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böser Affe,
Ein Esel,
Ziege,
Ja, Klumpfuß Mischka
Sie entschieden sich für ein Quartett.
Habe Noten, Bass, Bratsche, zwei Geigen
Und sie setzten sich auf die Wiese unter den Linden, -
Begeistere die Welt mit deiner Kunst.

Sie kennen natürlich diese Fabel von I. A. Krylov. Es heißt „Quartett“. Das Wort hat mehr als eine Bedeutung. Wie der Name des Intervalls – ein Quart (Sie haben wahrscheinlich schon etwas über Intervalle gelesen) – kommt es vom lateinischen Quartus – die Quart. Wie heißt das Wort "Quartett"? Lesen Sie noch einmal die Zeilen der Fabel: „Sie fingen an, ein Quartett zu spielen ...“ Quartett ist also zunächst der Name des Werks. Mehrstimmige Werke (deren erster Teil in der Regel in Sonatensatz geschrieben ist) und für vier – daher die Quartisten – Interpreten bestimmt. Am häufigsten werden Quartette für zwei Violinen, Bratsche und Cello geschrieben. Krylov hatte ein solches Quartett im Sinn: "Bass" hieß früher Cello. Es wird besaitet genannt, da es nur für Saiteninstrumente geeignet ist. Streichquartette wurden von Beethoven, Tschaikowsky, Borodin, Schostakowitsch und vielen anderen Komponisten geschrieben.

Quartette für eine andere Besetzung von Instrumenten sind viel seltener. Das Pianoforte ist zum Beispiel für Violine, Viola, Cello und Klavier. Es gibt auch Quartette für Blasinstrumente. In Opern sind Vokalquartette durchaus üblich – Ensembles, an denen vier Schauspieler der Oper teilnehmen. Zum Beispiel gibt es im letzten Akt von Verdis Oper „Rigoletto“ ein Quartett aus dem Herzog, Gilda, Maddalena und Rigoletto.

Teilnehmer an der Aufführung von Quartettstücken werden auch als Quartett bezeichnet. So gab es einmal ein Vokalquartett der Fedorov-Schwestern, die vierstimmige Arrangements von Volksliedern sangen, die speziell für sie angefertigt wurden. Aber am gebräuchlichsten sind natürlich Streichquartette, die aus zwei Geigern, einem Bratschisten und einem Cellisten bestehen.

Quartette tragen manchmal die Namen großer Musiker. Eine der ältesten Gruppen in unserem Land ist also das L. Beethoven Quartett. Das nach A.P. Borodin benannte Quartett, das nach D.D. Schostakowitsch benannte Quartett sind sehr berühmt.

L. W. Michejewa

Danke an I. A. Krylov, der mit Hilfe seiner berühmten Fabel Menschen, die völlig fern von Musik sind, erklärte, was ein Quartett ist. Ein Quartett ist ein Ensemble aus vier Saiteninstrumenten: zwei Geigen, einer Bratsche und einem Cello. Der Klang des Streichquartetts ist überraschend harmonisch. Die Klangfarben der Instrumente sind nah, sie verschmelzen. Gleichzeitig ergänzen sich diese Instrumente im Tonumfang und erfassen so alle Register: von tiefen Bässen für Celli bis zu feinsten Höhen für Violinen.

Deshalb ist diese Instrumentalkomposition so beliebt, dass sie eine ganze Quartettliteratur hervorgebracht hat. Außerdem werden die für ihn geschaffenen Werke Quartette genannt. Daher hat das Wort "Quartett" zwei verschiedene, aber eng verwandte Bedeutungen: ein Ensemble und ein Musikgenre für dieses Ensemble.

Im Prinzip bedeutet das Wort "Quartett" ein Ensemble aus vier beliebigen Interpreten, nicht unbedingt Streichern. Es gibt Vokalquartette, Bläserquartette, Schlagzeugquartette, Horn- oder Posaunenquartette etc., auch heterogene Instrumente können in einem Quartett kombiniert werden. In der musikalischen Praxis findet man solche Ensembles episodisch unvergleichlich seltener. Daher gibt es keine eigenen, charakteristischen Genres. Stücke, die für solche Kompositionen geschrieben wurden, können beliebige Titel haben, sind aber keine Quartette mehr im herkömmlichen Sinne.

In einer Gesellschaft mit einer entwickelten Musikkultur sind Laienquartette sehr beliebt. Dies erklärt insbesondere die Existenz eines riesigen Quartettrepertoires. Dieses Genre liebte die Wiener Klassiker J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart, L. Beethoven und ihre Zeitgenossen sehr. (Haydn gilt als der Schöpfer des klassischen Quartetts.) Im Russland des 19. Jahrhunderts war Quartettmusik sehr beliebt, Quartette wurden von A. P. Borodin, P. I. Tschaikowsky, S. I. Taneev geschrieben. Im 20. Jahrhundert wurde diese Tradition von N. Ya. Myaskovsky, D. D. Schostakowitsch und anderen fortgesetzt.

Bitte beachten Sie, dass alle diese Komponisten zu Recht als Klassiker des Quartettgenres gelten und alle die größten Symphoniker sind. Für sie war das Quartett eine Art kleine Symphonie, in der Ideen reiften, Fähigkeiten verfeinert, Entdeckungen im Bereich der Ausdrucksmittel gemacht wurden.

M. G. Rytsareva

In der Musik ist ein Quartett ein Ensemble, das aus 4 Musikern oder Sängern besteht. Am gebräuchlichsten ist ein Streichquartett, das aus einer Viola, 2 Violinen und einem Cello besteht.

Es entstand im 18. Jahrhundert, als sich abends Amateurmusiker versammelten, um Saiteninstrumente zu spielen. In der Folge wurden die Quartette professioneller. Sie wurden eingeladen, an fürstlichen Höfen, in edlen Wohnzimmern und seit dem 19. Jahrhundert in den Konzertsälen der Philharmonie aufzutreten. Heute ist das Streichquartett eines der beliebtesten Kammerensembles.

Es gibt jedoch auch andere Arten von Quartetten. Wenn wir über die Zusammensetzung von Instrumenten sprechen, können Quartette homogen (gestrichen, Holzbläser) und gemischt (z. B. mit einem Klavier oder einer Oboe gestrichen) sein. Ein Quartett bestehend aus 3 gestrichenen Streichern – Geigen, Celli, Bratsche und Klavier – nennt man Klavierquartett. Das Vokalquartett kann weiblich, männlich sein, es gibt gemischte Quartette (Alt, Sopran, Bass, Tenor etc.).

Ein Quartett ist nicht nur eine musikalische Komposition, es kann auch ein Musikstück sein, das für 4 Interpreten geschrieben wurde.

Ein Quartett ist ein Werk, das für vier Instrumente geschrieben wurde – die Hauptgattung der Kammermusik. Beliebt sind Quartette, zu denen homogene Instrumente (zwei Violinen, Cello, Viola) und gemischte Quartette (Streicher, Bläser oder Klavier) gehören.

Werke für Streichquartette wurden ab Mitte des 18. Jahrhunderts geschrieben, als es solche Ensembles bereits gab. Quartette berühmter klassischer Komponisten der Vergangenheit und Gegenwart sind Weltperlen der Kammermusik. Dies sind die Werke von W. A. ​​​​Mozart, J. Haydn, L. Beethoven, R. Schumann, F. Schubert, J. Brahms.

Ursprünglich wurden Quartette von den Komponisten der Mannheimer Schule verwendet. In Italien wurden Streichquartette von A. Sacchini (1730-1786) und L. Boccherini (1743-1805) geschrieben.

Haydn schuf 1755 das erste Quartett. Bis in die 80er Jahre des 18. Jahrhunderts behielt das Quartett die für Serenaden und Divertissements charakteristische Form einer Suite bei. Bis Ende des 18. Jahrhunderts besiegelten zwei Klavierquartette, 23 Streichquartette von Mozart und 83 Streichquartette, darunter auch 6 „russische“ Haydns, den Sonatenzyklus im Quartett.

Diese Form wurde auch in den Quartetten von Beethoven beibehalten. Er schrieb 16 Quartette, 3 "russische" Viertel (Komposition 59, 1807), die auf Themen russischer Volkslieder basierten. In den letzten fünf Quartetten (Werk 127 in Es-dur geschrieben, Werk 130 in Hes-dur, Werk 131 in cis-Moll, Werk 132 in a-Moll, Werk 135 in F-Dur) haben neue Ideen und Philosophien die Arbeit erheblich erschwert bilden.

Die Quartette spiegelten sich auch in den Werken von Schumann (drei Streichquartette, ein Quartett für Klavier), Schubert (19 Quartette für Streicher; drei davon sind verschollen, das siebte Quartett mit Variationen über das Thema „Der Tod und das Mädchen“ eingeschrieben d-Moll, besser bekannt 1824. Jahr), Mendelssohn (sechs Streichquartette, drei Klavierquartette), Brahms (sechs Streichquartette). Ab der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts verliebten sich Komponisten verschiedener Richtungen in Streichquartette; Besonders beliebt sind die Quartette der französischen Komponisten Debussy, Chausson, Ravel. Ein Quartett mit leuchtenden Farben wurde von Grieg (2, 2. wurde nicht vollendet), Sibelius (2., 2. "Intime Stimmen") geschrieben.

Streichquartette wurden auch von den polnischen Komponisten Szymanowski (2), Kazimierz Sikorski (geb. 1895), Moniuszko (2), Zbigniew Turski (geb. 1908) und Witold Rudzinsky (geb. 1913) geschrieben. Herausragende Quartette schrieben auch Konstantin Silvestri (geb. 1913), George Enescu (3), Bedrich Smetana (2), Josef Suk (2), Leos Janacek (2), Bela Bartok (6) (erstes -1908, sechstes - 1939), Samuel Barber (geb. 1910), Paul Hindemith, Benjamin Britten (geb. 1913), Claudio Santoru (geb. 1919), Veseli Stoyanov (geb. 1902), Petar Konjovic (geb. 1883), Josip Slowenisch (1896). - 1955). Ab dem 18. Jahrhundert gewann das Streichquartett in Russland an Popularität. Alyabyev (3 Saiten und 1 für 4 Flöten), Bortnyansky, Rubinstein (10), Dargomyzhsky (2) verliebten sich in dieses Genre. Neu für die Gattung Quartett waren Werke von Tschaikowsky (dritte, zweite mit Andantecantabile), Borodin (zwei Streichquartette; zweite mit Nocturne), Taneyev (9).

7 von Glazunovs Quartetten wurden mit besonderem Können geschrieben (das dritte, "Slavyansky", erlangte den größten Ruhm). Auch im Schaffen sowjetischer Komponisten war das Streichquartett von großer Bedeutung. Das berühmte Quartett von Myaskovsky (13), Gliere, Prokofjew, Shebalin. Einen großen Beitrag zur Musik des Quartetts leistete Schostakowitsch, der zehn Quartette schrieb.

Die Gründer des russischen klassischen Quartetts waren P. I. Tschaikowsky und A. P. Borodin. Tschaikowskys Quartette sind im großen Stil geschrieben, mit hellem Temperament und gleichzeitig mit Seele (besonders in den langsamen Stimmen). So steht im Mittelpunkt des bekannten 2. Teils des 1. Streichquartetts ein russisches Lied namens „Wanja saß auf dem Sofa“. Die von Borodin geschriebenen Quartette sind ruhig, poetisch, mäßig lyrisch, figurativ. Die russische Quartettmusik erhielt eine besondere Entwicklung in den Werken von S. I. Taneyev und A. K. Glazunov. Komponisten der Sowjetzeit schrieben auch viele Stücke für Quartett. Dies sind N. Ya. Myaskovsky, D. D. Schostakowitsch, M. S. Weinberg, S. S. Prokofiev, D. B. Kabalevsky, B. N. Lyatoshinsky, B. A. Tchaikovsky, V. V. Silvestrov, A. G. Schnittke.

Weißt du, was Vorspiel ist? .

Musikinstrument: Violine

Die Geige ist eines der raffiniertesten und raffiniertesten Musikinstrumente, mit einem bezaubernden melodischen Timbre, das der menschlichen Stimme sehr ähnlich ist, aber gleichzeitig sehr ausdrucksstark und virtuos. Es ist kein Zufall, dass der Geige die Rolle des „ Orchesterköniginnen».

Die Stimme der Geige ähnelt der eines Menschen, die Verben „singt“, „schreit“ werden oft daran gewöhnt. Es kann Tränen der Freude und Traurigkeit bringen. Der Geiger spielt auf den Saiten der Seele seiner Zuhörer und agiert durch die Saiten seines kraftvollen Assistenten. Es besteht die Überzeugung, dass die Klänge der Geige die Zeit anhalten und Sie in eine andere Dimension führen.

Geschichte Geigen und viele interessante Fakten zu diesem Musikinstrument, lesen Sie auf unserer Seite.

Klang

Der ausdrucksstarke Gesang der Geige kann die Gedanken des Komponisten, die Gefühle der Figuren vermitteln Opern und Ballett genauer und vollständiger als alle anderen Instrumente. Saftig, gefühlvoll, anmutig und durchsetzungsfähig zugleich ist der Klang der Geige die Grundlage eines jeden Werkes, in dem zumindest eines dieser Instrumente zum Einsatz kommt.

Die Klangfarbe wird durch die Qualität des Instruments, das Können des Spielers und die Wahl der Saiten bestimmt. Der Bass zeichnet sich durch einen dicken, satten, leicht strengen und harten Klang aus. Die Mittelsaiten haben einen weichen, gefühlvollen Klang, wie samtig, matt. Das obere Register klingt hell, sonnig, laut. Das Musikinstrument und der Interpret haben die Möglichkeit, diese Klänge zu modifizieren, Abwechslung und eine zusätzliche Palette hinzuzufügen.

Ein Foto:

Interessante Fakten

• Athira Krishna aus Indien spielte 2003 im Rahmen des Trivandrum City Festivals durchgehend 32 Stunden Geige, wodurch er ins Guinness-Buch der Rekorde kam.
• Geige spielen verbrennt etwa 170 Kalorien pro Stunde.
• Erfinder der Rollschuhe, Joseph Merlin, belgischer Hersteller von Musikinstrumenten. Um eine Neuheit zu präsentieren, Rollschuhe mit Metallrädern, betrat er 1760 einen Kostümball in London, während er Geige spielte. Das Publikum begrüßte begeistert das anmutige Gleiten über das Parkett, begleitet von einem wunderschönen Instrument. Beflügelt vom Erfolg begann der 25-jährige Erfinder, sich schneller zu drehen, prallte mit voller Geschwindigkeit gegen einen teuren Spiegel, zerschmetterte ihn, eine Geige und verletzte sich schwer. Seine Schlittschuhe hatten damals keine Bremsen.

• Im Januar 2007 beschlossen die USA, ein Experiment durchzuführen, an dem einer der brillantesten Geigenmusiker, Joshua Bell, teilnahm. Der Virtuose ging in die U-Bahn und spielte wie ein gewöhnlicher Straßenmusiker 45 Minuten lang auf der Stradivari-Geige. Leider musste ich zugeben, dass sich die Passanten nicht sonderlich für das brillante Spiel des Geigers interessierten, alle waren von der Hektik der Großstadt getrieben. Nur sieben von tausend, die in dieser Zeit bestanden haben, haben auf einen berühmten Musiker geachtet und weitere 20 haben Geld geworfen.Insgesamt wurden in dieser Zeit 32 $ verdient. Normalerweise sind Joshua Bell-Konzerte mit einem durchschnittlichen Ticketpreis von 100 US-Dollar ausverkauft.
• Das größte Ensemble junger Geiger versammelte sich 2011 im Stadion in Zhanghua (Taiwan) und bestand aus 4645 Schülern im Alter von 7 bis 15 Jahren.
• Bis 1750 wurden Geigensaiten aus Schafsdärmen hergestellt. Die Methode wurde zuerst von den Italienern vorgeschlagen.
• Das erste Werk für Violine wurde Ende 1620 von dem Komponisten Marini geschaffen. Es hieß „Romanesca per violino solo e basso“.
• Geiger und Geigenbauer versuchen oft, winzige Instrumente zu bauen. So wurde im Süden Chinas in der Stadt Guangzhou eine Mini-Violine hergestellt, nur 1 cm lang.Der Meister brauchte 7 Jahre, um diese Kreation fertigzustellen. Der Schotte David Edwards, der im Nationalorchester spielte, baute eine 1,5 cm Geige, Eric Meisner schuf 1973 ein 4,1 cm langes Instrument mit melodischem Klang.

• Es gibt auf der Welt Handwerker, die Geigen aus Stein bauen, die klanglich den hölzernen Pendants in nichts nachstehen. In Schweden kam der Bildhauer Lars Wiedenfalk bei der Dekoration einer Gebäudefassade mit Diabassteinen auf die Idee, aus diesem Stein eine Geige zu bauen, weil unter Meißel und Hammer erstaunlich melodische Klänge hervorflogen. Er nannte seine Steingeige „Die Amsel“. Das Produkt erwies sich als überraschend Schmuckstück - die Dicke der Wände des Resonanzkastens überschreitet 2,5 mm nicht, das Gewicht der Geige beträgt 2 kg. In Tschechien stellt Jan Roerich Marmorinstrumente her.
• Beim Schreiben der berühmten Mona Lisa lud Leonardo da Vinci Musiker ein, die Saiten zu spielen, einschließlich der Geige. Gleichzeitig war die Musik in Charakter und Klangfarbe anders. Viele betrachten die Mehrdeutigkeit des Lächelns der Mona Lisa („das Lächeln eines Engels oder des Teufels“) als Folge der Vielfalt der musikalischen Begleitung.
• Die Geige regt das Gehirn an. Diese Tatsache wurde wiederholt von namhaften Wissenschaftlern bestätigt, die Geige beherrschten und gerne spielten. So spielte zum Beispiel Einstein ab seinem sechsten Lebensjahr meisterhaft dieses Instrument. Sogar der berühmte Sherlock Holmes (zusammengesetztes Bild) benutzte immer ihre Töne, wenn er über ein schwieriges Problem nachdachte.

• Eines der am schwierigsten aufzuführenden Werke sind „Caprices“ Nicolo Paganini und seine anderen Kompositionen, Konzerte Brahms , Tschaikowsky , Sibelius . Und auch das mystischste Werk - „ Sonate des Teufels "(1713) G. Tartini, der selbst ein virtuoser Geiger war,
• Am wertvollsten sind die Geigen von Guarneri und Stradivari. Der höchste Preis wurde 2010 für Guarneris Violine „Vietante“ erzielt. Es wurde bei einer Auktion in Chicago für 18.000.000 $ verkauft. Die teuerste Stradivari-Geige gilt als „Lady Blunt“ und wurde 2011 für fast 16 Millionen Dollar verkauft.
• Die größte Geige der Welt entstand in Deutschland. Seine Länge beträgt 4,2 Meter, die Breite 1,4 Meter, die Bogenlänge 5,2 Meter. Es wird von drei Personen gespielt. Eine solch einzigartige Kreation wurde von Handwerkern aus dem Vogtland geschaffen. Dieses Musikinstrument ist eine maßstäbliche Kopie der Geige von Johann Georg II. Schönfelder, die Ende des 18. Jahrhunderts hergestellt wurde.
• Ein Geigenbogen ist normalerweise mit 150-200 Haaren bespannt, die aus Rosshaar oder Nylon bestehen können.
• Der Preis einiger Bögen erreicht bei Auktionen Zehntausende von Dollar. Der teuerste Bogen ist das Werk von Meister Francois Xavier Tourt, der auf etwa 200.000 Dollar geschätzt wird.
• Vanessa May gilt als jüngste Geigerin aller Zeiten Violinkonzerte von Tschaikowsky und Beethoven im Alter von 13 Jahren. Vanessa-Mae debütierte 1989 im Alter von 10 Jahren beim London Philharmonic Orchestra. Mit 11 Jahren wurde sie die jüngste Studentin am Royal College of Music.

• Folge aus der Oper Das Märchen vom Zaren Saltan » Rimski-Korsakow "Flight of the Bumblebee" ist technisch schwierig aufzuführen und wird mit hoher Geschwindigkeit gespielt. Geiger auf der ganzen Welt veranstalten Wettbewerbe um die Aufführungsgeschwindigkeit dieses Werkes. So kam D. Garrett 2007 in das Guinness-Buch der Rekorde und führte es in 1 Minute und 6,56 Sekunden auf. Seitdem haben viele Künstler versucht, ihn zu überholen und den Titel "der schnellste Geiger der Welt" zu bekommen. Einige haben es geschafft, diese Arbeit schneller auszuführen, aber gleichzeitig hat sie viel an Qualität der Leistung verloren. Der Sender Discovery TV beispielsweise hält den Briten Ben Lee, der „Flight of the Bumblebee“ in 58,51 Sekunden performte, nicht nur für den schnellsten Geiger, sondern auch für den schnellsten Menschen der Welt.

Beliebte Werke für Violine

Camille Saint-Saens - Einführung und Rondo Capriccioso (hören)

Antonio Vivaldi: "Die vier Jahreszeiten" - Sommersturm (hören)

Antonio Bazzini - "Dwarf Round Dance" (hören)

P. I. Tschaikowsky - "Walzer-Scherzo" (hören)

Jules Masnet - "Meditation" (hören)

Maurice Ravel - "Gypsy" (hören)

J.S. Bach - "Chaconne" aus Partita in d-Moll (hören)

Anwendung und Repertoire der Violine

Aufgrund der vielfältigen Klangfarben wird die Violine verwendet, um verschiedene Stimmungen und Charaktere zu vermitteln. In einem modernen Sinfonieorchester nehmen diese Instrumente fast ein Drittel der Komposition ein. Die Geigen im Orchester sind in 2 Gruppen eingeteilt: Eine spielt die Oberstimme oder Melodie, die andere Unterstimme oder begleitet. Sie heißen erste und zweite Geige.

Dieses Musikinstrument klingt sowohl in Kammerensembles als auch solistisch großartig. Die Geige harmoniert problemlos mit Blasinstrumenten, Klavier und anderen Streichern. Von den Ensembles ist das häufigste Streichquartett, das 2 Violinen umfasst, Cello und Alt . Für das Quartett wurde eine Vielzahl von Werken unterschiedlicher Epochen und Stilrichtungen geschrieben.

Fast alle genialen Komponisten gingen bei ihrer Aufmerksamkeit nicht an der Violine vorbei, sie komponierten Konzerte für Violine und Orchester Mozart , Vivaldi, Tschaikowsky , Brahms, Dvorak , Chatschaturjan, Mendelssohn, heilige sans , Kreisler, Venyavsky und viele andere. Auch Solopartien in Konzerten für mehrere Instrumente wurden der Geige anvertraut. Zum Beispiel bei Bach ist ein Konzert für Violine, Oboe und Streicherensemble, während Beethoven ein Tripelkonzert für Violine, Cello, Klavier und Orchester geschrieben hat.

Im 20. Jahrhundert wurde die Geige in verschiedenen modernen Musikstilen eingesetzt. Die frühesten Hinweise auf die Verwendung der Geige als Soloinstrument im Jazz sind in den frühen Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts dokumentiert. Einer der ersten Jazzgeiger war Joe Venuti, der mit dem renommierten Gitarristen Eddie Lang auftrat.

Die Geige wird aus mehr als 70 verschiedenen Holzteilen zusammengesetzt, aber die Hauptschwierigkeit bei der Herstellung liegt in der Biegung und Verarbeitung des Holzes. In einem Fall können bis zu 6 verschiedene Holzarten vorhanden sein, und die Meister experimentierten ständig mit immer neuen Optionen - Pappel, Birne, Akazie, Walnuss. Als bestes Material gilt ein Baum, der in den Bergen gewachsen ist, da er extremen Temperaturen und Feuchtigkeit standhält. Die Saiten bestehen aus Adern, Seide oder Metall. Meistens macht der Meister:

1. Resonante Fichtendecke.
2. Hals, Boden, Ahorn-Curl.
3. Nadel-, Erlen-, Linden-, Mahagonireifen.
4. Nadelholzflecken.
5. Hals aus Ebenholz.
6. Kinnhalter, Wirbel, Knopf, Balg aus Buchsbaum, Ebenholz oder Palisander.

Manchmal verwendet der Meister andere Holzarten oder ändert die oben dargestellten Optionen nach eigenem Ermessen. Die klassische Orchestergeige hat 4 Saiten: von der „baskischen“ (Salz einer kleinen Oktave) bis zur „fünften“ (mi der zweiten Oktave). Bei einigen Modellen kann auch eine fünfte Altsaite hinzugefügt werden.

Verschiedene Meisterschulen sind durch Knoten, Reifen und eine Locke gekennzeichnet. Die Locke sticht besonders hervor. Es kann bildlich als "das Gemälde des Autors" bezeichnet werden.

Von erheblicher Bedeutung ist der Lack, der die Holzteile bedeckt. Es verleiht dem Produkt einen goldenen bis sehr dunklen Farbton mit rötlichem oder braunem Schimmer. Es hängt vom Lack ab, wie lange das Instrument "lebt" und ob sein Klang unverändert bleibt.

Wussten Sie, dass sich viele Legenden und Mythen um die Geige ranken? Schon in der Musikschule wird den Kindern eine alte Legende über einen Cremoneser Meister und Zauberer erzählt. Lange versuchten sie, das Geheimnis des Klangs der Instrumente der berühmten Meister Italiens zu lüften. Es wird angenommen, dass die Antwort in einem speziellen Beschichtungslack liegt, der sogar von der Stradivari-Geige abgewaschen wurde, um dies zu beweisen, aber alles umsonst.

Die Geige wird normalerweise mit einem Bogen gespielt, mit Ausnahme der Pizzicato-Technik, die durch Zupfen der Saite gespielt wird. Der Bogen hat einen Holzboden und darüber straff gespanntes Rosshaar, das vor dem Spielen mit Kolophonium eingerieben wird. Normalerweise ist es 75 cm lang und wiegt 60 Gramm.

Derzeit gibt es verschiedene Arten dieses Instruments - eine hölzerne (akustische) und eine elektrische Geige, deren Klang wir dank eines speziellen Verstärkers hören. Eines bleibt unverändert - das ist ein überraschend weicher, melodiöser und faszinierender Klang dieses Musikinstruments mit seiner Schönheit und Wohlklang.

Maße

Neben der Standard-Ganzgeige in voller Größe (4/4) gibt es kleinere Instrumente für den Unterricht von Kindern. Die Geige "wächst" mit dem Schüler. Sie beginnen das Training mit den kleinsten Geigen (1/32, 1/16, 1/8), deren Länge 32-43 cm beträgt.

Abmessungen einer kompletten Geige: Länge - 60 cm, Korpuslänge - 35,5 cm, Gewicht ca. 300 - 400 Gramm.

Streiche beim Geigenspiel

Berühmt ist die Geigenschwingung, die mit einer satten Klangwelle in die Seele der Zuhörer eindringt. Der Musiker kann die Klänge nur geringfügig anheben und absenken, was eine noch größere Vielfalt und Breite der Klangpalette in das musikalische Spektrum bringt. Bekannt ist auch die Glissando-Technik, bei dieser Spielweise nutzt man das Fehlen von Bünden auf dem Griffbrett.

Indem der Geiger die Saite nicht fest zusammendrückt, sie leicht berührt, extrahiert der Geiger kalte, pfeifende Originaltöne, die an den Klang einer Flöte erinnern (harmonisch). Es gibt Obertöne, bei denen 2 Finger des Spielers beteiligt sind, eine Quart oder Quint voneinander entfernt, sie sind besonders schwierig zu spielen. Die höchste Kategorie der Fähigkeit ist die Leistung von Flageoletts in einem schnellen Tempo.

Auch Geiger wenden solche interessanten Spieltechniken an:

• Col Legno - mit einem Bogenblatt auf die Saiten schlagen. Dieser Ansatz wird in verwendet „Tanz des Todes“ von Saint-Saëns um den Klang tanzender Skelette zu simulieren.
• Sul ponticello - Das Spielen mit einem Bogen auf einem Ständer erzeugt einen bedrohlichen, zischenden Klang, der für negative Charaktere charakteristisch ist.
• Sul tasto - Spiel mit einem Bogen auf dem Griffbrett. Erzeugt einen sanften, ätherischen Klang.
• Ricochet - wird ausgeführt, indem der Bogen mit einem freien Rückprall auf die Sehne geworfen wird.

Ein weiterer Trick ist die Verwendung einer Stummschaltung. Dies ist ein Kamm aus Holz oder Metall, der die Vibration der Saiten reduziert. Dank des Dämpfers macht die Geige weiche, dumpfe Töne. Eine ähnliche Technik wird oft verwendet, um lyrische, emotionale Momente zu spielen.

Auf der Geige können Sie Doppelnoten, Akkorde und polyphone Werke spielen, aber meistens wird ihre vielseitige Stimme für Soloparts verwendet, da die große Vielfalt an Klängen und ihren Schattierungen ihr Hauptvorteil ist.

Die Entstehungsgeschichte der Violine

Bis vor kurzem galt sie als Urahn der Geige Viola Es hat sich jedoch erwiesen, dass dies zwei völlig unterschiedliche Werkzeuge sind. Ihre Entwicklung im XIV-XV Jahrhundert verlief parallel. Gehörte die Bratsche zum Adel, so kam die Geige aus dem Volk. Meistens wurde es von Bauern, Wanderkünstlern, Minnesängern gespielt.

Dieses ungewöhnlich vielfältig klingende Instrument kann als seine Vorgänger bezeichnet werden: die indische Leier, der polnische Geiger (Rebeca), der russische Geiger, der arabische Rebab, der britische Maulwurf, der kasachische Kobyz, der spanische Fidel. Alle diese Instrumente könnten die Urahnen der Geige sein, da jedes von ihnen als Geburtsstunde der Saitenfamilie diente und sie mit ihren eigenen Verdiensten belohnte.

Der Einzug der Geige in die High Society und die Abrechnung unter den aristokratischen Instrumenten beginnt 1560, als Karl IX. beim Saitenmacher Amati 24 Geigen für seine Palastmusikanten bestellte. Einer von ihnen hat bis heute überlebt. Dies ist die älteste Geige der Welt, sie heißt "Charles IX".

Die Herstellung von Geigen, wie wir sie heute sehen, wird von zwei Häusern bestritten: Andrea Amati und Gasparo de Solo. Einige Quellen behaupten, dass die Palme Gasparo Bertolotti (Amatis Lehrer) gegeben werden sollte, dessen Musikinstrumente später vom Amati-Haus perfektioniert wurden. Sicher ist nur, dass dies im 16. Jahrhundert in Italien geschah. Ihre Nachfolger waren wenig später Guarneri und Stradivari, die den Geigenkorpus leicht vergrößerten und größere Löcher (efs) für einen kräftigeren Klang des Instruments herstellten.

Ende des 17. Jahrhunderts versuchten die Briten, dem Design der Geige Bünde hinzuzufügen, und gründeten eine Schule, um das Spielen eines ähnlichen Instruments zu unterrichten. Aufgrund erheblicher Klangeinbußen wurde diese Idee jedoch schnell verworfen. Geigenvirtuosen wie Paganini, Lolli, Tartini und die meisten Komponisten, insbesondere Vivaldi, waren die glühendsten Verfechter des freien Spielstils mit sauberem Hals.

Violine

Ein Saitenmusikinstrument ist ein Musikinstrument, bei dem die Schallquelle (Vibrator) Saitenschwingungen sind. Im Hornbostel-Sachs-System heißen sie Chordophone. Typische Vertreter der Saiteninstrumente sind Kobyz, Dombyra, Violine, Cello, Viola, Kontrabass, Harfe und Gitarre, Gusli, Balalaika und Domra etc. Arten von Streichinstrumenten[Bearbeiten | Quelle bearbeiten]

Siehe auch voll Liste der Saiteninstrumente.

Alle Saiteninstrumente übertragen die Schwingungen einer oder mehrerer Saiten über ihren Korpus (bzw. bei elektronischen Instrumenten über den Tonabnehmer) in die Luft. Normalerweise werden sie nach der Technik des "Startens" von Schwingungen in der Saite unterteilt. Die drei gebräuchlichsten Techniken sind die Prise, der Bogen und der Schlag.

gebeugt (saitenbetont) Musikinstrumente - eine Gruppe von Musikinstrumenten mit Tonerzeugung, die hauptsächlich beim Bogen entlang gespannter Saiten ausgeführt wird. Es gibt eine große Anzahl von volkstümlichen Streichinstrumenten. Im modernen akademischen Musizieren werden vier Streichinstrumente verwendet:

Die Gruppe der Streichinstrumente gilt als Basis des Sinfonieorchesters und ist in fünf Teile gegliedert:

Erste Geigen

Zweite Geigen

Celli

Kontrabässe.

Gelegentlich wird eine Stimme für das Streichinstrument mit der tiefsten Saite ausgeschrieben - den Octobaß

Der Tonumfang der gesamten Bogengruppe umfasst fast sieben Oktaven von der Gegenoktave bis zur Quintoktave.

Gebogene Bögen wurden gegen Ende des 17. Jahrhunderts geformt und verbessert, erst der Bogen in seiner modernen Form erschien gegen Ende des 18. Jahrhunderts. Trotz der klanglichen Unterschiede zwischen den einzelnen Instrumenten der Gruppe klingen sie in der Masse einheitlich. Dies liegt an der Einheit des Designs und dem allgemeinen Prinzip der Schallextraktion.

Die Klangquelle für alle Instrumente sind die Saiten, die mit dem Korpus des Instruments in Resonanz treten und Schwingungen durch die Luft auf den Zuhörer übertragen. Der Ton wird durch einen Bogen erzeugt ( Bogen) oder Finger ( Pizzicato)

Ein Handwerker, der sich mit der Herstellung und Reparatur von Streichinstrumenten befasst, wird Geigenbauer oder Geigenbauer genannt Meister der Streichinstrumente.

Die Geige ist ein hohes Saitenmusikinstrument. Es hat einen volkstümlichen Ursprung, erhielt im 16. Jahrhundert ein modernes Aussehen und wurde im 17. Jahrhundert weit verbreitet. Hat vier Saiten, die in Quinten gestimmt sind: g, d 1 ,a 1 , z 2 (Salz einer kleinen Oktave, re, la der ersten Oktave, mi der zweiten Oktave), reichen von g(Salz einer kleinen Oktave) zu a 4 (eine vierte Oktave) und höher. Das Timbre der Geige ist dick im tiefen Register, weich in der Mitte und brillant in der Höhe. Es gibt auch fünfsaitige Violinen, wobei die untere Altsaite "c" oder do (bis zu einer kleinen Oktave) hinzugefügt wird. Herkunft und Geschichte[Bearbeiten | Quelle bearbeiten]

Fidel. Detail des Altars der Kirche St. Zacharias, Venedig, Giovanni Bellini, 1505.

Miniatur "David der Psalmist" (Ausschnitt). Godunow-Psalter, 1594

"Stammbaum" der Entstehung der modernen Violine. Encyclopædia Britannica, 11. Aufl.

Die Vorfahren der Violine waren die arabische Rebarab, die spanische Fidel, die britische Crotta, deren Zusammenschluss die Viola bildete, daher der italienische Name für die Violine, violino, sowie das slawische Viersaiteninstrument des fünften Systems j und g a (daher der deutsche Name für die Geige - geige). Als Volksinstrument war die Geige vor allem in Polen, der Ukraine, Rumänien, Istrien und Dalmatien (heute Jugoslawien) weit verbreitet. Der mehrere Jahrhunderte andauernde Kampf zwischen der Adelsgambe und der Volksgeige endete mit einem Sieg der letzteren. Mitte des 16. Jahrhunderts nahm in Norditalien der moderne Geigenbau Gestalt an. Gaspar Bartolometti da Salo (ca. 1542-1609) - der Gründer der Meisterschule in Bresci und Andrea Amati (1535-ca. 1611) - der Gründer der Cremoneser Schule.] . Geigenformen wurden im 16. Jahrhundert etabliert; Berühmte Geigenbauer, die Familie Amati, gehen auf dieses Jahrhundert und den Beginn des 17. Jahrhunderts zurück. Ihre Instrumente sind von ausgezeichneter Form und ausgezeichnetem Material. Im Allgemeinen war Italien berühmt für die Herstellung von Geigen, unter denen die Stradivari- und Guarneri-Geigen derzeit hoch geschätzt werden.

Die Geige ist seit dem 17. Jahrhundert ein Soloinstrument. Die ersten Werke für Violine sind: „Romanesca per violino solo e basso“ von Biagio Marini (1620) und „Capriccio stravagante“ seines Zeitgenossen Carlo Farina. Arcangelo Corelli gilt als Begründer des künstlerischen Geigenspiels; dann folgen Torelli, Tartini, Pietro Locatelli (1693-1764), ein Schüler von Corelli, der die Bravura-Geigenspieltechnik entwickelte.

Seit der 2. Hälfte des 19. Jahrhunderts ist es unter den Tataren weit verbreitet. Seit dem 20. Jahrhundert ist es im Musikleben der Baschkiren zu finden.

Alt(Englisch und Italienisch) Viola, fr. Alt, Deutsch Bratsche) oder Bratsche Violine- Musikinstrument mit Saitenbogen, ähnlich wie ein Funke, aber etwas größer, wodurch es in einer niedrigeren Tonlage klingt. Die Bratschensaiten sind eine Quint unter der Geige und eine Oktave über dem Cello gestimmt - c, g, d 1 ,a 1 (do, Salz einer kleinen Oktave, re, la der ersten Oktave). Der häufigste Bereich ist von c(bis zu einer kleinen Oktave) bis zu e 3 (mi der dritten Oktave), in Solowerken können höhere Töne verwendet werden. Die Noten sind in Alt- und Violinschlüssel geschrieben. Die Bratsche gilt als das früheste heute existierende Streichinstrument. Die Zeit seines Erscheinens wird der Wende des XV-XVI Jahrhunderts zugeschrieben. Bratschenspieltechniken unterscheiden sich geringfügig von Geigenspieltechniken in Bezug auf Klangerzeugung und Technik, jedoch ist die Spieltechnik selbst aufgrund der größeren Größe etwas eingeschränkter und infolgedessen die Notwendigkeit, die Finger der linken Seite stärker zu strecken Hand. Das Timbre der Viola ist weniger hell als das der Violine, aber dick, matt, samtig in der unteren Lage, etwas nasal in der oberen. Eine solche Klangfarbe der Bratsche ist eine Folge der Tatsache, dass die Abmessungen ihres Körpers („Resonatorkasten“) nicht ihrer Formation entsprechen: mit einer optimalen Länge von 46–47 Zentimetern (solche Bratschen wurden von alten Meistern der italienischen Schulen), hat ein modernes Instrument eine Länge von 38 bis 43 Zentimetern [ Quelle nicht angegeben 1220 Tage] . Größere Bratschen, die sich den klassischen annähern, werden hauptsächlich von Solospielern mit stärkeren Händen und entwickelter Technik gespielt.

Als Soloinstrument wurde die Bratsche aufgrund des kleinen Repertoires bisher relativ selten eingesetzt. In unserer Zeit sind jedoch viele sehr gute Bratschisten aufgetreten, darunter Yuri Bashmet, Kim Kashkashyan, Yuri Kramarov und andere. Das Haupteinsatzgebiet der Bratschen sind jedoch die Sinfonie- und Streichorchester, wo ihnen in der Regel mittlere Stimmen, aber auch solistische Episoden anvertraut werden. Die Bratsche ist ein obligatorisches Mitglied des Streichquartetts und wird häufig in anderen Kammermusikkompositionen wie Streichtrio, Klavierquartett, Klavierquintett usw. verwendet.

Traditionell wurden sie nicht von Kindesbeinen an Bratschisten, sondern wechselten erst im reiferen Alter (am Ende der Musikschule, beim Eintritt ins College oder Konservatorium) zu diesem Instrument. Zur Bratsche bewegen sich meist groß gebaute Geiger mit großen Händen und einer weiten Schwingung. Einige bekannte Musiker kombinierten erfolgreich Violin- und Viola-Auftritte, wie Niccolò Paganini und David Oistrach.

Cello(ital. Violoncello, Abk. Cello, Deutsch Violoncello, fr. Violoncelle, Englisch Cello) - ein aus der ersten Hälfte des 16. Das Cello verfügt über breite Ausdrucksmöglichkeiten und eine sorgfältig entwickelte Spieltechnik, es wird als Solo-, Ensemble- und Orchesterinstrument eingesetzt. Das Erscheinen des Cellos geht auf den Beginn des 16. Jahrhunderts zurück. Ursprünglich wurde es als Bassinstrument zur Gesangsbegleitung oder zum Spielen eines Instruments höherer Lage verwendet. Es gab zahlreiche Varianten des Cellos, die sich in Größe, Saitenanzahl und Stimmung unterschieden (die gebräuchlichste Stimmung war ein Ton tiefer als die moderne).

Im 17.-18. Jahrhundert schufen die Bemühungen der herausragenden musikalischen Meister der italienischen Schulen (Nicolo Amati, Giuseppe Guarneri, Antonio Stradivari, Carlo Bergonzi, Domenico Montagnana usw.) ein klassisches Cellomodell mit einer fest etablierten Korpusgröße. Ende des 17. Jahrhunderts erschienen die ersten Solowerke für Cello – Sonaten und Ricercars von Giovanni Gabrieli. Mitte des 18. Jahrhunderts wurde das Cello aufgrund seines helleren, volleren Klangs und der verbesserten Aufführungstechnik als Konzertinstrument eingesetzt und verdrängte schließlich die Viola da Gamba aus der Musikpraxis. Das Cello ist auch Teil des Sinfonieorchesters und der Kammerensembles. Die endgültige Anerkennung des Cellos als eines der führenden Instrumente in der Musik erfolgte im 20. Jahrhundert durch die Bemühungen des herausragenden Musikers Pablo Casals. Die Entwicklung von Spielschulen auf diesem Instrument hat zur Entstehung zahlreicher virtuoser Cellisten geführt, die regelmäßig Solokonzerte geben.

Das Cello-Repertoire ist sehr breit und umfasst zahlreiche Konzerte, Sonaten, unbegleitete Kompositionen.

Viola da gamba(ital. Gambe - Fuß Bratsche) ist ein altes Streichinstrument aus der Familie der Gamben, das in Größe und Tonumfang dem modernen Cello ähnelt. Die Viola da Gamba wurde im Sitzen gespielt, wobei das Instrument zwischen den Beinen gehalten oder seitlich auf den Oberschenkel gelegt wurde, daher der Name.

Von der gesamten Familie der Gamben behielt die Viola da Gamba am längsten ihre Bedeutung: Viele Werke der bedeutendsten Autoren der Mitte des 18. Jahrhunderts wurden für sie geschrieben. Allerdings wurden diese Partien bereits Ende des Jahrhunderts auf dem Cello aufgeführt. Goethe nannte Karl Friedrich Abel den letzten Gambenvirtuosen. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts belebten authentische Interpreten die Viola da Gamba wieder: Der erste moderne Gambist war Christian Döbereiner, der 1905 mit der Aufführung von Abels Sonate in dieser Funktion debütierte.

Kontrabass(ital. Kontrabass oder ss))) - das größte (ca. zwei Meter hoch) und klanglich niedrigste der weit verbreiteten Streichinstrumente, das die Merkmale der Geigenfamilie und der Gambenfamilie vereint (Viola da GAMBA-Familie, Viola da GAMBA) .. Es hat vier Saiten, die in Quarten gestimmt sind: E 1 , A 1 , D, G (mi, la Gegenoktave, re, Oktavsalz), Bereich von E 1 (mi Gegenoktave) bis g 1 (Salz der erste Oktave) und höher. Der echte Kontrabass wurde erstmals 1566 in einem Buch erwähnt. Der Autor dieses Buches hat fälschlicherweise eine Geige gezeichnet. Dann kam ihm die Idee, dass es möglich ist, ein solches Werkzeug zu erstellen. Der Autor dieses Buches ist den modernen Menschen nicht bekannt, aber es ist bekannt, dass das Buch in Zentralasien geschrieben wurde, als Europa den Bewohnern dieser Länder repräsentiert wurde. Bald wurde die Idee eines neuen Instruments nach Europa getragen. Damals war Europa der ärmste Ort auf der ganzen Welt. Die Kontrabassgambe gilt als Vorläufer des modernen Kontrabasses. Sie hatte fünf Saiten gestimmt D 1 , E 1 , EIN 1 , D, G(re, mi, la big, re, Salz einer kleinen Oktave) und, wie die meisten Bratschen, Bünde auf dem Griffbrett. Mitte des 17. Jahrhunderts entwarf der italienische Meister Michele Todini darauf basierend ein neues Instrument, das die fünfte (tiefste) Saite und die Bünde nicht hatte, aber die Form des Körpers blieb („Schultern“ - Teile des Körpers). neben dem Griffbrett - der Kontrabass hat immer noch eine stärkere Neigung als die der Instrumente der Geigenfamilie) und ein viertes System (unter den modernen Streichinstrumenten ist der Kontrabass das einzige, das es hat).

Im Orchester kam das neue Instrument erstmals 1699 in Giuseppe Aldrovandinis Oper „Cäsar von Alexandria“ zum Einsatz, dann aber lange nicht mehr (Bassstimmen wurden von Cellos und tiefen Gamben vorgetragen). Erst ab Mitte des 18. Jahrhunderts wurde der Kontrabass zum obligatorischen Orchestermitglied und verdrängte die Bassgamben daraus. Gleichzeitig traten die ersten Kontrabass-Virtuosen auf, die Solokonzerte gaben – insbesondere Domenico Dragonetti erlangte bedeutende europäische Berühmtheit. Für die Bequemlichkeit des Solospiels entwarfen die Meister einen dreisaitigen Kontrabass, dessen Saiten in Quinten gestimmt waren ( G 1 , D, A- Salz der Kontraoktave, re, la einer großen Oktave, dh eine Oktave unter dem Cello, aber ohne Saite Vor) oder Quart ( EIN 1 , D, G- la Counteroctave, re, Salz einer großen Oktave). Mit der Entwicklung der Aufführungstechnik wurde es möglich, virtuose Kompositionen auf einem herkömmlichen viersaitigen Orchesterinstrument aufzuführen, und dreisaitige Kontrabässe wurden nicht mehr verwendet. Für einen helleren Klang in Solowerken wird die Kontrabassstimmung manchmal um einen Ton angehoben (das ist die „Solostimmung“).

Auf der Suche nach Möglichkeiten, tiefere Töne zu erhalten, baute der französische Meister Jean-Baptiste Vuillaume im 19. Jahrhundert einen vier Meter hohen Kontrabass, den er „Oktobass“ nannte, aber aufgrund seiner enormen Größe war dieses Instrument keiner weit verbreitet. Moderne Kontrabässe können entweder eine fünfte Saite haben, auf die gestimmt ist C 1 (bis zur Gegenoktave) oder durch einen speziellen Mechanismus, der die tiefste Saite „verlängert“ und es Ihnen ermöglicht, zusätzliche tiefere Töne zu erhalten.

Die Entwicklung des Solospiels auf dem Kontrabass in der Neuzeit ist vor allem mit dem Schaffen von Giovanni Bottesini und Franz Siemandl Ende des 19. Jahrhunderts verbunden. Ihre Bemühungen brachten die Virtuosen des frühen 20. Jahrhunderts auf eine neue Ebene - insbesondere Sergey Koussevitzky und Adolf Mishek.