Musikalische Romantik ist ein gemeinsames Merkmal. Die Musikkultur der Romantik: Ästhetik, Themen, Genres und Musiksprache

Begriff , Romantik ” kommt vom französischen Wort Romanticisme. Die Romantik ist eine künstlerische Bewegung, die im späten 18. und frühen 19. Jahrhundert zuerst in der Literatur und dann in der Musik entstand. Die Arbeit der Romantiker spiegelt die Erneuerung der Persönlichkeit, die Bekräftigung ihrer spirituellen Kraft und Schönheit, die individualistische Rebellion gegen das Spießertum, erhabene Lyrik und das Interesse an fantastischen Geschichten wider. In Bezug auf die Musik wurde dieser Begriff erstmals von E. T. A. Hoffmann erwähnt.

Die musikalische Romantik, die sich in den 20er Jahren des 19. Jahrhunderts spürbar manifestierte, zeigte eine Kontinuität zum Klassizismus (dem Werk von L. Beethoven). In der Instrumentalmusik wird der klassische Sonatenzyklus durch eine Kombination aus Sonatenzyklus und Variation ersetzt, die Miniaturform spielt eine wichtige Rolle: Etüden, Nocturnes, Walzer, Stücke mit Programminhalt. Es besteht die Tendenz, einzelne unterschiedliche Stücke zu Zyklen unter einem gemeinsamen Titel zusammenzufassen. Die Gattung der symphonischen Dichtung entwickelt sich. Die Rolle des Orchesters und des Leitmotivsystems wächst in der Oper, was sich am deutlichsten im Werk von R. Wagner manifestiert.

Die Spätromantik ist gekennzeichnet durch die Weiterentwicklung der Ausdruckskraft, Verfeinerung, emotionale Ausdruckskraft, die reichste Nutzung der klanglichen Möglichkeiten eines großen Sinfonieorchesters. Dies wiederum prägte das Aufkommen neuer Trends in der europäischen Musik - Impressionismus und Expressionismus.

In Deutschland manifestierte sich die Romantik zunächst in den Werken von K. Weber („Freischütze“) und F. Schubert (Gesangs-, Symphonie- und Klavierwerke). Später erzielten F. Mendelssohn und R. Schumann bedeutende Errungenschaften in den Genres Sinfonie, Klavier und Gesang. R. Wagner und I. Brahms wurden die größten Opern- und Sinfoniekomponisten des 19. Jahrhunderts. Als Komponisten-Antipoden verkörperten sie zwei Strömungen der reifen Romantik - die Anziehung zur Programmmusik, zur Ablehnung der klassischen Formen des Aufbaus eines musikalischen Werkes (Wagner) und die Romantik, äußerlich in strengere, akademische Formen gekleidet (Brahms), stärker verbunden mit dem klassischen Erbe der Vergangenheit. Die kraftvollen Traditionen der deutsch-österreichischen romantischen Symphonie wurden im letzten Drittel des 19. Jahrhunderts in den Werken von A. Bruckner, G. Mahler, R. Strauss fortgesetzt.

Das Vokalwerk von F. Schubert, R. Schumann, H. Wolf ist der Höhepunkt der Lied- und Liebesmusik der Epoche der Romantik. Unter den Gesangsformen wächst die Rolle der Ballade, der Szene und des Gedichts. Gesangsmelodie und Begleitung werden detaillierter und individueller, Lieder werden in vielen Fällen zu Zyklen zusammengefasst.

Mitte des 19. Jahrhunderts wurde Frankreich zur Hochburg der reifen Romantik und Paris zu ihrem spirituellen Zentrum. In Paris konzentrierte sich das kulturelle und musikalische Leben Europas. Das Werk des größten Komponisten, des Reformators des Sinfonieorchesters G. Berlioz, sowie die Traditionen der französischen „Grand Opera“ (J. Meyerbeer, F. Aubert) führten zur Weiterentwicklung der Romantik – in den Werken von C. Saint-Saens, S. Franck, J. Massenet, L. Delibes, A. Thomas und andere.

Auch die europäischen Nationalschulen leisteten einen wesentlichen Beitrag zur Bereicherung der Traditionen der Romantik. Zu den bekanntesten europäischen Komponisten der Romantik zählen F. Liszt (Ungarn), F. Chopin (Polen), N. Paganini, G. Rossini, V. Bellini, G. Donizetti (Italien), E. Grieg (Norwegen), K. Nielsen (Schweden), J. Sibelius (Finnland), E. Elgar (Großbritannien), A. Dvorak und B. Smetana (Tschechische Republik) M. de Falla und E. Granados (Spanien). In der russischen Musik können die Merkmale der Romantik in M. I. Glinka, P. I. Tschaikowsky, S. V. Rachmaninov, A. N. Skrjabin nachgezeichnet werden.

Der Realismus entstand Mitte des 19. Jahrhunderts als Gegenpol zur Romantik mit ihrer übersteigerten Idealisierung des inneren Erlebens des Einzelnen. Die Hauptmerkmale des Realismus sind die Darstellung realer Helden, Charaktere, Ereignisse und die Beziehung des Individuums zur Umwelt.

Der Einfluss des Realismus ist bereits in den Werken großer romantischer Komponisten zu spüren. B. Smetana und A. Dvorak wurden prominente Vertreter der Synthese von Romantik und Realismus. Merkmale des Realismus tauchten in den Werken von D. Verdi (La Traviata) und J. Bizet (Carmen) auf.

Ende des 19. Jahrhunderts tauchte in der Oper ein Trend des Verismus auf, der sich durch eindringliche Texte und Wahrhaftigkeit der Gefühle auszeichnete. Dieser Trend kam am deutlichsten in den Opern Cio-Cio-san von G. Puccini, Pagliacci von R. Leoncavalo, Andrei Chenier von W. Giordano und anderen zum Ausdruck.

Der Realismus war in Russland weit verbreitet. Die in der russischen Literatur niedergelegten Traditionen des "klassischen Realismus" wurden in den Werken von M. Glinka ("Ivan Susanin") und A. Dargomyzhsky (Romanzen) verkörpert. Die Komponisten von The Mighty Handful: A. Borodin, M. Mussorgsky, N. Rimsky-Korsakov sind die größten Vertreter des Realismus. Sie haben in die Musik einen neuen Kreis von Bildern eingeführt, die sowohl mit dem Alltag als auch mit großen historischen Ereignissen verbunden sind (Opern von M. Mussorgsky „Boris Godunov“ und „Chovanshchina“, N. Rimsky-Korsakovs „Die Zarenbraut“), mit großem Geschick offenbart spirituelle Erfahrungen des Individuums, wenn es mit der umgebenden Realität konfrontiert wird.

Die Entdeckung bisher der Kunst unzugänglicher Aspekte des Lebens verband sich mit der Suche nach neuen musikalischen Ausdrucksmitteln und einer Veränderung der musikalischen Sprache. Die Werke der größten russischen Komponisten des 20. Jahrhunderts – S. Prokofjew, D. Schostakowitsch, N. Myaskovsky, A. Khachaturian – spiegelten die historische Situation und die kolossalen sozialen Zusammenstöße des 20. Jahrhunderts wider. In Russland hat die symphonische und kammerinstrumentale Kreativität den größten Erfolg erzielt. Dennoch wurden Werke wie Opern und Ballette von S. Prokofjew („Romeo und Julia“, „Aschenputtel“, „Krieg und Frieden“) und D. Schostakowitsch („Katerina Izmailova“, „Die Nase“) zu glänzenden Errungenschaften der realistischen Musik .

Mit seinem Vernunftkult. Sein Auftreten hatte verschiedene Gründe. Die wichtigsten von ihnen - Enttäuschung über die Ergebnisse der Französischen Revolution das rechtfertigte die in sie gesetzten Hoffnungen nicht.

Für einen Romantiker Weltanschauung gekennzeichnet durch einen scharfen Konflikt zwischen Realität und Traum. Die Wirklichkeit ist niedrig und ungeistig, sie ist durchdrungen vom Geiste des Spießbürgertums, des Spießbürgertums und nur der Verleugnung wert. Ein Traum ist etwas Schönes, Perfektes, aber für den Verstand unerreichbares und unbegreifliches.

Die Romantik stellte der Prosa des Lebens das schöne Reich des Geistes, „das Leben des Herzens“, gegenüber. Romantiker glaubten, dass Gefühle eine tiefere Schicht der Seele bilden als der Verstand. Laut Wagner, "Der Künstler wendet sich dem Gefühl zu, nicht der Vernunft." Schumann sagte: "Der Verstand irrt, die Sinne nie." Es ist kein Zufall, dass die Musik zur idealen Kunstform erklärt wurde, die aufgrund ihrer Besonderheit die Bewegungen der Seele am vollständigsten zum Ausdruck bringt. Exakt Musik nahm in der Ära der Romantik einen führenden Platz im System der Künste ein.

Wenn in Literatur und Malerei die romantische Richtung ihre Entwicklung bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts im Wesentlichen abgeschlossen hat, dann ist das Leben der musikalischen Romantik in Europa viel länger. Die musikalische Romantik als Strömung entstand zu Beginn des 19. Jahrhunderts und entwickelte sich in enger Verbindung mit verschiedenen Strömungen in Literatur, Malerei und Theater. Die Anfangsphase der musikalischen Romantik wird durch die Arbeiten von E. T. A. Hoffmann, N. Paganini,; die nächste Stufe (1830-50er Jahre) - Kreativität,. Die Spätphase der Romantik reicht bis zum Ende des 19. Jahrhunderts.

Als Hauptproblem der romantischen Musik vorgebracht Persönlichkeitsproblem, und in einem neuen Licht - in seinem Konflikt mit der Außenwelt. Der romantische Held ist immer einsam. Das Thema Einsamkeit ist vielleicht das beliebteste in der gesamten romantischen Kunst. Sehr oft wird damit die Vorstellung eines kreativen Menschen verbunden: Ein Mensch ist einsam, wenn er gerade ein herausragender, begabter Mensch ist. Der Künstler, Dichter, Musiker sind die Lieblingsfiguren in den Werken der Romantik („Die Dichterliebe“ von Schumann mit dem Untertitel „Eine Episode aus dem Leben eines Künstlers“, Liszts Symphonische Dichtung „Tasso“).

Das tiefe Interesse an der menschlichen Persönlichkeit, das der romantischen Musik innewohnt, drückte sich in der Dominanz von aus persönlicher ton. Die Offenlegung des persönlichen Dramas, das oft von Romantikern übernommen wird Hinweis auf Autobiografie die der Musik eine besondere Aufrichtigkeit verliehen. So sind zum Beispiel viele mit der Geschichte seiner Liebe zu Clara Wieck verbunden. Der autobiografische Charakter seiner Opern wurde von Wagner stark betont.

Die Aufmerksamkeit für Gefühle führt zu einem Genrewechsel - der Dominante Position erwirbt Texte in denen Bilder der Liebe vorherrschen.

Sehr oft verflochten mit dem Thema "lyrische Beichte" Thema Natur. In Resonanz mit dem Geisteszustand einer Person, ist es normalerweise von einem Gefühl der Disharmonie geprägt. Die Entwicklung der Gattung und der lyrisch-epischen Symphonik ist eng mit den Naturbildern verbunden (eines der ersten Werke ist Schuberts „große“ Symphonie in C-Dur).

Die eigentliche Entdeckung romantischer Komponisten war Fantasy-Thema. Erstmals lernte die Musik, mit rein musikalischen Mitteln märchenhaft-phantastische Bilder zu verkörpern. In Opern des 17. – 18. Jahrhunderts sprachen „überirdische“ Gestalten (wie zB die Königin der Nacht) die „allgemein akzeptierte“ Musiksprache, die sich kaum von echten Menschen abhob. Komponisten der Romantik haben gelernt, die Fantasiewelt als etwas ganz Bestimmtes zu vermitteln (mit Hilfe ungewöhnlicher Orchester- und Harmonikfarben). Ein bemerkenswertes Beispiel ist die „Wolf Gulch Scene“ in The Magic Shooter.

Charakteristisch für die musikalische Romantik ist das Interesse an Volkskunst. Wie die romantischen Dichter, die die literarische Sprache auf Kosten der Folklore bereicherten und aktualisierten, wandten sich die Musiker weitgehend der nationalen Folklore zu - Volkslieder, Balladen, Epen (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin und andere). Sie verkörperten die Bilder der nationalen Literatur, der Geschichte und der einheimischen Natur, stützten sich auf die Intonationen und Rhythmen der nationalen Folklore und belebten die alten diatonischen Modi. Unter dem Einfluss der Folklore hat sich der Inhalt der europäischen Musik dramatisch verändert.

Neue Themen und Bilder erforderten die Entwicklung von Romantikern neue Mittel der musikalischen Sprache und die Prinzipien der Formgebung, Individualisierung der Melodie und Einführung von Sprachintonationen, Erweiterung der Klangfarbe und harmonischen Palette der Musik ( natürliche Bünde, bunte Nebeneinanderstellungen von Dur und Moll usw.).

Denn im Mittelpunkt der Romantik steht nicht mehr die Menschheit als Ganzes, sondern ein bestimmter Mensch mit seinem jeweils einzigartigen Empfinden und in den Ausdrucksmitteln weicht das Allgemeine immer mehr dem Individuellen, individuell Einmaligen. Der Anteil verallgemeinerter Intonationen in der Melodie, allgemein verwendeter Akkordfolgen in der Harmonie und typischer Muster in der Textur nimmt ab – all diese Mittel werden individualisiert. In der Orchestrierung wich das Prinzip der Ensemblegruppen dem Solospiel fast aller Orchesterstimmen.

Der wichtigste Punkt Ästhetik musikalische Romantik war die Idee der Kunstsynthese, die in und in ihren lebendigsten Ausdruck fand Programmmusik Berlioz, Schumann, Liszt.

Der Artikel untersucht das Problem der Manifestation musikalischer Romantik in der europäischen Kulturgeschichte des 19. Jahrhunderts. Der Autor weist darauf hin, dass Musik einen besonderen Platz in der Ästhetik der Romantik einnimmt, die in der Lage ist, die innere Welt und Gefühle der Menschen zu vermitteln. Das Werk des polnischen romantischen Komponisten Fryderyk Chopin, der versuchte, den nationalen Geist des polnischen Volkes widerzuspiegeln, gilt als einer der hellsten Vertreter. Die Themen Freiheit, Liebe zum Vaterland, Mensch standen bei Chopin im Mittelpunkt. Forscher sehen in seiner Musik einen enormen psychologischen Reichtum der menschlichen Geisteswelt. Die romantischen Anfänge kamen auch im Werk von Robert Schumann, einem deutschen Komponisten und Musikkritiker, der zu Recht als Sprecher der Ästhetik der Romantik gilt, deutlich zum Ausdruck. Für die Texte seiner Werke wählte Schumann die Werke der besten romantischen Dichter seiner Zeit aus. Themen wie Einsamkeit, tragische Liebe, Trauer und Ironie werden zum Ausdruck der romantischen Gefühlsstruktur. Auch der französische Komponist und Dirigent Hector Berlioz war ein Vertreter der Romantik. Berlioz führte mutig Innovationen auf dem Gebiet der musikalischen Form, der Harmonie, die von der Theatralisierung der symphonischen Musik angezogen wurden, in den großen Umfang seiner Kompositionen ein. Berlioz ging als Schöpfer der programmatischen symphonischen Romantik in die Musikgeschichte ein. Im symphonischen Genre offenbart Berlioz erstmals die komplexe und widersprüchliche Welt des romantischen Helden. Franz Liszt ist ein ungarischer Komponist, Pianist und Dirigent, dessen Werk die Ideen der Romantik widerspiegelt. Er trug zur Gründung vieler nationaler Musikschulen bei. Sein kreatives Erbe ist riesig. So schuf er das Oratorium „Faust-Symphonie“, 13 sinfonische Dichtungen, 19 Rhapsodien, Walzer, Etüden und etwa 70 weitere Musikwerke. In seinem Spiel verband sich Virtuosität mit Poesie und Dramatik. So leitete die Liebe zur Natur, zum Menschen, zur Bewunderung für ihn und dann zu ihrer Vergöttlichung die kreative Inspiration des Künstlers. Romantiker versuchten, das Spirituelle zu begreifen, sie widersetzten sich dem Gefühl des Geistes, der feurigen Vorstellungskraft, dem freien Spiel der Fantasie. Freiheit ist der Gott dieser Ära, dank der sich ein Mensch nach Ansicht der Romantiker über sich selbst und seine Umgebung erheben kann.

Inspiration

Symphonie

Konferenzliste

Hektor Berlioz

Robert Schuman

Frederic Chopin

Romantik

1. Grinenko G.V. Lesebuch zur Geschichte der Weltkultur: Lehrbuch. - M.: Hochschulbildung, 2005. 940er.

2. Kulturologie. Geschichte der Weltkultur. Leser: Lehrbuch. Zuschuss für Studenten. - M.: UNITI - DANA, 2008.607s.

3. Rubinstein A.G. Literarisches Erbe: In 3 Bänden T.1. - M.: Musik, 1986.222s.

4. Sadochin A.P. Weltkunstkultur: ein Lehrbuch für Universitätsstudenten. - M.: UNITI - DANA, 2006.495s.

5. Shevchuk M. A. Romantik in Kultur und russischer Musik in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. - St. Petersburg: Info-da, 2003.356s.

Stichworte: Romantik, Musik, Fryderyk Chopin, Robert Schumann, Hector Berlioz, Franz Liszt, Sonate, Symphonie, Inspiration.

Unter „Romantik“ (übersetzt aus dem französischen „romantisme“) versteht man üblicherweise die ideologische und künstlerische Richtung in der europäischen Geisteskultur des späten 18. – ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts, die den Klassizismus ablöste. Die Neubewertung gesellschaftlicher Werte, die Enttäuschung über die Ideale der Vergangenheit sind charakteristisch für das Weltbild der Romantik, die sich dem Schicksal des Menschen in einer sich verändernden Welt zuwandte. Die Hauptmerkmale der Romantik: betonte Aufmerksamkeit für die menschliche Persönlichkeit, Individualität, die innere Welt einer Person; das Bild eines außergewöhnlichen Charakters in außergewöhnlichen Umständen, eine starke, rebellische Persönlichkeit, frei im Geiste, unversöhnlich mit der Welt, meistens ist es ein Einzelgänger, der von den meisten anderen Menschen nicht verstanden wird; Kult der Gefühle, Natur und Naturzustand des Menschen; Leugnung von Rationalismus, Vernunftkult und Ordnung; die Existenz von "zwei Welten": die Welt des Ideals, die Welt der Träume und die Welt der Realität, zwischen denen eine irreparable Diskrepanz besteht, die romantische Künstler in eine Stimmung der Verzweiflung und Hoffnungslosigkeit führt, "Welttrauer"; Berufung auf Volksgeschichten, Folklore; Interesse an der historischen Vergangenheit, die Suche nach historischem Bewusstsein.

Die Romantik als kulturelles Phänomen zeichnete sich durch eine außergewöhnliche Vielseitigkeit aus, die sich in Form einer besonderen Richtung in Malerei, Literatur, Musik und Theater manifestierte. Wenn in Literatur und Malerei die romantische Richtung ihre Entwicklung im Wesentlichen bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts abgeschlossen hat, dann hat die Romantik in der Musik länger Bestand. In der Ästhetik der Romantik nahm die Musik einen besonderen Platz ein. Die Romantik lehnte den Vernunftkult ab und versuchte, die Sinne zu beeinflussen, was am besten durch Musik erreicht wird. Ohne irgendeine andere Form zu imitieren, ist Musik besser als jede andere Art von Kunst in der Lage, Wünsche, Stimmungen, Gefühlsverwirrungen, emotionale Erfahrungen und die spirituelle Welt eines Menschen auszudrücken. Die rasante Konfliktentwicklung der Gesellschaft, die wachsende Dramatik sowie die subtile Lyrik persönlicher Gefühle fanden ihren Ausdruck in verschiedenen menschlichen Musikgenres. Das Hauptproblem der musikalisch-romantischen Kunst ist das Persönlichkeitsproblem, sein Konflikt mit der Außenwelt. Im Vordergrund der Musikkultur der Romantik steht das Lied als eine Gattung, die besser als andere geeignet ist, die innersten Gedanken des Künstlers auszudrücken. Dementsprechend verändert sich das gesamte System der musikalischen Gattungen: Das Lied unterwirft sich von nun an der Oper, Sinfonie, Sonate, die weiter bestehen, aber bereits in intonatorischem Gehalt. Der intim-vertrauliche Ton des Statements transformiert diese Genres, sie werden miniaturisierter. Die intonatorische Seite der Musik der Romantik wurde im Allgemeinen vom poetischen Stil beeinflusst. Daher verdanken viele Musikgenres, die im 19. Jahrhundert auftauchten, ihren Ursprung der Poesie, ihren poetischen Formen, zum Beispiel Sonette, Lieder ohne Worte, Nocturnes, Balladen. Die großen Namen der Musikkultur Europas im 19. Jahrhundert: Robert Schumann und Richard Wagner, Hector Berlioz, Franz Liszt, Fryderyk Chopin, Franz Schubert.

Das Werk des polnischen romantischen Komponisten Fryderyk Chopin ist mit den Traditionen des polnischen Volkes verbunden, mit dem Wunsch, den nationalen Geist des polnischen Volkes widerzuspiegeln. Die Themen Freiheit, Liebe zum Vaterland, Mensch standen bei Chopin im Mittelpunkt. In den Werken des Komponisten dominiert das Bild des Mutterlandes, das im Klang seiner Mazurkas und Polonaisen zu hören ist. Der Komponist nutzt den Rhythmus und die Art der Bewegung von Volkstänzen, um ziemlich komplexe Gefühle zu vermitteln und unterschiedliche musikalische Bilder zu schaffen. Chopin schuf neue Genres der Klaviermusik: Nocturnes, Fantasien, Präludien, Improvisationen sowie romantische musikalische Miniaturen. Sie vermitteln Subtilität und Tiefe der Gefühle, melodische Schönheit, lebendige Bildsprache der Musik, Virtuosität und Durchdringung, die Chopins künstlerischen Fähigkeiten eigen sind. Der polnische Komponist schrieb 2 Konzerte, 3 Sonaten, 4 Balladen, ein Scherzo, mehrere Impromptu, Nocturnes, Etüden und Lieder. F. Chopin schuf im Gegensatz zu anderen Komponisten Werke nur für Klavier. Forscher sehen in seiner Musik einen enormen psychologischen Reichtum der menschlichen Geisteswelt. "Tragismus, Romantik, Lyrik, heroisch, dramatisch, fantastisch, aufrichtig, herzlich, verträumt, brillant, majestätisch, Einfachheit - im Allgemeinen finden sich alle möglichen Ausdrücke in seinen Schriften ...". Die romantischen Anfänge kamen auch im Werk von Robert Schumann, einem deutschen Komponisten und Musikkritiker, der zu Recht als Sprecher der Ästhetik der Romantik gilt, deutlich zum Ausdruck. Robert Schumann ist Schöpfer von Klavierzyklen („Schmetterlinge“, „Karneval“, „Fantastische Stücke“, „Kreisleriana“), lyrisch-dramatischen Vokalzyklen, der Oper „Genovena“, dem Oratorium „Paradies und Peri“ sowie viele andere Werke. Der Zyklus zu Heines Gedichten „Die Liebe eines Dichters" ist eine Verschmelzung von Musik und Poesie, er gibt die poetischen Bilder, die der große Dichter geschaffen hat, genau wieder, die romantische Ironie Schumanns kommt zum Ausdruck. Seine Kompositionen sind geprägt von romantischem Aufbruch und Leidenschaft . Für die Texte seiner Werke wählte Schumann die Werke der besten romantischen Dichter seiner Zeit aus. Themen wie Einsamkeit, tragische Liebe, Trauer und Ironie werden zum Ausdruck der romantischen Gefühlsstruktur. Die Ideen der Romantik in der Musik lassen sich auch im Werk des berühmten österreichischen Komponisten Franz Schubert nachvollziehen, dem Schöpfer romantischer Lieder, Balladen, Klavierminiaturen und Symphonien, der sich durch die Tiefe der Verkörperung von Gefühlen auszeichnet. Die Musik des Komponisten zeichnet sich durch einen Reichtum an Melodien, eine lebendige Bildsprache und eine fast sichtbare musikalische Bildlichkeit aus. Sein Vermächtnis ist geprägt von einer großen Vielfalt unterschiedlicher musikalischer Formen. Schuberts Lieder sind Meisterwerke musikalischer Miniaturen lyrischen und psychologischen Inhalts („Ave Maria“, „Serenade“, „Waldkönig“). Schubert schuf etwa 600 Lieder zu den Versen von I.V. Goethe, F. Schiller, G. Heine, W. Scott und Shakespeare, die sich durch die Subtilität auszeichnen, den schwer fassbaren Wechsel der Gefühle eines einsamen, leidenden Menschen zu vermitteln. „Gesang“ ist auch in seinen symphonischen Werken zu hören, insbesondere in der „Unvollendeten Symphonie“, deren Merkmal die Neuheit der Konstruktion (sie hat zwei statt vier Teile), die Aufrichtigkeit, das Vertrauen und den Kontrast musikalischer Bilder ist.

Der Vertreter der Romantik war auch der französische Komponist und Dirigent Hector Berlioz, der die musikalischen Werke "Fantastic Symphony", "Requiem", "Funeral-Triumphal Symphony", Opera - Dilogy "Trojans" besitzt. Berlioz führte mutig Innovationen auf dem Gebiet der musikalischen Form, der Harmonie, die von der Theatralisierung der symphonischen Musik angezogen wurden, in den großen Umfang seiner Kompositionen ein. So lernte er auf den Straßen von Paris mit den Menschen Revolutionslieder ein, insbesondere die Marseillaise, die er für Chor und Orchester arrangierte. Berlioz ging als Schöpfer der programmatischen symphonischen Romantik in die Musikgeschichte ein. Im symphonischen Genre offenbart Berlioz erstmals die komplexe und widersprüchliche Welt des romantischen Helden. Franz Liszt ist ein ungarischer Komponist, Pianist und Dirigent, dessen Werk die Ideen der Romantik widerspiegelt. Er trug zur Gründung vieler nationaler Musikschulen bei. Sein kreatives Erbe ist riesig. So schuf er das Oratorium „Faust-Symphonie“, 13 sinfonische Dichtungen, 19 Rhapsodien, Walzer, Etüden und etwa 70 weitere Musikwerke. In seinem Spiel verband sich Virtuosität mit Poesie und Dramatik. Liszt verlieh dem Klavier einen orchestralen Klang und machte es von einem Salonkammerinstrument zu einem Instrument für ein Massenpublikum. Ein Zeitgenosse des Komponisten beschreibt Liszts Auftritt bei einem der Konzerte wie folgt: „Die Art seines Spiels war hektisch, sehr schnell, aber durch die Flut düsterer Inspiration zuckten von Zeit zu Zeit geniale Blitze ... sie könnte mit goldenen Sternen verglichen werden, die ständig einem monströsen Feuer der Leidenschaft entfliehen." Der romantische Trend ist im Werk des deutschen Komponisten, Dirigenten und Reformators der Opernkunst Richard Wagner vertreten. Er ist Autor von Opernlibretti, Dramen, musikalischen und theoretischen Werken, Studien zur Kunstgeschichte, Artikeln zu Politik und Philosophie. Seine Opern wie „Rienzi“, „Tannhäuser“, „Der fliegende Holländer“, „Tristan und Isolde“ und andere musikalische Werke sind weithin bekannt. Spengler O. schreibt über Wagner: „Farben der sternenklaren Mitternacht, sich dehnende Wolken, Herbst, furchtbar trübe Morgendämmerung, unerwartete Ausblicke in sonnendurchflutete Fernen, Weltangst, Schicksalsnähe, Ängstlichkeit, Verzweiflungsausbrüche, plötzliche Hoffnungen, Eindrücke das keiner der einstigen Musiker wäre nicht als erreichbar anzusehen – all das malt er mit vollkommener Klarheit in mehreren Tönen eines Motivs.

Ein Merkmal der Musiker der Vergangenheit war, dass sie in der Essenz der spirituellen Grundlagen der Musik - ihrer Zukunft - sahen. R. Wagner, der die Kunst der Zukunft als synthetisch, als Mysterium darstellte, betrachtete das Wesen der Musik als einen Weg vom Unbewussten zum Bewussten. Er sah diesen Prozess als Lebensweg eines Künstlers - eines Schöpfers, der die Welt widerspiegelt. Dieser Trend setzte sich in der Romantik fort, die das geistige Bild des "zentralen Weltmenschen", der idealen Persönlichkeit des Schöpfers, des Genies, prägte.

Die Liebe zur Natur, zum Menschen, die Bewunderung für ihn und dann ihre Vergöttlichung leiteten die kreative Inspiration des Künstlers. Romantiker versuchten, das Spirituelle zu begreifen, sie widersetzten sich dem Gefühl des Geistes, der feurigen Vorstellungskraft, dem freien Spiel der Fantasie. Freiheit ist der Gott dieser Ära, dank der sich ein Mensch nach Ansicht der Romantiker über sich selbst und seine Umgebung erheben kann. Beachten Sie, dass die Komponisten der Ära der Romantik der Stolz sowohl der europäischen als auch der Weltkultur sind.

Bibliographischer Link

Magafurova L.S. MUSIKALISCHE ROMANTIK IN DER GESCHICHTE DER EUROPÄISCHEN KULTUR DES 19. JAHRHUNDERTS // International Student Scientific Bulletin. - 2017. - Nr. 5.;
URL: http://eduherald.ru/ru/article/view?id=17355 (Zugriffsdatum: 24.11.2019). Wir machen Sie auf die Zeitschriften des Verlags "Academy of Natural History" aufmerksam

Französisch Romantik

Eine künstlerische Bewegung, die im späten 18. und frühen 19. Jahrhundert entstand. zuerst in der Literatur (Deutschland, Großbritannien, andere Länder Europas und Amerika), dann in der Musik und anderen Künsten. Der Begriff „Romantik“ kommt vom Beinamen „romantisch“; vor dem 18. Jahrhundert Er wies auf einige Merkmale literarischer Werke hin, die in romanischen Sprachen (d. h. nicht in den Sprachen der klassischen Antike) verfasst wurden. Dies waren Romanzen (spanische Romanze) sowie Gedichte und Romane über Ritter. Im con. 18. Jahrhundert „Romantik“ wird weiter gefasst: nicht nur als abenteuerlich, unterhaltsam, sondern auch als uralt, ursprünglich, volkstümlich, distanziert, naiv, fantastisch, spirituell erhaben, gespenstisch sowie erstaunlich, beängstigend. „Romantiker romantisierten alles, was ihnen aus der jüngeren und fernen Vergangenheit gefiel“, schrieb F. Blume. Sie nehmen das Werk von Dante und W. Shakespeare, P. Calderon und M. Cervantes, J. S. Bach und J. W. Goethe als „ihr eigenes“ wahr, viel in der Antike; Sie fühlen sich auch von der Poesie von Dr. Östliche und mittelalterliche Minnesänger. F. Schiller nannte seine „Jungfrau von Orleans“ aufgrund der oben genannten Merkmale eine „romantische Tragödie“, und in den Bildern von Mignon und Harper sieht er die Romantik von Goethes „Wilhelm Meisters Lehrjahren“.

Romantik taucht als literarischer Begriff erstmals bei Novalis auf, als musikalischer Begriff bei E. T. A. Hoffmann. Inhaltlich unterscheidet es sich jedoch nicht sehr von dem entsprechenden Epitheton. Romantik war nie ein klar definiertes Programm oder Stil; Dies ist eine breite Palette ideologischer und ästhetischer Trends, in denen die historische Situation, das Land und die Interessen des Künstlers bestimmte Akzente setzten und verschiedene Ziele und Mittel bestimmten. Die romantische Kunst verschiedener Formationen weist jedoch auch wichtige Gemeinsamkeiten sowohl in der ideologischen Position als auch im Stil auf.

Die Romantik, die viele ihrer fortschrittlichen Züge von der Aufklärung geerbt hat, ist gleichzeitig mit tiefer Enttäuschung sowohl über die Aufklärung selbst als auch über die Erfolge der gesamten neuen Zivilisation als Ganzes verbunden. Für die Frühromantiker, die die Folgen der Französischen Revolution noch nicht kannten, war der allgemeine Prozess der Rationalisierung des Lebens, seine Unterordnung unter eine durchschnittliche nüchterne „Vernunft“ und seelenlose Praktikabilität enttäuschend. In der Zukunft, besonders in den Jahren des Kaiserreichs und der Restauration, wurde die gesellschaftliche Bedeutung der Position der Romantiker – ihrer Antibürgerlichkeit – immer klarer umrissen. Nach F. Engels „erweisen sich die durch den Sieg der Vernunft geschaffenen öffentlichen und politischen Institutionen als böse, bitter enttäuschende Karikatur der glänzenden Versprechungen der Aufklärer“ (Marx K. und Engels F., Über die Kunst, Bd. 1, M., 1967, S. 387).

Im Werk der Romantiker verbindet sich die Erneuerung der Persönlichkeit, die Bejahung ihrer geistigen Kraft und Schönheit mit der Entblößung des Spießbürgertums; vollwertiger Mensch, kreativ ist im Gegensatz zu mittelmäßig, unbedeutend, versunken in Eitelkeit, Eitelkeit, kleinlichem Kalkül. Zur Zeit von Hoffmann und J. Byron, V. Hugo und George Sand, H. Heine und R. Schumann war die Gesellschaftskritik an der bürgerlichen Welt zu einem der Hauptelemente der Romantik geworden. Auf der Suche nach Quellen spiritueller Erneuerung idealisierten Romantiker oft die Vergangenheit und versuchten, religiösen Mythen neues Leben einzuhauchen. So entstand ein Widerspruch zwischen der allgemein progressiven Ausrichtung der Romantik und den konservativen Tendenzen, die in ihrem eigenen Kanal entstanden. In der Arbeit romantischer Musiker spielten diese Tendenzen keine nennenswerte Rolle; sie manifestierten sich hauptsächlich in den literarischen und poetischen Motiven einiger Werke, bei der musikalischen Interpretation solcher Motive überwog jedoch meist das lebendige, realmenschliche Prinzip.

Die Musikromantik, die sich im zweiten Jahrzehnt des 19. Jahrhunderts spürbar manifestierte, war ein historisch neues Phänomen und offenbarte gleichzeitig eine tiefe, sukzessive Verbundenheit mit musikalischen Klassikern. Das Schaffen herausragender Komponisten der Vorzeit (darunter nicht nur die Wiener Klassik, sondern auch die Musik des 16. und 17. Jahrhunderts) diente als Stütze für die Pflege eines hohen künstlerischen Ranges. Diese Art von Kunst wurde zum Vorbild für die Romantiker; „nur diese reine Quelle kann die Kräfte der neuen Kunst nähren“, so Schumann („Von Musik und Musikern“, Bd. 1, M., 1975, S. 140). Und das ist verständlich: Nur das Hohe und Perfekte konnte dem musikalischen Geschwätz eines weltlichen Salons, der spektakulären Virtuosität der Bühne und der Opernbühne und dem gleichgültigen Traditionalismus handwerklicher Musiker erfolgreich entgegentreten.

Die musikalischen Klassiker der Nach-Bach-Ära dienten inhaltlich als Grundlage der musikalischen Romantik. Beginnend mit C. F. E. Bach, in dem sich das Element des Gefühls immer freier manifestierte, beherrschte die Musik neue Mittel, die es ermöglichten, sowohl die Kraft als auch die Subtilität des Gefühlslebens auszudrücken, die Lyrik in ihrer individuellen Version. Diese Bestrebungen machten sich viele Musiker in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts verbunden. mit der literarischen Bewegung Sturm und Drang. Hoffmanns Haltung zu K. V. Gluck, W. A. Mozart und insbesondere zu L. Beethoven als Künstler eines romantischen Lagerhauses war ganz natürlich. Solche Einschätzungen spiegelten nicht nur die Vorliebe für romantische Wahrnehmung wider, sondern auch die Aufmerksamkeit für die Merkmale der "Vorromantik", die den großen Komponisten der zweiten Hälfte des 18. und frühen 19. Jahrhunderts tatsächlich innewohnten.

Die Musikromantik wurde auch historisch durch die ihr vorangegangene Bewegung der Literaturromantik in Deutschland unter den „Jenischen“ und „Heidelberger“ Romantikern (W. G. Wackenroder, Novalis, Brüder F. und A. Schlegel, L. Tieck, F. Schelling, L . Arnim, C. Brentano und andere), von dem ihnen nahestehenden Schriftsteller Jean Paul, später von Hoffmann in Großbritannien, von den Dichtern der sogenannten. Die „Lake-Schule“ (W. Wordsworth, S. T. Coleridge und andere) hatte bereits die allgemeinen Prinzipien der Romantik vollständig entwickelt, die dann auf ihre Weise in der Musik interpretiert und entwickelt wurden. In der Zukunft wurde die musikalische Romantik maßgeblich von Schriftstellern wie Heine, Byron, Lamartine, Hugo, Mickiewicz und anderen beeinflusst.

Zu den wichtigsten Schaffensbereichen romantischer Musiker gehören Lyrik, Fantasy, Folk und National Original, Natürlich, Charakteristisch.

Die überragende Bedeutung der Lyrik in der Romantik. Kunst, insbesondere in der Musik, wurde von ihm grundlegend begründet. R. Theoretiker Für sie ist „romantisch“ in erster Linie „musikalisch“ (in der Musikhierarchie wurde der ehrenhafteste Platz in der Kunsthierarchie eingeräumt), weil in der Musik das Gefühl an erster Stelle steht und daher das Werk eines romantischen Künstlers sein höchstes Ziel findet drin. Musik ist also der Text. Im abstrakten philosophischen Aspekt, nach der Theorie von lit. R., lässt eine Person mit der „Seele der Welt“, mit dem „Universum“ verschmelzen; im Hinblick auf das konkrete Leben ist die Musik ihrem Wesen nach der Antipode der Prosa. In Wirklichkeit ist es die Stimme des Herzens, die in der Lage ist, mit höchster Vollständigkeit über einen Menschen, seinen spirituellen Reichtum, sein Leben und seine Bestrebungen zu sprechen. Deshalb im Bereich der Musentexte. R. gehört zum hellsten Wort. Lyrik, Unmittelbarkeit und Ausdruck, Individualisierung der Lyrik durch romantische Musiker waren neu. Aussagen, die Übertragung von psychologischen. die Entwicklung eines Gefühls voller neuer wertvoller Details in allen Phasen.

Belletristik als Gegensatz zur Prosa. die realität ist den texten verwandt und oft, besonders in der musik, mit letzteren verflochten. Die Fantasie offenbart an sich verschiedene Facetten, die für R gleichermaßen wesentlich sind. Sie fungiert als Freiheit der Vorstellungskraft, als freies Gedanken- und Gefühlsspiel und zugleich. als Freiheit des Wissens, die sich kühn in die Welt des "fremden", wunderbaren, unbekannten, wie gegen spießbürgerliche Sachlichkeit, elenden "gesunden Menschenverstand" stürzenden. Fantasie ist auch eine Art romantische Schönheit. Gleichzeitig ermöglicht Science-Fiction in indirekter Form (und damit mit maximaler künstlerischer Verallgemeinerung) das Aufeinanderprallen von Schönem und Hässlichem, Gutem und Bösem. In der Kunst. R. hat einen großen Beitrag zur Entwicklung dieses Konflikts geleistet.

Das Interesse der Romantiker am Leben "draußen" ist untrennbar mit dem allgemeinen Konzept solcher Konzepte wie Volks- und Nationalidentität, natürlich, charakteristisch verbunden. Es war ein Wunsch, die Authentizität, den Primat und die Integrität, die in der umgebenden Realität verloren gegangen sind, wiederherzustellen; daher das Interesse an der Geschichte, an der Folklore, dem Kult der Natur, interpretiert als ursprünglich, als die vollständigste und unverfälschteste Verkörperung der "Seele der Welt". Für einen Romantiker ist die Natur ein Zufluchtsort vor den Wirren der Zivilisation, sie tröstet und heilt einen unruhigen Menschen. Romantiker leisteten einen großen Beitrag zum Wissen, zur Kunst. Wiederbelebung der Menschen Poesie und Musik vergangener Epochen sowie „ferner“ Länder. R. ist, so T. Mann, „eine Sehnsucht nach Vergangenem und zugleich eine realistische Anerkennung des Anspruchs auf Originalität für alles, was jemals wirklich mit eigener Lokalfarbe und Atmosphäre existiert hat“ (Coll. soch., v 10, M., 1961, S. 322), begann im Vereinigten Königreich im 18. Jahrhundert. Sammlung nationaler Folklore wurde im 19. Jahrhundert fortgesetzt. W. Scott; in Deutschland waren es die Romantiker, die als erste die Schätze der Hochbetten sammelten und öffentlich machten. Kreativität seines Landes (Sammlung von L. Arnim und K. Brentano „Das Zauberhorn eines Knaben“, „Kinder- und Familienmärchen“ von Bruder Grimm), die für die Musik von großer Bedeutung war. Der Wunsch nach einer originalgetreuen Weitergabe des national-nat. Künste. Stil ("Lokalkolorit") - ein gemeinsames Merkmal romantischer Musiker aus verschiedenen Ländern und Schulen. Dasselbe lässt sich über die Musik sagen. Landschaft. Erstellt in diesem Bereich von Komponisten 18 - früh. 19. Jahrhundert von den Romantikern weit übertroffen. In der Musik als Verkörperung der Natur erreichte R. eine bisher unbekannte figurative Konkretheit; Dies wurde von den neu entdeckten Expressen bedient. Mittel der Musik, vor allem harmonisch und orchestral (G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner).

"Charakteristisch" zog Romantiker in einigen Fällen als originell, integral, originell, in anderen als seltsam, exzentrisch, karikiert an. Das Merkmal wahrzunehmen, es freizulegen bedeutet, den nivellierenden Grauschleier der gewöhnlichen Wahrnehmung zu durchbrechen und das wirkliche, bizarr bunte und brodelnde Leben zu berühren. Im Streben nach diesem Ziel wird eine für Romantiker typische Art-in-lit. und Musik. Porträtmalerei. Ein solcher Anspruch war oft mit der Kritik des Künstlers verbunden und führte zur Entstehung parodistischer und grotesker Porträts. Von Jean Paul und Hoffmann geht die Tendenz zur charakteristischen Porträtskizze auf Schumann und Wagner über. In Russland nicht ohne den Einfluss der Romantik. musikalische Traditionen. Portraitmalerei entwickelt unter Komponisten nat. realistisch. Schulen - von A. S. Dargomyzhsky bis M. P. Mussorgsky und N. A. Rimsky-Korsakov.

R. entwickelte Elemente der Dialektik in der Deutung und Darstellung der Welt und stand ihm in dieser Hinsicht nahe. klassisch Philosophie. Im Anzug wird das Verständnis für die Beziehung zwischen dem Einzelnen und dem Allgemeinen verbessert. Nach F. Schlegel romantisch. Poesie ist „allgemein“, sie „enthält alles Poetische, vom größten System der Künste, das wiederum ganze Systeme umfasst, bis zum Seufzer, bis zum Kuss, wie sie sich ausdrücken in dem ungekünstelten Kinderlied“ („Fr. Schlegels Jugendschriften“, hrsg von J. Minor, Bd 2, S. 220). Grenzenlose Vielfalt mit Hidden ext. Einigkeit - darauf legen zum Beispiel Romantiker Wert. in Don Quijote von Cervantes; „Die Musik des Lebens“ nennt F. Schlegel den bunten Stoff dieses Romans (ebd., S. 316). Dies ist ein Roman mit "offenen Horizonten" - bemerkt A. Schlegel; nach seiner Beobachtung greift Cervantes zu „endlosen Variationen“, „als wäre er ein raffinierter Musiker“ (A. W. Schlegel. Sämtliche Werke, hrsg. von E. Böcking, Bd 11, S. 413). Solche Kunst. Position erzeugt besondere Aufmerksamkeit hinsichtlich der otd. Eindrücke und deren Verbindungen bis hin zur Erstellung eines gemeinsamen Konzepts. In der Musik direkt. der Gefühlsausbruch wird philosophisch, die Landschaft, der Tanz, die Genreszene, das Porträt werden von Lyrik durchdrungen und führen zu Verallgemeinerungen. R. zeigt ein besonderes Interesse am Lebensprozess, an dem, was N. Ya. Berkovsky den „direkten Fluss des Lebens“ nennt („Romanticism in Germany“, Leningrad, 1973, S. 31); das gilt auch für die musik. Typisch für romantische Musiker ist das Streben nach endlosen Transformationen des ursprünglichen Gedankens, nach „endloser“ Entwicklung.

Denn R. sah in allen Ansprüchen einen einzigen Sinn und ein einziges Kapitel. Ziel ist es, mit der geheimnisvollen Essenz des Lebens zu verschmelzen, die Idee der Synthese der Künste erhält eine neue Bedeutung. „Die Ästhetik einer Kunst ist die Ästhetik einer anderen; nur das Material ist anders“, bemerkt Schumann („Über Musik und Musiker“, Bd. 1, M., 1975, S. 87). Doch die Kombination „verschiedener Materialien“ steigert die beeindruckende Kraft des künstlerischen Ganzen. In der tiefen und organischen Verschmelzung von Musik mit Poesie, mit Theater, mit Malerei eröffneten sich der Kunst neue Möglichkeiten. Im Bereich Instr. Musik kommt dem Prinzip der Programmierbarkeit eine wichtige Rolle zu, d. h. der Einbeziehung sowohl in die Idee des Komponisten als auch in den Prozess der Musikwahrnehmung, lit. und andere Vereine.

R. ist besonders stark in der Musik Deutschlands und Österreichs vertreten. In einem frühen Stadium - die Arbeit von F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, L. Spohr, G. Marschner; ferner von der Leipziger Schule, vor allem von F. Mendelssohn-Bartholdy und R. Schumann; im 2. Stock. 19. Jahrhundert - R. Wagner, I. Brahms, A. Bruckner, Hugo Wolf. In Frankreich trat R. bereits in den Opern von A. Boildieu und F. Aubert auf, dann in einer viel weiter entwickelten und originellen Form von Berlioz. Romantisch in Italien Tendenzen spiegelten sich deutlich bei G. Rossini und G. Verdi wider. Gemeiner Europäer Wert erhielt die Arbeit des polnischen Computers. F. Chopin, Hung. - F. Liszt, Italiener. - N. Paganini (das Werk von Liszt und Paganini war auch der Gipfel der romantischen Darbietung), Deutsch. - J. Meyerbeer.

Unter den Bedingungen der nationalen Die R.-Schulen behielten viele Gemeinsamkeiten bei und zeigten gleichzeitig eine bemerkenswerte Originalität in Ideen, Handlungen, Lieblingsgenres und auch im Stil.

In den 30er Jahren. Wesen wurden gefunden. Meinungsverschiedenheiten zwischen ihm. und Französisch Schulen. Über das zulässige Maß an Stilistik gibt es unterschiedliche Vorstellungen. Innovation; Umstritten war auch die Frage nach der Zulässigkeit von Ästhetik. Kompromisse der Künstler, um den Geschmack der "Menge" zu befriedigen. Der Antagonist von Berlioz' Innovation war Mendelssohn, der entschieden die Normen eines gemäßigten „klassisch-romantischen“ Stils verteidigte. Schumann, der Berlioz und Liszt leidenschaftlich verteidigte, akzeptierte dennoch nicht, was ihm als die Extreme der Franzosen erschien. Schulen; er zog den viel ausgeglicheneren Chopin dem Autor der Phantastischen Symphonie vor, äußerst hochgestellte Mendelssohn und A. Henselt, S. Heller, V. Taubert, W. S. Bennett und andere, die diesem Komponisten nahestanden.Schumann kritisiert Meyerbeer mit außerordentlicher Schärfe, hineinsehend seine spektakuläre Theatralik, nur Demagogie und Streben nach Erfolg. Heine und Berlioz hingegen schätzen die „Hugenotten“-Dynamik des Autors. Musik Dramaturgie. Wagner entwickelt kritisch Schumanns Motive gehen jedoch in seinem Werk weit von den Normen eines gemäßigten Romantikers ab. Stil; sich (anders als Meyerbeer) an strenge ästhetische Kriterien. Selektion geht er den Weg mutiger Reformen. Alle R. 19. Jahrhundert als Opposition zur Leipziger Schule, der sog. Neue Deutsche oder Weimarer Schule; Liszt wurde in seinen Weimarer Jahren (1849-61) zu ihrem Zentrum, R. Wagner, H. Bülow, P. Cornelius, J. Raff ua waren Anhänger der Weimarer, Anhänger der Programmmusik, der Musik. Dramen des Wagnerschen Typs und andere radikal reformierte Arten der Neuen Musik. Klage. Die Ideen der neuen deutschen Schule werden seit 1859 durch den „Allgemeinen Deutschen Ferein“ und die bereits 1834 von Schumann gegründete Zeitschrift vertreten. "Neue Zeitschrift für Musik", Krym seit 1844 unter der Leitung von K. F. Brendel. Auf der Gegenseite befand sich neben dem Kritiker E. Hanslik, dem Geiger und Komponisten J. Joachim und anderen J. Brahms; Letzterer bemühte sich nicht um Kontroversen und verteidigte seine Prinzipien nur in Kreativität (1860 setzte Brahms im Alleingang seine Unterschrift unter einen polemischen Artikel - eine Sammelrede gegen bestimmte Ideen der "Weimariter", veröffentlicht in der Berliner Zeitschrift "Echo". ). Was Kritiker dazu neigten, den Konservatismus im Werk von Brahms zu betrachten, war tatsächlich eine lebendige und originelle Kunst, wo die Romantik. Die Tradition wurde aktualisiert und erfuhr einen neuen starken Einfluss des Klassikers. Musik der Vergangenheit. Die Perspektiven dieses Weges zeigten die Entwicklung Europas. Musik als nächstes. Jahrzehnte (M. Reger, S. Frank, S. I. Taneev und andere). Ebenso vielversprechend erwiesen sich die Erkenntnisse der „Weimariter“. In Zukunft werden die Streitigkeiten zwischen den beiden Schulen historisch obsolet.

Da im Mainstream von R. erfolgreich nach nat. Authentizität, soziale und psychologische. Ehrlich gesagt waren die Ideale dieser Bewegung eng mit der Ideologie des Realismus verflochten. Solche Verbindungen zeigen sich zum Beispiel in den Opern von Verdi und Bizet. Derselbe Komplex ist typisch für eine Reihe von Nat. Musik Schulen im 19. Jahrhundert Auf Russisch romantische Musik. Elemente werden bereits in der 2. Hälfte von M. I. Glinka und A. S. Dargomyzhsky deutlich dargestellt. 19. Jahrhundert - von den Komponisten von The Mighty Handful und von P. I. Tschaikowsky, später von S. V. Rachmaninov, A. N. Scriabin, N. K. Medtner. Unter dem starken Einfluss von R. entwickelten sich junge Musen. Kulturen Polens, Tschechiens, Ungarns, Norwegens, Dänemarks, Finnlands (S. Moniuszko, B. Smetana, A. Dvorak, F. Erkel, K. Sinding, E. Grieg, N. Gade, E. Hartman, K. Nielsen, I Sibelius und andere) sowie Spanisch. Musik 2. Stock. 19 - bitten. 20. Jahrhundert (I. Albeniz, E. Granados, M. de Falla).

Musen. R. wirkte aktiv an der Entwicklung von Kammergesangstexten und Opern mit. In Übereinstimmung mit den Idealen von R. in der Wok-Reform. Musik ch. Rolle spielt die Vertiefung der Synthese von Kunst-in. Wok. die melodie reagiert sensibel auf die expressivität des poetischen. Worte, wird detaillierter und individueller. Werkzeug die Partei verliert den Charakter der neutralen "Begleitung" und wird zunehmend von figurativen Inhalten durchdrungen. Im Werk von Schubert, Schumann, Franz, Wolf lässt sich ein Weg von einem aus der Handlung entwickelten Lied zur „Musik. Gedicht." Unter Wok. Genres nimmt die Rolle der Ballade, des Monologs, der Szene, des Gedichts zu; Lieder in Pl. Fälle werden zu Zyklen zusammengefasst. In der Romantik Oper, die im Dez. Richtungen nimmt die Verbindung zwischen Musik, Wort und Theater stetig zu. Aktionen. Diesem Zweck dient: das System der Musen. Merkmale und Leitmotive, die Entwicklung von Sprachmelodien, die Verschmelzung der Logik der Musik. und Bühne Entwicklung, die Nutzung von reichen Möglichkeiten symphonischen. Orchester (die Wagner-Partituren gehören zu den höchsten Errungenschaften der Opernsymphonie).

Instr. Musik sind romantische Komponisten besonders anfällig für FP. Miniatur. Ein kurzes Stück wird zur Fixierung des Augenblicks, die für einen romantischen Künstler wünschenswert ist: eine flüchtige Skizze einer Stimmung, einer Landschaft, eines charakteristischen Bildes. Es schätzt und verbindet. Einfachheit, Nähe zu den lebenswichtigen Quellen der Musik - zu Gesang, Tanz, die Fähigkeit, einen frischen, originellen Geschmack einzufangen. Beliebte Sorten von Romantik. kurzes Stück: „Lied ohne Worte“, Nocturne, Präludium, Walzer, Mazurka, sowie Stücke mit Programmnamen. Instr. Miniatur erreicht eine inhaltsreiche, reliefartige Bildsprache; Mit einer kompakten Form zeichnet es sich durch einen hellen Ausdruck aus. Wie im Wok. Texte, hier gibt es eine Tendenz, otd zu vereinen. Theaterstücke in Zyklen (Chopin - Präludien, Schumann - "Kinderszenen", Liszt - "Wanderjahre" usw.); in manchen Fällen handelt es sich um Zyklen einer "Durch"-Struktur, wobei sie zwischen den einzelnen relativ unabhängig sind. Spiele entstehen diff. Art der Intonation. Kommunikation (Schumann - "Schmetterlinge", "Karneval", "Kreisleriana"). Solche "Durch"-Zyklen geben bereits eine Vorstellung von den Haupttendenzen der Romantik. Interpretation eines großen Instruments Formen. Einerseits betont es den Kontrast, die Vielfalt des Individuums. Episoden hingegen wird die Einheit des Ganzen gestärkt. Im Zeichen dieser Tendenzen ist eine neue Kreativität gegeben. Interpretation des Klassikers Sonate und Sonatenzyklus; dieselben Bestrebungen bestimmen die Logik einstimmiger „freier“ Formen, die gewöhnlich die Merkmale eines Sonaten-Allegros, eines Sonatenzyklus und einer Variation vereinen. "Freie" Formen waren besonders praktisch für Programmmusik. In ihrer Entwicklung, in der Stabilisierung der Gattung der einstimmigen „Symphonie. Gedichte" Liszts Verdienst ist groß. Das konstruktive Prinzip, das Liszts Gedichten zugrunde liegt – die freie Transformation eines Themas (Monothematismus) – schafft einen Ausdruck. Kontraste und sorgt gleichzeitig für die größtmögliche Einheit der gesamten Komposition (Präludien, Tasso etc.).

Im Stil der Musik R. die wichtigste Rolle spielen modale und harmonische Mittel. Die Suche nach neuer Ausdruckskraft ist mit zwei parallelen und oft miteinander verknüpften Prozessen verbunden: mit der Stärkung von Funktion und Dynamik. Seiten von Harmonien und mit Verstärkung der Harmonischen. Farbigkeit. Der erste dieser Prozesse war die zunehmende Sättigung der Akkorde mit Veränderungen und Dissonanzen, die ihre Instabilität verschlimmerten, die Spannung erhöhten, die eine Auflösung in den zukünftigen Harmonien erforderte. Bewegung. Solche Harmonieeigenschaften drückten am besten die für R. typische „Müdigkeit“, den Strom „unendlich“ sich entwickelnder Gefühle aus, der in Wagners „Tristan“ besonders vollständig verkörpert war. Farbige Effekte zeigten sich bereits bei der Nutzung der Möglichkeiten des Dur-Moll-Tonartsystems (Schubert). Neue, sehr vielfältige Farben. Schattierungen wurden aus den sogenannten extrahiert. natürliche Modi, mit deren Hilfe Nar betont wurde. oder archaisch. die Natur der Musik; Eine wichtige Rolle - insbesondere in der Science-Fiction - wurde Bünden mit Ganzton- und „Ton-Halbton“-Skalen zugeschrieben. Farbige Eigenschaften wurden auch in einem chromatisch komplizierten, dissonanten Akkord gefunden, und an diesem Punkt berührten sich die oben erwähnten Prozesse deutlich. Frische Soundeffekte wurden auch durch decomp erzielt. Vergleiche von Akkorden oder Modi innerhalb der Diatonik. Skala.

In der Romantik melodisch gespielt die folgenden ch. Tendenzen: in der Struktur - der Wunsch nach Breite und Kontinuität der Entwicklung und teilweise nach der "Offenheit" der Form; im Rhythmus - Überwindung von Traditionen. Regelmäßigkeit Metrik. Akzente und jede Automatik Wiederholung; in die Intonation. Komposition - Detaillierung, Füllen mit Ausdruckskraft nicht nur die Anfangsmotive, sondern auch die ganze Melodie. Zeichnung. Wagners Ideal der „endlosen Melodie“ umfasste alle diese Strömungen. Auch die Kunst der größten Melodiker des 19. Jahrhunderts ist mit ihnen verbunden. Chopin und Tschaikowsky. Musen. R. bereicherte, individualisierte die Darstellungsmittel (Textur) stark und machte sie zu einem der wichtigsten Elemente der Musen. Bilder. Gleiches gilt für die Verwendung von Instr. Kompositionen, insbesondere symphonische. Orchester. R. entwickelte Farbe. die Mittel des Orchesters und die Dramaturgie des Orks. Entwicklung zu einer Höhe, die die Musik früherer Epochen nicht kannte.

Späte Musik. R. (spätes 19. - frühes 20. Jahrhundert) gab noch "reiche Sämlinge", und unter seinen größten Nachfolgern die Romantiker. Die Tradition drückte noch die Ideen des Fortschrittlichen, Humanistischen aus. Ansprüche (G. Mahler, R. Strauss, K. Debussy, A. N. Skryabin).

Neue Kreativität ist mit der Stärkung und qualitativen Transformation der Tendenzen von R. verbunden. Erfolge in der Musik. Eine neue Detailbildsprache wird kultiviert – sowohl im Bereich der äußeren Eindrücke (impressionistische Farbigkeit) als auch in der feinsinnigen Übermittlung von Gefühlen (Debussy, Ravel, Skrjabin). Die Möglichkeiten der Musik erweitern sich. Bildhaftigkeit (R. Strauss). Verfeinerung einerseits und gesteigerte Ausdruckskraft andererseits schaffen eine breitere Skala emotionaler Ausdruckskraft der Musik (Skrjabin, Mahler). Gleichzeitig in der späten R., die eng mit den neuen Strömungen um die Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert verflochten war. (Impressionismus, Expressionismus) wuchsen die Symptome der Krise. Am Anfang. 20. Jahrhundert Die Entwicklung von R. offenbart eine Hypertrophie des subjektiven Prinzips, eine allmähliche Degeneration der Verfeinerung in Formlosigkeit und Unbeweglichkeit. Eine polemisch scharfe Reaktion auf diese Krisenerscheinungen war die Muse. Antiromantik der 10-20er Jahre (I. F. Strawinsky, junger S. S. Prokofjew, Komponisten der französischen „Six“ usw.); der späte R. widersetzte sich dem Wunsch nach inhaltlicher Sachlichkeit, nach formaler Klarheit; eine neue Welle des „Klassizismus“ entstand, der Kult der alten Meister, Kap. Arr. Vor-Beethoven-Zeit. Mitte des 20. Jahrhunderts zeigte jedoch die Lebensfähigkeit der wertvollsten Traditionen von R. Trotz der in der westlichen Musik verstärkten destruktiven Tendenzen behielt R. seine spirituelle Basis und bereicherte sich mit neuen Stilistiken. Elemente, wurde von vielen entwickelt. herausragende Komponisten des 20. Jahrhunderts. (D. D. Schostakowitsch, Prokofjew, P. Hindemith, B. Britten, B. Bartok und andere).

Literatur: Asmus V., Musikästhetik der philosophischen Romantik, „SM“, 1934, Nr. 1; Nef K., Geschichte der westeuropäischen Musik, aus dem Französischen übersetzt. Herausgegeben von B. V. Asafiev, Moskau, 1938. Sollertinsky I., Romantik, ihre allgemeine und musikalische Ästhetik, in seinem Buch: Historische Etüden, L., 1956, Bd. 1, 1963; Shitomirsky D., Anmerkungen zur musikalischen Romantik (Chopin und Schumann), "SM", 1960, Nr. 2; sein eigenes, Schumann and Romanticism, in seinem Buch: Robert Schumann, M., 1964; Vasina-Grossman V., Romantisches Lied des 19. Jahrhunderts, M., 1966; Konen, V., Geschichte der ausländischen Musik, vol. 3, M., 1972; Mazel L., Probleme der klassischen Harmonielehre, M., 1972 (Kap. 9 - Zur historischen Entwicklung der klassischen Harmonielehre im 19. Jahrhundert und zu Beginn des 20. Jahrhunderts); Skrebkov S., Künstlerische Prinzipien musikalischer Stilrichtungen, M., 1973; Musikästhetik Frankreichs im 19. Jahrhundert. Komp. Texte, Einleitung. Artikel und Einleitung. Essays von E. F. Bronfin, M., 1974 (Denkmäler des musikalischen und ästhetischen Denkens); Musik Österreichs und Deutschlands des 19. Jahrhunderts, Buch. 1, M., 1975; Druskin M., Geschichte der ausländischen Musik, vol. 4, M., 1976.

D. V. Shitomirsky

Die ideologische und künstlerische Ausrichtung, die sich in allen Ländern Europas und des Nordens entwickelte. Amerika in con. 18 - 1. Stock. 19. Jahrhundert R. brachte die Unzufriedenheit der bürgerlichen Gesellschaft zum Ausdruck. Veränderungen, die sich gegen Klassizismus und Aufklärung stellen. F. Engels stellte fest, dass "... die durch den "Sieg der Vernunft" geschaffenen gesellschaftlichen und politischen Institutionen sich als böse, bitter enttäuschende Karikatur der glänzenden Versprechungen der Aufklärer entpuppten." Die Kritik an der neuen Lebensweise, die im Mainstream der Aufklärung unter den Sentimentalisten skizziert wurde, war noch deutlicher unter den Romantikern. Die Welt erschien ihnen absichtlich unvernünftig, voller mysteriöser, unverständlicher und feindseliger Menschen. Persönlichkeit. Für Romantiker waren hohe Ansprüche mit der Außenwelt unvereinbar, und die Zwietracht mit der Realität erwies sich als fast die Hauptursache. Feature R. Lowlands und Vulgarität der realen Welt R. gegen Religion, Natur, Geschichte, fantastisch. und exotisch. Kugeln, adv. Kreativität, vor allem aber - das Innenleben des Menschen. Darstellungen über ihr R. äußerst angereichert. War die Antike das Ideal des Klassizismus, so orientierte sich R. an der Kunst des Mittelalters und der Neuzeit und betrachtete A. Dante, W. Shakespeare und J. W. Goethe als seine Vorgänger. R. behauptete Kunst, die nicht von Modellen bereitgestellt, sondern vom freien Willen des Künstlers geschaffen wurde und seine innere Welt verkörperte. R. akzeptierte die umgebende Realität nicht und kannte sie tatsächlich tiefer und umfassender als den Klassizismus. Die höchste Kunst war für R. die Musik als Verkörperung des freien Elementes des Lebens. Sie erzielte in dieser Zeit große Erfolge. R. war auch eine Zeit ungewöhnlich schneller und bedeutender Entwicklung des Balletts. Die ersten Schritte eines Romantikers Ballette wurden in England, Italien und Russland hergestellt (Sh. Didlo, A. P. Glushkovsky und andere). Am vollständigsten und konsequentesten nahm R. jedoch im Französischen Gestalt an. Balletttheater, dessen Einfluss sich auch in anderen Ländern niederschlug. Eine der Voraussetzungen dafür war die damalige hohe Entwicklung der klassischen Technik in Frankreich. Tanzen, besonders Frauen. Am deutlichsten romantisch. Tendenzen manifestierten sich in den Balletten von F. Taglioni ("La Sylphide", 1832 usw.), wo sich die Handlung normalerweise parallel in der realen und der fantastischen Welt abspielte. Die Fantasie befreite den Tanz von der Notwendigkeit privater Alltagsbegründungen, eröffnete Spielräume für die Nutzung der angesammelten Technik und ihre Weiterentwicklung, um die wesentlichen Eigenschaften der im Tanz dargestellten Figuren freizulegen. Im Frauentanz, der im Ballett von R. in den Vordergrund trat, wurden immer mehr Sprünge eingeführt, es entstand der Tanz auf Spitzenschuhen usw. , die perfekt zum Aussehen überirdischer Kreaturen passte - Jeeps, Sylphen. Im Ballett dominierte R. den Tanz. Neue Kompositionsformen der Klassik Tanz hat die Rolle des Unisono-Corps de Ballet-Frauentanzes stark zugenommen. Es entstanden Ensemble-, Duett- und Solotänze. Die Rolle der führenden Ballerina nahm ab M. Taglioni zu. Eine Tunika erschien als dauerhaftes Kostüm für einen Tänzer. Die Rolle der Musik hat zugenommen, oft vor der der Nationalmannschaft. Die Symphonie der Tänze begann. Aktionen. Der Gipfel der Romantik. Ballett - "Giselle" (1841), inszeniert von J. Coralli und J. Perrot. Die Arbeit von Perrault markierte eine neue Stufe im Ballett R. Die Aufführung stützte sich nun stark auf lit. die Originalquelle ("Esmeralda" nach Hugo, "Corsair" nach Byron usw.), und dementsprechend wurde der Tanz dramatisiert, die Rolle effektiver Kompositionen (pas d "action" erhöht), Tanzfolklore wurde mehr verwendet Ähnliche Bestrebungen manifestierten sich in der Arbeit der prominentesten Balletttänzer in August Bournonville Dancers F. Elsler, C. Grisi, F. Cerrito, L. Grand, E. I. Andreyanova, E. A. Sankovskaya traten hervor.

Romantischer Typ. Aufführung, etabliert in den Balletten von Taglioni, Perrot, Bournonville, blieb bis zum Ende bestehen. 19. Jahrhundert Allerdings ist die interne Struktur dieser Aufführungen in erster Linie in der Arbeit von Balletten. M. I. Petipa, transformiert.

Der Wunsch nach einem romantischen Revival. Ballett in seiner ursprünglichen Form manifestierte sich in der Arbeit einiger Ballettmeister des 20. Jahrhunderts. M. M. Fokin gab R. im Ballett neue Züge des Impressionismus.

Ballett. Enzyklopädie, SE, 1981

Die Musik der Romantik ist wohl das populärste Stilmodell der modernen Gesellschaft. Die Romantik, als Epoche verstanden, ist gekennzeichnet durch einen dominanten Wandel im künstlerischen Bewusstsein und damit im System der Künste. Romantik ist ein Konzept, das von den Dichtern der sogenannten Jenaer Schule vorgeschlagen wurde, die als ihre Begründer gelten (L. Tieck und Novalis).

Es ist die Poesie in Verbindung mit der Musik, die dazu beiträgt, die Beziehungen der Menschen zur Welt und zueinander neu zu ordnen. Der Hauptunterschied zur vorangegangenen Ära ist das neue Bild von gesellschaftlich bedeutsamen Ritualen: Das Salonmusikmachen nimmt die Form eines spezifischen intimen lyrischen Konzerts an. Der romantische Musiker wird Gegenstand eines öffentlichen Kultes, Figur und Held eines gewissen Lebensdramas: Er verdrängt die Figur eines gekrönten und gottgleichen Kaisers, eines Königs aus dem Kult, wird selbst zum „Gesalbten“ Gottes. Das romantische Lied ist die wichtigste Gattung zur Charakterisierung des Stils, alle romantischen Komponisten (außer F. Chopin) zollen ihm Tribut und schrieben Hunderte von Werken. Klavierarrangements von Liedern werden immer beliebter und folgen der Tradition der Variationen über beliebte Opernthemen des letzten Jahrhunderts.

Das Genre „Lieder ohne Worte“ – eine Art Arrangement eines nicht vorhandenen Liedtextes – zieht mit einer Kombination aus virtuoser Beherrschung des Instruments und lyrisch-psychologischer Tiefe der Musik die Zuhörer extrem in seinen Bann. Der höchste Ausdruck dieses Trends ist die Geburt eines neuen Genres - der eigentlichen lyrischen Miniatur, die hauptsächlich mit dem Klavier verbunden ist. Einen besonderen Zweig dieser Gattungssphäre bildet die allzeit auf der Grenze zum angewandten Tanz balancierende Alltagstanzmusik, Arrangements populärer Samples und die lyrisch-konfessionelle Miniatur selbst (es gibt viele Beispiele in den Werken von Chopin, Schumann, Brahms , Grieg, Tschaikowsky). Der Walzer (der das Menuett ersetzte) wird zum ikonischen Tanz der Ära.

Von nicht geringer Bedeutung in der Romantik sind die sogenannten didaktischen Gattungen, insbesondere Virtuosen-Etüden.

Der Bau öffentlicher Konzertsäle regt die Entwicklung symphonischer Konzertgattungen an, deren Richtung von L. Beethoven vorgegeben wird - eine helldramatische und innerlich tief literarische und programmatische Sinfonie, eine symphonische Dichtung und ein symphonisches Konzert.

Generell kann man sagen, dass sich das System der musikalischen Genres sowohl inhaltlich als auch in ihrer Bedeutung, ihrer Wahrnehmung durch die Gesellschaft, grundlegend verändert.

Liedgenre in Westeuropa und Russland

Poesie ist eine Klangkunst. Das öffentliche Rezitieren von Gedichten in Salons, Salons und einfach im intimen Leben ist ihre lebendige Existenz. Die Mode der Poesielesung im Salon lässt eine besondere Gattung entstehen: Die Rezitation zur musikalischen Begleitung des Klaviers erhält den Namen Melodie.

Die Logik der Entstehung und totalen Verbreitung des romantischen Liedgenres als intonatorische Verkörperung der Poesie liegt also auf der Hand. Es ist die Musik durch das Lied, die es ermöglicht, die Idee von intonatorischen Leseformen zu rekonstruieren: Eine gewisse Rolle kommt hier der narrativen – „narrativen“ – Rezitation zu. Aber die musikalische „Entdeckung“ der Romantik ist die Ausdruckskraft nachdrücklich Intonation. Sie ist es, die die Intonationsebene des liedromantischen Stils bestimmt und kultiviert arios. Diese Art von Vokalismus stellt eine Kombination der Flexibilität des Rezitativs mit der Schönheit und Ausdruckskraft der Kantilene dar, die in der Barockoper und insbesondere im Klassizismus (im Comic-Genre) erreicht wird.

Das ikonische Thema der romantischen Poesie ist natürlich das Thema Liebe. Liebesgeständnisse – lyrische Lobpreisungen – sind nicht nur in Liedern, sondern in allen Instrumentalgattungen der Romantik äußerst vielseitig.

Der erste und produktivste romantische Komponist im Liedgenre ist Franz Schubert. Während seines kurzen Lebens (1797-1828) schrieb er über 600 Lieder. Sein Ruhm in diesem Genre begann mit der Ballade „Waldkönig“ nach den Versen von J. Goethe (1816). Dies ist eine Song-Monolog-Szene mit kontrastierenden Episoden, die verschiedene Charaktere darstellen. Ihr Hauptbild – die Symbolfigur des Todes – wird in der Vokalmusik der Romantik einen besonderen Platz einnehmen.

Schubert verwendete in seinen Liedern Texte von etwa hundert Dichtern.

In einer Atmosphäre ernsthafter dichterischer Interessen entstand der Zyklus „Die schöne Müllerin“ nach Versen des deutschen Dichters W. Müller (1823). In mehreren Liedern entsteht die Handlung einer Art poetischer Kurzgeschichte über die Liebe eines Lehrlings zu einer Müllersfrau: von den ersten naiven Freuden über den Schmerz des Verrats und der Trennung bis hin zu lichttrauriger Demut.

Ein Leben voller harter, erschöpfender Arbeit und hoffnungsloser Armut führt Schubert in Stimmungen der Melancholie und Einsamkeit, die sich in seinem späten Zyklus auch in den Gedichten von W. Müller „Winterweg“ (1827) widerspiegeln. Sein Leben war immer hart, seine Musik war immer leicht und fröhlich. Jetzt sehnt und schreibt er über das Leiden der Einsamkeit und wird noch romantischer, für den das Bekenntnis seelischer Schmerzen eines der Hauptthemen ist. Tragisch ist der letzte Zyklus „Schwanengesang“ (1828) auf den Texten von sechs Gedichten von G. Heine sowie den Dichtern L. Relyptab und A. Seidl.

Und eine weitere wichtige Entdeckung von Schubert, die von allen Romantikern aufgegriffen wurde, ist die Liednatur der Musik in allen Genres. Eigene Lieder verarbeitet er zu instrumentalen Formen – das s-bis-Quartett, in dessen zweitem Teil das Thema des Liedes „Death and the Maiden“ variiert, das Klavierquintett „Trout“ (im vierten Teil die Variation über die Thema des gleichnamigen Liedes), die Klavierfantasie zum Thema des Liedes "Wanderer". Aber auch seine Sinfonien sind vom Lied durchdrungen, in dem ein persönlicher poetischer Tonfall erklingt, der die Haltung eines Menschen einer neuen Zeit zur Welt zum Ausdruck bringt. Einen bedeutenden Platz in Schuberts Liedschaffen nehmen Naturbilder ein, die sich auch in Instrumentalkompositionen widerspiegeln. Und dies wird zum Manifest romantischer Komponisten, die die Impulse der Seele durch die Metaphern von Landschaften, Blumen und natürlichen Elementen offenbaren.

Song Kreativität Robert Schumann (1810-1856) - der leidenschaftlichste und ehrfürchtigste unter den Romantikern - nimmt einen zentralen Platz in der Gesangslyrik des 19. Jahrhunderts ein. Sein Schaffen war zunächst mit der Klaviermusik verbunden: Er träumte Mitte der 1830er Jahre davon, selbst Konzertvirtuose zu werden. schafft seine unsterblichen Klaviermeisterwerke - "Symphonische Etüden", "Karneval", Fantasia C-dur, "Kreisleriana". Seit 1840 beginnt seine Hinwendung zum Liedgenre – allein in diesem Jahr schrieb er 134 Lieder, darunter die berühmten Zyklen „Die Liebe eines Dichters“ nach Versen von G. Heine, „Die Liebe und das Leben einer Frau“ zu den Versen von A. von Chamisso und "Myrte" zu Gedichten verschiedener Dichter. In ihnen entwickelt er die Schubert-Liedtradition weiter, schafft aber einen einzigartigen Stil, dessen Grundlage die Subtilität und Tiefe des Eindringens in die Bedeutung des poetischen Textes ist.

In Schumanns Liedwerk taucht die Intonationsform der romantischen Versrezitation auf, theatralisch hell und intim lyrisch. Eine große Rolle kommt dem Klavierpart zu, der kaum als Begleitung bezeichnet werden kann - reiche Harmonie, erfinderische Textur schaffen ein lebendiges Bild, das den emotionalen Subtext des Verses enthüllt.

Im Zyklus „Dichterliebe“ verwendet Schumann Heines Gedichte aus dem „Lyrischen Intermezzo“, aber nicht alle – der Komponist wählt sie so aus, dass sich wie bei Schubert eine tragische Liebesgeschichte ergibt.

Das wohl bekannteste Lied des Zyklus ist „I’m not wütend“. Es lohnt sich, es nur in der Originalsprache anzuhören, um von der Meisterschaft des Komponisten überrascht zu sein, der die Worte der verwirrten Vergebung mit Schmerz, Freude und Sanftmut "ausspricht".

Eine ähnliche Schönheit melodiöser Intonationen und eines ausdrucksstarken deklamatorischen Monologs zeichnet das Lied „Lieber Freund, es ist dir peinlich, dass ich weine“ aus dem Zyklus „Liebe und Leben einer Frau“ aus. Wenn Heines Poesie schön ist, dann gehört Chamisso nicht zu den erstklassigen Dichtern. Schumann verewigte seine poetischen Schöpfungen mit seiner außergewöhnlichen Gabe, die subtilsten emotionalen Nuancen der Aussprache eines unkomplizierten Textes zu hören.

Ungewöhnlich anziehend sind Schumanns stille, erhaben-verträumte Lobgesänge – die Lieder „Du bist schön wie ein Maiglöckchen“ und „Lotus“ auf Heines Verse aus dem Myrte-Zyklus, „Stille Tränen“ auf Verse von Yu. Kerner aus Opus 35 (1840 ). Begeisterte, impulsive Liebesgeständnisse, so charakteristisch für Schumann in der Klaviermusik, stellen einen weiteren Pol der Liebesgefühle dar. Ein hervorragendes Beispiel ist die berühmte „Widmung“ nach den Worten von F. Ruckert aus dem Zyklus „Myrte“, der ganz „meiner geliebten Braut“ gewidmet ist.

Die Geschichte des romantischen Liedes ist ein unzugängliches Thema. Deutsche Komponisten besaßen ein besonderes Intonationsohr und Flair in der Verkörperung von Poesie. Schubert, Schumann, Liszt, Brahms, Wolf, Mahler – diese Namen gehören heute zur Weltschatzkammer des Gesangsrepertoires. Ihr Liederbe, das für die romantischen Schulen Westeuropas und Russlands der Maßstab für die Liebe zur Poesie und die Feinheit ihres Gehörs war, verblasste auch nach Jahrhunderten nicht.

Und russische Komponisten, die Goethe und Heine bewunderten, schrieben ihre Vokalwerke zu ihren Texten in russischen Übersetzungen von Schukowski, Puschkin, Lermontov, Tyutchev. Feta. Der Vergleich von Kompositionen zu einem Text bietet eine spannende Perspektive für eigenständiges Arbeiten. Im Allgemeinen ist das Liedgenre in Russland sehr beliebt, obwohl es sich um eine bestimmte Spielart namens "Romantik" handelt. Die Unterschiede zwischen einem Lied und einer Romanze sind äußerst subtil, sie müssen im nationalen Musikstil und im Allgemeinen in der Melodie der Intonation der russischen Sprache gesucht werden. Michail Iwanowitsch Glinka (1804-1857), der Schöpfer der russischen Nationaloper, hatte ein ungewöhnlich feines Ohr, eine gute Stimme und war der Begründer der klassischen Romanze, romantisch in ihrem Wesen. Eine seiner ersten Romanzen "Do not tempt" entpuppte sich als wahres Meisterwerk der Gesangstexte. Der sensible, romantisch veranlagte Glinka liebt die Poesie von V. Zhukovsky, die ihn "zu Tränen gerührt" hat. Und natürlich bewundert er die Poesie von A. Puschkin, über dessen Verse er mehrere großartige Romanzen schrieb. Einer von ihnen - "Sing nicht, Schönheit, mit mir" - zur Melodie eines georgischen Volksliedes, das 1828 von A. Griboyedov aus dem Kaukasus gebracht wurde. Die subtile Verkörperung der Rezitation zeichnet sich auch durch die Miniaturromanze "Maria" aus - ein Beispiel für einen jugendlichen Liebesdithyrambus. Liebe treibt Gefühle und Gedanken an: Glinka widmet ihrer Schülerin K. Kolkovskaya den wunderbaren Roman „Zweifel“, voller trauriger Melancholie und Zärtlichkeit. Verliebt in Ekaterina Kern, die Tochter von Anna Petrowna Kern, der berühmten „Adressatin“ von Puschkins Gedicht „Ich erinnere mich an einen wunderbaren Moment“, schreibt Glinka zu diesem Text sein unsterbliches Meisterwerk. Hier verschmelzen das Können und die Inspiration des Komponisten zu erstaunlicher Harmonie - Komponisten gelingt es selten, eine adäquate Verkörperung eines brillanten Verses zu schaffen.

Romanzen werden von vielen russischen Komponisten geschrieben – die Mode für Poesie ist in Russland so weit verbreitet wie in Westeuropa. Es hat seine eigenen nationalen Errungenschaften, unter denen natürlich erwähnt werden muss Alexander Sergejewitsch Dargomyzhsky (1813-1869) und Modest Petrowitsch Mussorgsky (1839-1881).

Dargomyzhskys Werke, die auf Lermontovs Gedichten "Es ist sowohl langweilig als auch traurig", "Ich bin traurig" basieren, sind lyrische Monologe mit ausdrucksstarken Details der Verkörperung der Sprachintonation. Ganz neu im Genre ist die bissige Gesellschaftssatire, die das Grundprinzip des Komponisten manifestiert, der sagt: „Ich will, dass der Ton das Wort direkt ausdrückt. Ich will die Wahrheit.“

Mussorgsky, der sich für eine realistische Reflexion von Bildern aus dem Volksleben interessierte, schrieb über seine eigenen Texte, Gedichte von N. Nekrasov, A. Ostrovsky ("Svetik Savishna", "Kalistrat", "Lullaby to Eremushka", "Sleep, sleep, Bauernsohn", "Waisenkind", "Seminar". Seine Lieder waren eine Art "Skizzen" für Opern, die zu einem völlig neuen Wort im Operngenre, dem Theater des Musikdramas ("Boris Godunov", "Khovanshchina") wurden. In den 1870er Jahren schuf Vokalzyklen "Ohne Sonne" (1874), "Lieder und Tänze des Todes" (1875-1877) sowie "Kinder" nach eigenen Worten (1872). Mussorgskys Musiksprache regte die Fantasie vieler Komponisten des 20. Jahrhunderts an. - so neu waren die Bilder, die neue musikalische Ausdrucksmittel erforderten.

Der Höhepunkt des romantischen Liedes in der russischen Musik ist Kreativität Pjotr Iljitsch Tschaikowsky (1840-1893).

Tschaikowskys Romanzen offenbaren seine erstaunliche Gabe melodischer Ausdruckskraft und Schönheit. Sein schwungvoller Stil ist individuell und einzigartig – es lohnt sich, „drei Töne“ zu erklingen, wie wir den Autor unmissverständlich definieren, seine Auswahl an poetischen Texten scheint jedoch anspruchslos zu sein (was in der kritischen Literatur immer wieder angemerkt wurde), obwohl Tschaikowsky subtil fühlte die musikalische Natur von Puschkins Gedichten, Fet, schrieb darüber. Das Hauptthema sind Liebeslyrik, originale und übersetzte Gedichte von A.K. Tolstoi, A.N. Pleshcheeva, LA Kann. „Kein Wort, oh mein Freund“, „Nein, nur der, der wusste“, „Take away my heart“ und andere wunderbare Beispiele des Frühwerks bereiten den Text für die Oper „Eugen Onegin“ vor. Ende der 1870er Jahre. leidenschaftliche, begeisterte Gesangsskizzen erscheinen - "Ich segne dich, Wälder", "Regiert der Tag". "Inmitten eines lauten Balls" nach den Worten von A. Tolstoi ist ein herausragendes Erlebnis russischer Gesangstexte, ein Beispiel für ein Frauenporträt im Rhythmus eines Walzers und eine subtile poetische Träumerei. Mehr als eine Generation von Interpreten und Zuhörern bewundert die bezaubernde Romantik zu den Versen von K. R. (Konstantin Romanov) „I Opened the Window“. Die Romanzen des letzten Opus (1893) zu den Worten von D. Rathaus - "Wir saßen bei dir", "Die Sonne ging unter", "In dieser Mondnacht", "Unter den düsteren Tagen", "Wieder wie zuvor , alone" - spiegeln die Themen Trauer, Sehnsucht und Traurigkeit wider, die für die letzte Sechste Sinfonie mit ihrem tragischen Thema von Leben, Schicksal und Tod charakteristisch sind.