich nach wie vor gleichzeitig in mehrere Richtungen - offiziell und volkstümlich. Der Absolutismus war sowohl Katalysator als auch Hemmer der Entwicklung der offiziellen, also der Oper, des Balletts, allgemein der Theatermusik, einerseits gab es einen staatlichen Auftrag zum Schreiben und Aufführen von Musik, andererseits staatliche Monopole , was die Entwicklung neuer Komponisten und Trends fast verhindert.

Die Volksmusik hingegen erlangte ihre weite Verbreitung dank der Großen Französischen Revolution in Hymnen, Märschen und Liedern, deren Urheberschaft heute fast nicht mehr festgestellt werden kann, die aber ihren kulturellen Wert nicht verloren haben Dies.

Verzeichnis der verwendeten Literatur

1. 
   K. K. Rosenshild Musik im Frankreich des 17. – frühen 18. Jahrhunderts, – M.: „Musik“, 1979
2. 
   Enzyklopädisches Wörterbuch von Brockhaus und Efron (1890-1907).
3. 
   Große sowjetische Enzyklopädie

Internetquellen:

35. Tonkunst im Zeitalter der Aufklärung

Musikalische Kunst kann mit Theater- und Literaturkunst gleichgesetzt werden. Opern und andere musikalische Werke wurden zu den Themen der Werke großer Schriftsteller und Dramatiker geschrieben.

Die Entwicklung der Musikkunst ist in erster Linie mit den Namen so großer Komponisten wie verbunden J. S. Bach, G. F. Händel, J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart, L. W. Beethoven usw.

Ein unübertroffener Meister der Polyphonie war ein deutscher Komponist, Organist und Cembalist Johann Sebastian Bach (1685-1750). Seine Werke waren von tiefer philosophischer Bedeutung und hoher Ethik durchdrungen. Er konnte die musikalischen Errungenschaften seiner Vorgänger zusammenfassen. Seine bekanntesten Kompositionen sind das Wohltemperierte Klavier (1722–1744), die Johannes-Passion (1724), die Matthäus-Passion (1727 und 1729), viele Konzerte und Kantaten, die Siminor-Messe (1747–1749) und andere.

Anders als J.S. Bach, der keine einzige Oper geschrieben hat, ist der deutsche Komponist und Organist Georg Friedrich Händel (1685–1759) gehören zu mehr als vierzig Opern. Neben Werken zu biblischen Themen (Oratorien „Israel in Egypt“ (1739), „Saul“ (1739), „Messiah“ (1742), „Samson“ (1743), „Judas Maccabee“ (1747) etc.) , Orgelkonzerte, Sonaten, Suiten usw.

Der Meister klassischer Instrumentalgattungen wie Sinfonien, Quartette sowie Sonatensätze war der große österreichische Komponist

Joseph Haydn (1732–1809). Ihm ist es zu verdanken, dass die klassische Zusammensetzung des Orchesters gebildet wurde. Er besitzt mehrere Oratorien („Die Jahreszeiten“ (1801), „Erschaffung der Welt“ (1798)), 104 Symphonien, 83 Quartette, 52 Klaviersonaten, 14 messit.d.

Ein weiterer österreichischer Komponist Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791), war ein Wunderkind, dank dem er in früher Kindheit berühmt wurde. Er besitzt über 20 Opern, darunter die berühmten Die Hochzeit des Figaro (1786), Don Giovanni (1787), Die Zauberflöte (1791), mehr als 50 Sinfonien, viele Konzerte, Klavierwerke (Sonaten, Fantasien, Variationen), unvollendet „Requiem“ (1791), Lieder, Messen etc.

Das schwere Schicksal, das alle Schaffenskraft prägte, lag bei dem deutschen Komponisten Ludwig van Beethoven (1770–1827). Sein Genie manifestierte sich bereits in der Kindheit und ließ ihn für keinen Komponisten und Musiker sogar in einer schrecklichen Not - Hörverlust. Philosophischer Charakter lässt sich in seinen Werken nachvollziehen. Viele Werke wurden von seinen republikanischen Ansichten als Komponist beeinflusst. Beethoven besitzt neun Sinfonien, Instrumentalsonaten (Moonlight, Pathetique), sechzehn Streichquartette, Ensembles, die Oper Fidelio, Ouvertüren (Egmont, Coriolanus), Klavierkonzerte und andere Werke.

Sein berühmter Ausspruch: "Musik sollte Feuer aus menschlichen Herzen schlagen." Diese Idee verfolgte er bis an sein Lebensende.