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ästhetische schönheit kunst

Einführung

1. Ästhetik als philosophische Wissenschaft

2. Ästhetische Vorstellungen der Völker des Alten Orients

3. Antikes ästhetisches Denken

4. Ästhetik des Mittelalters

5. Ästhetische Lehren der Renaissance

6. Ästhetik der neuen Zeit

7. Ästhetische Ideen der deutschen klassischen Philosophie

8. Nichtklassische Konzepte der westeuropäischen Ästhetik

Einführung

Die Möglichkeit, das menschliche Schicksal mit der Schönheit in Kontakt zu bringen, ist eine der erstaunlichsten Gelegenheiten, die die wahre Freude an der Kommunikation mit der Welt, die Erhabenheit des Daseins offenbaren kann. Doch diese Chance des Seins bleibt oft unbeansprucht, vertan. Und das Leben wird gewöhnlich grau, eintönig, unattraktiv. Warum passiert das?

Das Verhalten natürlicher Wesen ist durch die Struktur ihres Organismus vorgegeben. Jedes Tier wird also bereits mit einer Reihe von Instinkten auf die Welt geboren, die die Anpassungsfähigkeit an die Umwelt gewährleisten. Das Verhalten von Tieren ist fest programmiert, sie haben den „Sinn“ ihres eigenen Lebens.

Diese angeborene Verhaltenssicherheit hat der Mensch nicht, da in jedem Individuum die Möglichkeit zur unbegrenzten (sowohl positiven als auch negativen) Entwicklung steckt. Daraus erklärt sich die unerschöpfliche Vielfalt individueller Verhaltensweisen, die Unberechenbarkeit jedes Einzelnen. Wie Montaigne feststellte, gibt es weniger Ähnlichkeiten zwischen zwei Vertretern der menschlichen Rasse als zwischen zwei Tieren.

Mit anderen Worten, wenn ein Individuum geboren wird, befindet es sich sofort in einer unsicheren Situation für sich selbst. Trotz der reichsten Neigungen sagen Ihnen seine Gene nicht, wie Sie sich verhalten, wonach Sie streben, was Sie vermeiden, was Sie in dieser Welt lieben, was Sie hassen, wie Sie wahre Schönheit von falsch unterscheiden sollen usw. Gene schweigen über das Wichtigste, sich an jedes Verhalten anzupassen. Wie wird eine Person mit ihren Fähigkeiten umgehen? Wird das Licht der Schönheit in seinem Kopf aufblitzen? Wird er dem Druck der hässlichen Basis widerstehen können?

Es war die Anziehungskraft des Schönen und gleichzeitig der Wunsch eines Menschen, den zerstörerischen Einfluss der Basis zu überwinden, die zu einem der wichtigsten Gründe für die Entstehung einer speziellen Schönheitswissenschaft wurde.

Um die wachsende Relevanz ästhetischer Fragen zu verstehen, ist es notwendig, einige Merkmale der technogenen Entwicklung zu beachten. Die moderne Gesellschaft ist mit dem gefährlichsten Trend in der gesamten Menschheitsgeschichte konfrontiert: dem Widerspruch zwischen der globalen Natur des wissenschaftlichen und technologischen Starts und den Einschränkungen des menschlichen Bewusstseins, der zu einer allgemeinen Katastrophe führen kann.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts wurden kolossale spirituelle, wissenschaftliche und technische Erfahrungen gesammelt. Die Ideen von Humanismus, Freundlichkeit, Gerechtigkeit und Schönheit wurden weithin anerkannt. Alle Formen des Bösen wurden aufgedeckt und ein ganzes spirituelles Universum wurde geformt, das Schönheit kultivierte.

Aber die Weltgemeinschaft ist nicht klüger, harmonischer und menschlicher geworden. Und umgekehrt. Es stellte sich heraus, dass die Zivilisation des 20. Jahrhunderts in die massivsten Verbrechen verwickelt war und grundlegende Arten der Existenz replizierte. Zahlreiche hässliche gesellschaftliche Umwälzungen, extreme Äußerungen sinnloser Grausamkeiten im gesamten 20. Jahrhundert zerstörten den Glauben an den Menschen, ein optimistisches Persönlichkeitsbild. Schließlich wurden in dieser Zeit Millionen von Menschen zerstört. Scheinbar unerschütterliche Säulen jahrhundertealter kultureller Werte wurden vom Antlitz der Erde getilgt.

Eine der auffälligsten Tendenzen des vergangenen Jahrhunderts hängt mit der Verschärfung des tragischen Weltbildes zusammen. Selbst in wirtschaftlich stabilen Ländern nimmt die Zahl der Suizide stetig zu, Millionen Menschen leiden unter verschiedenen Formen von Depressionen. Die Erfahrung persönlicher Harmonie wird zu einem fragilen, unsicheren, eher seltenen Zustand, zu dem es immer schwieriger wird, im Strom des universellen menschlichen Chaos zu durchbrechen.

Reflexionen über die Zufälligkeit, Ungewissheit, Chaotik der menschlichen Existenz, die wachsende Skepsis gegenüber der Suche nach verlässlichen semantischen Leitlinien und der Entdeckung wahrer Schönheit werden zum dominierenden Motiv der Kultur.

Warum ist die Bewegung des Menschen in Zeit und Raum so tragisch? Ist es möglich, wachsende störende Symptome im menschlichen Leben zu überwinden? Und vor allem, auf welchen Wegen findet nachhaltige Harmonie statt?

Die häufigste Geisteskrankheit ist das Herausfallen aus der Welt der Schönheit. Tatsache ist, dass eine Person oft Glück sucht, indem sie den äußeren Raum beherrscht, nach Reichtum, Macht, Ruhm und physiologischen Freuden sucht. Und auf diesem Weg kann er gewisse Höhen erreichen. Sie sind jedoch nicht in der Lage, anhaltende Angst, Angst, zu überwinden, weil der Glaube an die unbegrenzte Macht des Geldes zu groß ist und infolgedessen der tiefe Kontakt mit der heiligen Grundlage des Seins - Schönheit - verloren geht.

Und in diesem Sinne kann die Ästhetik als Wissenschaft über die Schönheit, über den unerschöpflichen Reichtum und die Paradoxie ihrer Manifestationen in der Weltkultur zum wichtigsten Faktor der Humanisierung des Individuums werden. Und so besteht die Hauptaufgabe der Ästhetik darin, die allumfassende Phänomenalität des Schönen zu offenbaren, die Wege der Harmonisierung eines Menschen zu begründen, um ihn in der Welt der unentrinnbaren Schönheit und Kreativität zu verwurzeln. Als F. M. Dostojewski: "Ästhetik ist die Entdeckung schöner Momente in der menschlichen Seele durch dieselbe Person zur Selbstverbesserung."

1. EÄsthetik als philosophische Wissenschaft

Ästhetik ist ein System des Wissens über die allgemeinsten Eigenschaften und Entwicklungsgesetze von schönen und hässlichen, erhabenen und niederen, tragischen und komischen Phänomenen der Realität und den Merkmalen ihrer Widerspiegelung im menschlichen Geist. Ästhetik ist eine philosophische Wissenschaft, die mit der Lösung der Hauptfrage der Philosophie verbunden ist. In der Ästhetik erscheint sie als Frage nach dem Verhältnis des ästhetischen Bewusstseins zur Wirklichkeit.

Das Thema Ästhetik

Es entstand im Prozess der jahrhundertealten Entwicklung des ästhetischen Denkens auf der Grundlage einer Verallgemeinerung der Praxis der ästhetischen Einstellung der Menschen zu den Produkten ihrer Tätigkeit, zu Kunstwerken, zur Natur, zum Menschen selbst. Viele der Fragen, die die Ästhetik heute erforscht, beschäftigen die Menschheit schon lange; sie wurden von den alten Griechen vor sich hingestellt, und vor den Griechen dachten die Denker Ägyptens, Babylons, Indiens und Chinas an sie.

Der Name der Wissenschaft - Ästhetik - wurde jedoch erst Mitte des 18. Jahrhunderts von dem deutschen Philosophen in Umlauf gebracht Baumgarten. Vor ihm wurden Fragen der Ästhetik im Rahmen allgemeiner philosophischer Konzepte als deren organischer Teil betrachtet. Und nur dieser deutsche Aufklärer hat die Ästhetik im Rahmen der Philosophie als eigenständige Disziplin herausgehoben, die einen Platz neben anderen philosophischen Disziplinen einnimmt – Logik, Ethik, Erkenntnistheorie und so weiter. Baumgarten leitete den Begriff „Ästhetik“ von einem altgriechischen Wort ab, das „das Sinnliche betreffen“ bedeutet. Dementsprechend ist seine Ästhetik die Wissenschaft der sinnlichen Wahrnehmung. Das Thema Ästhetik und damit der Inhalt dieses Begriffs hat sich seither ständig verändert. Heute ist das Thema dieser Wissenschaft: erstens die Natur des Ästhetischen, dh die allgemeinsten Merkmale, Aspekte, die verschiedenen ästhetischen Objekten der Realität innewohnen; zweitens die Art der Widerspiegelung dieser Phänomene im menschlichen Geist, in ästhetischen Bedürfnissen, Wahrnehmungen, Ideen, Idealen, Ansichten und Theorien; drittens die Natur der ästhetischen Tätigkeit der Menschen als Prozess der Schaffung ästhetischer Werte.

Das Wesen und die Besonderheit der ästhetischen Einstellung zur Welt

Die ästhetische Beziehung ist die spirituelle Verbindung des Subjekts mit dem Objekt, basierend auf einem uneigennützigen Verlangen nach letzterem und begleitet von einem Gefühl tiefer spiritueller Freude durch die Kommunikation mit ihm.

Ästhetische Objekte entstehen im Prozess der sozialgeschichtlichen Praxis: zunächst spontan und dann in Übereinstimmung mit den aufkommenden ästhetischen Gefühlen, Bedürfnissen, Ideen, im Allgemeinen dem ästhetischen Bewusstsein der Menschen. Von ihr geleitet, formt der Mensch die „Substanz“ der Natur nach den Gesetzen der ästhetischen Tätigkeit. Infolgedessen erscheinen die von ihm geschaffenen Objekte, zum Beispiel Werkzeuge, als Einheit der natürlichen und sozialen Aspekte, eine Einheit, die als ästhetischer Wert nicht nur die materiellen, nützlichen, sondern auch die spirituellen Bedürfnisse befriedigen kann von Leuten.

Gleichzeitig kann sich derselbe Gegenstand in einer Hinsicht als ästhetisch wertvoll erweisen, zum Beispiel schön, und in einer anderen als ästhetisch anti-wertvoll. Zum Beispiel kann eine Person als Objekt ästhetischer Einstellung eine schöne Stimme und ein hässliches Aussehen haben. Außerdem kann dasselbe ästhetische Objekt in derselben Hinsicht sowohl wertvoll als auch anti-wertvoll sein, aber zu unterschiedlichen Zeiten. Die Tatsache, dass ein ästhetisches Objekt eine relative ästhetische Bedeutung hat, wird auch durch die Polarität der ästhetischen Hauptkategorien (schön und hässlich, erhaben und niedrig, tragisch und komisch) belegt.

Problemfeld und methodische Grundlage der Ästhetik

Einer der modernen Ansätze, das Thema Ästhetik als Wissenschaft zu betrachten, besteht darin, dass das Problemfeld der Ästhetik keine spezielle Sphäre von Phänomenen ist, sondern die ganze Welt unter einem bestimmten Blickwinkel betrachtet, alle Phänomene im Lichte der Aufgabe, die diese darstellt Wissenschaft löst. Die Hauptfragen dieser Wissenschaft sind das Wesen des Ästhetischen und seine Vielfalt in der Realität und in der Kunst, die Prinzipien der ästhetischen Einstellung des Menschen zur Welt, das Wesen und die Gesetze der Kunst. Die Ästhetik als Wissenschaft drückt das System der ästhetischen Sichtweisen der Gesellschaft aus, die das ganze Gesicht der materiellen und geistigen Aktivität der Menschen prägen.

Dies betrifft zunächst die Position, dass ästhetische Phänomene in ihrer endgültigen Qualität ganzheitlich betrachtet werden müssen. Denn in einer ganzheitlichen, finalen Qualität manifestiert sich die Einheit der objektiven und subjektiven Bedingung ästhetischer Phänomene.

Die Umsetzung dieses methodischen Prinzips beginnt mit der Entdeckung der genetischen Wurzeln ästhetischer Phänomene. Der genetische Gesichtspunkt ist das ursprüngliche methodische Prinzip der Ästhetik. Es erklärt, wie ästhetische Phänomene (z. B. Kunst) von der Realität sowie von der Originalität der Persönlichkeit des Autors bestimmt werden. Der genetische Gesichtspunkt ist das wichtigste methodologische Prinzip der Ästhetik, dank dessen der Subjekt-Objekt-Charakter ästhetischer Phänomene berücksichtigt wird.

Struktur der ästhetischen Theorie

Das ästhetische Verhältnis eines Menschen zur Realität ist sehr vielfältig und vielseitig, am deutlichsten manifestiert es sich jedoch in der Kunst. Kunst ist auch Gegenstand der sogenannten kunsthistorischen Wissenschaften (Literaturkritik, Musikwissenschaft, Geschichte und Theorie der bildenden Künste, Theaterwissenschaft etc.). Die Kunstgeschichte besteht aus verschiedenen Wissenschaften (Geschichte und Theorie einzelner Kunstgattungen). Den Komplex aus Theorien einzelner Kunstgattungen und kunsttheoretischen Erkenntnissen nennen manche Ästhetiker die allgemeine Kunsttheorie und grenzen sie von der eigentlichen Ästhetik ab.

Die kunsthistorischen Wissenschaftszweige erfüllen die Funktion wissenschaftlicher Hilfsdisziplinen in Bezug auf die Ästhetik. Damit enden die Hilfsdisziplinen der Ästhetik jedoch nicht. Die gleichen wissenschaftlichen Hilfsdisziplinen sind ihr gegenüber beispielsweise Kunstsoziologie, Kunstpsychologie, Erkenntnistheorie, Semantik usw. Die Ästhetik nutzt die Erkenntnisse vieler wissenschaftlicher Disziplinen, ohne mit ihnen identisch zu sein. Daher wird die Ästhetik aufgrund ihres verallgemeinernden Charakters als philosophische Wissenschaft bezeichnet.

Das spezifische Verhältnis von Ästhetik und Kunst manifestiert sich deutlich in der Kunstkritik. Ästhetik ist die theoretische Grundlage der Kritik; hilft ihr, die Probleme der Kreativität richtig zu verstehen und Aspekte hervorzuheben, die mit der Bedeutung der Kunst für Mensch und Gesellschaft übereinstimmen. Auf der Grundlage ihrer Schlussfolgerungen und Prinzipien, auf der Grundlage etablierter Muster gibt die Ästhetik der Kritik die Möglichkeit, Bewertungskriterien zu erstellen, Kreativität im Hinblick auf aktuelle Anforderungen an die Entwicklung sozialer und wertbezogener Aspekte zu bewerten.

2. Ästhetische Vorstellungen der Völker des Alten Orients

Traditionalismus der alten östlichen Kulturen

Der Übergang vom primitiven Gemeinschaftssystem zur Formation der Sklavenhalter führte zur Bildung einer Reihe mächtiger Zivilisationen des Ostens mit einem hohen Niveau an materieller und spiritueller Kultur.

Zu den Besonderheiten der Entwicklung der alten östlichen Kulturen gehört ein solches Merkmal wie eine Tiefe Traditionalismus. Bestimmte frühe Ideen und Ideen lebten manchmal viele Jahrhunderte und sogar Jahrtausende in den Kulturen des Ostens. Für eine lange Zeit der Existenz der alten Kulturen des Ostens betraf die Entwicklung einzelne Nuancen bestimmter Ideen, und ihre Basis blieb unverändert.

Antikes Ägypten

Die Ägypter erzielten große Erfolge in den Bereichen Astronomie, Mathematik, Ingenieur- und Bauwissenschaften, Medizin, Geschichte, Geographie. Die frühe Erfindung der Schrift trug zur Entstehung origineller Beispiele hochkünstlerischer altägyptischer Literatur bei. Die Entwicklung der Kunst und ihr ehrenvoller Platz in der ägyptischen Kultur schufen die Grundlage für das Erscheinen der ersten in schriftlichen Quellen aufgezeichneten ästhetischen Urteile. Letztere bezeugen, dass die alten Ägypter einen hoch entwickelten Sinn für Schönheit, Schönheit (Nefer) hatten. Wort "nefer" trat der offizielle Titel der Pharaonen ein.

Das alte Ägypten gilt als Geburtsort der Lichtreligion und Lichtästhetik. Das vergötterte Sonnenlicht wurde bei den alten Ägyptern als das höchste Gut und die höchste Schönheit verehrt. Licht und Schönheit werden seit der Antike in der ägyptischen Kultur identifiziert. Die Essenz göttlicher Schönheit wurde oft auf Strahlen reduziert.

Ein weiterer Aspekt der Schönheit, der fast allen alten östlichen Kulturen innewohnt, ist die hohe ästhetische Wertschätzung von Edelmetallen. Gold, Silber, Elektr, Lapislazuli waren im Verständnis der Ägypter die schönsten Materialien. Auf der Grundlage der Vorstellungen der alten Ägypter über das Schöne und das Schöne entstand die Farbe. KanonÄgypter. Es enthielt einfache Farben: weiß, rot, grün. Aber die Ägypter schätzten besonders die Farben Gold und Lapislazuli. „Gold“ galt oft als Synonym für „schön“.

Das künstlerische Denken der Ägypter aus der Antike hat als Ergebnis langer Übung ein entwickeltes Kanonsystem entwickelt: den Kanon der Proportionen, den Farbkanon, den ikonografischen Kanon. Der Kanon ist hier zum wichtigsten ästhetischen Prinzip geworden, das die kreative Tätigkeit des Künstlers bestimmt. Der Kanon spielte eine wichtige Rolle in der Arbeit der altägyptischen Meister und lenkte ihre kreative Energie. Die künstlerische Wirkung in der kanonischen Kunst wurde durch die leichte Variation der Formen innerhalb des kanonischen Schemas erreicht.

Die Ägypter schätzten die Mathematik und wandten ihre Gesetze auf fast alle Bereiche ihrer Tätigkeit an. Für die bildende Kunst entwickelten sie ein System der harmonischen Bildproportionierung. Der Modul dieses Systems war ein numerischer Ausdruck "goldener Schnitt"-- die Zahl 1.618... Da die Proportionen universeller Natur waren, sich auf viele Bereiche der Wissenschaft, Philosophie und Kunst ausbreiteten und von den Ägyptern selbst als Spiegelbild der harmonischen Struktur des Universums wahrgenommen wurden, galten sie als heilig .

Antikes China

Das chinesische ästhetische Denken wurde erstmals unter den Philosophen des 6. bis 3. Jahrhunderts v. Chr. eindeutig identifiziert. e. Ästhetische Konzepte und Begriffe sowie die wesentlichen Bestimmungen der ästhetischen Theorie wurden im alten China auf der Grundlage eines philosophischen Verständnisses der Natur- und Gesellschaftsgesetze entwickelt.

Unter den vielen Schulen und Richtungen gehörte ein besonderer Platz dazu Taoismus und Konfuzianismus . Diese beiden Lehren spielten in der Antike eine führende Rolle und hatten einen entscheidenden Einfluss auf die gesamte spätere Entwicklung der chinesischen Kultur. Sowohl der Taoismus als auch der Konfuzianismus befassten sich mit der Suche nach einem gesellschaftlichen Ideal, aber die Richtung ihrer Suche war eine völlig andere. Der zentrale Teil des Taoismus war die Weltlehre. Alles andere - die Gesellschafts- und Staatslehre, die Erkenntnistheorie, die Kunsttheorie (in ihrer alten Form) - ging von der Weltlehre aus. Im Zentrum der konfuzianischen Philosophie stand ein Mensch in seiner Öffentlichkeitsarbeit, ein Mensch als Basis unerschütterlicher Ruhe und Ordnung, ein ideales Mitglied der Gesellschaft. Mit anderen Worten, im Konfuzianismus haben wir es immer mit einem ethischen und ästhetischen Ideal zu tun, während es für den Taoismus nichts Schöneres gibt als den Kosmos und die Natur, und die Gesellschaft und der Mensch sind so schön, wie sie werden können, wie die Schönheit der objektiven Welt . Die ästhetischen Ansichten von Konfuzius und seinen Anhängern entwickelten sich im Einklang mit ihrer gesellschaftspolitischen Theorie. Schon der Begriff „schön“ (Kann) bei Konfuzius ist es ein Synonym für „gut“, oder es bedeutet einfach äußerlich schön. Im Allgemeinen ist das ästhetische Ideal des Konfuzius eine synthetische Einheit des Schönen, des Guten und des Nützlichen.

3. Antikes ästhetisches Denken

Antike Ästhetik ist ein ästhetischer Gedanke, der sich im antiken Griechenland und Rom vom 6. Jahrhundert v. Chr. bis zum 6. Jahrhundert n. Chr. Entwickelte. Mit mythologischen Ideen als Quelle entsteht, gedeiht und vergeht die antike Ästhetik im Rahmen der Sklavenhalterbildung, die einer der auffälligsten Ausdrucksformen der damaligen Kultur ist.

In der Geschichte der antiken Ästhetik werden folgende Perioden unterschieden: 1) frühe Klassik oder kosmologische Ästhetik (VI-V Jahrhunderte v. Chr.); 2) mittlere Klassik oder anthropologische Ästhetik (5. Jahrhundert v. Chr.); 3) hohe (reife) Klassiker oder eidologische Ästhetik (V-IV Jahrhunderte v. Chr.); 4) früher Hellenismus (IV-I Jahrhunderte v. Chr.); 5) Späthellenismus (I-VI Jahrhunderte n. Chr.).

Kosmologismus als Grundlage der antiken Ästhetik

Für ästhetische Vorstellungen wie auch für das gesamte Weltbild der Antike ist ein betonter Kosmologismus charakteristisch. Der Kosmos wirkte aus Sicht der Alten zwar räumlich begrenzt, aber durch Harmonie, Proportion und Regelmäßigkeit der Bewegung darin ausgezeichnet, als Verkörperung der Schönheit. Die Kunst war in der Frühzeit des antiken Denkens noch nicht vom Handwerk getrennt und fungierte nicht als durchgängiges ästhetisches Objekt. Kunst war für die Griechen eine produktive und technische Tätigkeit. Daher die unauflösliche Einheit der praktischen und rein ästhetischen Einstellung zu Gegenständen und Erscheinungen. Nicht umsonst hat das Wort „techne“, mit dem die Griechen den Kunstbegriff ausdrücken, dieselbe Wurzel wie „tikto“ – „ich gebäre“, so dass „Kunst“ im Griechischen „Erzeugung“ oder „Material“ bedeutet Schöpfung durch ein Ding aus sich selbst dasselbe, aber neue Dinge.

vorklassische Ästhetik

In ihrer reinsten und direktesten Form wurde die antike Ästhetik, verkörpert in der Mythologie, auf der Stufe der primitiven Gemeinschaftsbildung geformt. Das Ende des II. und der ersten Jahrhunderte des I. Jahrtausends v. e. waren in Griechenland eine Zeit epischer Kreativität. Griechisches Epos, das in Gedichten festgehalten wird Homer Die Ilias und die Odyssee sind nur die Quelle, aus der die antike Ästhetik hervorgegangen ist.

Für Homer war Schönheit eine Gottheit und die Hauptkünstler waren die Götter. Die Götter waren nicht nur die kosmischen Prinzipien, die dem Kosmos als Kunstwerk zugrunde liegen, sondern sie waren es auch für die menschliche Kreativität. Apollo und die Musen inspirierten Sänger, und im Werk des homerischen Sängers spielte nicht der Sänger selbst die Hauptrolle, sondern die Götter, vor allem Apollo und die Musen.

Schönheit wurde von Homer in Form der dünnsten, durchsichtigen, leuchtenden Materie, in Form eines fließenden, lebendigen Stroms konzipiert. Schönheit wirkte wie eine Art leichter, luftiger Glanz, der Gegenstände umhüllen, bekleiden kann. Begabung, Umhüllung mit Schönheit ist äußerlich. Aber es gab auch eine innere Begabung. Es ist vor allem die Inspiration der homerischen Sänger und von Homer selbst.

Spezielle ästhetische Lehren der Antike

Es gab mehrere solcher Lehren, zu deren Problemen sich viele antike Autoren zu äußern versuchten.

Kalokagatija ("Kalos" - schön, "agatos" - gut, moralisch perfekt) - eines der Konzepte der antiken Ästhetik, das die Harmonie des Äußeren und Inneren bezeichnet, die eine Bedingung für die Schönheit des Individuums ist. Der Begriff „kalokagatia“ wurde in verschiedenen Perioden der sozialgeschichtlichen Entwicklung der antiken Gesellschaft je nach Denkweise unterschiedlich interpretiert. Die Pythagoräer verstanden darunter das äußere Verhalten eines Menschen, bestimmt durch innere Eigenschaften. Das alte aristokratische Verständnis von „kalokagatia“ ist Herodot innewohnend, der es in Verbindung mit priesterlichen Traditionen betrachtete, Plato, der es mit militärischem Können, „natürlichen“ Eigenschaften oder mit allgemeinen Merkmalen in Verbindung brachte. Mit der Entwicklung der alten individuellen Wirtschaft wurde der Begriff „kalokagatia“ verwendet, um praktische und fleißige Eigentümer zu bezeichnen, und im Bereich des politischen Lebens wurde er (als Substantiv) auf gemäßigte Demokraten angewendet. Ende des 5. Jahrhunderts v. e. Mit dem Aufkommen der Sophistik wurde der Begriff "kalokagatiya" verwendet, um Lernen und Bildung zu charakterisieren. Platon und Aristoteles verstanden Kalokagatiya philosophisch - als die Harmonie von Innen und Außen, und unter Innen verstanden sie Weisheit, deren Umsetzung im Leben eine Person zu Kalokagatiya führte. Mit der Entwicklung von Individualismus und Psychologismus in der Ära des Hellenismus wurde Kalokagatiya nicht mehr als natürliche Eigenschaft interpretiert, sondern als Ergebnis moralischer Übungen und Schulungen, was zu seinem moralistischen Verständnis führte.

Katharsis (Reinigung) - ein Begriff, der dazu diente, einen der wesentlichen Momente der ästhetischen Wirkung von Kunst auf eine Person zu bezeichnen. Die Pythagoräer entwickelten die Theorie, die Seele von schädlichen Leidenschaften zu reinigen, indem sie sie speziell ausgewählter Musik aussetzten. Plato verband die Katharsis nicht mit den Künsten, sondern verstand sie als die Reinigung der Seele von sinnlichen Bestrebungen, von allem Körperlichen, die die Schönheit der Ideen verdunkelt und verzerrt. Eigentlich wurde das ästhetische Verständnis der Katharsis von Aristoteles gegeben, der schrieb, dass unter dem Einfluss von Musik und Gesängen die Psyche der Zuhörer erregt wird, starke Affekte (Mitleid, Angst, Begeisterung) darin entstehen, wodurch die Zuhörer „erhalten eine Art Reinigung und Erleichterung, die mit Genuss verbunden ist …“ . Er wies auch auf die kathartische Wirkung der Tragödie hin und definierte sie als eine besondere Art der "Nachahmung durch Handlung, nicht durch Geschichte, die durch Mitgefühl und Angst solche Affekte reinigt".

Mimesis (Nachahmung, Reproduktion) - in der antiken Ästhetik das Grundprinzip künstlerischen Schaffens. Ausgehend von der Tatsache, dass alle Künste auf Mimesis beruhen, interpretierten Denker der Antike das Wesen dieses Konzepts auf unterschiedliche Weise. Die Pythagoräer glaubten, dass Musik die "Harmonie der himmlischen Sphären" imitiert, Demokrit war überzeugt, dass Kunst im weitesten Sinne (als produktive menschliche schöpferische Tätigkeit) aus der Nachahmung des Menschen durch Tiere (Weben - aus der Nachahmung einer Spinne, eines Hauses -Bauen - eine Schwalbe, Singen - Vögel usw.). Plato glaubte, dass Nachahmung die Grundlage aller Kreativität ist. Die eigentliche ästhetische Theorie der Mimesis gehört Aristoteles. Es umfasst sowohl eine adäquate Reflexion der Realität (die Darstellung der Dinge als „sie waren und sind“) als auch die Aktivität der kreativen Vorstellungskraft (ihre Darstellung als „über sie gesprochen und gedacht wird“) und die Idealisierung der Realität (ihre Darstellung als solche, „was sie sein sollten“). Der Zweck der Mimesis in der Kunst ist nach Aristoteles der Erwerb von Wissen und die Anregung eines Lustgefühls durch die Reproduktion, Betrachtung und Wahrnehmung eines Objekts.

4. Ästhetik des Mittelalters

Grundprinzipien

Mittelalterliche Ästhetik ist ein Begriff, der in zwei Bedeutungen verwendet wird, weit und eng. Im weitesten Sinne des Wortes ist mittelalterliche Ästhetik die Ästhetik aller mittelalterlichen Regionen, einschließlich der Ästhetik Westeuropas, der byzantinischen Ästhetik, der altrussischen Ästhetik und anderer. Im engeren Sinne ist die mittelalterliche Ästhetik die Ästhetik Westeuropas im 5.-14. Jahrhundert. In letzterem werden zwei chronologische Hauptperioden unterschieden - das frühe Mittelalter (5. - 10. Jahrhundert) und das späte Mittelalter (11. - 14. Jahrhundert) - sowie zwei Hauptbereiche - die philosophische und theologische und die Kunstkritik. Die erste Periode der mittelalterlichen Ästhetik ist durch eine Schutzstellung gegenüber dem antiken Erbe gekennzeichnet. Im späten Mittelalter erschienen spezielle ästhetische Abhandlungen als Teil großer philosophischer und religiöser Kodizes (die sogenannten "Summen"), das theoretische Interesse an ästhetischen Problemen nahm zu, was besonders für Denker des 12. - 13. Jahrhunderts charakteristisch war.

Die große chronologische Periode des Mittelalters im Westen korreliert mit der sozioökonomischen Formation des Feudalismus. Die hierarchische Struktur der Gesellschaft spiegelt sich im mittelalterlichen Weltbild in Form der Vorstellung von der sogenannten himmlischen Hierarchie wider, die in Gott ihre Vollendung findet. Die Natur wiederum erweist sich als sichtbare Manifestation des übersinnlichen Prinzips (Gott). Ideen über Hierarchie sind symbolisch. Separate sichtbare, sinnliche Phänomene werden nur als Symbole des "unsichtbaren, unaussprechlichen Gottes" wahrgenommen. Die Welt wurde als System gedacht Zeichenhierarchie.

Byzantinische Ästhetik

In den Jahren 324-330 gründete Kaiser Konstantin die neue Hauptstadt des Römischen Reiches an der Stelle einer kleinen antiken Stadt von Byzanz - Konstantinopel. Etwas später spaltete sich das Römische Reich in zwei Teile – West und Ost. Konstantinopel wurde die Hauptstadt der letzteren. Seit dieser Zeit ist es üblich, die Geschichte der byzantinischen Kultur zu betrachten, die bis 1453 im Rahmen eines einzigen Staates existierte.

Die byzantinische Ästhetik, die viele ästhetische Ideen der Antike auf ihre eigene Weise aufgenommen und überarbeitet hatte, stellte eine Reihe neuer Probleme, die für die Geschichte der Ästhetik von Bedeutung waren, und versuchte sie zu lösen. Darunter sind die Entwicklung von Kategorien wie Bild, Symbol, Kanon, neue Modifikationen des Schönen, das Aufwerfen einer Reihe von Fragen im Zusammenhang mit der spezifischen Analyse von Kunst, insbesondere der Analyse der Wahrnehmung von Kunst, hervorzuheben und Interpretation von Kunstwerken sowie die Akzentverschiebung auf die psychologische Seite ästhetischer Kategorien. Zu den wesentlichen Problemen dieser Ästhetik gehören die Frage nach der Rolle der Kunst im allgemeinen philosophischen und religiösen System des Weltverständnisses, ihre erkenntnistheoretische Rolle und einige andere Probleme.

„Absolute Schönheit“ ist das Ziel der spirituellen Bestrebungen der Byzantiner. Einen der Wege zu diesem Ziel sahen sie in der „schönen“ materiellen Welt, weil in ihr und durch sie der „Schuld“ von allem bekannt ist. Die Einstellung der Byzantiner zur "irdischen Schönheit" ist jedoch ambivalent und nicht immer eindeutig.

Einerseits hatten byzantinische Denker eine ablehnende Haltung gegenüber sinnlicher Schönheit als Erreger sündiger Gedanken und fleischlicher Lust. Andererseits schätzten sie das Schöne in der materiellen Welt und in der Kunst sehr, weil es in ihrem Verständnis als „Ausstellung“ und Manifestation göttlicher absoluter Schönheit auf der Ebene des empirischen Seins fungierte.

Byzantinische Denker kannten auch die polare Kategorie des Schönen – des Hässlichen und versuchten, sie zu definieren. Mangelnde Schönheit, Ordnung, unverhältnismäßiges Mischen unterschiedlicher Objekte - all dies sind Indikatoren für das Hässliche, "denn Hässlichkeit ist Minderwertigkeit, Formlosigkeit und Ordnungswidrigkeit".

Für byzantinische Denker hatte „schön“ (in der Natur und in der Kunst) keinen objektiven Wert. Nur die göttliche „absolute Schönheit“ besaß es. Das Schöne war für sie jeweils nur im direkten Kontakt mit einem bestimmten Wahrnehmungsgegenstand bedeutsam. An erster Stelle im Bild stand seine psychologische Funktion - in gewisser Weise den inneren Zustand einer Person zu organisieren. „Schön“ war nur ein Mittel, um eine mentale Illusion zu bilden, um die superschöne, „absolute Schönheit“ zu verstehen.

Neben Schönheit und Schönheit hat die byzantinische Ästhetik eine andere ästhetische Kategorie vorgeschlagen, die manchmal mit ihnen zusammenfällt, aber im Allgemeinen eine unabhängige Bedeutung hat - Licht. Die Byzantiner gehen von einer engen Beziehung zwischen Gott und Licht aus und nennen sie die Beziehung "Licht - Schönheit".

Frühes Mittelalter

Die westeuropäische mittelalterliche Ästhetik wurde stark von dem christlichen Denker beeinflusst Aurelius Augustinus . Augustinus identifizierte Schönheit mit Form, Formlosigkeit mit Hässlichkeit. Er glaubte, dass absolut Hässliches nicht existiert, aber es gibt Objekte, denen im Vergleich zu perfekt organisierten und symmetrischen Objekten die Form fehlt. Das Hässliche ist nur eine relative Unvollkommenheit, der niedrigste Grad an Schönheit.

Augustin lehrte, dass ein Teil, der als Teil des Ganzen schön ist, wenn er von ihm abgerissen wird, seine Schönheit verliert, im Gegenteil, das Hässliche wird an sich schön und geht in das schöne Ganze ein. Diejenigen, die die Welt für unvollkommen hielten, verglich Augustinus mit Menschen, die einen Mosaikwürfel betrachten, anstatt die gesamte Komposition zu betrachten und die Schönheit der Steine ​​zu genießen, die zu einem einzigen Ganzen verbunden sind. Nur eine reine Seele kann die Schönheit des Universums begreifen. Diese Schönheit ist ein Spiegelbild der "göttlichen Schönheit". Gott ist die höchste Schönheit, der Archetyp materieller und geistiger Schönheit. Die Ordnung, die im Universum herrscht, ist von Gott geschaffen. Diese Ordnung manifestiert sich in Maß, Einheit und Harmonie, da Gott „alles nach Maß, Zahl und Gewicht ordnete“.

Fast ein Jahrtausend lang waren die Werke von Augustinus einer der Hauptleiter des antiken Platonismus und Neuplatonismus in der westeuropäischen mittelalterlichen Ästhetik, sie legten die Grundlagen der mittelalterlichen religiösen Ästhetik und verstanden die Art und Weise, Kunst im Dienst der Kirche einzusetzen.

Spätmittelalter

Die sogenannten „Summen“ werden zu einem Beispiel scholastischen Philosophierens im 13. Jahrhundert, wo die Darstellung in folgender Reihenfolge erfolgt: Problemstellung, Darstellung verschiedener Meinungen, Lösung des Autors, logische Beweise, Widerlegung möglicher und tatsächlicher Einwände. Nach diesem Prinzip wird auch die „Summe der Theologie“ gebaut. Thomas von Aquin , von denen einige Teile der Ästhetik gewidmet sind.

Aquin definierte Schönheit als das, was durch sein Aussehen Freude bereitet. Schönheit erfordert drei Bedingungen:

1) Ganzheit oder Perfektion,

2) angemessene Proportion oder Konsonanz

3) Klarheit, aufgrund derer Objekte mit brillanter Farbe als schön bezeichnet werden. Klarheit liegt in der Natur der Schönheit. Dabei bedeutet „Klarheit“ weniger körperliche Ausstrahlung als vielmehr Klarheit der Wahrnehmung und nähert sich damit der Klarheit des Geistes.

Schönheit und Gut werden nicht wirklich unterschieden, da Gott seiner Ansicht nach sowohl absolute Schönheit als auch absolut gut ist, aber nur im Konzept. Ein Segen ist etwas, das einen Wunsch oder ein Bedürfnis befriedigt. Daher ist es mit dem Begriff des Ziels verbunden, da das Begehren eine Art Bewegung auf ein Objekt zu ist.

Schönheit braucht etwas mehr. Es ist so etwas Gutes, dessen bloße Wahrnehmung Befriedigung verschafft. Oder, mit anderen Worten, das Verlangen findet Befriedigung in der bloßen Betrachtung oder dem Verständnis einer schönen Sache. Ästhetischer Genuss ist eng mit Kognition verbunden. Deshalb sind zunächst die kognitiven Empfindungen, nämlich die visuellen und auditiven, mit der ästhetischen Wahrnehmung verbunden. Sehen und Hören sind eng mit dem Geist verbunden und daher in der Lage, Schönheit wahrzunehmen.

„Licht“ war eine wichtige Kategorie aller mittelalterlichen Ästhetik. Die Lichtsymbolik wurde aktiv entwickelt. Die „Metaphysik des Lichts“ war die Grundlage, auf der die Schönheitslehre im Mittelalter beruhte. Claritas bedeutet in mittelalterlichen Abhandlungen Licht, Glanz, Klarheit und ist in fast allen Definitionen von Schönheit enthalten. Schönheit ist für Augustinus der Glanz der Wahrheit. Das Licht des Schönen bedeutet für Aquin „das Leuchten der Form einer Sache, sei es ein Kunstwerk oder eine Natur … so, dass sie ihm in der ganzen Fülle und dem ganzen Reichtum ihrer Vollkommenheit erscheint und bestellen."

Die Aufmerksamkeit der mittelalterlichen Denker für die innere Welt des Menschen zeigt sich besonders deutlich und vollständig in ihrer Entwicklung der Probleme der Musikästhetik. Gleichzeitig ist es wichtig, dass die Probleme der Musikästhetik selbst eine Art „entferntes“ Modell universeller Konzepte von allgemeiner philosophischer Bedeutung sind.

Mittelalterliche Denker haben sich intensiv mit der Wahrnehmung von Schönheit und Kunst auseinandergesetzt und eine Reihe von Urteilen geäußert, die für die Geschichte der Ästhetik interessant sind.

5. Ästhetische Lehren der Renaissance

Der Übergangscharakter der Zeit, ihre humanistische Ausrichtung und ideologische Neuerungen

In der Renaissance gibt es: Proto-Renaissance (Ducento und Trecento, 12.-13. - 13.-14. Jahrhundert), Frührenaissance (Quattrocento, 14.-15. Jahrhundert), Hochrenaissance (Cinquecento, 15.-16. Jahrhundert).

Die Ästhetik der Renaissance ist mit der grandiosen Revolution verbunden, die sich in allen Bereichen des öffentlichen Lebens vollzieht: in Wirtschaft, Ideologie, Kultur, Wissenschaft und Philosophie. Zu dieser Zeit das Aufblühen der urbanen Kultur, die großen geografischen Entdeckungen, die den Horizont der Menschen immens erweiterten, der Übergang vom Handwerk zur Manufaktur.

Die Entwicklung der Produktivkräfte, die Auflösung feudaler Klassenverhältnisse, die die Produktion behinderten, führen zur Befreiung des Individuums, schaffen die Bedingungen für seine freie und universelle Entwicklung.

Günstige Bedingungen für die umfassende und universelle Entwicklung des Individuums werden nicht nur durch den Zerfall der feudalen Produktionsweise geschaffen, sondern auch durch die unzureichende Entwicklung des Kapitalismus, der noch am Anfang seiner Entstehung stand. Dieser doppelte Übergangscharakter der Kultur der Renaissance gegenüber der feudalen und kapitalistischen Produktionsweise muss bei der Betrachtung der ästhetischen Vorstellungen dieser Zeit berücksichtigt werden. Die Renaissance ist kein Zustand, sondern ein Prozess, und zwar ein Prozess mit Übergangscharakter. All dies spiegelt sich in der Natur der Weltanschauung wider.

In der Renaissance vollzieht sich ein radikaler Bruch mit dem mittelalterlichen Weltbildsystem und die Herausbildung einer neuen, humanistischen Ideologie. Im weitesten Sinne ist der Humanismus ein sich historisch veränderndes Sichtsystem, das den Wert eines Menschen als Person, sein Recht auf Freiheit, Glück, Entwicklung und Manifestation seiner Fähigkeiten anerkennt und das Wohl eines Menschen als Kriterium für die Bewertung des Sozialen betrachtet Institutionen und die Prinzipien der Gleichheit, Gerechtigkeit, Menschlichkeit als erwünschte Norm der Beziehungen zwischen den Menschen. Im engeren Sinne handelt es sich um eine Kulturbewegung der Renaissance. Alle Formen des italienischen Humanismus beziehen sich weniger auf die Geschichte der Renaissance-Ästhetik als vielmehr auf die gesellschaftspolitische Atmosphäre der Ästhetik.

Grundprinzipien der Ästhetik der Renaissance

Zuallererst ist die Neuheit in dieser Ära die Förderung des Primats der Schönheit und darüber hinaus der sinnlichen Schönheit. Gott hat die Welt erschaffen, aber wie schön ist diese Welt, wie viel Schönheit liegt im menschlichen Leben und im menschlichen Körper, im lebendigen Ausdruck des menschlichen Gesichts und in der Harmonie des menschlichen Körpers!

Zunächst tut der Künstler sozusagen auch das Werk Gottes und nach dem Willen Gottes selbst. Aber neben der Tatsache, dass der Künstler gehorsam und demütig sein muss, muss er gebildet und gebildet sein, er muss viel in allen Wissenschaften verstehen, einschließlich der Philosophie. Der allererste Lehrer des Künstlers sollte Mathematik sein, die auf die sorgfältige Vermessung des nackten menschlichen Körpers abzielt. Wenn die Antike die menschliche Figur in sechs oder sieben Teile unterteilt hat, dann hat Alberti sie, um Genauigkeit in Malerei und Skulptur zu erreichen, in 600 und Dürer später in 1800 Teile geteilt.

Der mittelalterliche Ikonenmaler interessierte sich wenig für die realen Proportionen des menschlichen Körpers, da dieser für ihn nur Träger des Geistes war. Die Harmonie des Körpers bestand für ihn in einem asketischen Umriß, in einer flächigen Widerspiegelung der überkörperlichen Welt darauf. Aber für den Erweckungskünstler Giorgione ist „Venus“ ein vollwertiger weiblicher nackter Körper, den man, obwohl er eine Schöpfung Gottes ist, irgendwie schon vergisst, wenn man ihn ansieht. Im Vordergrund steht hier die Kenntnis der realen Anatomie. Daher ist der Renaissance-Künstler nicht nur Experte in allen Wissenschaften, sondern vor allem in Mathematik und Anatomie.

Die Renaissance-Theorie predigt wie die antike die Nachahmung der Natur. Allerdings steht hier weniger die Natur als vielmehr der Künstler im Vordergrund. In seiner Arbeit möchte der Künstler die Schönheit offenbaren, die in den Nischen der Natur selbst liegt. Daher glaubt der Künstler, dass die Kunst noch höher ist als die Natur. Theoretiker der Renaissance-Ästhetik haben zum Beispiel einen Vergleich: Ein Künstler muss so erschaffen, wie Gott die Welt erschaffen hat, und noch vollkommener als das. Jetzt sagen sie dem Künstler nicht nur, dass er ein Experte in allen Wissenschaften sein muss, sondern heben auch seine Arbeit hervor, in der sie sogar versuchen, ein Kriterium für Schönheit zu finden.

Das ästhetische Denken der Renaissance vertraute erstmals dem menschlichen Sehen als solchem, ohne antike Kosmologie und ohne mittelalterliche Theologie. In der Renaissance begann zum ersten Mal ein Mensch zu denken, dass das wirkliche und subjektiv-sinnlich sichtbare Bild der Welt sein wirkliches Bild ist, dass dies keine Fiktion, keine Illusion, kein Sehfehler und kein spekulativer Empirismus ist, aber was wir mit unseren eigenen Augen sehen, - das ist es wirklich.

Und vor allem sehen wir wirklich, wie das Objekt, das wir sehen, wenn es sich von uns entfernt, ganz andere Formen annimmt und vor allem schrumpft. Zwei Linien, die in unserer Nähe völlig parallel zu sein scheinen, kommen sich von uns entfernend immer näher und nähern sich am Horizont, also in ausreichend großem Abstand von uns, einfach an, bis sie vollständig ineinander übergehen einziger Punkt. Aus der Sicht des gesunden Menschenverstandes scheint dies absurd zu sein. Wenn die Linien hier parallel sind, dann sind sie überall parallel. Aber hier ist ein so großes Vertrauen der Renaissance-Ästhetik in die Realität dieser Verschmelzung paralleler Linien in einer Entfernung, die weit genug von uns entfernt ist, dass später eine ganze Wissenschaft aus dieser Art echter menschlicher Empfindungen hervorging - die perspektivische Geometrie.

Grundlegende ästhetische und philosophische Lehren und Kunsttheorien

Im frühen Humanismus war der Einfluss des Epikureismus besonders stark zu spüren, der als Form der Polemik gegen die mittelalterliche Askese und als Mittel zur Wiederherstellung der sinnlichen Körperschönheit diente, die mittelalterliche Denker in Frage stellten.

Die Renaissance interpretierte die epikureische Philosophie auf ihre eigene Weise, was im Werk des Schriftstellers Valla und seiner Abhandlung über das Vergnügen zu sehen ist. Vallas Genusspredigt hat eine kontemplative, sich selbst genügende Bedeutung. Valla lehrt in seiner Abhandlung nur über solche Lust oder Lust, die durch nichts belastet ist, nichts Böses droht, die uneigennützig und sorglos ist, die zutiefst menschlich und gleichzeitig göttlich ist.

Der Renaissance-Neuplatonismus stellt eine völlig neue Art des Neuplatonismus dar, der sich der mittelalterlichen Scholastik und dem "scholastisierten" Aristotelismus entgegenstellte. Die ersten Stadien in der Entwicklung der neuplatonischen Ästhetik waren mit dem Namen Nikolaus von Kues verbunden.

Kuzansky entwickelt seinen Begriff des Schönen in der Abhandlung Über die Schönheit. Schönheit erscheint bei ihm nicht nur als Schatten oder schwacher Abdruck des göttlichen Vorbilds, wie es für die Ästhetik des Mittelalters charakteristisch war. In jeder Form des Realen, des Sinnlichen, scheint eine unendliche Schönheit durch, die all ihren besonderen Manifestationen angemessen ist. Kuzansky lehnt jede Vorstellung von hierarchischen Ebenen der Schönheit ab, von höherer und niedrigerer Schönheit, absolut und relativ, sinnlich und göttlich. Alle Arten und Formen von Schönheit sind absolut gleich. Schönheit in Kuzansky ist eine universelle Eigenschaft des Seins. Kuzansky ästhetisiert alles Sein, jede, auch die prosaische Alltagswirklichkeit. In allem, was Form hat, ist Schönheit. Daher ist das Hässliche nicht im Sein selbst enthalten, es entsteht nur aus denen, die dieses Sein wahrnehmen. "Schande - von denen, die es akzeptieren ...", - behauptet der Denker. Daher enthält das Sein keine Hässlichkeit. In der Welt gibt es nur Schönheit als universelle Eigenschaft der Natur und des Seins überhaupt.

Die zweite große Periode in der Entwicklung des ästhetischen Denkens des Renaissance-Neuplatonismus wurde von der Platonischen Akademie in Florenz geleitet Ficino . Alle Liebe, so Ficino, ist ein Verlangen. Schönheit ist nichts anderes als „Wunsch nach Schönheit“ oder „Wunsch, Schönheit zu genießen“. Es gibt göttliche Schönheit, spirituelle Schönheit und körperliche Schönheit. Göttliche Schönheit ist eine Art Strahl, der in den engelhaften oder kosmischen Geist eindringt, dann in die kosmische Seele oder die Seele der ganzen Welt, dann in den sublunaren oder irdischen Bereich der Natur und schließlich in den formlosen und leblosen Bereich der Materie.

In Ficinos Ästhetik erhält die Kategorie des Hässlichen eine neue Interpretation. Wenn Nikolaus von Kues in der Welt selbst keinen Platz für Hässlichkeit hat, dann bekommt Hässlichkeit in der Ästhetik der Neuplatoniker eine eigenständige ästhetische Bedeutung. Sie hängt mit dem Widerstand der Materie zusammen, die sich der vergeistigenden Wirkung der ideellen, göttlichen Schönheit widersetzt. Dementsprechend verändert sich auch der Begriff des künstlerischen Schaffens. Der Künstler muss die Mängel der Natur nicht nur verbergen, sondern sie auch korrigieren, als würde er die Natur neu erschaffen.

Einen großen Beitrag zur Entwicklung des ästhetischen Denkens der Renaissance leistete ein italienischer Künstler, Architekt, Wissenschaftler, Kunsttheoretiker und Philosoph. Alberti . Im Zentrum von Albertis Ästhetik steht die Schönheitslehre. Schönheit liegt seiner Meinung nach in der Harmonie. Es gibt drei Elemente, die Schönheit ausmachen, insbesondere die Schönheit einer architektonischen Struktur. Diese sind Anzahl, Einschränkung und Platzierung. Aber Schönheit ist nicht eine einfache arithmetische Summe von ihnen. Ohne Harmonie zerfällt die höhere Harmonie der Teile.

Charakteristisch ist, wie Alberti den Begriff „hässlich“ interpretiert. Schönheit ist für ihn ein absolutes Kunstwerk. Das Hässliche wirkt nur als eine bestimmte Art von Fehler. Daher die Forderung, dass Kunst hässliche und hässliche Objekte nicht korrigieren, sondern verstecken soll.

großer italienischer Künstler da Vinci er verkörperte in seinem Leben, wissenschaftlichen und künstlerischen Schaffen das humanistische Ideal einer „umfassend entwickelten Persönlichkeit“. Die Bandbreite seiner praktischen und theoretischen Interessen war wirklich universell. Es umfasste Malerei, Bildhauerei, Architektur, Pyrotechnik, Militär- und Bauingenieurwesen, Mathematik und Naturwissenschaften, Medizin und Musik.

Wie Alberti sieht er in der Malerei nicht nur „die Übertragung der sichtbaren Schöpfungen der Natur“, sondern auch „witzige Fiktion“. Gleichzeitig wirft er einen grundlegend anderen Blick auf Sinn und Wesen der bildenden Kunst, vor allem der Malerei. Das Hauptproblem seiner Theorie, deren Auflösung alle anderen theoretischen Prämissen Leonardos vorwegnahm, war die Definition des Wesens der Malerei als eine Möglichkeit, die Welt zu erkennen. "Die Malerei ist eine Wissenschaft und die legitime Tochter der Natur" und "sollte über jede andere Tätigkeit gestellt werden, denn sie enthält alle Formen, sowohl existierende als auch nicht existierende in der Natur."

Die Malerei wird von Leonardo als jene universelle Methode zur Erkenntnis der Realität dargestellt, die alle Gegenstände der realen Welt umfasst, außerdem schafft die Kunst der Malerei sichtbare Bilder, die ausnahmslos jedem verständlich und dem Verständnis zugänglich sind. In diesem Fall wird die Persönlichkeit des Künstlers, angereichert mit tiefem Wissen über die Gesetze des Universums, der Spiegel sein, in dem sich die reale Welt widerspiegelt und durch das Prisma der schöpferischen Individualität bricht.

Die persönlich-materielle Ästhetik der Renaissance, die im Werk Leonardos sehr deutlich zum Ausdruck kommt, erreicht ihre intensivsten Formen in Michelangelo . Die Gestalten der Hochrenaissance offenbaren das Scheitern des Programms der ästhetischen Renaissance, das das Individuum in den Mittelpunkt der ganzen Welt stellte, und drücken auf unterschiedliche Weise diesen Verlust der Hauptstütze ihrer Arbeit aus. Wenn bei Leonardo die von ihm dargestellten Figuren bereit sind, sich in ihrer Umgebung aufzulösen, wenn sie gleichsam in einen leichten Schleier gehüllt sind, dann zeichnet sich Michelangelo durch eine völlig entgegengesetzte Eigenschaft aus. Jede Figur in seinen Kompositionen ist etwas in sich Geschlossenes, sodass die Figuren manchmal so beziehungslos zueinander sind, dass die Einheit der Komposition zerstört wird.

Bis zum Ende seines Lebens von einer immer größer werdenden Welle erhabener Religiosität mitgerissen, kommt Michelangelo zur Leugnung von allem, was er in seiner Jugend verehrt hat, und vor allem zur Leugnung eines blühenden nackten Körpers, der übermenschliche Kraft ausdrückt und Energie. Er hört auf, den Idolen der Renaissance zu dienen. In seinen Augen sind sie besiegt, so wie sich das Hauptidol der Renaissance als besiegt herausstellt - der Glaube an die unbegrenzte kreative Kraft des Menschen, indem die Kunst Gott gleich wird. Der gesamte Lebensweg, den er von nun an durchlief, erscheint Michelangelo als völliger Wahn.

Die Krise der ästhetischen Ideale der Renaissance und der ästhetischen Prinzipien des Manierismus

Eines der deutlichsten Zeichen des zunehmenden Niedergangs der Renaissance ist die künstlerische und theoretisch-ästhetische Strömung, die als Manierismus bezeichnet wird. Das Wort "Manier" bedeutete ursprünglich einen besonderen Stil, der sich vom Gewöhnlichen unterscheidet, also einen bedingten Stil, der sich vom Natürlichen unterscheidet. Ein gemeinsames Merkmal der bildenden Kunst des Manierismus war der Wunsch, sich vom Ideal der Kunst der reifen Renaissance zu lösen.

Dieser Trend manifestierte sich darin, dass sowohl die ästhetischen Vorstellungen als auch die künstlerische Praxis des italienischen Quattrocento in Frage gestellt wurden. Dem Thema der Kunst dieser Zeit stand das Bild einer veränderten, transformierten Wirklichkeit gegenüber. Außergewöhnliche, erstaunliche Themen, tote Natur, anorganische Objekte wurden geschätzt. Regelkult und Proportionsprinzipien wurden hinterfragt.

Veränderungen in der künstlerischen Praxis brachten Modifikationen und Veränderungen in der Betonung ästhetischer Theorien mit sich. Dies betrifft zunächst die Aufgaben der Kunst und ihre Einordnung. Das Hauptproblem wird das Problem der Kunst, nicht das Problem der Schönheit. "Künstlichkeit" wird zum höchsten ästhetischen Ideal. Suchte die Ästhetik der Hochrenaissance nach präzisen, wissenschaftlich abgesicherten Regeln, mit deren Hilfe der Künstler eine echte Naturübertragung erreichen konnte, so widersetzen sich die Theoretiker des Manierismus der unbedingten Bedeutung jeglicher Regeln, insbesondere mathematischer. Das Problem des Verhältnisses von Natur und künstlerischem Genie wird in der Ästhetik des Manierismus anders interpretiert. Für Künstler des 15. Jahrhunderts wurde dieses Problem zugunsten der Natur gelöst. Der Künstler erschafft seine Werke, indem er der Natur folgt, Schönheit aus der ganzen Vielfalt der Phänomene auswählt und extrahiert. Die Ästhetik des Manierismus gibt dem Genie des Künstlers bedingungslos den Vorzug. Der Künstler muss die Natur nicht nur nachahmen, sondern sie auch korrigieren, danach streben, sie zu übertreffen.

Die Ästhetik des Manierismus, die einige Ideen der Renaissance-Ästhetik entwickelte, andere verleugnete und durch neue ersetzte, spiegelte die alarmierende und widersprüchliche Situation ihrer Zeit wider. Harmonische Klarheit und Ausgeglichenheit der reifen Renaissance, sie kontrastierte die Dynamik, Spannung und Raffinesse des künstlerischen Denkens und dementsprechend dessen Reflexion in ästhetischen Theorien und ebnete den Weg für eine der wichtigsten künstlerischen Strömungen des 17. Jahrhunderts - den Barock.

6 . Ästhetik der neuen Zeit

Rationalistische Grundlagen der Kultur. Es ist unmöglich, eine absolut genaue Grenze zwischen den Kulturen des 16. und 17. Jahrhunderts zu ziehen. Bereits im 16. Jahrhundert nahmen in den Lehren italienischer Naturphilosophen neue Vorstellungen von der Welt Gestalt an. Aber der wirkliche Wendepunkt in der Wissenschaft des Universums findet an der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert statt, als Giordano Bruno, Galileo Galilei und Kepler, die die heliozentrische Theorie von Copernicus entwickeln, zu dem Schluss kommen, dass es um die Pluralität der Welten geht die Unendlichkeit des Universums, in der die Erde nicht der Mittelpunkt ist, sondern ein kleines Teilchen, als die Erfindung des Teleskops und des Mikroskops dem Menschen die Existenz des unendlich Fernen und des unendlich Kleinen offenbarte.

Im 17. Jahrhundert veränderte sich das Verständnis vom Menschen, seiner Stellung in der Welt, dem Verhältnis von Individuum und Gesellschaft. Die Persönlichkeit des Renaissance-Menschen zeichnet sich durch absolute Einheit und Integrität aus, sie ist frei von Komplexität und Entwicklung. Die Persönlichkeit – der Renaissance – behauptet sich im Einklang mit der Natur, die eine gute Kraft ist. Die Energie eines Menschen sowie sein Vermögen bestimmen seinen Lebensweg. Dieser "idyllische" Humanismus war jedoch nicht mehr geeignet für die neue Zeit, in der der Mensch aufhörte, sich selbst als Mittelpunkt des Universums zu erkennen, als er die Komplexität und Widersprüchlichkeit des Lebens spürte, als er einen erbitterten Kampf gegen feudale Katholiken führen musste Reaktion.

Die Persönlichkeit des 17. Jahrhunderts ist nicht an sich wertvoll, wie die Persönlichkeit der Renaissance, sie hängt immer von der Umgebung, von der Natur und von der Masse der Menschen ab, denen sie sich zeigen, beeindrucken und überzeugen will. Diese Tendenz, einerseits die Vorstellungskraft der Massen anzuregen und sie andererseits zu überzeugen, ist eines der Hauptmerkmale der Kunst des 17. Jahrhunderts.

Die Kunst des 17. Jahrhunderts ist wie die Kunst der Renaissance vom Heldenkult geprägt. Aber das ist ein Held, der sich nicht durch Handlungen auszeichnet, sondern durch Gefühle, Erfahrungen. Davon zeugt nicht nur die Kunst, sondern auch die Philosophie des 17. Jahrhunderts. Descartes schafft die Doktrin der Leidenschaften, während Spinoza die menschlichen Begierden „als wären sie Linien, Ebenen und Körper“ betrachtet.

Diese neue Wahrnehmung der Welt und des Menschen konnte im 17. Jahrhundert je nach Gebrauch zwei Richtungen annehmen. In dieser komplexen, widersprüchlichen, facettenreichen Welt der Natur und der menschlichen Psyche könnten ihre chaotische, irrationale, dynamische und emotionale Seite, ihre illusorische Natur, ihre sinnlichen Qualitäten betont werden. Dieser Weg führte zum Barock.

Aber die Betonung könnte auch auf klare, deutliche Ideen gelegt werden, die Wahrheit und Ordnung in diesem Chaos durchschauen, auf das Denken, das mit seinen Konflikten ringt, auf die Vernunft, die Leidenschaften überwindet. Dieser Weg führte zum Klassizismus.

Barock und Klassizismus, die ihre klassische Gestaltung in Italien bzw. Frankreich erhalten hatten, verbreiteten sich mehr oder weniger in allen europäischen Ländern und waren die dominierenden Strömungen in der Kunstkultur des 17. Jahrhunderts.

Ästhetische Prinzipien des Barock

Der Barockstil hat seinen Ursprung in Italien, in einem Land, das in kleine Staaten zersplittert war, in einem Land, das eine Gegenreformation und eine starke feudale Reaktion erlebte, wo wohlhabende Bürger zu einer Landaristokratie wurden, in einem Land, in dem Theorie und Praxis des Manierismus blühten, und wo gleichzeitig in all seiner Helligkeit die reichsten Traditionen der künstlerischen Kultur der Renaissance bewahrt wurden. Aus dem Manierismus nahm der Barock seine Subjektivität, aus der Renaissance die Faszination für die Wirklichkeit, aber beides in neuer stilistischer Brechung. Und obwohl die Reste des Manierismus noch das erste und sogar das zweite Jahrzehnt des 17. Jahrhunderts beeinflussen, kann die Überwindung des Manierismus in Italien um 1600 im Wesentlichen als abgeschlossen angesehen werden.

Eines der charakteristischen Probleme der Barockästhetik ist das Problem der Überzeugung, das seinen Ursprung in der Rhetorik hat. Rhetorik unterscheidet Wahrheit nicht von Plausibilität; als Mittel der Überzeugung scheinen sie gleichwertig zu sein - und daraus folgt der illusorische, phantastische Subjektivismus der barocken Kunst, verbunden mit der Klassifizierung der "Kunst" -Technik, einen Effekt zu erzeugen, der einen subjektiven, irreführenden Eindruck von Plausibilität erzeugt.

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Im philosophischen Denken des 17. Jahrhunderts steht die Problematik des Menschen, seiner Fähigkeiten, erworbenen und angeborenen Eigenschaften im Mittelpunkt. Darüber hinaus wird das Problem der Beschleunigung des Zeitablaufs als notwendige Bedingung menschlicher Existenz relevant, wodurch sich die Welt in ständigem Wandel befindet. Die wichtigsten künstlerischen Stilrichtungen dieser Zeit sind Barock und Klassizismus. Kunst wird zu einer Art Sprache der Philosophie, die sich von universellen rationalen Konstruktionen entfernt hat und in die Sphäre emotionaler Erfahrung eintaucht. Das Selbstbewusstsein der Kunst als schöpferische Kraft der Kultur wächst.

Der Gegenstand der Forschung ändert sich, und dementsprechend verschiebt sich der Schwerpunkt auf die Problematik der Wahrnehmung, auf die Persönlichkeit des Zuhörers, auf Geschmacksvielfalt. Eine neue Ebene der Subjektwahrnehmungsspezifikation beginnt. In der ästhetischen Theorie richtet sich die Aufmerksamkeit nun nicht nur auf die Figur des Künstlers, sondern auch auf den Leser, Betrachter, Zuhörer. An Relevanz gewinnt die Idee, wonach das Verständnis eines Kunstwerks und damit das weitere Schicksal seiner Existenz maßgeblich davon abhängt, wer es wie wahrnimmt. Es gibt einen Trend des Interesses an der einzigartigen individuellen Erfahrung, der inneren Welt des Individuums, was wiederum zur Bildung einer Vielzahl künstlerischer Strömungen beitrug.

Die Ästhetik von Nicolas Boileau präsentiert die allgemeinen ästhetischen Prinzipien des Klassizismus. Dementsprechend proklamiert er in ihnen den Vorrang des Denkens vor dem Wort, der Ideen vor dem künstlerischen Ausdruck. Der Geist ist in der Kunst von entscheidender Bedeutung, das sinnliche Prinzip zweitrangig. Um der Klarheit der Idee willen, die der Schlüssel zur Schönheit ist, ist es notwendig, sich von der Buntheit des Lebens zu entfernen. Boileau konkretisiert die hierarchische Einteilung der Genres in „high“ und „low“, entwickelt die Idee der Trinität von Zeit, Ort und Handlung).

Die Hauptgedanken der Vertreter der Aufklärung etwa Theorie des Geschmacks die für diese Periode der Entwicklung des ästhetischen Denkens eine der führenden ist, in der Einheit festgelegt, die mit ästhetischem und künstlerischem Geschmack verbunden ist. Lassen Sie uns also auf andere Theorien der Philosophen des Neuen Zeitalters eingehen.

Francis Hutcheson analysiert in „An Inquiry into the Origin of Our Ideas of Beauty and Virtue“ das Problem von Schönheit und Harmonie. Unsere Vorstellungen von Harmonie, Schönheit und Ordnung basieren auf einem bestimmten inneren Gefühl und nicht auf einer rationalen Begründung. Schönheit hat für Hutcheson einen uneigennützigen Charakter und daher ist der ästhetische Sinn ein Vorbild für den moralischen Sinn. Die Kunst ist der Moral unterworfen, und Schönheit und Harmonie sind Quelle und Mittel der Tugenderziehung. Schönheit hat zwei Varianten: 1) absolut, wo Schönheit ohne Vergleich mit etwas Äußerem wahrgenommen wird (Schönheit natürlicher Phänomene, wissenschaftliche Gesetze); 2) relativ oder vergleichend, was mit Kunstformen verbunden ist, die dem Prinzip der Nachahmung unterliegen. Relative Schönheit ist am ausgeprägtesten in Malerei und Poesie, wo "eine genaue Nachahmung schön sein wird, selbst wenn das Original völlig ohne Schönheit war". Hutcheson bietet die Idee der objektiven Natur des Schönen an, aber die Universalität erscheint ihm als die Gleichheit der Wahrnehmung von Schönheit.

Edmund Burke, der die Kategorien schön und erhaben analysiert, enthüllt die psychologischen Aspekte ihrer Wahrnehmung. Im Herzen des Erhabenen liegt der Wunsch nach Selbsterhaltung. Dieses Gefühl entsteht als Ergebnis eines Treffens mit jenen Kräften, die menschlichen Schrecken und Vorsicht hervorrufen. Dem Schönen liegt der Wunsch nach Öffentlichkeit, nach Kommunikation zugrunde. Alles, was Liebe, Sympathie weckt und uns zur Nachahmung ermutigt, ist schön und betrifft die Sphäre menschlicher Beziehungen. Es ist möglich, dass Schönheit in der physischen Welt existiert, wo das Vergnügen die Wahl bestimmter Farben, Töne und Formen betrifft. Der Sinn für Schönheit trägt zur Einheit der Menschen und zur Bildung moralischer Eigenschaften bei.

Ideen Ästhetische Erziehung im Zusammenhang mit dem Problem Genius analysiert von dem französischen Philosophen Claude Adrian Helvetius. Er glaubt, dass Genie allen Menschen innewohnt, aber die notwendige Bildung, die diese Fähigkeit offenbaren könnte. Das Genie des Künstlers manifestiert sich im Realismus und Stil des Bildes. Der erzieherische Zweck der Kunst ist das Erwecken starker Empfindungen, das Bereitstellen dessen, was in Wirklichkeit fehlt. Die höchste Form des Vergnügens wird nur durch Imagination und Fantasie bereitgestellt, was der Kunst den Status eines Unterhaltungsmittels verleiht.

Denis Diderot begründet das Verhältnis von Kunst und Moral. Kunst soll erziehen, eine bestimmte Lebensregel ausdrücken. Wahrheit, Güte und Schönheit sind miteinander verbunden. Neben der Entwicklung des Schönheitsbegriffs, der in Diderots ästhetischem Konzept einen bedeutenden Platz einnimmt, legt er großen Wert auf Harmonie in der Kunst. Harmonie als gegenseitige Abhängigkeit zwischen den Bestandteilen der Arbeit ermöglicht es Ihnen, ein ganzheitliches Bild zu sehen. In seinen Schriften analysiert Diderot die Besonderheiten der musikalischen, darstellenden, bildnerischen und tänzerischen Kunst, wobei er sich nicht nur auf allgemeine ästhetische Muster bezieht, sondern auch auf kunsttheoretische Spezialfragen verweist - von Ausdrucksmitteln und Formgebung bis hin zu Gattungsvarianten.

Jean-Jacques Rousseau, einer der Aufklärer des 18. Jahrhunderts. am tiefsten verstandene Musik als Kunst der Neuzeit. Die theoretische Entwicklung der Analyse der Akkordstruktur und die Entlarvung der Hypothese der Identität der antiken griechischen Harmonik und des modernen Akkords war ein wichtiger Beitrag von J.-J.Rousseau zur Entwicklung der Musiktheorie. In Verbindung mit der wachsenden Aufmerksamkeit für die Darstellung der menschlichen Natur wird das Problem der korrekten Darstellung von Gefühlen und Emotionen einer Person zum relevantesten und charakteristischsten dieser Zeit. Die Affektreproduktion dieser Zeit fällt mit dem Naturbild zusammen. Dieser Standpunkt wurde einige Zeit von Rousseau geteilt. Er (in der Arbeit "Musical Dictionary") konzentriert sich auf die Tatsache, dass Musik, wie andere Kunstformen, die Mittel hat, jedes Objekt der Natur zu imitieren. Später begann Rousseau zu glauben, dass der Inhalt der Arbeit der Musikerin darin besteht, die Seele genau in die Stimmung zu versetzen, die sie möchte.

Alexander Baumgarten stellt fest, dass das Fach Ästhetik das Studium der Logik sinnlicher Wahrnehmung ist, es muss nicht nur Theorie, sondern auch künstlerische Praxis verbinden. Das Konsensprinzip wird universell für die Ästhetik des deutschen Philosophen, es verkörpert die Idee der Schönheit als Einheit im Reichen. Zu den von Baumgarten analysierten Problemen gehören ästhetische Wahrnehmung und künstlerische Kreativität. Beide Prozesse sorgen für das Moment der Kreativität, beinhalten einen ästhetischen Impuls. Es war O. Baumgarten, der darauf hinwies, dass ästhetisches Wissen einen unabhängigen Charakter hat, inneren und spezifischen Gesetzen unterliegt und weder von Religion noch von Moral unabhängig ist.

Gottgold Ephraim Lessing diskutiert in seinen Schriften die antike Theorie der Katharsis und wendet sie auf die Moderne an Theatertheorie. Er weist auf die Verbindung der Katharsis-Idee mit dem antiken Maßbegriff und der aristotelischen Vorstellung vom „goldenen Mittelweg“ hin. Einen bedeutenden Platz in Lessings Ästhetik nimmt auch das Problem der Beziehung zwischen den Kunstgattungen ein, die er in räumlich (plastisch) und zeitlich einteilt. Raumkünste verkörpern eine abgeschlossene Handlung, sie vermitteln keine Veränderungen. Eine andere Situation liegt in den zeitlichen Künsten vor, die die Entfaltung in der Zeit vermitteln und daher in der Lage sind, die individuelle Persönlichkeit der Charaktere, die Beziehung zwischen ihnen zu vermitteln. Lessing entwickelt ein ganzes Klassifikationssystem der Künste, in dem Literatur und Poesie den höchsten Platz einnehmen.

Der Zweck der Kunst ist es, die Wahrheit zu enthüllen, das Schöne in der Realität darzustellen. Nur durch die Enthüllung der Wahrheit kann Kunst Freude bereiten, lehren, erziehen.

Der Begriff „Ästhetik“ kommt vom griechischen „aisteticos“ – Gefühl, Sinnlichkeit. Ästhetik bezeichnete ursprünglich alles, was sinnlich wahrgenommen wird. Dann begann man, Ästhetik als jene Phänomene der Realität und Produkte menschlicher Aktivität zu verstehen, die eine gewisse Ordnung aufweisen und in uns besondere Erfahrungen des Schönen, Erhabenen, Tragischen, Komischen hervorrufen.
Die Ästhetik wurde als Wissensgebiet geboren, in dem das Ziel gesetzt wurde:
erstens, die Merkmale ästhetischer Phänomene zu beschreiben, zu studieren, das Allgemeine, Wesentliche in ihnen zu identifizieren;
zweitens, ihre Grundlage, Bedeutung, ihren Platz im Sein zu verstehen;
drittens, den Prozess der Schaffung dieser Werte zu studieren, die Gesetze und Prinzipien der ästhetischen Kreativität und Wahrnehmung, falls vorhanden, zu identifizieren und zu lernen, wie man sie anwendet;
viertens, die Muster des Einflusses ästhetischer Phänomene der Realität und Kunstwerke auf das Bewusstsein und den Willen einer Person zu untersuchen und diese Muster zu verwenden.
In der Zeit der Neuzeit gibt es einen radikalen Wandel in der Weltanschauung.
Gott wird zunehmend aus der Zusammensetzung des Seins herausgedrängt, an seine Stelle tritt die Natur, die als eine unmittelbare Gegebenheit gedacht wird, eine Menge von Dingen, die einem Menschen in Erfahrung gegeben werden, ein allgemeiner Begriff für Substanzen und Energien, Essenzen und Muster.

- Zunächst entsteht ein Begriff, dann eine gründlich begründete Theorie der Subjektivität des Ästhetischen. 1750 veröffentlicht Baumgarten seine "Ästhetik", in der er die sinnliche Erkenntnis als ästhetisch versteht und vorschlägt, zwei Teile der Philosophie - die Ontologie, die Seinslehre, und die Logik - die Denklehre, den dritten Teil - die Ästhetik mit der Theorie zu ergänzen des sensorischen Wissens. Es wird angenommen, dass die Ästhetik seit dieser Zeit einen eigenen Status, ein eigenes Fach erlangt und zu einer eigenständigen Wissenschaft geworden ist.

Kant spielte eine herausragende Rolle bei der Herausbildung der Ästhetik als einer eigenständigen philosophischen Lehre. Er machte eine echte Revolution in der Ästhetik.
o Kant begann, das Wesen des Ästhetischen nicht außerhalb des Menschen, nicht im Raum und nicht in Gott zu suchen, sondern im Menschen selbst, in seinen Fähigkeiten. (Erkenntnisvermögen, Begierdevermögen und Lust- oder Unlustgefühle)
o Kant kam zu dem Schluss, dass wir durch sinnliche Intuitionen und rationale Kategorien erkennen, was durch unseren Geist geschaffen wird. In der Kritik der reinen Vernunft argumentiert er, dass unsere Vernunft der der Notwendigkeit unterworfenen Natur Gesetze vorschreibt. In der „Kritik der praktischen Vernunft“ erforscht er die Fähigkeit des Begehrens, der Vernunft, erhellt. wie Moral und Morallehre möglich sind, und kommt zu dem Schluss, dass die Vernunft dem Willen Gesetze auferlegt und die Vernunft nach dem Prinzip der Freiheit handelt.
o Die Welt der Natur, die dem Prinzip der Notwendigkeit unterworfen ist, und die Welt des Menschen, die Welt der Moral, die dem Prinzip der Freiheit unterworfen ist, wurden auseinandergerissen. Die Kritik der Urteilskraft erforscht den dritten Bereich der Fakultäten, die Lust- oder Unlustfähigkeiten. Ästhetisch ist nach Kant die angestrebte Versöhnungsfähigkeit.
Versöhnung wird nach dem Prinzip des ästhetischen Urteils erreicht – es ist Zweckmäßigkeit ohne Ziel oder Form der Zweckmäßigkeit, wenn wir einen Gegenstand so betrachten, als ob er gemäß einem bestimmten Zweck geschaffen wurde, aber wir können nicht sagen, was dieses Ziel ist. Entspricht die Form eines Objekts unserem Urteilsvermögen, halten wir es für zweckdienlich und erleben die Freude, die aus dem Spiel von Vorstellungskraft und Vernunft, ihrem gegenseitigen Betätigungsdrang und ihrer gegenseitigen Begrenzung entsteht. Das Prinzip der subjektiven Zweckmäßigkeit gibt also dem Urteilsvermögen die Idee, die der Verstand nicht geben kann. Aber das ist keine Idee der Vernunft, der keine Kontemplation adäquat sein kann. Das ist eine ästhetische Idee, d. h. „jene Vorstellung der Einbildungskraft, die viel Denken veranlaßt, und ihr aber kein bestimmter Gedanke, d.h. kein Begriff, und folglich auch keine Sprache adäquat sein kann um es vollständig zu erreichen und verständlich zu machen.
Kant hob die Hauptmerkmale des ästhetischen Urteils hervor, den Geschmack.
1. Das erste Merkmal dieses Urteils ist Desinteresse. Unter Desinteresse versteht man die Gleichgültigkeit der Betrachtung gegenüber der Existenz eines Objekts.
2. Das zweite Merkmal: „Das Schöne ist das, was begriffslos als Gegenstand universeller Lust präsentiert wird.“
3. Drittens: "Schönheit ist eine Form der Zweckmäßigkeit eines Objekts, da sie darin ohne Vorstellung vom Ziel wahrgenommen wird."
4. Das vierte Merkmal: "Schön ist das, was ohne Vermittlung des Begriffs als Gegenstand notwendiger Lust bekannt ist."
Es geht darum, ein schönes Objekt so zu betrachten, als ob es nach einem vorsätzlichen Plan geschaffen wurde, mit einem bestimmten Ziel, das Ganze als den Teilen vorausgehend zu betrachten.
Wenn für Kant die ästhetische Urteilsfähigkeit mit der Natur als Quelle von Normen und Mustern korreliert und Genialität die von der Natur gegebene angeborene Kraft ist, der Kunst Regeln zu geben, dann begann sich bei den Neukantianern die Ästhetik ausschließlich auf subjektives Empfinden zu reduzieren , oder besser gesagt, zum ästhetischen Bewusstsein. Subjektivismus in der Ästhetik wurde von objektiven Idealisten bekämpft.
Die größte Berühmtheit erlangte Hegels objektiv-idealistische Ästhetik.
Schönheit ist nach Hegel die unmittelbare Anwesenheit einer Idee in einem konkreten Phänomen.
Schönheit ist das Erscheinen einer Idee auf der Stufe ihrer höchsten Entwicklung, auf der Stufe des absoluten Geistes, die alle bisherigen Entwicklungsstufen in ihren Inhalt aufgenommen hat;
Schönheit ist die Rückkehr des Geistes zu sich selbst nur in Form sinnlicher Betrachtung.
Schönheit und das Ästhetische überhaupt ist die sinnliche Anschauung der Wahrheit, die sich am vollsten in der Kunst verwirklicht.

Hegel ist es gelungen, den Inhalt der weltgeschichtlichen Entwicklung in Ästhetik und Kunst theoretisch einzubeziehen, er betrachtet Kunst und Ästhetik in Wirklichkeit als die unterste Stufe der Wahrheitserkenntnis. Dieses Stadium wird von Religion und Philosophie überwunden.
Das Ästhetische als Erkenntnis der Wahrheit in sinnlicher Form herrschte in jener geschichtlichen Zeit, als das Allgemeine nicht von der lebendigen Existenz im Gesonderten getrennt, das Gesetz nicht der Erscheinung und der Zweck dem Mittel gegenüberstand, sondern wo man war durch den anderen verstanden.
Die Kategorien der Ästhetik galten als Formen des Bewusstseins und der Überwindung von Widersprüchen: Das Schöne ist ein glücklicher Moment im historischen Prozess, wenn die Widersprüche zwischen Notwendigkeit und Freiheit, universellem und individuellem, zwischen kalter Pflichtforderung und glühender Sympathie aufgehen und Liebe werden überwunden und Harmonie zwischen Gesellschaft und Individuum hergestellt. Das Tragische betrachtete er als Verletzung der Harmonie, den Kampf isolierter Kräfte und das Komische als Wohlwollen, das Vertrauen auf seinen bedingungslosen Aufstieg über seinen eigenen Widerspruch.
Hegel leitete die Ästhetik aus der Tiefe des Seins ab – der absoluten Idee, die sich entwickelnd in objektiven und subjektiven Existenzformen verkörpert oder entfaltet. Der Beginn der Entfaltung der Idee – reines Sein – stellt sich als nichts gleich heraus, und aus diesem Nichts entsteht alles. Im Denken kann man mit nichts anfangen, aber dann reichert sich der Begriff mit zahlreichen Definitionen an und steigt zum Konkreten auf.
Russland des neuen Zeitalters.
In der Zeit der Neuzeit in Russland kann man von russischer religiöser Ästhetik sprechen, die an zu sein schien. An der Peripherie der kulturellen Bewegungen des 19. und 20. Jahrhunderts, die viele der wesentlichen Probleme der spirituellen Kultur ihrer Zeit und der Kultur im Allgemeinen klar und deutlich zum Ausdruck brachten, hielt Berdyaev (ein prominenter Vertreter der religiösen Ästhetik) an einer mystisch- romantische Ausrichtung. Eines der Hauptthemen seiner Philosophie war das Konzept der Kreativität; zwischen heidnischer und christlicher Kunst unterschieden; unterscheidet zwei Haupttypen künstlerischer Kreativität - Realismus und Symbolismus.
Wir können die prominentesten Ideen dieser Ästhetik herausgreifen:
1. Gefühl oder sogar ein klares Verständnis der tiefen Beziehung zwischen Kunst und Religion; Kunst und außerirdisches Geisterreich; Unterscheidung des Wesens der Kunst im Ausdruck (Phänomen, Darstellung) der objektiv existierenden geistigen Welt; eine Aussage über die Realität des Kontakts des Künstlers mit dieser Welt im Prozess des künstlerischen Schaffens.
2. Bewusstsein für die dramatische Zwietracht zwischen ästhetischem und ethischem, ästhetischem und religiösem Bewusstsein und schmerzhafte Versuche, sie auf theoretischer oder gestalterisch-praktischer Ebene zu überwinden. Praktiker – Schriftsteller und Künstler – spürten es besonders stark, weil sie intuitiv spürten, dass die Ziele und Zielsetzungen von Ethik, Ästhetik und Religion nah beieinander liegen und auf einer Ebene liegen: Ethik soll das Individuum mit der Gesellschaft in Einklang bringen, die Gesellschaft; die Ästhetik wies Wege auf, eine Person mit sich selbst und mit dem Universum als Ganzem in Einklang zu bringen; Die Religion errichtete Brücken zwischen dem Menschen und der Ersten Ursache
Sein - Gott.
3. Eine intensive Suche nach einem spirituellen, transformierenden Prinzip in Kultur und Kunst – sowohl auf theoretischer als auch auf künstlerischer Ebene.
4. Theurgie als die künstlerische Kreativität über die Grenzen der eigentlichen Kunst hinaus ins Leben bringen, die Transformation des Lebens selbst nach den ästhetischen und spirituellen Gesetzen der Kreativität, basierend auf göttlicher Hilfe.
5. Schließlich wurden die wesentlichen Merkmale des wichtigsten Phänomens der orthodoxen Kultur und der Hauptkategorie des ästhetischen Bewusstseins, der Ikone, formuliert.

Im Ansatz von Vl. Laut Solovyov ist die Essenz der Schönheit die Einheit oder die Einheit des Geistes von Geist und Seele, und das konkret-sinnliche, physische ist nur eine Form der Manifestation des Existierenden, die keine unvermeidliche, notwendige, inhärente Schönheit ist . Absolute Schönheit. außerhalb der physischen Inkarnation.

In der Zeit des Neuen Zeitalters ändert sich die Weltanschauung radikal.
Das Sein beginnt, in drei Kategorien begriffen zu werden: Natur, Mensch, Kultur.
Gott wird immer mehr aus der Zusammensetzung des Seins herausgedrängt, die Natur tritt an seine Stelle.
Der Mensch wird als Teil der Natur und zugleich als Person, individuell einzigartiges, unabhängiges Wesen betrachtet.
Kultur wird verstanden als das, was zwischen Natur und Subjekt steht, das, was der Mensch durch seine Tätigkeit selbst schafft.
Das Problem des Ästhetischen und der Kunst wird neu gedacht.

Seitdem hat die Ästhetik einen eigenen Status, ein eigenes Fach erlangt und ist zu einer eigenständigen Wissenschaft geworden.

Kant:
suchte nach dem Wesen des Ästhetischen im Menschen, in seinen Fähigkeiten.
kamen zu dem Schluss, dass wir erkennen, was unser Geist durch sinnliche Betrachtung und rationale Kategorien erschafft
die Welt der Natur und die Welt des Menschen, die Welt der Moral wurden auseinandergerissen. Ästhetisch ist nach Kant die angestrebte Versöhnungsfähigkeit. Die Versöhnung erfolgt nach dem Prinzip des ästhetischen Urteils.

Hauptmerkmale:
1. Desinteresse.
2. "Schön ist das Objekt universeller Freude."
3. „Schönheit ist eine Form der Zweckmäßigkeit eines Objekts“
4. "Schön ist das, was als Objekt des notwendigen Vergnügens bekannt ist."
Es geht darum, ein schönes Objekt so zu betrachten, als wäre es nach einem vorsätzlichen Plan mit einem bestimmten Zweck geschaffen worden.

Bei den Neukantianern begann die Reduktion des Ästhetischen auf das ästhetische Bewusstsein.

Hegel: das Vorhandensein einer Idee in einer konkreten Erscheinung.
Schönheit ist das Erscheinen einer Idee auf der Stufe ihrer höchsten Entwicklung;
Schönheit ist die Rückkehr des Geistes zu sich selbst in Form sinnlicher Betrachtung.
Schönheit und das Ästhetische ist die sinnliche Betrachtung der Wahrheit, die am vollsten in der Kunst verwirklicht wird.
Die Kategorien der Ästhetik galten als Überwindung von Widersprüchen:
Das Schöne ist ein glücklicher Moment im geschichtlichen Prozess, wenn die Widersprüche zwischen Notwendigkeit und Freiheit, Allgemeinem und Individuellem überwunden werden.
Tragisch als Verletzung der Harmonie, der Kampf der Kräfte.

Klassizismus:
Der „Ordnungsstil“, die Plastizität der Skulpturen symbolisierte die „ewigen“ und „unveränderlichen“ Wahrheiten der Einheit (Integrität) – die Wahrheiten des Guten und Schönen, die dem „Makrokosmos“ zugrunde liegen. Und da der Mensch als „Mikrokosmos“ verstanden wurde, konnte er auch mit ewigen und unveränderlichen Eigenschaften von Schönheit und Harmonie ausgestattet sein, die Vitruv symbolisch durch die in einen Kreis eingeschriebene Figur einer harmonischen Person darstellte.

Barock:
Am deutlichsten manifestierte sich der Stil in der Architektur:
1. Stärkung der Eigenschaften des Bildlichen; insbesondere in den Kompositionen von Fassaden:
a) Die Fassade wird zur Dekoration
b) die Fassade - als Abbild eines nicht existierenden, imaginären Gebäudes: Die Säulen ragen nach vorne, vertiefen sich, verwandeln sich in flache Pilaster; Fenster - mal als Spannweite, mal als Bildelement
2. Styling einiger Formulare für andere
3. Exzesse verschiedener Art (Detaillierung, Fülle an Dekorationen).

Rationalistische Grundlagen der Kultur

Es ist unmöglich, eine absolut genaue Grenze zwischen den Kulturen des 16. und 17. Jahrhunderts zu ziehen. Bereits im 16. Jahrhundert nahmen in den Lehren italienischer Naturphilosophen neue Vorstellungen von der Welt Gestalt an. Aber der wirkliche Wendepunkt in der Wissenschaft des Universums findet an der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert statt, als Giordano Bruno, Galileo Galilei und Kepler, die die heliozentrische Theorie von Copernicus entwickeln, zu dem Schluss kommen, dass es um die Pluralität der Welten geht die Unendlichkeit des Universums, in der die Erde nicht der Mittelpunkt ist, sondern ein kleines Teilchen, als die Erfindung des Teleskops und des Mikroskops dem Menschen die Existenz des unendlich Fernen und des unendlich Kleinen offenbarte.

Im 17. Jahrhundert veränderte sich das Verständnis vom Menschen, seiner Stellung in der Welt, dem Verhältnis von Individuum und Gesellschaft. Die Persönlichkeit des Renaissance-Menschen zeichnet sich durch absolute Einheit und Integrität aus, sie ist frei von Komplexität und Entwicklung. Persönlichkeit - der Renaissance - behauptet sich im Einklang mit der Natur, die eine gute Kraft ist. Die Energie eines Menschen sowie sein Vermögen bestimmen seinen Lebensweg. Dieser "idyllische" Humanismus war jedoch nicht mehr geeignet für die neue Zeit, in der der Mensch aufhörte, sich selbst als Mittelpunkt des Universums zu erkennen, als er die Komplexität und Widersprüchlichkeit des Lebens spürte, als er einen erbitterten Kampf gegen feudale Katholiken führen musste Reaktion.

Die Persönlichkeit des 17. Jahrhunderts ist nicht an sich wertvoll, wie die Persönlichkeit der Renaissance, sie hängt immer von der Umgebung, von der Natur und von der Masse der Menschen ab, denen sie sich zeigen, beeindrucken und überzeugen will. Diese Tendenz, einerseits die Vorstellungskraft der Massen anzuregen und sie andererseits zu überzeugen, ist eines der Hauptmerkmale der Kunst des 17. Jahrhunderts.

Die Kunst des 17. Jahrhunderts ist wie die Kunst der Renaissance vom Heldenkult geprägt. Aber das ist ein Held, der sich nicht durch Handlungen auszeichnet, sondern durch Gefühle, Erfahrungen. Davon zeugt nicht nur die Kunst, sondern auch die Philosophie des 17. Jahrhunderts. Descartes schafft die Doktrin der Leidenschaften, während Spinoza die menschlichen Begierden „als wären sie Linien, Ebenen und Körper“ betrachtet.

Diese neue Wahrnehmung der Welt und des Menschen konnte im 17. Jahrhundert je nach Gebrauch zwei Richtungen annehmen. In dieser komplexen, widersprüchlichen, facettenreichen Welt der Natur und der menschlichen Psyche könnten ihre chaotische, irrationale, dynamische und emotionale Seite, ihre illusorische Natur, ihre sinnlichen Qualitäten betont werden. Dieser Weg führte zum Barock.

Aber die Betonung könnte auch auf klare, deutliche Ideen gelegt werden, die Wahrheit und Ordnung in diesem Chaos durchschauen, auf das Denken, das mit seinen Konflikten ringt, auf die Vernunft, die Leidenschaften überwindet. Dieser Weg führte zum Klassizismus.

Barock und Klassizismus, die ihre klassische Gestaltung in Italien bzw. Frankreich erhalten hatten, verbreiteten sich mehr oder weniger in allen europäischen Ländern und waren die dominierenden Strömungen in der Kunstkultur des 17. Jahrhunderts.

Ästhetische Prinzipien des Barock

Der Barockstil hat seinen Ursprung in Italien, in einem Land, das in kleine Staaten zersplittert war, in einem Land, das eine Gegenreformation und eine starke feudale Reaktion erlebte, wo wohlhabende Bürger zu einer Landaristokratie wurden, in einem Land, in dem Theorie und Praxis des Manierismus blühten, und wo gleichzeitig in all seiner Helligkeit die reichsten Traditionen der künstlerischen Kultur der Renaissance bewahrt wurden. Der Barock hat seine Subjektivität aus dem Manierismus, seine Leidenschaft für die Realität aus der Renaissance, aber beides in einer neuen stilistischen Brechung. Und obwohl die Reste des Manierismus noch das erste und sogar das zweite Jahrzehnt des 17. Jahrhunderts beeinflussen, kann die Überwindung des Manierismus in Italien um 1600 im Wesentlichen als abgeschlossen angesehen werden.

Eines der charakteristischen Probleme der Barockästhetik ist das Problem der Überzeugung, das seinen Ursprung in der Rhetorik hat. Rhetorik unterscheidet Wahrheit nicht von Plausibilität; als Mittel der Überzeugung scheinen sie gleichwertig zu sein - und daraus folgt der illusorische, phantastische Subjektivismus der barocken Kunst, verbunden mit der Klassifizierung der "Kunst" -Technik, einen Effekt zu erzeugen, der einen subjektiven, irreführenden Eindruck von Plausibilität erzeugt.

Ausgehend von der Tatsache, dass das Hauptkonzept der barocken Ästhetik die Fähigkeit zu überzeugen ist, wird darunter die Fähigkeit verstanden, den Betrachter mit Hilfe eines bestimmten Einflussmittels, das ein Kunstwerk ist, zu überzeugen. Rhetorik schmückt die Sprache, gibt Begriffen und Gegenständen leichter wahrnehmbare Formen. Rhetorik ist untrennbar mit Literatur und Poesie verbunden, die sich oft mit Rhetorik identifiziert. Die Fähigkeit zur Überzeugung muss denjenigen überzeugen, berühren, überraschen, für den sie bestimmt ist. Der Autor muss daher bis ins kleinste Detail wissen, für wen sein Werk bestimmt ist, muss sie studieren und sich bei der Erstellung seiner Werke von diesem Wissen leiten lassen.

Gibt es anerkannte und verbindliche Methoden, den Betrachter, Leser, Zuhörer von ihrer Wirksamkeit zu überzeugen? Alle Methoden sind geeignet, sofern sie ihr Hauptziel erreichen - denjenigen zu überzeugen, für den sie bestimmt sind. Dabei tritt das Problem der Wahrheit oder Falschheit eines Kunstwerks in den Hintergrund, es wird unbedeutend. Illusorisch wird zum Prinzip. Der Leser und Betrachter muss erst einmal fassungslos, überrascht sein, und das gelingt mit Hilfe einer gekonnten Auswahl kurioser und ungewöhnlich komponierter Bilder.

Die meisten Barocktheoretiker waren Schriftsteller, aber in ihren Aussagen ist der Haupttrend der Barockzeit deutlich zu spüren - die Konvergenz verschiedener Kunstgattungen. Alle Künste sind miteinander verbunden und haben eine einzige Essenz. Sie unterscheiden sich nur in der Ausdrucksweise.

Rationalismus und Normativismus der Ästhetik des Klassizismus

Der Klassizismus ist einer der wichtigsten Bereiche der Kunst. Der Klassizismus hat sich in den Werken und der Kreativität vieler Generationen etabliert und eine brillante Galaxie von Dichtern und Schriftstellern, Malern und Musikern, Architekten, Bildhauern und Schauspielern hervorgebracht und solche Meilensteine ​​​​auf dem Weg der künstlerischen Entwicklung der Menschheit als Tragödien hinterlassen Corneille, Racine, Milton, Voltaire, Komödie Moliere Musik einschläfernd, Poesie La Fontaine, Park und architektonisches Ensemble von Versailles, Gemälde von Poussin.

Der Klassizismus beginnt seine Abrechnung ab dem 16. Jahrhundert, dominiert im 17. Jahrhundert, behauptet sich kraftvoll und beharrlich im 18. und frühen 19. Jahrhundert. Die Geschichte selbst bestätigt die Lebensfähigkeit der Traditionen des klassizistischen Kunstsystems und den Wert der zugrunde liegenden Welt- und Menschenkonzepte, vor allem den für den Klassizismus charakteristischen moralischen Imperativ.

Das Wort „Klassizismus“ (von lat. classicus – vorbildlich) verkörperte die stetige Orientierung der neuen Kunst am antiken „Muster“. Treue zum Geist der Antike bedeutete für die Klassiker jedoch weder eine bloße Wiederholung dieser antiken Vorbilder noch eine direkte Nachahmung antiker Theorien. Der Klassizismus war ein Spiegelbild der Ära der absoluten Monarchie und des Adels und der Bürokratie, auf denen die Monarchie basierte. Die Berufung auf die Kunst Griechenlands und Roms, die auch ein charakteristisches Merkmal der Renaissance war, kann an sich noch nicht als Klassizismus bezeichnet werden, obwohl sie bereits viele Züge dieser Richtung enthielt.

Die absolute Monarchie hat in der Geschichte Frankreichs eine doppelte Rolle gespielt. Die Kulturpolitik der absoluten Monarchie und ihre ästhetische Lehre – der Klassizismus – zeichneten sich durch dieselbe Dualität aus. Die monarchischen Höfe waren geprägt von dem Wunsch, alle künstlerischen Kräfte einer zentralisierenden Organisation unterzuordnen. Kardinal Richelieu schuf das offizielle Zentrum für Literatur und Sprache - die Französische Akademie. Unter Ludwig XIV. wurde die Akademie der Schönen Künste gegründet. In diesen Zentren der künstlerischen Kultur wurde viel Arbeit geleistet, um eine einzige literarische Sprache zu schaffen, sie von provinziellen Merkmalen und Überresten der Antike zu befreien, eine korrekte literarische Sprache zu entwickeln, Genres zu klassifizieren und so weiter. Ähnliche Aktivitäten betrieb die Akademie der Künste, die die bedeutendsten Maler und Kunsttheoretiker zusammenführte. Im Allgemeinen war all diese Aktivität von fortschreitender Bedeutung.

Nach den Codes der Kunst wurde vom Künstler in erster Linie "gestalterischer Adel" verlangt. Die Handlung des Bildes muss aufschlussreich gewesen sein. Daher wurden alle Arten von Allegorien besonders geschätzt, in denen mehr oder weniger konventionell aufgenommene Lebensbilder unmittelbar allgemeine Vorstellungen zum Ausdruck brachten. Das höchste Genre wurde als "historisch" angesehen, was antike Mythologie, Handlungen aus berühmten literarischen Werken, aus der Bibel und dergleichen umfasste. Porträt, Landschaft, Szenen des wirklichen Lebens galten als "kleines Genre". Das unbedeutendste Genre war das Stillleben.

In der Poesie hat der Klassizismus die rationale Entwicklung des Themas nach bestimmten Regeln in den Vordergrund gerückt. Das markanteste Beispiel dafür ist „Poetische Kunst“ bualo- eine Abhandlung in schönen Versen und mit vielen interessanten Ideen. Boileau hat die Forderung nach dem Primat des Inhalts in der poetischen Kunst gestellt, obwohl dieses Prinzip bei ihm in zu einseitiger Form - in Form einer abstrakten Unterordnung des Gefühls unter die Vernunft - zum Ausdruck kommt.

Ästhetik der europäischen Aufklärung

Die ästhetischen Theorien der Aufklärung wurden während der frühen bürgerlichen Revolutionen des 17.-18. Jahrhunderts geformt und sind Teil der Ideologie und Kultur ihrer Zeit. Aufklärer glaubten, dass die Reorganisation eines überholten Gesellschaftssystems durch die Verbreitung fortgeschrittener Ideen erfolgen sollte, durch den Kampf gegen Ignoranz, religiöse Dope, mittelalterliche Scholastik, unmenschliche feudale Moral, Kunst und Ästhetik, die den Bedürfnissen der oberen Schichten entsprach Der feudal-absolutistische Staat.

Bei aller Fortschrittlichkeit konnten die Aufklärer die Grenzen ihrer Epoche nicht überschreiten. Bei den Intrigen einer harmonischen Gesellschaft verließen sich die Aufklärer auf irgendeinen abstrakten „Bürger“, auf sein politisches und moralisches Bewusstsein, und keineswegs auf jene reale Person, die tatsächlich im Kapitalismus geformt wurde.

Aufklärer versuchten durch moralische, politische und ästhetische Bildung, die Transformation der Gesellschaft nach den Prinzipien der Gleichheit und Gerechtigkeit zu erreichen. Sie waren sich ganz klar bewusst, dass es Widersprüche zwischen privaten und öffentlichen Interessen, zwischen persönlichem Anspruch und Pflicht, zwischen Individuum und Gesellschaft gibt. Sie hofften, diese Widersprüche weitgehend durch ästhetische Bildung aufzulösen. Daher waren sie der Überzeugung, dass das ästhetische Prinzip in der Lage ist, den angeborenen Egoismus des Menschen zu mildern, einen Menschen zu einem „Individuum“ zu machen.

Unter dem Gesichtspunkt der Erziehung eines „Bürgers“, einer neuen Person, betrachteten die Aufklärer die grundlegenden Konzepte: schön, erhaben, Harmonie, Anmut, Geschmack ( Burke, Diderot ); die Probleme des Wesens und der sozialen Funktionen der Kunst, des künstlerischen Konflikts, des Charakters, der Wahrheit in der Kunst usw. wurden in demselben Sinne behandelt. Das Leitmotiv der ästhetischen Konzepte der Aufklärung war die Verteidigung der Kunst des hohen bürgerlichen Pathos, der Prinzipien des Realismus und des Humanismus. Er sprach über die Beziehung zwischen dem Schönen und dem Moralischen Shaftesbury .

Bei der Interpretation der Kategorien der Ästhetik gingen die Aufklärer von den Grundsätzen der Sensationsgier aus, einer solchen erkenntnistheoretischen Richtung, nach der die Sinnlichkeit die Hauptform zuverlässiger Erkenntnis ist. Die klassische Formel, die den Sensationsgier kennzeichnet, stammt von den Stoikern: "Es gibt nichts im Geist, was nicht vorher in den Sinnen war."

Theoretische Gestaltung des Faches Ästhetik

Begründer der deutschen Ästhetik war die Aufklärung und „Pate“ einer eigenständigen Sektion philosophischer Erkenntnis Baumgarten . Sein erkenntnistheoretisches System war in zwei Abschnitte unterteilt: Ästhetik und Logik. Die erste war eine Theorie des "niederen", sensorischen Wissens, die zweite - höhere, "intellektuelle". Zur Bezeichnung niederen Wissens wählte er den Begriff „Ästhetik“, der gleichzeitig als Empfindung, Gefühl und Wissen gedeutet wurde. Wenn also die Logik die Wissenschaft der intellektuellen Erkenntnis ist, also die Gesetze und Formen des Denkens, dann ist die Ästhetik die Wissenschaft der sinnlichen Erkenntnis. Dementsprechend gibt es zwei Arten von Urteilen: „logisch“ und „sensibel“ (sensorisch). Die ersteren beruhen auf bestimmten Vorstellungen, die letzteren auf vagen. Die auf klaren Vorstellungen beruhenden nennt er Vernunfturteile, die auf vagen Vorstellungen beruhenden nennt er Geschmacksurteile. Urteile der Vernunft geben uns Wahrheit, Urteile des Geschmacks geben uns Schönheit. Die objektive Grundlage des Verstandes- und Geschmacksurteils ist die Vollkommenheit, das heißt die Übereinstimmung der Gegenstände mit ihrem Begriff.

Wesen und öffentlicher Zweck der Kunst im Zeitalter der Aufklärung

Das Wesen der Kunst sah der deutsche Aufklärer in der Nachahmung der Natur Winkelmann. Die Nachahmung des Schönen in der Natur kann sich entweder auf ein einzelnes Objekt richten oder Beobachtungen an mehreren Einzelobjekten sammeln. Im ersten Fall wird eine ähnliche Kopie, ein Porträt, erhalten, im zweiten - ein ideales Bild. Winkelman hält den zweiten Weg für fruchtbarer. Der Künstler agiert hier nicht als Kopist, sondern als echter Schöpfer, denn bevor er ein Bild schafft, entwirft er einen allgemeinen Schönheitsbegriff und folgt dann dessen Vorbild. Ideale Schönheit transzendiert gewöhnliche Formen der Materie, überwindet ihre Begrenzungen.