, die Moskauer Biennale, Auftritte auf Festivals in Europa, renommierte Auszeichnungen wie PRIX CUBE, Zusammenarbeit mit, wo hast du deine Ausbildung gemacht und wie ist dein Interesse an der Schaffung technologischer Kunst entstanden?

Dmitry Morozov: Ich bin ausgebildeter Kunstkritiker, ich habe an der Russischen Staatlichen Universität für Geisteswissenschaften an der Fakultät für Kunstgeschichte studiert. Aber ich habe mich schon immer für Technik und Technik interessiert. Ich habe mein Diplom über modernistische Architektur in den USA geschrieben, was im Allgemeinen nicht zu verstehen ist, ohne Parallelen zwischen Technologie, Design und Kunst zu ziehen. Außerdem habe ich mich schon immer für elektronische Musik interessiert, die ohne Technologie nicht existiert. Irgendwann kamen all diese Interessen zusammen, aber die Theorie war nicht mehr interessant, und nach und nach bin ich über die Kreation elektronischer Musikinstrumente zur Kreation von Objekten und Installationen gekommen.

Daher fällt es mir schwer, für das gesamte Genre verantwortlich zu sein, aber ich kann sagen, dass mir persönlich das Format der kleinen Werke, Skulpturen etc. sehr nahe liegt. eher wie Gadgets. Obwohl ich auch große Arbeiten habe, sind es im Wesentlichen die gleichen Spielereien in größerem Maßstab. Zunächst einmal reizt mich bei diesem Format die Verfügbarkeit einer solchen Sprache zum Verständnis meiner Arbeit durch die moderne Gesellschaft, denn jetzt ist das „Interface“ wichtiger geworden als das Bild. Die Technologie hat uns vollständig übernommen.

Finanzielle Risiken. 2015. Das Kunstobjekt besteht aus sechs Bankkartenlesern, einem Hardwaresystem zur Video- und Tonsynthese, einer Tastatur zur Eingabe eines PIN-Codes und einem Zweikanal-Soundsystem. Karten sind aus dem Leben eines modernen Menschen nicht mehr wegzudenken, für dessen Wohlbefinden und materiellen Frieden auf symbolischer Ebene Informationen auf einem kleinen Magnetstreifen und einem vierstelligen PIN-Code sorgen. Der Künstler tritt mit dem Betrachter in eine Art psychologisches Spiel, das ihm die Möglichkeit gibt, die mit der Verbreitung vertraulicher Informationen verbundenen Ängste zu überwinden und im Gegenzug in eine volle Interaktion mit dem Kunstobjekt einzutreten.

Wie kann man verstehen, wo das Polytechnische Museum endet und die Kunst selbst beginnt?

Dmitry Morozov: Irgendwo in der Mitte, aber immer noch ein Polytechnikum ist eine Sammlung von Artefakten, normalerweise Gebrauchsgegenständen, die unter dem Gesichtspunkt der technologischen Entwicklung betrachtet werden, während technologische Kunst eher eine Arbeit mit Bedeutungen und Ideen ist, aber tut tragen überhaupt keine angewandten Ziele.

R x2, 2015 (Anastasia Alekhina, Dmitry Morozov). Kinetische Klanginstallation. Ein Computeralgorithmus liest die Stärke und Tiefe der Erdkrustenschwingungen aus dem Internet und registriert alle Erdbeben über 0,1 auf der Richterskala. Im Durchschnitt treten pro Tag etwa zweihundert solcher seismischen Erschütterungen auf. Die Informationen werden in Signale umgewandelt, die an Motoren gesendet werden, die an akustischen Thunder Drum-Trommeln angebracht sind. Klang und Bewegung sind in diesem Fall eine visuelle Interpretation der seismischen Aktivität des Planeten.

Letztendlich ist es die Idee und das Konzept, die in jeder Arbeit wichtig sind, aber die Reihenfolge ihres Auftretens kann eine andere Reihenfolge haben. Was mich am meisten interessiert, ist, wie sich Technologie mit unserem Leben verflochten hat, wie Werkzeuge dazu gekommen sind, die Gesellschaft zu beeinflussen. Mich interessiert auch sehr, dass alle Wissenschaften und Disziplinen viel näher beieinander liegen, als die Gesellschaft oft denkt. Es interessiert mich auch sehr, dass alle Technik eigentlich sehr anthropomorph ist, dass der Mensch sehr geneigt ist, Technik mit menschlichen Eigenschaften auszustatten – mit ihr zu reden, wenn sie kaputt geht oder sogar eine gewisse Erotik in irgendeinem Prozess zu sehen. Ich interessiere mich sehr für die Ideen der technologischen Singularität, des Fortschritts und der Probleme, mit denen die Gesellschaft in Zukunft konfrontiert wird, wenn sich die Technologie auf einem völlig anderen Niveau weiterentwickelt.

Wie sieht Ihrer Meinung nach die Kunst der Zukunft aus? Die Zukunft der technischen Kunst?

Dmitry Morozov: Ich denke, dass die technologische Kunst nur die allererste Phase ihrer Entstehung durchlaufen hat und weiter an Stärke gewinnen wird, obwohl dieser Prozess nicht linear sein wird und sich sogar verlangsamen oder, sagen wir, entwickeln wird. horizontal“ und nicht „vertikal“, was in dieser Phase im Allgemeinen der Fall ist. Ich verpflichte mich nicht, genau vorherzusagen, wie es sein wird, aber ich hoffe, irgendwie selbst an diesem Prozess teilnehmen zu können.

„Das Schönste, was wir im Leben erleben können, ist Mysterium. Es ist die Quelle aller wahren Kunst oder Wissenschaft“, sagte Albert Einstein. Aber wenn die Menschen alles wissen und es kein Geheimnis mehr gibt, was passiert dann mit der Kunst? Vielleicht wird es in Zukunft so sein: Nichts wird jemanden überraschen, jeder hat alles gesehen und weiß alles, und dann wird die Kunst, die Fähigkeit, einzigartige Werke zu schaffen, der einzige Weg, die Einzigartigkeit Ihrer Persönlichkeit zu zeigen?

Kunst ist mit Gefühlen verbunden – was wird in Zukunft mit ihnen passieren? Vielleicht wird die Schaffung alternativer Versionen der Geschichte, neuer Planeten und Galaxien, chemischer Elemente als Kunst betrachtet? Virtual Reality und Biotechnologien, Metamorphosen und Unsterblichkeit – was können wir von morgen erwarten?

Die Vorlesung setzt den Bildungszyklus fort, der der Zukunft gewidmet ist und im April 2014 in der Bibliothek gestartet wurde. Frühere Vorträge behandelten Themen wie die Zukunft der Menschheit als Spezies und die Möglichkeit, das Leben mit wissenschaftlichen Methoden radikal zu verlängern.

Obwohl moderne Vertreter der Kunstwelt oft denken, dass Kunst ein völlig autonomer Bereich des gesellschaftlichen Lebens ist, der in seiner Entwicklung nicht von neuen Technologien abhängt, glauben Zukunftsforscher, dass dies nicht so ist. Die Werkzeuge moderner Künstler und Künstler sind nicht nur ein Pinsel, eine Leinwand, Ton oder ein Marmormeißel. Bei der Erstellung eines Kunstwerks werden High-Tech-Geräte und -Programme verwendet - Zeichentabletts, Zeichen- und Bildverarbeitungsprogramme, 3D-Modellierungsprogramme, hochentwickelte Videogeräte und die neueste Computerausrüstung. Und die Ideen, die zeitgenössische Künstler inspirieren, stammen aus den Realitäten der modernen Gesellschaft, die sich unter dem Einfluss des wissenschaftlichen und technologischen Fortschritts schnell verändert.

Wir erwarten Sie am 20. Juni um 19:00 Uhr in der Jugendbibliothek. Swetlow. (Moskau, Bolshaya Sadovaya Str., 1, Metrostation Mayakovskaya)

Referenzmaterialien:

• Valeria Viktorovna Udalova (Pseudonym Valeria Pride) ist Zukunftsforscherin, Soziologin, eine der Gründerinnen und Leiterinnen der russischen transhumanistischen Bewegung, Popularisiererin der Wissenschaft. Autor und Co-Autor von mehr als hundert Artikeln und Büchern über die Entwicklung von Wissenschaft und Technologie. Generaldirektor des einzigen russischen Kryounternehmens KrioRus". Mehr zum Referenten.
• Die Russische Transhumanistische Bewegung (RTD) ist eine öffentliche] Organisation, eine große Gemeinschaft von Unterstützern des Einsatzes innovativer Technologien zur schrittweisen Steigerung der körperlichen, intellektuellen und sonstigen Fähigkeiten einer Person für ihren Übergang zur nächsten Evolutionsstufe, vom Menschen zum Posthumanen .

Betrachtung Andrej Bellyüber die Kunst der Zukunft. Vortrag 1907. Publ. No. am Samstag. Artikel "Symbolik". 1910.

Wir sehen klar, wohin die Entwicklung gehen wird Kunst der Zukunft; Die Idee dieses Weges entsteht in uns aus der Antinomie, die wir in der Kunst unserer Zeit sehen. Vorhandene Kunstformen tendieren zum Zerfall: Ihre Differenzierung ist endlos: Dies wird durch die Entwicklung der Technik erleichtert: Der Begriff des technischen Fortschritts ersetzt mehr und mehr den Begriff des Lebendigen.

Andererseits verschmelzen die Spielarten der Kunstformen miteinander; dies drückt sich keineswegs in der Zerstörung der Trennlinien zweier benachbarter Kunstformen aus: die Sehnsucht nach Synthese drückt sich in Versuchen aus, diese Formen um eine der als Zentrum genommenen Formen anzuordnen.

Daraus ergibt sich die Vorherrschaft der Musik gegenüber anderen Künsten. So entsteht der Wunsch Geheimnisse als Synthese aller möglichen Formen. Aber Musik verdirbt die Formen verwandter Künste ebenso wie sie sie in anderer Hinsicht nährt: Eine falsche Durchdringung des Geistes der Musik ist ein Indikator für Dekadenz: Wir sind gefesselt von der Form dieses Niedergangs – das ist unsere Krankheit: eine Seife Blase - bevor sie platzt - schimmert in allen Farben des Regenbogens: ein Regenbogenteppich Exotik verbirgt Fülle und Leere zugleich: und wenn die Kunst der Zukunft ihre Formen bauen würde, reine Musik imitierend, hätte die Kunst der Zukunft diesen Charakter des Buddhismus.

Kontemplation in der Kunst ist ein Mittel: es ist ein Mittel, den Ruf nach vitaler Kreativität zu hören. In der durch die Musik aufgelösten Kunst würde die Kontemplation zum Ziel werden: Sie würde den Betrachter zum unpersönlichen Zuschauer seiner eigenen Erfahrungen machen: die Kunst der Zukunft, in Musik ertrinkend, würde die Entwicklung der Künste für immer stoppen.

Wenn die Kunst der Zukunft als Kunst verstanden wird, die eine Synthese aktuell existierender Formen ist, was ist dann das verbindende Prinzip der Kreativität? Sie können natürlich die Kleidung eines Schauspielers anziehen und am Altar beten: Der Chor kann gleichzeitig die Dithyramben aufführen, die von den besten Lyrikern ihrer Zeit geschrieben wurden: Die Musik wird die Dithyramben begleiten: Der Tanz wird die Musik: Die besten Künstler ihrer Zeit werden eine Illusion um uns herum schaffen usw. usw. Wozu das alles? Ein paar Stunden Leben in einen Traum zu verwandeln und diesen Traum dann mit der Realität zu brechen?

Wir werden geantwortet: "Nun, was ist mit dem Geheimnis?"

Aber das Mysterium hatte eine lebendige religiöse Bedeutung: um Geheimnis der Zukunft die gleiche Bedeutung hatte, müssen wir es über die Kunst hinausnehmen. Es sollte für alle sein. Nein, und der Anfang der Kunst der Zukunft liegt nicht im Gesamtkunstwerk!

Der Künstler ist zunächst einmal ein Mensch; dann ist er ein Spezialist in seinem Handwerk; vielleicht beeinflusst seine Arbeit das Leben; aber die handwerklichen Bedingungen, die die Kreativität begleiten, schränken diesen Einfluss ein: Der moderne Künstler ist an die Form gebunden; es ist unmöglich, von ihm zu verlangen, dass er singt, tanzt und malt oder auch nur Freude an allen möglichen ästhetischen Feinheiten hat; und daher ist es unmöglich, von ihm ein Streben nach Synthese zu fordern; dieser Wunsch hätte sich in Wildheit ausgedrückt, in einer Rückkehr zu den primitiven Formen der fernen Vergangenheit, und die primitive Kreativität, die sich natürlich entwickelte, führte die Kunst zu der bestehenden Komplexität der Formen; eine Rückkehr in die Vergangenheit würde diese Vergangenheit in die Gegenwart zurückbringen.

Die Synthese der Künste auf der Grundlage einer Rückkehr in die ferne Vergangenheit ist unmöglich. auf der Grundlage einer mechanischen Wiedervereinigung bestehender Formen ist auch unmöglich: Eine solche Wiedervereinigung würde die Kunst in einen toten Eklektizismus führen; der Tempel der Kunst würde sich in ein Kunstmuseum verwandeln, wo die Musen Wachspuppen sind, mehr nicht.

Wenn eine externe Verbindung unmöglich ist, ist eine Rückkehr in die Vergangenheit ebenso unmöglich, dann haben wir die Komplexität der Gegenwart. Können wir über die Kunst der Zukunft sprechen? Es wird vielleicht nur eine Komplikation der Gegenwart sein.

Aber das ist nicht so.

Gegenwärtig steht die Bewertung eines Kunstwerks im Zusammenhang mit den besonderen Bedingungen der künstlerischen Technik: Eine noch so starke Begabung hängt mit der gesamten technischen Vergangenheit ihrer Kunst zusammen; das Moment der Erkenntnis, das Studium der eigenen Kunst, bestimmt mehr und mehr die Entwicklung der Begabung; die Kraft der Methode, ihr Einfluss auf die Entwicklung der Kreativität wächst sprunghaft; Individualismus der Kreativität derzeit gibt es meistens einen Individualismus der Arbeitsmethode; dieser Individualismus ist nur eine Verfeinerung der Methode der Schule, der der Künstler angehört; Individualismus dieser Art ist Spezialisierung; sie steht in umgekehrtem Verhältnis zur Individualität des Künstlers selbst; der Künstler muss, um etwas zu schaffen, zuerst wissen; Wissen dagegen zersetzt Kreativität, und der Künstler gerät in einen fatalen Kreislauf von Widersprüchen; die technische Evolution der Künste macht ihn zu seinem Sklaven; es ist ihm unmöglich, die technische Vergangenheit aufzugeben; der Künstler der Gegenwart wird immer mehr zum Wissenschaftler; im Prozess dieser Verwandlung entfliehen ihm die letzten Ziele der Kunst; der Bereich der Künste wird durch den technischen Fortschritt dem Bereich des Wissens angenähert; Kunst ist eine Gruppe von besonderem Wissen.

An die Stelle der Kreativität tritt das Wissen um die Methode der Kreativität; aber Kreativität geht dem Wissen voraus; es erschafft die eigentlichen Gegenstände des Wissens.

Indem wir Kreativität in bestehende Kunstformen einschließen, verurteilen wir sie der Macht der Methode; und es wird Wissen für Wissen ohne Objekt; Ist „Gegenstandslosigkeit“ in der Kunst ein lebendiges Bekenntnis des Impressionismus? Und sobald die „Gegenstandslosigkeit“ in der Kunst etabliert ist, wird die Methode der Kreativität zum „Objekt an sich“, was eine extreme Individualisierung mit sich bringt: die eigene Methode finden – das ist das Ziel der Kreativität; Eine solche Auffassung von Kreativität wird uns unweigerlich zu einer vollständigen Desintegration der Kunstformen führen, wo jedes Werk seine eigene Form ist: Unter einer solchen Bedingung wird in der Kunst ein inneres Chaos entstehen.

Wenn es möglich ist, einen neuen Tempel auf den Ruinen eines anscheinend eingestürzten Tempels zu errichten, dann ist es unmöglich, diesen Tempel auf den endlosen Atomformen zu errichten, in die die bestehenden Formen gegossen werden, ohne die Formen selbst aufzugeben: also wir die Frage nach dem Zweck der Kunst von der Betrachtung der Produkte der Kreativität auf die Prozesse der Kreativität selbst übertragen: Produkte der Kreativität - Asche und Magma: Prozesse der Kreativität - fließende Lava.

Hat die schöpferische Energie der Menschheit nicht einen Fehler begangen, als sie den Weg gewählt hat, auf dem die Formen entstanden sind, die uns heute faszinieren? Ist es nicht notwendig, die eigentlichen Gesetze der Kreativität zu analysieren, bevor man der Kunst zustimmt, wenn sie uns in Formen erscheint? Sind diese Formen nicht die Essenz der fernen Vergangenheit der Kreativität? Soll nun auch der schöpferische Strom entlang der versteinerten Felsvorsprünge, deren höchster Punkt ist, ins Leben stürzen Musik, niedriger - die Architektur: Nachdem wir diese Formen identifiziert haben, verwandeln wir sie schließlich in eine Reihe technischer Mittel, die die Kreativität abschrecken: Wir verwandeln Kreativität in Wissen: einen Kometen in seinen funkelnden Schweif, der nur den Weg beleuchtet, auf dem die Kreativität gefegt ist: Musik, Malerei, Architektur, Skulptur, Poesie - alles ist bereits überholte Vergangenheit: Hier hat sich in Stein, in Farbe, Klang und Wort der Transformationsprozess von einst lebendigem und jetzt totem Leben vollzogen; musikalischer Rhythmus - der Wind, der den Himmel der Seele überquerte; Durch diesen Himmel rennend, heiß schmachtend in Erwartung der Schöpfung, verdichtete der musikalische Rhythmus - "die Stimme der Kälte des Dünnen" - die Wolken poetischer Mythen: und der Mythos verhüllte den Himmel der Seele, funkelte in tausend Farben: in Stein versteinert; der kreative Fluss schuf einen lebendigen Wolkenmythos; aber der Mythos erstarrte und zerfiel in Farben und Steine.

entstand Kunstwelt als Grabtempel der Lebenskreativität.

Indem wir den kreativen Prozess in einer Form fixieren, befehlen wir uns im Wesentlichen, die Lava in der Asche und im Magma zu sehen: Deshalb ist unsere Perspektive auf die Zukunft der Kunst hoffnungslos: Wir befehlen dieser Zukunft, Asche zu sein: Wir kasteien gleichermaßen Kreativität, die manchmal ihre Fragmente zu einem Haufen zusammenfügt (Synthese der Künste), dann diese Formen ins Unendliche fragmentiert (Differenzierung der Künste).

Und hier. und dort wird die Vergangenheit wiederbelebt; hier wie dort sind wir den lieben Toten ausgeliefert; und die wunderbaren Klänge von Beethovens Symphonie und die siegreichen Klänge dionysischer Dithyramben (Nietzsche) - all dies sind tote Klänge: wir denken, dass dies Könige sind, die in feines Leinen gekleidet sind, und dies sind einbalsamierte Leichen; sie kommen zu uns, um uns mit dem Tod zu verzaubern.

Bei der Kunst, beim Leben ist die Lage viel ernster, als wir denken: Der Abgrund, über dem wir hingen, ist tiefer, dunkler. Um aus dem Teufelskreis der Widersprüche herauszukommen, müssen wir aufhören, über irgendetwas zu reden, sei es über Kunst, Wissen oder unser Leben selbst. Wir müssen die Gegenwart vergessen: wir müssen alles neu erschaffen; Dazu müssen wir uns neu erschaffen.

Und der einzige Steilhang, den wir noch erklimmen können, sind wir selbst. Oben warten wir auf unser „Ich“.

Hier ist die Antwort für den Künstler: Wenn er Künstler bleiben will, ohne aufzuhören, Mensch zu sein, muss er zu seiner eigenen Kunstform werden. Nur diese Form der Kreativität verspricht uns Erlösung. Hier liegt der Weg in die Zukunft der Kunst.

Die moderne Kunstwelt lässt sich weder mit Malerei allein noch mit Musik allein erobern. Aber wenn all dies kombiniert und das Licht richtig gesetzt wird, ist der Erfolg garantiert. Was ist das: Sattheit eines Städters oder Kunstevolution? Wie dem auch sei, multimediale Ausstellungen rauschen in einem fröhlichen Geschwader durch die großstädtischen Lofts und wir können nur erahnen, was uns in Zukunft erwartet?

Ursprung des Begriffs

Alles begann in den 60er Jahren mit einer leichten Anregung des englischen Künstlers Dick Higgins und des Fluxus-Kreativteams: „Ich möchte darauf hinweisen, dass die Verwendung von Intermedia ein mehr oder weniger universeller Weg ist, das Bildliche in der Kunst aufzugeben, seit dem Zeichen unserer neuen Mentalität ist eher Kontinuität als Trennung".

Der Freiheits- und Erneuerungsgedanke der Kunst, der seit den 1950er Jahren in der Luft lag, führte zu einer einzigen, unverständlichen, aber äußerst unterhaltsamen Form: einer Symbiose aus Text, Musik und Bild. Von der Universalität des künstlerischen Könnens kann jedoch keine Rede sein, das Konzept von D. Higgins impliziert lediglich eine Absage an die Gattungseinteilung, die Klassifikation der Kunst und das professionelle Ausbildungssystem des Künstlers.

Trotz der Tatsache, dass das Konzept von D. Higgins nicht weit verbreitet war, wurde die Idee, verschiedene Künste in die Struktur des Werks einzubeziehen, von vielen seiner Zeitgenossen verwendet: N. J. Pike, J. Belson, J. Whitney, J Yalkut, S. Bartlett, C. Jacobs, P. Rist, F. Templeton, D. Graham, J. Jonas und andere.

Je weiter, desto spannender: In den 70-80er Jahren löste der Begriff „Intermedia“ „Multimedia“ ab. Unter dem neuen Banner „Multiple Environments“ finden nun Installationen und Performances mit Elementen aus Kino, Video und Dias statt.

Der Unterschied zwischen den Begriffen „Multimedia“ und „Multimediakunst“

Die Terminologie ist auch heute noch verwirrend. Künstlerische Praktiken, die auf vielschichtigen Experimenten basieren, können auch als definiert werden "Multimedia", und wie " Multimediale Kunst». Der erste Begriff bezieht sich auf die bereits bekannten Praktiken der bildenden Kunst der 1960er bis 1990er Jahre, die mit der Einbeziehung von mehr als einer Kunstform in die Struktur eines Werks verbunden sind.

Multimediale Kunst ist in Westeuropa gleichbedeutend mit dem gebräuchlicheren Begriff „digitale Kunst“ oder „neue Medienkunst“. Multimediale Kunst ist in ihrer Erscheinungsform harmonischer als ihre Vorgänger: Zwangsaktualisierungen weichen einer natürlichen Reaktion auf technologischen Fortschritt. Und hier gab es einige Paradoxien: In der modernen Welt, in einer Großstadt, in der Informationen im Überfluss und Zurückhaltung Mangelware sind, ist der Durchschnittsbürger sehr bereit, sich Multimedia anzusehen. Und so geschah es mit einer Reihe beliebter Multimedia-Ausstellungen, die die Werke großer Künstler auf der ganzen Welt durch digitale Projektionen präsentierten.

„Unsere Ausstellungen sind nur insofern relevant, als man auf einmal und an einem Ort alle Werke von Van Gogh oder die bedeutendsten Gemälde der Impressionisten sehen kann. Während sich die Originale in verschiedenen Museen auf der ganzen Welt oder in Privatsammlungen befinden, haben wir sie alle zusammen, in vergrößertem Format und begleitet von wunderbarer Musik“, kommentiert der Erfolg der Ausstellungen. Kira Marinina, PR-Direktorin von iVision- Organisator in Russland.

Auch die Gegner von Multimedia-Shows sind auf der Welle der Popularisierung der Kunst, sie sehen keine Bildungsaktivitäten, sie sagen, "sie werden schauen und vergessen." Es ist jedoch schwierig, Multimediakunst als „Ersatz für Kunst“ zu bezeichnen, jetzt ist sie eher eine unentschlossene Jugend, ob sie ein Instrument zum Ausdruck der Gedanken des Künstlers sein soll, oder eine neue Richtung, deren Aussichten von der Abenteuerlust des Schöpfers abhängen.

Multimediaschau „Große Modernisten. Revolution in der Kunst

„Es ist aus vielen Gründen unmöglich, eine Multimediaschau und eine klassische Museumsausstellung der Malerei als austauschbar zu betrachten. Es gibt eine interne künstlerische Konvention, nach der der Autor des Werkes (und später das Museum, das das Werk ausstellt) den Inhalt, das Format und die Art und Weise der Präsentation bestimmt hat, und diese unterliegt keinen Änderungen. Außerdem ist es technisch unmöglich, da kein repräsentatives Anzeigeverfahren in diesem Stadium in der Lage ist, die gesamte Nuance der Farbschicht und die Textur des Strichs zu vermitteln. Das Multimedia-Display arbeitet eher mit dem Inhalt der Arbeit, es basiert auf der Handlung des Bildes und hilft dem Betrachter, die Fantasie anzuregen und die Nuancen zu sehen, die auf den ersten Blick nicht offensichtlich sind.

Natürlich bleiben Multimedia-Ausstellungen ein modischer Trend, aber in Zukunft werden sie sich entwickeln und möglicherweise als eigenständige Richtung in der Kunst formen. In der Ausstellung „Große Moderne. Revolution in Art" ist ein experimenteller Versuch, über die Darstellung von Malerei hinauszugehen, indem nicht die Gemälde selbst animiert, sondern eine separate grafische Umgebung geschaffen werden, in die diese Gemälde integriert werden, aber es gibt bisher nur wenige solcher Videos. Um beispielsweise flache Kompositionen und Kandinskys „wiederzubeleben“, haben unsere Designer die Hauptmuster in den Gemälden jedes Künstlers herausgegriffen und auf ihrer Grundlage 3D-Welten geschaffen, in denen sich der Betrachter bewegen kann. Das heißt, dies ist nicht mehr nur eine Diashow zur Musik, sondern eine echte Reise in das Universum von Kandinsky und Malevich ... “, erklärt Kuratorin des ARTPLAY Design Center Yasha Yavorskaya.

Text: Daria Logashova

Gibt es eine Zukunft für russisches Volkshandwerk und traditionelle Kunst? Natalia Nekhlebova hat es herausgefunden

Volkshandwerk und traditionelle Künste, die Kriege, Revolutionen, Sowjetmacht und Perestroika überstanden haben, stehen im neuen Russland kurz vor dem Aussterben: Die Produktion geht Jahr für Jahr zurück, der Umsatz wächst nicht und die Zahl der Handwerker geht unaufhaltsam zurück. Nur ein Wunder konnte die einzigartige Branche vor dem traurigen Schicksal bewahren. Und es sieht so aus, als könnte es passieren. Wie die russische Identität verbogen wurde und warum der St. Petersburger Geschäftsmann Anton eine Chance hat, im Gedächtnis vieler Generationen von Handwerkern zu bleiben, fand Ogonjok heraus

Natalia Nekhlebova

"Im Volkshandwerk ist alles stabil", sagt Gennady Drozhzhin, Vorstandsvorsitzender des Verbandes "Volkskunsthandwerk Russlands", "es ist durchweg schlecht." Und er erklärt: Seit 25 Jahren stirbt unsere "Basis ursprünglicher nationaler Kultur" (so definiert das Ministerium für Industrie und Handel das Volkshandwerk in seinen Dokumenten) leise ...

Tragische Töne in den Worten des Verbandschefs sind nachvollziehbar: Das Produktionsvolumen sinkt von Jahr zu Jahr, die Zahl der Handwerker geht stetig zurück. Wenn in der Sowjetunion ungefähr 100.000 Handwerker in den Betrieben der Volkskunst und des Kunsthandwerks arbeiteten, gibt es jetzt weniger als 20.000 Bewahrer der "nationalen Identität" in den riesigen russischen Weiten. Ein typisches Bild: In Betrieben, in denen früher 200-300 Menschen gearbeitet haben, sind nur noch 15 übrig und alle im Rentenalter. Und sie arbeiten mehr aus Gewohnheit als für Geld - in einem Drittel der einst berühmten Fabriken beträgt das Gehalt nicht mehr als 10.000 Rubel. Natürlich werden sich junge Leute für dieses Geld nicht hinsetzen, um Schalen von Schostowo zu bemalen, über Schnitzereien von Bogorodsk, Spitze von Yelets oder Miniaturen von Fedoskino zu brüten. „99 Prozent des Volkshandwerks brauchen Nothilfe“, stellt der Verband fest. Und sie fügen dem düsteren Bild düstere Farben hinzu: Im vergangenen Jahr produzierten Unternehmen Produkte im Wert von 5 Milliarden Rubel, aber sie können sie nicht verkaufen, ein Drittel der Unternehmen hat eine Rentabilität von 0,1 bis 3 Prozent, mehr als die Hälfte ist unrentabel. Leiterin eines der berühmtesten Kunsthandwerke Russlands "Chokhloma-Malerei" Elena Krayushkina seufzt: "Es besteht kein Grund, über Profit zu sprechen."

Was ist das? Niemand braucht unser Dymkovo-Spielzeug, Palekh-Box, Lackminiaturen, die theoretisch ganze Regionen ernähren, den ländlichen Tourismus entwickeln können?

Flüchtige Identität

In der UdSSR arbeiteten alle Betriebe des Volkshandwerks nach staatlicher Ordnung. Die Produkte wurden zentral eingekauft, in die Geschäfte transportiert und als Geschenk für hochrangige ausländische Gäste hinterlassen. In großen Städten wurden große Kunstsalons betrieben, in denen alle Kunsthandwerke präsentiert wurden. In Leipzig und Edinburgh fanden regelmäßig Messen statt - das traditionelle russische Souvenir wurde rege exportiert ...

Dann wurde die staatliche Ordnung durch den Markt und launische Mode ersetzt. Was früher als „uraltes Erbe“ und fast als „Volksseele“ galt, ist für die neuen Russen zum Kitsch geworden. Und für Ausländer erwies es sich als unzugänglich - kaputte Straßen und das Fehlen einer freundlichen touristischen Infrastruktur schnitten sogar Fans von den Meistern ab: Handwerksbetriebe befinden sich hauptsächlich in Dörfern, die einfach nicht zugänglich waren.

Infolgedessen gibt es heute kein Netzwerk für die Verteilung traditioneller Gegenstände des Nationalstolzes. Unternehmen können einfach keine Verkaufsstellen eröffnen - sie müssten etwas für das Licht bezahlen. "Die Mietkosten in Moskau und St. Petersburg sind exorbitant", sagt Elena Krayushkina, "kolossale Preise für 1 Quadratmeter. Von solchen Summen können wir nicht einmal träumen!"

Nur die Glücklichen erhalten Gelder - das sind 79 Unternehmen, die es geschafft haben, in das Register der Volkskunsthandwerke des Ministeriums für Industrie und Handel aufgenommen zu werden. Der Einstieg ist der ultimative Traum für Bewahrer von Originalhandwerk

Für namhafte Handwerksbetriebe, wie zum Beispiel Chochloma, ist einer der Hauptabsatzmärkte der Firmenkundengroßhandel. Aber hier sprechen wir nicht über Kunst, sondern über die Launen des Kunden - Firmen bestellen Geschenke für Mitarbeiter und verlassen sich auf ihre eigene Kreativität, damit alle Arten von Spielen zum Vorschein kommen: entweder Nistpuppen mit eingebautem Flash-Laufwerk, oder Laptops, die "unter Chochloma" gemalt wurden. Einmal wurde sogar der königliche Thron von einer Chochloma-Fabrik im Kampf um die Rache für einen Bewunderer der Autokratie hergestellt. Und um ehrlich zu sein, hat es einige Kapazitäten für die Produktion von gewöhnlichen Landhausmöbeln umgestaltet - die Nachfrage danach ist stabil. Aber die Chochloma-Produktion ist groß angelegt, und kleine Unternehmen, die einzigartige kommerzielle Produkte herstellen, haben keine solche Möglichkeit, Geld zu verdienen.

In Moskau oder St. Petersburg kann man heute alles kaufen. Außer... traditionelle russische Produkte. Weder echte Wologda-Spitzen noch Palekh-Schatullen sind zu finden. Chinesische Fälschungen, weißrussische und ukrainische Waren in Souvenirläden, selbst in den Städten des Goldenen Rings, verdrängen den Originalhersteller. "Viele Reisebüros lösen das Problem, Touristen auf Kosten billiger importierter chinesischer Produkte mit Souvenirs zu versorgen", sagt der Volkskunsthandwerksverband. Und sie geben zu: Es ist fast unmöglich, dagegen anzukämpfen. "Das Volumen illegaler Produkte, die Urheberrechte verletzen, ist um ein Vielfaches größer als der Umsatz unseres Unternehmens", sagt Elena Krayushkina. "Es gab mehrere Gerichte. Wir haben Testkäufe von gefälschten Produkten von verschiedenen einzelnen Unternehmern vor dem Schiedsgericht durchgeführt Prozess des Papierkrams, geistiges Eigentum wird begraben, der Fall geht über die Zuständigkeit des Schiedsgerichts hinaus und wird an das Weltgericht weitergeleitet, wo Verstöße mit einer Geldstrafe von 2.000 Rubel belegt werden, sie eröffnen neue Einzelunternehmer und tun dies weiterhin Die Klage kostete sie eine magere Geldstrafe, und wir bezahlten die Untersuchung, gaben Geld für Anwälte aus ... Das heißt, das Gericht kostet uns 150 bis 200.000 und sie - 2.000. Und was ist der Sinn solcher Gerichtsverfahren?"

Nicht für jedermann konzipiert

Der Staat unterstützt die Fischerei punktuell und krümelig. Aber gut, dass das Leben in vielen nur dank Subventionen (450 Millionen Rubel wurden in diesem Jahr zugeteilt) zumindest so schimmert. Unternehmen können mit Zuschüssen Gas, Strom, Schienenverkehr und Ausstellungsaktivitäten bezahlen. Aber es gibt leider nicht genug Geld, um alle Ausgaben zu decken, außerdem erhalten nur die Glücklichen Gelder - das sind 79 Unternehmen, die es geschafft haben, in das Register der Volkskunsthandwerke des Ministeriums für Industrie und Handel aufgenommen zu werden. Der Einstieg ist der ultimative Traum für die Bewahrer des ursprünglichen Handwerks. Und der Traum hängt vom Glück und der Gunst der Mitglieder der künstlerischen Kommission des Ministeriums ab.

Das Glück ist launisch und lächelt nicht jeden an. Zum Beispiel versucht das russische Mosaik – das berühmte Handwerk, Tafeln aus farbigem Stein herzustellen – seit 10 Jahren, in dieses Register zu kommen, und kann es immer noch nicht. Die einzigartige Kunst existiert seit 300 Jahren, ihre Meister dekorierten die St. Isaaks-Kathedrale in der Zarenzeit, und in der Sowjetzeit schenkten Mitglieder des Politbüros ausländischen Gästen teure Tafeln aus Ural-Jaspis. Aber es stellt sich heraus, dass dies für die für die Eintragungen in das Register zuständige Ministerialkommission nicht ausreicht.

„Beim Künstlerrat wurden wir gefragt, wo die Berge in der Wolga-Region sind“, sagt Nail Badtredinov, Leiter des Unternehmens NHP Artel, über Missgeschicke im Büro, „die Behauptung war, dass unser Handwerk nicht an ein bestimmtes Dorf gebunden ist, wie die sich ausruhen. Und was sollen sie antworten? Unsere gewohnten Berge. Ural. Und der Jaspisgürtel geht durch viele Siedlungen ... Ein anderes Mal stellte sich heraus, dass unsere Papiere falsch waren, dann stellte sich heraus, dass wir nicht traditionell genug waren. Hier nochmal der Antrag. Wir warten. Wir hoffen...

Der Verband der Volkskunsthandwerke kämpft seit langem um Steuererleichterungen. Und sie scheinen sogar in der 2015 vom Ministerium für Industrie und Handel erstellten Sektorstrategie für die Entwicklung der Volkskunst und des Volkshandwerks bis 2020 versprochen worden zu sein. Im Allgemeinen wird dort viel Gutes geschrieben, aber bisher bleibt alles auf dem Papier. Aber im Leben werden fast alle Steuern und Versicherungsprämien der Unternehmen unserer ursprünglichen Volkskultur vollständig bezahlt. "Wir beschäftigen 700 Mitarbeiter. 90 Prozent Handarbeit", sagt Elena Krayushkina, "der größte kostspielige Teil der Produktkosten sind Löhne und Lohnsteuern, fast 75 Prozent der Kosten sind eine kolossale Summe. Und wir bezahlen alles." Steuern und Versicherungsprämien als große, hochtechnologische und automatisierte Unternehmen. Das ist eine unerträgliche Belastung für uns.“

Handarbeit - das Hauptmerkmal des Volkskunsthandwerks - ist teuer. Das stürzt Unternehmen in hoffnungslose Unrentabilität. „Die beliebten Handwerke, die die Handarbeit aufgegeben haben, machen es besser“, gibt Drozhzhin zu. Dies sind zum Beispiel Schals von Pavlovsky Posad - das einst einzigartige Muster darauf wird jetzt nicht von einem Handwerker, sondern von einem Drucker gezeichnet. Und die verlorene Identität scheint die Kuratoren der Branche nicht zu stören: Das Ministerium für Industrie und Handel hat es sich zur Aufgabe gemacht, die Zahl der Handwerksbetriebe der Volkskunst mit einem Mindestanteil an Handarbeit zu erhöhen. Das heißt, als solche werden sie aufhören, wirklich kommerzielle Produkte herzustellen, aber sie werden billige herstellen. Sie sind bereit, dafür staatliche Gelder bereitzustellen - um Ausrüstung zu kaufen. Aber wird dies die Bewahrer alter Handwerke und kleine Unternehmen retten, die nicht in der Lage sind, ein Geschäft zu eröffnen?

Die Welt funktioniert anders. In Deutschland zum Beispiel haben Branchen, die Handarbeit einsetzen, erhebliche Steuervorteile, die es Ihnen ermöglichen, die Kosten in wenigen Jahren vollständig wieder hereinzuholen. Es ist viel niedriger als in Russland, die Kosten für die Anmietung von Einzelhandelsflächen. In Kanada gibt es ein zentralisiertes Vertriebssystem: Der Meister übergibt die von ihm hergestellten Produkte an die Genossenschaft, die sie an die Verkaufsstellen schickt. Wenn in Frankreich Absolventen von Kunsthochschulen bei Handwerkern oder in Organisationen arbeiten, die auf handwerkliche Kunst spezialisiert sind, erhalten sie drei Jahre lang eine zusätzliche Zahlung, die ihnen ein Einkommen verschafft, das über dem Durchschnitt der Region liegt. Und in Japan haben Volkshandwerker den Status eines nationalen Schatzes. Und der Staat wird garantiert die Produkte von Meistern und ihren Schülern einlösen, um Museums- und Geschenkfonds aufzufüllen, die in anderen Ländern verkauft werden.

Hohe Beamte sind sich des traurigen Schicksals des russischen Volkshandwerks bewusst: Der Verband „Volkskunsthandwerk Russlands“ hält jährliche Konferenzen ab, kommuniziert mit dem Ministerium für Industrie und Handel und bombardiert die Oberhäupter der Regionen mit Hilferufen. Ach...

Aber wie sich herausstellt, funktioniert eine andere Methode einwandfrei für uns – den Himmel zu erreichen.

Wort des Ersten

Anton Georgiev kaufte vor zwei Jahren die bankrotte Fabrik Kresttskaya Stochka im Dorf Kresttsy in der Region Nowgorod. Mit all den "allgemeinen Problemen" der Branche, die oben besprochen wurden, bin ich direkt konfrontiert. Ich bin auf die wichtigsten gestoßen: an wen man Krestets-Spitze verkaufen kann und warum der Staat nicht hilft. Aber im Gegensatz zu seinen Kollegen hatte er großes Glück: Er gehörte zu den 10 Geschäftsleuten, die sich Ende April mit Wladimir Putin in Weliki Nowgorod trafen.

Anton gibt die Einzelheiten des Treffens nicht bekannt, er gibt nur zu, dass er dem Präsidenten berichtet hat: In der Fischerei ist alles durchweg schlecht. Er fügt hinzu, dass danach alle Verantwortlichen plötzlich aufgeheitert seien. Und dann die offizielle Chronik: Eine Woche später wurde bekannt, dass der Präsident die Regierung beauftragt hatte, „einen Maßnahmenplan zur Erhaltung, Wiederbelebung und Entwicklung der Volkskunst und des Volkshandwerks“ auszuarbeiten. Es wird insbesondere angewiesen, über die Verwendung von Produkten der Volkskunst und des Volkshandwerks in Programmen der zusätzlichen Bildung und Erziehung von Kindern, die Bildung einer spezialisierten Berufsausbildung, die Entwicklung des Binnen- und Einreisetourismus in Orten traditioneller Existenz des Volkes nachzudenken Kunst und Handwerk. Und vor allem - es gibt eine Antwort auf die Frage: "Wer wird kaufen?". Es wird vorgeschlagen, im Rahmen des föderalen Vertragssystems ein System vorrangiger staatlicher Ankäufe von Kunsthandwerk zu schaffen, um Museumsfonds, Sammlungen in Bildungs- und Kultureinrichtungen aufzufüllen. Darüber hinaus haben alle Ministerien, Rosneft, Gazprom Geschenkfonds - sie werden auch kaufen. Dmitri Medwedew sollte dem Präsidenten Ende August über die Erstellung eines Plans berichten, der all diese Positionen umfasst ...

All diese rosigen Aussichten skizzierend, sagte Anton nicht ohne Stolz zu Ogonyok: Der Geschenkfonds des Präsidenten habe bereits beschlossen, Werke von Krestetskaya Stochka zu kaufen. Und die Fabrik von Georgiev erhielt einen staatlichen Auftrag aus der Region Nowgorod.

Ist es Erlösung? „Wenn Geschenkfonds Produkte von uns kaufen, werden die Museumssammlungen irgendwie mit handwerklichen Elementen aufgefüllt, das wird eine große Hilfe sein“, sagt Elena Krayushkina. „In der Sowjetunion gingen viele unserer Werke an Schenkungsfonds“, stimmt Nail Badtredinov zu, „wenn alles zurückkommt, hilft uns das natürlich.“

Die Handwerker hoffen, dass sich die Ministerien, die von der Weisung des Präsidenten betroffen sind, nun irgendwie "im Namen der Rettung russischer Traditionen zusammenschließen". Und sie träumen: Rosttourismus wird Handwerksbetriebe in die Bundestouristenroute aufnehmen; Das Kulturministerium wird die Tretjakow-Galerie und die Eremitage anweisen, Produkte von ihnen zu kaufen; Das Bildungsministerium wird bei der Personalschulung helfen; Das Ministerium für Industrie und Handel wird ein Netz von Geschäften in Großstädten schaffen, in denen alle Volkshandwerke präsentiert werden...

„Eine Person würde sich für ein Geschenk entscheiden und verstehen, dass sie sich für ein Geschenk entscheidet, das in Russland hergestellt wird, ein Sammlungsobjekt ist und von einer anderen Generation vererbt werden kann“, träumt der Verein. Aber sie sind auch bereit, bescheidenere Wünsche zu erfüllen: Wenn die Ressorts das alles nicht meistern oder abwickeln (sie bauen keine Straßen, schaffen keine touristische Infrastruktur, eröffnen keine Geschäfte etc.), dann kaufen sie wenigstens zwangsweise ein „Produkte der nationalen Originalkultur“ für Geschenke.

Und wie sonst bewahren wir sie, unsere Originalität? ..