"Der Kirschgarten"

Die Komödie von The Cherry Orchard ist der Struktur des Stücks innewohnend. Jeder Held ist in seine eigene Wahrheit versunken“, taucht in seine Erfahrungen ein und nimmt die Menschen um sich herum nicht wahr: ihren Schmerz, ihre Angst, ihre Freuden und Hoffnungen. Jeder der Charaktere spielt sozusagen seine eigene One-Man-Show. Aus diesen Ein-Mann-Shows formt sich eine klanglich so vielschichtige Aktion, sie ist zugleich Polyphonie (Polyphonie, ein eigens organisierter Chor aus unabhängigen Stimmen) und Dissonanz, der Klang ist inkonsequent, disharmonisch, wo beides Stimme strebt danach, einzigartig zu sein.

Woher kommt diese Selbstbezogenheit der Helden von The Cherry Orchard? Was hindert sie daran, einander zuzuhören: Schließlich sind sie alle enge Menschen, die versuchen, sich gegenseitig zu helfen, zu unterstützen und Unterstützung zu erhalten? Passen wir auf: Jeder der Charaktere gesteht, aber am Ende erweisen sich alle diese Geständnisse als an den Zuschauerraum gerichtet und nicht an die Bühnenpartner. Irgendwann merkt der Beichtvater, dass er das Wichtigste nicht erklären kann. Also wird Anya das Drama ihrer Mutter niemals verstehen, und Lyubov Andreevna selbst wird ihre Leidenschaft für Petyas Ideen niemals verstehen. Was „lässt“ die Helden des Stücks einander nicht sehen? Tatsache ist, dass jeder von ihnen nach der Intention des Autors nicht nur eine Person, sondern auch ein Darsteller einer bestimmten soziohistorischen Rolle ist: eine sogenannte "Geisel der Geschichte". Eine Person kann bis zu einem gewissen Grad ihre Persönlichkeit, ihre Beziehungen zu anderen korrigieren. Aber er kann seine Rolle nicht ändern, so fremd sie ihm auch sein mag. Die Diskrepanz zwischen dem inneren Wesen des Helden und der gesellschaftsgeschichtlichen Rolle, die er zu spielen gezwungen ist, ist das dramatische Wesen des Kirschgartens.

"Eine alte Frau, nichts in der Gegenwart, alles in der Vergangenheit", beschrieb Tschechow Ranevskaya in seinen Briefen an Stanislavsky, der das Stück inszenierte. Was ist ihre Vergangenheit? Ihre Jugend, ihr Familienleben, ihr blühender und fruchtbarer Kirschgarten – all das endete vor einigen Jahren, endete tragisch. Der Ehemann starb, das Anwesen verfiel, eine neue schmerzhafte Leidenschaft entstand. Und dann passierte das Unwiederbringliche: Grisha starb - ertrank im Fluss. Der Tod eines Sohnes ist die schrecklichste Tragödie. Für Ranevskaya war der Schrecken des Verlustes mit einem Schuldgefühl verbunden: Die Verliebtheit in ihren Geliebten, das Aufgehen in der Liebe, so scheint es ihr, entfremdete sie von ihrem Sohn. Vielleicht hätte der lächerliche Tod verhindert werden können? Vielleicht ist der Tod von Grisha eine Strafe für sie, Mutter, für eine inakzeptable Leidenschaft? Und Ranevskaya rennt von zu Hause weg - vom Kirschgarten, von ihren Töchtern, von ihrem Bruder, von dem Fluss, in dem ihr Sohn ertrunken ist - von ihrem ganzen früheren Leben, von ihrer Vergangenheit, die zu einer irreparablen Katastrophe wurde. Läuft, um nie wieder zurückzukehren, rennt, um irgendwo sein sündiges und lächerliches - nach dem Tod des Jungen - Leben zu beenden.

Ranevskaya ist in Paris. Der stechende Schmerz ließ nach, die erste Welle der Verzweiflung legte sich. Ranevskaya wurde durch Liebe gerettet. Gefühle für einen Menschen, der ihrer nicht würdig ist, für einen Schurken ... Aber ist es uns wirklich gegeben, zu wählen, wen wir lieben? Ja, er ist ein Schurke, ihr letzter Liebhaber, er hat sie ausgeraubt und verlassen und ist dann wieder zurückgekehrt - wieder ein Bettler. Und Lyubov Andreevna weiß alles über ihn, versteht alles - und will das nicht wissen und sich daran erinnern. Denn das Gefühl selbst ist wertvoll, denn für sie gibt es im Leben nichts Höheres als die Liebe.

Dies ist die einzige Heldin von The Cherry Orchard, die in einem Heiligenschein der Liebe lebt: Es ist kein Zufall, dass ihr Name Love ist. Vergangene und gegenwärtige Lieben sind in ihrer Seele miteinander verflochten, die Fähigkeit, uneigennützig und rücksichtslos zu lieben und sich vollständig dem Gefühl hinzugeben - das ist der "Schlüssel" zum Bild von Ranevskaya. "Das ist ein Stein an meinem Hals, ich gehe damit auf den Grund, aber ich liebe diesen Stein und kann ohne ihn nicht leben." Wer sonst von den russischen Heldinnen war so offen?!

Ihre gegenwärtige seltsame Pariser Existenz ist im Wesentlichen ein Leben nach dem anderen. Nichts aus der Vergangenheit wird vergessen. Die schreckliche Wunde ist nicht geheilt und wird niemals heilen. All die gespenstische Verbindung mit der Heimat und den Ureinwohnern. Es wird immer unmöglicher, entweder in Paris „sein Eigen“ zu werden oder in den Kirschgarten zurückzukehren ... Die Illusion, Absurdität des Daseins, Heimweh, Schuldgefühle gegenüber der Tochter und Stieftochter - für das Verlassen, für das Ausgeben ihres Vermögens - schmachten Lyubov Andreevna. Und jetzt wird vor unseren Augen ein entscheidender Schritt getan: Ranevskaya kehrt nach Hause zurück. Sie zerreißt Telegramme ihres Liebhabers, Tränen ohne zu lesen: Paris ist vorbei! Sie freut sich: „Ich möchte springen, mit den Armen winken … Gott weiß, ich liebe meine Heimat, ich liebe sie sehr, ich konnte nicht aus dem Auto schauen, ich habe immer geweint.“ "Wenn ich nur einen schweren Stein von meiner Brust und meinen Schultern entfernen könnte, wenn ich nur meine Vergangenheit vergessen könnte!"

Ranevskaya kehrt in das Haus zurück, in dem alle sie lieben, wo sie auf sie warten - und sie haben fünf "Pariser" Jahre treu gewartet. Und wo alle sie für irgendetwas verurteilen: für „Bösartigkeit“, für Frivolität … Niemand will sie so akzeptieren, wie sie ist; sie lieben sie, verurteilen und lachen. Und Ranevskaya selbst spürt dies sehr stark, akzeptiert die Gerechtigkeit der Vorwürfe und fühlt ständig ihre Schuld. Aber mit dem Schuldgefühl wächst die Entfremdung in ihr: Warum verlangen alle etwas von ihr, was sie nicht geben kann, warum erwarten sie, dass sie sich ändert, das wird, was andere in ihr sehen wollen, aufhört, sie selbst zu sein?! Je weiter, desto klarer wird: Sie ist hier fremd.

In der Liste der Charaktere wird Ranevskaya mit einem Wort bezeichnet: "Grundbesitzer". Aber dies ist eine Landbesitzerin, die nie wusste, wie sie ihren Nachlass verwalten sollte, ihn leidenschaftlich liebte – und es nicht schaffte, zu sparen. Ihre Flucht aus dem Anwesen nach Grishas Tod, das Belasten und Umschulden dieses Anwesens ... Nominell ist sie eine Landbesitzerin. Tatsächlich ist er ein Kind dieses Kirschgartens und kann ihn nicht vor Verderben und Tod retten.

Die Rolle des Grundbesitzers für Ranevskaya ist seit langem "ausgespielt". Die Rolle der Mutter ist auch: Anya geht in ein neues Leben, wo es keinen Platz für Lyubov Andreevna gibt; Varya arrangiert sich auf ihre eigene Weise ... Ranevskaya kehrt zurück, um für immer zu bleiben, und vollendet nur ihr früheres Leben. Sie ist überzeugt, dass es unmöglich ist, zweimal denselben Fluss zu betreten. Alle Hoffnungen verwandeln sich in eine Gedenkfeier für das frühere Leben: Die Vergangenheit ist tot, für immer vergangen. Sie durchlebte alle "Verschwörungen", die in Russland möglich sind. Das Mutterland nahm die verlorene Tochter nicht an: Die Rückkehr fand nicht statt. Und das gespenstische Pariser „Leben nach Leben“ entpuppt sich als einzige Realität. Ranevskaya kehrt nach Paris zurück – und in Russland, in ihrem Kirschgarten, klopft bereits die Axt.

Das Element der Liebe, der quälenden Leidenschaften, der Sünde und der Reue, in dem Ranevskaya lebt, ist den anderen Helden der Komödie fremd. Hier ist ihr Bruder und Kollege Gaev. Leonid Andreevich, ein Mann mittleren Alters, der bereits den größten Teil seines Lebens gelebt hat, denkt und handelt wie ein alter Junge. Aber Gaevs unerschöpfliche Jugend ist nicht wie die Leichtgläubigkeit und Leichtigkeit seiner Schwester. Er ist einfach infantil. Nicht die Jugend mit ihren rebellischen Leidenschaften hat sich in ihm bewahrt – Gaev, so scheint es, ist ihr nie gewachsen, hat nie die Schwelle des Kinderzimmers überschritten. Hilflos, gesprächig, seicht, wirklich nichts und niemanden liebend. "Croiset... Yellow in the middle..." Das Geräusch von Billardkugeln heilt seinen Schmerz nach dem Verlust des Kirschgartens vollständig... Aber auch in ihm, einem dummen Mann, geistig unentwickelt, sieht Tschechow etwas Süßes: das ist einer der exzentrischen Grundbesitzer des Landkreises, der auf seine Weise die Provinz in den alten Tagen schmückte und den russischen Adelsnestern einen besonderen Charme verlieh. Gaev - eine Figur seiner Zeit; komisch, lächerlich und erbärmlich in einem neuen Zeitalter.

Die Komödie hat mehrere miteinander verflochtene Handlungsstränge. Die Linie der gescheiterten Romanze zwischen Lopakhin und Varya endet vor allen anderen. Es baut auf Tschechows Lieblingstechnik auf: Am liebsten und am liebsten reden sie über das, was nicht ist, diskutieren die Details, streiten sich über die Kleinigkeiten – das Nichtvorhandene, Nichtbeachtende oder bewußt Vertuschen des Vorhandenen und Wesentlichen. Passen wir übrigens auf: Auch Gogol liebt diese Technik sehr. Erinnern wir uns, wie die ganze Stadt in "Dead Souls" geschmackvoll über die Chichikov-Bauern diskutierte, die nicht mehr auf der Welt waren, wie sie argumentierten, wie "Chichikovs Mann" sei, ob der neu geprägte Kherson-Grundbesitzer damit fertig werden würde dieser Bauer. Und wie Chichikov selbst mit Vergnügen, fast an die Realität seiner eigenen Erfindung glaubend, die Probleme seines Cherson-Anwesens diskutiert. Aber bei Gogol ist diese Technik darauf angelegt, das Zusammenspiel der realen und irrealen Schichten seiner künstlerischen Welt, die Verschmelzung von Phantasmagorie und Realität, immer wieder zu verstärken. Tschechow hingegen umgibt mit endlosen Gesprächen das Nicht-Existente, das Scheinende, um die sehr illusorische Natur nüchterner Berechnungen zu betonen, logische Pläne, die seine Helden in einer wackeligen und unzuverlässigen Welt bauen. Überzeugt, als wäre es vor langer Zeit beschlossen worden, spricht Ranevskaya über ihren Bruch mit "dieser Person" - und geht zu ihm ... Projekte zur Rettung des Gartens werden selbstbewusst diskutiert ... Sie sprechen über die Romanze zwischen Lopakhin und Varya . Aber warum ist dieser Roman nicht entstanden? Warum haben sich die Schicksale des Arbeiters Varya und des Geschäftsmanns Lopakhin nicht vereint? Und hier darf man fragen: Gab es eine Romanze? War es Wunschdenken?

Schauen wir uns das Bild von Lopakhin an. Tschechow selbst betrachtete seine Rolle in der Komödie als "zentral", schrieb Stanislawski, "wenn es scheitert, wird das ganze Stück scheitern". Tschechow bat Stanislavsky selbst, die Rolle von Lopakhin zu spielen, er glaubte, dass es außerhalb der Macht eines anderen Schauspielers lag: Er "würde entweder sehr blass spielen oder Streiche spielen, aus Lopakhin eine Faust machen ... Immerhin ist dies so kein Kaufmann im vulgären Sinne des Wortes, das muss man verstehen." Die Studenten des Moscow Art Theatre gingen jedoch nicht auf die Bitte des Autors ein, sie inszenierten The Cherry Orchard auf ihre eigene Weise. Und obwohl die Aufführung ein großer Erfolg war, war Tschechow äußerst unzufrieden mit der Inszenierung, reagierte scharf negativ, behauptete, das Theater verstehe das Stück nicht und sei gescheitert. Das Theater hatte das Recht auf seine eigene Interpretation, aber was der Dramatiker selbst in die Komödie einbrachte, warum nicht Ranevskaya und Gaeva, als sie mit Stanislavsky spielten, aber er stellte Lopakhin in den Mittelpunkt des figurativen Systems.

Die Figur des Kaufmanns beschäftigt die russische Literatur seit einem halben Jahrhundert. Zusammen mit dunklen Tyrannen und lächerlichen Neureichen suchten sie nach den Merkmalen eines neuen, intelligenten Kaufmanns, eines weisen und ehrlichen Unternehmers. Es ist diese Kombination aus uneigennütziger Liebe zur Schönheit – und kaufmännischer Ader, bäuerlicher Einfachheit – und einer subtilen künstlerischen Seele, die Tschechow im Bild von Lopakhin einzufangen und zu verkörpern versucht.

Lopakhin ist der einzige, der einen echten Plan zur Rettung des Kirschgartens anbietet. Und dieser Plan ist vor allem real, weil Lopakhin versteht, dass der Garten nicht in seiner früheren Form erhalten werden kann, seine Zeit ist vergangen, und jetzt kann der Garten nur gerettet werden, indem er neu organisiert und gemäß den Anforderungen der neuen Ära neu erstellt wird .

In der Tat war der Garten einst ein wichtiger Teil der Wirtschaft des Gutsbesitzers: "Früher, vor vierzig oder fünfzig Jahren, wurden Kirschen getrocknet, eingeweicht, eingelegt, Marmelade gekocht, und es geschah ... getrocknete Kirschen wurden mit Karren verschickt nach Moskau und Charkow. Es gab Geld Und dann waren getrocknete Kirschen weich, saftig, süß, duftend ... Dann kannten sie den Weg ... "- erinnert sich Firs. Jetzt ist diese Methode vergessen. Es herrscht ein katastrophaler Geldmangel, aber sie sparen Lebensmittel für die Diener, während die Kirsche nirgendwo hin kann, fällt sie und verschwindet. Der Garten ist zu einem Symbol geworden, hat aufgehört, eine Realität zu sein: Für alle außer Lopakhin ist er der Aufenthaltsort der Geister der Vergangenheit. Hier sieht Ranevskaya die verstorbene Mutter durch den Garten gehen. Hier erklärt Petya Anya: "... ist es möglich, dass Menschen dich nicht von jeder Kirsche im Garten, von jedem Blatt, von jedem Stamm aus ansehen, hörst du wirklich keine Stimmen ..."

Lopakhin strebt danach, den Garten wieder zum Leben zu erwecken – auch wenn es ihm neues Leben einhaucht und das alte fast negiert. "Die Aufteilung des Gartens in Sommerhäuser - die Idee, mit der Lopakhin herumstürmt - ist nicht nur die Zerstörung des Kirschgartens, sondern seine Neuorganisation, sozusagen das Gerät eines öffentlichen Kirschgartens. Mit diesem ehemaligen Luxus Garten, der nur wenigen diente, dieser neue, ausgedünnte und für jedermann zu einem vernünftigen Preis zugängliche Lopakhinsky-Garten korreliert wie die demokratische Stadtkultur der Tschechow-Ära mit der wunderbaren Gutshofkultur der Vergangenheit. (Kataev V. B. Literarische Verbindungen von Tschechow. - M.: Verlag der Staatlichen Universität Moskau, 1989). VB Kataev kommentiert sehr geschickt und subtil die Essenz von Lopakhins Idee. Ranevskayas Garten für ihn, einen Bauernsohn, einen Bauern, ist Teil der aristokratischen Elitekultur, ihrer Quintessenz. Was vor zwanzig Jahren unerreichbar war, liegt jetzt fast „auf der Straße herum“: und dieses Gefühl berauscht Lopakhin. Andererseits stirbt der Garten – und nur er, Lopakhin, kann diesen Schatz retten. Alle seine Versuche, den Garten für Ranevskaya zu retten, führen zu nichts: Sie hört Lopakhin nicht, versteht seine einfachen und klaren Argumente nicht. Tatsächlich existiert der Kirschgarten für Lyubov Andreevna nur in seiner ursprünglichen Form, in seiner Integrität. In Parzellen aufgeteilt und Datschen übergeben, ist der Garten immer noch verloren und zerstört: "... verkaufe mich zusammen mit dem Garten ..."

Lopakhin überzeugt Ranevskaya und Gaev, erklärt, beweist, bietet Geld an: Er versucht aufrichtig, den Garten für den Besitzer zu retten. Und am Ende entpuppt er sich selbst als Besitzer des Gartens – zufällig, unerwartet für sich und seine Mitmenschen. Er ist gleichzeitig glücklich – und niedergeschlagen, entmutigt von dem, was passiert ist: „Hey, Musiker, spielt, ich möchte euch zuhören! Kommt alle, um zu sehen, wie Yermolai Lopakhin den Kirschgarten mit einer Axt schlagen wird, wie die Bäume werden zu Boden fallen! Wir werden Datschen errichten, und unsere Enkel und Urenkel werden hier ein neues Leben sehen... Musik, spiel!... Warum, warum hast du nicht auf mich gehört? unglückliches Leben."

Denken wir über die letzten verzweifelten Worte von Lopakhin nach. Ihm – dem einzigen im Stück – wird die Möglichkeit geboten, sich der wirklichen Wahrheit zu nähern, zu einem tiefen Verständnis für das Wesen der Epoche. Lopakhin sieht nicht die individuellen privaten Sünden und Schuldgefühle von jemandem, sondern die tiefen Probleme des gesamten modernen Lebens: "Wir müssen ehrlich sagen, unser Leben ist dumm ... Wir scheißen uns voreinander auf die Nase und wissen, dass das Leben vergeht ... „Es ist dieses Verständnis der globalen Absurdität des modernen Lebens, seiner Unlogik, der Unmöglichkeit, so zu leben, wie man es möchte, in Harmonie mit sich selbst und der Welt, und stellt Lopakhin in den Mittelpunkt der Komödie.

Und jetzt überlegen wir: Könnte Varya von Lopakhin angezogen werden - grau, engstirnig, gefangen von kleinlichen wirtschaftlichen Berechnungen? Liebt Varya Lopakhin? Wie versteht sie Liebe? Denken Sie daran, Petya ist immer wütend, dass Varya ihn und Anya ausspioniert, er hat Angst, dass, egal wie sie eine Affäre haben, egal wie rechtswidrig es passiert. Und der Punkt ist nicht, dass Petya und Anya weit von Liebe entfernt sind, sondern in Varyas Prinzipien und Ansichten, in ihrer kleinlichen, rationalen, kleinbürgerlichen Wahrnehmung jeder menschlichen Beziehung – einschließlich ihrer Beziehung zu Lopakhin. Varya fragt sich nicht, ob sie Yermolai Alekseevich liebt und ob er sie liebt. Sie sieht ein passendes Match (vor allem, da es keine anderen Anwärter auf ihre Hand gibt, selbst ihre Umgebung hat niemanden, über den sie klatschen kann). Sie will heiraten. Und er wartet auf eine Liebeserklärung und einen Antrag von Lopakhin – und dass Lopakhin die lang ersehnten Worte nicht ausspricht, schreibt Warja seiner Tüchtigkeit zu: „Er hat viel zu tun, er ist mir nicht gewachsen , "und" er wird reicher, beschäftigt sich mit Geschäften ... " Varya wartet auf einen einfachen und logischen Lebensverlauf: Da Lopakhin oft in einem Haus ist, in dem es unverheiratete Mädchen gibt, von denen nur sie, Varya, "anpasst" für ihn bedeutet es, dass er heiraten muss, und nur die Beschäftigung hindert ihn daran, ihre Tugenden zu bemerken, nicht einmal der Gedanke kommt auf, die Situation anders zu betrachten, zu überlegen, ob Lopakhin sie liebt, ist sie für ihn interessant? basierend auf den Gesprächen anderer, dass diese Ehe erfolgreich sein würde, auf leerem Klatsch!

Es ist nicht Schüchternheit oder Geschäftigkeit, die Lopakhin davon abhält, sich Varya zu erklären. Als Jermolai Alekseevich erkennt, was alle von ihm erwarten, und erkennt, dass Varya ein „anständiges Match“ für ihn ist, zögert er immer noch und macht am Ende kein Angebot. Nun, er mag Varya nicht, er langweilt sich mit ihr! Parallel zu der angeblichen Romanze mit Varya, über die alle so viel reden, wird für Lopakhin ein weiterer Faden gezogen: Er „mag sein eigenes, mehr als sein eigenes“, liebt Ranevskaya. Diese Linie wird perfekt von V.B. Kataev: "Es wäre Ranevskaya und allen um sie herum unvorstellbar, absurd vorgekommen, und er selbst ist sich seiner Gefühle anscheinend nicht ganz bewusst. Aber es reicht aus, zu verfolgen, wie sich Lopakhin beispielsweise im zweiten Akt verhält, nachdem Ranevskaya es ihm gesagt hat so dass er Warja einen Heiratsantrag macht.Danach spricht er gereizt darüber, wie gut es früher war, als Männer bekämpft werden konnten, beginnt Petja taktlos zu ärgern.All dies ist die Folge seiner nachlassenden Stimmung, nachdem er das deutlich gesehen hat Ranevskaya und es kommt einem nie in den Sinn, seine Gefühle ernst zu nehmen. Und im weiteren Verlauf des Stücks wird diese unerwiderte Zärtlichkeit von Lopakhin noch einige Male durchbrechen.

Ein sterbender Garten und eine gescheiterte, sogar unbemerkte Liebe sind zwei übergreifende, intern miteinander verbundene Themen des Stücks "(Kataev V.B. Chekhovs Literary Relations. - M .: Verlag der Staatlichen Universität Moskau, 1989).

Ein Bauer, ein Bauernsohn, der den Erfolg im Leben nur sich selbst, seinen Fähigkeiten und seiner harten Arbeit verdankt, wird Lopakhin Besitzer eines Kirschgartens. Ihm gehört das glühendste Bekenntnis: "... ein Anwesen, schöner als das es nichts auf der Welt gibt." Keiner der Helden des Stücks sprach herzlicher und enthusiastischer über den Garten! Als Mann des Volkes nimmt er selbst in die Hand, was bisher nur dem Adel gehörte und was der Adel nicht halten konnte. Verlässt sich Tschechow auf Lopakhin? Ja sicher. Aber der Autor schmeichelt sich nicht mit den neuen Bauern, die sich wie Lopachin aus ihrem Kreis losgerissen haben. Neben Yermolai Alekseevich gibt es eine sehr "wichtige Figur - den Diener Jascha. Er ist derselbe Bauernsohn, er spürt auch den Abgrund zwischen seiner gegenwärtigen Position (er lebte in Paris! Er sah die Zivilisation! Er trat bei!) Und seiner Vergangenheit. Und dieser unverschämte, ekelhafte Rüpel setzt Lopakhin mit all seiner Essenz wider. Nicht nur das Russland von Ranevskaya und das Russland von Petya Trofimov sehen sich an, sondern auch das Russland von Lopakhin und das Russland von Lakai Yasha.

"... Lopakhin am Ende des Stücks, nachdem er Erfolg hatte, wird von Tschechow keineswegs als Gewinner gezeigt. Der gesamte Inhalt von The Cherry Orchard bekräftigt die Worte dieses Helden über ein "unbequemes, unglückliches Leben". „Kennen Sie sich selbst aus.“ Tatsächlich ist ein Mann, der allein wirklich zu schätzen weiß, was ein Kirschgarten ist, gezwungen (schließlich gibt es keinen anderen Ausweg aus der gegenwärtigen Situation), ihn mit eigenen Händen zu zerstören Mit gnadenloser Nüchternheit zeigt Tschechow in Der Kirschgarten die fatale Diskrepanz zwischen den persönlichen guten Eigenschaften eines Menschen, subjektiv gut "seinen Absichten - und den Ergebnissen seiner sozialen Aktivitäten" (Kataev V.B. Tschechows Literarische Verbindungen. - M .: Verlag of Moscow State University, 1989).Und auch hier kann man nicht umhin, an Gogols Dead Souls zu erinnern. Die Intrige von The Cherry Orchard spiegelt Gogols Chichikov wider, der seine ganze Kraft anstrengt, um Reichtum anzuhäufen und Herr des Lebens zu werden, und bricht absurd und unerwartet davon ab der "höchste Punkt" jedes seiner Betrügereien, wenn, wie es scheint, das Glück nahe ist. erwartungsvoll und unvermeidlich einen Kirschgarten erhält - "das Anwesen, schöner als das es nichts auf der Welt gibt" - Lopakhin, der verzweifelt versuchte, es für Ranevskaya zu retten.

Die Unerwartetheit einer solchen Wendung bestärkt seine Umgebung in der Meinung, dass er ein Kaufmann, Geldfresser ist, der nur an Profit denkt. Und der Abgrund, der Lopakhin von den anderen Figuren des Stücks trennt, wird immer tiefer. Drei ideologische und kompositorische Zentren sind im Stück vereint: Ranevskaya, Gaev und Varya - Lopakhin - Petya und Anya. Passen Sie auf: Unter ihnen ist nur Lopakhin absolut allein. Der Rest bildet stabile Gruppen. Wir haben die ersten beiden "Zentren" bereits verstanden, jetzt denken wir über das dritte Zentrum nach - über Petya Trofimov und Anya.

Die Hauptrolle spielt natürlich Petja. Diese Zahl ist widersprüchlich, die Haltung des Autors der Komödie und der Bewohner des Gutes ihm gegenüber widersprüchlich. Eine stabile Theatertradition ließ uns Petya als fortschrittlichen Denker und Figur sehen: Dies begann mit der ersten Produktion von Stanislawski, wo V. Kachalov Petya als Gorkis „Sturmschwalbe“ spielte. Diese Interpretation wurde auch in den meisten Literaturwissenschaften unterstützt, wo sich die Forscher auf Petyas Monologe stützten und sie nicht mit den Handlungen des Helden, mit der gesamten Struktur seiner Rolle, korrelierten. Erinnern wir uns in der Zwischenzeit daran, dass Tschechows Theater ein Theater der Intonation ist, kein Text, daher ist die traditionelle Interpretation von Trofimovs Bild grundlegend falsch.

Zunächst einmal sind literarische Wurzeln im Bild von Petya deutlich zu spüren. Es korreliert mit dem Helden von Turgenjews „Novi“ Nezhdanov und mit dem Helden von Ostrovskys Stück „Talente und Bewunderer“ Pyotr Meluzov. Ja, und Tschechow selbst hat lange Zeit diesen historischen und sozialen Typus studiert - den Typus des protestantischen Aufklärers. Solche sind Solomon in "The Steppe", Pavel Ivanovich in "Gusev", Yartsev in der Geschichte "Three Years", Dr. Blagovo in "My Life". Das Bild von Petya ist besonders eng mit dem Helden von The Bride, Sasha, verbunden - Forscher haben wiederholt festgestellt, dass diese Bilder sehr eng beieinander liegen, dass die Rollen von Petya und Sasha in der Handlung ähnlich sind: Beide werden benötigt, um junge Heldinnen zu fesseln in ein neues Leben. Aber das ständige, intensive Interesse, mit dem Tschechow auf diesen Typus blickte, der im Zeitalter der Zeitlosigkeit auftauchte und in verschiedenen Werken zu ihm zurückkehrte, führte dazu, dass er aus kleinen und episodischen Helden im letzten Stück zu einem zentralen Helden wurde - einem von die zentralen.

Einsam und rastlos wandert Petya durch Russland. Obdachlos, schäbig, praktisch ein Bettler ... Und doch ist er auf seine Weise glücklich: Dies ist der freieste und optimistischste der Helden von The Cherry Orchard. Wenn wir in dieses Bild schauen, verstehen wir: Petja lebt in einer anderen Welt als die anderen Komödienfiguren – er lebt in einer Welt der Ideen, die parallel zur Welt der realen Dinge und Beziehungen existiert. Ideen, grandiose Pläne, sozialphilosophische Systeme – das ist Petyas Welt, sein Element. Solch ein glückliches Dasein in einer anderen Dimension interessierte Tschechow und ließ ihn von Zeit zu Zeit einen genaueren Blick auf diesen Heldentypus werfen.

Petyas Beziehung zur realen Welt ist sehr angespannt. Er weiß nicht, wie er darin leben soll, für seine Umgebung ist er absurd und fremd, lächerlich und erbärmlich: „ein schäbiger Herr“, „ein ewiger Student“. An keiner Universität kann er sein Studium abschließen – überall wird er wegen Teilnahme an Studentenunruhen ausgewiesen. Er ist nicht im Einklang mit den Dingen - er macht immer alles kaputt, verirrt sich, stürzt. Selbst der Bart des armen Petit wächst nicht! Aber in der Welt der Ideen steigt er auf! Dort läuft alles geschickt und reibungslos, dort erfasst er subtil alle Muster, versteht tief das verborgene Wesen der Phänomene, ist bereit und in der Lage, alles zu erklären. Und schließlich sind alle Argumente von Petya über das Leben im modernen Russland sehr richtig! Er spricht treu und leidenschaftlich über die schreckliche Vergangenheit, beeinflusst die Gegenwart immer noch lebhaft und lässt seine krampfhafte Umarmung nicht los. Erinnern wir uns an seinen Monolog im zweiten Akt, in dem er Anya überzeugt, einen neuen Blick auf den Kirschgarten und ihr Leben zu werfen: „Um lebendige Seelen zu besitzen – schließlich hat es euch alle wiedergeboren, die zuvor gelebt haben und jetzt leben ..." Petja hat Recht! Etwas Ähnliches hat A.I. leidenschaftlich und überzeugend bewiesen. Herzen: in dem Artikel „Das Fleisch der Befreiung“ schrieb er, dass die Leibeigenschaft die Seelen der Menschen vergiftet habe, dass keine Dekrete das Schrecklichste abschaffen könnten – die Gewohnheit, seinesgleichen zu verkaufen … Petja spricht von der Notwendigkeit und Unausweichlichkeit der Erlösung: Gegenwart, wir müssen zuerst unsere Vergangenheit erlösen, ihr ein Ende setzen, und sie kann nur durch Leiden, nur durch außergewöhnliche, ununterbrochene Arbeit erlöst werden. Und das ist absolut richtig: Die Idee der Buße und Erlösung ist eine der reinsten und menschlichsten, die Grundlage der höchsten Moral.

Aber jetzt nimmt Petya es auf sich, nicht über Ideen zu sprechen, sondern über ihre wahre Verkörperung, und seine Reden beginnen sofort pompös und lächerlich zu klingen, das ganze Glaubenssystem verwandelt sich in eine einfache Phrasensammlung: „Ganz Russland ist unser Garten“ , „Die Menschheit bewegt sich auf die höchste Wahrheit zu, auf das höchste Glück, das nur auf Erden möglich ist, und ich bin an der Spitze!“

Petya spricht ebenso kleinlich von menschlichen Beziehungen, von Dingen, die keiner Logik unterliegen, die dem Ordnungssystem der Ideenwelt widersprechen. Denken Sie daran, wie taktlos seine Gespräche mit Ranevskaya über ihren Liebhaber, über ihren Kirschgarten, den Lyubov Andreevna begehrt und nicht retten kann, wie lächerlich und vulgär Petyas berühmte Worte klingen: "Wir stehen über der Liebe! .." Für ihn ist die Liebe Vergangenheit , einer Person, einem Haus, der Liebe überhaupt, ist dieses Gefühl selbst, seine Irrationalität, unzugänglich. Und deshalb ist die geistige Welt von Petya für Tschechow fehlerhaft, unvollständig. Und Petya, egal wie ernsthaft er über den Schrecken der Leibeigenschaft und die Notwendigkeit, die Vergangenheit durch Arbeit und Leid zu sühnen, argumentierte, ist genauso weit von einem wahren Verständnis des Lebens entfernt wie Gaev oder Varya. Es ist kein Zufall, dass Anya neben Petya gestellt wird - ein junges Mädchen, das noch immer keine eigene Meinung zu irgendetwas hat, das noch an der Schwelle zum wirklichen Leben steht.

Von allen Bewohnern und Gästen des Anwesens gelang es nur Anya, Petya Trofimov mit ihren Ideen zu fesseln, sie allein nimmt ihn absolut ernst. "Anya ist vor allem ein Kind, fröhlich bis zum Ende, das Leben nicht kennend und niemals weinend ..." - erklärte Tschechow den Schauspielern bei den Proben. Und so gehen sie paarweise: feindlich gegenüber der Welt der Dinge Petya und jung, "das Leben nicht kennend" Anya. Und Petya hat ein Ziel - klar und deutlich: "vorwärts - zum Stern".

Tschechows Ironie ist brillant. Seine Komödie hat auf erstaunliche Weise die ganze Absurdität des russischen Lebens am Ende des Jahrhunderts eingefangen, als das Alte vorbei war und das Neue noch nicht begonnen hatte. Einige Helden treten selbstbewusst an der Spitze der Menschheit hervor - zum Stern und verlassen den Kirschgarten ohne Reue. Was zu bereuen? Schließlich ist ganz Russland unser Garten! Andere Helden erleben schmerzlich den Verlust des Gartens. Für sie ist das der Verlust einer lebendigen Verbindung mit Russland und ihrer eigenen Vergangenheit, mit ihren Wurzeln, ohne die sie die befreiten Jahre nur irgendwie ausleben können, schon für immer fruchtlos und hoffnungslos ... Die Rettung des Gartens liegt in seiner radikalen Neuordnung , aber neues Leben bedeutet vor allem den Tod der Vergangenheit, und der Henker ist derjenige, der die Schönheit der sterbenden Welt am deutlichsten sieht.

Für einen Snack…….. über das Bild des Kirschgartens.

Der Kirschgarten ist ein komplexes und mehrdeutiges Bild. Dies ist nicht nur ein spezifischer Garten, der Teil des Nachlasses von Gaev und Ranevskaya ist, sondern auch ein Bildsymbol. Es symbolisiert nicht nur die Schönheit der russischen Natur, sondern vor allem die Schönheit des Lebens der Menschen, die diesen Garten angelegt und bewundert haben, jenes Leben, das mit dem Tod des Gartens zugrunde geht.

Das Bild des Kirschgartens vereint alle Helden des Stücks um sich. Auf den ersten Blick scheinen dies nur Verwandte und alte Bekannte zu sein, die sich zufällig auf dem Anwesen versammelt haben, um ihre alltäglichen Probleme zu lösen. Aber das ist nicht so. Der Autor verbindet Charaktere unterschiedlichen Alters und sozialer Gruppen, und sie müssen irgendwie über das Schicksal des Gartens und damit über ihr eigenes Schicksal entscheiden.

Eigentümer des Anwesens sind die russischen Landbesitzer Gaev und Ranevskaya. Sowohl Bruder als auch Schwester sind gebildete, intelligente, sensible Menschen. Sie wissen Schönheit zu schätzen, sie fühlen sie subtil, aber aufgrund ihrer Trägheit können sie nichts tun, um sie zu retten. Trotz all ihrer Entwicklung und ihres spirituellen Reichtums werden Gaev und Ranevskaya ihres Realitätssinns, ihrer Praktikabilität und Verantwortung beraubt und sind daher nicht in der Lage, für sich selbst oder ihre Lieben zu sorgen. Sie können Lopakhins Rat nicht befolgen und das Land vermieten, obwohl ihnen dies ein solides Einkommen bringen würde: "Datschas und Sommerbewohner - es ist so vulgär, tut mir leid." Sie werden durch besondere Gefühle, die sie mit dem Nachlass verbinden, daran gehindert, zu dieser Maßnahme zu gehen. Sie behandeln den Garten als eine lebendige Person, mit der sie viel gemeinsam haben. Der Kirschgarten ist für sie die Verkörperung eines vergangenen Lebens, einer vergangenen Jugend. Beim Blick aus dem Fenster auf den Garten ruft Ranevskaya aus: „Oh meine Kindheit, meine Reinheit! Ich habe in diesem Kinderzimmer geschlafen, habe von hier aus auf den Garten geschaut, jeden Morgen ist das Glück mit mir aufgewacht, und dann war es genau so, es hat sich nichts geändert. Und weiter: „O mein Garten! Nach einem dunklen, regnerischen Herbst und einem kalten Winter bist du wieder jung, voller Glück, die Engel des Himmels haben dich nicht verlassen ... “Ranevskaya spricht nicht nur über den Garten, sondern auch über sich selbst. Sie vergleicht ihr Leben unverblümt mit „dunklem Regenherbst“ und „kaltem Winter“. Als sie zu ihrem Gehöft zurückkehrte, fühlte sie sich wieder jung und glücklich.

Die Gefühle von Gaev und Ranevskaya werden von Lopakhin nicht geteilt. Ihr Verhalten erscheint ihm seltsam und unlogisch. Er fragt sich, warum sie nicht von den Argumenten eines besonnenen Auswegs aus einer schwierigen Situation berührt werden, die ihm so nahe liegen. Lopa-khin weiß das Schöne zu schätzen: Er ist fasziniert vom Garten, „es gibt nichts Schöneres auf der Welt.“ Aber er ist ein aktiver und praktischer Mann. Er kann den Garten nicht einfach bewundern und bedauern, ohne zu versuchen, etwas zu tun, um ihn zu retten. Er versucht aufrichtig, Gaev und Ranevskaya zu helfen, und überzeugt sie ständig: „Sowohl der Kirschgarten als auch das Land müssen für Sommerhäuser verpachtet werden, tun Sie es jetzt so schnell wie möglich - die Auktion ist in der Nase! Verstehe! Aber sie wollen nicht auf ihn hören. Gaev ist nur zu leeren Schwüren fähig: "Bei meiner Ehre, was auch immer Sie wollen, ich schwöre, dass das Anwesen nicht verkauft wird! ... Ich schwöre bei meinem Glück! ... dann nenne mich einen elenden, unehrenhaften Menschen, wenn ich es lasse Ich gehe zur Auktion! Ich schwöre es von ganzem Herzen!“

Die Auktion fand jedoch statt und Lopakhin kaufte das Anwesen. Für ihn hat dieses Ereignis eine besondere Bedeutung: „Ich habe ein Anwesen gekauft, wo mein Großvater und mein Vater Sklaven waren, wo sie nicht einmal in die Küche durften. Ich schlafe, es scheint mir nur, es scheint nur ... “So wird der Kauf eines Anwesens für Lopakhin zu einer Art Symbol seines Erfolgs, einer Belohnung für langjährige Arbeit. Er möchte, dass sein Vater und Großvater aus dem Grab auferstehen und sich darüber freuen, wie ihr Sohn und Enkel im Leben erfolgreich waren. Für Lopakhin ist der Kirschgarten nur Land, das verkauft, verpfändet oder gekauft werden kann. Vor Freude hält er es nicht einmal für nötig, elementares Fingerspitzengefühl gegenüber den ehemaligen Gutsbesitzern an den Tag zu legen. Er fängt an, den Garten abzuholzen, ohne darauf zu warten, dass sie gehen. In gewisser Weise ist ihm der seelenlose Diener Yasha verwandt, in dem Gefühle wie Freundlichkeit, Liebe zu seiner Mutter, Bindung an den Ort, an dem er geboren und aufgewachsen ist, völlig fehlen. Darin ist er das direkte Gegenteil von Firs, bei dem diese Eigenschaften ungewöhnlich entwickelt sind. Firs ist die älteste Person im Haus. Seit vielen Jahren dient er seinen Herren treu, liebt sie aufrichtig und ist väterlich bereit, sie vor allen Schwierigkeiten zu schützen. Vielleicht ist Firs die einzige Figur im Stück, die mit dieser Eigenschaft ausgestattet ist – Hingabe. Tannen sind eine sehr ganzheitliche Natur, und diese Integrität manifestiert sich vollständig in seiner Einstellung zum Garten. Der Garten des alten Dieners ist ein Familiennest, das er genauso zu beschützen trachtet wie seine Herren.

Petya Trofimov ist ein Vertreter einer neuen Generation. Das Schicksal des Kirschgartens ist ihm völlig egal. „Wir stehen über der Liebe“, erklärt er und gesteht damit seine Unfähigkeit, ein ernstes Gefühl zu haben. Petya betrachtet alles zu oberflächlich: Da er das wahre Leben nicht kennt, versucht er, es auf der Grundlage weit hergeholter Ideen wieder aufzubauen. Äußerlich sind Petya und Anya glücklich. Sie wollen in ein neues Leben gehen und mit der Vergangenheit entschieden brechen. Der Garten für sie ist "ganz Russland" und nicht nur dieser Kirschgarten. Aber ist es möglich, die ganze Welt zu lieben, ohne sein Zuhause zu lieben? Beide Helden eilen zu neuen Horizonten, verlieren aber ihre Wurzeln. Ein gegenseitiges Verständnis zwischen Ranevskaya und Trofimov ist unmöglich. Wenn es für Petya keine Vergangenheit und keine Erinnerungen gibt, dann ist Ranevskaya zutiefst traurig: „Schließlich bin ich hier geboren, mein Vater und meine Mutter haben hier gelebt, mein Großvater, ich liebe dieses Haus, ohne einen Kirschgarten verstehe ich mein nicht Leben ..."

Der Kirschgarten ist ein Symbol der Schönheit. Aber wer wird die Schönheit retten, wenn Menschen, die sie zu schätzen wissen, nicht in der Lage sind, dafür zu kämpfen, und energische und aktive Menschen sie nur als Quelle von Gewinn und Profit betrachten?

Der Kirschgarten ist ein Symbol der Vergangenheit, das dem Herzen und dem einheimischen Herd am Herzen liegt. Aber ist es möglich, vorwärts zu gehen, wenn hinter deinem Rücken das Geräusch einer Axt zu hören ist, die alles zerstört, was zuvor heilig war? Der Kirschgarten ist ein Symbol des Guten, und deshalb klingen Ausdrücke wie „Wurzeln schneiden“, „Blume zertrampeln“ oder „Baum mit Axt schlagen“ blasphemisch und unmenschlich.

Wenn wir über die Charaktere und Handlungen der Helden des Stücks nachdenken, denken wir über das Schicksal Russlands nach, das für uns derselbe „Kirschgarten“ ist.

Die in „Die Möwe“ entdeckte neue lyrisch-epische Struktur des dramatischen Werks setzte Tschechow bald in seinem anderen Stück „Onkel Wanja“ um, das er schlicht „Szenen aus dem Dorfleben“ nannte und damit Genregrenzen überwand. Hier begann er, noch entschiedener als zuvor, das Drama nicht auf Ereignissen aufzubauen, nicht auf dem Kampf gegensätzlicher „aufgeladener“ Willen, nicht auf der Bewegung zu einem sichtbaren Ziel, sondern auf dem einfachen, gemessenen Fluss des Alltags.
Wenn sich in „Die Möwe“ das von der Bühne genommene Geschehen noch auf die eine oder andere Weise ins Menschliche einkeilt

Das Leben verändert einen Menschen, dann treten in Onkel Wanja auch hinter den Kulissen keine Ereignisse auf. Der auffälligste Vorfall ist die Ankunft und Abreise des hauptstädtischen Professorenpaares Serebryakovs auf dem alten, heruntergekommenen Anwesen, wo Onkel Wanja und seine Nichte Sonja gewöhnlich müde leben und arbeiten. Auf dem Rasen spazieren gehen und über den Verlust des Lebenssinns sprechen, Seite an Seite mit Sorgen über das Mähen, Erinnerungen an die Vergangenheit werden durchsetzt mit einem Glas Wodka und dem Klimpern einer Gitarre.
Die Eröffnung ist abgeschlossen. „Nicht das Drama im Leben, sondern das Drama des Lebens selbst“ wurde entdeckt. Leben und Ereignisse wechseln Orte. Tschechow lehnt das alte Drama ab, das auf dem Ereignis aufgebaut ist, und entfaltet die Handlung des Stücks „außerhalb und abseits der Ereignisse“. Ereignisse sind nur Zufälle im Leben eines Menschen. „Ereignisse kommen und gehen, aber der Alltag bleibt und prüft einen Menschen bis zum Tod.“ Es ist diese Prüfung des Alltags, die am schwersten zu ertragen ist, die die Grundlage für eine neue Art von Drama bildet.
Im langsamen Rhythmus des sommerlichen Dorflebens braut sich allmählich von innen heraus ein Drama zusammen. Ein Drama, das ein oberflächlicher Blick nur für einen Sturm in einer Teetasse halten kann. Aber für diejenigen, die sich die Mühe machen, genau in den wahren Sinn des Geschehens zu blicken, eröffnet sich hier ein Konflikt von breitem epischem Gehalt. Er wird mitten in Schlaflosigkeit in eine stickige, stürmische Nacht gezwungen, als Voinitsky plötzlich klar versteht, wie dumm er sein Leben „verpasst“ hat.
"Leben ist vorbei! - dann wird Onkel Wanja verzweifelt schreien. Ich bin talentiert, klug, mutig. Wenn ich anders gelebt hätte, hätte Schopenhauer, Dostojewski aus mir herauskommen können.“ Dieser Schrei, der in der alten Villa widerhallt, verrät tatsächlich den Schmerzpunkt der Geschichte. Der Punkt ist nicht nur, dass das Leben eines unglücklichen Ivan Petrovich Voinitsky „verschwunden“ ist und einem übertriebenen Idol, einem gelehrten Cracker, diesem elenden Gicht Serebryakov, den er 25 Jahre lang als Genie verehrte, unter die Füße geworfen wurde die er zusammen mit Sonya resigniert bearbeitete und die letzten Gutssäfte auspresste. Die Rebellion von Onkel Wanja bedeutet zugleich den schmerzhaften Brechungsprozess der alten Autoritäten in der russischen Realität aus jener Zeit, als eine große historische Ära zu Ende ging und die Dogmen, die die Menschen in letzter Zeit in Bewegung gesetzt hatten, neu bewertet wurden. Das von Tschechow erstmals in „Iwanow“ aufgeworfene Thema als Vorbühnenhintergrund des Helden wird nun ins Zentrum der Arbeit gestellt.
Serebryakovs Kult, der viele Jahre fleißig und effizient, mit vollem Eifer und Verständnis geführt hat, ist gestürzt. Und Onkel Wanja, der Held des gekommenen Unglaubens, durchlebt schmerzlich eine Krise des Verfalls alter Werte: „Du hast mein Leben ruiniert! Ich habe nicht gelebt, nicht gelebt! Durch deine Barmherzigkeit habe ich die besten Jahre meines Lebens zerstört, zerstört! Du bist mein schlimmster Feind!“ Nachdem Voinitsky diese Tirade herausgeplatzt ist, schießt er unbeholfen auf Serebryakov - bam! - natürlich verfehlt er und fragt sich fassungslos, verwirrt: „Oh, was mache ich! Was mache ich?"
Das Drama von Onkel Wanja endet nicht mit diesem misslungenen Schuss. Er kann sich nicht einmal umbringen. Das Drama wird komplizierter. „Ein Schuss ist kein Drama, sondern ein Unfall. Drama wird folgen.“ erklärte Tschechow. Tatsächlich begann das Drama, als sich wieder eine Reihe grauer, magerer Tage erstreckte, die nur mit dem Zählen von Pfund Buchweizen und Pflanzenöl gefüllt waren. Das Ehepaar Serebrjakow geht. Onkel Wanja versöhnt sich mit dem Professor, verabschiedet sich für immer von der faulen Schönheit Elena. Alles wird wieder so sein wie früher. Verlassen haben. Schweigen. Die Grille knistert. Waffels Gitarre klingelt ein wenig. Konten klicken. Alles normalisiert sich wieder. Aber wie soll man den Rest seines Lebens leben, wie soll man jetzt die „Alltagsprüfung“ bestehen, jetzt, wo einem der Sinn und Sinn des Lebens, die „Grundidee“ genommen wird? Wie starte ich ein „neues Leben“? Dies ist das wahre „Extra-Event“-Drama von Voinitsky. Dies ist ein Drama „außerpersönlicher“ Natur, denn schließlich liegt der springende Punkt nicht bei Serebryakov. Tatsache ist, dass die ganze alte Welt zusammenbricht, zusammenbricht und ihre Risse durch die menschliche Seele gehen. Voinitsky versteht das immer noch nicht wirklich, er versucht immer noch, die klaffenden Löcher mit etwas zu stopfen, „um ein neues Leben zu beginnen“. Aber Dr. Astrov hält ihn verärgert zurück: „Hey, du! Welch neues Leben! Unsere Position, Ihre und meine, ist hoffnungslos.“ Der Prozess der tragischen Ernüchterung, den Onkel Wanja gerade schmerzlich erlebt hatte, liegt Astrow weit hinterher. Er täuscht sich nicht mit rettenden Luftspiegelungen. Er gibt ehrlich zu, dass er kein „Licht in der Ferne“ hat. Dr. Astrov glaubt schon lange an nichts mehr, er spürt, wie der „verachtenswerte Spießer“ mit seinen „faulen Dämpfen“ anständige, intelligente Menschen vergiftet, wie er selbst allmählich zum Zyniker, zum Vulgär wird, also trinkt er Wodka. Aber andererseits ist er frei von Illusionen, davon, falsche Götzen anzubeten. Wenn Voinitsky auf der Ebene des „Massenbewusstseins“ der durchschnittlichen russischen Intelligenz ist, dann steht Astrov eine Stufe höher. In diesem Sinne ist er nicht verschlossen durch seine Umwelt, Umgebung, Zeit. Er arbeitet wie kein anderer in der Grafschaft, kann Wälder pflanzen und darüber nachdenken, wie sie seinen entfernten Nachkommen Lärm machen werden. In seinem Bild steckt Poesie, Sinn für Schönheit, eine „luftige Perspektive“.
Das zukünftige unverkörperte Leben schimmert bisher nur im Unterstrom der gegenwärtigen Existenz. Tschechow macht es möglich, ihr Herannahen zu hören, ihre Andeutungen zu erraten. Er tut dies nicht direkt, sondern mit Hilfe einer speziellen Technik des Subtextes. Wenn Astrov im letzten Akt geht und einen zufälligen Satz über „ein brutzelndes Feuer in Afrika“ sagt, scheint darunter eine riesige Bedeutung zu schwanken und kann die kaum in Worte zu fassende Worthülle nicht durchbrechen. Deshalb brauchte Tschechow in „Onkel Wanja“ ein „offenes Ende“: Unser Leben ist nicht vorbei, es geht weiter. „Was tun“, sagt Sonya, die sich gerade vom Traum vom Glück verabschiedet hat, „man muss leben. Wir, Onkel Wanja, werden leben.“ Der Abakus klickt gewohnheitsmäßig. Vor dem Fenster klopft der Wächter mit einem Hammer. Die Aktion lässt langsam nach. Und wieder taucht Tschechows Motiv des geduldigen Abwartens auf – weniger Schicksalsergebenheit, sondern selbstlose Standhaftigkeit, Erwartung zukünftiger Gnade, Appell an die Ewigkeit: „Wir werden ruhen. wir werden den ganzen Himmel in Diamanten sehen.“

1. Tschechow schrieb über viele Dinge und über verschiedene Dinge, er schrieb viel über „düstere“ Menschen, aber es sind nicht ihre Bilder, die seinen weltweiten Ruhm bestätigen, sondern diese Werke, die vom Glauben seiner Helden sprechen ...
2. In der russischen Literatur berührten Schriftsteller häufig Themen, die für jede Epoche relevant waren. Von den Klassikern aufgeworfene Probleme wie das Konzept von Gut und Böse, die Suche nach dem Sinn des Lebens, der Einfluss der Umwelt ...
3. Der ideologische und thematische Inhalt des Stücks wird durch die Wende im Leben seiner Helden bestimmt. Sie alle entpuppen sich nicht als Opfer besonderer Umstände und ihrer persönlichen Eigenschaften, sondern als Opfer der globalen Gesetze der Geschichte: tatkräftig und tatkräftig...
4. Tschechow ist Autor sozialpsychologischer Theaterstücke, in denen Gefühlen und Erfahrungen verstärkte Aufmerksamkeit geschenkt wird. Tschechows Dramen sind von einer Atmosphäre allgemeiner Unzufriedenheit durchdrungen; Sie haben keine glücklichen Menschen. Die Helden sind zu deprimiert von ihren eigenen Problemen und...
5. ARKADINA ist die Heldin der Komödie „Die Möwe“ (1896) von A. P. Tschechow. „Charmante Vulgarität“, „charmante Kabotinka“, „selbstgefälliger und selbstbewusster Provinzstar“ – so lautet A. in der Einschätzung der Theaterkritik. Grundlage von A.s Charakter ist „der Wille, …
6. A. Bloks Gedicht „Die Zwölf“ wurde 1918 geschrieben. Es war eine schreckliche Zeit: Hinter vier Jahren Krieg steckte ein Gefühl der Freiheit in den Tagen der Februarrevolution, der Oktoberrevolution und der Machtübernahme der Bolschewiki, ...
7. Im Stück „Die Möwe“ werden viele Lebensprobleme angesprochen. Gleichzeitig verbirgt sich hinter alltäglichen Details eine außergewöhnliche Lyrik. "The Seagull" baut nicht auf einer actiongeladenen dramatischen Handlung auf, sondern auf einer tiefgehenden psychologischen Analyse der Charaktere. Tschechow...
8. Die Prosa von Anton Pawlowitsch Tschechow zeichnet sich durch Prägnanz, die Genauigkeit der Wortschatz- und Metaphernwahl und subtilen Humor aus. Der Autor ist ein unübertroffener Meister der Kurzgeschichte. Auf den Seiten seiner Werke singt und tanzt, weint und lacht das wirkliche Leben...
9. Wie sich die von den Klassikern ererbte Rezeption verändert hat, zeigt die erstaunliche Tschechow-Geschichte „Pferdefamilie“. „Frontangriff“ mit endlosen und ziemlich traditionellen Uzdechkins, Zherebtsovs und Roots, wie Sie wissen, nein ...
10. Der Tod eines Beamten ist eine der lustigsten Geschichten von Anton Pawlowitsch Tschechow. Selbst der tragische Ausgang überschattet nicht die Komik des Werks. Im Aufeinanderprallen von Lachen und Tod triumphiert das Lachen. Es bestimmt den Gesamtton...
11. In den 90er Jahren des 19. Jahrhunderts schrieb Anton Pawlowitsch Tschechow eine der bedeutendsten Geschichten - "Ward No. 6" - ein Werk, das sich auf das Spätwerk des Schriftstellers bezieht. Da ist keine Ironie mehr drin...
12. Wir mussten Aufführungen sehen, als das Publikum, das den Kirschgarten nicht gelesen hatte (es gibt einige unter denen, die eine höhere Schulbildung hatten), sich darauf vorbereitete, den Zuschauerraum zu verlassen, nachdem Anyas Stimmen hinter der Bühne erklangen ...
13. Die Welt von Tschechows Prosa ist unerschöpflich vielfältig. Tschechows Geschichten sind lakonisch und prägnant, aber wie viele lebendige Charaktere werden in ihnen nachgezeichnet, wie viele Schicksale! In den unbedeutendsten alltäglichen Ereignissen sieht der Schriftsteller innere Tiefe und psychologische ...
14. Das Bild der Möwe wird durch das Bild des Wassers grundlegend begleitet: Tschechow hat einen See. Wie in der Enzyklopädie "Mythen der Völker der Welt" angegeben, ist Wasser eines der grundlegenden Elemente des Universums. In einer Vielzahl heidnischer Überzeugungen ist Wasser ...
15. Nach Tschechows Tod sagte Leo Tolstoi: „Das Verdienst seiner Arbeit besteht darin, dass sie nicht nur für jeden Russen, sondern für jeden Menschen im Allgemeinen verständlich und angemessen ist. Und das ist die Hauptsache." Das Thema ... In zahlreichen Erzählungen dieser Zeit wendet sich Tschechow dem Studium der Seele des modernen Menschen zu, beeinflusst von verschiedenen sozialen, wissenschaftlichen und philosophischen Ideen: Pessimismus ("Lights", 1888), Sozialdarwinismus ("Duell", 1891), radikaler Populismus („Story...
16. Ich lernte zufällig die Werke von Anton Pawlowitsch Tschechow kennen. Dies ist ein großer Meister und Künstler des Wortes. Er kann in einer Kurzgeschichte das ganze Leben eines Menschen vermitteln, indem er sich an seine Regeln und Aphorismen hält: „Schreiben mit Talent, ...
17. Lopachin ist zwar Kaufmann, aber in jeder Hinsicht ein anständiger Mann. A. Tschechow. Aus Briefen Das Theaterstück „Der Kirschgarten“ wurde 1903 von Tschechow geschrieben, als sich in Russland große soziale Veränderungen anbahnten. Adel...

Ein Symbol basiert auf einer Allegorie, aber ein Symbol ist keine eindeutige Allegorie. Und genau das ist das Hauptsymbol des Stücks - das Bild einer Möwe. Dieses Bild ist mit dem Schatten von Treplev verbunden, der voraussagt, dass er sich wie diese Möwe töten wird, und mit dem Schicksal von Nina und Trigorin, die in der Möwe eine Verschwörung für eine Geschichte über das Schicksal eines Mädchens sahen Das Bild einer Möwe verwandelt sich in ein mehrwertiges Symbol für etwas Nutzloses und herzlos Vergessenes. Dieses Symbol wird dominant für die Bewertung alles im Stück dargestellten Lebens. Der See bekommt auch Symbolcharakter – eine Art Schauspiel

das Gesicht im Stück von Treplev und Chekhov selbst: „Oh, Hexensee!“ und eine Theaterbühne, die für Treplevs Auftritt gebaut wurde. Darauf wird ein Monolog über die Seele der Welt gelesen, hier erklingen Worte über die Liebe, und dann hört Medwedenko von hier jemanden weinen. Es war Nina, die um verlorene Hoffnungen weinte.

Somit ist (das Symbol des Lebens) beendet, und sein Ende ist traurig. Dialoge finden in einem hohen Maß an emotionaler Spannung statt. In der Schlussszene des Gesprächs spricht Trepleva mit Nina mehrmals über Pferde: „Meine Pferde stehen am Tor“; "Meine Pferde sind in der Nähe." Und obwohl wir verstehen, dass wir über alltägliche Details sprechen (keine Notwendigkeit, Nina zu verabschieden), bekommt das Bild von Pferden eine andere Bedeutung: Pferde sind ein Symbol für den Weg, den nicht begangenen Weg. „Die Möwe“ gibt nicht die Antwort, die am Ende der Reise wartet, da das Stück selbst das Leben als einen Prozess in Betracht zieht, der im Stück kein Ende hat. Er ist irgendwo draußen.

Ein interessantes Symbol ist der beabsichtigte literarische Charakter des Stücks, der sich insbesondere in Dialogen zeigt, die auf zahlreichen Reminiszenzen, beispielsweise an das Werk Shakespeares, aufbauen. So liest Arkady immer wieder die kindlichen Monologe der Königin aus Hamlet vor und antwortet ihr wie zum Spaß mit Hamlets Bemerkungen. Ninas Sprache, poetisch, ruckartig, scheint die Vergesslichkeit weniger ihrer selbst als ihrer Helden zu veranschaulichen. Dies ist ein Symbol für die intensivste Suche nach dem Sinn des Lebens, wie für die Heldin, an die man sich in der Szene des letzten Gesprächs mit Treplev erinnern muss.

Aus verworrenen, ruckartigen Sätzen folgt ein Symbol – das Kreuz und die Pflichten, die jeder tragen muss. Aber Nina hört hier nicht auf. Sie ist auf der Suche, wie alle Helden des Stücks "Die Möwe", - ein Symbol der Hoffnung, des Willens, der Flucht.

Manchmal wird es unheimlich, wenn man an das Leben, seinen Verlauf und Aufbau denkt. Wenn Sie den Tag analysieren, der zu Ende geht, kommen Sie plötzlich zu dem Schluss, dass das Leben leer ist. In der Tat, was haben Sie in diesen einzigartigen Stunden Ihres Daseins getan. Ich bin aufgewacht, habe meinen Morgenmarathon gestartet, habe gefrühstückt, zu Mittag gegessen, zu Abend gegessen, mich eine Weile vor dem Spiegel geputzt, eine Weile mit Freunden geplaudert, dort etwas unternommen. Nichts entdeckt, nichts erfunden. Der Tag verging in kleinen Dingen, wie gestern und solchen, die morgen sein werden. Der Mann ist bis ins kleinste Detail gefesselt.

Es ist dieser tragische Aspekt des Lebens, der für Tschechow sozusagen zur Hauptfigur seiner Erzählungen wird.

Lassen Sie uns seine Sammlung nach dem Zufallsprinzip öffnen. Hier ist „Lady with a Dog“, ein „prosaischer“ Fall von doppeltem Ehebruch, bei dem intime Beziehungen neben dem Essen von Wassermelonen stehen, während eine Frau ungewohnt weint. Und dann eine lange und gewöhnliche Verbindung mit dem ohnehin schon gewöhnlichen und sogar rituellen Suchen in Worten nach einem Ausweg aus der entstandenen Situation. Mein Gott, sind das Tristan und Isolde?!

„Der neunjährige Junge Vanka Zhukov, der zum Schuhmacher Alyakin geschickt wurde, ging in der Nacht vor Weihnachten nicht ins Bett.“ Der Junge schreibt Briefe an seinen Großvater im Dorf, und in diesem Brief gibt es wieder eine Reihe von Kleinigkeiten, die Menschenleben verschlingen und auf eine bessere Zukunft hoffen. Das Schlimmste ist, dass Vankas Mentoren einmal dieselbe Wissenschaft erlebt haben und anscheinend zu bestimmten Schlussfolgerungen gelangen mussten, ihre Schmerzen erwähnen ...

Obwohl! Belikovs schreckliche Kleinlichkeit wiederholt sich von Tag zu Tag. Warum wurde er ein „Mann in einem Fall“? Was hat seine Persönlichkeit verzerrt? Schließlich wurde er nicht so geboren, sondern wurde es im Laufe der Jahre. Ich sehe die Gründe für den Niedergang dieses Mannes aus Angst vor dem Staat nicht. Oft kommt es mir wie ein Fluchtversuch vor einem ekelhaften Leben vor, das mich mit Freudenversprechungen lockte und dann alles in eine Kette von Banalitäten und Lügen verwandelte. Und in der antiken griechischen Literatur gab es Helden, die gegen das Schicksal rebellierten, dem die unsterblichen Götter gehorchten.

Und Belikov starb, und auf seinem Gesicht hatte er einen Ausdruck der Freude. Jetzt war er doch frei vom Alltag, der Diakongott ist doch frei ...

Tatsächlich besteht das ganze Leben eines jeden Menschen zu neunundneunzig Prozent aus diesen kleinen Dingen. Von alltäglichen und gewöhnlichen Aktivitäten. Dies kann eine Quelle der Tragödie sein, kann eine Garantie für Glück sein. Lassen Sie mich diese Idee mit einem alten Gleichnis erklären.

„Der Reisende begegnete unterwegs einem Mann, der fluchend auf seinen mit Steinen gefüllten Schubkarren gestützt schob.

- Siehst du nicht? Ich fahre diese verdammten Steine ​​- das Unglück meines Lebens.

Was machst du, guter Mann?

- Siehst du nicht? Ich habe ein sagenhaftes Glück: Ich baue den Kölner Dom, der in keinem Land prächtiger sein wird.“

Tschechows Figuren wussten nicht, warum und wohin sie ihre Last schleppten – und jeder Tag wurde zu einer Verschwendung von Leben und Kraft. Wissen wir, wohin wir unseren Karren ziehen?

2.2 "Die Qual der Kreativität" Trigorin

Tschechow Dramaturgie spielen Möwe

Trigorin ist viel älter als Treplev, er gehört einer anderen Generation an und wirkt in seiner Kunstauffassung als Antipode zu Treplev. Es ist sozusagen der Gegenpol.

Trigorin ist zweifellos bedeutender und interessanter als Schriftsteller als als Person. Er ist ein bekannter Schriftsteller, halb im Scherz oder halb im Ernst sagen sie über ihn, dass man ihn nicht nur mit Tolstoi und Zola vergleichen kann, und viele halten ihn unmittelbar nach Turgenjew für würdig. Im Ernst, natürlich sollte man es nicht mit den Klassikern vergleichen. Aus den wenigen Beweisen, die über die Seiten des Stücks verstreut sind, kann man schließen, dass Trigorin wirklich talentiert ist. Kreativität ist für ihn jedoch nicht nur Brot, Spaß und Fans, wie für Arkadina, es ist für ihn sowohl eine schmerzhafte Krankheit als auch eine Obsession, sondern auch ein Synonym für das Leben. Trigorin ist einer der wenigen, der sich der Unangemessenheit seines Rollenspieldaseins bewusst ist: „Ich mag mich selbst nicht als Schriftsteller. Am schlimmsten ist, dass ich in einer Art Benommenheit bin und oft nicht verstehe, was ich schreibe. Aber dieses Bewusstsein wird nicht zu einem echten dramatischen Überschuss seines „Ich“.

Wie sind Trigorins Gespräche zu Beginn seiner Bekanntschaft mit Nina über sein Schreibhandwerk zu interpretieren? Sie werden ganz einfach, seriös, vertraulich durchgeführt. Es wird angenommen, dass der Autor des Stücks sowohl Trigorin als auch Treplev und Nina Sarechnaya seine Lieblingsgedanken über Kunst gibt. Aber irgendwie, am Rande der unfreiwilligen Ironie des Autors, bleiben Trigorins Geständnisse über seine „Qualen der Kreativität“ bestehen: Nach Anfällen göttlicher Inspiration besucht er ihn Gott weiß wann und wo, er liebt es, mit Angelruten zu sitzen und den Wagen im Auge zu behalten .

Und mittlerweile behauptet der scheinbar immer noch mittelgroße Künstler, er sei ein Musterfeind: Er verstehe es, „gemeinsame Orte“ bissig ins Lächerliche zu ziehen. Sein Kreativitätsstil ist nicht innovativ, aber er sucht auch nach neuen Formen, er macht beispielsweise darauf aufmerksam, dass die Wolke wie ein "Klavier" aussieht, und selbst Turgenev würde sich einen solchen Vergleich nicht trauen. Der Suchende nach neuen Formen, Treplev, bemerkt neidisch in einer Geschichte von Trigorin eine lakonische Beschreibung einer Mondnacht, in der gesagt wird, dass der Hals einer Flasche auf dem Damm der Mühle leuchtete - das ist die ganze Nacht für Sie.

Trigorin ist für alles außer seinen Notizbüchern blind und taub, er sieht nur Bilder. Er ist Salieri und kann nicht begreifen, dass er die Musik wie eine Leiche zerreißt. Landschaften zerlegt er in talentierte, ja geniale Miniaturen, er macht sie zu Stillleben, natur mort - tote Natur. Auch wenn er die zivilen Aufgaben seiner Arbeit, die Verantwortung für das Wort an den Leser, die "erzieherische Funktion der Kunst" versteht, fühlt er sich nicht in der Lage, auf diesem Gebiet etwas zu tun - nicht dieses Talent. Aber ein Dichter in Russland ist mehr als nur ein Dichter.

Trigorins Leiden ist bedeutender, tiefer und bedeutungsvoller als Treplevs Leiden. Als erfahrener Handwerker spürt Trigorin schmerzlich das Gewicht eines Talents, das nicht von einem großen Ziel inspiriert ist. Er empfindet sein Talent als gusseisernen Kern, an den er gebunden ist, wie ein Sträfling, und nicht als „göttliche Gabe“.

Tschechow verband viel Eigenes und Persönliches mit den Gedanken des Schriftstellers Trigorin. Besonders deutlich wird dies in jenen tragischen Worten, mit denen Trigorin auf Ninas Kindheitsfreuden antwortet, auf ihre Bewunderung für seinen Erfolg und Ruhm.

„Welcher Erfolg? Trigorin ist aufrichtig überrascht. - Ich mochte mich nie. Ich liebe mich nicht als Schriftsteller... Ich liebe dieses Wasser, die Bäume, den Himmel, ich spüre die Natur, sie weckt Leidenschaft in mir, ein unwiderstehliches Verlangen zu schreiben. Aber ich bin nicht nur Landschaftsmaler, ich bin immer noch Bürger, ich liebe meine Heimat, die Menschen, ich habe das Gefühl, wenn ich Schriftsteller bin, dann muss ich über die Menschen sprechen, über ihr Leid, über ihr Zukunft, rede über Wissenschaft, Menschenrechte usw. und so weiter, und ich rede über alles, ich habe es eilig, sie drängen mich von allen Seiten, sie werden wütend, ich hetze von einer Seite zur anderen, wie ein Fuchs, von Hunden gejagt, ich sehe, dass das Leben und die Wissenschaft immer weitergehen, aber ich hinke immer und immer wieder hinterher wie ein Mann, der den Zug verpasst, und am Ende habe ich das Gefühl, dass ich nur eine Landschaft malen kann, und hinein alles andere bin ich falsch und falsch bis ins Mark meiner Knochen. Trigorin fühlt sich als Schriftsteller seiner Heimat verpflichtet, er hat das Bedürfnis, den Menschen hohe bürgerliche Gefühle zu vermitteln. In der russischen Literatur wird das Thema „Dichter und Bürger“ am lautesten von N. A. Nekrasov angesprochen. Aber das Bedürfnis danach hallte in der Seele jedes Schöpfers wider.

Trigorin läuft Gefahr, seine kreative Inspiration, Leidenschaft, sein Pathos zu verlieren, eine Gefahr, die sich aus dem Fehlen einer gemeinsamen Idee ergibt. Die Schwierigkeiten des Künstlers erscheinen im Bild von Trigorin in einer viel ernsteren Version als bei Treplev. Treplev wurde nicht von der Suche nach einer Weltanschauung, dem Bewusstsein der Pflicht und Verantwortung des Schriftstellers gegenüber seiner Heimat und seinem Volk gequält.

Aus der Tatsache, dass Trigorin Gefahr läuft, sein kreatives Feuer zu verlieren, wäre es natürlich falsch, Trigorin auf den kalten Handwerker, den gleichgültigen Routinisten zu schließen, als den ihn Treplev darstellt. Würde ein gleichgültiger Routinist unter dem Bewusstsein der Schwächen und Mängel seiner Kunst so leiden wie Trigorin?

Ein weiteres großes Thema, das viele Künstler quälte, ist auch mit dem Bild von Trigorin verbunden. Die Kunst absorbiert, frisst Trigorin so auf, dass er für das gewöhnliche menschliche Leben weder den Willen noch die Fähigkeit zu großen und ganzheitlichen Gefühlen hat. Das ist das allgemeine Problem des Künstlers in der bürgerlichen Gesellschaft, in der, wie Marx betonte, die Siege der Kunst um den Preis einer gewissen moralischen Minderwertigkeit des Künstlers errungen werden. Trigorin beschwert sich bei Nina: „... ich fühle, dass ich mein eigenes Leben esse, dass ich für den Honig, den ich jemandem im Weltraum gebe, Staub von meinen besten Blumen sammle, die Blumen selbst zerreiße und ihre Wurzeln zertrete. Bin ich nicht verrückt?

Aber wie dem auch sei, Trigorin verdient auch keine tiefe, "ewige" Liebe zur Kunst. Er selbst verlässt diese Liebe. Er hat Treplev mit all seinen Vorteilen übertrieben, hat immer noch keine große, starke Seele, die Fähigkeit zu integralen Gefühlen. Und seine Kreativität ist begrenzt. Er empfindet sein Talent nicht als Freiheit, sondern als Sklaverei, die seine Persönlichkeit an der Leine hält.

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Bereits die ersten Bücher von Paulo Coelho „Das Tagebuch eines Zauberers“ (1987) und „Der Alchemist“ (1988) machten ihn zu einem der bekanntesten Schriftsteller unserer Zeit. Dann gab es "The Bridle" (1990), "The Walküren" (1992), "Am Ufer des Rio Pedra setzte ich mich hin und weinte" (1996) ...

Semantik von Texten von V.V. Mayakovsky in individueller Wahrnehmung (am Beispiel des Gedichts "Lilichka! Statt eines Briefes")

In der Kunst des 20. Jahrhunderts ist V. Mayakovsky ein Phänomen enormen Ausmaßes. In seinem schöpferischen Erbe finden wir Lyrik und Satire, Gedichte und Theaterstücke, Essays und kritische Artikel, Werbegedichte und Zeichnungen. Aber wahre Größe...

Kreative Individualität von A.P. Tschechow

1860, 17. Januar (29). Anton Pawlowitsch Tschechow wurde in Taganrog geboren. 1869 -1879. Studieren am Gymnasium. 1877. Erster Besuch in Moskau. 1877 - 1878. "Ein Stück ohne Titel" ("Vaterlos") 1879. Eintritt in die medizinische Fakultät der Moskauer Universität. 1880, 9. März ...

Das kreative Schicksal von Joseph Brodsky

Hier ist eine Biographie von Joseph Alexandrovich Brodsky, präsentiert in der American Encyclopedia. Brodsky, Joseph (1940-1996), ist ein Dichter und Essayist, der 1987 den Nobelpreis für Literatur erhielt. Er wurde in Leningrad in der Sowjetunion (heute St. Petersburg, Russland) geboren und kam 1972 in die USA. 1991...

Das Schreiben

Der herausragende russische Schriftsteller Anton Pawlowitsch Tschechow leistete einen unschätzbaren Beitrag zur Entwicklung nicht nur der heimischen, sondern auch der weltweiten Dramaturgie, indem er dem Drama neue Prinzipien hinzufügte. Seit der Antike strebt diese Art der Kreativität nach der Einheit von Zeit, Ort und Handlung, das Drama baut immer auf Reden und Handeln auf. Die Hauptrolle jeder dramatischen Arbeit ist der Konflikt. Das Verständnis des Konflikts bedingt das Verständnis des Dramas als Ganzes. Im Drama charakterisieren sich Charaktere oft durch ihre Handlungen und Worte. Jeder bedeutende Charakter sollte ein bestimmtes Hauptmerkmal haben. Bei The Seagull gilt jedoch ein anderes Prinzip, in diesem Stück gibt es keine eindeutige Einteilung in Schurken oder Helden, Gut oder Böse.

In Die Möwe, wie in allen anderen dramatischen Werken von Tschechow, gibt es sogenannte dominante Wörter, die die Hauptbedeutungen des Werks bestimmen. Dies sind Wörter wie "Leben", "Liebe", "Kunst". Diese Wörter existieren auf verschiedenen Ebenen. Der Begriff "Leben" ist für Tschechow sowohl ein Problem als auch eine Erfahrung seiner Werte. Tschechow als Schöpfer und als Mensch hat das Bewusstsein für die Vergänglichkeit des Lebens besonders stark wahrgenommen (der Schriftsteller war an Tuberkulose erkrankt). Die Liebe in Die Möwe ist, wie in fast allen dramatischen Werken, einer der wichtigsten Motoren der Handlung.
Die Kunst (für die Charaktere von The Seagull ist dies hauptsächlich Literatur und Theater) macht eine riesige Schicht der Ideale der Helden aus, dies ist ihr Beruf und Hobby.
Alle Charaktere des analysierten Stücks eint eine gemeinsame Eigenschaft: Jeder erlebt sein Schicksal allein, und niemand kann einem Freund helfen. Alle Charaktere sind bis zu einem gewissen Grad mit dem Leben unzufrieden, auf sich selbst, auf ihre persönlichen Erfahrungen und Wünsche konzentriert.
Die beiden Hauptfiguren des Stücks - Arkadina und Zarechnaya - sind Schauspielerinnen, Trigorin und Treplev sind Schriftsteller, Sorim träumte auch davon, einmal sein Leben mit Literatur zu verbinden, hatte aber keinen Erfolg als Schriftsteller. Shamraev, obwohl nicht direkt ein Künstler, steht ihm dennoch nahe und interessiert sich für ihn, insbesondere für literarische Arbeiten. Dorn kann auch als "paraliterarische Figur" bezeichnet werden.
Ein Merkmal des dramatischen Werks ist das Fehlen von Abschweifungen des Autors. Und da der Schöpfer des Dramas keine Möglichkeit hat, die Charaktere und Handlungen seiner Figuren textlich zu bewerten, tut er dies durch ihre Rede und Nachnamen. Die Namen der Charaktere in The Seagull sagen viel aus.
Der Nachname Arkadina hat mehrere Quellen. "Arkady" - im Theaterjargon bedeutete der Verkleinerungsname des Schauspielers. Darüber hinaus ist Arkadien ein Land der idealen Träume, in dem die Kunst einen Menschen anstrebt und führt. Arkadina ist wirklich in die Kunst vertieft, die Bühne, sie kann sich eine Existenz ohne diesen Lebensbereich nicht vorstellen. Je mehr wir sie jedoch kennenlernen, desto mehr beginnen wir zu verstehen, dass das Wichtigste für diese Frau nicht die Kunst an sich ist, sondern nur, wie „sie aufgenommen wurde“. Auch der Nachname ihres Sohnes hat mehrere Bedeutungen. Erstens "to wag" - also ziehen, reißen, stören usw. Die zweite Bedeutung ist "to wag" - viel reden und nicht auf den Punkt kommen. Die dritte Bedeutung dieses Wortes ist "Tripolis" - der alte Name des Wachtelvogels. Forscher bemerken noch eine weitere, verlorene Bedeutung: Tripol ist ein Kieselstein, der geschnitten wird, zerbrechen bedeutet polieren, etwas polieren. Die Nachnamen Sorin und Medvedenko sind eloquent und bedürfen keiner Kommentare. Der erste verkörpert Nutzlosigkeit, Müll, - der zweite - einen rauen, engstirnigen Trottel. Der Nachname der zweiten Hauptfigur von "The Seagull" Zarechnaya bedeutet etwas Unerreichbares, schafft eine Aura von Romantik, Träumen. Das Mädchen, in das Treplev sich lange und tief verliebt hatte, blieb für ihn immer unerreichbar.
Die Ursprünge von Shamraevs Nachnamen liegen im Wort "chamra", dessen wörtliche Übersetzung Dunst, Düsternis, Dämmerung bedeutet. Der Schriftsteller Trigorin ist sicherlich eine versierte Persönlichkeit. Sein Nachname symbolisiert Erfolg. Der Schriftsteller bezwang die drei wichtigsten Gipfel des Lebens, drei Berge: Liebe, Kunst, Leben. "Dorn" bedeutet in der Übersetzung aus dem Deutschen einen Dorn, einen Dorn.
Wenn Sie sich fragen, was die treibende Kraft im Spiel ist, wird die Antwort mehrdeutig sein. Tschechow blieb seinem künstlerischen Grundsatz treu: Es gibt keine Heiligen und Schurken. Die Charaktere der Charaktere entwickeln sich nicht im Laufe des Stücks, sondern bleiben auch lange unverändert. Nina Zarechnaya zum Beispiel, die so viele verschiedene, meist traurige Ereignisse erlebt hat, bleibt immer noch dieselbe wie zu Beginn der Arbeit. Diese Unveränderlichkeit kann jedoch nicht als statisch bezeichnet werden, sie ist eine andere besondere Qualität. Die Handlung wird also nicht von Metamorphosen im Weltbild der Figuren getrieben.
Turgenev schrieb: „Wenn es widersprüchliche Charaktere gibt, werden sie definitiv zur Handlung beitragen. Was das Stück "Die Möwe" betrifft, so gibt es natürlich Widersprüche zwischen den Charakteren. Zum Beispiel das Missverhältnis menschlicher Zuneigung, unerwiderte Liebe: Masha liebt Treplev, Medvedenko liebt sie, Mashas Mutter ist in Dr. Dorn verliebt, genau wie ihre Tochter, unerwidert. Treplev liebt Nina Zarechnaya, Nina hat ein tiefes Gefühl für Trigorin. Auch Treilev leidet unter der Kälte seiner Mutter ihm gegenüber. Arkadina liebt ihren Sohn nicht - das wird im ganzen Stück immer wieder betont. Liebe und kreative Linien kreuzen sich und erzeugen immer mehr Kollisionen. All diese Widersprüche führen jedoch nicht zu einem Konflikt der Persönlichkeiten, verursachen keinen antagonistischen Kampf zwischen den Charakteren. Die Helden des Stücks sind im Großen und Ganzen willensschwache, faule Menschen ohne Initiative.
Trotzdem schreitet die Handlung ziemlich schnell voran. Was treibt sie an? Höchstwahrscheinlich das Leben selbst.
Treplev ist vielleicht die vollständigste Persönlichkeit unter den Hauptfiguren des Stücks. Für ihn stehen Kunst und Nina Zarechnaya an erster Stelle. Der junge Mann ist ständig bestrebt, neue Formen zu schaffen, er ist schwer verletzt von der gleichgültigen Vernachlässigung dieser Versuche durch seine Mutter. Und selbst wenn Treplev ein veröffentlichter Schriftsteller wird, lesen weder Arkadina noch Trigorin seine Werke im Prinzip. Dies zeigt ihre negative Einstellung zu allem Neuen.
Ein weiteres Merkmal des Stücks "The Seagull" ist die Sprache der Charaktere. Es ist normal, Bemerkungen werden oft zufällig gemacht, Dialoge sind intermittierend. Helden werden hin und wieder abgelenkt, was oft den Eindruck eines Unfalls der gesprochenen Sätze erweckt. Das Stück enthält verbale Dominanten. Arkadina - "wie ich gespielt habe ..."; bei Nina - "Ich bin eine Möwe, glaube ich ..."; bei Sorin - ich bin gefährlich krank ..."; Shamraev - "Ich kann keine Pferde geben ..."; Dorn - "Ich war, ich wollte sein ..."; mit Medvedenko ist es schwierig zu leben ... ".
Tschechow gelang es, den subtilsten Subtext meisterhaft zu entwickeln. Worte in einem Theaterstück sind sehr oft nicht mit Taten verbunden. Der Ablauf des Stücks findet fast keinen Ausdruck in Worten und Taten. Der Autor betont die Routine des Geschehens.
Das Stück enthält drei ikonische Symbole: einen See, eine Möwe und die Seele der Welt. Der See symbolisiert die Schönheit der zentralrussischen Landschaft – ein wichtiges Element von Tschechows Stücken. Wir sehen keine Beschreibungen der städtischen Umgebung. Die Landschaft wird zum Akteur dramatischer Ereignisse. Sonnenuntergang, Mond, See - all dies sind Projektionen des spirituellen Lebens der Charaktere.
Eine Möwe - dieses Bildsymbol - geht durch jedes Zeichen. Flügellose Menschen wollen abheben, dem Alltag entfliehen. Die Tatsache, dass ein Stofftier aus einer Möwe gemacht ist, ist beängstigend, die Nekrose einer Möwe bedeutet die Nekrose der Seele, der Kunst, der Liebe.
Tschechow verwendet eine solche Technik als Stück im Stück. Zu Beginn des Dramas führt Treplev ein Stück über die Seele der Welt auf. Dieses Bild offenbart eine komplexe Beziehung zwischen Natur und Mensch. Treplev sucht nach einer allgemeinen Idee, die die Unvollkommenheit des Lebens erklären könnte. In jeder Figur des Stücks gibt es einen Kampf zwischen den materiellen und spirituellen Prinzipien.
Und schließlich noch eine Besonderheit des Stücks „Die Möwe“. Jeder, der dieses Werk gelesen hat, stellt sich unwillkürlich die Frage: Was ist daran komisch? Es scheint, dass der Autor uns nur die Tragödien zeigt, die mit jedem Helden verbunden sind. Das Komische und das Tragische in The Seagull sind auf komplizierte Weise miteinander verflochten. Jeder Charakter strebt während der gesamten Handlung ständig danach, ein ideales Glück zu erreichen. Natürlich repräsentiert jeder auf seine Weise das Ideal. Aber die Helden eint diese fast manische Beharrlichkeit. Jeder sehnt sich danach, glücklich zu sein, sich in der Kunst zu verkörpern, die perfekte Liebe zu finden. Irgendwann bringt der Autor dem Leser und Zuschauer die schlichte Wahrheit nahe, dass der Versuch, ohne Humor, ohne die Möglichkeit, die Situation aus einer komischen Perspektive zu betrachten, zu seinem Ideal zu finden, zum Scheitern verurteilt ist.
Der Schuss beendet dieses Leben, das sich in ein Theaterstück verwandelt.