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그림 - 섬 묘사의 모습, 비행기에서의 묘사; pr-e art-va는 모든 표면에 페인트를 칠해 만든 것입니다. 장점: 환경과 다양한 관계를 맺고 있는 사람의 이미지. Zh-s는 평면의 볼륨과 공간을 전달할 수 있지만 공개하기는 어렵습니다. 인간의 추브인과 하드 도랑의 세계. 회화적 접근 방식은 주변 공간의 빛과 공기 환경과 관련하여 물체를 가장 미세한 색조 전환 그라데이션으로 묘사하는 것입니다.

그림의 종류 목적지: 기념비적 (가장 오래된 유형) 및 기념비적 장식, 이젤, 미니어처, 아이콘 그림, 연극 장식, 장식 적용. 아이콘 페인팅 및 미니어처(손으로 쓴 책 그림) - 중세 예술입니다. 이젤 그림 - 르네상스.

조회수 기준 기술. 기념비적인 그림 기법: 프레스코(젖은 회반죽에 수성 페인트를 칠하는 기술, 벽화); 패널(벽이나 천장 장식용 이미지); 모자이크(균질하거나 재료가 다른 입자의 이미지 또는 패턴: 돌-자갈, 스몰트-유리 합금, 세라믹 타일); 스테인드 글라스 창문(유색 유리 조성물); 그리자이유(안도감의 환상을 만듭니다). 이젤 페인팅 기술:다른 장비 인커스틱스(녹은 페인트를 사용하여 뜨거운 방식으로 수행되는 왁스 페인팅); 템페라 화법(기본 아이콘 페인팅 - 달걀 노른자에 페인트); 기름진음(이미지의 물질적 유형성 - 르네상스); 파스텔(테두리가 없는 건조하고 부드러운 색연필 사용) 수채화(빠르고 정확한 작업이 필요한 수성 페인트) 구아슈(글쎄, 접착제와 흰색을 첨가한 수성 페인트를 사용하면 건조되면 톤이 밝아집니다.)

글쎄요에 따르면 주제: 종교-신화적이고 세속적인. 17세기 세속 저널리즘의 장르 체계: 초상화- 개인, 쌍 및 그룹, 의식 및 친밀함, 심리적 및 장르, 환경 외부 및 환경 내. 환경, 자화상. 초상화 예술은 고대 의식 n-tu(Fayum n-t)로 거슬러 올라갑니다. 경치-이집트 그림에는 독립 장르로 등장했습니다. 전성기 - 19세기 예술: 낭만적이고 사실적 - 국가 풍경(가정 및 서사시), 외풍, 분위기, 철학적. 농촌 및 도시(veduta - 18세기 베네치아 도시 - Canaletto, Guardi) n, 바다. 정물- 과일, 꽃, 접시 등 무생물과 자연 형태를 묘사합니다. 장르의 전성기 : Flemish (상점 장르), Dutch (아침 식사 또는 바니타- 두개골로 묘사된 "허영심의 허영심")과 17세기 스페인 우물. → 아방가르드 예술에서. 동물적인장르 - 생물, 새, 물고기 묘사(역사적, 우화적, 전투, 일상 장르). 나체상- 나체의 묘사: 신화적인 f-si로 거슬러 올라갑니다. 인상주의는 장르의 혼합이다.

표현하다. 수요일 w-시: 드로잉(선), 색상(색상), 명암대비, 구성. 착색- 색상 시스템 pr-i, 색상 요소 관계의 특성. 따뜻하고 차갑고 밝고 어두우며 차분하고 긴장된 색상이 있습니다. 그림- 독립된 값을 갖는 이젤 pr-e w-si. 동양화는 비단 두루마리(가로 또는 세로)를 자유롭게 늘어뜨린 전통적인 형태입니다. 그림은 받침대 (린넨 캔버스, 나무 판, 판지)로 구성되어 있으며 고양이에게 프라이머가 적용되어 준비됩니다. 특수 레이어. 구성 (접착제, 오일, 유제) 및 페인트 층. W-s m / b 단층 및 다층. 질감에 따라(화려한 레이어 위에 하루루가 구별됨) 발레르 산그리고 풀 같은잘. Valer는 밝기의 첫 번째 색상의 미묘한 차이인 색조 뉘앙스로 인물, 물체와 빛 및 공기의 관계를 전달합니다(D. Velasquez, Jan Vermeer Delftsky, J. B. Chardin, C. Corot, V. Surikov). Pastose 오일 - 조밀한 층, 질감, 릴리프, 오일의 양으로 작업합니다(Titian, Rembrandt, W. van Gogh). 그림의 구성: 근거리, 중거리 및 원거리 계획으로 구분, 피라미드 구성(고전주의); 대각선(바로크, 낭만주의, 사실주의); 주요 요소와 보조 요소로의 분할 또는 이러한 분할의 부재(인상주의). 직원- 그림 구성의 보조 요소 - 줄거리 역할을 하지 않는 작은 인물이나 동물을 묘사합니다.

그림- 단단하거나 유연한 표면에 페인트를 칠하여 시각적 이미지를 전달하는 것과 관련된 미술의 일종으로 그림에는 이젤과 기념비의 두 가지 유형이 있습니다. 이젤화에는 창작 장소에 관계없이 존재하는 작품이 포함됩니다. 기본적으로 작가가 이젤(즉, 공작기계) 위에 그린 그림이다. 이젤화에서는 유성물감을 사용한 작품이 주를 이루지만, 다른 염료(템페라, 아크릴물감 등)도 사용할 수 있다. 그림은 주로 캔버스에 그려져 프레임 위에 펴거나 판지, 판지에 붙여 넣습니다. 과거에는 나무 판이 널리 사용되었으며 평평한 재료를 사용할 수 있습니다. 기념비적 인 그림은 건물 및 기타 구조물의 벽과 천장에 직접 수행됩니다. 과거에는 젖은 회반죽(프레스코)에 수성 물감을 사용하여 그림을 그리는 것이 주류였습니다. 이탈리아에서는 16세기 초까지 건조된 "깨끗한 프레스코화"의 세부 사항을 그리는 데 템페라가 사용되었습니다. "순수한 프레스코"기술에는 작가의 특별한 기술이 필요하므로 다른 기술도 사용되었습니다. 예를 들어 건식 석고에 안정적이지 않은 그림이 사용되었습니다. - secco, 나중에 그림은 기념비적 그림에 적합하지 않은 유성 페인트로 만들어졌습니다. 종이에 그린 컬러 이미지(수채화, 구아슈, 파스텔 등)는 공식적으로(예를 들어 컬렉션에서의 위치에 따라) 그래픽을 지칭하지만 이러한 작품은 종종 그림 같은 것으로 간주되기도 합니다. 다른 모든 컬러 이미지 방법은 컴퓨터 기술을 사용하여 생성된 이미지를 포함하여 그래픽과 관련됩니다. 가장 일반적인 그림은 늘어난 캔버스, 목재, 캔버스, 처리된 벽면 등과 같이 평평하거나 거의 평평한 표면에 만들어집니다. 용어에 대한 좁은 해석도 있습니다. 그림캔버스, 판지, 하드보드 및 기타 유사한 재료에 유성 페인트로 만든 작품입니다. 러시아어 단어 그림러시아에서 주로 유화를 사용하여 서양식 그림이 그려지기 시작한 바로크 시대에 이 예술의 사실성을 나타냅니다. 도상학에서는 그리스어와 마찬가지로 "쓰다"라는 동사가 사용됩니다. 동시에 '회화'는 활기차고 독창적인 글쓰기 방식, 즉 일종의 글쓰기로 이해될 수 있다. 그림과 글쓰기와 관련하여 기호학자들은 기호를 만드는 특정 방식도 봅니다. 회화의 역사 비유성, 사실주의, 상징주의: 아이콘(이미지)에서 추상화까지, 이 두 가지 의미에서 정확하게 발전하고 방황합니다. 회화 기법 및 방향 : 오일, 템페라, 에나멜, 구 아슈 (작가가 미술의 그래픽 유형에 전형적인 종이를 주요 재료로 사용하기 때문에 그래픽으로도 분류됩니다. 이는 또한 단색 작품을 만들기 위한 후자) 파스텔(이 기술에는 이전 기술과 유사한 설명이 유효함) 잉크(이 경우 이전 두 가지와 마찬가지로 그래픽에 분명히 기인할 수 없습니다. 예를 들어, 동양에서는 이 재료를 주로 사용하는 서예는 전통적으로 회화로 간주됩니다. 그러나 학문적 중국 회화에서는 주로 잉크(무채색)를 사용했습니다. 석고에 그림 그리기: 프레스코와 세코, 스푸마토 접착제 그림; 왁스 페인팅: 불에 탄, 왁스 온도 및 냉간 방법(테레빈유에 왁스 페인트); 세라믹 페인트로 그림 그리기; 규산염 페인트로 페인팅; 수채화 그림 (수채화 기술은 다르며 일부 기술은 그림에 더 가깝고 일부 기술은 그래픽에 더 가깝습니다. 따라서 동의어 사전에 "수채화로 그리기"라는 문구가있는 것은 우연이 아닙니다.) 마른 붓; 아크릴; 혼합 매체; 회화 기술은 거의 무궁무진합니다. 엄밀히 말하면 무언가에 흔적을 남기는 모든 것이 회화입니다. 회화는 자연, 시간, 인간이 만들어내는 것입니다. 이는 레오나르도 다빈치가 이미 언급한 바 있습니다. 전통적인 회화 기법: 불화(encaustic), 템페라(계란 포함), 벽(석회), 접착제 및 기타 유형. 15세기부터 유화가 대중화되었습니다. 20세기에는 고분자(아크릴, 비닐 등)로 만든 바인더를 사용한 합성 도료가 등장했습니다. 페인트는 천연안료와 인공안료로 만들 수 있으며, 구아슈, 수채화, 먹물, 반드로잉 기법인 파스텔 등도 페인팅이라고도 합니다. 그림은 돌, 석고, 캔버스, 실크, 종이, 피부(동물 또는 인간의 신체 포함 - 문신), 금속, 아스팔트, 콘크리트, 유리, 도자기 등 어떤 기준으로든 수행할 수 있습니다. 회화는 건축과 조각을 포함한 조형예술과 만나 공존합니다. 인공 및 자연 환경의 형성에 참여할 수 있습니다. 회화는 다른 시각 예술과 마찬가지로 환상적입니다. 이는 선형 및 색상 원근법을 통해 달성되는 평면의 3차원 공간을 모방하는 것입니다. 그러나 회화의 시각적 측면, 나아가 색상 측면(눈은 순간적으로 거의 무한한 정보를 인식함)이 모든 시각 예술 중에서 회화의 배타적인 위치를 결정합니다. 동시에 예술, 시각적 방법 및 표현 수단의 개발은 오랫동안 주요 작업인 "현실의 재현"에 대한 이해를 넘어섰습니다. More Plotinus는 "자연을 모방하지 말고 자연으로부터 배우십시오"라고 말합니다. 그리고 이 원칙은 수세기에 걸쳐 많은 예술가들을 이끌어 왔습니다. 그러므로 회화의 작업은 3차원 환경의 재구성에 의해 안내되고 제한되는 평면상의 공간 구성을 의미할 뿐만 아니라, 더욱이 개별적인 방법은 오랫동안 "막다른 골목"으로 인식되어 왔습니다. 예술 발전의 길 (인식의 적절성을 이해하고 다시 생각하는 맥락에서). 평면은 색상과 마찬가지로 독립적인 무결성과 가치를 가지며, 평면 자체와 형태의 합성 및 3차원 시간 공간과의 상호 작용에서 조건을 결정합니다. 예술가는 더 이상 일련의 환상적 기술(“환상주의”)에 만족할 수 없으며, 아름다움에 대한 새로운 이해의 요구를 따르고, 관련 없는 자기 표현 방법을 포기하고 시청자에게 영향을 미치며, 변증법적으로 새로운 형태를 찾고 있습니다. 거부된 것 중 가장 좋은 것으로 돌아가서 새로운 가치를 이해하고 실현하게 됩니다. 예술의 방법과 기술적, 표현적 작업에 대한 이러한 이해는 V. A. Favorsky와 Fr.에 의해 다른 이론가 및 대가들 사이에서 배양되었습니다. Pavel Florensky는 나중에 V. A. Favorsky 자신이 독립적으로 개발했습니다. 물론 이것이 현대 미술과 회화의 발전을 위한 유일한 "올바른" 방법은 아니지만, 그러한 비전의 많은 조항은 매우 설득력 있고 생산적입니다. 회화를 조형예술에서 엄격하게 배제하는 오류에 대해서는 '정통' 미술사 이론도 오랫동안 재평가되어 왔습니다. 복잡한 개념적 연구가 아니라 대중 예술 백과 사전에서 다음과 같이 말한 내용이 있습니다. “플라스틱 예술은 차례로 회화와 비 회화로 구분됩니다. 전자에는 회화, 조각, 그래픽, 기념비적 예술이 포함됩니다… 비회화에는 건축, 미술 공예, 예술적 디자인이 포함됩니다… 미술과 비미술 사이의 경계는 절대적이지 않습니다…” 회화의 기능. 다른 예술 형식과 마찬가지로 회화는 인지적, 미적, 종교적, 이데올로기적, 철학적, 사회 교육적 또는 기록적 기능을 수행할 수 있습니다. 그러나 그림의 주된 표현적이고 의미 있는 가치는 색상이며, 이는 그 자체로 아이디어를 전달하는 요소입니다(영향과 인식의 심리적 요인 포함). 이것은 예를 들어 I. Itten의 이론에 의해 매우 설득력있게 설명되고 보여집니다. 어떤 이유로 든 충분한 조형성과 표현력이없는 그림이 순전히 서사적 인 "문학적"구성 요소를 무기고에 끌어들일 때 "문학적"이라는 것이 있다는 것은 우연이 아닙니다. 그럼에도 불구하고 인간, 그리고 전 세계와 함께 발전하면서 회화는 작업에 대한 새로운 해석과 새로운 이해를 모두 얻었습니다. 따라서 처음에는 독립적인 플라스틱 특성의 명확한 징후를 가지고 있습니다(그림 기술과 그래픽을 분리하는 주요 매개 변수 중 하나가 광범위한 플라스틱 가능성을 제공하는 브러시 스트로크라는 것은 우연이 아닙니다. 물론 가장 일반적인 형태 - 유화뿐만 아니라, - 형태의 합성을 암시하는 많은 새로운 유형과 기술). 회화의 방식과 과제, 자기 표현의 모든 수단과 방법, 미술사 및 창의적 환경에 대한 아이디어는 일반적인인지 과정의 발전에 의해 분명히 영향을 받았지만 자연스럽게 그들 자체는 그것에 영향을 미쳐 세계관과 인간 활동의 여러 측면을 다루었습니다. 실제로 모든 창의성과 마찬가지로 회화의 기능에 대한 재검토는 그 편의성을 거부하는 과정을 거쳤습니다 ( "완전히 의미가 없다는 것을 깨달아야만 창조를 시작할 수 있습니다"라고 R.-M. Rilke는 말합니다). - "이것은 매우 비합리적인 과정이다"라는 인식을 통해 - 동일한 R.-M뿐만 아니라. Rilke는 P. Klee뿐만 아니라 많은 예술가와 철학자에 의해 올바르게 인식되고 잘 이해되었습니다. 더욱이 그들의 발전은 예술과 그 임무에 대한 새로운 이해를 준비했습니다. 찰나의 삶, 기술적, 기술적, 그리고 마지막으로 사회적, 도덕적 변화의 충만함을 이데올로기적이고 학문적인 교리와 진부한 프로크루스테스의 침대에 맞추는 것은 불가능했습니다. 예술을 삶의 발전 자체로부터 분리하여 이 심오한 창작 과정 자체의 "잘 이해되고 오랫동안 알려진" 기능으로 정확하게 축소시키는 것입니다. 다양한 정도로 주변 현실을 부적절하게 인식하고 현실적인 디스플레이에 더 가까이 다가가려는 시도가없는 사람들이 만든 그림은 돋보입니다. 어떤 경우에는 그러한 캔버스가 일반적으로 받아 들여지는 표준에서 정신적으로 벗어난 사람, 심지어 의료 기관의 환자에 의해 만들어집니다. 그림 장르. 초상화.초상이란 현실에 존재했거나 존재했던 개인이나 집단의 이미지를 말한다. "초상화는 과거에 존재했거나 과거에 존재했던 특정 실제 인물의 외양(그리고 이를 통해 내면의 세계)을 묘사한다. 현재." [초상화 장르의 경계는 매우 유동적이며 종종 초상화 자체가 다른 장르의 요소와 하나의 작품으로 결합될 수 있습니다. 역사적 초상화- 과거의 어떤 모습을 묘사하고 주인의 기억이나 상상에 따라 창조되었습니다. 사후(회고적) 초상화- 묘사된 사람들의 죽음 이후에 그들의 평생 이미지에 따라 만들어지거나 심지어 완전히 구성되었습니다. 초상화 그림- 묘사된 사람은 그를 둘러싼 사물의 세계, 자연, 건축 모티프 및 다른 사람들과 의미론적, 줄거리적 관계로 제시됩니다. 초상화 산책- 자연을 배경으로 걷는 사람의 이미지는 18세기 영국에서 유래되어 감상주의 시대에 유행하였다. 인물형- 구조적으로 초상화에 가까운 집단적 이미지 의상을 입은 초상화- 사람은 우화적, 신화적, 역사적, 연극적 또는 문학적 인물로 표현됩니다. 자화상- 별도의 하위 장르를 선택하는 것이 일반적입니다. 종교적 초상화 (기증자 또는 ktitor의)- 기부한 사람이 그림(예: 마돈나 옆) 또는 제단의 날개 중 하나(종종 무릎을 꿇고 있음)에 묘사된 고대 초상화 형태입니다. 이미지의 특성상: 기념 초상화- 원칙적으로 사람의 완전한 성장을 보여주는 것이 포함됩니다. 세미 프론트- 정장초상화와 동일한 컨셉이지만, 허리나 세대별 컷트와 상당히 발달된 액세서리를 주로 사용합니다. 챔버 초상화- 허리, 가슴, 어깨 이미지를 사용하였습니다. 그림은 종종 중립 배경에 표시됩니다. 친밀한 초상화 -중립적 배경을 지닌 보기 드문 다양한 실내악이다. 작가와 묘사되는 인물 사이의 신뢰 관계를 표현합니다. 소형 및 소형 인물 사진,수채화와 잉크로 그렸습니다. 경치- 이미지의 주요 주제가 인간에 의해 어느 정도 변형된 원시적이거나 자연인 회화 장르입니다. 고대부터 존재했으나 중세에 그 중요성을 잃고 르네상스 시대에 다시 나타나 점차 가장 중요한 회화 장르 중 하나로 자리 잡았습니다. 마리나- 바다의 풍경, 해전 장면, 바다에서 벌어지는 사건 등을 묘사한 미술 장르. 일종의 풍경이다. 독립적인 유형의 풍경화로서 선착장은 17세기 초 네덜란드에서 두드러졌습니다. 역사적인 그림 -르네상스에서 시작된 회화 장르로 실제 사건의 줄거리뿐만 아니라 신화, 성서 및 복음 그림에 대한 작품도 포함됩니다. 개별 국가나 인류 전체에게 중요한 과거의 사건을 묘사합니다. 전투 그림 -전쟁과 군사 생활을 주제로 한 미술 장르. 전투 장르의 주요 장소는 육지, 해상 전투 및 군사 작전 장면이 차지합니다. 작가는 전투의 특히 중요하거나 특징적인 순간을 포착하고, 전쟁의 영웅적 모습을 보여주고, 종종 군사적 사건의 역사적 의미를 드러내려고 노력합니다. 정물 -시각 예술에서 무생물의 표현. 그것은 15~16세기에 시작되었지만 독립적인 장르로서 네덜란드와 플랑드르 예술가들의 작품에서 17세기에야 구체화되었습니다. 그 이후로 그것은 러시아 예술가들의 작품을 포함하여 회화에서 중요한 장르가 되었습니다. 장르화시각 예술의 일상 장르의 일부입니다. 일상의 풍경은 고대부터 회화의 소재였지만, 독립된 장르의 장르화는 중세에야 비로소 구체화되었으며, 현대 사회변동기에 특히 강력한 발전을 이루었다. 건축 그림.자연이 아닌 건축 풍경을 주요 주제로 한 회화. 건축물의 이미지뿐만 아니라 인테리어의 이미지도 포함됩니다. 동물 그림이것은 동물의 이미지를 주요 줄거리로 한 그림입니다. 모피 아트는 의인화된 동물의 이미지입니다. 장식 그림.기념비적 그림은 기념비적 예술의 일부로 건물과 구조물에 그림을 그리는 것입니다. 연극 및 장식 그림은 연극 공연 및 영화를 위한 풍경 및 의상 디자인입니다. 개별 미장센의 스케치. 장식 그림 - 건축 구조물의 다양한 부분뿐만 아니라 장식 및 응용 예술 제품에 그림을 그려 만든 장식 및 플롯 구성입니다.

그림은 고대부터 인간 삶의 필수적인 부분이었습니다. 암벽화는 원시인의 삶을 말해줍니다. 그림이란 무엇입니까?

회화 : 정의 및 유형

회화는 바탕에 물감을 사용하여 시각적 이미지를 적용하는 예술의 한 형태입니다.

현대 사회에서 이러한 유형의 예술에는 디지털 기술을 사용한 이미지 생성과 이러한 방법을 사용하여 만든 예술 작품 자체도 포함됩니다.

또한 그림은 현실과 감정, 인간 영혼의 상태를 전달하는 중요한 방법입니다. 그림에는 캔버스에 그린 그림 외에도 그림 벽, 복잡한 모양의 그릇, 목재, 판지, 종이 및 기타 표면도 포함됩니다. 그림은 종종 건축을 동반합니다.

성능과 목적의 성격에 따라 다음과 같은 유형의 그림이 구별됩니다.

• 기념비적 - 장식적 - 건축 구조나 앙상블(벽화, 패널)의 분위기를 조성하는 데 도움이 되는 그림 유형입니다.
• 장식 (장식, 의상).
• 도상학.
• 썸네일. 이 유형의 그림은 책, 원고를 설명하는 데 사용됩니다.
• 파노라마 - 원형 뷰로 이미지를 작성하고 현실의 환상을 만들어냅니다.
• 디오라마 - 곡선 이미지 만들기.
• 이젤 그림.

이젤 페인팅이란 무엇입니까? 주변 세계와는 별도로 인식되는 그림의 이미지입니다. 말하자면 공작 기계에서 만든 그림, 즉 이젤입니다. 박물관에 전시되는 것은 대부분 이젤화 작품이다.

이 기사에서 당신은 그림, 수세기 동안 우리를 기쁘게 해왔던 아름다운 형태의 미술에 대해 조금 배웠습니다.

보는 사람의 머리를 강타하고 어이없고 놀라운 예술 작품이 있습니다. 다른 사람들은 당신을 반성하고 의미 층, 비밀 상징을 찾는 데 끌어들입니다. 일부 그림은 비밀과 신비한 미스터리로 덮여 있는 반면, 다른 그림은 엄청난 가격으로 놀라움을 선사합니다.

우리는 세계 회화의 모든 주요 성과를 신중하게 검토하고 그중에서 가장 이상한 그림 24점을 선택했습니다. 이 자료의 형식에 완전히 속해 가장 먼저 떠오르는 작품인 살바도르 달리(Salvador Dali)는 의도적으로 이번 컬렉션에 포함되지 않았습니다.

"이상함"은 다소 주관적인 개념이라는 것이 분명하며, 모든 사람에게는 다른 여러 예술 작품보다 눈에 띄는 놀라운 그림이 있습니다. 댓글로 공유하고 이에 대해 조금 알려주시면 기쁠 것입니다.

"비명"

에드바르 뭉크. 1893년, 판지, 유채, 템페라, 파스텔.
국립 미술관, 오슬로.

비명(The Scream)은 획기적인 표현주의 사건이자 세계에서 가장 유명한 그림 중 하나로 간주됩니다.

묘사된 내용에는 두 가지 해석이 있습니다. 공포에 사로잡혀 조용히 비명을 지르며 손을 귀에 대고 있는 것은 영웅 자신입니다. 또는 영웅은 주변에서 들리는 세상과 자연의 외침에 귀를 닫습니다. 뭉크는 <절규>의 네 가지 버전을 썼는데, 이 그림이 작가가 앓았던 조울증 정신병의 산물이라는 버전도 있습니다. 병원에서 치료를 받은 후에도 뭉크는 캔버스 작업에 복귀하지 않았습니다.

“저는 친구 두 명과 함께 길을 걷고 있었습니다. 해가 지고 있었는데 갑자기 하늘이 핏빛으로 변했고, 나는 지친 기분으로 잠시 멈춰 울타리에 기대어 푸르스름한 피요르드와 도시 위의 피와 불꽃을 바라보았습니다. 내 친구들은 계속했고 나는 자연을 꿰뚫는 끝없는 외침을 느끼며 흥분에 떨면서 서 있었습니다.” 에드바르 뭉크가 그림의 역사에 대해 말했습니다.

“우리는 어디서 왔나요? 우리는 누구입니까? 우리 어디로 가는 거야?"

폴 고갱. 1897~1898년, 캔버스에 유채.
보스턴 미술관.

고갱 자신의 지시에 따라 그림은 오른쪽에서 왼쪽으로 읽어야 합니다. 세 가지 주요 그림 그룹은 제목에 제시된 질문을 보여줍니다.

아이를 둔 세 여성은 인생의 시작을 상징합니다. 중간 그룹은 매일의 성숙함을 상징합니다. 작가에 따르면 마지막 그룹에서는 "죽음에 가까워진 노파가 화해하고 생각에 빠진 것 같다"고, 그녀의 발 밑에는 "이상한 흰 새가 ... 말의 무익함을 상징한다"고한다.

후기 인상파 폴 고갱의 심오한 철학적 그림은 그가 파리에서 도망친 타히티에서 그렸습니다. 작업이 끝나면 그는 심지어 자살하고 싶었습니다. "저는 이 캔버스가 이전의 모든 캔버스보다 우수하며 결코 더 좋거나 유사한 것을 만들지 않을 것이라고 믿습니다." 그는 5년을 더 살았고, 그런 일이 일어났습니다.

"게르니카"

파블로 피카소. 1937년, 캔버스에 유채.
레이나 소피아 박물관, 마드리드.

게르니카는 직접적인 원인을 명시하지 않은 채 죽음, 폭력, 잔혹행위, 고통, 무력함의 장면을 제시하지만 그 내용은 명백하다. 1940년 파블로 피카소는 파리 게슈타포에 소환되었다고 합니다. 대화는 즉시 그림으로 바뀌었습니다. "네가 했니?" - "아니요, 당신이 해냈어요."

1937년 피카소가 그린 거대한 프레스코화 "게르니카"는 게르니카시에 대한 루프트바페 자원 봉사 부대의 습격에 대해 이야기하며 그 결과 6000번째 도시가 완전히 파괴되었습니다. 그림은 단 한 달 만에 그려졌습니다. 그림 작업 첫날 Picasso는 10-12 시간 동안 작업했으며 이미 첫 번째 스케치에서 주요 아이디어를 볼 수있었습니다. 이것은 파시즘의 악몽과 인간의 잔인함, 슬픔을 가장 잘 보여주는 사례 중 하나입니다.

<아르놀피니스의 초상>

얀 반 에이크. 1434년, 나무에 유채.
런던 내셔널 갤러리, 런던.

유명한 그림은 상징, 우화 및 다양한 참조로 가득 차 있습니다. "Jan van Eyck was here"라는 서명까지 이 그림은 예술 작품이 아니라 사건의 현실을 확인하는 역사적 문서로 변모했습니다. 아티스트가 참석했습니다.

아마도 Giovanni di Nicolao Arnolfini와 그의 아내의 초상화는 북부 르네상스 서양 회화 학교의 가장 복잡한 작품 중 하나입니다.

러시아에서는 지난 몇 년 동안 아르놀피니의 초상화가 블라디미르 푸틴과 닮았다는 이유로 이 그림이 큰 인기를 얻었습니다.

"악마가 앉아있다"

미하일 브루벨. 1890년, 캔버스에 유채.
모스크바 트레티야코프 국립 미술관.

"손이 그를 저항한다"

빌 스톤햄. 1972.

물론 이 작품은 세계 미술의 걸작에 속할 수는 없지만, 이상하다는 사실은 사실이다.

소년, 인형, 손바닥이 유리에 눌려진 그림 주변에는 전설이 있습니다. "이 사진 때문에 그들은 죽는다"부터 "그 그림 속의 아이들은 살아있다"까지. 그림은 정말 소름 끼치게 보이며 정신이 약한 사람들에게 많은 두려움과 추측을 불러 일으 킵니다.

작가는 그림이 다섯 살 때의 자신을 묘사하고 있으며, 문은 현실 세계와 꿈의 세계를 구분하는 경계선을 나타내고, 인형은 소년을 이 세계로 안내할 수 있는 안내자라고 확신했습니다. 손은 대안적인 삶이나 가능성을 나타냅니다.

이 그림은 2000년 2월 eBay에 "유령이 출몰했다"는 뒷이야기와 함께 판매 목록에 올랐을 때 악명을 얻었습니다. "Hands Resist Him"은 Kim Smith가 1,025달러에 구입했는데, 그 후 그는 소름 끼치는 이야기가 담긴 편지와 그림을 불태워 달라는 요구로 넘쳐났습니다.

회화와 그 종류?

회화는 평면의 예술이자 하나의 시점이며 공간과 양이 환영 속에만 존재하는 예술이다.

그림이 구현할 수 있는 현상, 인상, 효과의 매우 다양하고 완전함. 감정, 인물, 관계, 경험의 전 세계를 그림으로 볼 수 있습니다. 그녀는 자연에 대한 가장 미묘한 관찰, 영원한 아이디어, 인상, 미묘한 분위기를 이용할 수 있습니다.

"그림"이라는 단어는 "살다"와 "쓰기"라는 단어로 구성됩니다. Dahl은 "그림은 붓이나 단어, 펜을 사용하여 정확하고 생생하게 묘사하는 것"이라고 설명합니다. 화가에게 있어서 정확하게 그린다는 것은 그가 본 것의 가장 중요한 특징인 외관을 정확하게 전달하는 것을 의미한다. 선과 톤이라는 그래픽적 수단을 통해 정확하게 전달하는 것이 가능했습니다. 그러나 이러한 제한된 수단으로는 주변 세계의 다색, 물체의 착색 표면 1cm마다 생명의 맥동, 이 생명의 매력, 끊임없는 움직임과 변화를 생생하게 전달하는 것은 불가능합니다. 미술의 한 유형인 회화는 현실 세계의 색상을 그대로 반영하는 데 도움이 됩니다.

색상 - 회화의 주요 회화 및 표현 수단 - 톤, 채도 및 가벼움이 있습니다. 선으로 묘사할 수 있는 것과 접근할 수 없는 것 등 주제의 모든 특징을 전체적으로 융합하는 것처럼 보입니다.

페인팅은 그래픽과 마찬가지로 밝고 어두운 선, 획 및 점을 사용하지만 이와 달리 이러한 선, 획 및 점은 색상이 지정됩니다. 눈부심과 밝게 빛나는 표면을 통해 광원의 색상을 전달하고, 사물(국소적) 색상과 환경에 의해 반사되는 색상으로 3차원 형태를 조각하고, 공간적 관계와 깊이를 설정하고, 사물의 질감과 물질성을 묘사합니다.

그림의 임무는 무언가를 보여주는 것뿐만 아니라 묘사 된 것의 내면의 본질을 드러내고 "전형적인 상황에서 전형적인 인물"을 재현하는 것입니다. 그러므로 삶의 현상에 대한 진정한 예술적 일반화는 사실주의 회화의 기초가 되는 것입니다.

1. 그림의 종류

그림은 기념비적, 장식적, 연극적 및 장식적, 미니어처 및 이젤로 구분됩니다.

기념비적인 그림- 건축물의 벽과 천장을 장식하는 특별한 종류의 대규모 그림입니다. 사회 발전에 긍정적인 영향을 미친 주요 사회 현상의 내용을 밝히고 이를 미화하고 영속시키며 애국심, 진보, 인류애 정신을 교육하는 데 도움을 줍니다. 기념비적 그림 내용의 고상함, 작품의 상당한 크기, 건축과의 연결에는 많은 색상, 엄격한 단순성과 간결한 구성, 윤곽의 명확성 및 플라스틱 형태의 일반화가 필요합니다.

장식 그림사실적인 이미지로 벽이 돌파되는 듯한 착각을 일으키거나 방 크기의 시각적 증가 또는 반대로 의도적으로 평평한 형태를 확인하는 다채로운 패널 형태로 건물과 인테리어를 장식하는 데 사용됩니다. 벽의 평탄함과 공간의 고립. 기념비적인 그림과 조각 작품을 장식하는 패턴, 화환, 화환 및 기타 유형의 장식은 내부의 모든 요소를 ​​하나로 연결하여 아름다움과 건축의 일관성을 강조합니다.

연극 및 장식 그림(풍경, 의상, 메이크업, 소품, 작가의 스케치에 따라 제작)은 공연의 내용을 더욱 깊이있게 드러내는 데 도움이됩니다. 풍경을 인식하기 위한 특별한 연극 조건에서는 대중의 다양한 관점, 먼 거리, 인공 조명의 영향 및 색상 하이라이트를 고려해야 합니다. 풍경은 행동의 장소와 시간에 대한 아이디어를 제공하고 무대에서 무슨 일이 일어나고 있는지에 대한 시청자의 인식을 활성화합니다. 연극 예술가는 의상과 메이크업 스케치를 통해 캐릭터의 개성, 사회적 지위, 시대 스타일 등을 날카롭게 표현하려고합니다.

미니어처 그림인쇄술이 발명되기 전인 중세 시대에 크게 발전했습니다. 손으로 쓴 책은 최고급 헤드피스, 엔딩, 상세한 미니어처 일러스트레이션으로 장식되었습니다. 19세기 전반의 러시아 예술가들은 미니어처 그림 기법을 능숙하게 사용하여 작은(주로 수채화) 초상화를 만들었습니다. 수채화의 순수하고 깊은 색상, 절묘한 조합, 그림의 섬세함은 우아함과 고귀함으로 가득 찬 이 초상화들을 돋보이게 합니다.

이젤 그림, 공작 기계에서 수행되는 이젤은 목재, 판지, 종이를 재료 기반으로 사용하지만 대부분 들것에 늘어진 캔버스를 사용합니다. 독립적인 작품인 이젤 그림은 예술가의 사실과 허구, 무생물과 사람, 현대성과 역사, 한마디로 모든 표현의 삶 등 절대적으로 모든 것을 묘사할 수 있습니다. 그래픽과 달리 이젤 페인팅은 풍부한 색상을 가지고 있어 감정적으로, 심리적으로 다각적이고 주변 세계의 아름다움을 미묘하게 전달하는 데 도움이 됩니다.

기술과 실행 방법에 따라 그림은 오일, 템페라, 프레스코, 왁스, 모자이크, 스테인드 글라스, 수채화, 구 아슈, 파스텔로 구분됩니다. 이 이름은 바인더 또는 재료 및 기술적 수단을 사용하는 방법에서 파생되었습니다.

오일 페인팅식물성 기름에 페인트를 지워서 완성했습니다. 두꺼운 페인트에 오일이나 특수 희석제 및 바니시를 첨가하면 액화됩니다. 유성 페인트는 캔버스, 목재, 판지, 종이, 금속에 사용할 수 있습니다.

템페라 화법그림은 달걀 노른자나 카제인 위에 준비된 물감을 사용하여 칠합니다. 템페라 페인트는 물에 용해되어 벽, 캔버스, 종이, 목재에 페이스트 또는 액체로 도포됩니다. Tempera in Rus는 가정용품에 벽화, 아이콘 및 패턴을 만들었습니다. 우리 시대에는 회화와 그래픽, 예술과 공예, 예술과 디자인에 템페라가 사용됩니다.

프레스코화수성 페인트로 젖은 석고에 적용된 기념비적이고 장식적인 구성의 형태로 인테리어를 장식합니다. 프레스코는 쾌적한 무광택 표면을 가지고 있으며 실내 조건에서 내구성이 뛰어납니다.

왁스 페인팅(encaustic)은 유명한 "Fayum 초상화"(AD 1세기)에서 알 수 있듯이 고대 이집트의 예술가들이 사용했습니다. 인카우스틱의 바인더는 표백된 왁스입니다. 왁스 페인트는 용융된 상태로 가열된 베이스에 도포된 후 소작됩니다.

모자이크 그림, 또는 모자이크는 스몰트 또는 유색 돌의 개별 조각으로 조립되어 특수 시멘트 바닥에 고정됩니다. 다양한 각도로 땅에 삽입된 투명한 스몰트는 빛을 반사하거나 굴절시켜 색상이 번쩍이고 희미하게 보이게 합니다. 모자이크 패널은 지하철, 극장 및 박물관 내부 등에서 찾을 수 있습니다. 스테인드 글라스 페인팅은 모든 건축 구조의 창 개구부를 장식하기 위해 고안된 장식 예술 작품입니다. 스테인드글라스 창문은 튼튼한 금속 프레임으로 고정된 색유리 조각으로 구성되어 있습니다. 스테인드 글라스 창문의 유색 표면을 뚫고 나오는 광속은 실내 바닥과 벽에 장식적으로 화려한 다양한 색상의 패턴을 그립니다.

회화 작품의 재료.

회화는 기법과 제작방법에 따라 유채, 템페라, 프레스코, 밀랍, 모자이크, 스테인드글라스, 수채, 구아슈, 파스텔로 구분된다.

이젤 그림의 재료: 원래 나무를 사용했으며, 이집트, 고대 그리스에서 사용되었습니다.

XIV 세기 초기 르네상스 시대에는 그림과 프레임이 하나의 조각으로 만들어졌습니다. (15-16세기 이탈리아에서는 포플러가 가장 자주 사용되었으며 버드나무, 물푸레나무, 호두는 덜 사용되었습니다. 초기에는 뒷면을 다듬지 않고 두꺼운 판자를 사용했습니다. 네덜란드, 프랑스에서는 참나무 판이 시작되었습니다. 16세기부터 사용.독일에서는 린든 너도밤나무, 가문비나무).

18세기 이후 나무는 인기를 잃어가고 있다."캔버스"가 등장한다.이미 고대 예술가들 사이에서 발견된다.캔버스는 나무와 결합되지만, 이 시대에는 캔버스가 산발적으로 사용된다. 캔버스는 XV-XVI 세기에만 폭넓게 적용되며 온도에 사용됩니다.

16세기 후반부터 작은 그림에 사용되는 구리 판이 등장했습니다(특히 플랑드르에서 인기가 있음).

19세기에는 스케치를 위한 스케치용으로 판지가 가끔 사용되기도 했습니다.

중세와 초기 르네상스 그림에서는 회반죽과 분필로 만든 커다란 광택이 나는 땅이 지배적입니다. XIII-XIV 세기에는 흰색 프라이머를 덮기 위해 금이 사용되었습니다. XIV 세기 말에 금 프라이머가 점차 사라집니다. 석고나 분필 대신에 유성 페인트로 밑칠을 하는데, 16세기 말 이탈리아에서는 유성 페인트를 사용한 다채로운 프라이머가 널리 인정을 받았으며 적갈색 프라이머가 인기를 끌었습니다.(BOLUS)

결정적인 조치는 18세기 초에 이루어졌으며 세 개의 연필 기술이 분기되었습니다.

XVIII 세기 - 침대의 전성기 (가장 위대한 거장 Chardin, Latour, Lyotard).

수채화는 파스텔보다 아주 늦게 시작됩니다. 수채화의 기법은 아주 오래전부터 알려져 왔습니다. 이미 고대 이집트, 중국에서 알려졌습니다. 수채화는 중세 세밀화가들이 사용했습니다.

15세기 말부터 유화의 인기가 높아졌다. 16세기에는 템페라를 대체했습니다.

19세기 초 프랑스 낭만주의자들은 역청(또는 아스팔트)을 좋아했습니다.

회화의 주요 관점 유형

원근법은 자연에서 관찰되는 크기의 명백한 감소, 형태의 윤곽선의 변화, 명암 비율에 따라 평면이나 표면의 공간에 있는 물체를 묘사하는 과학입니다.

(고전적 관점은 자신의 관점이 다른 관점과 다를 수 없는 특정 지적 수준에 해당하며, 실제로 이를 실제로 구현하는 것은 일종의 자급자족 가능한 기술적 완성이 될 수 있습니다.

동적 관점은 원시 관점의 특정 형태입니다.

그림 - 미술, 그의 작품은 단단한 표면에 적용된 페인트를 사용하여 만들어졌습니다. 회화, 채색, 드로잉으로 만든 예술 작품에는 명암대비, 획의 표현력, 질감 및 구성이 사용되어 세계의 다채로운 풍부함, 사물의 양, 질적, 물질적 독창성을 평면에 재현할 수 있습니다. , 공간 깊이 및 가벼운 공기 환경. 그림정적 상태와 일시적인 발전 감각, 평화와 정서적, 영적 풍요로움, 상황의 일시적인 순간성, 움직임의 효과 등을 전달할 수 있습니다. 그림에서는 복잡한 내러티브와 복잡한 플롯이 가능합니다.

안료(염료)를 결합하는 물질의 특성에 따라 표면에 안료를 고정하는 기술적 방법, 유화, 석고에 물에 페인트를 칠하는 방법(원시(프레스코) 및 건조(세코)), 템페라, 접착제 페인팅, 왁스 페인팅, 에나멜, 세라믹 및 규산염 페인팅 등

색은 회화의 가장 구체적인 표현수단이다. 그 표현, 다양한 감정을 불러일으키는 능력, 연관성은 이미지의 감성을 강화하고 그림의 회화적, 표현적, 장식적 가능성을 결정합니다. 회화 작품에서 색은 하나의 통합체계(색상)를 형성한다. 일반적으로 일련의 상호 연관된 색상과 그 음영이 사용되지만(다채로운 영역) 동일한 색상의 음영(단색)으로 페인팅하는 경우도 있습니다. 그림의 또 다른 표현 수단은 색상과 함께 그림(선 및 명암)으로 리드미컬하고 구성적으로 이미지를 구성합니다. 선은 볼륨을 서로 구분하고, 종종 그림 형식의 구성적 기초가 되며, 개체의 윤곽선과 개체의 가장 작은 요소를 일반화하거나 세부적으로 재현할 수 있게 해줍니다. Chiaroscuro를 사용하면 3차원 이미지의 환상을 만들고 물체의 조명 또는 어둠의 정도를 전달할 수 있을 뿐만 아니라 공기, 빛 및 그림자의 움직임에 대한 인상도 생성할 수 있습니다. 그림에서 중요한 역할은 화가의 다채로운 점이나 획에 의해 수행되는데, 이는 그의 주요 기술이며 다양한 측면을 전달할 수 있게 해줍니다. 스미어는 형태의 플라스틱, 체적 성형에 기여하고, 재료의 특성과 질감을 색상과 결합하여 현실 세계의 풍부한 색상을 재현합니다. 획의 특성(매끄러움, 연속성 또는 반죽성, 분리형 등)은 또한 작품의 정서적 분위기 조성, 예술가의 즉각적인 느낌과 분위기 전달, 묘사된 것에 대한 그의 태도에 기여합니다.

회화 작품일반적으로 프라이머로 덮인 베이스(캔버스, 목재, 종이, 판지, 돌 등)와 페인트 층으로 구성되며 때로는 바니시 보호 필름으로 보호됩니다. 그림의 회화적, 표현적 가능성, 글쓰기 기술의 특성은 주로 안료의 분쇄 정도와 바인더의 특성에 따라 결정되는 페인트의 특성, 예술가가 작업하는 도구, 그가 사용하는 희석제; 바탕과 바탕의 매끈하거나 거친 표면은 물감을 바르는 방법에 영향을 미치고, 그림의 질감에 영향을 미치며, 바탕이나 바탕의 반투명한 색상은 색상에 영향을 줍니다. 그림이나 벽화를 만드는 과정은 여러 단계로 나눌 수 있는데, 특히 중세 템페라와 고전 유화(바닥에 그리기, 밑칠, 유약)에서 명확하고 일관성이 있습니다. 또한 드로잉, 구성, 형태와 색상의 조형(a lla prima)을 동시 작업을 통해 작가가 자신의 삶의 인상을 직접적이고 역동적으로 구현할 수 있는 좀 더 충동적인 성격의 그림도 있습니다.

현실을 다루는 범위의 폭과 완전성은 풍부한 고유의 내용에 반영됩니다. 그림 장르, 이는 결정됩니다. 이미지 주제에:
. 역사 장르,
. 가정용 장르,
. 전투 장르,
. 초상화,
. 경치,
. 정물.

구별하다 그림: 기념비적이고 장식적인(벽화, 천장판, 패널) 건축물을 장식하고 건축물의 이념적, 비유적 해석에 중요한 역할을 하도록 디자인되었습니다. 화가(그림), 일반적으로 예술 앙상블의 특정 장소와 관련이 없습니다. 장식적인(연극 및 영화의 풍경과 의상 스케치); 도상학; 세밀화. 그림에는 다음이 포함됩니다. 디오라마그리고 파노라마.