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Das teuerste Gemälde – „Flowers“ von N. Goncharova – wurde 2008 bei Christie's für 10,9 Millionen Dollar versteigert.
Und das ist ein Rekord für Kunstwerke, die von Frauen geschaffen wurden.

Natalia Goncharova "Blumen" (1912)

Dieses Gemälde gilt als Meilenstein der russischen Avantgarde. Darin mischte Goncharova das Neueste
Trends der europäischen Kunst (sie studierte die Gemälde von Gauguin, Matisse, Picasso) und ihre eigenen
eine neue Richtung - Rayonismus. Dieser Stil - eine der frühesten Formen der abstrakten Kunst -
Goncharova kam mit ihrem Ehemann, dem Futuristen Mikhail Larionov, auf.
Künstler haben Lichtstrahlen mit farbigen Linien dargestellt und so vermittelt
das Bild von Objekten Sie glaubten, dass Objekte in der Wahrnehmung einer Person sind
ist "die Summe der von der Lichtquelle kommenden Strahlen, die vom Objekt reflektiert werden
und in unser Blickfeld geraten" (aus dem "Manifest des Rayonismus").

Louise Bourgeois „Spider“ Preis: 10,7 Millionen US-Dollar Auktion: Christie's 2011

Louise Bourgeois, eine Amerikanerin französischer Herkunft, wurde fast hundert Jahre alt und
versuchte sich in fast allen wichtigen Bereichen der Kunst des zwanzigsten Jahrhunderts -
Kubismus, Futurismus, Surrealismus, Konstruktivismus und abstrakte Kunst.
Berühmt wurde Bourgeois aber vor allem als Bildhauer. All ihre Werke verbindet ein Unikat
Das zentrale Thema ihrer Arbeit sind Kindheitserinnerungen.
Eine Spinne, oder besser gesagt eine Spinne, ist im bürgerlichen Zeichensystem ein Symbol der Mutter.
„Sie war so schlau, geduldig, rein, vernünftig und zuvorkommend wie eine Spinne.
Und sie wusste sich zu schützen“, sagte die Künstlerin über ihre Mutter.
Riesige bronzene Spinnenskulpturen von Louise Bourgeois brechen bei Auktionen Rekorde.
Der neueste Rekord gehört dem fast sieben Meter langen „Spider“ aus einer Privatsammlung
im Napa Valley bei San Francisco: erworben am 8. November 2011
bei Christie's für 10,7 Millionen Dollar.

Natalia Goncharova „Spanische Frau“ (1916) Preis: 10,7 Millionen US-Dollar Auktion: Christie's 2010

Diese Leinwand wurde von Goncharova während des Ersten Weltkriegs gemalt. Dann fanden gravierende Veränderungen im Leben des Künstlers statt. Sie zog von Russland nach Paris, wo sie Kulissen für Diaghilevs Ballets Russes machte. Goncharovas Können als Theaterkünstler manifestierte sich in Der Spanier: Die kraftvolle Energie des spanischen Tanzes wurde in der Komposition transportiert.
Gleichzeitig gelang es ihr, das Detail theatralischer Kulissen mit der der abstrakten Kunst innewohnenden Vereinfachung zu verbinden.
Der Spanier zeigte eine radikal neue Technik, die später theatralischer Konstruktivismus genannt wurde.

Natalia Goncharova Picking Apples (1909) Preis: 9,8 Millionen Dollar Auktion: Christie's 2006

Nach den Ergebnissen der Auktion „Impressionisten und Meister des 20. Jahrhunderts“ im Jahr 2006 stellte „Picking Apples“ einen Rekord für die russische Malerei auf.
Wer das Gemälde gekauft hat, ist zwar nicht bekannt, der Käufer wollte anonym bleiben.
In dem Moment, als diese Arbeit geschrieben wurde, liebte die Künstlerin den Impressionismus, Postimpressionismus, Kubismus und Futurismus, aber der Einfluss von Gauguin ist in ihr besonders spürbar. Goncharova wurde auch von der russischen Ikonenmalerei und der Lubok-Tradition inspiriert. Als Ergebnis erschien ein ganzer Zyklus „Früchte pflücken“, der auf völlig originelle Weise hergestellt wurde.

Joan Mitchell „Ohne Titel“ (1959) Preis: 9,3 Millionen Dollar Auktion: Sotheby’s 2011

„Untitled“ ist eines von Mitchells ersten Werken in einem für sie damals neuen Stil des abstrakten Expressionismus. Mitchell ist laut dem Berliner Handelshaus Artnet.com der erfolgreichste Künstler im Auktionsumsatz. Während der Phase
Zwischen 1985 und 2013 wurden 646 ihrer Werke verkauft, für die Käufer insgesamt 239,8 Millionen Dollar zahlten.Im Gegensatz zu anderen amerikanischen Künstlern, die im Stil des abstrakten Expressionismus arbeiteten, wandte sich Mitchell der europäischen Tradition zu.

Tamara de Lempicka "Dream" ("Rafaela auf grünem Hintergrund") (1927)

Preis: $8,5 Millionen Auktion: Sotheby's 2011

Tamara de Lempicka ist eine amerikanische Künstlerin mit polnischen Wurzeln
Zeit in St. Petersburg gelebt. Sie arbeitete im Stil des Art Deco, der in den 1920er und 30er Jahren aufkam.
Jahren und saugte den Geist des "Jazz Age" auf. "Dream" wurde von Lempicka in einem fruchtbaren geschrieben
Pariser Zeit und entpuppte sich nach der Auktion 2011 als die teuerste Kreation des Künstlers.
Zuvor wurden ihre teuersten Werke 2009 verkauft.
„Portrait of Marjorie Ferry“ (4,9 Millionen Dollar) und „Portrait of Madame M.“ (6,1 Millionen Dollar).

Joan Mitchell Grüße Sally! (1970) Preis: $7 Millionen Auktion: Chistie's 2012

Dieses Gemälde ist Mitchells älterer Schwester Sally gewidmet. Die Arbeit unterscheidet sich stark von ihren früheren Leinwänden. Im Leben des Künstlers sind helle Zeiten angebrochen, die sich auf der Leinwand widerspiegeln. "Grüß dich, Sally!" - helles und sonniges Bild. Bis 1970 hatte Mitchell ein dauerhaftes Zuhause gefunden und sich in der kleinen Stadt Vetheuil, 55 km von Paris entfernt, niedergelassen. Dort beobachtete sie die Natur und malte ständig auf ihrer Terrasse, meist Sonnenblumen und andere leuchtende Blumen. Mitchell erhielt Anerkennung vom Pariser Publikum - die erste Einzelausstellung des abstrakten Künstlers fand 1970 in der französischen Hauptstadt statt.
Das Bild ist in Öl auf Leinwand gemalt. Vor dem Verkauf befand sich das Gemälde in einer Privatsammlung.

Cady Noland „Ozwald“ (1989) Preis: 6,6 Millionen Dollar Auktion: Sotheby’s 2011

Cady Noland ist eine amerikanische Bildhauerin und Installationskünstlerin, die im Stil der Postmoderne arbeitet. Der Höhepunkt ihrer Kreativität kam
für 1980-1990, und Noland schuf ihre letzte Arbeit vor 11 Jahren. Das hindert ihre Bilder jedoch nicht daran, teurer zu werden.
Laut Bloomberg ist Noland einer von drei Künstlern, deren Werke in den letzten 13 Jahren am stärksten gestiegen sind (+5,488 %). Diese beeindruckenden Zahlen erreichte sie unter anderem dank des für 6,6 Millionen Dollar verkauften Ozwald, der Lee Harvey Oswald darstellt, den einzigen Verdächtigen im Attentat auf US-Präsident John F. Kennedy. Noland arbeitete an dieser Installation in ihrer üblichen Technik. Sie verwendet Bilder aus den Medien (Zeitungsausschnitte, Aufnahmen aus der Chronik), vergrößert sie und
im Siebdruckverfahren auf Aluminiumbleche aufgebracht und anschließend ausgeschnitten. Um den Figuren Ausdruck zu verleihen, macht sie in manchen Fällen Löcher – Spuren von Kugeln.Nolands Arbeiten sind in den führenden Galerien zu sehen. Ihre persönlichen Ausstellungen fanden in den USA, Japan und Europa statt und ihre Werke werden von den führenden Auktionshäusern der Welt verkauft.

Schlafende Tamara de Lempicka (1930) Preis: 6,6 Millionen Dollar Auktion: Sotheby's Jahr: 2011

Porträts, auch solche im Aktgenre, nehmen einen wichtigen Platz im kreativen Erbe von de Lempicka ein. Sie schuf das Bild einer starken und sexy Frau (es überrascht nicht, dass Madonna eine der Hauptsammlerinnen von Lempickas Werken wurde). Die Welt des Künstlers ist voller Luxus, teurer Kleider und perfekter Körper.

Natalya Goncharova "Blühende Bäume" ("Apfelblüte") (1912)

Preis: $3,96 Millionen Auktion: Sotheby's Jahr: 2011

In diesem Werk steht Goncharov laut Kritikern der französischen Bildtradition des 19. Jahrhunderts viel näher als den Werken von Kasimir Malewitsch und Wassily Kandinsky.

Natalia Gontscharowa- Russischer Künstler, Maler, Grafiker, Theaterkünstler, Buchillustrator. Ein Vertreter der russischen Avantgarde der frühen 1910er Jahre, einer der brillantesten Bühnenbildner des 20. Jahrhunderts.

Natalya Sergeevna Goncharova wurde am 3. Juli 1881 im Dorf Ladyzhino in der Region Tula geboren. Sie gehörte der alten Adelsfamilie der Goncharovs an, sie war die Frau einer Großtante Alexander Sergejewitsch Puschkin.

Sergej Michailowitsch, Natalias Vater war Architekt, ein Vertreter des Moskauer Jugendstils. Mama Ekaterina Iljinichna- die Tochter eines Moskauer Professors der theologischen Akademie. Die Künstlerin verbrachte ihre Kindheit in der Provinz Tula, wo ihr Vater mehrere Dörfer und Ländereien besaß, was ihr die Liebe zum ländlichen Leben einflößte. Damit verbinden Kunsthistoriker die dekorative Wirkung ihres reifen Werks.

1891, als das Mädchen 10 Jahre alt war, zog die Familie nach Moskau.

Ausbildung

In Moskau trat Natalya Goncharova in das Frauengymnasium ein, das sie 1898 mit einer Silbermedaille abschloss.

Trotz ihres Hangs zum Zeichnen hat Goncharova in ihrer Jugend nicht ernsthaft darüber nachgedacht, Künstlerin zu werden.

1900 nahm sie an medizinischen Kursen teil, brach sie jedoch nach drei Tagen ab. Im selben Jahr studierte sie sechs Monate an der Fakultät für Geschichte der Höheren Frauenkurse.

Dann interessierte sie sich sehr für Kunst und ein Jahr später trat sie in die Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur in die Bildhauerklasse von S. Volnukhin und P. Trubetskoy ein.

1904 erhielt sie für ihre Arbeit eine kleine Silbermedaille, brach ihr Studium aber bald ab.

Natalya Sergeevna Goncharova Foto: Commons.wikimedia.org

Treffen mit Ehemann

Während ihres Studiums an der Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur lernte Goncharova ihren zukünftigen Ehemann kennen: einen Maler Michail Larionow. Das Treffen mit ihm veränderte das Leben und die Absichten des Mädchens: Sie beginnt viel zu schreiben und sucht nach ihrem eigenen Stil. Es war Larionov, der ihr riet, keine Zeit mit der Bildhauerei zu verschwenden und mit der Malerei zu beginnen. „Öffne deine Augen für deine Augen. Du hast ein Talent für Farbe und stehst auf Form“, sagte er.

1904 kehrte Goncharova zu ihrem Studium zurück, wechselte aber ins Malatelier um Konstantin Korovin. Goncharovas frühe Werke waren Gemälde im Geiste des Impressionismus. Das Mädchen gab die Skulptur nicht auf und erhielt 1907 eine weitere Medaille.

1909 beschließt Natalia endgültig, ihr Studium abzubrechen. Sie stellt die Studiengebühren ein und wird von der Schule verwiesen.

Nachdem sie ihr Leben mit Mikhail Larionov verbunden hatte, teilte sie seine Bestrebungen und künstlerischen Ansichten. Goncharova versucht sich in vielen Bereichen der Malerei: Kubismus („Portrait of M. Larionov“, 1913) und Primitivismus („Washing the Canvas“, 1910).

Zu dieser Zeit fühlte sich der Künstler vom Thema Bauernkunst angezogen. Sie versucht, die Essenz der Kreativität der Menschen zu kennen. Goncharova kehrt zum Kunsthandwerk zurück: Sie schreibt Tapetenzeichnungen, fertigt Hausfriese an.

Reproduktion des Gemäldes "Waschen der Leinwand" von Natalia Goncharova. 1910 Foto: « RIA-Nachrichten »

Von 1908 bis 1911 gab sie Privatunterricht im Kunstatelier des Malers. Ilja Maschkow.

Illustration

Der Künstler nahm an den Aktivitäten der Futurist Society teil und arbeitete mit Velimir Khlebnikov Und Alexey Kruchenykh. Die Freundschaft mit den Futuristen führte sie zur Buchgrafik. 1912 entwarf Goncharova die Bücher von Kruchenykh und Khlebnikov "Mirskonets", "Game in Hell". Sie war eine der ersten Buchgrafikerinnen in Europa, die sich der Collage-Technik bediente.

Ausstellungen

Am 24. März 1910 organisierte Goncharova in den Räumlichkeiten des literarischen und künstlerischen Kreises der Gesellschaft für freie Ästhetik ihre erste Einzelausstellung mit 22 Gemälden. Die Ausstellung dauerte nur einen Tag: Wegen des präsentierten Gemäldes „Das Modell (auf blauem Hintergrund)“ wurde Goncharova der Pornografie beschuldigt, mehrere Werke wurden beschlagnahmt. Das Gericht sprach sie bald frei.

1911 organisierte sie zusammen mit Larionov die Karo-Bube-Ausstellung und 1912 The Donkey's Tail. Weiter - "Ziele", "Nr. 4". Der Künstler war Mitglied des Münchner Blauen Reiters. Goncharova unterstützte aktiv zahlreiche Aktionen und Unternehmungen dieser Zeit.

1912 stellte Natalya Goncharova auf der berühmten Ausstellung "Donkey's Tail" einen Zyklus von 4 Gemälden "Evangelisten" aus. Dieses Werk erzürnte die Zensur mit seiner nicht trivialen Darstellung der Heiligen.

1914 fand eine große persönliche Ausstellung von Goncharovas Werken statt, 762 Leinwände wurden ausgestellt. Aber es gab auch einen Skandal: 22 Werke wurden entfernt, woraufhin die Zensoren vor Gericht gingen und Goncharova der Blasphemie bezichtigten.

1915 fand die letzte Ausstellung von Goncharovas Werken in Russland statt. Im Juni Diagilew lädt Goncharova und Larionov zur dauerhaften Arbeit in seinen "Russischen Jahreszeiten" ein, sie verlassen Russland.

Auswanderung

Goncharova und Larionov kamen in Frankreich an, wo das Paar bis zu seinem Lebensende blieb. Die Revolution hinderte sie daran, nach Russland zurückzukehren.

Sie ließen sich im Quartier Latin von Paris nieder, wo die gesamte Farbe der russischen Emigration gerne zu Besuch war. Goncharova und Larionov organisierten Wohltätigkeitsbälle für angehende Maler. Sie besuchten oft ihr Haus. Nikolai Gumilyov und Marina Tsvetaeva.

Goncharova hat viel in Paris gearbeitet, ihre Zyklen „Pfauen“, „Magnolien“, „Stachelige Blumen“ sprechen von ihr als reifer Malerin. Marina Tsvetaeva schrieb: „Wie arbeitet Natalya Goncharova? Erstens immer, zweitens überall, drittens alles. Alle Themen, alle Größen, alle Umsetzungsmethoden (Öl, Aquarell, Tempera, Pastell, Bleistift, Buntstifte, Kohle – was sonst?), alle Bereiche der Malerei, er nimmt alles und gibt jedes Mal. Dasselbe Phänomen der Malerei als Naturphänomen.

Natalja Gontscharowa. Pfau unter der strahlenden Sonne, 1911 Foto: Commons.wikimedia.org

Goncharova widmete jedoch den größten Teil ihrer Energie der Arbeit im Theater. Bis zum Tod von Diaghilev im Jahr 1929 war sie eine der führenden Künstlerinnen seines Unternehmens. Sie gestaltete die Ballette „Spanish Rhapsody“ (zu Musik M.Ravel), "The Firebird" (zu Musik I. Strawinsky), "Bogatyrs" (zur Musik A. Borodina), die Oper Koschey der Unsterbliche (zu Musik N. Rimski-Korsakow).

In den fünfziger Jahren malte Natalya Sergeevna zahlreiche Stillleben und Leinwände des "Weltraumzyklus".

In den sechziger Jahren gab es eine Wiederbelebung des breiten Interesses an der Kunst von Larionov und Goncharova, ihre Ausstellungen fanden in vielen Ländern und Städten in Europa und Amerika statt. 1961 organisierte das Arts Council of Great Britain in London eine große Retrospektive der Werke von Larionov und Goncharova.

Natalya Goncharova starb am 17. Oktober 1962 in Paris. Sie wurde auf dem Friedhof in Ivry-sur-Seine begraben.

Nach ihrem Tod widmete das Museum of Modern Art in Paris ihr und Larionov eine große Retrospektive.

24.08.2010 11:15

„Oh du, was für ein Sakrileg

Ich konnte den Tempel nicht berühren.

Mein Unglück, mein Reichtum -

Mein heiliges Handwerk!"

Karolina Pawlowa

Natalya Sergeevna Goncharova (1881-1962) - eine berühmte russische Malerin, Theaterkünstlerin und Grafikerin. Natalya Sergeevna leistete einen wesentlichen Beitrag zur Entwicklung der russischen Avantgarde-Kunst. Außerdem war sie die Urgroßnichte der Frau von Alexander Puschkin - Natalia Nikolaevna. Die kreative Tätigkeit und das Schicksal von Goncharova waren eng mit dem Künstler Larionov verflochten. Natalya lernte ihn im Alter von 9 Jahren kennen, und anschließend arbeitete das Paar etwa sechzig Jahre lang zusammen - in Russland und Frankreich. Goncharova und Larionov unterdrückten das Talent des anderen nicht, obwohl beide temperamentvolle, willensstarke und unglaublich talentierte Menschen waren - vielmehr ergänzten sich die Ehepartner und halfen, ihre Individualität zu offenbaren. Einmal gab Natalya zu, dass Larionov einen idealen künstlerischen Geschmack hat und dass diese Person ihr "Gewissen" und ihre "Stimmgabel" ist. Darüber hinaus war Goncharova überzeugt, dass Mikhail Larionov einer dieser seltenen Menschen war, die "mit allem Wissen geboren wurden". Die Künstlerin gab zu, dass sie sehr unterschiedlich sind, aber das hindert Larionov nicht daran, sie zu verstehen.

Natalia hat immer versucht, ihre künstlerische Sprache und Bilder ihren Bewunderern verständlich zu machen. Darüber hinaus forderte die Künstlerin ihre Freunde auf, nicht den Trends der Ära der Mechanisierung zu erliegen, sondern im Einklang mit den Volkstraditionen zu leben. Natalya Goncharova und Mikhail Larionov waren von Kubismus und Futurismus beeinflusst, aber das Paar stand an den Ursprüngen des Primitivismus und Rayonismus. Und in unserer Zeit können ihre hellen, ausdrucksstarken Werke als Beispiel für ein kreatives Umdenken ihrer Traditionen bezeichnet werden.

Natalia Gontscharowa wurde im Dorf Ladyshino (Provinz Tula) geboren. Von 1899 bis 1902 war Natalya Studentin an der Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur. Sie begann ihr Studium an der Bildhauerabteilung und setzte es in der Malklasse von K. Korovin fort. Goncharova und Larionov gehörten zu den Organisatoren futuristischer Ausstellungen - "Jack of Diamonds", "Target", "Donkey's Tail" und andere.

Konzept Futurismus kommt vom Wort futurum (lat.), was „Zukunft“ bedeutet. So hießen die künstlerischen Avantgarde-Bewegungen, die in Russland, Italien und einigen anderen europäischen Ländern in der Zeit von 1910 bis 1920 entstanden. Der russische Futurismus manifestierte sich am stärksten unter Schriftstellern, und seine ersten Vertreter waren V. Mayakovsky, V. Khlebnikov und D. Burliuk. Diese Futuristen förderten nihilistische Slogans und versuchten auch, die Urbanisierung zu ästhetisieren und ihre Kreativität zu demokratisieren, indem sie folkloristische Motive und "archaische" Techniken verwendeten. Natalya Sergeevna Goncharova war keine Anhängerin des Individualismus und betonte mehr als einmal, dass sie einen „Zusammenstoß mit einer Gesellschaft“ hatte, die die Grundlagen der Kunst nicht verstand, und dieses Missverständnis lag keineswegs daran, dass sie ein Individuum hatte Eigenschaften. Obwohl Goncharova feststellte, dass niemand verpflichtet ist, diese Merkmale zu verstehen.

1910 malte die Künstlerin eines ihrer berühmtesten primitivistischen Werke, Washing the Canvas.

NATALIA GONCHAROV. Leinwand waschen. 1910.

Auch lithografische Illustrationen, die Goncharova für Sammlungen von Futuristen anfertigte, verdienten große Aufmerksamkeit.

1912 illustrierte Natalya Sergeevna ein Gedicht von Khlebnikov und Kruchenykh mit dem Titel "Game in Hell". In den Arbeiten des Illustrators prallen Schwarz und Weiß aufeinander und symbolisieren zwei gegensätzliche Prinzipien. Handschriftliche Texte wurden natürlich in Goncharovas dynamische Kompositionen eingebaut – so wurde beispielsweise ein Text in der Mitte des Teufelskopfes platziert, der nicht einschüchternd, sondern eher ironisch wirkte.

Natalia war eine der ersten, die die Collage-Technik in der Buchgestaltung verwendete, vor den meisten europäischen Künstlern. 1912 sah die Welt die Sammelkollektion "The World of the End", auf deren Cover sich eine aus goldgeprägtem Papier ausgeschnittene Blume befand. Gleichzeitig variierte die Blume auf allen Exemplaren der Publikation.

Goncharova illustrierte auch die von Kruchenykh geschriebene Geschichte „Journey Around the World“ und Khlebnikovs Gedicht „Vila and the Goblin“. Nach Ansicht von Natalia Sergeevna stammt das Bild von Vila aus der Natur selbst. Einer seiner Zeitgenossen bemerkte, dass Goncharova den Text, zu dem sie Illustrationen macht, sehr subtil versteht, weil Vila wirklich ein personifiziertes Bild der Natur ist, und dies wird durch die Tatsache bestätigt, dass das Gedicht ursprünglich „Natur und der Kobold“ hieß.

Es kam auch vor, dass bei der Veröffentlichung eines Buches die Persönlichkeit des Künstlers ebenso auffiel wie die Persönlichkeit des Autors. 1913 wurde ein von Kruchenykh geschriebenes Buch mit dem Titel „Zwei Gedichte. Einsiedler. Wüste", bestehend aus sieben Seiten mit Gedichten und doppelt so vielen Seiten mit Illustrationen. Wir können sagen, dass Goncharova dadurch praktisch eine Mitautorin der Kruchenykhs wurde. Von besonderem Interesse ist die Illustration, die die Szene beschreibt, in der der Einsiedler der Versuchung erliegt – der alte Mann streckt dem verführerischen Dämon seine Hand entgegen, und links sehen wir nur die Flügel des Schutzengels, die ihn verlassen.

Im selben Jahr malte N. Goncharova eine futuristische Leinwand, die berühmt wurde, „Der Radfahrer“. Die dynamische Gesamtkomposition zeigt einen Radfahrer, der an flackernden Schildern vorbeifährt.

NATALIA GONCHAROV. Radfahrer. 1913.

Darüber hinaus begann Natalya Sergeevna als Theaterkünstlerin zu arbeiten und entwarf bereits 1914 in Frankreich im berühmten Unternehmen von Diaghilev das Stück "Der goldene Hahn", in dem sie zarte und raffinierte Farben mit der genialen Welt des russischen Volksdrucks kombinierte . Nach seiner Rückkehr nach Russland gestaltet der Künstler die Aufführung von K. Goldonis „Fan“ für das Kammertheater. Der eingefleischte Theaterbesucher K.Somov schätzte das „Lubok“-Farbschema, das von Natalya Sergeevna für die Bühnenhandlung verwendet wurde, sehr.

Goncharova wanderte 1915 zusammen mit ihrem Ehemann Larionov nach Frankreich aus, und für das nächste halbe Jahrhundert lebte die Familie in Paris in einem ungewöhnlichen alten Haus.

Eine steile Treppe führte zur Wohnung des Paares hinauf, und ihre Zimmer waren voller Bücherstapel, darunter Zeichnungen von Soutine und Picasso und viele andere wertvolle Dokumente.

Die berühmte Dichterin Marina Tsvetaeva hat Natalia Goncharova und ihren Ehemann wiederholt besucht und gleichzeitig festgestellt, dass das Leben und die Arbeit dieser Familie sehr harmonisch sind. Tsvetaeva schrieb, was Natalia jeden Tag tut, und fand Zeit für Aquarelle, Ölfarben, Bleistifte, Kohle, Pastelle, und gleichzeitig schafft sie es, alle ihre Arbeiten fehlerlos zu erledigen.

Es sind viele Alben erhalten geblieben, in denen Natalya Sergeevna Ansichten verschiedener Städte, Porträts usw. festgehalten hat. Die Künstlerin illustrierte auch die deutsche Ausgabe von The Tale of Igor's Campaign und viele interessante Leinwände - eines davon war das Gemälde "Frühstück", das a darstellt Mann beim Frühstück zusammen mit seiner Frau und der Frau, mit der er seine Frau betrügt. Der kreative Stil des Illustrators basierte auf der Kunst des russischen Primitiven und nahm die Merkmale des Expressionismus und Fauvismus von A. Matisse auf. Viele stimmten darin überein, dass Goncharovas jüngstes Werk nichts anderes als „Gesänge“ heißen sollte, und ein Rezensent bemerkte, dass die in der „Spanish Woman“-Serie abgebildeten Frauen nur mit Kathedralen vergleichbar seien.

Trotzdem arbeitete Natalya vor allem nicht mit Leinwänden, sondern im Theater. In der Zeit von 1917 bis 1940 entwarf sie für das Unternehmen von S. Diaghilev solche Ballette wie Der Feuervogel, Der Fuchs, Sadko, Liturgie (Musik von I. Strawinsky), Spielzeug, Koschei der Unsterbliche (Musik von N. Rimsky-Korsakov), "Bogatyrs" (Musik von A. Borodin), "On Borisfen" (Musik von S. Prokofjew), "Spanish Rhapsody" (Musik von M. Ravel). Mikhail Larionov half ihr bei einigen Arbeiten.

Der berühmte Künstler V. Khodasevich bemerkte, dass Goncharova „nach Sauberkeit zu riechen“ schien und gleichzeitig streng war, und diese Strenge war „wie bei Ikonen“.

Die von V. Khodasevich beschriebenen Eigenschaften, Natalya Sergeevna, bewahrten sich auch während einer schweren Krankheit. Goncharova starb am 17. Oktober 1962. Es wird darauf hingewiesen, dass das letzte bemerkenswerte Werk des Künstlers ein 1957 in Monte Carlo entworfenes Festival war, das dem 15. Todestag von M. Fomin gewidmet war. Die Aufführungen seiner Ballette zeigten Goncharova einst als erstaunliche Stenographin.

NATALIA GONCHAROVA. Spanier. OK. 1916. Öl auf Leinwand. 130,3 x 81,3
Christies. 02.02.2010. Losnummer 39. Schätzung: 4-6 Millionen Pfund. Ergebnis: 6,43 Millionen Pfund.

Eine Rekordsumme für Natalia Goncharova von 6,43 Millionen Pfund – diese Summe wurde durch das 1916 entstandene Gemälde „Spanische Grippe“ geschätzt. Die Leinwand wurde im Februar 2010 bei Christie's verkauft. Natalya Sergeevna interessierte sich schon vor der Revolution für das Thema "Spanisch", später kehrte die Künstlerin bis in die 1930er Jahre zu diesem Thema zurück. Das Gemälde "Spanische Grippe" ist ein dynamisches abstraktes Design aus dreieckigen Blöcken. Die Komposition vermittelt die kraftvolle Energie des traditionellen spanischen Tanzes und die leuchtenden Farben der Tracht. Das Werk erschien 1971 auf einer Auktion, und sein Preis lag zwischen 4 und 6 Millionen Pfund. Die Vorbesitzer der Leinwand waren berüchtigte Händler wie Galerie Gmurzynska in Köln, Galerie Beyeler in Basel, Leonard Hutton in New York.

Natalja Gontscharowa. Blumen. 1916.

Das Gemälde "Flowers" hielt den bisherigen Rekord für den Künstler - die Leinwand wurde im Juni 2008 für 5,52 Millionen Pfund bei Christie's verkauft. In dieser Arbeit gibt es eine auffällige Kombination aus futuristischer Energie, Techniken des Rayonismus und einer gelb-roten Farbgebung, die besonders charakteristisch für die Ikonenmalerei und die russische Volkskunst ist. Diese Arbeit gehört zu einer der bedeutendsten Perioden im Werk von Goncharova. Das Gemälde wurde mit überzeugender Provenienz versteigert, und die Geschichte des Werkes „Flowers“ lässt sich bis zu einer Einzelausstellung 1914 in Paris – in der Galerie von P. Guillaume – zurückverfolgen. Dieses Gemälde ist durch Veröffentlichungen weithin bekannt, nahm an Ausstellungen teil und war auch Teil der Sammlungen des deutschen Sammlers Hochov.

Die 10 teuersten Kunstwerke von Frauen

Eine umfangreiche Sammlung von Werken von Natalia Goncharova, der berühmten russischen Avantgarde-Künstlerin, die Anfang des 20. Jahrhunderts nach Paris ging, wurde nach Moskau gebracht. Dies ist die größte Ausstellung von Goncharova in Russland in den letzten 100 Jahren: Bis zum 16. Februar 2014 zeigt die Tretjakow-Galerie rund 400 Exponate, von denen die meisten noch nie zuvor in Russland gezeigt wurden.

Goncharova wurde nicht nur in Russland, sondern auch in der Welt anerkannt. Ihr teuerstes Werk – „Flowers“ – wurde für mehr als 10 Millionen Dollar verkauft und das ist ein Rekord für Kunstwerke, die von Frauen geschaffen wurden.

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Natalia Goncharova "Blumen" (1912)
Preis: 10,9 $ / Auktion: Christie's / Verkaufsjahr: 2008

Dieses Gemälde gilt als Meilenstein der russischen Avantgarde. Darin mischte Goncharova die neuesten Trends in der europäischen Kunst (sie studierte die Gemälde von Gauguin, Matisse, Picasso) und ihre eigene neue Richtung - den Rayonismus. Dieser Stil – eine der frühesten Formen des Abstraktionismus – wurde von Goncharova zusammen mit ihrem Mann, dem Futuristen Mikhail Larionov, erfunden. Künstler stellten Lichtstrahlen mit farbigen Linien dar und vermittelten so das Bild von Objekten. Sie glaubten, dass Objekte in der Wahrnehmung einer Person „die Summe der Strahlen sind, die von einer Lichtquelle kommen, von einem Objekt reflektiert und in unserem Sichtfeld eingefangen werden“ („Manifest des Rayonismus“).

Louise Bourgeois "Spinne"
Preis: 10,7 Millionen Dollar / Auktion: Christie's / Jahr: 2011

Louise Bourgeois, Amerikanerin französischer Herkunft, wurde fast hundert Jahre alt und versuchte sich in fast allen Hauptrichtungen der Kunst des zwanzigsten Jahrhunderts - Kubismus, Futurismus, Surrealismus, Konstruktivismus und Abstraktionismus. Berühmt wurde Bourgeois aber vor allem als Bildhauer. Alle ihre Werke verbindet ein einzigartiges Symbolsystem. Das zentrale Thema ihrer Arbeit sind Kindheitserinnerungen. Eine Spinne, oder besser gesagt eine Spinne, ist im bürgerlichen Zeichensystem ein Symbol der Mutter. „Sie war so schlau, geduldig, rein, vernünftig und zuvorkommend wie eine Spinne. Und sie wusste sich zu schützen“, sagte die Künstlerin über ihre Mutter.

Riesige bronzene Spinnenskulpturen von Louise Bourgeois brechen bei Auktionen Rekorde. Der letzte Rekord gehört dem fast sieben Meter langen "Spider" aus einer Privatsammlung im Napa Valley bei San Francisco: Am 8. November 2011 wurde er bei Christie's für 10,7 Millionen Dollar gekauft.

Natalia Goncharova "Spanierin" (1916)
Preis: 10,7 Millionen Dollar / Auktion: Christie's / Verkaufsjahr: 2010

Diese Leinwand wurde von Goncharova während des Ersten Weltkriegs gemalt. Dann fanden gravierende Veränderungen im Leben des Künstlers statt. Sie zog von Russland nach Paris, wo sie Kulissen für Diaghilevs Ballets Russes machte. Goncharovas Können als Theaterkünstler manifestierte sich in Der Spanier: Die kraftvolle Energie des spanischen Tanzes wurde in der Komposition transportiert. Gleichzeitig gelang es ihr, das Detail theatralischer Kulissen mit der der abstrakten Kunst innewohnenden Vereinfachung zu verbinden. Der Spanier zeigte eine radikal neue Technik, die später theatralischer Konstruktivismus genannt wurde.

Natalia Goncharova "Äpfel pflücken" (1909)
Preis: 9,8 Millionen Dollar / Auktion: Christie's / Verkaufsjahr: 2006

Nach den Ergebnissen der Auktion „Impressionisten und Meister des 20. Jahrhunderts“ im Jahr 2006 stellte „Picking Apples“ einen Rekord für die russische Malerei auf. Wer das Gemälde gekauft hat, ist zwar nicht bekannt, der Käufer wollte anonym bleiben.

In dem Moment, als diese Arbeit geschrieben wurde, liebte die Künstlerin den Impressionismus, Postimpressionismus, Kubismus und Futurismus, aber der Einfluss von Gauguin ist in ihr besonders spürbar. Goncharova wurde auch von der russischen Ikonenmalerei und der Lubok-Tradition inspiriert. Als Ergebnis erschien ein ganzer Zyklus „Früchte pflücken“, der auf völlig originelle Weise hergestellt wurde.

Joan Mitchell "Ohne Titel" (1959)
Preis: 9,3 Millionen $ / Auktion: Sotheby's / Verkaufsjahr: 2011

„Untitled“ ist eines von Mitchells ersten Werken in einem für sie damals neuen Stil des abstrakten Expressionismus. Mitchell ist laut dem Berliner Handelshaus Artnet.com der erfolgreichste Künstler im Auktionsumsatz. Im Zeitraum von 1985 bis 2013 wurden 646 ihrer Werke verkauft, für die Käufer insgesamt 239,8 Millionen Dollar zahlten.Im Gegensatz zu anderen amerikanischen Künstlern, die im Stil des abstrakten Expressionismus arbeiteten, wandte sich Mitchell der europäischen Tradition zu.

Tamara de Lempicka "Dream" ("Rafaela auf grünem Hintergrund") (1927)
Preis: 8,5 Millionen $ / Auktion: Sotheby's / Verkaufsjahr: 2011

Tamara de Lempicka ist eine amerikanische Künstlerin mit polnischen Wurzeln, die einige Zeit in St. Petersburg lebte. Sie arbeitete im Stil des Art déco, der in den 1920er und 30er Jahren aufkam und den Geist des Jazzzeitalters aufnahm. „Dream“ wurde von Lempicka in der fruchtbaren Pariser Zeit geschrieben und entpuppte sich nach der Auktion 2011 als das teuerste Werk des Künstlers. Zuvor wurden 2009 ihre teuersten Werke „Portrait of Marjorie Ferry“ (4,9 Millionen Dollar) und „Portrait of Madame M.“ verkauft. (6,1 Millionen Dollar).

Joan Mitchell Grüße Sally! (1970)
Preis: 7 Millionen $ / Auktion: Chistie's / Jahr: 2012

Dieses Gemälde ist Mitchells älterer Schwester Sally gewidmet. Die Arbeit unterscheidet sich stark von ihren früheren Leinwänden. Im Leben des Künstlers sind helle Zeiten angebrochen, die sich auf der Leinwand widerspiegeln. "Grüß dich, Sally!" - helles und sonniges Bild. Bis 1970 hatte Mitchell ein dauerhaftes Zuhause gefunden und sich in der kleinen Stadt Vetheuil, 55 km von Paris entfernt, niedergelassen. Dort beobachtete sie die Natur und malte ständig auf ihrer Terrasse, meist Sonnenblumen und andere leuchtende Blumen. Mitchell erhielt Anerkennung vom Pariser Publikum - die erste Einzelausstellung des abstrakten Künstlers fand 1970 in der französischen Hauptstadt statt.

Das Bild ist in Öl auf Leinwand gemalt. Vor dem Verkauf befand sich das Gemälde in einer Privatsammlung.

Cady Noland "Ozwald" (1989)
Preis: 6,6 Millionen Dollar / Auktion: Sotheby's / Jahr: 2011

Cady Noland ist eine amerikanische Bildhauerin und Installationskünstlerin, die im Stil der Postmoderne arbeitet. Der Höhepunkt ihrer Arbeit war 1980-1990, und Noland schuf ihre letzte Arbeit vor 11 Jahren. Das hindert ihre Bilder jedoch nicht daran, teurer zu werden. Laut Bloomberg ist Noland einer von drei Künstlern, deren Werke in den letzten 13 Jahren am stärksten gestiegen sind (+5,488 %). Solche beeindruckenden Zahlen erzielte sie unter anderem dank des für 6,6 Millionen Dollar verkauften Ozwald.

Die Skulptur zeigt Lee Harvey Oswald, den einzigen Verdächtigen bei der Ermordung von US-Präsident John F. Kennedy. Noland arbeitete an dieser Installation in ihrer üblichen Technik. Sie verwendet Bilder aus den Medien (Zeitungsausschnitte, Aufnahmen aus der Chronik), vergrößert sie und bringt sie mit Hilfe des Siebdrucks auf Aluminiumbleche und schneidet sie dann aus. Um den Figuren Ausdruckskraft zu verleihen, macht sie in einigen Fällen Löcher - Spuren von Kugeln.

Nolands Werke befinden sich in führenden Galerien. Ihre persönlichen Ausstellungen fanden in den USA, Japan und Europa statt und ihre Werke werden von den führenden Auktionshäusern der Welt verkauft.

Tamara de Lempicka "Schlafend" (1930)
Preis: 6,6 Millionen Dollar / Auktion: Sotheby's / Jahr: 2011

Porträts, auch solche im Aktgenre, nehmen einen wichtigen Platz im kreativen Erbe von de Lempicka ein. Sie schuf das Bild einer starken und sexy Frau (es überrascht nicht, dass Madonna eine der Hauptsammlerinnen von Lempickas Werken wurde). Die Welt des Künstlers ist voller Luxus, teurer Kleider und perfekter Körper.

Natalya Goncharova "Blühende Bäume" ("Apfelblüte") (1912)
Preis: 3,96 Millionen $ / Auktion: Sotheby's / Jahr: 2011

In diesem Werk steht Goncharov laut Kritikern der französischen Bildtradition des 19. Jahrhunderts viel näher als den Werken von Kasimir Malewitsch und Wassily Kandinsky.

Anna Namit
Forbes

In Moskau gibt es zum ersten Mal seit hundert Jahren eine große Ausstellung der Künstlerin Natalia Goncharova, die mehr als 400 Werke aus Museen aus aller Welt vereint. Ich träumte davon, die Ausstellung zu besuchen, und besuchte sie.

Die Ausstellung findet in den Räumlichkeiten der Tretjakow-Galerie am Krymsky Val statt. Hier sind Gemälde von Goncharova aus dem Anfang des letzten Jahrhunderts und Gemälde aus der Mitte des Jahrhunderts, dh Gemälde. geschrieben fast vor dem Tod des Künstlers. Es ist interessant, die Entwicklung der Handwerkskunst zu beobachten, verschiedene Stile, Gruppen und Genres durcheinanderzubringen, die Farbe von Farben und Themen zu ändern.

Natalia Goncharova wurde „die Amazone der russischen Avantgarde“ genannt. Als Vertreterin der alten Familie Goncharov, Ururenkelin der Frau von Alexander Sergeevich Puschkin, ihrer Namensvetterin Natalya Goncharova, hat die Künstlerin die Weltmalerei stark geprägt. Ihre Gemälde befinden sich in vielen Museen auf der ganzen Welt, in Privatsammlungen und unsere Nationalmuseen können sich vieler Gemälde rühmen. Die Tretjakow-Galerie hat auch eine reiche Sammlung von Gemälden von Natalia Goncharova und präsentiert ihre Säle für die erste Ausstellung seit hundert Jahren. Natalya Sergeevna Goncharova wurde am 4. Juni 1881 in Ladyshino, unweit von Tula, in der Familie des Moskauer Architekten Sergei Mikhailovich Goncharov und Ekaterina Ilyinichna, geborene Belyaeva, geboren ein Bildhauer an der Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerarchitektur in der Klasse von P. Trubetskoy Da das Malen das Mädchen mehr anzog, wurde sie in die Klasse von Konstantin Korovin versetzt, der 1902 seinen Abschluss machte. Wie alle jungen Künstler dieser Zeit änderte Goncharova Stile und Genres und lehnte die alte Schule ab - Kubismus, Rayonismus, gegenstandslose Malerei, Primitivismus, sogar populäre Drucke, illustrierte Bücher, kreierte Theaterkostüme und Bühnenbilder, nahm an Modenschauen teil und malte Stoffe , verschiedene Malzyklen - das ist die facettenreiche Palette des Künstlers.
Natürlich stand jeder an den Gemälden, die ihm besonders gefielen, für mich waren dies Gemälde in einem primitiven Stil, eher wie ein gewöhnlicher Volksdruck - Frauen und Männer mit nicht sehr verständlichen Gesichtern, in nationaler russischer Kleidung, unsere lieben Leute, die uns vertraut sind . einfach und fleißig: Sie säen, ernten, waschen und bleichen Leinwände, ernten, im Allgemeinen ist alles im Geschäft und an Ort und Stelle.

Goncharova hatte immer Blumen, sie sind realistisch gezeichnet – schöne Blumensträuße in Vasen, sowohl abstrakt als auch sternenklar. aber alles ist hell und fröhlich, du stehst neben den strahlenden Lilien und errätst ihre Umrisse, oder du versuchst, schöne Orchideen zu unterscheiden, und du lässt deine Seele neben einem Baum in einer Ecke des Gartens ruhen, aber du lässt es nicht gleichgültig. Ein hübsches Mädchen mit einem Lilienstrauß ist ein Selbstporträt des Künstlers.

Nicht nur Blumen, sondern auch Tiere interessieren Natalya Goncharova, hier sind lustige Hähne - Französisch und mit einem Jungen.

Und versuchen Sie, in diesen leuchtenden Würfeln das universelle Haustier zu sehen - ein süßes Kätzchen!

Interessant sind auch Stadtbilder - "Radfahrer",

"Flugzeug über dem Eingang",

Heute präsentieren und Engel mit dabei - "Angels and Airplanes".

"Spanische Grippe" - dieser Kreislauf hat uns lange an sich gekettet, wir sind gegangen, haben geschaut, wir konnten unsere Augen nicht abwenden. Ganz anders, bunt, stolz, in Mantillas und mit Kämmen, es ist klar, dass sich die Künstlerin in diese südlichen Schönheiten verliebt hat und immer wieder zu ihren Bildern zurückgekehrt ist!

Ihr ganzes Leben lang ging Natalya Goncharova Hand in Hand mit Mikhail Larionov. Sie trafen sich 1900 auf einer der Ausstellungen im Ausland, lebten fast die ganze Zeit in einer standesamtlichen Ehe, hauptsächlich in Paris, und formalisierten ihre Beziehung fast am Ende ihres Lebens. Larionov überlebte seine Frau nur um zwei Jahre und starb 1964.

So war Larionov im Leben, und so sah sie ihren geliebten Goncharov.

Es gibt mehr als 400 Gemälde in der Ausstellung, es ist unmöglich, alles zu zeigen, und es besteht keine Notwendigkeit, Sie können immer in die Gemäldegalerie gehen und alles sehen, was Sie wollen. Das Fotografieren ist in unseren Ausstellungen verboten. Daher stammen alle präsentierten aus dem Netzwerk von verschiedenen Standorten. Vielleicht. Ich werde auf diese Ausstellung zurückkommen und separat Gemälde aus dem religiösen Zyklus, Theaterarbeiten und Buchgrafiken platzieren. das alles ist auch sehr interessant.