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Uma orquestra sinfônica é um grupo bastante grande de músicos que executam diversas obras musicais. Via de regra, o repertório inclui músicas de tradição da Europa Ocidental. Qual é a composição da orquestra sinfônica? Como é diferente de outros grupos musicais? Mais sobre isso mais tarde.

Composição da orquestra sinfônica por grupo

O grupo moderno envolve quatro categorias de intérpretes musicais. Por onde começar a considerar a composição de uma orquestra sinfônica? Os instrumentos tocados pelos músicos distinguem-se pela variedade, propriedades dinâmicas, características rítmicas e sonoras.

A base do grupo são os músicos que tocam cordas. Seu número é cerca de 2/3 do número total de artistas. A orquestra sinfônica inclui contrabaixistas, violoncelistas, violinistas e violistas. Via de regra, as cordas atuam como os principais portadores do início melódico.

O próximo grupo são os instrumentos de sopro. Isso inclui fagotes, clarinetes, oboés e flautas. Cada instrumento tem sua própria parte. Comparados aos instrumentos de arco, os instrumentos de sopro não apresentam tanta amplitude e diversidade nas técnicas de execução. Porém, possuem maior resistência, cores mais vivas e som compacto.

A orquestra sinfônica também inclui tocadores de metais. Isso inclui trombetas, trombones, tubas e trompas. Graças à sua presença, a execução das peças musicais torna-se mais potente, pois funcionam como suporte rítmico e de baixo.

Cordas

O violino é considerado o mais alto em som. Este instrumento é caracterizado por ricas capacidades técnicas e expressivas. O violino costuma receber passagens difíceis e rápidas, vários trinados, saltos melódicos e largos e tremolo.

Outro é o contralto. O método de tocá-lo é semelhante ao de um violino. É geralmente aceito que a viola é um pouco inferior ao violino em termos de brilho e brilho do timbre. Mas, ao mesmo tempo, este instrumento transmite perfeitamente uma música de caráter sonhador, romântico e elegíaco.

O violoncelo tem o dobro do tamanho da viola, mas seu arco é mais curto que o da viola e do violino. Este instrumento pertence à categoria “pé”: é colocado entre os joelhos, apoiado no chão por um pino de metal.

O contrabaixo é muito maior - você deve tocá-lo sentado em um banquinho alto ou em pé. Este instrumento é perfeito para tocar passagens bastante rápidas. O contrabaixo forma a base para o som das cordas, executando as partes da voz do baixo. Muitas vezes ele faz parte de uma orquestra de jazz.

Sopros

A flauta é considerada um dos instrumentos mais antigos do mundo. As primeiras menções podem ser encontradas nos pergaminhos do Egito, Roma e Grécia. De todos os instrumentos de sopro, a flauta é considerada o instrumento mais ágil e em seu virtuosismo supera significativamente os demais.

O oboé não é considerado menos antigo. Este instrumento é o único que, pelas peculiaridades de seu design, não perde a afinação. Portanto, todos os outros “participantes” são configurados de acordo com ele.

Outro instrumento bastante popular é o clarinete. Só ele tem acesso a uma mudança bastante flexível na intensidade do som. Graças a esta e outras propriedades, o clarinete é considerado uma das “vozes” mais expressivas que compõem uma banda de metais.

Bateria. informações gerais

Considerando a composição de uma orquestra sinfônica por grupo, destacam-se os instrumentos de percussão. Sua função é rítmica. Ao mesmo tempo, formam um rico fundo sonoro e sonoro, decoram e complementam a paleta de melodias com diversos efeitos. De acordo com a natureza do som, os instrumentos de percussão podem ser divididos em dois tipos. O primeiro inclui aqueles que possuem determinados tímpanos, sinos, xilofone e outros. O segundo tipo inclui instrumentos que não possuem altura sonora precisa. Estes incluem, em particular, pratos, tambores, pandeiros e triângulos.

Descrição

Bastante antigo, como alguns dos instrumentos descritos acima, são os tímpanos. Eles eram bastante comuns em muitos países: Grécia, África, entre os citas. Ao contrário de outros instrumentos com couro, os tímpanos têm um som de certa altura.

As placas são grandes placas redondas de metal. São ligeiramente convexos no centro - é aqui que as tiras são fixadas para que o intérprete possa segurá-las nas mãos. Eles são tocados em pé - é assim que o som viaja melhor no ar. Uma orquestra sinfônica geralmente consiste em um par de pratos.

O xilofone é um dispositivo bastante original. Blocos de madeira de diferentes tamanhos são usados ​​como corpo sonoro. Deve-se dizer que o xilofone é frequentemente incluído na orquestra folclórica russa. O som que os blocos de madeira fazem é agudo, estalante e “seco”. Às vezes, eles também evocam um clima sombrio, criando imagens grotescas e bizarras. Uma orquestra cuja composição pode incluir não apenas um xilofone, na maioria das vezes atua em um enredo especial - geralmente em contos de fadas ou episódios épicos.

Latão

O trompete foi o primeiro a entrar na orquestra da ópera. Seu timbre não é caracterizado pelo lirismo. Normalmente, as trombetas são consideradas instrumentos exclusivamente de fanfarra.

A parte mais poética do “time” é a buzina. No registro grave seu timbre é um tanto sombrio, e no registro agudo é bastante tenso.

O saxofone ocupa uma posição intermediária entre os sopros e os metais. A potência do seu som é muito superior à do clarinete. Desde o início do século XX, o saxofone tornou-se uma das principais “vozes” que compõem os conjuntos de jazz.

A tuba é classificada como instrumento "baixo". É capaz de cobrir a parte mais baixa da faixa do grupo de cobre.

Instrumentos únicos. Harpa

A composição principal da orquestra sinfônica é descrita acima. As ferramentas podem ser introduzidas adicionalmente. Por exemplo, uma harpa. Este instrumento é considerado um dos mais antigos da história musical da humanidade. Vinha de um arco com corda esticada, que soava bastante melodioso quando disparado. A harpa remete à Beleza e sua aparência é superior a todos os outros “participantes”.

A harpa tem capacidades virtuosas únicas. Produz excelentes passagens de arpejos, acordes largos, glissandos e harmônicos. O papel da harpa não é tanto emocional, mas, até certo ponto, colorido. O instrumento geralmente acompanha outros. Além disso, a harpa recebe solos espetaculares.

Piano

A fonte sonora deste instrumento são cordas de metal. Martelos de madeira cobertos com feltro começam a bater neles quando você pressiona as teclas com os dedos. O resultado é um som diferente. O piano ganhou grande popularidade como instrumento solo. Mas em alguns casos ele também pode atuar como “participante comum”. Alguns compositores utilizam o piano como elemento decorativo, agregando novas cores e sonoridade ao som de toda a orquestra.

Órgão

Este instrumento de sopro é conhecido desde os tempos antigos. Naquela época, a injeção de ar por fole era feita manualmente. Posteriormente, o design da ferramenta foi melhorado. Na Europa antiga, o órgão era usado nos serviços religiosos. Este é um instrumento gigantesco com muitos tons diferentes. O alcance do órgão é maior do que o de todos os instrumentos da orquestra juntos. O projeto inclui foles que bombeiam o ar, um sistema de tubos de diversos tamanhos e dispositivos, teclados - de pé e diversos manuais.

Os tubos de um único tom em um conjunto são chamados de "registro". Os grandes órgãos catedrais têm cerca de cem registros. A cor dos sons de alguns deles lembra o som de flauta, oboé, clarinete, violoncelo e outros instrumentos orquestrais. Quanto mais diversificados e “ricos” os registos, mais oportunidades o intérprete tem. A arte de tocar órgão baseia-se na capacidade de “registrar” com habilidade, ou seja, utilizar todo o potencial técnico.

Ao utilizar o órgão na música moderna, em particular na música teatral, os compositores perseguiam principalmente um objetivo sonoro-visual, especialmente nos momentos em que era necessário reproduzir o ambiente da igreja. Por exemplo, Liszt em A Batalha dos Hunos (um poema sinfônico) contrastou a cristandade com os bárbaros que usavam o órgão.

Bem-vindo a uma breve visão geral dos instrumentos musicais de uma orquestra sinfônica.

Se você está apenas começando a se familiarizar com a música clássica, talvez ainda não saiba quais instrumentos musicais os membros da orquestra sinfônica tocam. Este artigo irá ajudá-lo. Descrições, imagens e amostras sonoras dos principais instrumentos musicais da orquestra irão apresentar-lhe a enorme variedade de sons produzidos pela orquestra.

Prefácio

O conto musical sinfônico "Pedro e o Lobo" foi escrito em 1936 para o novo Teatro Infantil Central de Moscou (hoje Teatro Acadêmico Juvenil Russo). Esta é a história do pioneiro Pete, que mostra coragem e engenhosidade, salva seus amigos e captura o lobo. Desde o momento da sua criação até aos dias de hoje, a peça gozou de popularidade mundial inalterada entre a geração mais jovem e os amantes da música clássica experientes. Esta peça nos ajudará a identificar diferentes instrumentos, porque... cada personagem nele é representado por um determinado instrumento e um motivo separado: por exemplo, Petya - instrumentos de cordas (principalmente violinos), Birdie - flauta em registro agudo, Pato - oboé, Avô - fagote, Gato - clarinete, Lobo - trompa . Depois de se familiarizar com os instrumentos apresentados, ouça novamente esta peça e tente lembrar como soa cada instrumento.

Sergei Prokofiev: "Pedro e o Lobo"

Instrumentos de cordas curvadas.

Todos os instrumentos de cordas curvadas consistem em cordas vibrantes esticadas sobre um corpo de madeira ressonante (tampa harmônica). Para produzir o som, utiliza-se um arco de crina de cavalo, prendendo as cordas em diferentes posições no braço para produzir sons de diferentes alturas. A família de instrumentos de corda com arco é a maior da programação, agrupada em uma enorme seção com músicos tocando a mesma linha musical.

Instrumento de arco de 4 cordas, o de sonoridade mais aguda da família e o mais importante da orquestra. O violino tem uma combinação de beleza e expressividade sonora como, talvez, nenhum outro instrumento. Mas os violinistas costumam ter a reputação de serem pessoas nervosas e escandalosas.

Concerto para violino de Félix Mendelssohn

Alto - na aparência é uma cópia de um violino, só que um pouco maior, por isso soa em registro mais grave e é um pouco mais difícil de tocar que um violino. Segundo a tradição estabelecida, à viola é atribuída uma função auxiliar na orquestra. Os violistas são frequentemente alvo de piadas e anedotas na comunidade musical. Havia três filhos na família - dois inteligentes e o terceiro era um violista... P.S. Algumas pessoas acreditam que a viola é uma versão melhorada do violino.

Robert Schumann "Contos de Fadas" para viola e piano

Violoncelo- um grande violino que se toca sentado, segurando o instrumento entre os joelhos e apoiando a ponta no chão. O violoncelo possui um som grave e rico, amplas habilidades expressivas e uma técnica de execução detalhada. As qualidades performáticas do violoncelo conquistaram os corações de um grande número de fãs.

Dmitri Shostakovich Sonata para violoncelo e piano

Contrabaixo- o som mais baixo e o maior em tamanho (até 2 metros) da família dos instrumentos de cordas com arco. Os contrabaixistas devem ficar de pé ou sentar-se em um banquinho alto para alcançar o topo do instrumento. O contrabaixo tem um timbre grosso, rouco e um tanto monótono e é a base do baixo de toda a orquestra.

Dmitri Shostakovich Sonata para violoncelo e piano (ver violoncelo)

Instrumentos de sopro.

Uma grande família de instrumentos diversos, não necessariamente feitos de madeira. O som é gerado pela vibração do ar que passa pelo instrumento. Pressionar as teclas encurta/alonga a coluna de ar e altera o tom do som. Cada instrumento geralmente possui sua própria linha solo, embora possa ser executada por vários músicos.

Os principais instrumentos da família dos sopros.

- as flautas modernas muito raramente são feitas de madeira, mais frequentemente de metal (incluindo metais preciosos), às vezes de plástico e vidro. A flauta é segurada horizontalmente. A flauta é um dos instrumentos de maior sonoridade da orquestra. O instrumento mais virtuoso e tecnicamente ágil da família dos sopros, graças a essas vantagens lhe são frequentemente atribuídos solos orquestrais.

Concerto para flauta nº 1 de Wolfgang Amadeus Mozart

Oboé-um instrumento melódico com alcance inferior ao de uma flauta. De formato levemente cônico, o oboé tem timbre melodioso, mas um tanto nasalado, e até agudo no registro agudo. É usado principalmente como instrumento solo orquestral. Como os oboístas precisam contorcer o rosto enquanto tocam, às vezes são vistos como pessoas anormais.

Vincenzo Bellini Concerto para oboé e orquestra

Clarinete- Disponível em vários tamanhos, dependendo do passo requerido. O clarinete utiliza apenas uma palheta (palheta), e não dupla como uma flauta ou fagote. O clarinete possui um timbre amplo, quente e suave e proporciona ao intérprete amplas possibilidades expressivas.
Verifique você mesmo: Karl roubou corais de Clara e Clara roubou um clarinete de Karl.

Carl Maria von Weber Concerto para clarinete nº 1

O instrumento de sopro de som mais baixo, usado tanto para a linha de baixo quanto como instrumento melódico alternativo. Geralmente há três ou quatro fagotes em uma orquestra. Devido ao seu tamanho, o fagote é mais difícil de tocar do que outros instrumentos desta família.

Concerto para fagote de Wolfgang Amadeus Mozart

Instrumentos de sopro.

Grupo de instrumentos mais barulhento de uma orquestra sinfônica, o princípio de produção de sons é o mesmo dos instrumentos de sopro - “pressionar e soprar”. Cada instrumento toca sua própria linha solo – há muito material. Em diferentes épocas de sua história, a orquestra sinfônica alterou grupos de instrumentos em sua composição; um certo declínio no interesse por instrumentos de sopro ocorreu na era do romantismo; no século XX, novas possibilidades de execução para instrumentos de sopro se abriram e seu repertório se expandiu significativamente.

Chifre (chifre)- originalmente derivada da trompa de caça, a trompa pode ser suave e expressiva ou áspera e rouca. Normalmente, uma orquestra usa de 2 a 8 trompas, dependendo da peça.

Nikolai Rimsky-Korsakov Scheherazade

Um instrumento com som alto e claro, muito adequado para fanfarras. Assim como o clarinete, o trompete pode vir em diferentes tamanhos, cada um com seu timbre. Distinguido pela grande agilidade técnica, o trompete cumpre brilhantemente o seu papel na orquestra, podendo executar timbres amplos e luminosos e longas frases melódicas.

Concerto para trompete de Joseph Haydn

Executa mais uma linha de baixo do que uma linha melódica. Difere de outros instrumentos de sopro pela presença de um tubo especial móvel em forma de U - um backstage, ao mover-se para frente e para trás o músico altera o som do instrumento.

Concerto para Trombone de Nikolai Rimsky-Korsakov

Instrumentos musicais de percussão.

O mais antigo e numeroso entre os grupos de instrumentos musicais. Freqüentemente, a bateria é carinhosamente chamada de “cozinha” da orquestra, e os intérpretes são chamados de “pau para toda obra”. Os músicos tratam os instrumentos de percussão com bastante severidade: batem com baquetas, batem uns nos outros, sacodem - e tudo isso para dar o ritmo da orquestra, além de dar cor e originalidade à música. Às vezes, uma buzina de carro ou um dispositivo que imita o ruído do vento (aeolifone) é adicionado à bateria. Consideremos apenas dois instrumentos de percussão:

- um corpo metálico hemisférico coberto por uma membrana de couro, os tímpanos podem soar muito alto ou, inversamente, suavemente, como o estrondo distante de um trovão; baquetas com cabeças feitas de diferentes materiais são usadas para produzir sons diferentes: madeira, feltro, couro. Uma orquestra geralmente tem de dois a cinco tocadores de tímpanos, e é muito interessante observar os tocadores de tímpanos tocando.

Johann Sabastian Bach Tocata e Fuga

Pratos (pares)- discos metálicos redondos convexos de diversos tamanhos e passo indefinido. Como observado, uma sinfonia pode durar noventa minutos, e você só precisa tocar os pratos uma vez; imagine a responsabilidade pelo resultado exato.

Composição de uma orquestra sinfônica moderna

Uma orquestra sinfônica moderna consiste em 4 grupos principais. A base da orquestra é um grupo de cordas (violinos, violas, violoncelos, contrabaixos). Na maioria dos casos, as cordas são as principais portadoras do princípio melódico da orquestra. O número de músicos tocando cordas é aproximadamente 2/3 de todo o conjunto. O grupo de instrumentos de sopro inclui flautas, oboés, clarinetes e fagotes. Cada um deles geralmente tem um partido independente. Inferiores aos instrumentos de arco em riqueza de timbre, propriedades dinâmicas e variedade de técnicas de execução, os instrumentos de sopro têm grande força, som compacto e tons coloridos brilhantes. O terceiro grupo de instrumentos de orquestra são os metais (trompa, trompete, trombone, trompete). Eles trazem novas cores vivas para a orquestra, enriquecendo suas capacidades dinâmicas, acrescentando potência e brilho ao som, e também servindo como baixo e suporte rítmico. Os instrumentos de percussão estão se tornando cada vez mais importantes em uma orquestra sinfônica. Sua principal função é rítmica. Além disso, criam um fundo sonoro e sonoro especial, complementam e decoram a paleta orquestral com efeitos de cores. De acordo com a natureza do som, os tambores são divididos em 2 tipos: alguns têm uma determinada altura (tímpanos, sinos, xilofone, sinos, etc.), outros não têm uma altura precisa (triângulo, pandeiro, caixa e bumbo, pratos). Dos instrumentos não incluídos nos grupos principais, o papel da harpa é o mais significativo. Ocasionalmente, os compositores incluem celesta, piano, saxofone, órgão e outros instrumentos na orquestra. Sopros

A FLUTE é um dos instrumentos mais antigos do mundo, conhecido desde a antiguidade - no Egito, Grécia e Roma. Desde os tempos antigos, as pessoas aprenderam a extrair sons musicais de palhetas cortadas e fechadas em uma das pontas. Este instrumento musical primitivo foi, aparentemente, um ancestral distante da flauta. Na Europa, na Idade Média, dois tipos de flautas se difundiram: retas e transversais. A flauta reta, ou "flauta com ponta", era segurada bem à sua frente, como um oboé ou clarinete; oblíquo ou transversal - em ângulo. A flauta transversal revelou-se mais viável, pois era fácil de melhorar. Em meados do século XVIII, substituiu finalmente a flauta direta da orquestra sinfônica. Ao mesmo tempo, a flauta, junto com a harpa e o cravo, tornou-se um dos instrumentos musicais caseiros preferidos. A flauta, por exemplo, foi tocada pelo artista russo Fedotov e pelo rei prussiano Frederico II. A flauta é o instrumento mais ágil do grupo de sopros: em termos de virtuosismo, supera todos os outros instrumentos de sopro. Um exemplo disso é a suíte de balé “Daphnis and Chloe” de Ravel, onde a flauta na verdade atua como instrumento solo. A flauta é um tubo cilíndrico, de madeira ou metal, fechado de um lado - na cabeça. Há também um orifício lateral para injeção de ar. Tocar flauta exige muito consumo de ar: ao soprar, parte dele quebra na borda afiada do buraco e escapa. Isto dá origem a um som sibilante característico, especialmente no registro baixo. Pela mesma razão, notas sustentadas e melodias amplas são difíceis de tocar na flauta. Rimsky-Korsakov descreveu a sonoridade da flauta da seguinte forma: "O timbre é frio, mais adequado para melodias de natureza graciosa e frívola em maior, e com um toque de tristeza superficial em menor." Muitas vezes os compositores usam um conjunto de três flautas. Um exemplo é a dança das pastoras de "O Quebra-Nozes" de Tchaikovsky.

O OBOE rivaliza com a flauta na antiguidade de sua origem: sua ascendência remonta à flauta primitiva. Dos ancestrais do oboé, o mais difundido foi o aulos grego, sem o qual os antigos helenos não poderiam imaginar nem uma festa nem uma apresentação teatral. Os ancestrais do oboé vieram do Oriente Médio para a Europa. No século XVII, o oboé foi criado a partir da bombarda, instrumento tipo flauta, que imediatamente se popularizou na orquestra. Logo se tornou um instrumento de concerto. Há quase um século, o oboé é ídolo de músicos e amantes da música. Os melhores compositores dos séculos XVII-XVIII - Lully, Rameau, Bach, Handel - prestaram homenagem a este hobby: Handel, por exemplo, escreveu concertos para oboé, cuja dificuldade pode confundir até os oboístas modernos. Porém, no início do século XIX, o “culto” ao oboé na orquestra esmaeceu um pouco e o protagonismo do grupo de sopros passou para o clarinete. Em sua estrutura, o oboé é um tubo cônico; numa das extremidades há um pequeno sino em forma de funil, na outra uma bengala, que o performer segura na boca. Graças a algumas características de design, o oboé nunca perde a afinação. Portanto, tornou-se tradição sintonizar toda a orquestra com ele. Diante de uma orquestra sinfônica, quando os músicos se reúnem no palco, muitas vezes é possível ouvir o oboísta tocando lá da primeira oitava, enquanto outros intérpretes afinam seus instrumentos. O oboé possui uma técnica flexível, embora neste aspecto seja inferior à flauta. É mais um instrumento de canto do que virtuoso: sua área, via de regra, é a tristeza e a elegância. É assim que soa no tema dos cisnes desde o intervalo do segundo ato do Lago dos Cisnes e na melodia simples e melancólica do segundo movimento da IV Sinfonia de Tchaikovsky. Ocasionalmente, o oboé recebe “papéis cômicos”: em “A Bela Adormecida” de Tchaikovsky, por exemplo, na variação “O Gato e a Gatinha”, o oboé imita divertidamente o miado de um gato.

Um CLARNET é um tubo cilíndrico de madeira com um sino em forma de batedor em uma extremidade e uma ponta de cana na outra. De todos os instrumentos de sopro, apenas o clarinete pode alterar com flexibilidade a intensidade do som. Esta e muitas outras qualidades do clarinete fizeram do seu som uma das vozes mais expressivas da orquestra. É curioso que dois compositores russos, tratando do mesmo enredo, tenham agido exatamente da mesma maneira: em ambas as “The Snow Maidens” - de Rimsky-Korsakov e Tchaikovsky - as melodias pastorais de Lel são confiadas ao clarinete. O timbre do clarinete é frequentemente associado a situações sombrias e dramáticas. Esta área de expressividade foi “descoberta” por Weber. Na cena "Wolf Valley" de "The Magic Shooter", ele primeiro adivinhou quais efeitos trágicos estavam escondidos no registro grave do instrumento. Mais tarde, Tchaikovsky usou o som misterioso de clarinetes baixos em A Dama de Espadas, quando o fantasma da Condessa aparece. Clarinete pequeno. O pequeno clarinete veio para a orquestra sinfônica da orquestra militar de metais. Berlioz usou-o pela primeira vez, confiando-lhe o distorcido “tema amado” no último movimento da Sinfonia Fantástica. Wagner, Rimsky-Korsakov e R. Strauss frequentemente recorriam ao clarinete pequeno. Shostakovich. Bassethorn. No final do século XVIII, a família do clarinete foi enriquecida com mais um membro: a trompa de basset, um antigo tipo de clarinete alto, apareceu na orquestra. Era maior que o instrumento principal e seu timbre - calmo, solene e fosco - ocupava uma posição intermediária entre o clarinete regular e o baixo. Ele permaneceu na orquestra por apenas algumas décadas e devia seu apogeu a Mozart. Foi para duas trompas de basset com fagotes que foi escrito o início do “Requiem” (agora as trompas de basset são substituídas por clarinetes). Uma tentativa de reviver este instrumento sob o nome de clarinete alto foi feita por R. Strauss, mas desde então parece não ter sido repetida. Hoje em dia, as trompas de basset estão incluídas nas bandas militares. Clarinete baixo. O clarinete baixo é o representante mais “impressionante” da família. Construída no final do século XVIII, conquistou posição de destaque na orquestra sinfônica. O formato deste instrumento é bastante inusitado: seu sino é dobrado para cima, como um cachimbo, e o bocal é montado em uma haste curva - tudo isso para reduzir o comprimento exorbitante do instrumento e facilitar seu uso. Meyerbeer foi o primeiro a “descobrir” o enorme poder dramático deste instrumento. Wagner, começando por Lohengrin, faz dele o baixo permanente dos instrumentos de sopro. Os compositores russos costumavam usar o clarinete baixo em seus trabalhos. Assim, os sons sombrios do clarinete baixo são ouvidos na quinta cena de “A Dama de Espadas” enquanto Herman lê a carta de Lisa. Agora o clarinete baixo é membro permanente de uma grande orquestra sinfônica e suas funções são muito diversas.

O ancestral do fagote é considerado o antigo tubo de baixo - bombarda. O fagote que o substituiu foi construído pelo Cônego Afranio degli Albonesi na primeira metade do século XVI. O grande tubo de madeira, dobrado ao meio, lembrava um feixe de lenha, o que se reflete no nome do instrumento (a palavra italiana fagotto significa “bicha”). O fagote cativou seus contemporâneos com a eufonia do timbre, que, em contraste com a voz rouca das bombardas, passaram a chamá-lo de “dolcino” – doce. Posteriormente, mantendo o seu contorno externo, o fagote sofreu sérias melhorias. A partir do século XVII ingressou na orquestra sinfônica, e a partir do século XVIII - na orquestra militar. O cano cônico de madeira do fagote é muito grande, por isso é “dobrado” ao meio. Um tubo de metal curvo é preso à parte superior do instrumento, sobre o qual é colocada uma bengala. Durante a execução, o fagote fica suspenso por uma corda no pescoço do intérprete. No século XVIII, o instrumento gozava de grande popularidade entre os seus contemporâneos: alguns chamavam-no de “orgulhoso”, outros chamavam-no de “gentil, melancólico, religioso”. Rimsky-Korsakov definiu a cor do fagote de uma forma muito singular: “O timbre é senilmente zombeteiro em maior e dolorosamente triste em menor”. Tocar fagote exige muita respiração, e o forte em um registro grave pode causar cansaço extremo ao intérprete. As funções da ferramenta são muito diversas. É verdade que no século 18 eles muitas vezes se limitavam a apoiar baixos de cordas. Mas no século 19, com Beethoven e Weber, o fagote tornou-se a voz individual da orquestra, e cada um dos mestres subsequentes encontrou nele novas propriedades. Meyerbeer em “Robert the Devil” fez os fagotes retratarem “risos mortais, dos quais o gelo escorre pela pele” (palavras de Berlioz). Rimsky-Korsakov em “Scheherazade” (a história de Kalender, o Czarevich) descobriu um narrador poético no fagote. O fagote atua com especial frequência nesta última função - provavelmente por isso que Thomas Mann chamou o fagote de “mockingbird”. Exemplos podem ser encontrados no Scherzo humorístico para quatro fagotes e em Pedro e o Lobo, de Prokofiev, onde o fagote recebe o "papel" do Avô, ou no início do final da Nona Sinfonia de Shostakovich. As variedades de fagote estão limitadas em nossa época a apenas um representante - o contrafagote. Este é o instrumento mais grave da orquestra. Apenas o baixo pedal do órgão soa mais baixo do que os sons extremos do contrafagote. A ideia de continuar a escala do fagote para baixo surgiu há muito tempo - o primeiro contrafagote foi construído em 1620. Mas era tão imperfeito que até o final do século XIX, quando o instrumento foi aprimorado, foi muito pouco utilizado: ocasionalmente por Haydn, Beethoven, Glinka. Um contrafagote moderno é um instrumento curvado três vezes: seu comprimento quando desdobrado é de 5 m 93 cm (!); na técnica lembra um fagote, mas é menos ágil e tem um timbre denso, quase de órgão. Compositores do século 19 - Rimsky-Korsakov, Brahms - geralmente recorriam ao contrafagote para realçar o baixo. Mas às vezes solos interessantes são escritos para ele. Ravel, por exemplo, em “Conversa entre a Bela e a Fera” (balé “Minha Mãe Ganso”) confiou-lhe a voz do monstro. Cordas

O VIOLINO é um instrumento de cordas de arco, o mais alto em som, o mais rico em capacidades expressivas e técnicas entre os instrumentos da família do violino. Acredita-se que o antecessor imediato do violino tenha sido a chamada lira de braccio, originada de violas antigas; assim como o violino, esse instrumento era segurado no ombro (braccio italiano - ombro), as técnicas de execução também eram semelhantes às do violino. De meados do século XVI. O violino se consolida na prática musical como instrumento solo e conjunto. Muitas gerações de artesãos trabalharam para melhorar o design e melhorar as qualidades sonoras do violino. A história preservou os nomes de A. e N. Amati, A. e D. Guarneri, A. Stradivari - destacados mestres italianos do final do século XVI - início do século XVIII, que criaram exemplares de violinos ainda considerados insuperáveis. O corpo do violino tem um formato oval característico com entalhes nas laterais. O invólucro conecta as duas caixas acústicas do instrumento (orifícios especiais são feitos na parte superior - furos F). São 4 cordas esticadas no braço, afinadas em quintas. O alcance do violino cobre 4 oitavas; entretanto, os harmônicos também podem ser usados ​​para produzir vários sons mais agudos. O violino é um instrumento predominantemente de voz única. No entanto, pode produzir intervalos harmoniosos e até acordes de 4 notas. O timbre do violino é melodioso, rico em tonalidades sonoras e dinâmicas, e sua expressividade se aproxima da voz humana. Para alterar o timbre durante a execução, às vezes é usado um mudo. Ao violino, que possui excepcional agilidade técnica, muitas vezes é confiada a execução de passagens difíceis e rápidas, saltos largos e melódicos, vários tipos de trinados e tremolos.

A viola e a forma como é tocada lembram muito o violino, então se você não notar a diferença de tamanho (e isso é muito difícil de fazer: a viola é visivelmente maior que o violino), então eles podem ser facilmente confundidos . Acredita-se que o timbre da viola seja inferior ao do violino em brilho e brilho. No entanto, este instrumento também tem vantagens únicas: é indispensável na música de carácter elegíaco, sonhador-romântico. Em termos de virtuosismo, a viola é quase tão perfeita quanto o violino, mas o grande tamanho da viola exige que o intérprete tenha alongamento adequado dos dedos e força física. A viola não recebeu imediatamente o seu devido papel entre os instrumentos da orquestra. Após o apogeu da escola polifônica de Bach e Handel, quando a viola era membro igual do grupo de cordas, passou a ser atribuída a ela uma voz harmônica subordinada. Naquela época, os violistas geralmente se tornavam violinistas malsucedidos. Nas obras de Gluck, Haydn e parcialmente Mozart, a viola é usada apenas como voz média ou baixa da orquestra. Somente nas obras de Beethoven e de compositores românticos a viola adquire o significado de instrumento melódico. A viola deve o seu reconhecimento em grande parte aos violinistas de destaque do século passado, especialmente Paganini, que tocou viola em quarteto e se apresentou em recital. Mais tarde, Berlioz introduz a parte de viola solo na sua sinfonia “Harold in Italy”, confiando-lhe a caracterização de Harold. Depois disso, a atitude dos compositores e intérpretes em relação à viola começou a mudar. Wagner em "Tannhäuser", na cena chamada "Gruta de Vênus", escreve para viola uma parte incrivelmente difícil para a época. R. Strauss interpreta a viola solo com ainda mais maestria no filme sinfônico “Dom Quixote”. Às violas é frequentemente atribuída a voz melódica juntamente com violoncelos, violinos ou de forma completamente independente, como, por exemplo, no segundo ato de “O Galo de Ouro” de Rimsky-Korsakov durante a dança da Rainha Shemakhan.

O violoncelo entrou na vida musical na segunda metade do século XVI. Deve a sua criação à arte de mestres instrumentais notáveis ​​como Magini, Gasparo de Salo e, mais tarde, Amati e Stradivari. Assim como a viola, o violoncelo há muito é considerado um instrumento secundário na orquestra. Até o final do século XVIII, os compositores a utilizavam principalmente como voz de baixo e, no início do século retrasado, em conexão com isso, as partes do violoncelo e do contrabaixo eram escritas na partitura em uma linha. O violoncelo tem o dobro do tamanho da viola, seu arco é mais curto que o do violino e da viola e as cordas são muito mais longas. O violoncelo é um dos instrumentos de “pé”: o intérprete o coloca entre os joelhos, apoiando a ponta de metal no chão. Beethoven foi o primeiro a “descobrir” a beleza do timbre do violoncelo. Seguindo-o, os compositores transformaram seu som na voz cantada de uma orquestra - lembre-se do segundo movimento da VI Sinfonia de Tchaikovsky. Freqüentemente, em óperas, balés e obras sinfônicas, o violoncelo recebe um solo - como, por exemplo, em Dom Quixote de R. Strauss. Em número de obras de concerto escritas para ela, o violoncelo perde apenas para o violino. Assim como o violino e a viola, o violoncelo possui quatro cordas afinadas em quintas, mas uma oitava abaixo das cordas da viola. Em termos de capacidades técnicas, o violoncelo não é inferior ao violino e, em alguns casos, até o supera. Por exemplo, devido às cordas mais longas de um violoncelo, ele pode ser usado para produzir uma série mais rica de harmônicos.

O DOUBLE BASS é muito superior aos seus congêneres tanto no tamanho quanto no volume do registro grave: o contrabaixo tem o dobro do tamanho de um violoncelo, que tem o dobro do tamanho de uma viola. Muito provavelmente, o contrabaixo, descendente da antiga viola, apareceu na orquestra no século XVII. O formato do contrabaixo mantém até hoje as características de uma viola antiga: corpo pontiagudo para cima, laterais inclinadas - graças a isso, o intérprete pode inclinar-se sobre a parte superior do corpo e “alcançar” a parte inferior do o pescoço para extrair os sons mais agudos. O instrumento é tão grande que o intérprete o toca em pé ou sentado em um banquinho alto. Em termos de virtuosismo, o contrabaixo moderno é bastante ágil: muitas vezes, junto com os violoncelos, são executadas passagens bastante rápidas. Mas “graças” ao seu tamanho, exige um grande estiramento dos dedos e seu arco é muito pesado. Tudo isso torna a técnica do instrumento mais pesada: passagens que exigem leveza soam um tanto pesadas. No entanto, o seu papel na orquestra é enorme: invariavelmente executando as partes da voz do baixo, ele cria a base para o som do grupo de cordas e, juntamente com o fagote e a tuba ou terceiro trombone, toda a orquestra. Além disso, os contrabaixos soam perfeitamente em oitava com os violoncelos nas melodias. Em uma orquestra, os contrabaixos raramente são divididos em várias partes ou executam solos sobre eles. Latão

O TRUMPET faz parte da orquestra de ópera desde a sua criação; O Orfeu de Monteverdi já apresentava cinco trombetas. Nos séculos XVII e primeira metade do século XVIII, foram escritas para trompetes partes muito virtuosas e de alta tessitura, cujo protótipo eram as partes de soprano nas obras vocais e instrumentais da época. Para executar essas partes mais difíceis, os músicos dos tempos de Purcell, Bach e Handel utilizavam instrumentos naturais comuns naquela época, com um tubo longo e uma boquilha especial que permitia extrair facilmente os tons mais agudos. Um trompete com tal bocal era chamado de “clarino” e seu estilo de escrita recebeu o mesmo nome na história da música. Na segunda metade do século XVIII, com as mudanças na escrita orquestral, o estilo clarino foi esquecido e o trompete tornou-se principalmente um instrumento de fanfarra. Era limitado em suas capacidades como a trompa, e se encontrava em uma posição ainda pior, já que nela não eram utilizados “sons fechados” que ampliam a escala por causa de seu mau timbre. Mas na década de trinta do século XIX, com a invenção do mecanismo de válvula, iniciou-se uma nova era na história do tubo. Tornou-se um instrumento cromático e depois de algumas décadas substituiu o trompete natural da orquestra. O timbre da trombeta não é típico do lirismo, mas consegue o heroísmo da melhor maneira possível. Entre os clássicos vienenses, os trompetes eram um instrumento puramente de fanfarra. Muitas vezes desempenhavam as mesmas funções na música do século XIX, anunciando o início de procissões, marchas, festas solenes e caçadas. Wagner usou cachimbos mais do que outros e de uma maneira nova. Seu timbre é quase sempre associado em suas óperas ao romance e heroísmo cavalheiresco. O trompete é famoso não só pela sua potência sonora, mas também pelas suas excelentes qualidades virtuosas.

TROMBONE recebe o nome do nome italiano para trompete - tromba - com o sufixo de ampliação "um": trombone significa literalmente "trombeta". E de fato: o tubo do trombone tem o dobro do comprimento do trompete. Já no século XVI, o trombone recebeu a sua forma moderna e desde o seu início foi um instrumento cromático. A escala cromática completa é alcançada nele não por meio de um mecanismo de válvula, mas por meio do chamado backstage. O link é um longo tubo adicional, no formato da letra latina U. Ele é inserido no tubo principal e estendido se desejado. Neste caso, a afinação do instrumento diminui proporcionalmente. O intérprete empurra o slide para baixo com a mão direita e segura o instrumento com a esquerda. Os trombones são há muito tempo uma “família” de instrumentos de vários tamanhos. Não faz muito tempo, a família do trombone consistia em três instrumentos; cada uma delas correspondia a uma das três vozes do coro e recebia seu nome: trombone alto, trombone tenor, trombone baixo. Tocar trombone requer uma grande quantidade de ar, pois mover o slide leva mais tempo do que pressionar as válvulas de uma trompa ou trompete. Tecnicamente, o trombone é menos ágil que seus vizinhos do grupo: sua escala não é tão rápida e clara, o forte é um pouco pesado, o legato é difícil. Cantilena no trombone exige muito esforço do intérprete. Porém, este instrumento possui qualidades que o tornam indispensável numa orquestra: o som do trombone é mais potente e masculino. Monteverdi, na ópera "Orfeu", talvez pela primeira vez sentiu o caráter trágico inerente ao som do conjunto de trombones. E a partir de Gluck, três trombones passaram a ser obrigatórios na orquestra de ópera; muitas vezes aparecem no clímax do drama. O trio de trombones é bom em frases oratórias. Desde a segunda metade do século XIX, o grupo de trombone foi complementado por um instrumento baixo - a tuba. Juntos, três trombones e uma tuba formam um quarteto de “metais pesados”. Um efeito único é possível no trombone - glissando. Isso é conseguido deslizando os bastidores em uma posição dos lábios do performer. Essa técnica já era conhecida por Haydn, que em seu oratório “As Estações” a utilizou para imitar o latido dos cães. Na música moderna, o glissando é amplamente utilizado. O glissando deliberadamente uivante e áspero do trombone na “Dança do Sabre” do balé “Gayane” de Khachaturian é curioso. Também interessante é o efeito de um trombone com surdina, que confere ao instrumento um som sinistro e bizarro.

O ancestral da trompa francesa moderna foi a trompa. Desde a antiguidade, o sinal da buzina anunciava o início de uma batalha; na Idade Média e mais tarde, até ao início do século XVIII, era ouvido durante caçadas, competições e cerimónias solenes da corte. No século XVII, a trompa de caça começou a ser ocasionalmente introduzida na ópera, mas só no século seguinte se tornou membro permanente da orquestra. E o próprio nome do instrumento - trompa - lembra seu papel passado: essa palavra vem do alemão "Waldhorn" - "chifre da floresta". Em checo, este instrumento ainda é chamado de trompa da floresta. O tubo de metal do chifre antigo era muito comprido: quando desdobrado, alguns deles chegavam a 5m 90cm. Era impossível segurar tal instrumento diretamente nas mãos; Portanto, o tubo córneo foi dobrado e recebeu um formato gracioso, semelhante a uma concha. O som da buzina antiga era muito bonito, mas o instrumento revelou-se limitado nas suas capacidades sonoras: só conseguia produzir a chamada escala natural, ou seja, aqueles sons que surgem da divisão de uma coluna de ar encerrada num tubo em 2, 3, 4, 5, 6, etc. Segundo a lenda, em 1753, o trompista de Dresden, Gampel, acidentalmente colocou a mão no sino e descobriu que a afinação da trompa havia caído. Desde então, esta técnica tem sido amplamente utilizada. Os sons obtidos desta forma foram chamados de “fechados”. Mas eles eram monótonos e muito diferentes dos abertos e brilhantes. Nem todos os compositores arriscavam recorrer a eles com frequência, geralmente ficando satisfeitos com motivos de fanfarra curtos e de bom som, construídos em sons abertos. Em 1830, o mecanismo de válvula foi inventado - um sistema permanente de tubos adicionais que permite à trompa produzir uma escala cromática completa e com bom som. Depois de várias décadas, a trompa melhorada finalmente substituiu a antiga natural, que foi usada pela última vez por Rimsky-Korsakov na ópera “Noite de Maio” em 1878. A trompa é considerada o instrumento mais poético do grupo de metais. No registro grave o timbre da trompa é um tanto sombrio, no registro agudo é muito tenso. A trompa pode cantar ou narrar lentamente. O quarteto de trompas soa muito suavemente - você pode ouvi-lo na "Valsa das Flores" do balé "O Quebra-Nozes" de Tchaikovsky.

TUBA é um instrumento bastante jovem. Foi construído no segundo quartel do século XIX na Alemanha. As primeiras tubas eram imperfeitas e inicialmente utilizadas apenas em orquestras militares e de jardim. Somente quando chegou à França, nas mãos do mestre instrumental Adolphe Sax, é que a tuba começou a atender às altas exigências da orquestra sinfônica. A tuba é um instrumento baixo que pode cobrir a faixa mais baixa da banda de metais. No passado, as suas funções eram desempenhadas pela serpente, instrumento de formato bizarro que lhe deve o nome (em todas as línguas românicas, serpente significa “cobra”), depois pelos trombones baixo e contrabaixo e pelo oficleide com o seu timbre bárbaro. Mas as qualidades sonoras de todos esses instrumentos eram tais que não proporcionavam à banda de metais um baixo bom e estável. Até o surgimento da tuba, os mestres procuravam persistentemente um novo instrumento. As dimensões da tuba são muito grandes, seu tubo tem o dobro do comprimento do tubo do trombone. Enquanto toca, o intérprete segura o instrumento à sua frente com o sino voltado para cima. Tuba é um instrumento cromático. O consumo de ar no tubo é enorme; às vezes, principalmente no forte no registro grave, o intérprete é forçado a mudar sua respiração a cada som. Portanto, os solos deste instrumento são geralmente bastante curtos. Tecnicamente, o tubo é móvel, embora seja pesado. Em uma orquestra, ela geralmente atua como baixo em um trio de trombone. Mas às vezes a tuba atua como instrumento solo, por assim dizer, em papéis de personagens. Assim, ao orquestrar “Quadros de uma Exposição” de Mussorgsky na peça “Gado”, Ravel atribuiu à tuba baixo uma imagem humorística de uma carroça barulhenta arrastando-se pela estrada. A parte da tuba foi escrita aqui num registro bem agudo.

O criador do SAXOFONE é o notável mestre instrumental franco-belga Adolphe Sax. Sax partiu de um pressuposto teórico: é possível construir um instrumento musical que ocupasse uma posição intermediária entre os sopros e os metais? As bandas militares imperfeitas da França precisavam muito de tal instrumento, capaz de combinar os timbres do cobre e da madeira. Para implementar seu plano, A. Sachs usou um novo princípio de construção: conectou um tubo cônico com uma palheta de clarinete e um mecanismo de válvula de oboé. O corpo do instrumento era feito de metal, os contornos externos lembravam um clarinete baixo; um tubo alargado na extremidade, fortemente curvado para cima, ao qual é fixada uma bengala a uma ponta de metal dobrada em forma de “S”. A ideia de Sax foi um sucesso brilhante: o novo instrumento tornou-se verdadeiramente um elo entre os metais e os instrumentos de sopro nas bandas militares. Além disso, seu timbre revelou-se tão interessante que atraiu a atenção de muitos músicos. A cor do som do saxofone lembra a trompa inglesa, o clarinete e o violoncelo ao mesmo tempo, mas a potência do som do saxofone é muito maior do que a potência do som do clarinete. Tendo começado a sua existência nas bandas militares de metais da França, o saxofone logo foi introduzido nas óperas e orquestras sinfônicas. Por muito tempo - várias décadas - apenas compositores franceses recorreram a ele: Thomas ("Hamlet"), Massenet ("Werther"), Bizet ("Arlesienne"), Ravel (instrumentação de "Katrinok at an Exhibition" de Mussorgsky) . Depois, compositores de outros países também acreditaram nele: Rachmaninov, por exemplo, confiou ao saxofone uma de suas melhores melodias na primeira parte das Danças Sinfônicas. É curioso que em sua trajetória inusitada o saxofone também tenha enfrentado o obscurantismo: na Alemanha durante os anos do fascismo foi proibido como instrumento de origem não ariana. Nos anos dez do século XX, músicos de conjuntos de jazz chamaram a atenção para o saxofone, e logo o saxofone se tornou o “rei do jazz”. Muitos compositores do século XX apreciaram este interessante instrumento. Debussy escreveu uma Rapsódia para saxofone e orquestra, Glazunov escreveu um Concerto para saxofone e orquestra, Prokofiev, Shostakovich e Khachaturian dirigiram-se repetidamente a ele em suas obras. Bateria

Instrumentos musicais de uma orquestra sinfônica

É melhor, claro, ouvir música numa sala de concertos. Porque nenhum equipamento moderno pode transmitir toda a riqueza do som dos instrumentos musicais de uma orquestra. Por exemplo, na sinfonia. A própria palavra “orquestra” veio da Grécia Antiga. Esse era o nome da área em frente ao palco do antigo teatro. Um antigo coro grego estava localizado neste local. No palco, os atores encenavam uma comédia ou tragédia e o coral fazia o acompanhamento musical. Hoje, pela palavra “orquestra” queremos dizer um grupo de músicos que tocam diversos instrumentos musicais. E a palavra “sinfônica” indica que esta orquestra é a maior e mais rica em suas capacidades. Porque inclui cordas, instrumentos de sopro e instrumentos de percussão. Essa orquestra pode incluir de 60 a 120 músicos. E ainda mais. A orquestra é composta por 4 grupos principais de instrumentos musicais: cordas de arco, sopros, metais e percussão. As cordas curvadas incluem: violinos, violas, violoncelos, contrabaixos. Os instrumentos de sopro incluem: flautas, oboés, clarinetes, fagotes. Os instrumentos de sopro são trompas, trombetas, trombones, tubas. Os instrumentos de percussão incluem tímpanos, caixa, xilofones, bumbo, pratos, triângulos, castanholas e muitos outros.

O papel do maestro

Uma orquestra pode tocar sem maestro? Para responder a essa pergunta, você precisa conhecer o papel do maestro na orquestra. É necessário, antes de mais nada, garantir que todos os músicos toquem no mesmo andamento. Anteriormente, o papel de maestro era desempenhado por uma pessoa que batia o ritmo com uma batuta especial. Então ele se tornou o primeiro violinista. Ele ficava na frente da orquestra, tocando violino, e com movimentos da cabeça e do corpo do arco mostrava aos músicos o andamento e o ritmo da peça. Com o tempo, cada vez mais instrumentos musicais apareceram na orquestra, por isso era necessária uma pessoa para atuar como maestro. O maestro fica em uma plataforma elevada para que todos os músicos possam ver seus gestos. Na mão direita segura uma baqueta, com a qual mostra o ritmo e o andamento da música. A mão esquerda transmite o caráter e as nuances sutis da performance. O papel do maestro é muito importante. Que qualidades uma pessoa nesta profissão deve ter? Em primeiro lugar, ele deve ser um músico profissional com formação adequada. Ao reger, um músico usa seu corpo, e não apenas suas mãos, para transmitir seus pensamentos e sentimentos a outros músicos. Embora o maestro desempenhe o papel principal na orquestra, ainda existiu uma orquestra independente na história. Ou melhor, um conjunto. Chamava-se "Persimance". Seus membros incluíam músicos muito famosos da época. Eles tocavam lá tão harmoniosamente que podiam facilmente passar sem maestro.

, violoncelos, contrabaixos. Reunidos em conjunto, nas mãos de músicos experientes, subordinados à vontade do maestro, formam um instrumento musical capaz de expressar e transmitir através de sons qualquer conteúdo musical, qualquer imagem, qualquer pensamento. As muitas combinações de instrumentos orquestrais fornecem uma gama quase inesgotável de sons diversos - desde estrondosos, ensurdecedores até quase inaudíveis, desde cortes agudos no ouvido até suaves e acariciadores. E acordes de vários andares de qualquer complexidade, e entrelaçamentos padronizados e sinuosos de ornamentos melódicos heterogêneos, e tecido fino como uma teia, pequenos “lascas” sonoras, quando, na expressão figurativa de S. S. Prokofiev, “é como se estivessem limpando a poeira da orquestra” e uníssonos poderosos de muitos instrumentos tocando os mesmos sons ao mesmo tempo - tudo isso está sujeito à orquestra. Qualquer um dos grupos orquestrais – cordas, sopros, percussão, cordas dedilhadas, teclados – é capaz de se separar dos demais e conduzir sua própria narrativa musical no silêncio dos demais; mas todos eles, no todo, em parte ou como representantes individuais, fundindo-se com outro grupo ou parte dele, formam uma complexa liga de timbres. Há mais de dois séculos que os pensamentos mais acalentados dos compositores, os marcos mais marcantes na história da arte dos sons, estão associados à música concebida, escrita e por vezes arranjada para uma orquestra sinfónica.

Layout dos instrumentos musicais de uma orquestra sinfônica.

Todo mundo que ama música conhece e lembra os nomes de J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart, F. Schubert, R. Schumann, J. Brahms, G. Berlioz, F. Liszt, S. Frank, J. Bizet, J. Verdi , PI Tchaikovsky, NA Rimsky-Korsakov, AP Borodin. M. P. Mussorgsky, S. V. Rachmaninov, A. K. Glazunov, I. F. Stravinsky, S. S. Prokofiev, N. Ya. Myaskovsky, D. D. Shostakovich, A. I. Khachaturian, K. Debussy, M. Ravel, B. Bartok e outros mestres, cujas sinfonias, suítes, aberturas, sinfônicas poemas, pinturas, fantasias, concertos instrumentais acompanhados por orquestra e, por fim, cantatas, oratórios, óperas e balés foram escritos para uma orquestra sinfônica ou envolvem sua participação. Para ele, a capacidade de escrever representa a área mais elevada e complexa da arte da composição musical, exigindo profundo conhecimento especializado, ampla experiência, prática e, o mais importante, habilidades musicais especiais, superdotação e talento.

A história do surgimento e desenvolvimento de uma orquestra sinfônica é a história da reestruturação gradual de instrumentos antigos e da invenção de novos, aumentando sua composição, a história do aprimoramento das formas de utilização de combinações de instrumentos, ou seja, a história dessa área da ciência musical chamada orquestração ou instrumentação e, por fim, a história da música sinfônica, operística e de oratório. Todos esses quatro componentes, os quatro lados do conceito de “orquestra sinfônica”, estão intimamente relacionados entre si. A influência deles um sobre o outro foi e continua sendo diversa.

A palavra “orquestra” na Grécia Antiga significava uma área semicircular em frente ao palco do teatro onde se localizava o coro - participante indispensável nas performances dramáticas da época de Ésquilo, Sófocles, Eurípides, Aristófanes. Por volta de 1702, esta palavra foi utilizada pela primeira vez para designar um pequeno espaço destinado a um conjunto de instrumentistas que acompanhava uma ópera. Este é o nome dado aos grupos instrumentais de música de câmara. Em meados do século XVIII. Eles introduziram uma diferença que foi decisiva para a história da orquestra - uma grande orquestra foi contrastada com uma pequena música de câmara - um conjunto. Até então, nenhuma linha clara foi traçada entre a música de câmara e a música orquestral.

O conceito de “orquestra sinfônica” surgiu na era do classicismo, quando K. V. Gluck, L. Boccherini, Haydn e Mozart viveram e trabalharam. Surgiu depois que os compositores começaram a escrever com precisão nas notas os nomes de cada instrumento que tocava esta ou aquela voz, esta ou aquela linha de notas. No início do século XVII. no “Orfeu” de C. Monteverdi, antes de cada número, eram listados apenas os instrumentos que poderiam executá-lo. A questão de quem deveria jogar qual linha permaneceu em aberto. Portanto, em qualquer uma das 40 casas de ópera de sua Veneza natal, uma apresentação de Orfeu poderia ser diferente da outra. J. B. Lully, compositor, violinista, maestro, foi provavelmente o primeiro a escrever para um conjunto específico de instrumentos, para os chamados “24 Violinos do Rei” - conjunto de cordas formado na corte de Luís XIV e liderado pelo próprio Lully . Sua voz superior do grupo de cordas também era apoiada por oboés, e a voz inferior por fagotes. Oboés e fagotes sem cordas, ao contrário do conjunto completo, participavam das seções intermediárias de suas composições.

Ao longo do século XVII. e a primeira metade do século XVIII. Forma-se a base inicial da orquestra - o grupo de cordas. Gradualmente são adicionados representantes da família dos sopros - flautas, oboés e fagotes, e depois trompas. O clarinete entrou na orquestra muito mais tarde devido à sua extrema imperfeição naquela época. M. I. Glinka em suas “Notas sobre Instrumentação” chama o som do clarinete de “ganso”. No entanto, um grupo de sopros composto por flautas, oboés, clarinetes e trompas (duas de cada) aparece na “Sinfonia de Praga” de Mozart, e antes disso no seu contemporâneo francês, F. Gossec. Nas Sinfonias de Londres de Haydn e nas primeiras sinfonias de L. Beethoven, aparecem duas trombetas, assim como tímpanos. No século 19 a seção de metais da orquestra fica ainda mais forte. Pela primeira vez na história da música orquestral, o final da 5ª Sinfonia de Beethoven apresenta uma flauta piccolo, um contrafagote e três trombones, anteriormente usados ​​apenas em óperas. R. Wagner acrescenta outra tuba e eleva o número de trombetas para quatro. Wagner é principalmente um compositor de ópera, mas ao mesmo tempo é considerado um notável sinfonista e reformador da orquestra sinfônica.

O desejo dos compositores dos séculos XIX-XX. O enriquecimento da paleta sonora levou à introdução na orquestra de uma série de instrumentos com capacidades técnicas e timbrísticas especiais.

No final do século XIX. a composição da orquestra atinge proporções impressionantes e às vezes gigantescas. Assim, não é por acaso que a 8ª sinfonia de G. Mahler é chamada de “uma sinfonia de mil participantes”. Numerosos tipos de instrumentos de sopro aparecem nas sinfonias e óperas de R. Strauss: flautas alto e baixo, oboé barítono (haeckelphone), clarinete pequeno, clarinete contrabaixo, trompetes alto e baixo, etc.

No século 20 A orquestra é reabastecida principalmente com instrumentos de percussão. Antes disso, os membros habituais da orquestra eram 2–3 tímpanos, pratos, tambores grandes e pequenos, um triângulo, menos frequentemente um pandeiro e tom-tom, sinos e um xilofone. Agora os compositores usam um conjunto de sinos orquestrais que produz uma escala cromática, a celesta. Eles introduzem na orquestra instrumentos como flexatone, sinos, castanholas espanholas, uma caixa de madeira que estala alto, um chocalho, um cracker (seu golpe é como um tiro), uma sirene, uma máquina de vento e trovão, até o canto de um rouxinol gravado em disco especial (é usado no poema sinfônico do compositor italiano O. Respighi “Pineas de Roma”).

Na segunda metade do século XX. Do jazz à orquestra sinfônica, baterias como vibrafone, tomtoms, bongôs, bateria combinada com Charleston (chimbal) e maracas chegam à orquestra sinfônica.

Quanto aos grupos de cordas e sopros, sua formação em 1920 estava basicamente concluída. A orquestra às vezes inclui representantes individuais de um grupo de saxofones (nas obras de Wiese, Ravel, Prokofiev), uma banda de metais (cornetas em Tchaikovsky e Stravinsky), cravo, domras e balalaikas, violão, bandolim, etc. obras para composições parciais de orquestra sinfônica: para cordas sozinhas, para cordas e metais, para grupo de sopros sem cordas e percussão, para cordas com percussão.

Compositores do século 20 eles escrevem muitas músicas para orquestra de câmara. Consiste em 15 a 20 cordas, um sopro, uma ou duas trompas, um grupo de percussão com um intérprete, uma harpa (talvez um piano ou cravo). Junto com estas surgem obras para um conjunto de solistas, onde há um representante de cada variedade (ou de algumas delas). Estes incluem sinfonias de câmara e peças de A. Schoenberg, A. Webern, a suíte de Stravinsky “A História de um Soldado”, obras de compositores soviéticos - nossos contemporâneos M. S. Weinberg, R. K. Gabichvadze, E. V. Denisov e outros. Cada vez mais, os autores recorrem a compostos incomuns ou, como dizem, de emergência. Eles precisam de sons incomuns e raros, já que o papel do timbre na música moderna aumentou mais do que nunca.

E ainda assim, para ter sempre a oportunidade de tocar música, antiga, nova e mais recente, a composição da orquestra sinfônica permanece estável. Uma orquestra sinfônica moderna é dividida em uma grande orquestra sinfônica (cerca de 100 músicos), uma média (70–75) e uma pequena (50–60). Com base em uma grande orquestra sinfônica, para cada obra é possível selecionar a composição necessária à sua execução: uma para “Oito Canções Folclóricas Russas” de A.K. Lyadov ou “Serenata de Cordas” de Tchaikovsky, a outra para as grandiosas telas de Berlioz, Scriabin, Shostakovich, para “Petrushka” » Stravinsky ou o ardente “Bolero” de Ravel.

Como os músicos estão posicionados no palco? Nos séculos XVIII-XIX. os primeiros violinos ficavam à esquerda do maestro e os segundos à direita, as violas ficavam atrás dos primeiros violinos e os violoncelos atrás do segundo. Atrás do grupo de cordas eles se sentavam em filas: na frente estava um grupo de sopros e atrás dele estava um grupo de metais. Os contrabaixos estavam localizados em segundo plano, à direita ou à esquerda. O resto do espaço foi dedicado a harpas, celesta, piano e percussão. Em nosso país, os músicos sentam-se de acordo com o esquema introduzido em 1945 pelo maestro americano L. Stokowski. De acordo com este esquema, em vez de segundos violinos, os violoncelos são colocados em primeiro plano à direita do maestro; seu antigo lugar é agora ocupado por segundos violinos.

Uma orquestra sinfônica é liderada por um maestro. Ele une os músicos da orquestra e direciona todos os seus esforços para a implementação de seus planos de atuação durante os ensaios e no concerto. A regência é baseada em um sistema de movimento manual especialmente desenvolvido. O maestro geralmente segura uma batuta na mão direita. O papel mais importante é desempenhado por seu rosto, olhar e expressões faciais. O maestro deve ser uma pessoa altamente educada. Ele precisa de conhecimento de música de várias épocas e estilos, instrumentos orquestrais e suas capacidades, um ouvido aguçado e a capacidade de penetrar profundamente na intenção do compositor. O talento do intérprete deve ser aliado a habilidades organizacionais e pedagógicas.