Einführung …………………………………………………………………………..3 Kapitel 1. Experimente mit modernistischen Tendenzen in der Kunst des frühen 20. Jahrhunderts. ………………………………………................................. ................ ...................4 Kapitel 2. Russische frühe Avantgarde. Kunstvereine und ihre Vertreter………………………………………………………………………..7 Fazit……………………………………… ……………………………………………………………………………………………………………………………………… ……………………………………………………………………17

Einführung

Die deutlichsten Beispiele für elitäre Subkulturen besonderer, esoterischer Natur innerhalb derselben oder verschiedener sozialer Schichten finden wir in der künstlerischen Kultur, die sehr spezifische Tendenzen in der ausländischen und einheimischen Kunst des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts aufweist. Dazu gehören: die World of Art-Künstlergemeinschaft, verschiedene Vereinigungen von Symbolisten sowie zu diesem historischen Zeitpunkt sehr beliebte Avantgarde-Bewegungen, die ihre eigene Sprache erfinden, ihre eigenen Arten kultureller Texte und sehr spezifische Ausdrucksmittel schaffen. Formexperimente verbanden sich in den Werken von Avantgarde-Vertretern mit der Suche nach neuen „Rhythmen der Zeit“, deren Wunsch es war, die Dynamik des Subjekts, sein „Leben“ aus verschiedenen Blickwinkeln nachzubilden.

Fazit

Die Avantgarde, die neue künstlerische Welten geschaffen hat, wurde dank des Dialogs, der Interaktion verschiedener Kulturen geboren, und in diesem Dialog, der Ko-Kreation, ist der moderne Betrachter eingeladen, sich anzuschließen, um die Bedeutung der Entdeckungen von zu verstehen Russische Künstler für die Weltkunst des zwanzigsten Jahrhunderts. Die russische Avantgarde war eine Fortsetzung und die höchste Stufe der westlichen Moderne und Avantgarde, die wiederum eine logische Fortsetzung der gesamten vorherigen Entwicklung der westlichen Kultur und Zivilisation wurde. Es war die russische Avantgarde, die dazu bestimmt war, zu ihrem logischen Ende zu bringen, was die westliche Moderne und die Avantgarde begonnen hatten. Sie zeichnet sich durch beispiellose Ausmaße, Tiefe und Radikalität aus. Dies wurde weitgehend durch die vorherrschenden historischen Bedingungen des revolutionären Russlands sowie durch bestimmte Merkmale der russischen Kultur, wie z. B. Phänomene wie den Kosmismus, erleichtert. Viel radikaler bricht die russische Avantgarde mit traditioneller Ästhetik und Kunst und schafft Kunst, die sich der reinen, absoluten Schöpfung nähert. Ein Künstler in einer solchen Kunst braucht kein äußeres Vorbild mehr, sei es ein Mensch, eine Natur oder irgendein Gegenstand. Er ahmt nichts nach, kopiert nichts, sondern zeigt die Fähigkeit zu erschaffen, ausgehend von bestimmten Urelementen oder, wie Gott, von nichts. Die russische Avantgarde verwirklichte am besten den Wunsch der westlichen Moderne und der Avantgarde, zu experimentieren und nach etwas Neuem zu suchen. Dies wurde durch die Tatsache erleichtert, dass er die moderne Wissenschaft bedingungslos akzeptierte, deren revolutionäre Errungenschaften für ihn zu einem inspirierenden Beispiel für seine eigene kreative Suche wurden. Er ging weitestgehend über den künstlerischen Stil hinaus und wurde zu einer echten Philosophie der neuen Welt, deren Weg er in einem radikalen Bruch mit der Vergangenheit sah. Er ist ganz auf die Zukunft ausgerichtet, und sein Futurismus beruht auf dem aus der Aufklärung stammenden Glauben an die unbegrenzte Fähigkeit des Menschen, nicht nur Kunst und Gesellschaft, sondern das gesamte Universum neu zu gestalten. Dafür war die russische Avantgarde bereit, sich selbst zu opfern, sich in der zukünftigen Welteinheit aufzulösen, in der es eine Synthese aller Künste und ihre Verschmelzung mit dem Leben geben würde. Die russische Avantgarde hat den Begriff der Kunst als absoluter Schöpfung im Wesentlichen und Wesentlichsten – sowohl in theoretischer als auch in praktischer Hinsicht – erschöpft. Daher Nachkriegs-Neomodernismus der 50-70er Jahre. - bei all den zahlreichen Strömungen, die darin auftauchten - konnte er nichts wirklich Neues und Originelles mehr hinzufügen.

Referenzliste

1.A. Nakov "Russische Avantgarde" Moskau. "Kunst" 1991 2. Goryacheva T. V. Utopien in der Kunst der russischen Avantgarde: Futurismus und Suprematismus // Avantgarde in der Kultur des zwanzigsten Jahrhunderts (1900-1930): Theorie. Geschichte. Poetik: In 2 Büchern. / Ed. Yu N. Girina. - M.: IMLI RAN, 2010 3. Terechina V. N. Russischer Futurismus: Entstehung und Originalität // Avantgarde in der Kultur des zwanzigsten Jahrhunderts (1900-1930): Theorie. Geschichte. Poetik: In 2 Büchern. / Ed. Yu N. Girina. - M.: IMLI RAN, 2010 4. Malewitsch K.S. Vom Kubismus und Futurismus zum Suprematismus. Neuer Bildrealismus. - M, 1916.

Einführung

2.1 Futurismus

2.2 Kubofuturismus

2.3 Suprematismus

2.4 Konstruktivismus

3.1 Künstler

3.2 Architekten

Fazit

Referenzliste

Einführung

Das Thema meiner Kursarbeit ist aktuell sehr aktuell, da die russische Avantgarde ein reiches Erbe hinterlassen hat. Obwohl das Phänomen der russischen Avantgarde nicht lange, sondern nur wenige Jahrzehnte existierte, wurden dank ihr so ​​große Künstler wie Kasimir Malewitsch und Wassily Kandinsky „geboren“, die eine große Anzahl von Kunstwerken hinterließen. Das zweite Jahrzehnt des letzten Jahrhunderts stellte Malewitsch und Kandinsky auf eine Stufe mit Picasso, Braque und Klee. Von besonderer Bedeutung ist die Tatsache, dass der allgemeine Begriff „Russische Avantgarde“ aus mehreren Strömungen besteht, die nicht nur für die Malerei, sondern für die gesamte Kunst dieser Zeit, einschließlich Architektur, Bildhauerei, Kino, Design und Literatur, charakteristisch waren.

Trotz der Tatsache, dass sich der Avantgarde-Trend in der Kunst in anderen Ländern entwickelte, traten viele Trends in Russland auf. Sie erhielten auch den Namen "Russische Avantgarde". Das Erbe der russischen Avantgarde-Künstler ist immer noch sehr beliebt. Dies sind Gemälde von Künstlern und Gedichte von Dichtern, unter denen das Werk von Vladimir Mayakovsky einen besonderen Platz einnimmt; und unübertroffene Gebäude und Konstruktionen, die in unserer Zeit die Augen der Moskauer erfreuen.

Der Zweck meiner Hausarbeit ist es, das Konzept der russischen Avantgarde zu vermitteln und ihre Merkmale als Trend in Kunst, Malerei, Architektur und Literatur zu betrachten.

Um das angestrebte Ziel zu erreichen, wurden folgende Aufgaben skizziert und gelöst:

prägen die russische Avantgarde insgesamt

Betrachten und studieren Sie die Hauptrichtungen der russischen Avantgarde, unter denen sich Futurismus, Kubo-Futurismus, Suprematismus und Konstruktivismus hervorheben

die Hauptfiguren der russischen Avantgarde (Künstler, Dichter, Architekten usw.) identifizieren und ihre Arbeit oder Aktivitäten analysieren.

Das Thema meiner Hausarbeit wurde ausreichend studiert, vor allem wurde viel über die russische Avantgarde in der Sowjetzeit geschrieben, aber unter den Büchern, die ich zum Schreiben der Arbeit verwendet habe, gibt es auch solche, die in unserer Zeit geschrieben wurden. Das zeigt auch, dass die Themen der russischen Avantgarde nach wie vor interessant sind.

Theoretische Grundlage der Kursarbeit war das von N.G. Bagdasaryan und „Lectures on Cultural Studies“ Polikarpov V.S.

Eine wichtige Rolle als Ausgangspunkt für das Schreiben der Arbeit spielten die Werke von Alpatov M. "Art", Ikonnikova A.V. „Architektur von Moskau. XX Jahrhundert“, Krusanova A.V. Russische Avantgarde 1907-1932: Ein historischer Rückblick. T.1., Turchina V.S. „Durch die Labyrinthe der Avantgarde“, Khan-Magomedova S.O. "Architektur der sowjetischen Avantgarde", sowie der ukrainische Forscher Gorbatschow D. "Ukrainische Avantgarde-Kunst von 1910-1930".

Die enzyklopädische Grundlage der Arbeit war: "Das enzyklopädische Wörterbuch eines jungen Künstlers", "Popular Art Encyclopedia", die Enzyklopädie "Russische Künstler des XII-XX Jahrhunderts", das Wörterbuch von Vlasov V.G. "Stile in der Kunst".

Folgende Internetquellen wurden verwendet: Seite Futurismus in Bildern www.woodli.com, Seite Wikipedia www.wikipedia.org, Seite www.Artonline.ru, Seite www.krugosvet.ru, Artikel über Konstruktivismus www.countries.ru/library/ Kunstdesign. htm.

Die Kursarbeit besteht aus einer Einleitung, drei Kapiteln, einem Schluss, einer Literatur- und Anwendungsliste.

Das erste Kapitel „Russische Avantgarde als Kunstphänomen des 20. seine Verbindung mit der Geschichte.

Das zweite Kapitel von „Richtungen in der russischen Avantgarde“ besteht aus vier Absätzen. Es untersucht die vier Hauptströmungen der russischen Avantgarde, skizziert die Merkmale und benennt die Vertreter jeder Strömung.

Das dritte Kapitel „Herausragende Persönlichkeiten der russischen Avantgarde“ besteht aus zwei Absätzen. Gewidmet den Merkmalen kreativer Methoden und Beschreibung der Werke von Künstlern und Architekten - Vertretern der russischen Avantgarde.

Kapitel I. Russische Avantgarde als Phänomen der Kunst des 20. Jahrhunderts

Russische Avantgarde ist ein allgemeiner Begriff für ein bedeutendes künstlerisches Phänomen, das von 1890 bis 1930 in Russland blühte, obwohl einige frühe Manifestationen auf die 1850er und später auf die 1960er Jahre zurückgehen. Das mit dem Begriff „Russische Avantgarde“ definierte Kunstphänomen des 20. Jahrhunderts entspricht keinem bestimmten künstlerischen Programm oder Stil. Dieser Begriff wird schließlich den radikalen innovativen Tendenzen zugeordnet, die in der russischen Kunst in den Vorkriegsjahren - 1907-1914 - Gestalt annahmen, in den Jahren der Revolution in den Vordergrund traten und im ersten Jahrzehnt nach der Revolution zur Reife gelangten. Die verschiedenen Strömungen der künstlerischen Avantgarde eint ein entschiedener Bruch nicht nur mit den akademischen Traditionen und der eklektischen Ästhetik des 19. Jahrhunderts, sondern auch mit der damals überall und in allen Formen dominierenden neuen Kunst des Jugendstils der Kunst von Architektur und Malerei bis hin zu Theater und Design. Gemeinsam war der russischen Avantgarde eine radikale Ablehnung des kulturellen Erbes, eine völlige Verweigerung der Kontinuität des künstlerischen Schaffens und eine Kombination aus destruktiven und kreativen Prinzipien: der Geist des Nihilismus und die revolutionäre Aggression mit kreativer Energie, die darauf abzielt, etwas grundlegend Neues zu schaffen Kunst und in anderen Lebensbereichen.

Der Begriff „Avantgarde“ vereint bedingt die unterschiedlichsten Strömungen in der Kunst des 20. Jahrhunderts. (Konstruktivismus, Kubismus, Orphismus, Op-Art, Pop-Art, Purismus, Surrealismus, Fauvismus).

Die Hauptvertreter dieses Trends in Russland sind V. Malevich, V. Kandinsky, M. Larionov, M. Matyushin, V. Tatlin, P. Kuznetsov, G. Yakulov, A. Exter, B. Ender und andere.

Alle Strömungen der Avantgarde-Kunst sind in der Tat dadurch gekennzeichnet, dass spirituelle Inhalte durch Pragmatismus, Emotionalität durch nüchternes Kalkül, künstlerische Bildsprache durch einfache Harmonisierung, Ästhetik der Formen, Komposition durch Konstruktion, große Ideen durch Utilitarismus ersetzt werden. Der traditionelle russische Maximalismus, der sich deutlich in der Bewegung der Wanderer und der „Sechziger“ des 19. Jahrhunderts manifestierte, wurde durch die Russische Revolution nur noch verstärkt und führte dazu, dass Sowjetrussland überall als Geburtsort der Avantgarde-Kunst gilt die Welt.

Die neue Kunst erobert mit ungezügelter Freiheit, fesselt und fesselt, zeugt aber gleichzeitig von Degradation, Zerstörung der Integrität von Inhalt und Form. Die Atmosphäre von Ironie, Spiel, Karneval und Maskerade, die einigen Strömungen der Avantgarde-Kunst innewohnt, maskiert nicht nur, sondern offenbart vielmehr eine tiefe innere Zerrissenheit in der Seele des Künstlers. Die Ideologie des Avantgardismus trägt eine zerstörerische Kraft in sich. In den 1910er Jahren wuchs laut N. Berdyaev in Russland eine „Rowdy-Generation“ heran1.

Die Avantgarde zielte auf eine radikale Transformation des menschlichen Bewusstseins durch die Kunst, auf eine ästhetische Revolution, die die spirituelle Trägheit der bestehenden Gesellschaft zerstören würde, während ihre künstlerische utopische Strategie und Taktik viel entschiedener, anarchistischer und rebellischer war. Nicht zufrieden mit der Schaffung exquisiter "Zentren" der Schönheit und des Mysteriums, die der grundlegenden Materialität des Seins entgegenstehen, brachte die Avantgarde die raue Materie des Lebens, die "Poetik der Straße", den chaotischen Rhythmus der Moderne in ihre Bilder ein Stadt, Natur, ausgestattet mit einer mächtigen kreativen und zerstörerischen Kraft. Er betonte in seinen Werken immer wieder deklarativ das Prinzip der „Anti-Kunst“ und lehnte damit nicht nur die früheren, traditionelleren Stilrichtungen, sondern auch den etablierten Kunstbegriff insgesamt ab.

Die Bandbreite an Avantgarde-Trends ist groß. Transformationen umfassten alle Arten von Kreativität, aber die bildende Kunst fungierte ständig als Initiator neuer Bewegungen. Die Meister des Postimpressionismus bestimmten die wichtigsten Tendenzen der Avantgarde; seine frühe Front wurde durch Gruppenauftritte von Vertretern des Fauvismus und des Kubismus skizziert. Der Futurismus stärkte die internationalen Kontakte der Avantgarde, führte neue Prinzipien für das Zusammenspiel der Künste (Kunst, Literatur, Musik, Theater, Fotografie und Kino) ein. In den 1900-10er Jahren werden neue Trends nacheinander geboren. Expressionismus, Dadaismus, Surrealismus markierten mit ihrer Sensibilität für das Unbewusste in der menschlichen Psyche die irrationale Linie der Avantgarde, während sich im Konstruktivismus dagegen ihr rationaler, konstruktiver Wille manifestierte. Nicht alle Strömungen der europäischen Avantgarde fanden ihren Niederschlag in der russischen Avantgarde. Strömungen wie Dadaismus, Surrealismus, Fauvismus und einige andere waren nur für Europa typisch.

Während der Kriege und Revolutionen der 1910er Jahre interagierten die politische und künstlerische Avantgarde aktiv. Die linken Kräfte in der Politik versuchten, die Avantgarde für ihre Agitations- und Propagandazwecke zu nutzen, später versuchten die totalitären Regime (vor allem in Deutschland und der UdSSR), sie durch strenge Zensur zu unterdrücken und die Avantgarde in den Untergrund zu treiben.

Unter den Bedingungen des politischen Liberalismus verliert die Avantgarde seit den 1920er Jahren ihr einstiges Pathos der Konfrontation, geht ein Bündnis mit der Moderne ein und nimmt Kontakt mit der Massenkultur auf. Die Krise der Avantgarde, die ihre einstige „revolutionäre“ Energie Mitte des 20. Jahrhunderts weitgehend verbraucht hatte, war ein Ansporn für die Herausbildung der Postmoderne als ihrer Hauptalternative.

1917 änderte alles. Es wurde nicht sofort deutlich. Die ersten 5 Jahre - die heroische Fünfjahresperiode 1917-1922 - ließen noch Hoffnung aufkommen. Aber bald zerstreuten sich die Illusionen. Das Drama der Zerstörung der grandiosen Bastion der modernistischen Kunst, die in Russland durch Genie und Arbeit, Manifeste und hitzige Diskussionen weltberühmter Meister geschaffen wurde, begann. Um die Wende der 1920er und 1930er Jahre wurden unrealistische Trends vollständig verboten; einige Künstler gingen in andere Länder; andere wurden unterdrückt oder, einer grausamen Zwangsläufigkeit erliegend, gaben sie die Avantgarde-Suche auf. 1932 wurden zahlreiche Kunstvereine endgültig geschlossen; Die Behörden gründeten eine einzige Künstlervereinigung.

Daraus lässt sich schließen, dass die russische Avantgarde tatsächlich ein Phänomen des 20. Jahrhunderts ist, da es zuvor keine andere Kunstrichtung gewagt hat, eine solche Herausforderung an die traditionelle Kunst zu stellen. Die Entstehung der Richtungen der russischen Avantgarde war direkt mit der Geschichte Russlands, mit der damaligen politischen Situation verbunden. Die Revolution von 1905-1907 hatte einen enormen Einfluss auf die Entwicklung der russischen Avantgarde.

Kapitel II. Richtungen in der russischen Avantgarde

2.1 Futurismus

Futurismus (ab lat. futurum-future) ist eine Strömung in Literatur und bildender Kunst, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts auftauchte. Oтвoдя ceбe poль пpooбpaзa иcкyccтвa бyдyщeгo, фyтypизм в кaчecтвe ocнoвнoй пpoгpaммы выдвигал идею paзpyшeния кyльтypныx cтepeoтипoв и пpeдлaгaл взaмeн aпoлoгию тexники и ypбaнизмa как глaвныx пpизнaкoв нacтoящeгo и гpядyщeгo.

Der Futurismus entstand fast gleichzeitig in Italien und Russland. Zum ersten Mal manifestierte sich der russische Futurismus öffentlich im Jahr 1910, als die erste futuristische Sammlung "Der Garten der Richter" veröffentlicht wurde (ihre Autoren waren D. Burliuk, V. Khlebnikov, V. Kamensky). Zusammen mit V. Mayakovsky und A. Kruchenykh bildeten diese Dichter bald die einflussreichste Gruppierung von Kubo-Futuristen oder Dichtern "Gilea" in der neuen Strömung (Gilea ist der altgriechische Name für das Gebiet der Taurischen Provinz, wo D. Burliuks Vater verwaltete das Anwesen, und 1911 kamen die Dichter zu einer neuen Gruppierung) 2. Neben der „Gilea“ wurde der Futurismus von drei weiteren Gruppen vertreten – dem Egofuturismus (I. Severyanin, I. Ignatiev, K. Olympov, V. Gnedov und andere), die Mezzanine of Poetry-Gruppe (V. Shershenevich, Khrisanf, R. Ivnev und andere) und die Vereinigung "Centrifuge" (B. Pasternak, N. Aseev, S. Bobrov, K. Bolshakov und andere) 3. Futurismus auch führte zu vielen anderen Richtungen und Schulen. Das ist der Imagismus von Yesenin und Mariengof, der Konstruktivismus von Selvinsky, Lugovsky, der Buddhismus von Chlebnikov. Die Kritik stuft die Metametaphoristen A. Parshchikov und K. Kedrov als Neofuturisten ein, ebenso G. Aigi, V. Sosnora, Gornon, S. Biryukov, E. Katsyuba, A. Alchuk, N. Iskrenko. In der bildenden Kunst ist der Kubo-Futurismus zu beachten. Die Richtung, in der Künstler wie Malewitsch, Burliuk, Goncharova, Rozanova, Popova, Udaltsova, Exter, Bogomazov und andere zu unterschiedlichen Zeiten arbeiteten.

Tatsächlich ist der literarische Futurismus eng mit den Avantgarde-Künstlergruppen der 1910er Jahre verbunden (Karo-Bube, Donkey's Tail, Union of Youth). Viele Futuristen kombinierten literarische Praxis mit Malerei (die Burliuk-Brüder, E. Guro, A. Kruchenykh, V. Mayakovsky und andere). Nach den Avantgarde-Künstlern wandten sich die Dichter von „Gilea“ den Formen der künstlerischen Primitivität zu, strebten nach der utilitaristischen „Nützlichkeit“ der Kunst und versuchten gleichzeitig, das Wort von nicht-literarischen Aufgaben zu befreien, indem sie sich auf formale Experimente konzentrierten .

Der Futurismus beanspruchte eine universelle Mission: Als künstlerisches Programm wurde ein utopischer Traum von der Geburt einer Superkunst präsentiert, die die Welt verändern kann. Bei ihrer ästhetischen Gestaltung setzten die Futuristen auf neueste wissenschaftliche und technologische Errungenschaften. Der Wunsch nach einer rationalen Begründung der Kreativität auf der Grundlage grundlegender Wissenschaften - Physik, Mathematik, Philologie - unterschied den Futurismus von anderen modernistischen Bewegungen. So versuchte beispielsweise V. Khlebnikov, der Menschheit eine neue universelle Sprache anzubieten und die "Gesetze der Zeit" zu entdecken.

SEITENUMBRUCH--

Das Universum in all den Weiten von Raum und Zeit wurde von den Futuristen als Analogon eines grandiosen Bühnenplatzes wahrgenommen. Die kommende Revolution (und die Futuristen sympathisierten mit linken politischen Parteien und Bewegungen) war wünschenswert, weil sie als eine Art künstlerische Massenaufführung wahrgenommen wurde, die die ganze Welt in das Spiel einbezog. Nach der Februarrevolution 1917 bildeten die Futuristen der „Hilea“ und die ihnen nahestehenden Avantgarde-Künstler eine imaginäre „Government of the Globe“.

Das Programm für die Futuristen war der unverschämte Laie ("Schlag ins Gesicht des Publikumsgeschmacks" - so der Name des futuristischen Almanachs). Wie jedes avantgardistische künstlerische Phänomen hatte der Futurismus am meisten Angst vor Gleichgültigkeit und „professoraler“ Zurückhaltung. Eine notwendige Bedingung für seine Existenz war die Atmosphäre des literarischen Skandals, der Buhrufe und des Spotts. Die optimale Leserreaktion auf ihre Arbeit für die Futuristen war nicht Lob oder Sympathie, sondern aggressive Ablehnung, hysterischer Protest. Genau diese Reaktion der Öffentlichkeit provozierte die absichtlichen Extreme im Verhalten der Futuristen. Die öffentlichen Auftritte der Futuristen waren trotzig gestaltet: Beginn und Ende der Reden wurden durch Gongschläge markiert, K. Malewitsch erschien mit einem Kochlöffel im Knopfloch, W. Majakowski – in einem nach damaligen Maßstäben „weiblichen“ gelben Pullover , A. Kruchenykh trug ein Sofakissen an einer Schnur um den Hals.

Das Schicksal vieler Futuristen ist tragisch. Einige wurden erschossen, wie Terentjew, andere verschwanden im Exil, wie Khabias. Die Überlebenden waren dem Vergessen geweiht: Kamensky, Kruchenykh, Guro, Shershenevich. Nur Kirsanov, Aseev, Shklovsky gelang es trotz der Schande, den Status anerkannter Schriftsteller zu bewahren und im vollen Glanz ihrer schöpferischen Kräfte ein hohes Alter zu erreichen. Pasternak wurde unter Chruschtschow gejagt, obwohl er sich zu diesem Zeitpunkt vollständig von den Prinzipien des Futurismus entfernt hatte.

2.2 Kubofuturismus

Kubofuturismus ist ein lokaler Trend in der russischen Avantgarde (in Malerei und Poesie) zu Beginn des 20. Jahrhunderts. In der bildenden Kunst entstand der Kubo-Futurismus aus einem Umdenken der bildnerischen Erkenntnisse des Cezannismus, des Kubismus, des Futurismus und des russischen Neoprimitivismus.

Die Hauptwerke entstanden im Zeitraum 1911-1915. Die charakteristischsten Gemälde des Kubo-Futurismus stammen aus dem Pinsel von Kazimir Malevich und wurden auch von Burliuk, Puni, Goncharova, Rozanova, Popova, Udaltsova, Exter geschrieben. Die ersten kubo-futuristischen Werke von Malewitsch wurden auf der berühmten Ausstellung von 1913 ausgestellt. "Target", auf dem auch Larionovs Rayonismus debütierte. Die kubo-futuristischen Werke haben äußerlich etwas mit den zeitgleich entstandenen Kompositionen von F. Leger gemeinsam und sind halbgegenständliche Kompositionen aus zylinder-, kegel-, kolben-, schalenförmigen hohlen volumetrischen farbigen Formen, oft mit metallischem Glanz. Bereits in den ersten derartigen Arbeiten Malewitschs ist eine Tendenz erkennbar, vom natürlichen Rhythmus zu rein mechanischen Rhythmen der Maschinenwelt überzugehen (Plotnik, 1912, Grinder, 1912). Kubo-Futuristen waren am stärksten vertreten bei der "Ersten Futuristischen Ausstellung "Tram B"" (Februar 1915, Petrograd) und teilweise bei der "Letzten Futuristischen Ausstellung von Gemälden" 0.10 "" (Dezember 1915 - Januar 1916, Petrograd), wo Malewitsch beeindruckte die Öffentlichkeit erstmals mit seiner neuen Erfindung - dem Suprematismus.

Kubo-futuristische Künstler arbeiteten aktiv mit futuristischen Dichtern der Gileya-Gruppe A. Kruchenykh, V. Khlebnikov, E. Guro zusammen. Nicht umsonst wurde ihr Werk auch als „abstruser Realismus“ bezeichnet, was die Unlogik und Absurdität ihrer späteren Kompositionen betont. Malewitsch hingegen betrachtete den Alogismus kubofuturistischer Werke als ein spezifisch russisches Merkmal, das sie von westlichen Kubisten und Futuristen unterschied. Malewitsch erklärte die Bedeutung seines experimentellen, äußerst unlogischen Gemäldes „Die Kuh und die Geige“ (1913, Russisches Museum) und schrieb: „Logik hat neuen unbewussten Bewegungen immer eine Schranke gesetzt, und um Vorurteile loszuwerden, ein Trend des Alogismus vorgebracht“4. Ähnliche Arbeiten von Kubo-Futuristen entwickelten tatsächlich die Ästhetik des Absurden, die später die Grundlage für Strömungen wie Dadaismus und Surrealismus in Westeuropa bildete. In Zusammenarbeit mit dem bekannten Regisseur Tairov versuchten die Kubo-Futuristen aktiv, das Konzept eines „synthetischen Theaters“5 umzusetzen. In Russland selbst ist der Kubo-Futurismus zu einer Übergangsphase von den künstlerischen Bestrebungen des ersten Jahrzehnts des 20. Jahrhunderts geworden. zu so großen Bereichen der russischen Avantgarde wie Suprematismus und Konstruktivismus.

In der Literatur nannten sich Vertreter einer der Hauptgruppen futuristischer Dichter Kubo-Futuristen: Khlebnikov, Burliuks, Guro, Kruchenykh, Mayakovsky. Die wichtigsten ästhetischen Prinzipien des Kubo-Futurismus, die die Grundlage des russischen literarischen Futurismus bildeten, wurden von dieser Gruppe von Dichtern in einer Reihe von Manifesten formuliert, von denen die wichtigsten „Schlag gegen den öffentlichen Geschmack“ (Dezember 1912) waren. und ein Manifest in der Sammlung „Richtergarten II“ (1913). Die Essenz der künstlerischen und ästhetischen Plattform des Kubofuturismus lief darauf hinaus, dass sie den Beginn eines grundlegend neuen Lebens- und Kulturabschnitts akut spürten und erkannten, dass grundlegend neue künstlerische Mittel erforderlich waren, um ihn in der Kunst auszudrücken. Manifest zur Entfernung aller klassischen Literatur aus dem „Dampfschiff der Moderne“ von Puschkin bis zu den Symbolisten und Acmeisten, fühlten sie sich als „Gesicht“ ihrer Zeit, als ihr „Horn“, das ihre Wortkunst bläst. Ohne die ästhetischste Essenz der Poesie – die Schönheit – zu leugnen, sind Kubo-Futuristen davon überzeugt, dass die „neue kommende Schönheit“ nur durch die „befreite“ Literaturgeschichte des 20. Jahrhunderts ausgedrückt werden kann. zeigte, dass all diese radikalen Entdeckungen des Kubo-Futurismus gefragt waren und sich in verschiedenen Bereichen der Avantgarde, Moderne, Postmoderne entwickelten und die Grundlage der POST-Kultur bildeten. Bereits 1914 gaben die Kubo-Futuristen und Ego-Futuristen (I. Severyanin und andere) im Manifest „Fahr zur Hölle“ die „zufälligen Spitznamen“ von Ego und Kubo auf und „verschmolzen zu einer einzigen literarischen Gesellschaft von Futuristen“.

2.3 Suprematismus

Der Suprematismus (von lat. supremus – der Höchste) ist eine Strömung in der Avantgarde-Kunst, die in der 1. Hälfte der 1910er Jahre begründet wurde. in Russland K.S. Malewitsch. Als eine Art abstrakte Kunst drückte sich der Suprematismus in Kombinationen mehrfarbiger Ebenen einfachster geometrischer Umrisse (in den geometrischen Formen einer geraden Linie, eines Quadrats, eines Kreises und eines Rechtecks) ohne bildliche Bedeutung aus. Die Kombination mehrfarbiger und unterschiedlich großer geometrischer Figuren bildet ausgewogene asymmetrische suprematistische Kompositionen, die von innerer Bewegung durchdrungen sind. In der Anfangsphase bedeutete dieser auf die lateinische Wurzel suprem zurückgehende Begriff Dominanz, die Überlegenheit der Farbe über alle anderen Eigenschaften der Malerei. In sinnlosen Leinwänden malen, laut K.S. Malewitsch wurde zum ersten Mal von einer Nebenrolle befreit, davon, anderen Zielen zu dienen - suprematistische Gemälde wurden zum ersten Schritt der "reinen Kreativität", d.h. ein Akt, der die schöpferische Kraft von Mensch und Natur (Gott) ausgleicht.

Das Ziel des Suprematismus ist es, die Realität in einfachen Formen (gerade Linie, Quadrat, Dreieck, Kreis) auszudrücken, die allen anderen Formen der physischen Welt zugrunde liegen. In suprematistischen Gemälden gibt es keine Vorstellung von "oben" und "unten", "links" und "rechts" - alle Richtungen sind gleich, wie im Weltraum. Der Bildraum unterliegt nicht mehr der Schwerkraft der Erde (Orientierung "oben - unten"), er ist nicht mehr geozentrisch, also ein "Sonderfall" des Universums. Eine eigenständige Welt erscheint, in sich geschlossen und zugleich gleichberechtigt mit der universellen Weltharmonie korreliert.

Malewitschs berühmtes Gemälde „Das Schwarze Quadrat“ (1915) wurde zum bildhaften Manifest des Suprematismus. Die theoretische Begründung der Methode skizzierte Malewitsch in der Arbeit "Vom Kubismus und Futurismus zum Suprematismus ... Neuer Bildrealismus ..." (1916). Anhänger und Schüler Malewitschs schlossen sich 1916 in der Supremus-Gruppe zusammen. Sie versuchten, die suprematistische Methode nicht nur auf die Malerei, sondern auch auf Buchgrafik, angewandte Kunst und Architektur auszudehnen.

Die formalen Zeichen des Suprematismus sind:

Quadrat als wichtigstes ikonisches Element

regelmäßige geometrische Formen;

normalerweise weißer Hintergrund;

gesättigte orthodoxe Farben;

Flugzeug Spiel.

Nachdem der Suprematismus die Grenzen Russlands überschritten hatte, hatte er einen spürbaren Einfluss auf die gesamte künstlerische Kultur der Welt. Der Suprematismus war wie keine andere Richtung der abstrakten Kunst erfolgreich und hatte einen starken Einfluss auf die Entstehung und Entwicklung der Designkunst, da er die geometrischen Pläne eines analytisch betrachteten Objekts als primäre Elemente in Analogie zu Standardmaschinenkomponenten verabsolutierte und Einzelheiten. Der Suprematismus kann in gewisser Weise als ideologischer Inspirator und als erste Stufe des Konstruktivismus angesehen werden, der wiederum den Damm der Abstraktion durchbrach und zur künstlerischen Gestaltung von Objekten überging - von Gebäuden bis hin zu Kleidung, die viele moderne Designs legte Stiftungen.

2.4 Konstruktivismus

Der Konstruktivismus ist eine sowjetische Avantgarde-Methode (Stil, Richtung) in der bildenden Kunst, Architektur, Fotografie und dekorativen und angewandten Kunst, die in den 1920er und frühen 1930er Jahren entwickelt wurde.

Wie V. V. schrieb Mayakovsky in seinem Aufsatz über die französische Malerei: „Zum ersten Mal flog nicht aus Frankreich, sondern aus Russland ein neues Kunstwort ein – der Konstruktivismus ...“6

Im Kontext der unablässigen Suche nach neuen Formen, die das Vergessen alles „Alten“ bedeutete, proklamierten Innovatoren die Absage an „Kunst um der Kunst willen“. Die Kunst sollte fortan der Produktion dienen. Die meisten, die sich später der konstruktivistischen Bewegung anschlossen, waren die Ideologen der sogenannten „Produktionskunst“. Sie forderten die Künstler auf, „bewusst nützliche Dinge zu schaffen“ und träumten von einem neuen harmonischen Menschen, der bequeme Dinge nutzt und in einer gut organisierten Stadt lebt.

So schrieb einer der Theoretiker der „Produktionskunst“, B. Arvatov, „... Sie werden keinen schönen Körper darstellen, sondern einen wirklich lebenden, harmonischen Menschen erziehen, keinen Wald zeichnen, sondern Parks und Gärten anlegen, keine Wände schmücken mit Gemälden, aber malt diese Wände ... "7. „Produktionskunst“ wurde nicht mehr als ein Begriff, der Begriff Konstruktivismus wurde jedoch gerade von Theoretikern dieser Richtung geäußert (in ihren Reden und Broschüren waren auch die Wörter „Konstruktion“, „konstruktiv“, „Raumkonstruktion“ ständig angetroffen).

Neben der oben genannten Richtung wurde die Formation des Konstruktivismus stark vom Futurismus, Suprematismus, Kubismus, Purismus und anderen innovativen Strömungen der 1910er Jahre beeinflusst, jedoch war es gerade die „Produktionskunst“ mit ihrer direkten Anziehungskraft auf die aktuellen russischen Realitäten der 1920er Jahren, die zur gesellschaftlich bedingten Grundlage wurden.

Der Begriff "Konstruktivismus" wurde bereits 1920 von sowjetischen Künstlern und Architekten verwendet, aber er wurde erstmals 1922 offiziell in dem Buch von Alexei Michailowitsch Gan mit dem Titel "Konstruktivismus" bezeichnet. BIN. Ghanom verkündete, dass "... eine Gruppe von Konstruktivisten sich den kommunistischen Ausdruck materieller Werte zur Aufgabe macht ... Tektonik, Konstruktion und Textur sind die mobilisierenden materiellen Elemente der Industriekultur"8. Das heißt, es wurde ausdrücklich betont, dass die Kultur des neuen Russland industriell ist.

Vertreter des Konstruktivismus, die sich die Aufgabe stellten, eine Umgebung zu gestalten, die Lebensprozesse aktiv steuert, versuchten, die Gestaltungsmöglichkeiten neuer Technologien, ihre logischen, zweckmäßigen Designs sowie die ästhetischen Möglichkeiten von Materialien wie Metall, Glas und Holz zu verstehen . Konstruktivisten versuchten, dem protzigen Luxus die Einfachheit gegenüberzustellen und betonten den Utilitarismus neuer sachlicher Formen, in denen sie die Verdinglichung der Demokratie und neue Beziehungen zwischen den Menschen sahen.

Der Konstruktivismus zeichnet sich durch Strenge, Geometrismus, Prägnanz der Formen und monolithisches Erscheinungsbild aus. 1924 wurde die offizielle kreative Organisation der Konstruktivisten, die OCA, gegründet, deren Vertreter die sogenannte funktionale Entwurfsmethode auf der Grundlage einer wissenschaftlichen Analyse der Merkmale des Funktionierens von Gebäuden, Strukturen und städtischen Komplexen entwickelten. Charakteristische Denkmäler des Konstruktivismus sind Küchenfabriken, Arbeiterpaläste, Arbeiterklubs, Gemeindehäuser der angegebenen Zeit (Anhang 8). In der künstlerischen Kultur Russlands der 1920er Jahre setzten konstruktivistische Architekten, die Gebrüder Vesnin und M. Ginzburg, auf die Möglichkeiten moderner Bautechnik. Künstlerische Ausdruckskraft erreichten sie durch Komposition, Aneinanderreihung einfacher, prägnanter Bände9.

Konstruktivismus ist eine Richtung, die in erster Linie mit Architektur verbunden ist, aber eine solche Vision wäre einseitig und sogar extrem falsch, da der Konstruktivismus, bevor er zu einer architektonischen Methode wurde, in Design, Druck und Kunst existierte. Der Konstruktivismus in der Fotografie (Anhang 7) ist gekennzeichnet durch die Geometrisierung der Bildkomposition, Aufnahmen aus schwindelerregenden Winkeln bei starker Volumenreduzierung. Solche Experimente wurden insbesondere von Alexander Rodtschenko durchgeführt. In grafischen Formen der Kreativität war der Konstruktivismus gekennzeichnet durch die Verwendung von Fotomontagen anstelle von handgezeichneten Illustrationen, extreme Geometrisierung, Unterordnung der Komposition unter rechtwinklige Rhythmen. Auch die Farbgebung war stabil: Schwarz, Rot, Weiß, Grau mit dem Zusatz von Blau und Gelb. Auch im Bereich der Mode gab es gewisse konstruktivistische Strömungen – im Zuge der weltweiten Leidenschaft für gerade Linien im Kleidungsdesign schufen sowjetische Modedesigner jener Jahre betont geometrisierte Formen.

Unter den Modedesignern sticht Varvara Stepanova hervor, die seit 1924 zusammen mit Lyubov Popova Stoffdesigns für die 1. Baumwolldruckerei in Moskau entwickelte, Professorin an der Textilfakultät von VKhUTEMAS war und Modelle für Sport- und Freizeitkleidung entwarf .

Künstler dieser Richtung (V. Tatlin, A. Rodtschenko, L. Popova, E. Lissitzky, V. Stepanova, A. Exter), die sich der Bewegung der Industriekunst angeschlossen hatten, wurden die Begründer des sowjetischen Designs, in dem sich die äußere Form befand direkt bestimmt durch Funktion, Konstruktion und Materialverarbeitungstechnologie. Bei der Gestaltung von Theateraufführungen ersetzten die Konstruktivisten die traditionelle Bühnenkulisse durch wandelbare Installationen – „Maschinen“, die den Bühnenraum verändern. Der Konstruktivismus der Druckgrafik, der Buchkunst und des Plakats zeichnet sich durch knauserige geometrische Formen, ihre dynamische Anordnung, eine begrenzte Farbpalette (hauptsächlich Rot und Schwarz), einen umfangreichen Einsatz von Fotografie und typografischen Elementen aus. Charakteristische Manifestationen des Konstruktivismus in Malerei, Grafik und Skulptur sind die abstrakte Geometrie, die Verwendung von Collage, Fotomontage, räumliche Strukturen, manchmal dynamisch.

Fortsetzung
--SEITENUMBRUCH--

Die Ideen des Konstruktivismus reiften in den bisherigen Richtungen der russischen Avantgarde. Sein Programm, das in der postrevolutionären Zeit entstand, trug die Züge einer sozialen Utopie, da künstlerische Gestaltung als eine Möglichkeit konzipiert wurde, das soziale Leben und das Bewusstsein der Menschen zu verändern und die Umwelt zu gestalten. Der Konstruktivismus verwarf traditionelle Vorstellungen von Kunst im Namen der Nachahmung der Formen und Methoden des modernen technologischen Prozesses. Am deutlichsten manifestierte sich dies in der Skulptur, wo die Struktur direkt aus den Produkten der industriellen Produktion entstand. In der Malerei wurden die gleichen Prinzipien im zweidimensionalen Raum umgesetzt: Abstrakte Formen und Strukturen wurden wie eine Architekturzeichnung auf eine Fläche gesetzt, die an Elemente der Maschinentechnik erinnert. Obwohl der „reine“ Konstruktivismus in Russland nur in den ersten postrevolutionären Jahren existierte, war sein Einfluss das ganze 20. Jahrhundert hindurch spürbar.

In den frühen 1930er Jahren änderte sich die politische Situation im Land und damit auch in der Kunst stark. Innovative Trends wurden zunächst scharf kritisiert und dann wie bürgerliche komplett verboten. Die Konstruktivisten waren in Ungnade gefallen. Diejenigen von ihnen, die nicht „umbauen“ wollten, fristeten bis an ihr Lebensende ein erbärmliches Dasein (oder wurden sogar unterdrückt). Laut einigen maßgeblichen Wissenschaftlern in der UdSSR in den Jahren 1932-1936. Es gab einen "Übergangsstil", der bedingt als "Postkonstruktivismus" bezeichnet wurde.

Als in den 1960er Jahren der Kampf gegen „architektonische Exzesse“ begann, erinnerte man sich wieder an die Entwicklungen der Konstruktivisten. Das Studium ihres Erbes ist für junge Architekten zur Pflicht geworden. Und seit den frühen 1990er Jahren sind viele der nicht realisierten Ideen der 1920er Jahre Wirklichkeit geworden. Ein Beispiel ist der Einkaufskomplex "Three Whales" an der Minsker Autobahn (hergestellt im Geiste der zwanziger Jahre), eine Vielzahl von Luxuswohnungen in Moskau und andere Gebäude einer modernen Metropole.

Daraus können wir schließen, dass die Hauptrichtungen der russischen Avantgarde waren: Futurismus, Kubo-Futurismus, Suprematismus und Konstruktivismus. Obwohl Futurismus und Kubo-Futurismus zu unterschiedlichen Bereichen der russischen Avantgarde gehören, sind sie sich ähnlich. Der Kubo-Futurismus war das Ergebnis von Trends wie dem in Russland nicht sehr verbreiteten Kubismus und dem Futurismus. Darüber hinaus begannen Vertreter des Futurismus, hauptsächlich Dichter (Gruppen "Gilea", "Mezzanine of Poetry", "Centrifuge"), schließlich eine neue Richtung zu vertreten - den Kubo-Futurismus. Aber Suprematismus und Konstruktivismus sind ziemlich unabhängige Strömungen, von denen jede ihre eigenen besonderen und einzigartigen Merkmale sowie ihre hellsten Vertreter hatte.

Kapitel III. Herausragende Persönlichkeiten der russischen Avantgarde

3.1 Künstler

Einer der prominentesten Vertreter der Avantgarde, Wassily Kandinsky, gehört zu den Entdeckern der neuen Kunstsprache des 20. Jahrhunderts, und das nicht nur, weil er die abstrakte Kunst „erfunden“ hat – er konnte sie geben eine Skala, Zweck, Erklärung und hohe Qualität.

In den frühen Werken Kandinskys dienten Naturimpressionen als Grundlage für die Gestaltung farbenprächtiger Landschaften, mitunter mit romantisch-symbolischem Handlungsgehalt („Der Blaue Reiter“, 1903). Mitte und zweite Hälfte des 20. Jahrhunderts im Zeichen der Leidenschaft für die russische Antike bestanden; In den Gemälden „Lied von der Wolga“ (1906), „Kunterbuntes Leben“ (1907), „Felsen“ (1909) kombinierte der Künstler die rhythmischen und dekorativen Merkmale des russischen und deutschen Jugendstils (Art Nouveau) mit den Techniken von Pointillismus und Stilisierung als beliebter Volksdruck. In einem Teil der Arbeit entwickelte Kandinsky retrospektive Fantasien, die für die Meister des Kreises der „Welt der Kunst“ charakteristisch sind („Ladies in crinolines“, Öl, 1909, Tretjakow-Galerie) 10. (Anlagen 1,2).

Seine Gemälde der vorrevolutionären und revolutionären Jahre waren stilistisch breit gefächert: Neben der Schaffung ausdrucksstarker abstrakter Leinwände („Troubled“, 1917, Tretjakow-Galerie, „Weißes Oval“, 1920, Tretjakow-Galerie usw.) malte der Künstler auch verallgemeinerte realistische Naturbilder, Landschaften („Moskau. Zubovskaya-Platz“, „Wintertag. Smolensky-Boulevard“, beide um 1916, Tretjakow-Galerie), verließen die Malerei nicht auf Glas („Amazonas“, 1917) und schufen auch solche Gemälde kombinierte figurative Elemente und dekorativ-gegenstandsloser Anfang („Moskau. Roter Platz“, 1916, Tretjakow-Galerie).

Kandinsky war, wie alle großen Meister der Neuzeit, universell in seiner künstlerischen Tätigkeit. Er beschäftigte sich nicht nur mit Malerei und Grafik, sondern auch mit Musik (von klein auf), Poesie, Kunsttheorie. Der Künstler entwarf Innenräume, fertigte Skizzen von Gemälden auf Porzellan an, entwarf Modelle von Kleidern, fertigte Skizzen von Applikationen und Möbeln an, beschäftigte sich mit Fotografie und interessierte sich für Kino. Auffallend ist die außerordentliche organisatorische Tätigkeit Kandinskys in allen Lebensabschnitten. Das sieht man schon an der Organisation seines ersten Vereins „Phalanx“ (Sommer 1901).

Ein weiterer prominenter Vertreter ist Kasimir Malewitsch (1878-1935), der nicht nur in Künstlerkreisen, sondern auch in der allgemeinen Presse nach der nächsten Ausstellung, auf der er die sogenannten suprematistischen, also geometrischen Leinwände zeigte, wirklich von sich reden machte Abstraktionen. Seitdem gilt Malewitsch leider nur als Künstler des Suprematismus und sogar als Künstler eines Gemäldes des Schwarzen Quadrats. Dieser Ruhm wurde teilweise von Malewitsch selbst unterstützt. Er glaubte, dass das "Schwarze Quadrat" der Höhepunkt von allem ist. Malewitsch war ein vielseitiger Maler. In den 1920er und 1930er Jahren malte er einen Bauernzyklus, kurz vor seinem Tod begann er Porträts im Geiste der alten Meister, Landschaften im Geiste des Impressionismus zu malen11.

Malewitsch, russischer Künstler, Begründer des Suprematismus, einer der wenigen in Russland, die in den Bereichen Kubismus, Futurismus tätig waren. In der Sowjetunion wurde er zu Unrecht vergessen, obwohl sein Werk eine der hellsten Seiten der bildenden Kunst der Welt der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts ist. Kasimir Malewitsch nahm an den berühmten Ausstellungen „Karo-Bube“ (1910) und „Donkey’s Tail“ (1912) teil, einer der Säulen der russischen und dann der sowjetischen Avantgarde. Der Suprematismus basiert auf der Kombination der einfachsten geometrischen Formen auf einer Ebene, die in kontrastierenden Farben bemalt ist. Das berühmte „Schwarze Quadrat“ (1913) wurde zu einem Manifest der gegenstandslosen, nicht figurativen Kunst, dem Ausgangspunkt der Abstraktion. 1919 fand die 10. Landesausstellung unter dem Titel „Objektive Kreativität und Suprematismus“ statt und im Dezember 1919 - Januar 1920 die 16. Landesausstellung mit einer Retrospektive „Kazimir Malewitsch. Sein Weg vom Impressionismus zum Suprematismus. Die Ausstellungen zeigten sowohl konzeptionelle Keilrahmen mit leeren Leinwänden als auch einen geheimnisvoll meditativen Bilderzyklus „White on White“ mit „White Square on White“.

Die Kreationen russischer Avantgarde-Künstler zu Beginn des Jahrhunderts sprengten das künstlerische Bewusstsein. Gleichzeitig erschien Malewitschs Suprematismus als natürliche Etappe in der Entwicklung der russischen und der Weltkunst. Kasimir Malewitsch selbst leitete den Suprematismus vom Kubismus ab. Auf der Ausstellung, auf der seine ersten suprematistischen Gemälde präsentiert wurden, verteilte er eine Broschüre mit dem Titel „Vom Kubismus zum Suprematismus“. Später begann er, auf noch frühere Quellen dieses Trends zu achten. Fast die gesamte Malerei, die der Kunst des 20. Jahrhunderts vorausging, war in diesem Strom enthalten, und Malewitsch glaubte, dass es die Kunst der geometrischen Abstraktion war, die diese mächtige Weltbewegung krönte (Anhänge 3,4).

Die Ideen des Suprematismus wurden von I.A. Puni, I. V. Klyun und andere. Klyun blieb im Gegensatz zu Malewitsch, der sich nach einigen Jahren heftig gegen die ästhetischen Prinzipien der neuen Ära der Symbolik und Moderne auflehnte, nicht nur länger, sondern lernte auch viel mehr von ihr als Malewitsch: die Anziehung zur Linearität, zum Dekorativen Organisation des Flugzeugs, zum Rhythmus. In Klyuns Kompositionen hängen Formen herab wie Blumen, es herrscht Frieden oder elegische Traurigkeit; Orientalisch geschwungene, sich langsam bewegende Figuren, wie in Meditation ("Family"). Neben ihm wirkt Malewitsch unhöflich, unbeholfen, seine symbolistischen Werke wirken manchmal lächerlich – bei Klyun sind sie ganz „normal“, ganz im Sinne der Bildtendenzen der Moskauer Salongesellschaft, deren Mitbegründer er war.

Filonov Pavel Nikolaevich (1883-1941), russischer Maler und Grafiker. In symbolträchtigen, dramaturgisch intensiven Werken versuchte er, die allgemeinen geistigen und materiellen Muster des weltgeschichtlichen Ablaufs („Fest der Könige“, 1913) zum Ausdruck zu bringen. (Anlage 5). Von Ser. 1910er verteidigte die Prinzipien der "analytischen Kunst", basierend auf der Schaffung der komplexesten Kompositionen, die zu endlosem kaleidoskopischem Einsatz fähig waren ("Formel des Proletariats", 1912-13, "Formel des Frühlings" 1928-29). Filonovs Schüler bildeten sich die Gruppe "Masters of Analytical Art".

Tiefe philosophische und kulturelle Reflexionen von Filonov bestimmten die künstlerische und plastische Struktur der Gemälde „West und Ost“, „Ost und West“ (beide 1912-13), „Fest der Könige“ (1913) ua Das Thema der modernen Stadt Zivilisation, im Gegensatz zur Verherrlichung ihrer europäischen Futuristen, wurde vom russischen Meister als Quelle des Bösen dargestellt, die die Menschen entstellt; anti-urbanes Pathos bestimmte den semantischen Klang vieler Gemälde, darunter die Werke "Man and Woman" (1912- 13), „Arbeiter“ (1915-16), die Zeichnung „Building a City“ (1913) und andere. In einer anderen Gruppe von Werken auf Leinwänden „Bauernfamilie (Heilige Familie)“ (1914), „Korovniki“ (1914) , der Zyklus „Entering the World Heyday“, die zweite Hälfte der 1910er Jahre, Zeichnungen „George the Victorious“ (1915), „Mother“ (1916) und andere. Der Künstler verwirklichte seine utopischen Träume von der zukünftigen Herrschaft der Gerechtigkeit und Güte auf der Erde 12.

Tatlin Vladimir Evgrafovich (1885-1953) Russischer Künstler, Designer, Bühnenbildner, einer der größten Vertreter der innovativen Bewegung in der Kunst des 20. Jahrhunderts, Begründer des künstlerischen Konstruktivismus. Die bedeutendsten Werke waren die Leinwände „Seemann (Selbstporträt)“ (1911, Russisches Museum), „Fischverkäufer“ (1911, Tretjakow-Galerie) - zusammen mit den prächtigen „Modellen“ und Stillleben beeindruckten sie mit einer ausdrucksstarken Verallgemeinerung Zeichnung, eine klare Konstruktivität der Komposition, die bezeugt Gleichzeitig zeigten sie eindeutig eine genetische Verbindung mit altrussischer Kunst, Ikonenmalerei, Fresken: Tatlin verbrachte in den Sommermonaten viel Zeit damit, Muster altrussischer Kunst zu studieren und zu kopieren seiner Studienzeit.

Tatlin avancierte schnell unter den russischen Avantgarde-Künstlern; an der Illustration futuristischer Bücher beteiligt, organisierte er 1912 sein eigenes Atelier in Moskau, in dem sich viele „linke Künstler“ mit Malerei beschäftigten und analytische Formstudien durchführten. Von dieser Zeit bis Ende der 1920er Jahre. Tatlin war neben K.S. eine der beiden zentralen Figuren der russischen Avantgarde. Malewitsch, im Wettbewerb mit dem er seine künstlerischen Entdeckungen entwickelte, die die Grundlage der späteren konstruktivistischen Bewegung bildeten.

MV Matjuschin (1861-1934) spielte eine herausragende Rolle in vielen Unternehmungen linker Künstler und Dichter – insbesondere durch die Gründung des Zhuravl-Buchverlags, der viele Bücher veröffentlichte, ohne die die Geschichte der russischen Avantgarde heute undenkbar ist. Auf Initiative von Matjuschin und Guro entstand die St. Petersburger Gesellschaft „Union der Jugend“, die radikalste Vereinigung der künstlerischen Kräfte beider Hauptstädte.

Das malerische Werk von Matjuschin entwickelte sich trotz seiner engen Freundschaft mit so mächtigen künstlerischen Ideengebern wie Kasimir Malewitsch nach eigenen Gesetzen und führte schließlich zur Schaffung einer originellen Richtung, die vom Autor „ZORVED“ genannt wurde ( Scharfes Wissen, Vision (zor) - Wissen Der Künstler und seine Schüler studierten sorgfältig die räumliche und farbliche Umgebung, die natürliche Formgebung - die sichtbare Organik der Natur diente ihnen in ihren Gemälden als Vorbild und Beispiel für plastische Konstruktionen eine Stimmgabel von sowohl bildlicher als auch plastischer Bedeutung.

Mikhail Larionov (1881-1964) war neben Kasimir Malewitsch (Schwarzes Quadrat) und Wassily Kandinsky die zentrale Figur der russischen Avantgarde. In seinen Gemälden konzentrieren sich künstlerische Techniken und Methoden verschiedener Stile und Epochen - vom Impressionismus, Fauvismus, Expressionismus bis hin zu russischen Ikonen, populären Drucken, Volkskunst; Er wurde auch zum Schöpfer seines eigenen Bildsystems, des Rayonismus, der der Ära der Ungegenständlichkeit in der Kunst vorausging.

Als Schüler von Levitan und Serov war Larionov der wahre Anführer der rebellischen künstlerischen Jugend, der Anstifter vieler skandalöser Aktionen, die den Aufstieg der Avantgarde auf der russischen öffentlichen Bühne markierten. Sein außergewöhnliches Talent zeigte sich jedoch nicht nur in der Organisation von Kunstvereinen, der Organisation von unerhörten Ausstellungen, sondern auch in der Schaffung von Leinwänden, von denen viele als malerische Meisterwerke bezeichnet werden können.

Ein ausgeklügeltes Farbempfinden, ein Hang zum Grotesken, ein Verlangen nach romantischer Exotik, ursprünglich charakteristisch für G.B. Yakulov (1884-1928), in seinem Werk organisch mit dem Stil der russischen Malerei des frühen zwanzigsten Jahrhunderts verbunden. Gleichzeitig betrachtete der Künstler auch die orientalische Kunst, insbesondere die persische Miniatur, als sein geistiges Erbe; die Verbindung der dekorativen Traditionen der orientalischen Kunst mit den neuesten Errungenschaften der europäischen Malerei war ihm selbstverständlich mühelos gegeben.

Lauter Ruhm brachte Yakulov seine Theaterarbeit. Im expressiven Spektakel, in den Spielräumen und Freiheiten leuchtender Malerei tastete Yakulov nach neuen Möglichkeiten dekorativer und plastischer Raumkonzepte, die dann Eingang in Design und Bühnenkonstruktionen fanden.

3.2 Architekten

Konstantin Melnikov gilt als Koryphäe des russischen (sowjetischen) Konstruktivismus. Beginnend mit dem Bau russischer Pavillons auf internationalen Ausstellungen im Stil der traditionellen Holzarchitektur, dank derer er internationalen Ruhm erlangte, geht Melnikov zum Entwurf sehr relevanter Gebäude eines neuen (revolutionären) Typs und Zwecks über – Arbeiterklubs. Club sie. Rusakov, 1927-28 von ihm erbaut, hat weder mit der Architektur des vorigen Jahrhunderts noch mit der Jugendstilarchitektur etwas gemein. Hier werden rein geometrische Betonstrukturen zu einer bestimmten Struktur organisiert, deren Form durch ihren Zweck bestimmt wird. Diese Variante des Konstruktivismus wird Funktionalismus genannt. In der Architektur des Konstruktivismus führt der Funktionalismus zur Schaffung dynamischer Strukturen, die aus ziemlich einfachen formalen Elementen bestehen, die völlig ohne das übliche architektonische Dekor sind und in Übereinstimmung mit der Organisation des Innenraums und der Arbeit der Hauptstrukturen verbunden sind. Die architektonische Formensprache wird so von allem Unnötigen, Dekorativen, Nicht-Konstruktiven „entleert“. Es ist die Sprache einer neuen Welt, die mit ihrer Vergangenheit gebrochen hat.

Fortsetzung
--SEITENUMBRUCH--

Palast der Arbeit

Ein wichtiger Meilenstein in der Entwicklung des Konstruktivismus war die Tätigkeit talentierter Architekten - der Brüder Leonid, Victor und Alexander Vesnin. Sie verwirklichten eine lakonische "proletarische" Ästhetik und verfügten bereits über solide Erfahrungen in der Gebäudegestaltung, in der Malerei und in der Buchgestaltung. (Sie begannen ihre Karriere in der Neuzeit).

Erstmals meldeten sich konstruktivistische Architekten beim Projektwettbewerb für den Bau des Palastes der Arbeit in Moskau lautstark zu Wort. Das Projekt der Vesnins zeichnete sich nicht nur durch die Rationalität des Plans und die Übereinstimmung der äußeren Erscheinung mit den ästhetischen Idealen unserer Zeit aus, sondern implizierte auch die Verwendung neuester Baumaterialien und -strukturen.

Die nächste Etappe war der Wettbewerbsentwurf für das Gebäude der Zeitung „Leningradskaja Prawda“ (Zweigniederlassung Moskau). Die Aufgabe war äußerst schwierig - für den Bau war ein winziges Grundstück von 6 x 6 m auf dem Strastnaya-Platz vorgesehen.

„Leningradskaja Prawda“

Die Vesnins schufen ein schlankes sechsstöckiges Miniaturgebäude, das nicht nur Büro- und Redaktionsräume, sondern auch einen Zeitungskiosk, eine Lobby und einen Lesesaal umfasste (eine der Aufgaben der Konstruktivisten bestand darin, die maximale Anzahl lebenswichtiger Räumlichkeiten zu gruppieren auf kleinem Raum) 13.

Der engste Mitarbeiter und Assistent der Brüder Vesnin war Moses Yakovlevich Ginzburg, der in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts ein unübertroffener Architekturtheoretiker war. In seinem Buch Style and Age reflektiert er, dass jeder Kunststil „seiner“ historischen Epoche angemessen entspricht. Insbesondere die Entwicklung neuer architektonischer Strömungen ist darauf zurückzuführen, dass „… eine kontinuierliche Mechanisierung des Lebens“ stattfindet und die Maschine „… ein neues Element unseres Lebens, unserer Psychologie und Ästhetik“ ist. Ginzburg und die Brüder Vesnin organisieren die Association of Modern Architects (OSA), der führende Konstruktivisten angehören.

Eine besondere Figur in der Geschichte des Konstruktivismus gilt als Lieblingsschüler von A. Vesnin - Ivan Leonidov, der aus einer Bauernfamilie stammt und seine Karriere als Schüler eines Ikonenmalers begann. Seine weitgehend utopischen, zukunftsorientierten Projekte fanden in diesen schwierigen Jahren keine Anwendung. Leonidovs Werke begeistern immer noch mit ihren Linien - sie sind unglaublich, unverständlich modern.

Die architektonische Tätigkeit von Lissitzky (einem Vertreter des Suprematismus), vorbereitet durch eine Reihe von experimentellen Projekten "Prouny" ("Projekte zur Genehmigung des Neuen"; 1919-1924), bestand darin, die Probleme der vertikalen Zonierung der Stadtentwicklung zu lösen ( Projekte "horizontaler Wolkenkratzer" für Moskau, 1923-1925), aktive Teilnahme an der Arbeit des Vereins "Asnova" und einer Reihe von Architekturwettbewerben der 20er Jahre. (Projekte: Textilhäuser, 1925, und die Zeitungsfabrik Pravda, 1930, für Moskau; Wohnkomplexe für Ivanovo-Voznesensk, 1926). Lissitzky führte eine Reihe von Propagandaplakaten im Geiste des Suprematismus aus („Schlag die Weißen mit einem roten Keil!“, 1920 usw. (Anhang 6)), entwickelte Projekte für wandelbare und eingebaute Möbel (1928-29), genehmigt neue Prinzipien der Ausstellungsdarstellung, Verständnis als ein einziger Organismus (sowjetische Pavillons auf Auslandsausstellungen 1925-34; All-Union-Druckausstellung in Moskau, 1927) und Lösungen für den Bühnenraum (Arbeiten für das Theater).

Alle Werke von Vertretern der russischen Avantgarde, sowohl Künstler als auch Architekten, sind von großem Wert für das russische Kulturerbe. Jeder Vertreter dieser Kunstrichtung hat seine eigene einzigartige Methode entwickelt, eine bestimmte, bisher unbekannte kulturelle Welt geschaffen und eine Reihe von Werken präsentiert, die seiner Welt entsprechen und heute als Meisterwerke nicht nur der russischen, sondern auch der Weltkunst und -architektur gelten.

Fazit

Die neuesten Trends in der russischen Kunst der 1910er Jahre brachten Russland an die Spitze der internationalen Kunstkultur dieser Zeit. Das in die Geschichte eingegangene Phänomen des großen Experiments wurde als russische Avantgarde bezeichnet. Eine Besonderheit der russischen Avantgarde ist ihre Entwicklung und ihr Niedergang, die in engem Zusammenhang mit den historischen Ereignissen im Land stattfanden, sowie ihre rebellische Natur und die Proklamation der Vertreter der Avantgarde des Kampfes gegen das kulturelle Erbe . Das Phänomen der Russischen Avantgarde liegt zudem darin begründet, dass der Begriff „Russische Avantgarde“ nicht nur für die Malerei, sondern für fast die gesamte damalige Kultur charakteristisch war: Literatur, Musik, Theater, Fotografie, Kino, Design, Architektur.

Seit mehreren Jahrzehnten werden in Russland mehrere Richtungen entwickelt. Unter ihnen: Futurismus, Kubo-Futurismus, Suprematismus und Konstruktivismus. Jeder dieser Bereiche hatte seine eigenen Besonderheiten und unterschied sich radikal von der traditionellen Kunst. Futurismus und Kubo-Futurismus spiegeln sich eher in Malerei und Literatur wider, Suprematismus – in Malerei, Konstruktivismus – in Architektur, Plakaten und Design. Wenige Jahre zuvor deutete nichts in der russischen Kunst auf eine so scharfe Wende hin: Ende des 19. bis Anfang des 20. Jahrhunderts. Die russische offizielle Malerei blieb im akademischen Rahmen. Doch die Vertreter der Avantgarde stellten alles Gewöhnliche und Traditionelle in Frage und konnten die Kunstgeschichte nachhaltig prägen.

Unter den Künstlern gelten K. Malevich, V. Kandinsky, P. Filonov, V. Tatlin, M. Larionov und andere als die Hauptfiguren der russischen Avantgarde. Unter den Schriftstellern und Dichtern sind V. Mayakovsky, D. Burliuk, V. Khlebnikov, B. Pasternak, I. Severyanin, A. Kruchenykh, E. Guro. Zu den berühmten Architekten der russischen Avantgarde (Konstruktivismus) gehören K. Melnikov, die Brüder Vesnin, I. Leonidov, L. Lissitzky. Gibt es eine solche Person, die das Gemälde von Kasimir Malewitsch "Schwarzes Quadrat" oder die Zeilen aus dem Gedicht von Wladimir Majakowski "Der kleine Sohn kam zu seinem Vater und das Baby fragte ..." nicht kennt? Natürlich nicht. Wir haben die Arbeit von Avantgarde-Dichtern in der Schule kennengelernt, mit Malerei - etwas später. Daher besteht kein Zweifel daran, dass Vertreter der russischen Avantgarde nicht nur bei allen Russen sehr beliebt und vertraut sind, sondern auch im Ausland bekannt sind, was für die Breite der russischen Avantgarde spricht.

Referenzliste

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Website www.Artonline.ru

Website www.krugosvet.ru

Artikel über Konstruktivismus www.countries.ru/library/art/konstruct. htm

Präsentation zum Thema: Ästhetik des Experiments und frühe russische Avantgarde

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Vortrag zum Thema:Ästhetik des Experiments und frühe russische Avantgarde

Folie Nummer 1

Beschreibung der Folie:

STAATLICHER HAUSHALT ALLGEMEINE BILDUNGSEINRICHTUNG DER REGION NOWOSIBIRSK "SEVERAGE EDUCATIONAL SCHOOL "REGIONAL CENTER OF EDUCATION". Thema: MHK Thema: Ästhetik des Experiments und die frühe russische Avantgarde Ausgeführt von: Alena Egoshina, Schülerin der 10. Klasse. 2010

Folie Nummer 2

Beschreibung der Folie:

Innovation in allen Bereichen der Kunst ist das Hauptmotto der Avantgarde. Avantgarde ist ein kollektives Konzept der „linksten“ experimentellen kreativen Strömungen in der Kunst des „Silbernen Zeitalters“. In Avantgarde-Bewegungen waren bei aller Vielfalt Neuheit und Mut üblich, die als Maß schöpferischer Begabung und Maßstab der Moderne galten. Gemeinsam war ihnen der naive Glaube der Künstler an den Beginn einer besonderen und ungewöhnlichen historischen Zeit – der Ära der Wundertechnologie, die die Beziehungen der Menschen untereinander und zur Umwelt verändern könnte. Das Problem der Nachfolge für die Anhänger der Avantgarde bestand sozusagen nicht. Realismus des 19. Jahrhunderts Es schien jungen Nihilisten eine „verfallene Maßnahme" zu sein, die die Meinungsfreiheit einschränkte. Zu den wichtigsten Strömungen und Figuren der Avantgarde gehören Fauvismus, Kubismus, abstrakte Kunst, Suprematismus, Futurismus, Dadaismus, Expressionismus, Konstruktivismus, metaphysische Malerei, Surrealismus, Naivität Kunst; Dodekaphonie und Aleatorik in der Musik, konkrete Poesie, konkrete Musik, kinetische Kunst.

Folie Nummer 3

Beschreibung der Folie:

Fauvismus. Fauvismus (von französisch fauve – wild) ist ein Trend in der französischen Malerei und Musik des späten 19. bis frühen 20. Jahrhunderts. Auf der Pariser Ausstellung von 1905 wurden Gemälde von Künstlern gezeigt, die beim Betrachter ein Gefühl von Energie und Leidenschaft hinterließen, das von den Gemälden ausging, einer der französischen Kritiker nannte diese Maler wilde Tiere. Der künstlerische Stil der Fauvisten war geprägt von der spontanen Dynamik des Pinselstrichs, dem Wunsch nach emotionaler Kraft des künstlerischen Ausdrucks, leuchtender Farbe, durchdringender Reinheit und scharfen Farbkontrasten, der Intensität offener Lokalfarben und der Schärfe des Rhythmus. Die Fauvisten ließen sich von den Postimpressionisten Van Gogh und Gauguin inspirieren, die die subjektiv intensive Farbe der für die Impressionisten charakteristischen weichen und natürlichen Farbe vorzogen.

Folie Nummer 4

Beschreibung der Folie:

Albert Matisse. Der Kopf dieser Schule ist Matisse, der mit optischer Farbe komplett gebrochen hat. Auf seinem Bild könnte die weibliche Nase durchaus grün sein, wenn ihr das Ausdruckskraft und Komposition verleiht. Matisse behauptete: „Ich male keine Frauen; Ich zeichne Bilder“.

Folie Nummer 5

Beschreibung der Folie:

Folie Nummer 6

Beschreibung der Folie:

K. S. MALEVICH Malevich war ein konsequenter Propagandist seiner eigenen Theorie. Mit der Zeit bildete sich um ihn herum eine Gruppe von Gleichgesinnten UNOVIS (Affirmers of the New Art). Die Kreationen russischer Avantgarde-Künstler zu Beginn des Jahrhunderts sprengten das veraltete pro-westliche visuelle Bewusstsein.

Folie Nummer 7

Beschreibung der Folie:

Folie Nummer 8

Beschreibung der Folie:

KUBISMUS Kubismus (fr. Cubisme) ist eine avantgardistische Strömung in der bildenden Kunst, vor allem in der Malerei, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts entstand und durch die Verwendung betont geometrisierter Bedingungsformen, dem Wunsch nach „Spaltung“ realer Formen gekennzeichnet ist Objekte in stereometrische Primitive.

Folie Nummer 9

Beschreibung der Folie:

Aristarkh Vasilyevich Lentulov Studium der Malerei an den Kunsthochschulen Pensa und Kiew, dann im Privatatelier von D. N. Kardovsky in St. Petersburg. 1910 wurde er einer der Organisatoren des Karo-Buben-Kunstvereins.Seit vorrevolutionären Zeiten hat Lentulov auch aktiv mit dem Theater zusammengearbeitet, indem er Aufführungen im Kammertheater (Shakespeares Die lustigen Weiber von Windsor, 1916), inszenierte Bolschoi-Theater (Prometheus von Scriabin, 1919) und andere.

Folie Nummer 10

Beschreibung der Folie:

P. P. KONCHALOVSKY In der Malerei war er ein Cezanne-Maler und hatte im Allgemeinen eine starke Anziehungskraft auf Europa, er sprach ausgezeichnet Französisch. Er erlebte auch den Einfluss seines Schwiegervaters V. I. Surikov, mit dem er zunächst zum Studium nach Spanien reiste, später arbeiteten sie in ganz Europa. In der Frühzeit versuchte der Künstler, die der russischen Volkskunst innewohnende Festlichkeit der Farbe mit Hilfe der konstruktiven Farbe von Paul Cezanne auszudrücken. Berühmt wurde er durch seine Stillleben, die oft in einem dem analytischen Kubismus nahestehenden Stil ausgeführt wurden.

Folie Nummer 11

Beschreibung der Folie:

Folie Nummer 12

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FUTURISMUS In der bildenden Kunst lehnte sich der Futurismus vom Fauvismus ab, indem er Farbfunde von ihm entlehnte, und vom Kubismus, von dem er künstlerische Formen übernahm, lehnte jedoch die kubische Analyse (Zerlegung) als Ausdruck des Wesens des Phänomens ab und strebte nach einer direkten Emotionalität Ausdruck der Dynamik der modernen Welt Die wichtigsten künstlerischen Prinzipien sind - Geschwindigkeit, Bewegung, Energie, die einige Futuristen versuchten, auf ziemlich einfache Weise zu vermitteln. Ihre Malerei zeichnet sich durch energische Kompositionen aus, wo die Figuren in Fragmente zersplittert sind und sich mit scharfen Ecken schneiden, wo flimmernde Formen, Zickzacks, Spiralen, abgeschrägte Kegel vorherrschen, wo Bewegung durch Überlagerung aufeinanderfolgender Phasen auf einem Bild übertragen wird - das sogenannte Prinzip der Gleichzeitigkeit.

Folie Nummer 13

Beschreibung der Folie:

Folie Nummer 14

Beschreibung der Folie:

VELEMIR KHLEBNIKOV Khlebnikov ist einer der anerkannten Führer der russischen Avantgarde zu Beginn des 20. Jahrhunderts, da er sich bewusst für den Aufbau einer neuen Kunst engagierte. Viele Futuristen, darunter Mayakovsky, nannten ihn ihren Lehrer; Es werden Vermutungen über den Einfluss von Khlebnikovs poetischer Sprache auf die Arbeit von Andrei Platonov, Nikolai Aseev und Boris Pasternak angestellt.Gleichzeitig blieb Khlebnikov oft im Schatten, da David Burliuk und Mayakovsky hauptsächlich an organisatorischen Aktivitäten beteiligt waren.einschließlich Kunst und Musik. Einige Forscher glauben allgemein, dass die Wahrnehmung der Ästhetik und Poetik der Avantgarde ohne sie unzureichend ist.

Folie Nummer 15

Beschreibung der Folie:

DODEKAPHONIE Eine der Kompositionstechniken des 20. Jahrhunderts. Kompositionsverfahren (theoretisch entwickelt von A. Schönberg), bei dem das musikalische Gewebe des Werkes aus einer 12-Ton-Reihe bestimmter Struktur abgeleitet wird und keiner der 12 Klänge der chromatischen Tonleiter wiederholt wird. Eine Reihe kann sowohl in horizontaler Darstellung (in Form eines Melodiethemas) als auch in vertikaler (in Form von Konsonanzen) oder beides gleichzeitig auftreten und ist im Entstehungsprozess der atonalen Musik entstanden. Es sind verschiedene Arten von Dodekaphontechniken bekannt. Von diesen haben die Methoden von Schönberg und J. M. Hauer die größte Bedeutung erlangt. Die Essenz der Schönberg-Methode der Dodekaphonie besteht darin, dass die melodischen Stimmen und Konsonanzen, die dieses Werk ausmachen, direkt oder letztendlich aus einer einzigen Quelle erzeugt werden – einer ausgewählten Sequenz aller 12 Klänge der chromatischen Tonleiter, interpretiert als Einheit. Diese Tonfolge wird Reihe genannt.Die Vertreter der Dodekaphonie sind Arnold Schönberg, Anton Webern, Alban Berg, J. M. Hauer, Hindemith, Igor Strawinsky, Schostakowitsch, Pierre Boulez usw.

Folie Nummer 16

Beschreibung der Folie:

Folie Nummer 17

Beschreibung der Folie:

Folie Nummer 18

Beschreibung der Folie:

Ästhetik des Experiments und frühe russische Avantgarde.

Eine neue Form bringt einen neuen Inhalt hervor. Kunst war immer frei vom Leben, und ihre Farbe hat nie die Farbe der Flagge über der Festung der Stadt widergespiegelt. V. Shklovsky.

Planen.

• Über modernistische Tendenzen in der Kunst zu Beginn des Jahrhunderts. Das Konzept der "Avantgarde".

• Kunstvereine und ihre Vertreter.

• Russische Avantgarde.

"Avantgarde"

• kommt von den französischen Wörtern "avant", was übersetzt "fortgeschritten" bedeutet, und "qarde" - "Ablösung".

• - eine konventionelle Bezeichnung europäischer künstlerischer Bewegungen des 20. Jahrhunderts, ausgedrückt in einer radikalen Erneuerung aller Kunstgattungen, ein modernistisches Unterfangen in der Kunst:

• Kubismus, Fauvismus, Futurismus, Expressionismus, Abstraktionismus (Anfang des Jahrhunderts), Surrealismus (20er und 30er), Aktionismus, Pop Art (Arbeiten mit Objekten), Konzeptkunst, Fotorealismus, Kinetismus (60er und 70er), Theater des Absurden, Elektronische Musik usw.

Avantgarde-Slogan:

• "Innovation in allen Bereichen der Kunst".

• Der naive Glaube der Künstler an den Beginn einer besonderen und ungewöhnlichen historischen Zeit ist die Ära der Wundertechnologie, die die Beziehung der Menschen untereinander und zur Umwelt verändern kann.

• Ablehnung der Normen des klassischen Bildes, Verformung von Formen, Ausdruck. Die Kunst der Avantgarde ist auf einen Dialog zwischen Künstler und Betrachter angelegt.

Künstlerische Vereinigungen

• Union der Moskauer Künstler "Karo-Bube".

• Das Thema als solches in seiner reinsten Form wurde als Grundlage ihrer Malerei genommen. Darüber hinaus ist das Thema stabil, „aus dem Nichts“ genommen, ohne jede Untertreibung oder philosophische Zweideutigkeit.

Die wichtigsten Vertreter und ihre Werke Union of Moscow Artists "Jack of Diamonds".

• Pjotr ​​Petrowitsch Konchalovsky (1876-1956) "Rückkehr von der Kirmes",

• "Flieder", "Trockenfarben"

• Ilja Iwanowitsch Maschkow (1881-1944) „Kamelie“, „Moskauer Essen:

• Brote",

• "Stilleben mit Magnolien"

• Alexander Kuprin (1880-1960) Pappeln, Fabrik, Stillleben,

• Industrielandschaften.

• Robert Rafailovich Falk (1886-1958) „Old Ruza“, „Neger“, „Bay in

• Sturmhaube"

• Aristarkh Vasilyevich Lentulov (1882-1943) "Klingeln", "In Iwerskaja",

• "Selbstportrait"

• "Cracking-Ölraffinerie",

• "Gemüse"

Malergruppe "Eselschwanz".

• Sie wandten sich dem Primitivismus zu, den Traditionen der russischen Ikonenmalerei und populären Drucken; Ein Teil der Gruppe stand dem Futurismus und dem Kubismus nahe.

• Michail Fjodorowitsch Larionow (1881-1964) "Provinzfranziha",

• "Ruhender Soldat", "Hahn",

• "Luchismus".

• Natalya Sergeevna Goncharova (1881-1962) "Bauern beim Äpfelpflücken",

• "Sonnenblumen", "Angeln",

• "Juden. Sabbat.

• Marc Chagall (1887-1985) „Ich und das Dorf“, „Geiger“,

• "Spaziergang",

• "Über der Stadt", "Heilige Familie".

• Vladimir Evgrafovich Tatlin (1885-1953) „Seemann“, „Das Modell“,

• "Gegenrelief",

• „Das Projekt des Denkmals III

• International",

• "Letatlin"

Michail Fjodorowitsch Larionow (1881-1964)

Natalia Sergejewna Gontscharowa (1881-1962)

Marc Chagall (1887-1985)

Wladimir Jewgrafowitsch Tatlin (1885-1953)

Russische Avantgarde.

• Formexperimente (Primitivismus, Kubismus) verbanden sich im Schaffen von Avantgarde-Vertretern mit der Suche nach neuen „Rhythmen der Zeit“. Der Wunsch, die Dynamik des Subjekts, sein "Leben" aus verschiedenen Blickwinkeln nachzubilden.

Die Hauptvertreter und ihre Arbeit:

• Wassily Wassiljewitsch Kandinsky (1866-1944) "Häuser in Murnau am Obermarkt",

• „Improvisation Klamm“, „Komposition

• VI", "Komposition VIII", "Dominant

• Kurve".

• Pavel Nikolaevich Filonov (1883-1941) "Bauernfamilie", "Gewinner

• Stadt", "Illustration für das Buch Velimir

• Khlebnikov", "Formel des Imperialismus",

• Frühlingsformel.

• Kasimir Sewerinowitsch Malewitsch (1878-1935) „Blumenmädchen“, „Dame an der Bushaltestelle

• Straßenbahn", "Kuh und Geige", "Flieger",

• "Suprematismus", "Mäher", "Bäuerin",

• "Schwarzer suprematistischer Platz".

Wassily Wassiljewitsch Kandinsky (1866-1944)

Pawel Nikolajewitsch Filonow (1883-1941)

Kasimir Sewerinowitsch Malewitsch (1878-1935)

Avantgarde in der Literatur (Poesie). Futurismus.

• Literarische und künstlerische Leitung des frühen 20. Jahrhunderts in Italien und Russland.

• Futuristen lehnten die Vergangenheit, die traditionelle Kultur in all ihren Erscheinungsformen verächtlich ab und besangen die Zukunft - die kommende Ära des Industrialismus, der Technologie, der hohen Geschwindigkeiten und des Tempos des Lebens.

• Die futuristische Malerei zeichnet sich durch "energetische" Kompositionen mit in Fragmente fragmentierten Figuren aus, sie wird dominiert von rotierenden, blitzenden, explosiven Zickzacks, Spiralen, Ellipsen, Trichtern.

• Eines der Grundprinzipien des futuristischen Bildes ist die Gleichzeitigkeit (Gleichzeitigkeit), d.h. Kombination verschiedener Bewegungsmomente in einer Komposition.

Ästhetik des Experiments und frühe russische Avantgarde

Avantgardistische Strömungen:

• Fauvismus Expressionismus Kubismus Futurismus Abstraktionismus Suprematismus
• Fauvismus Expressionismus Kubismus Futurismus Abstraktionismus Suprematismus
• Fauvismus
• Expressionismus
• Kubismus
• Futurismus
• Abstraktionismus
• Suprematismus

Alle Avantgarde-Bewegungen haben eines gemeinsam:

Sie leugnen die direkte Darstellung der Kunst, sie leugnen die kognitiven Funktionen der Kunst. Der Leugnung der Bildfunktionen folgt zwangsläufig die Leugnung der Formen selbst, der Ersatz eines Bildes oder einer Statue durch einen realen Gegenstand.

Die Geburt des Suprematismus aus den unlogischen Leinwänden Malewitschs kam am überzeugendsten in dem genannten Gemälde zum Ausdruck "Komposition mit Mona Lisa"

Die Offenbarung ereilte Malewitsch, als er an der zweiten Ausgabe der Broschüre „Sieg über die Sonne“ arbeitete. Mit der Anfertigung von Zeichnungen unternahm er den letzten Schritt auf dem Weg zur Gegenstandslosigkeit.

Die neugeborene Richtung blieb einige Zeit ohne Namen, dann schrieb Malewitsch eine Broschüre „Vom Kubismus zum Suprematismus“, in der er den Begriff „Suprematismus“ (vom lateinischen „suprem“ - „Überlegenheit“, „Dominanz“) erklärte. ). Mit diesem Wort wollte Malewitsch den Primat, die Dominanz der Farbe über alle anderen Bestandteile der Malerei fixieren. Dieses Heft-Manifest wurde am Eröffnungstag von „0.10“ (Null-Zehn) verteilt.

Das Hauptbild gab es "Schwarzes Quadrat"

Das „Schwarze Quadrat“ schien alle Formen und alle Farben der Welt zu absorbieren und sie auf eine plastische Formel zu reduzieren, die von der Polarität von Schwarz (vollständige Abwesenheit von Farbe und Licht) und Weiß (gleichzeitige Anwesenheit aller Farben und Licht) dominiert wird.

Betontes einfaches geometrisches Formzeichen, weder assoziativ noch plastisch noch ideologisch mit irgendeinem Bild, Objekt, Begriff verbunden, der bereits in der Welt vor ihm existierte, zeugte von der absoluten Freiheit des Künstlers.

„Der Suprematismus hatte in seiner historischen Entwicklung drei Stadien von Schwarz, Farbe und Weiß“, schrieb Malewitsch in seinem Buch „Suprematismus“.

Die schwarze Bühne begann mit drei Formen – einem Quadrat, einem Kreuz, einem Kreis.

Der Suprematismus erreichte 1918 sein letztes Stadium.

Malewitsch war ein mutiger Künstler, der den eingeschlagenen Weg zu Ende ging: Auf der dritten Stufe des Suprematismus verließ ihn auch die Farbe. Mitte 1918 entstanden Leinwände „Weiß auf Weiß“, auf denen weiße Formen im bodenlosen Weiß zu verschmelzen schienen.