페인트 등- 가장 일반적인 유형의 미술로 모든 표면에 페인트를 칠하여 작품을 만듭니다.

화가가 만든 예술 작품에는 드로잉, 색상, chiaroscuro, 표현 획, 질감 및 구성이 사용됩니다. 이를 통해 세계의 다채로운 풍부함, 물체의 볼륨, 질적 재료 독창성, 공간적 깊이 및 가벼운 공기 환경을 평면에서 재현할 수 있습니다.

그림은 모든 예술과 마찬가지로 사회적 의식의 한 형태이며 세계의 예술적 비 유적 반영입니다. 그러나 예술가는 세계를 반영하면서 동시에 자신의 생각과 감정, 열망, 미적 이상을 작품에 구현하고 삶의 현상을 평가하고 본질과 의미를 설명하는 자신의 방식으로 세계에 대한 이해를 표현합니다.

회화의 세계는 풍부하고 복잡하며 그 보물은 수천 년 동안 인류에 의해 축적되었습니다. 가장 오래된 회화 작품은 원시인이 살았던 동굴 벽에서 과학자들에 의해 발견되었습니다. 최초의 예술가들은 사냥 장면과 동물 습성을 놀랍도록 정확하고 신랄하게 묘사했습니다. 이것이 기념비적인 회화의 특징을 지닌 벽에 물감으로 그리는 미술이 탄생하게 된 계기이다.

기념비적인 그림기념비적 인 그림에는 두 가지 주요 유형이 있습니다. 프레스코 (이탈리아 프레스코에서 - 신선한) 및 모자이크 (이탈리아 모자이크에서 말 그대로 - 뮤즈에게 헌정됨).

프레스코- 물감이나 석회수로 희석한 물감을 ​​새 젖은 회반죽 위에 칠하는 기법입니다.

모자이크- 석회 또는 시멘트와 같은 토양 층에 고정되어 있는 돌, 스몰트, 세라믹 타일의 균질하거나 다른 재료의 입자로 만든 이미지.

프레스코와 모자이크는 내구성과 색상 견뢰도로 인해 건축 볼륨과 평면(벽화, 음영, 패널)을 장식하는 데 사용되는 주요 유형의 기념비적 예술입니다. 이름은 러시아 기념비 주의자들 사이에서 잘 알려져 있습니다. A.A. 데이네키 PD 코리나, A.V. Vasnetsova, B.A. 탈베르그, D.M. 머퍼트, B.P. Milyukova 및 기타.

이젤 그림(그림)은 독립적인 성격과 의미를 갖는다. 실생활을 덮는 폭과 완성도는 이젤 페인팅에 내재된 다양한 종류와 장르: 정물, 일상, 역사, 전투 장르, 풍경, 인물.

기념비적인 이젤화와 달리 벽면과 연결되지 않고 자유롭게 전시할 수 있다. 이젤아트 작품의 사상적, 예술적 가치는 변하지 않는다 다. 예술적 사운드는 노출 조건에 따라 다르지만 위치에 따라 다릅니다.

명명 된 그림 유형 외에도 다음이 있습니다. 장식- 극장 및 영화관 세트 및 의상 스케치 - 및 미니어처그리고 아이콘 페인팅.

15세기 고대 러시아 회화의 높은 기술을 기념하는 기념물입니다. Andrei Rublev가 만든 걸작은 All-Russian Museum Association "State Tretyakov Gallery"(그림 6)에 보관되어있는 "Trinity"아이콘으로 정당하게 간주됩니다. 여기에 당대 최고의 완벽한 형태로 정신과 세상과 생명이 조화를 이루는 도덕적 이상을 표현하고 있습니다. 아이콘은 깊은 시적, 철학적 내용으로 가득 차 있습니다. 세 천사의 이미지는 모든 등고선을 억제하는 원 안에 새겨져 있으며, 그 일관성은 거의 음악적 효과를 냅니다. 계몽되고 순수한 톤, 특히 수레국화 블루("양배추")와 투명한 녹색이 미묘하게 조화된 범위로 병합됩니다. 이 색상은 중간 천사의 어두운 체리 가운과 대조되어 전체 구성에서 그의 인물의 주도적 역할을 강조합니다.

러시아 아이콘 그림의 아름다움, 이름 그리스 테오파네스, 안드레이 루블레프, 디오니시, 프로코르의 고로데츠, 검은 다니엘 XX 세기에야 세상에 공개되었습니다. 후기 기록에서 고대 아이콘을 지우는 법을 배웠습니다.

불행히도 작품에서 플롯의 의무적인 명확성, 화가가 묘사한 것을 "유사한" 또는 "비슷한" 관점에서 인식할 때 예술에 대한 단순화된 이해가 있습니다. 동시에 그들은 잊어버립니다. 모든 유형의 예술에서 익숙한 구체적인 삶의 그림으로 캔버스에 묘사된 것과 직접적인 유사점을 찾을 수는 없습니다. 이 접근 방식으로는 Andrei Rublev 그림의 장점을 평가하기가 어렵습니다. 음악, 건축, 응용 및 장식 예술과 같은 "비 회화적" 유형의 창의성은 말할 것도 없습니다.

다른 모든 유형의 예술과 마찬가지로 회화에는 예술가가 현실을 반영하는 자신의 생각과 감정을 전달하는 특별한 예술 언어가 있습니다. 회화에서 "현실의 대면 묘사는 예술적 이미지, 선 및 색상을 통해 구현됩니다. 모든 기술적 완성에도 불구하고 보는 사람의 공감과 감정을 불러일으키지 않는다면 회화는 아직 예술 작품이 아닙니다. .

절대적으로 정확한 실행으로 예술가는 유사성 만 전달하는 목표를 설정하면 묘사 된 태도를 보여줄 기회를 박탈당합니다!

유명한 거장에게 이미지는 현실을 완전하고 정확하게 전달하는 것이 아니라 특정 관점에서만 현실을 반영합니다. 작가는 의식적 또는 직관적으로 특히 중요하다고 여기는 것을 주로 드러낸다. 이러한 현실에 대한 적극적인 자세의 결과는 단순히 정확한 이미지가 아니라 현실의 예술적 이미지, 저자는 개별 세부 사항을 요약하여 가장 중요한 특성을 강조합니다. 따라서 작가의 세계관과 미학적 위치가 작품에서 드러난다.

정물- 회화의 독립 장르 중 하나. 장르의 독창성은 뛰어난 시각적 가능성에 있습니다. 특정 대상의 물질적 본질을 통해 진정한 예술가는 삶의 본질적인 측면, 취향 등, 사람들의 사회적 상황, 중요한 역사적 사건, 때로는 전체 시대를 비 유적 형태로 반영할 수 있습니다. 그는 이미지의 대상을 의도적으로 선택하고 그 해석을 통해 현실에 대한 자신의 태도를 표현하고 자신의 생각과 감정을 드러냅니다.

비교를 위해 뛰어난 소비에트 화가의 붓에 속한 정물을 가져 가자. 석사 사리안(1880-1972), "예레반 꽃"(ill. 7). 주인은 자신의 작품 모노그래프의 서문이 된 말로 꽃에 대한 태도를 표현했다. “사람의 삶을 장식하는 꽃보다 아름다운 것이 어디 있겠습니까? ... 꽃을 보면 금세 유쾌해지는 기분에 젖어듭니다 ... 꽃에서 볼 수 있는 색상의 순수성, 투명도 및 깊이는 새와 과일의 깃털에서만 볼 수 있습니다.”1.

"글씨의 가벼움과 자발성 뒤에는 훌륭한 그림 문화와 고도로 재능 있는 예술가의 거대한 경험이 있습니다. 그의 능력은 마치 숨을 ​​들이마시듯 거대한(96x103cm) 그림을 그리는 능력으로 전형적인 세부 사항을 의도적으로 무시합니다. 예술가의 창조적 인 방식의 주요 내용, 즉 아르메니아 고유의 자연 색상의 무한한 풍부함을 전달하기 위해 노력합니다.

가계장르, 또는 단순히 "장르"(프랑스어 장르 - 속, 종) - 예술가가 일상적인 표현에서 삶의 묘사를 언급하는 가장 일반적인 유형의 이젤 그림.

러시아 미술에서 일상적인 장르는 회화의 민주주의 운동의 154 명의 뛰어난 대표자가 발전에 기여한 19 세기에 선도적 인 위치를 차지했습니다. VC. 페로프(1833-1882), K.A. Savitsky (1844-1905), N.A. Yaroshenko (1846-1896), V.E. 마코프스키(1846-1920), I.E. 레핀(1844-1930).

의심할 여지 없는 A.A.의 창조적 성공 플라스토바 (1893-1972)모성에 대한 동경의 정숙하고 미묘한 감정을 표현한 그림 "봄"을 고려합니다. 아이의 머리에 스카프를 묶은 어머니의 모습은 가벼운 봄 눈을 배경으로 멋지게 보입니다. 작가는 동료 마을 사람들의 소박한 삶의 상황에 많은 풍속화를 바쳤다.

역사적 장르 19 세기 후반 러시아 예술에서 형성되었습니다. 그는 러시아 예술가들이 조국의 과거와 당시 현실의 심각한 문제에 세심한 관심을 기울이도록 도왔습니다. 러시아 역사 회화는 창의성에서 지난 세기의 80-90 년대에 절정에 이르렀습니다. 즉. 레핀, V.I. 수리코바, VM Vasnetsova, K.P. 브륄로프.유명한 러시아 예술가 PD 코린느 (1892-1967)삼부작(공통 주제로 연결된 세 개의 개별 캔버스 구성) "Alexander Nevsky"를 만들었습니다. 위대한 애국 전쟁(1942-1943)의 혹독한 시기에 만들어진 작품입니다. 전쟁의 어려운시기에 예술가는 고대 러시아의 위대한 전사의 이미지로 바뀌었고 러시아 땅 자체와 사람들과의 불가분의 관계를 보여주었습니다. 고린도의 삼부작은 우리 역사의 영웅 시대의 가장 인상적인 문서 중 하나가 되었으며, 혹독한 시련을 겪은 사람들의 용기와 회복력에 대한 예술가의 믿음을 표현했습니다.

배틀 장르(프랑스어 bataille - 전투에서) 일종의 역사적 장르로 간주됩니다. 이 장르의 뛰어난 작품에는 그림이 포함됩니다. A.A. 데이네키"페트로그라드 방어"(1928), "세바스토폴 방어"(1942) 및 "다운된 에이스"(1943).

풍경일상의 역사화와 전투화에 중요한 부가물로 자주 사용되지만, 독립적인 장르로도 작용할 수 있다. 풍경화의 작품은 우리에게 가깝고 이해하기 쉬우나, 캔버스 위의 인물은 종종 부재한다.

자연의 이미지는 모든 사람들을 흥분시켜 비슷한 분위기, 경험 및 생각을 제공합니다. 우리 중 누가 러시아 화가의 풍경에 가깝지 않은가: "The Rooks Have Arrived" 일명 사브라소프, "해동" 에프. 바실리에프,"호밀" 아이.아이. 시시 키나,"드니프르의 밤" 일체 포함. 쿠인지,"모스크바 안뜰" VD. 폴레노바그리고 "영원한 평화 위에" 아이.아이. 레비탄... 우리는 자연의 시적 아름다움을 드러낸 예술가들의 눈을 통해 무의식적으로 세상을 바라보기 시작한다.

풍경화가들은 자신만의 방식으로 자연을 보고 전달했습니다. 그들이 가장 좋아하는 동기는 아이케이 아이바조프스키(1817-1900),바다, 배 및 요소와 싸우는 사람들의 다른 상태를 묘사합니다. 그의 캔버스는 미묘한 그라데이션, 조명 효과, 정서적 고양, 영웅주의와 파토스에 대한 중력이 특징입니다.

이 장르의 소비에트 풍경화가의 작품은 주목할 만합니다. 성. 게라시모바 (1885-1964), "겨울"(1939) 및 "얼음이 지나갔습니다"(1945)와 같은 캔버스의 저자,

N.P. 크리모프(1884-1958), 그림 "가을"(1918), "회색의 날"(1923), "정오"(1930), "황혼 전"(1935) 등, 수채화의 창시자 AP 오스트루모바-레베데바(1871-1955) - "파블로프스크"(1921), "페트로그라드. 화성의 들판 "(1922), 회화 이다. 그리차야(1917년생) Summer Garden(1955), 정오(1964), 5월. 봄의 따뜻함"(1970) 외.

초상화(프랑스 초상화에서 - 묘사하기 위해) - 현실에 존재하거나 존재하는 사람 또는 사람들의 그룹의 이미지, 이미지.

인물화의 가장 중요한 기준 중 하나는 모델(원본)과 이미지의 유사성입니다. 초상화의 다양한 구성 솔루션이 가능합니다(흉상, 허리, 전신, 그룹). 그러나 모든 다양한 창의적인 솔루션과 매너로 초상화 그림의 주요 품질은 외부 유사성의 전달뿐만 아니라 묘사되는 사람의 영적 본질, 직업, 사회적 지위의 공개입니다.

러시아 미술에서 초상화는 18세기 초에 화려한 역사를 시작했습니다. FS Rokotov (1735-1808), D.G. 레비츠키(1735-1822), V.A. 보로비코프스키 (1757-1825) 18세기 말까지. 세계 예술의 최고 성취 수준에 도달했습니다.

XIX 세기 초. 러시아 예술가 V.A. 트로피닌 (1776-1857)그리고 O.A. 키프렌스키(1782-1836) A.S.의 유명한 초상화를 만들었습니다. 푸쉬킨.

러시아 회화 초상화의 전통은 순회 예술가들에 의해 계속되었습니다. V.G. Perov (1833 / 34-1882), N.N. Ge (1831-1894), I.N. Kramskoy (1837-1887), I.E. 레핀(1844-1930)등

과학 및 예술 분야의 저명한 인물의 초상화 구성을 해결하는 훌륭한 예는 예술가가 만든 일련의 캔버스입니다. 뮤직비디오 네스테로프 (1877-1942)... 주인은 말하자면 창의적이고 집중된 생각, 영적 탐색 작업에서 가장 강렬한 순간에 영웅을 찾았습니다 (그림 13). 이것은 유명한 소비에트 조각가의 초상화가 해결 된 방법입니다. ID. Shadr (1934) 및 V.I. 무키나 (1940),아카데미 회원 아이피 파블로바 (1935)그리고 저명한 외과의사 봄 여름 시즌. 유딘 (1935).

회화는 현실을 가장 완전하고 실제와 같이 반영하는 회화, 회화의 창작으로 구성된 순수 예술 유형입니다.

물감(오일, 템페라, 수채화, 구아슈 등)을 단단한 표면에 도포하여 만든 예술 작품을 페인팅이라고 합니다. 그림의 주요 표현 수단은 색상, 다양한 감정, 연상을 불러일으키는 능력, 이미지의 감성을 향상시키는 것입니다. 작가는 보통 팔레트에 그림을 그리는 데 필요한 색을 구성한 다음 그림의 평면에서 물감을 색으로 변환하여 색 순서를 만듭니다. 색상 조합의 특성에 따라 따뜻함과 차가움, 쾌활함과 슬픔, 차분함과 긴장, 밝음과 어두움이 있습니다.

그림 이미지는 매우 명확하고 설득력이 있습니다. 회화는 부피와 공간, 자연을 평면으로 전달할 수 있고, 인간의 감정과 인물의 복잡한 세계를 드러내고, 보편적인 인간 아이디어, 역사적 과거의 사건, 신화적 이미지 및 환상의 비행을 구현합니다.

독립적인 유형의 순수 예술로서의 회화와 달리 회화적 접근(방법)은 드로잉, 그래픽, 심지어 조각에서도 다른 형태로 사용될 수 있습니다. 회화적 접근의 본질은 주변 공간의 빛-공기 환경과 관련하여 대상을 미묘한 계조의 색조 전환으로 묘사하는 데 있습니다.

주변 세계의 다양한 사물과 사건, 의도

그들에 대한 관심은 XVII 동안 예술가의 출현으로 이어졌습니다.

XX 세기. 회화 장르: 인물, 정물, 풍경, 동물, 일상(장르 회화), 신화, 역사, 전투 장르. 장르나 그 요소들의 조합은 회화 작품에서 찾아볼 수 있다. 예를 들어, 정물이나 풍경은 인물 이미지를 잘 보완할 수 있습니다.

사용하는 기법과 재료에 따라 회화는 유, 템페라, 왁스(엔코스틱), 에나멜, 풀, 습식 석고에 수성페인트(프레스코) 등으로 나눌 수 있다. 그래픽에서. 수채화, 구아슈, 파스텔로 만든 작품은 회화와 그래픽 모두에 관련될 수 있습니다.

페인팅은 건조된 페인트 층에 적용되는 언더페인팅 및 글레이징, 투명 및 반투명 페인트 층을 포함하여 즉시 수행되는 단일 층 및 다중 층일 수 있습니다. 이것은 최고의 뉘앙스와 색상 음영을 얻습니다.

회화에서 예술적 표현의 중요한 수단은 색채(채색) 외에 점과 획의 성질, 물감 표면의 처리(질감), 조명에 따라 미묘한 색조의 변화를 보이는 발레르, 인접한 색상의 상호 작용.

회화에서 볼륨과 공간의 구성은 선형적이고 경쾌한 원근법, 따뜻한 색과 차가운 색의 공간적 특성, 형태의 빛과 그림자 모델링, 캔버스의 일반적인 색조의 전달과 관련이 있습니다. 그림을 그리려면 색 외에도 좋은 그림과 표현력 있는 구도가 필요합니다. 예술가는 일반적으로 스케치에서 가장 성공적인 솔루션을 찾기 위해 캔버스 작업을 시작합니다. 그런 다음 그는 자연에서 얻은 수많은 그림 같은 스케치에서

구성의 필요한 요소를 통해 작동합니다. 그림 작업은 붓으로 구성을 그리는 것으로 시작할 수 있습니다.

하나 또는 다른 그림 수단으로 캔버스를 직접 쓰는 것. 더욱이, 예비 스케치와 연구조차도 때때로 특히 유명한 화가의 붓에 속하는 경우 독립적인 예술적 의미를 갖습니다. 회화는 구석기 시대의 암벽화에서 20세기 회화의 최신 경향에 이르기까지 수세기에 걸쳐 진화한 매우 오래된 예술입니다. 회화는 사실주의에서 추상 예술에 이르기까지 아이디어의 구현을 위한 광범위한 가능성을 가지고 있습니다. 그녀의 성장 과정에서 거대한 영적 보물이 축적되었습니다. 고대 시대에는 현실 세계를 사람이 보는 그대로 재현하고자 하는 욕구가 생겨났습니다. 이것은 chiaroscuro의 원리, 원근법의 요소, 3 차원 그림 이미지의 출현을 일으켰습니다. 회화적 수단으로 현실을 표현하는 새로운 주제적 가능성이 드러났습니다. 사원, 주거지, 무덤 및 기타 구조물을 장식하는 데 사용되는 그림은 건축 및 조각과 예술적으로 일치했습니다.

중세 회화는 내용면에서 주로 종교적이었습니다. 그것은 주로 지역 색상, 표현력있는 윤곽선의 울림있는 표현으로 구별되었습니다.

프레스코와 그림의 배경은 일반적으로 전통적이거나 추상적이거나 황금색이었고 신비한 깜박임으로 신성한 아이디어를 구현했습니다. 색의 상징성은 중요한 역할을 했습니다.

르네상스 시대에 우주의 조화, 인간 중심주의(우주의 중심에 있는 사람)의 느낌은 종교적, 신화적 주제에 대한 회화 구성, 초상화, 일상 및 역사적 장면에 반영되었습니다. 과학적으로 근거한 선형 및 공중 원근법 시스템인 chiaroscuro를 개발하면서 회화의 역할이 증가했습니다.

구상성을 거부하고 세상에 대한 작가의 개인적인 태도, 감성과 색채의 관습, 과장과 기하학을 능동적으로 표현한 추상회화가 등장한다.

구성 솔루션의 형태, 장식성 및 연관성.

XX 세기에. 새로운 색상과 그림을 만드는 기술적 수단에 대한 탐색은 계속되고 있으며, 이는 의심할 여지 없이 새로운 스타일의 그림이 출현하게 되지만 유화는 여전히 예술가들에게 가장 사랑받는 기술 중 하나입니다.

회화 장르(fr. 장르 - 속, 종)는 이미지의 주제와 대상에 따라 역사적으로 확립된 회화 작품의 분할입니다. 현대 회화에는 초상화, 역사, 신화, 전투, 일상 생활, 풍경, 정물, 동물적 장르의 장르가 있습니다.

"장르"라는 개념이 비교적 최근에 회화에 등장했지만 구석기 시대 동굴의 동물 이미지, 기원전 3000년의 고대 이집트와 메소포타미아의 초상화, 헬레니즘과 로마의 풍경과 정물 등 고대부터 특정 장르의 차이가 존재했습니다. 모자이크와 프레스코화. 이젤 회화의 시스템으로서 장르의 형성은 15-15세기에 유럽에서 시작되었습니다. 미술을 장르로 나누는 것 외에도 이미지, 주제, 줄거리의 주제에 따라 "높은"장르와 "낮은"장르의 개념이 등장한 17 세기에 주로 끝났습니다.

역사 및 신화 장르는 "높은"장르, 초상화, 풍경 및 정물 - "낮은"장르에 기인합니다. 이러한 장르의 그라데이션은 19세기까지 지속되었습니다. 그래서 17세기 네덜란드에서는 회화의 주역이 된 것은 "낮은" 장르(풍경, 장르, 정물)였으며, 형식적으로는 초상화의 "낮은" 장르에 속했던 의례용 초상화가 에 속하지 않습니다.

삶을 전시하는 형식이 된 회화의 장르는 모든 공통된 특징의 안정성에 변함이 없으며 삶과 함께 발전하고 예술이 발전함에 따라 변화합니다. 일부 장르는 소멸하거나 새로운 의미를 획득하고(예: 신화적 장르), 일반적으로 기존 장르 내에서 새로운 의미가 나타납니다(예: 건축 풍경 및 바다 풍경은 풍경 장르 내에서 나타남). 다양한 장르를 결합한 작품이 있다(예를 들어, 한 장르의 장르와 풍경의 조합, 단체 초상화와 역사적 장르의 조합).

사람이나 집단의 외면과 내면을 반영하는 미술의 장르는 초상화... 이 장르는 회화뿐만 아니라 조각, 그래픽 등에도 널리 퍼져 있습니다. 초상화의 주요 요구 사항은 외부 유사성의 이전과 사람의 성격의 본질 인 내부 세계의 공개입니다. 이미지의 특성에 따라 의식 및 실내 초상화의 두 가지 주요 그룹이 구별됩니다. 의식 초상화는 건축 또는 풍경 배경에 대해 완전히 성장한 사람(말 위에서, 서 있거나 앉아 있음)을 보여줍니다. 챔버 초상화에서는 중간 배경에 대해 반신 또는 흉상 이미지가 사용됩니다. 작가의 자화상인 자화상은 특별한 집단에서 두드러진다.

초상화는 미술의 가장 오래된 장르 중 하나이며 처음에는 숭배의 목적이 있었고 고인의 영혼과 동일시되었습니다. 고대 세계에서 초상화는 1~3세기의 Fayum 초상화인 회화 초상화뿐만 아니라 조각에서도 더 많이 발전했습니다. 중세 시대에 초상화의 개념은 일반화된 이미지로 대체되었지만 프레스코, 모자이크, 아이콘, 미니어처에는 역사적 인물 묘사에 개별적인 특징이 있습니다. 후기 고딕과 르네상스는 초상화 장르의 형성이 일어나고 사람에 대한 인본주의적 믿음과 그의 영적 삶에 대한 이해의 절정에 도달하는 초상화 발전의 폭풍우 치는시기입니다.

역사적 사건과 인물에 전념하는 미술 장르를 역사적 장르... 기념비를 특징으로 하는 역사적 장르는 벽화에서 오랫동안 발전해 왔다. 르네상스부터 19세기까지. 예술가들은 고대 신화, 기독교 전설의 음모를 사용했습니다. 종종 그림에 묘사된 실제 역사적 사건은 신화적 또는 성서적 비유적 인물로 가득 차 있습니다.

역사적 장르는 일상 생활의 장르 (역사적 장면), 초상화 (과거의 역사적 인물 묘사, 초상화 - 역사적 구성), 풍경 ( "역사적 풍경"), 전투 장르와 병합됩니다.

역사적 장르는 이젤과 기념비적 형태, 미니어처, 일러스트레이션으로 구현됩니다. 고대에 시작된 역사 장르는 실제 역사적 사건과 신화를 결합했습니다. 고대 동양 국가에는 상징적 인 구성 유형 (군주의 군사적 승리의 신격화, 신에 의한 권력 이양)과 그림과 부조의 서사적 순환이있었습니다. 고대 그리스에는 역사적인 영웅의 조각 이미지가 있었고 고대 로마에서는 군사 캠페인과 승리의 장면으로 구호가 만들어졌습니다.

중세 유럽에서는 역사적 사건이 연대기의 축소판, 아이콘으로 반영되었습니다. 이젤 그림의 역사적 장르는 17-18세기 르네상스 시대에 유럽에서 형성되기 시작했습니다. 그것은 (종교적, 신화적, 우화적, 실제로 역사적 주제)를 전면에 내세우는 "높은" 장르로 간주되었습니다.

역사적 장르의 그림들은 극적인 내용과 숭고한 미학적 이상, 인간관계의 깊이로 가득 차 있었다.

고대 민족의 신화가 말하는 영웅과 사건에 전념하는 미술 장르를 신화 장르(그리스 신화에서 - 전설). 신화 장르는 역사와 접촉하고 고대 전설이 복잡한 윤리적, 종종 우화적인 함축을 가진 이야기와 인물의 구체화를 위한 가장 풍부한 기회를 제공했던 르네상스 시대에 형성됩니다. XVII 세기에. - 일찍. XIX 세기, 신화 장르의 작품에서 도덕적, 미적 문제의 범위가 확대되고 있으며, 이는 높은 예술적 이상으로 구현되고 삶에 더 가깝거나 축제의 광경을 만듭니다. XIX-XX 세기에서. 게르만, 켈트, 인도, 슬라브 신화의 주제가 대중화되었습니다.

배틀 장르(프랑스 bataille에서 - 전투)는 역사적, 신화적 장르의 일부이며 전투, 군사적 착취, 군사 행동, 군대의 용맹 미화, 전투의 분노, 승리의 승리를 묘사하는 것을 전문으로 하는 회화 장르입니다. 전투 장르에는 일상, 인물, 풍경, 동물, 정물 등 다른 장르의 요소가 포함될 수 있습니다.

개인의 일상, 사생활, 농민과 도시생활의 일상을 보여주는 미술의 장르 일상 장르... 사람들의 삶과 도덕에 대한 호소는 고대 동양의 그림과 부조, 골동품 꽃병 그림과 조각, 중세 아이콘과 시간 책에서 이미 발견됩니다. 그러나 일상적 장르는 세속적 이젤아트의 현상으로서만 두드러지고 그 특징적인 형태를 획득하였다. 주요 기능은 XIV-XV 세기에 형성되기 시작했습니다. 네덜란드, 독일, 프랑스의 제단 그림, 부조, 태피스트리, 미니어처. 16세기 네덜란드에서는 일상생활의 장르가 급속히 발전하기 시작하여 고립되었다. 창립자 중 한 명이 Hieronymus Bosch였습니다.

유럽에서 장르 장르의 발전은 Pieter Bruegel의 작업에 큰 영향을 받았습니다. 그는 순수한 장르로 이동하여 일상 생활이 연구의 대상이자 아름다움의 원천이 될 수 있음을 보여줍니다. 17 세기는 유럽의 모든 회화 학교에서 장르 장르의 세기라고 할 수 있습니다.

XVIII 세기에. 프랑스에서 장르 회화는 용감한 장면의 묘사와 관련되어 "목가"가 세련되고 우아하며 아이러니하게 변합니다. 일상 장르의 작품은 다양합니다. 가정 생활의 따뜻함과 먼 나라의 이국적인 느낌, 감상적 경험 및 낭만적 인 열정을 보여주었습니다. 농민의 삶과 도시 거주자의 삶을 보여주는 데 중점을 둔 일상 생활의 장르는 19 세기 러시아 회화에서 생생하게 발전했습니다. 예를 들어 A.G. Venetsianov, P.A.Fedotov, V.G. Perov, I.E. Repin의 작품.

자연, 환경, 시골 풍경, 도시, 역사적 기념물의 이미지가 가장 중요한 미술 장르는 풍경(fr.paysage). 농촌, 도시, 건축, 산업, 해양(선착장) 및 강 경관을 구별하십시오.

고대와 중세에는 사원, 궁전, 아이콘 및 미니어처 그림에 풍경이 나타납니다. 유럽 ​​미술에서 자연의 묘사로 가장 먼저 눈을 돌린 사람은 르네상스의 베네치아 화가였습니다. XVI 세기부터. 풍경은 독립적 인 장르가되고 서정적, 영웅적, 다큐멘터리 풍경과 같은 다양성과 방향이 형성됩니다. XIX 세기에. 조경 대가의 창조적 인 발견, 사회적 문제로의 포화, plein air (자연 환경의 이미지)의 개발은 인상주의의 성취로 끝났고, 이는 공간적 깊이, 빛의 가변성의 그림 전송에 새로운 기회를 제공했습니다. 공기 환경, 색상 범위의 복잡성.

실제 가정 환경에 배치된 가정 용품, 노동, 창의성, 꽃, 과일, 게임, 잡은 물고기 등을 보여주는 미술의 한 장르라고 합니다. 정물(fr. nature morte - 죽은 자연). 정물에는 복잡한 상징적 의미가 부여되어 장식 패널의 역할을 할 수 있습니다. "속임수"는 실제 사물이나 인물을 환상적으로 복제하여 진정한 자연의 존재 효과를 일으키는 것입니다.

사물의 묘사는 고대와 중세의 예술에서도 알려져 있습니다. 그러나 이젤 그림의 첫 번째 정물화는 베니스 Jacopo de Barbari의 "화살과 장갑을 든 자고"의 그림으로 간주됩니다. 이미 16세기에 정물은 여러 유형으로 나뉩니다. 사람이 있거나 없는 주방 인테리어, 시골에 놓인 탁자, 상징적인 물건이 있는 "바니타스"(꽃병, 꺼진 양초, 악기). 특히 네덜란드의 정물화는 색과 묘사가 겸손했지만 사물의 표현적 질감, 색과 빛의 유희에서 세련된 것이 풍부했습니다.

동물을 소재로 한 미술 장르를 동물적 장르(lat.animal에서 - 동물). 동물 화가는 동물의 예술적, 비 유적 특성, 습성, 그림의 장식적 표현, 실루엣에주의를 기울입니다. 동물은 종종 인간의 특성, 행동 및 경험을 부여받습니다. 동물의 이미지는 골동품 조각과 꽃병 그림에서 종종 발견됩니다.

- 이것은 미술의 주요 유형 중 하나입니다. 표면에 색 물감으로 객관적인 세계의 예술적 이미지입니다. 그림은 이젤, 기념비 및 장식으로 세분화됩니다.

- 주로 캔버스(판지, 목판 또는 벌거벗은)에 유채로 만든 작품으로 대표된다. 가장 널리 보급된 그림 유형입니다. "라는 용어에 일반적으로 적용되는 유형입니다. 페인트 등".

건물 및 건물의 건축 요소를 장식할 때 벽에 그림을 그리는 기법입니다. 특히 유럽에서 흔히 볼 수 있는 프레스코 - 수용성 물감으로 젖은 석고 위에 기념비적인 그림. 이 그림 기법은 고대부터 잘 알려져 있습니다. 나중에 이 기술은 많은 기독교 종교 사원과 금고를 설계하는 데 사용되었습니다.

장식 그림 - (라틴어 데코로(decoro) - 장식하다)는 사물과 내부 세부 사항, 벽, 가구 및 기타 장식 항목에 이미지를 그리고 적용하는 방법입니다. 예술과 공예를 가리킵니다.

회화의 가능성은 15세기부터 유채가 대거 사용된 순간부터 이젤화를 통해 특히 생생하게 드러났습니다. 그 안에는 특별한 다양한 콘텐츠와 깊이 있는 형태의 정교함이 있습니다. 회화적 예술적 수단의 중심에는 색채(페인트의 가능성), chiaroscuro 및 선과의 불가분의 일치가 있습니다. 색상과 chiaroscuro는 다른 유형의 예술에서는 접근할 수 없는 완전성과 밝기를 가진 회화 기법에 의해 개발되고 발전되었습니다. 이는 사실적 회화에 내재된 입체적이고 공간적인 조형의 완성도, 현실의 생생하고 정확한 전달, 작가가 구상한 플롯(구성 구성 방법)의 실현 가능성 및 기타 회화적 이점 때문입니다.

회화의 종류에 따른 또 다른 차이점은 물감의 종류에 따른 실행 기법이다. 일반적인 특성은 항상 정의하기에 충분하지 않습니다. 각각의 개별 사례에서 회화와 그래픽 사이의 경계: 예를 들어 수채화나 파스텔로 만든 작품은 예술가의 접근 방식과 그에게 할당된 작업에 따라 두 영역 모두와 관련될 수 있습니다. 종이에 그리는 것은 그래픽 디자인이지만 다른 잉크 페인팅 기술을 사용하면 때때로 그림과 그래픽의 구분이 흐려집니다.

의미 론적 용어 "그림"자체가 러시아어의 단어라는 것을 명심해야합니다. 바로크 시대에 러시아에서 순수 예술이 형성되는 동안 용어로 사용되었습니다. 그 당시의 "회화"라는 단어의 사용은 물감이있는 특정 종류의 사실적인 그림에만 적용되었습니다. 그러나 처음에는 이 단어가 그리스어 텍스트(이것이 "번역의 어려움")의 의미를 번역한 것이기 때문에 "쓰기"(쓰기를 의미함)라는 단어를 사용하는 아이콘을 그리는 교회 기술에서 유래했습니다. 러시아에서 자체 예술 학교의 발전과 예술 분야의 유럽 학술 지식의 상속은 러시아어 단어 "회화"의 적용 분야를 개발하여 교육 용어 및 문학 언어로 기록했습니다. 그러나 러시아어에서는 그림을 쓰고 그리는 것과 관련하여 동사 "쓰기"의 의미의 특성이 형성되었습니다.

회화 장르

시각 예술의 발전 과정에서 몇 가지 고전 장르의 그림이 형성되어 고유 한 특성과 규칙을 얻었습니다.

초상화작가가 원본과의 유사성을 달성하기 위해 노력하는 인물의 사실적인 묘사입니다. 가장 인기있는 회화 장르 중 하나. 대부분의 클라이언트는 아티스트의 재능을 활용하여 자신의 이미지를 영속시키거나 사랑하는 사람, 친척 등의 이미지를 얻고자 했습니다. 고객들은 초상화를 닮은 것(또는 심지어 장식하기까지)을 원했고, 역사에 시각적 구현을 ​​남겼습니다. 다양한 스타일의 초상화는 대부분의 미술관 및 개인 소장품 박람회에서 가장 방대한 부분을 차지합니다. 이 장르에는 다음과 같은 종류의 초상화도 포함됩니다. 자화상 -그가 쓴 예술가 자신의 이미지.

풍경- 작가가 자연, 자연의 아름다움 또는 독특함을 표현하고자 하는 대중적인 회화 장르 중 하나. 다양한 유형의 자연 (계절의 분위기 및 날씨)은 모든 시청자에게 생생한 정서적 영향을 미칩니다. 이것은 사람의 심리적 특징입니다. 풍경에서 감정적인 인상을 받고자 하는 열망은 이 장르를 예술 창작에서 가장 인기 있는 장르 중 하나로 만들었습니다.

- 이 장르는 여러 면에서 풍경과 유사하지만 주요 특징이 있습니다. 그림은 건축물, 건물 또는 도시가 참여하여 풍경을 묘사합니다. 특별한 방향은 장소의 분위기를 전달하는 도시의 스트리트 뷰입니다. 이 장르의 또 다른 방향은 특정 ​​건물의 건축물의 아름다움에 대한 이미지 - 외관 또는 내부 이미지입니다.

- 회화의 주요 줄거리가 역사적 사건 또는 예술가의 해석인 장르. 흥미로운 점은 성경적 주제에 대한 엄청난 수의 그림이 이 장르에 속한다는 것입니다. 중세 이후로 성경의 주제는 "역사적인" 사건으로 간주되었고 이 그림의 주요 고객은 교회였습니다. "역사적인" 성경적 주제는 대부분의 예술가들의 작품에 존재합니다. 역사적 그림의 재탄생은 신고전주의 시대에 예술가들이 잘 알려진 역사적 주제, 고대 사건 또는 국가 전설로 전환하는 때 발생합니다.

- 전쟁과 전투의 장면을 반영합니다. 특징은 역사적 사건을 반영하려는 욕구일 뿐만 아니라 관객에게 위업과 영웅심의 감정적 상승을 전달하려는 욕망입니다. 결과적으로 이 장르는 또한 정치적이 되어 예술가가 현재 일어나고 있는 일에 대한 자신의 견해(자신의 태도)를 관객에게 전달할 수 있습니다. 우리는 V. Vereshchagin의 작업에서 정치적 강조의 유사한 효과와 예술가의 재능의 힘을 볼 수 있습니다.

꽃, 음식, 접시를 사용하여 무생물의 구성으로 그림의 장르입니다. 이 장르는 가장 최신의 장르 중 하나이며 네덜란드 회화 학교에서 형성되었습니다. 아마도 그 모습은 네덜란드 학교의 특성 때문일 것입니다. 네덜란드의 17세기 경제 붐으로 상당수의 인구가 저렴한 사치품(그림)에 대한 열망을 갖게 되었습니다. 이러한 상황은 많은 예술가들을 네덜란드로 끌어들이고 그들 사이에서 치열한 경쟁을 불러일으켰습니다. 가난한 예술가들은 모델과 워크샵(적절한 옷을 입은 사람들)을 이용할 수 없었습니다. 판매용으로 그림을 그릴 때 사용 가능한 도구(오브젝트)를 사용하여 그림을 구성했습니다. 네덜란드 학교의 역사에서 이러한 상황은 풍속화의 발전의 이유입니다.

장르 회화 - 그림의 줄거리는 보통 사람들이 참여하는 일상 생활이나 휴일의 일상적인 장면입니다. 정물뿐만 아니라 17세기에 네덜란드 예술가들 사이에서 널리 퍼졌습니다. 낭만주의와 신고전주의 시대에 이 장르는 새로운 탄생을 맞이하고 회화는 일상 생활을 반영하기보다는 그것을 낭만화하고 줄거리에 특정한 의미나 도덕성을 부여하기 위해 노력합니다.

마리나- 바다 풍경, 바다가 보이는 해안 풍경, 바다의 일출과 일몰, 선박 또는 해전을 묘사하는 풍경 보기. 별도의 전투 장르가 있지만 해전은 여전히 ​​'마리나' 장르에 속합니다. 이 장르의 발전과 대중화는 또한 17세기 네덜란드 학교에 기인할 수 있습니다. 그는 Aivazovsky의 작업 덕분에 러시아에서 인기가있었습니다.

-이 장르의 특징은 동물과 새의 아름다움을 묘사하는 사실적인 그림을 만드는 것입니다. 이 장르의 흥미로운 특징 중 하나는 존재하지 않거나 신화적인 동물을 묘사하는 그림이 있다는 것입니다. 동물 예술가들은 동물학자.

회화의 역사

사실적인 이미지에 대한 요구는 고대부터 존재했지만, 기술의 부족, 체계적인 학교 및 교육의 부족으로 인해 여러 가지 단점이 있었습니다. 고대에는 석고에 그림을 그리는 기법으로 응용되고 기념비적인 그림의 예를 종종 찾을 수 있습니다. 고대에는 연기자의 재능이 더 중요했고 예술가는 도료를 만드는 기술과 체계적인 교육을 받을 가능성이 제한적이었습니다. 그러나 이미 고대에 전문 지식과 작품(Vitruvius)이 형성되어 르네상스 시대 유럽 예술의 새로운 번영의 기초가 될 것입니다. 장식 그림은 그리스와 로마 고대(중세에 학교는 사라졌음)에 상당한 발전을 이루었으며, 그 수준은 15세기 이후에야 도달했습니다.

고대 회화의 예술 상태의 한 예인 로마 프레스코화(Pompeii, BC 1세기):

중세의 "암흑기", 호전적인 기독교 및 종교 재판은 고대의 예술적 유산에 대한 연구를 금지합니다. 고대 거장의 방대한 경험, 비율, 구성, 건축 및 조각 분야의 지식은 금지되며 고대 신에 대한 헌신으로 인해 많은 예술적 가치가 파괴됩니다. 유럽에서 예술과 과학의 가치로의 복귀는 르네상스(부흥) 기간에만 발생합니다.

초기 르네상스(부흥)의 예술가들은 고대 예술가들의 업적과 수준을 만회하고 부흥시켜야 한다. 초기 르네상스 예술가들의 작품에서 우리가 존경하는 것은 로마의 거장들의 수준이었습니다. 중세, 호전적인 기독교 및 종교 재판의 "암흑기" 동안 유럽 예술(및 문명) 발전의 수세기에 걸친 손실의 생생한 예 - 이 그림의 차이는 14세기입니다!

15세기에 유성 페인트를 만드는 기술과 이를 그리는 기술의 출현과 확산은 이젤 페인팅의 발전과 특별한 유형의 예술가 생산(프라이밍된 캔버스 또는 나무에 채색된 유화)을 일으켰습니다.

회화는 주로 Leon Battista Alberti(1404-1472)의 작품 덕분에 르네상스 시대에 질적 발전에서 큰 도약을 이루었습니다. 그는 처음으로 회화에서 원근법의 기초를 제시했습니다(논문 "회화에 관하여" 1436). 그에게 (과학적 지식의 체계화에 관한 그의 작업) 유럽 미술 학교는 예술가의 그림에서 현실적인 관점과 자연스러운 비율의 출현 (부흥)을 빚지고 있습니다. Leonardo da Vinci의 많은 그림에 유명하고 친숙합니다. "비트루비안 맨"(인간의 비율)은 1493년에 Vitruvius의 고대 지식인 비율과 구성을 체계화하는 데 전념했으며 Alberti의 논문 "On Painting"보다 반세기 후에 Leonardo에 의해 만들어졌습니다. 그리고 레오나르도의 작업은 르네상스의 유럽(이탈리아) 미술 학교의 발전의 연속입니다.

그러나 회화는 유화 기법이 널리 보급되고 물감 제작을 위한 다양한 기술이 등장하고 회화 학교가 형성된 16-17세기부터 밝고 방대한 발전을 이루었습니다. 지식과 예술 교육(회화 기법)의 체계는 귀족과 군주로부터의 예술 작품에 대한 수요와 결합하여 유럽(바로크 시대)에서 순수 예술의 급속한 개화로 이끈다.

유럽의 군주제, 귀족 및 기업가의 무한한 재정적 가능성은 17-19세기에 회화의 발전을 위한 훌륭한 기반이 되었습니다. 그리고 교회의 영향력과 세속적 삶의 방식(개신교의 발전에 의해 증가됨)의 약화는 회화(바로크와 로코코)에서 많은 플롯, 스타일 및 방향의 탄생을 허용했습니다.

시각 예술의 발전 과정에서 예술가들은 작품에서 가장 높은 수준의 사실주의를 이끌어내는 다양한 스타일과 기술을 형성했습니다. 19세기 말(모더니즘 경향의 도래와 함께)이 되자 회화에서 흥미로운 변화가 시작되었습니다. 예술 교육의 가용성, 대중(및 구매자)의 예술가 예술에 대한 엄청난 경쟁 및 높은 요구는 표현 방식의 새로운 방향을 제시합니다. 순수 예술은 더 이상 공연 기술의 수준에만 국한되지 않으며 예술가는 자신의 작품에 특별한 의미, "시각" 및 철학을 추가하기 위해 노력합니다. 종종 성능 수준을 떨어뜨리는 것은 추측이 되거나 터무니없는 방식이 됩니다. 다양한 새로운 스타일, 활발한 토론, 심지어 스캔들까지도 새로운 형태의 회화에 대한 관심을 불러일으키고 있습니다.

많은 컴퓨터 프로그램과 장비를 사용하여 페인트로 모든 페인팅 기술을 완전히 반복 할 수 있지만 현대 컴퓨터 (디지털) 드로잉 기술은 그래픽을 참조하며 페인팅이라고 부를 수 없습니다.

). 그러나 이 기사의 틀 내에서 우리는 오브제 아트만 고려할 것입니다.

역사적으로 모든 장르는 상류와 하류로 나뉘었다. 에게 높은 장르또는 역사적 그림에는 일종의 도덕성, 종교, 신화 또는 예술적 허구와 관련된 역사적, 군사적 사건을 보여주는 중요한 아이디어를 지닌 기념비적 성격의 작품이 포함되었습니다.

에게 낮은 장르일상 생활과 관련된 모든 것에 기인합니다. 정물화, 인물화, 가정화, 풍경화, 동물주의, 벌거벗은 사람의 이미지 등이 있습니다.

애니멀리즘(lat.animal - 동물)

동물주의 장르는 고대에 처음 사람들이 바위에 육식 동물을 그렸을 때 시작되었습니다. 점차 이 방향은 독립적인 장르로 성장하여 모든 동물의 표현적인 이미지를 암시합니다. 동물학자들은 일반적으로 동물의 왕국에 큰 관심을 보입니다. 예를 들어, 뛰어난 승마를 하거나 애완동물을 키우거나 단순히 오랜 시간 동안 습관을 연구할 수 있습니다. 작가의 의도에 따라 동물들은 사실적으로 나타나거나 예술적 이미지의 형태로 나타날 수 있다.

예를 들어 러시아 예술가들 중에는 많은 사람들이 말에 정통했습니다. 따라서 Vasnetsov의 유명한 그림 "Heroes"에서 영웅적인 말은 가장 뛰어난 기술로 묘사됩니다. 색상, 동물 행동, 굴레 및 라이더와의 연결이 신중하게 고려됩니다. Serov는 사람을 싫어하고 여러 가지 면에서 사람보다 말을 더 좋게 여겼기 때문에 다양한 장면에서 종종 그것을 묘사했습니다. 그는 동물을 그렸지만 자신을 동물주의자라고 생각하지 않았기 때문에 그의 유명한 그림 "소나무 숲의 아침"에서 곰은 동물학자 K. Savitsky에 의해 만들어졌습니다.

차르 시대에는 인간이 사랑했던 애완 동물과 함께하는 초상화가 특히 인기를 얻었습니다. 예를 들어, 그림에서 황후 Catherine II는 그녀의 사랑하는 강아지와 함께 나타났습니다. 동물은 다른 러시아 예술가의 초상화에도 등장했습니다.

장르의 유명한 러시아 예술가의 그림 예

역사화

이 장르는 웅대한 계획, 일종의 진실, 도덕성을 사회에 전달하거나 중요한 사건을 보여주기 위해 고안된 기념비적인 그림을 의미합니다. 여기에는 역사적, 신화적, 종교적 주제, 민속 및 군사 장면에 대한 작업이 포함됩니다.

고대 국가에서 신화와 전설은 오랫동안 과거의 사건으로 여겨져 왔으며 종종 프레스코화나 꽃병에 묘사되었습니다. 나중에 예술가들은 주로 전투 장면의 묘사로 표현된 소설과 사건을 분리하기 시작했습니다. 고대 로마, 이집트, 그리스에서는 적에 대한 승리를 과시하기 위해 승리한 전사의 방패에 영웅적인 전투 장면을 자주 묘사했습니다.

중세에는 교회 교리의 지배로 인해 종교적 주제가 만연했고, 르네상스 시대에는 사회가 주로 국가와 통치자를 영화롭게 하기 위해 과거로 돌아갔고, 18세기부터 이 장르는 종종 젊은이들을 교육하는 것으로 바뀌었습니다. 사람들. 러시아에서는 예술가들이 종종 러시아 사회의 삶을 분석하려고 시도했던 19세기에 장르가 널리 퍼졌습니다.

예를 들어 러시아 예술가들의 작품에서 전투 그림이 제시되었습니다. 그는 그림에서 신화적이고 종교적인 주제를 다루었습니다. 역사적 그림이 우세했습니다. 민속 - ~에서.

역사 회화 장르의 유명한 러시아 예술가들의 그림의 예

정물 (fr. Nature - 자연과 morte - 죽은)

이 그림 장르는 무생물의 묘사와 관련이 있습니다. 그들은 꽃, 과일, 접시, 게임, 주방 용품 및 기타 개체가 될 수 있으며 예술가는 종종 그의 의도에 따라 구성을 구성합니다.

최초의 정물은 고대 국가에서 나타났습니다. 고대 이집트에서는 다양한 음식의 형태로 신에게 제물을 바치는 것이 관례였습니다. 동시에 대상의 인식이 우선이었기 때문에 고대 미술가들은 특히 chiaroscuro나 정물 물체의 질감에 대해 신경 쓰지 않았습니다. 고대 그리스와 로마에서는 꽃과 과일이 회화와 집에서 발견되어 실내를 장식하여 보다 사실적이고 그림처럼 묘사되었습니다. 이 장르의 형성과 개화는 정물에 숨겨진 종교적 의미 및 기타 의미가 포함되기 시작한 16세기와 17세기에 이루어집니다. 동시에 이미지의 주제 (꽃, 과일, 과학자 등)에 따라 많은 종류가 나타났습니다.

러시아에서는 20세기에만 정물이 번성했습니다. 그 이전에는 주로 교육 목적으로 사용되었기 때문입니다. 그러나 이러한 발전은 모든 방향으로 추상화를 포함하여 신속하고 포착되었습니다. 예를 들어, 그는 그의 정물을 선호하고, 작업하고, 종종 "부활"하여 아름다운 꽃 구성을 만들어 시청자에게 접시가 테이블에서 떨어지려고 하거나 모든 물체가 이제 회전하기 시작할 것이라는 인상을 줍니다.

예술가들이 묘사한 대상들은 의심할 여지 없이 그들의 이론적 관점이나 세계관, 마음의 상태에 영향을 받았습니다. 그래서 이것들은 그가 발견한 구면 원근법의 원리에 따라 묘사된 대상들이었고, 그들의 드라마에는 표현주의적 정물화가 눈에 띈다.

많은 러시아 예술가들은 주로 교육 목적으로 정물을 사용했습니다. 그래서 그는 예술적 기술을 연마했을 뿐만 아니라 빛과 색을 사용하여 다양한 방식으로 물체를 배치하는 많은 실험을 수행했습니다. 선의 모양과 색상을 실험한 다음 사실주의에서 순수한 원시주의로 이동한 다음 두 스타일을 혼합했습니다.

일부 예술가는 이전에 묘사한 것과 좋아하는 것을 정물에 결합했습니다. 예를 들어, 그림에서 그의 사랑하는 꽃병, 메모 및 이전에 만든 아내의 초상화를 찾을 수 있으며 어린 시절부터 사랑했던 꽃을 묘사했습니다.

예를 들어 다른 많은 러시아 예술가들도 같은 장르에서 일했습니다.

정물 장르의 유명한 러시아 예술가의 그림 예

Nu(fr.nudite - 누드, 약칭 nu)

알몸의 아름다움을 표현하기 위한 장르로 우리 시대 이전에 등장했다. 고대 세계에서는 전 인류의 생존이 신체 발달에 달려 있었기 때문에 신체 발달에 많은 관심을 기울였습니다. 따라서 고대 그리스에서는 선수들이 전통적으로 알몸으로 경기를 펼쳤습니다. 따라서 소년과 청년은 잘 발달된 신체를 보고 동일한 신체적 완성도를 얻기 위해 노력했습니다. 7~6세기경. 기원전 이자형. 남자의 체력을 의인화 한 누드 남성 동상이 나타났습니다. 반면에 여성 인물은 여성의 신체를 노출시키는 것이 관례가 아니었기 때문에 항상 예복을 입고 청중 앞에 나타났습니다.

이후 시대에는 알몸에 대한 태도가 바뀌었습니다. 따라서 헬레니즘 시대(기원전 6세기 말부터)에는 지구력이 배경으로 사라져 남성 인물에 대한 감탄으로 바뀌었습니다. 동시에 최초의 여성 누드 피규어가 등장하기 시작했습니다. 바로크 시대에는 장엄한 형태의 여성이 이상적이었고, 로코코 시대에는 관능이 가장 중요했으며, 19-20세기에는 알몸의 그림이나 조각(특히 남성)이 금지되는 경우가 많았습니다.

러시아 예술가들은 작품에서 반복적으로 누드 장르로 전환했습니다. 그래서 이들은 연극적 속성을 지닌 무용수들이며 기념비적인 플롯의 중심에서 소녀나 여성의 포즈를 취하고 있습니다. 그것은 쌍을 포함하여 많은 관능적 인 여성들이 있고, 벌거 벗은 여성들이 다른 일을하는 것을 묘사 한 일련의 그림이 있으며, 순수함이 가득한 소녀들이 있습니다. 예를 들어 일부는 완전히 벌거 벗은 남자를 묘사했지만 그러한 그림은 당시 사회에서 환영받지 못했습니다.

누드 장르의 유명한 러시아 예술가들의 그림의 예

풍경(fr. Paysage, 급여에서 - 지역)

이 장르에서 우선 순위는 자연 또는 인공 환경의 이미지입니다. 자연적인 모서리, 도시, 마을, 기념물 등의 전망입니다. 선택한 대상에 따라 자연, 산업, 바다, 농촌, 서정 및 기타 풍경이 구별됩니다.

고대 예술가의 첫 번째 풍경은 신석기 시대의 암각화에서 발견되었으며 나무, 강 또는 호수의 이미지였습니다. 나중에는 자연 모티브를 사용하여 집을 장식했습니다. 중세에는 풍경이 거의 완전히 종교적인 주제로 대체되었으며 르네상스에서는 반대로 인간과 자연의 조화로운 관계가 전면에 나타났습니다.

러시아에서 풍경화는 18세기 이후로 발전했으며 처음에는 제한적이었지만(예: 이 스타일로 풍경을 만들었습니다) 나중에 재능 있는 러시아 예술가들의 은하계 전체가 다양한 스타일과 경향의 기법으로 이 장르를 풍부하게 했습니다. 그는 소위 눈에 띄지 않는 풍경을 만들었습니다. 즉, 장관을 쫓는 대신 러시아 자연에서 가장 친밀한 순간을 묘사했습니다. 그리고 미묘하게 전달되는 무드로 관객들을 놀라게 하는 서정적인 풍경으로 다가왔다.

그리고 이것은 관객이 주변 세계의 모든 웅장함을 볼 때 장엄한 풍경입니다. 그는 끝없이 고대로 시선을 돌렸고 E. Volkov는 눈에 띄지 않는 풍경을 시적 그림으로 바꾸는 방법을 알고 풍경에서 놀라운 빛으로 보는 사람을 놀라게했으며 숲의 구석, 공원, 일몰을 끝없이 감탄하고이 사랑을 사람들에게 전달할 수있었습니다. 뷰어.

각 풍경화가는 특히 그를 매료시킨 풍경에 집중했습니다. 많은 예술가들은 대규모 건설 프로젝트를 지나칠 수 없었고 많은 산업 및 도시 풍경을 그렸습니다. 그 중에는 다른 예술가들의 작품도 있습니다. 기념비를 가져갔고,