Zeitgenössische Komponistinnen. Komponistinnen

TEXT: Oleg Sobolev

WIE IN ALLEN ANDEREN BEREICHEN DER KLASSISCHEN KUNST In der westlichen Welt gibt es in der Geschichte der akademischen Musik unzählige vergessene, aber einer Geschichte würdige Frauen. Vor allem in der Geschichte der Komponistenkunst. Auch heute noch, da die Zahl bemerkenswerter Komponistinnen jedes Jahr wächst, sind Werke von Frauen selten in den Saisonplänen der berühmtesten Orchester und Konzertprogramme der berühmtesten Interpreten enthalten.

Wenn das Werk einer Komponistin zum Objekt des Publikums oder der journalistischen Aufmerksamkeit wird, wird die Nachricht davon notwendigerweise von einer traurigen Statistik begleitet. Ein neues Beispiel: In dieser Saison spielte die Metropolitan Opera Kaia Saariahos Genie Love from Afar, die erste von einer Frau geschriebene Oper, die seit 1903 im Theater gezeigt wurde. Es ist beruhigend, dass die Kompositionen von Saariaho – wie zum Beispiel die Musik von Sofia Gubaidulina oder Julia Wolf – auch ohne solche Newsfeeds recht häufig aufgeführt werden.

Einige weniger bekannte musikalische Heldinnen aus einer langen Liste weiblicher Namen auszuwählen, ist eine schwierige Aufgabe. Die sieben Frauen, über die wir jetzt sprechen werden, haben eines gemeinsam – sie passten irgendwie nicht in die Welt um sie herum. Jemand allein wegen seines eigenen Verhaltens, das kulturelle Grundlagen zerstört hat, und jemand - durch seine Musik, die mit einem Analogon nicht zu vergleichen ist.

Louise Farranc

Die geborene Jeanne-Louise Dumont wurde in den 1830er bis 1840er Jahren als Pianistin in der europäischen Musikwelt berühmt. Darüber hinaus war der Ruf des Mädchens so hoch, dass Farranc 1842 zum Professor für Klavier am Pariser Konservatorium ernannt wurde. Dieses Amt bekleidete sie die nächsten dreißig Jahre und konnte sich trotz des pädagogischen Arbeitspensums als Komponistin beweisen. Es sei aber eher nicht „zeigen können“, sondern „darf nicht verfehlen“. Farranc stammte aus der berühmtesten Bildhauerdynastie und wuchs unter den besten Persönlichkeiten der Pariser Kunst auf, daher war der Akt der kreativen Selbstdarstellung für sie äußerst selbstverständlich.

Zu ihren Lebzeiten erhielt Madame Professor, nachdem sie etwa fünfzig meist instrumentale Kompositionen veröffentlicht hatte, von Berlioz und Liszt begeisterte Kritiken über ihre Musik, aber in ihrer Heimat wurde Farranc als übermäßig nicht-französischer Komponist wahrgenommen. In Frankreich schrieb jeder erste vielversprechende Autor stundenlange Opern, und die lakonische und von der Musik des Klassizismus inspirierte Pariserin widersprach wirklich der Mode der Zeit. Ganz falsch: Ihre besten Werke – wie die Dritte Symphonie g-Moll – gehen, gelinde gesagt, vor dem Hintergrund der damaligen Mastodons wie Mendelssohn oder Schumann nicht unter. Ja, und Brahms hat mit seinen Versuchen, den Klassizismus in die Sprache der Romantik zu übersetzen, zehn oder sogar zwanzig Jahre umgangen.

Dora Pejacevic

Als Vertreterin einer der edelsten Adelsfamilien des Balkans, Enkelin eines der Verbote (sprich: Gouverneure) Kroatiens und Tochter eines anderen, verbrachte Dora Pejacevic ihre Kindheit und Jugend genau so, wie sie das Leben von Jugendlichen normalerweise darstellen und sorgsam bewachte junge Aristokraten in der Weltpopkultur ... Das Mädchen wuchs unter der strengen Aufsicht englischer Gouvernanten auf, kommunizierte fast nicht mit Gleichaltrigen und wurde von ihren Eltern im Allgemeinen eher mit Blick auf eine weitere erfolgreiche Ehe für die Familie als auf eine glückliche Kindheit erzogen.

Aber etwas ging schief: Dora fing als Teenager mit den Ideen des Sozialismus Feuer, begann ständig mit ihrer Familie in Konflikt zu geraten und war infolgedessen mit über zwanzig Jahren vom Rest der Pejachevichs bis zum Ende ihres Lebens. Davon profitierte jedoch nur ihr anderes Hobby: Zu Beginn des Ersten Weltkriegs etablierte sich die rebellische Adlige als bedeutendste Figur der kroatischen Musik.

Doras Kompositionen, gleichermaßen von Brahms, Schumann und Strauss inspiriert, klangen nach den Maßstäben der sie umgebenden Welt äußerst naiv - zum Beispiel bei der Uraufführung ihres altmodischen Klavierkonzerts in Berlin und Paris hörten sie sich bereits an Pierrot Lunar und Heiliger Frühling. Aber wenn wir vom historischen Kontext abstrahieren und Pejacevichs Musik als aufrichtige Liebeserklärung an die deutschen Romantiker anhören, dann kann man leicht ihre expressive Melodik erkennen, die auf hohem Niveau in Orchestrierung und sorgfältiger Strukturarbeit entstanden ist.

Amy Beach

Die berühmteste Episode in der Biografie von Amy Beach kann wie folgt umgeschrieben werden. Im Jahr 1885, als sie 18 Jahre alt war, heirateten Amys Eltern sie mit einem 42-jährigen Chirurgen aus Boston. Schon damals war das Mädchen ein virtuoses Klavierspiel und hoffte, ihr Musikstudium und ihre Auftrittskarriere fortsetzen zu können, aber ihr Mann entschied sich anders. Dr. Henry Harris Audrey Beach, beschäftigt mit dem Status seiner Familie und geleitet von den damaligen Vorstellungen über die Rolle der Frau in der säkularen Gesellschaft Neuenglands, verbot seiner Frau das Musikstudium und beschränkte ihre Auftritte als Pianistin auf ein Konzert pro Jahr.

Für Amy, die von Konzerthallen und ausverkauften Recitals träumte, kam dies einer Tragödie gleich. Doch wie so oft wich die Tragödie einem Triumph: Obwohl Beach ihre Karriere als Künstlerin opferte, begann sie sich mehr und mehr dem Schreiben zu widmen und wird heute von den meisten Forschern eindeutig als beste amerikanische Komponistin der Spätromantik bezeichnet. Zwei ihrer Hauptwerke - die 1896 erschienene Gälische Symphonie und das drei Jahre später folgende Klavierkonzert - sind wirklich schön, auch wenn sie nach damaligen Maßstäben völlig ohne Originalität sind. Das Wichtigste ist, dass in Beachs Musik, wie man meinen könnte, für Provinzialismus und Engstirnigkeit absolut kein Platz ist.

Ruth Crawford Seeger

Ruth Crawford Seeger ist in den Kreisen ernsthafter Bewunderer, Forscher und schlichtweg Liebhaber amerikanischer Volksmusik viel bekannter als in der Welt der akademischen Musik. Wieso den? Dafür gibt es zwei wichtige Gründe: Erstens war sie die Frau des Musikwissenschaftlers Charles Seeger und damit die Vorfahrin des Seeger-Clans, einer Familie von Musikern und Sängern, die mehr für die Popularisierung des amerikanischen Folk getan haben als jeder andere. Zweitens arbeitete sie in den letzten zehn Jahren ihres Lebens eng an der Katalogisierung und Anordnung von Liedern, die auf zahlreichen Reisen von John und Alan Lomax, den größten amerikanischen Folkloristen und Sammlern von Volksmusik, aufgenommen wurden.

Überraschenderweise waren sowohl Ruth als auch Charles Seeger bis zum Beginn ihres gemeinsamen Lebens Komponisten mit einem äußerst modernistischen Sinn, die das Wort "Folklore" nur sehr schwer auf ihre Musik anwandten. Insbesondere die Werke von Ruth Crawford der frühen 30er Jahre sind nur mit den Werken von Anton Webern zu vergleichen – und das auch dann nur im Hinblick auf gekonnt konstruierte Dramatik und lakonisch konzentriertes musikalisches Material. Aber wenn Weberns Traditionen durch jeden Ton leuchten - egal ob österreichische oder Renaissancemusik - dann existieren Seegers Werke wie außerhalb der Tradition, außerhalb der Vergangenheit und außerhalb der Zukunft, außerhalb Amerikas und außerhalb des Rests der Welt. Warum gehört ein Komponist mit einem so individuellen Stil immer noch nicht zum kanonischen Repertoire der Moderne? Geheimnis.

Lilie Boulanger

Es scheint, was für eine Musik könnte eine ewig kranke, tiefreligiöse und pathologisch bescheidene Französin aus der High Society zu Beginn des letzten Jahrhunderts komponieren? Das ist richtig - einer, der als guter Soundtrack für den Tag des Gerichts dienen könnte. Die besten Kompositionen von Lily Boulanger sind auf religiösen Texten wie Psalmen oder buddhistischen Gebeten geschrieben, sie werden oft wie von einem falsch eingestellten Chor zu einer zerrissenen, nicht melodischen und lauten musikalischen Begleitung vorgetragen. Ein Analogon zu dieser Musik ist auf Anhieb nicht zu finden - ja, sie ähnelt in gewisser Weise Strawinskys Frühwerken und Honeggers besonders feurigen Kompositionen, aber weder das eine noch das andere erreichte eine solche Tiefe der Verzweiflung und verfiel nicht in einen so extremen Fatalismus. Als der Komponist Gabriel Fauré, ein Freund der Familie Boulanger, feststellte, dass die dreijährige Lily ein perfektes Gehör hat, konnten sich Eltern und ältere Schwester kaum vorstellen, dass diese Gabe in etwas so Unengelhaftem verkörpert werden würde.

Übrigens über meine Schwester. Nadia Boulanger erwies sich als eine weitaus bedeutendere Figur der Musikgeschichte. Fast ein halbes Jahrhundert lang – von den 20er bis 60er Jahren – galt Nadia als eine der besten Musiklehrerinnen der Welt. Mit sehr spezifischen Ansichten sowohl zu Musik, die für diese Zeit neu war, als auch zu Musik im wahrsten Sinne des Wortes, klassisch, hart, unversöhnlich und ihre Schüler mit den schwierigsten Aufgaben ermüdend, blieb Nadia auch für ihre ideologischen Gegner eine Beispiel für musikalische Intelligenz von beispielloser Erinnerung und Kraft. Vielleicht hätte sie eine ebenso bedeutende Komponistin werden können, wie sie sich als Lehrerin herausstellte. Angefangen hat sie jedenfalls genau als Komponistin - aber nach Lilys Tod ist nach ihrem eigenen Eingeständnis etwas in Nadia gebrochen. Mit 92 Jahren erreichte die ältere Schwester nie die Höhe der wenigen Werke der jüngeren, mit 24 Jahren an Morbus Crohn ausgebrannt.

Elizabeth Maconkey

Ralph Vaughan Williams, der größte britische Komponist des letzten Jahrhunderts, war ein leidenschaftlicher Verfechter nationaler Musiktraditionen. So überarbeitete er mit Begeisterung Volkslieder, schrieb Chorwerke, die anglikanischen Hymnen verdächtig ähnlich waren, und überdacht mit wechselndem Erfolg das Werk englischer Komponisten der Renaissance. Er unterrichtete auch Komposition am Royal College of Music in London, wo seine Lieblingsstudentin in den 1920er Jahren eine junge Irin namens Elizabeth Maconkey war. Jahrzehnte später wird sie erzählen, dass es Vaughan Williams war, obwohl er ein Traditionalist war, riet ihr, niemandem zuzuhören und sich beim Komponieren nur auf ihre Interessen, Geschmäcker und Gedanken zu konzentrieren.

Der Ratschlag war für Maconca ausschlaggebend. Sowohl von den globalen Strömungen der akademischen Avantgarde als auch von der ewigen englisch-keltischen Liebe zur ländlichen Folklore blieb ihre Musik stets unberührt. Gerade in ihren Studienjahren, die Bela Bartok entdeckte (übrigens ein Komponist, der auch abseits offensichtlicher Tendenzen arbeitete), ging Makonki in ihren Werken natürlich von der reifen Musik des großen Ungarn aus, entwickelte sich aber gleichzeitig konsequent weiter ihren eigenen Stil, viel intimer und introspektiver. Anschauliche Beispiele für die Originalität und Entwicklung der Fantasie von Makonkas Komponistin sind ihre dreizehn Streichquartette, die von 1933 bis 1984 entstanden und zusammen einen Zyklus der Quartettliteratur bilden, der denen von Schostakowitsch oder Bartok in nichts nachsteht.

Vitezslava Kapralova

Der unscheinbare tschechische Komponist und Konzertpianist Vaclav Kapral gründete wenige Jahre vor dem Ersten Weltkrieg in seiner Heimat Brünn eine private Musikschule für junge Pianisten. Die Schule bestand auch nach dem Krieg weiter und erwarb sich bald einen Ruf als eine der besten des Landes. Der Zustrom der Studienwilligen, und zwar speziell beim Unteroffizier selbst, ließ den Komponisten auch nur für kurze Zeit daran denken, alle übrigen Aktivitäten zugunsten des Lehrens einzustellen.

Glücklicherweise zeigte seine Tochter Vitezslava, die zu diesem Zeitpunkt noch nicht ihren zehnten Geburtstag feierte, plötzlich ein außergewöhnliches musikalisches Talent. Das Mädchen spielte besser Klavier als viele erwachsene Profis, lernte das gesamte klassische Liedrepertoire auswendig und begann sogar, kleine Stücke zu schreiben. Der Korporal entwickelte einen Plan, der in seiner Arroganz, Dummheit und Kommerzialisierung überraschend war: aus Vitezslava ein echtes Musikmonster zu entwickeln, das ihn als Hauptlehrer der Familienschule ersetzen kann.

Natürlich ist nichts dergleichen passiert. Der ehrgeizige Vitezslava, der Komponist und Dirigent werden wollte, trat im Alter von fünfzehn Jahren gleichzeitig in zwei entsprechende Fakultäten am örtlichen Konservatorium ein. Damit eine Frau dirigieren will - das gab es in Tschechien der 30er Jahre vor Kapralova nicht. Und gleich zu dirigieren und zu komponieren - das war im Allgemeinen undenkbar. Musik zu komponieren war es, mit der der neu immatrikulierte Student in erster Linie begann – und zwar in einer Qualität, einer stilistischen Vielfalt und in einem Volumen, das seinesgleichen sucht.

VEronika Dudarova, Sofia Gubaidulina, Elena Obraztsova - Namen, die nicht nur in Russland, sondern auch im Ausland bekannt sind. In Erinnerung an die großen Musikerinnen des 20. Jahrhunderts.

Veronica Dudarova

Veronika Dudarova. Foto: classicmusicnews.ru

Veronika Dudarova. Foto: south-ossetia.info

Veronika Dudarova wurde 1916 in Baku geboren. 1938 absolvierte sie die Klavierabteilung der Musikschule am Leningrader Konservatorium und traf eine für die damalige Zeit ungewöhnliche Entscheidung - Dirigentin zu werden. Zu dieser Zeit gab es in der UdSSR keine Frauen, die sich entschieden, einem Sinfonieorchester beizutreten. Veronica Dudarova wurde Schülerin von zwei Meistern - Leo Ginzburg und Nikolai Anosov.

1944 debütierte sie als Dirigentin am Zentralen Kindertheater. Dann arbeitete sie im Opernstudio des Moskauer Konservatoriums.

1947 wurde Veronika Dudarova Dirigentin des Moskauer Staatlichen Symphonieorchesters, 1960 übernahm sie den Posten der Chefdirigentin und künstlerischen Leiterin dieses Orchesters. Dudarovas Repertoire umfasste nach und nach ein riesiges Werk - von Bach und Mozart bis Alfred Schnittke, Mikael Tariverdiev, Sofia Gubaidulina.

In einem Interview hat sie immer wieder von blutigen Proben gesprochen, davon, dass man manchmal "stark Ergebnisse erzielen" müsse. 1991 organisierte und leitete Dudarova das Staatliche Symphonieorchester Russlands. Ihr Name steht im Guinness-Buch der Rekorde: Sie war die erste Frau der Welt, die seit über 50 Jahren mit Sinfonieorchestern zusammenarbeitete.

Veronika Dudarova gewidmetes Festival:

Sofia Gubaidulina

Sofia Gubaidulina. Foto: remusik.org

Sofia Gubaidulina. Foto: tatarstan-symphony.com

Die Komponistin Sofia (Sania) Gubaidulina wurde 1931 in Tschistopol geboren. Ihr Vater war Landvermesser, ihre Mutter Grundschullehrerin. Kurz nach der Geburt ihrer Tochter zog die Familie nach Kasan. 1935 begann Sofia Gubaidulina, Musik zu studieren. 1949 wurde sie Schülerin der Klavierabteilung des Kasaner Konservatoriums. Später beschloss die Pianistin, selbst Musik zu schreiben und trat in die Kompositionsabteilung des Moskauer Konservatoriums ein - zuerst in der Klasse von Yuri Shaporin, dann bei Nikolai Peyko und dann in der Graduiertenschule unter der Leitung von Vissarion Shebalin.

Kollegen von Sofia Gubaidulina stellten fest, dass sie sich bereits in ihren ersten Arbeiten religiösen Bildern zuwandte. Dies macht sich besonders in den Partituren der 70er und 80er Jahre bemerkbar: „De profundis“ für Knopfakkordeon, Violinkonzert „Offertorium“ („Opfer“), „Seven Words“ für Cello, Knopfakkordeon und Streicher. Dies manifestierte sich in späteren Werken - "Leidenschaft nach Johannes", "Ostern nach Johannes", "Einfaches Gebet".

„Mein Ziel war es immer, den Klang der Welt, den Klang meiner eigenen Seele zu hören und deren Kollision, Kontrast oder umgekehrt Ähnlichkeiten zu studieren. Und je länger ich gehe, desto klarer wird mir, dass ich die ganze Zeit nach dem Klang gesucht habe, der der Wahrheit meines Lebens entspricht."
Sofia Gubaidulina

Ende der 1980er Jahre wurde Sofia Gubaidulina zu einer international renommierten Komponistin. Seit 1991 lebt sie in Deutschland, kommt aber oft nach Russland. Heute finden ihr gewidmete Festivals in verschiedenen Ländern statt, die besten Musikgruppen und Solisten arbeiten mit ihr zusammen.

Ein Dokumentarfilm über Sofia Gubaidulina:

Elena Obraztsova

Elena Obraztsova. Foto: classicmusicnews.ru

Elena Obraztsova wurde 1939 in Leningrad geboren. Als es an der Zeit war, an der Universität zu studieren, entschied sich das Mädchen für die Gesangsabteilung des Leningrader Konservatoriums, obwohl ihr Vater darauf bestand, dass ihre Tochter Radiotechnik studierte. 1962 gewann eine Schülerin von Obraztsova den Glinka All-Union Vocal Competition. Bald gab die junge Sängerin ihr Debüt am Bolschoi-Theater - ihre erste Rolle war Marina Mnishek in "Boris Godunov" von Modest Mussorgsky.

Zum russischen Repertoire der Sängerin gehören auch Martha aus der Oper Chowanschtschina von Mussorgski, Lyubascha aus Die Zarenbraut von Nikolai Rimski-Korsakow, Helen Bezukhova aus Krieg und Frieden von Sergei Prokofjew. Elena Obraztsova spielte während ihrer gesamten musikalischen Karriere die Rolle der Gräfin in Die Pikkönigin von Pjotr Tschaikowsky. Der Sänger sagte: „Ich kann es bis zu hundert Jahre lang singen, solange die Stimme klingt. Und es ist überwuchert und überwuchert mit neuen Farben“.

Eine der bekanntesten Rollen aus dem ausländischen Repertoire von Obraztsova war Carmen in Bizets Oper. Nicht nur sowjetische, sondern auch spanische Hörer erkannten sie als die beste Darstellerin dieser Rolle.
Obraztsovas Partner waren Placido Domingo, Luciano Pavarotti und Mirella Freni. Ein wichtiges Ereignis im Leben der Sängerin war das Treffen mit dem Komponisten Georgy Sviridov: Er widmete ihr mehrere Gesangskompositionen.

Life Line-Programm mit Elena Obraztsova:

Eliso Virsaladze

Eliso Virsaladze. Foto: archive.li

Eliso Virsaladze. Foto: riavrn.ru

Eliso Virsaladze wurde 1942 in Tiflis geboren. Ihre Großmutter, die berühmte georgische Pianistin Anastasia Virsaladze, war ihre Lehrerin an der Schule und am Konservatorium. 1962 gewann Eliso den dritten Preis beim II. Internationalen Tschaikowsky-Wettbewerb. 1966 trat sie nach ihrem Abschluss am Konservatorium in Tiflis in die Graduiertenschule des Moskauer Konservatoriums in der Klasse von Yakov Zak ein.

Seit 1967 lehrt Eliso Virsaladze am Moskauer Konservatorium. Zu den Absolventen ihrer Klasse gehören die Preisträger internationaler Wettbewerbe Boris Berezovsky, Alexey Volodin, Dmitry Kaprin.

Im Repertoire des Pianisten nehmen die Werke von Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Robert Schumann, Tschaikowsky, Prokofjew einen besonderen Platz ein. Sie tritt oft im Ensemble mit der Cellistin Natalia Gutman auf.

"Dies ist eine große Künstlerin, vielleicht die stärkste Pianistin im Moment."- so sprach Svyatoslav Richter über Virsaladze.

Heute tritt Eliso Virsaladze viel mit Solo- und Kammerprogrammen auf, spielt oft mit Orchestern. Sie spricht von Konzerten als Sakrament: „Du gehst auf die Bühne und gehörst dem Komponisten, den du spielst, und dem Publikum, für das du spielst“.

Programm "Collection of Performances" und Konzert von Eliso Virsaladze:

Natalia Gutmann

Natalia Gutmann. Foto: classicmusicnews.ru

Die angehende Cellistin wurde 1942 in Kasan geboren und erhielt ihren ersten Cellounterricht bei ihrem Stiefvater Roman Sapozhnikov. Anschließend studierte sie an der Zentralen Musikschule des Moskauer Konservatoriums. 1964 absolvierte Natalia das Moskauer Konservatorium in der Klasse von Galina Kozolupova und 1968 das Leningrader Konservatorium, wo ihr Leiter Mstislaw Rostropowitsch war.

Bereits in ihren Konservatoriumsjahren wurde Natalia Preisträgerin mehrerer Wettbewerbe, darunter des II. Internationalen Tschaikowsky-Wettbewerbs. 1967 begann sie ihre Lehrtätigkeit am Moskauer Konservatorium.

„Wenn ich nur professionell den Bogen bewege und an meinen eigenen denke – wird er sofort gehört! Für mich ist der Automatismus der Hinrichtung, Gleichgültigkeit ein schrecklicher Fehlschlag!“ Sie sagt.

Heute unterrichtet Natalia Gutman junge Musiker in vielen europäischen Städten, organisiert große Festivals und tourt weiter.

Rede bei den "Dezemberabenden" im Staatlichen Puschkin-Museum der Schönen Künste:

______________________________________________

In der Ära der Ausbildung von Operngesang für Sängerinnen waren die Bedingungen nicht so günstig. Dies hat den globalen Prozess jedoch nicht sehr verlangsamt und wir kennen viele Namen von echten Stars - Operndiven, ich werde sie nicht einmal auflisten. Aber hier sind die Frauen, die Musik geschrieben haben ... entweder gab es überhaupt keine Bedingungen oder es gab nicht so viel Talent ... Jedenfalls strahlte keiner der Namen von Komponistinnen so hell wie etwa die Namen von Beethoven, oder! Und doch, mal sehen: Was haben wir hier? :)

Hildegard Bingen

Obwohl weibliche Namen in der Welt des Musikschreibens nicht den gleichen Ruhm erlangt haben wie männliche Namen, gibt es einen Namen, der aus musikgeschichtlicher Sicht sehr bedeutsam ist. Dies ist Hildegard von Bingen, eine der ersten mittelalterlichen Komponistinnen, die eine Aufzeichnung ihrer Werke hinterlassen hat. Nun, es ist klar, was funktioniert, denn dies ist das 12. Jahrhundert! Wahrscheinlich muss der moderne Hörer ein sehr großer Fan sein, um mittelalterliche Kirchengesänge zu hören. Allerdings sind das rein theoretische meine Erfindungen - von Hildegard habe ich mir noch nichts anhören können. Im Internet habe ich bisher nur das gefunden, aber dort muss man erst Mitglied im Club werden und erst dann zuhören. Der Umzug ist dazu noch nicht gekommen, obwohl es Pläne gibt :). Aber in dieser Geschichte ist vielleicht etwas anderes wichtiger: die Persönlichkeit der Nonne, die der Papst 2012 offiziell heiliggesprochen hat. Und er schrieb auch sehr gefühlvoll über sie:

Ihre Geschichte erscheint umso bemerkenswerter, wenn man beginnt, darüber nachzudenken, welche Schwierigkeiten damals wohl nicht nur mit der Existenz einer Komponistin verbunden waren - Herr, das ist auch jetzt noch keine leichte Sache -, sondern was gibt es, die Existenz einer Frau, MINDESTENS ETWAS FÜR SICH SELBST DARSTELLENDE.

Nehmen wir in der einen Hand ein Porträt von Hildegard und in der anderen einen weingefüllten Kelch, zeigen wir uns eine Nahaufnahme 1179 und stoßen wir auf ihre ganz und gar nicht hexenhafte, exzentrische Musikalität an.

Barbara Strozzi

Ich mag natürlich ein Ignorant sein, aber ich habe auch nicht auf die Musik dieser Dame gehört und ... aus irgendeinem Grund denke ich, dass dieser Name auch eine eher historische als musikalische Spur hinterlassen hat. Nämlich: Barbara Strozzi war eine der ersten, die ihre Werke nicht in Sammlungen veröffentlichte, sondern wie man so schön sagt - solo, und das ist ja schon eine Bewerbung! Sie lebte und arbeitete in meinem geliebten und geliebten Land - Italien. Sie hatte einen Spitznamen "The Most Virtuoso", aber auch hier scheint diese Einschätzung mehr mit Strozzi - der Sängerin - zu tun zu haben. Und konnte sie als Komponistin mit den vielen brillanten Schriftstellern dieser Zeit mithalten? Monteverdi, Bach, Vivaldi, Purcell, Händel sind jedenfalls weltweit. Aber der Name Barbara Strozzi ist nicht so oft zu hören. Aber genug Klugheit, jetzt höre ich mir gemeinsam mit Ihnen zum ersten Mal ihre Komposition an:

Na, wie gefällt es dir? Ich habe zugehört, sehr schön!

Clara Schumann

In diesem Fall möchte ich also nur sagen: Ja, Clara war die Frau des Komponisten Robert Schumann. Das ist sozusagen eine Ableitung eines bekannten männlichen Vornamens. Tatsächlich aber „beförderte“ Klara ihren Mann, sie war die erste Interpretin seiner Werke. Genau wie die Musik von Brahms hörte das Publikum sie zuerst von Klara. Das sind übrigens die wichtigsten Sätze - Hinrichtung... Da Clara eine virtuose Pianistin, ja ein Wunderkind war, begannen ihre Auftritte und Tourneen bereits im Kindesalter. Und Clara gab ihr letztes Konzert im Alter von 71 Jahren. Als Pianistin war sie ja berühmt und erfolgreich. Als Komponistin wurde sie damals einfach nicht ernst genommen (das ist keine Frauensache!), und jetzt ist das Werk von Clara Schumann interessant, aber ihre Werke werden nicht sehr oft aufgeführt.

Wie in jedem anderen Bereich der westlichen klassischen Kunst gibt es in der Geschichte der akademischen Musik unzählige vergessene, aber würdige Frauen.

Vor allem in der Geschichte der Komponistenkunst.

Auch heute noch, da die Zahl bemerkenswerter Komponistinnen jedes Jahr wächst, sind Werke von Frauen selten in den Saisonplänen der berühmtesten Orchester und Konzertprogramme der berühmtesten Interpreten enthalten.

Wenn das Werk einer Komponistin zum Objekt des Publikums oder der journalistischen Aufmerksamkeit wird, wird die Nachricht davon notwendigerweise von einer traurigen Statistik begleitet.

Ein neues Beispiel: In dieser Saison spielte die Metropolitan Opera Kaia Saariahos Genie Love from Afar, die erste von einer Frau geschriebene Oper, die seit 1903 im Theater gezeigt wurde. Es ist beruhigend, dass die Kompositionen von Saariaho – wie zum Beispiel die Musik von Sofia Gubaidulina oder Julia Wolf – auch ohne solche Newsfeeds recht häufig aufgeführt werden.

Jemand allein wegen seines eigenen Verhaltens, das kulturelle Grundlagen zerstört hat, und jemand - durch seine Musik, die mit einem Analogon nicht zu vergleichen ist.

Louise Farranc (1804-1875)

Dieses Amt bekleidete sie die nächsten dreißig Jahre und konnte sich trotz des pädagogischen Arbeitspensums als Komponistin beweisen. Es sei aber eher nicht „zeigen können“, sondern „darf nicht verfehlen“.

Farranc stammte aus der berühmtesten Bildhauerdynastie und wuchs unter den besten Persönlichkeiten der Pariser Kunst auf, daher war der Akt der kreativen Selbstdarstellung für sie äußerst selbstverständlich.

In Frankreich schrieb jeder erste vielversprechende Autor stundenlange Opern, und die lakonische und von der Musik des Klassizismus inspirierte Pariserin widersprach wirklich der Mode der Zeit.

Ganz falsch: Ihre besten Werke – wie die Dritte Symphonie g-Moll – gehen, gelinde gesagt, vor dem Hintergrund der damaligen Mastodons wie Mendelssohn oder Schumann nicht unter. Ja, und Brahms hat mit seinen Versuchen, den Klassizismus in die Sprache der Romantik zu übersetzen, zehn oder sogar zwanzig Jahre umgangen.

Dora Pejacevic (1885-1923)

Das Mädchen wuchs unter der strengen Aufsicht englischer Gouvernanten auf, kommunizierte fast nicht mit Gleichaltrigen und wurde von ihren Eltern im Allgemeinen eher mit Blick auf eine weitere erfolgreiche Ehe für die Familie als auf eine glückliche Kindheit erzogen.

Davon profitierte jedoch nur ihr anderes Hobby: Zu Beginn des Ersten Weltkriegs etablierte sich die rebellische Adlige als bedeutendste Figur der kroatischen Musik.

Aber wenn wir vom historischen Kontext abstrahieren und Pejacevichs Musik als aufrichtige Liebeserklärung an die deutschen Romantiker anhören, dann kann man leicht ihre expressive Melodik erkennen, die auf hohem Niveau in Orchestrierung und sorgfältiger Strukturarbeit entstanden ist.

Amy-Strand (1867-1944)

Dr. Henry Harris Audrey Beach, beschäftigt mit dem Status seiner Familie und geleitet von den damaligen Vorstellungen über die Rolle der Frau in der säkularen Gesellschaft Neuenglands, verbot seiner Frau das Musikstudium und beschränkte ihre Auftritte als Pianistin auf ein Konzert pro Jahr.

Zwei ihrer Hauptwerke - die 1896 erschienene Gälische Symphonie und das drei Jahre später folgende Klavierkonzert - sind wirklich schön, auch wenn sie nach damaligen Maßstäben völlig ohne Originalität sind. Am wichtigsten ist, dass in Beachs Musik, wie man meinen könnte, absolut kein Platz für Provinzialismus und Engstirnigkeit ist.

Ruth Crawford Seeger (1901-1953)

Ruth Crawford Seeger ist in den Kreisen ernsthafter Bewunderer, Forscher und schlichtweg Liebhaber amerikanischer Volksmusik viel bekannter als in der Welt der akademischen Musik. Wieso den?

Dafür gibt es zwei wichtige Gründe: Erstens war sie die Frau des Musikwissenschaftlers Charles Seeger und damit die Vorfahrin des Seeger-Clans, einer Familie von Musikern und Sängern, die mehr für die Popularisierung des amerikanischen Folk getan haben als jeder andere.

Zweitens arbeitete sie in den letzten zehn Jahren ihres Lebens eng an der Katalogisierung und Anordnung von Liedern, die auf zahlreichen Reisen von John und Alan Lomax, den größten amerikanischen Folkloristen und Sammlern von Volksmusik, aufgenommen wurden.

Aber wenn Weberns Traditionen durch jeden Ton leuchten - egal ob österreichische oder Renaissancemusik - dann existieren Seegers Werke wie außerhalb der Tradition, außerhalb der Vergangenheit und außerhalb der Zukunft, außerhalb Amerikas und außerhalb des Rests der Welt.

Warum gehört ein Komponist mit einem so individuellen Stil immer noch nicht zum kanonischen Repertoire der Moderne? Geheimnis.

Lilie Boulanger (1893-1918)

Die besten Kompositionen von Lily Boulanger sind auf religiösen Texten wie Psalmen oder buddhistischen Gebeten geschrieben, sie werden oft wie von einem falsch eingestellten Chor zu einer zerrissenen, nicht melodischen und lauten musikalischen Begleitung vorgetragen. Ein Analogon zu dieser Musik ist auf Anhieb nicht zu finden - ja, sie ähnelt in gewisser Weise Strawinskys Frühwerken und Honeggers besonders feurigen Kompositionen, aber weder das eine noch das andere erreichte eine solche Tiefe der Verzweiflung und verfiel nicht in einen so extremen Fatalismus.

Als der Komponist Gabriel Fauré, ein Freund der Familie Boulanger, feststellte, dass die dreijährige Lily ein perfektes Gehör hat, konnten sich Eltern und ältere Schwester kaum vorstellen, dass diese Gabe in etwas so Unengelhaftem verkörpert werden würde.

Vielleicht hätte sie eine ebenso bedeutende Komponistin werden können, wie sie sich als Lehrerin herausstellte. Angefangen hat sie jedenfalls genau als Komponistin - aber nach Lilys Tod ist nach ihrem eigenen Eingeständnis etwas in Nadia gebrochen. Mit 92 Jahren erreichte die ältere Schwester nie die Höhe der wenigen Werke der jüngeren, mit 24 Jahren an Morbus Crohn ausgebrannt.

Elizabeth Maconkey (1907-1994)

Er unterrichtete auch Komposition am Royal College of Music in London, wo seine Lieblingsstudentin in den 1920er Jahren eine junge Irin namens Elizabeth Maconkey war.

Jahrzehnte später wird sie erzählen, dass es Vaughan Williams war, obwohl er ein Traditionalist war, riet ihr, niemandem zuzuhören und sich beim Komponieren nur auf ihre Interessen, Geschmäcker und Gedanken zu konzentrieren.

Anschauliche Beispiele für die Originalität und Entwicklung der Fantasie von Makonkas Komponistin sind ihre dreizehn Streichquartette, die von 1933 bis 1984 entstanden und zusammen einen Zyklus der Quartettliteratur bilden, der denen von Schostakowitsch oder Bartok in nichts nachsteht.

Vitezslav Kapralova (1915-1940)

Der Zustrom der Studienwilligen, und zwar speziell beim Unteroffizier selbst, ließ den Komponisten auch nur für kurze Zeit daran denken, alle übrigen Aktivitäten zugunsten des Lehrens einzustellen.

Der Korporal entwickelte einen Plan, der in seiner Arroganz, Dummheit und Kommerzialisierung überraschend war: aus Vitezslava ein echtes Musikmonster zu entwickeln, das ihn als Hauptlehrer der Familienschule ersetzen kann.

Und gleich zu dirigieren und zu komponieren - das war im Allgemeinen undenkbar. Musik zu komponieren war es, mit der der neu immatrikulierte Student in erster Linie begann – und zwar in einer Qualität, einer stilistischen Vielfalt und in einem Volumen, das seinesgleichen sucht.

Verständlich, warum in der TV-Serie Mozart im Dschungel Kapralova zum Vorbild für die Heldin Lizzie wird, die nicht tatenlos zusehen kann: Vitezslava starb im Alter von 25 Jahren an Tuberkulose - gleichzeitig aber ist die Zahl der von ihr verfasste Kompositionen übersteigen die Kataloge sehr, sehr vieler Autoren.

Es ist jedoch logisch anzunehmen, dass dieses phänomenale Mädchen den Triumph ihres letzten Komponisten nicht mehr erlebte.

Bei aller formalen Qualität sind Kapralovas Kompositionen stilistisch der Musik des führenden tschechischen Komponisten dieser Jahre Boguslav Martin sehr ähnlich, der auch ein großer Freund der Familie Corporal war, der Vitezslava von Kindheit an kannte und sich sogar in ihn verlieben konnte sie kurz vor dem Tod des Mädchens.

"Es ist wahrscheinlicher, dass ein Mann ein Kind zur Welt bringt, als eine Frau gute Musik schreibt", sagte einst der deutsche Komponist Johannes Brahms. Eineinhalb Jahrhunderte später versammeln sich Komponistinnen in den größten Konzertsälen der Welt, schreiben Musik für Filme und entwickeln wichtige soziale Initiativen.

1. Cassia von Konstantinopel

Die griechische Nonne Cassia wurde 804 oder 805 in eine wohlhabende Konstantinopel-Familie hineingeboren. Heute ist sie nicht nur als Stifterin des Klosters in Konstantinopel bekannt, sondern auch als eine der ersten Hymnografinnen und Komponistinnen.

Cassia war sehr schön und nahm nach einigen Quellen 821 sogar an der Brautschau des Kaisers Theophilos teil. Das Mädchen war nicht dazu bestimmt, die Frau des Kaisers zu werden, und bald wurde Cassia eine Nonne mit Tonsur, um ihr ganzes Leben in dem von ihr gegründeten Kloster zu verbringen. Cassia komponierte dort Kirchenlieder und Kanons, und eine Analyse ihrer Werke mit Bezügen zu Werken antiker Autoren lässt Rückschlüsse auf die gute weltliche Bildung des Mädchens zu.

Cassia von Konstantinopel ist eine der ersten Komponistinnen, deren Werke von zeitgenössischen Musikern aufgeführt werden können.

2. Hildegard von Bingen

Die deutsche Ordensschwester Hildegard Bingen war nicht nur in Sachen Musik eine außergewöhnliche Person - sie arbeitete auch an naturwissenschaftlichen und medizinischen Werken, schrieb mystische Visionsbücher sowie spirituelle Gedichte.

Hildegard wurde Ende des 11. Jahrhunderts geboren und war das zehnte Kind einer Adelsfamilie. Ab dem achten Lebensjahr wurde das Mädchen von einer Nonne aufgezogen und mit 14 begann sie in einem Kloster zu leben, wo sie Kunst und Liturgie studierte.

Das Mädchen begann als Kind, Musik zu ihren eigenen Versen zu komponieren, und sammelte bereits im Erwachsenenalter ihre Werke in einer Sammlung namens "Harmonious Symphony of Celestial Revelations". Die Sammlung umfasst Gesänge, die in mehreren Teilen zu liturgischen Themen zusammengefasst sind.

3. Barbara Strozzi

Die italienische Komponistin Barbara Strozzi, die später "die Virtuosin" genannt wurde, war die uneheliche Tochter des Dichters Giulio Strozzi, der sie später adoptierte. Barbara selbst hatte vier uneheliche Kinder von verschiedenen Männern. Das Mädchen wurde 1619 in Venedig geboren und studierte bei dem Komponisten Francesco Cavalli.

Strozzi schrieb Kantaten, Ariette, Madrigale und ihr Vater Giulio schrieb die Texte für die Werke ihrer Tochter. Barbara war die erste Komponistin, die ihre Werke nicht in Sammlungen, sondern einzeln veröffentlichte. Die Musik von Barbara Strozzi wird heute aufgeführt und neu aufgelegt.

4. Clara Schumann

Geboren Clara Wieck wurde 1819 in Leipzig in der Familie des berühmten Klavierlehrers Friedrich Wieck in Stadt und Land geboren. Schon in jungen Jahren lernte das Mädchen mit ihrem Vater das Klavierspielen und begann bereits im Alter von 10 Jahren erfolgreich in der Öffentlichkeit aufzutreten.

Zusammen mit ihrem Vater tourte Clara durch Deutschland und gab dann mehrere Konzerte in Paris. Etwa zur gleichen Zeit begann die junge Clara, Musik zu schreiben – ihre ersten Werke wurden 1829 veröffentlicht. Zur gleichen Zeit wurde der junge Robert Schumann Schüler von Friedrich Wieck, dessen Bewunderung für die begabte Tochter des Lehrers in Liebe wuchs.

1940 heirateten Clara und Robert. Seitdem begann das Mädchen, von ihrem Mann geschriebene Musik aufzuführen, oft war sie die erste, die der Öffentlichkeit neue Kompositionen von Robert Schumann vorstellte. Auch der Komponist Johannes Brahms, ein enger Freund der Familie, vertraute Clara die Uraufführung seiner Werke an.

Clara Schumanns eigene Schriften zeichneten sich durch ihre Modernität aus und galten als eines der besten Beispiele der romantischen Schule. Robert Schumann schätzte auch die Schriften seiner Frau sehr, die jedoch darauf bestand, dass seine Frau sich auf das Familienleben und die acht Kinder konzentrierte.
Nach dem Tod von Robert Schumann trat Clara weiterhin mit seinen Werken auf, und das Interesse an ihrem eigenen Werk entfachte 1970 mit neuer Kraft, als erstmals Aufnahmen von Claras Werken erschienen.

5. Amy Beach

Die Amerikanerin Amy Marcy Cheney Beach ist die einzige Frau in den sogenannten "Boston Six" der Komponisten, zu denen neben ihr die Musiker John Knowles Payne, Arthur Foote, George Chadwick, Edward McDowell und Horatio Parker gehörten. Den Komponisten der Sechs wird ein entscheidender Einfluss auf die Entstehung der amerikanischen akademischen Musik zugeschrieben.

Amy wurde am 5. September 1867 in eine wohlhabende Familie aus New Hampshire geboren. Schon in jungen Jahren studierte das Mädchen unter Anleitung ihrer Mutter Musik und begann nach dem Umzug der Familie nach Boston mit dem Komponieren. Das erste Solokonzert von Amy Beach fand 1883 statt und war ein großer Erfolg. Zwei Jahre später heiratete das Mädchen und hörte auf Drängen ihres Mannes praktisch auf, aufzutreten und konzentrierte sich auf das Schreiben von Musik.

Mit ihren eigenen Werken trat sie später auf Tourneen in Europa und Amerika auf, und heute gilt Amy Beach als die erste Frau, die in der hohen Musikkunst erfolgreich Karriere machen konnte.

6. Valentina Serova

Die erste russische Komponistin, geborene Valentina Semyonovna Bergman, wurde 1846 in Moskau geboren. Das Mädchen scheiterte am St. Petersburger Konservatorium aufgrund eines Konflikts mit dem Direktor, woraufhin Valentina begann, Unterricht beim Musikkritiker und Komponisten Alexander Serov zu nehmen.

Im Jahr 1863 heirateten Valentina und Alexander, und zwei Jahre später bekam das Paar einen Sohn, den zukünftigen Künstler Valentin Serov. 1867 begannen die Serovs mit der Herausgabe der Zeitschrift Musik und Theater. Das Paar unterhielt freundschaftliche Beziehungen zu Ivan Turgenev und Polina Viardot, Leo Tolstoi, Ilya Repin.

Valentina Serova war ziemlich besorgt um die Arbeit ihres Mannes, und nach seinem Tod veröffentlichte sie vier Bände mit Artikeln über ihren Mann und vollendete auch seine Oper Die Macht des Feindes.

Serova ist Autorin der Opern "Uriel Acosta", "Maria D" Orval "," Miroed "," Ilya Muromets. "Neben Musik schrieb sie auch Artikel über die Kunst des Komponierens, veröffentlichte Memoiren über ihre Begegnungen mit Leo Tolstoi und Erinnerungen an ihren Mann und ihren Sohn.

7. Sofia Gubaidulina

Heute lebt und arbeitet die russische Komponistin Sofia Gubaidulina in Deutschland, doch in ihrer Heimat Tatarstan finden jährlich Musikwettbewerbe und Festivals statt, die der berühmten gebürtigen Republikanerin gewidmet sind.

Sofia Gubaidulina wurde 1931 in der Stadt Tschistopol geboren. Als Mädchen absolvierte sie das Kasaner Musikgymnasium und trat dann in das Kasaner Konservatorium ein, wo sie Komposition studierte. Nach Moskau gezogen, setzte Gubaidulina ihr Studium am Moskauer Konservatorium fort und erhielt nach dem Abschluss ein wichtiges Abschiedswort vom Komponisten Dmitry Schostakowitsch: "Ich wünsche Ihnen, dass Sie Ihren eigenen" falschen "Weg" gehen.

Zusammen mit Alfred Schnittke und Edison Denisov gehörte Sofia Gubaidulina zur Dreifaltigkeit der Moskauer Avantgarde-Komponisten. Gubaidulina arbeitete viel für das Kino und schrieb Musik für Filme wie "Vertical", "Man and His Bird", "Mowgli", "Vogelscheuche".

1991 erhielt Sofia Gubaidulina ein Deutschlandstipendium, lebt seither in Deutschland und kommt regelmäßig mit Konzerten, Festivals und verschiedenen sozialen Initiativen nach Russland.

„Im antiken Griechenland waren alle Harfnerinnen Männer, und jetzt ist sie ein „weibliches“ Instrument. Die Zeiten ändern sich, und die Worte von Brahms, dass „ein Mann lieber ein Kind gebären würde, als eine Frau gute Musik schreiben würde“, klingen leichtfertig“, sagte Sofia Asgatovna in einem Interview.

Hilfe zu Tele2, Tarife, Fragen