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Arte renascentista na Itália (séculos XIII-XVI).

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Características da arte do Renascimento na Itália.

A arte do Renascimento surgiu com base no humanismo (do latim humanus - “humano”) - uma corrente de pensamento social que se originou no século XIV. na Itália, e depois durante a segunda metade do século XV e no século XVI. se espalhou para outros países europeus. O humanismo proclamou o valor mais alto do homem e seu bem. Os seguidores dessa tendência acreditavam que toda pessoa tem o direito de se desenvolver livremente como pessoa, realizando suas habilidades. As ideias do humanismo foram incorporadas de forma mais plena e vívida na arte, cujo tema principal era uma pessoa bonita e harmoniosamente desenvolvida, com possibilidades espirituais e criativas ilimitadas. Os humanistas inspiravam-se na antiguidade, que lhes servia como fonte de conhecimento e modelo de criatividade artística. O grande passado da Itália, constantemente lembrando de si mesmo, foi percebido na época como a mais alta perfeição, enquanto a arte da Idade Média parecia inepta e bárbara. O termo "renascimento", que surgiu no século XVI, significou o nascimento de uma nova arte, revivendo a cultura clássica antiga. No entanto, a arte do Renascimento deve muito à tradição artística da Idade Média. O velho e o novo estavam inextricavelmente ligados e confrontados. Com toda a diversidade contraditória de suas origens, a arte do Renascimento é marcada por uma novidade profunda e fundamental. Ele lançou as bases da cultura europeia dos tempos modernos. Todas as principais formas de arte - pintura e gráficos, escultura, arquitetura - mudaram tremendamente.
Na arquitetura, os princípios criativamente retrabalhados da antiga sistema de pedidos , surgiram novos tipos de edifícios públicos. A pintura foi enriquecida com uma perspectiva linear e aérea, conhecimento da anatomia e proporções do corpo humano. O conteúdo terreno penetrou nos temas religiosos tradicionais das obras de arte. Aumento do interesse pela mitologia antiga, história, cenas cotidianas, paisagens, retratos. Junto com as monumentais pinturas murais que adornavam estruturas arquitetônicas, surgiu uma pintura; a pintura a óleo originou-se.
A arte ainda não deixou de ser um ofício, mas a individualidade criadora do artista, cujas atividades naquela época eram muito diversas, já havia tomado o primeiro lugar. O talento universal dos mestres do Renascimento é incrível - eles muitas vezes trabalhavam simultaneamente no campo da arquitetura, escultura e pintura, combinavam sua paixão pela literatura, poesia e filosofia com o estudo das ciências exatas. O conceito de uma personalidade criativamente rica ou "renascentista" mais tarde se tornou uma palavra familiar.
Na arte do Renascimento, os caminhos da compreensão científica e artística do mundo e do homem estavam intimamente entrelaçados. Seu significado cognitivo estava inextricavelmente ligado à sublime beleza poética; em sua busca pela naturalidade, não desceu à vida cotidiana mesquinha. A arte tornou-se uma necessidade espiritual universal.
A formação da cultura renascentista na Itália ocorreu em cidades economicamente independentes. Na ascensão e florescimento da arte do Renascimento, a Igreja e as magníficas cortes dos soberanos sem coroa - as famílias abastadas governantes, que eram as maiores mecenas e clientes das obras de pintura, escultura e arquitetura, desempenharam um papel importante. Os principais centros da cultura renascentista foram inicialmente as cidades de Florença, Siena, Pisa, depois Pádua, Ferrara, Gênova, Milão e, mais tarde, na segunda metade do século XV, a rica mercantil Veneza. No século XVI. Roma tornou-se a capital do Renascimento italiano. Desde aquela época, todos os outros centros de cultura, exceto Veneza, perderam sua importância anterior.
Na época do Renascimento italiano, costuma-se distinguir vários períodos:

Proto-renascimento (segunda metade dos séculos XIII-XIV),

Renascimento (século XV),

Alta Renascença (final do século XV - primeiro terço do século XVI)

Renascimento tardio (últimos dois terços do século XVI).

Proto-Renascimento

Na cultura italiana dos séculos XIII-XIV. Contra o pano de fundo de tradições bizantinas e góticas ainda fortes, começaram a aparecer características de uma nova arte, que mais tarde seria chamada de arte do Renascimento. Por isso, esse período de sua história foi chamado de Proto-Renascimento(do grego "protos" - "primeiro", ou seja, preparou o início do Renascimento). Não houve período de transição semelhante em nenhum dos países europeus. Na própria Itália, a arte proto-renascentista surgiu e se desenvolveu apenas na Toscana e em Roma.
Na cultura italiana, as características do antigo e do novo estavam entrelaçadas. O último poeta da Idade Média e o primeiro poeta da nova era, Dante Alighieri (1265-1321), criou a língua literária italiana. O que Dante começou foi continuado por outros grandes florentinos do século XIV - Francesco Petrarca (1304-1374), fundador da poesia lírica européia, e Giovanni Boccaccio (1313-1375), fundador do gênero romance (conto) no mundo literatura. O orgulho da época são os arquitetos e escultores Niccolo e Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio e o pintor Giotto di Bondone .
Arquitetura
A arquitetura italiana por muito tempo seguiu as tradições medievais, que se expressavam principalmente no uso de um grande número de motivos góticos. Ao mesmo tempo, o próprio gótico italiano era muito diferente da arquitetura gótica do norte da Europa: gravitava em direção a grandes formas calmas, até mesmo leves, divisões horizontais e amplas superfícies de parede. Em 1296, a construção começou em Florença Catedral de Santa Maria del Fiore. Arnolfo di Cambio queria coroar o altar da catedral com uma enorme cúpula. No entanto, após a morte do arquiteto em 1310, a construção foi adiada, sendo concluída já no período do Primeiro Renascimento. Em 1334, de acordo com o projeto de Giotto, iniciou-se a construção da torre sineira da catedral, o chamado campanário - uma esbelta torre retangular com divisões horizontais por pisos e elegantes janelas góticas, cuja forma de arco lanceta foi preservado na arquitetura italiana por muito tempo.
Entre os palácios mais famosos da cidade está o Palazzo Vecchio (Palazzo della Signoria) em Florença. Acredita-se que foi construído por Arnolfo di Cambio. É um cubo pesado com uma torre alta, forrado com rusticação de pedra dura. A fachada de três andares é decorada com janelas emparelhadas inscritas em arcos semicirculares, o que dá a todo o edifício uma impressão de austeridade contida. O edifício define a aparência do centro antigo da cidade, invadindo a praça com um volume áspero.
Escultura
Mais cedo do que na arquitetura e na pintura, as pesquisas artísticas foram delineadas na escultura, e sobretudo na escola de Pisano, cujo fundador foi Niccolò Pisano (por volta de 1220 - entre 1278 e 1284). Niccolo Pisano nasceu na Apúlia, no sul da Itália. Acredita-se que tenha estudado escultura nas escolas do sul, onde floresceu o espírito do renascimento das tradições clássicas da antiguidade. Sem dúvida, Niccolò estudou a decoração escultórica dos sarcófagos romanos tardios e cristãos primitivos. A mais antiga obra conhecida do escultor é um hexagonal púlpito de mármore, feito por ele para o batistério de Pisa (1260), - tornou-se uma obra notável da escultura renascentista e teve um enorme impacto no seu desenvolvimento. A principal conquista do escultor é que conseguiu dar volume e expressividade às formas, e cada imagem tem força corporal.
Da oficina de Niccolò Pisano vieram os notáveis ​​mestres da escultura do Proto-Renascimento - seu filho Giovanni Pisano e Arnolfo di Cambio, também conhecido como arquiteto. Arnolfo di Cambio (por volta de 1245 - depois de 1310) gravitou em torno da escultura monumental, na qual usou suas observações de vida. Um dos melhores trabalhos que ele fez junto com seu pai e filho Pisano - Fonte na Piazza Perugia(1278). A Fonte Maggiore, decorada com inúmeras estátuas e relevos, tornou-se o orgulho da cidade. Era proibido beber animais dele, levar água em barris de vinho ou em pratos sujos. O museu da cidade preservou fragmentos de figuras reclinadas feitas por Arnolfo di Cambio para a fonte. Nessas figuras, o escultor conseguiu transmitir toda a riqueza dos movimentos do corpo humano.
Quadro
Na arte do Renascimento italiano, a pintura de parede ocupou um lugar dominante. Foi feito na técnica do fresco. Com tintas preparadas na água, eles escreveram em gesso úmido (na verdade, um afresco) ou em seco - essa técnica é chamada de "a secco" (traduzido do italiano - "seco"). O principal aglutinante do gesso é a cal. Porque a cal demora um pouco para secar, a pintura a fresco tinha que ser feita rapidamente, muitas vezes em partes, entre as quais havia costuras de conexão. A partir da segunda metade do século XV. a técnica do afresco começou a ser complementada com a pintura de um secco; este último permitiu um trabalho mais lento e permitiu o acabamento das peças. O trabalho nos murais foi precedido pela produção de sinopia - desenhos auxiliares aplicados sob o afresco na primeira camada de gesso. Esses desenhos foram feitos com ocre vermelho, extraído do barro próximo à cidade de Sinop, localizada na costa do Mar Negro. De acordo com o nome da cidade, a tinta se chamava Sinop, ou sinopia, depois os próprios desenhos começaram a ser chamados da mesma forma. Sinopia foi usado na pintura italiana do século XIII a meados do século XV. No entanto, nem todos os pintores recorreram à ajuda da sinopia - por exemplo, Giotto di Bondone, o representante mais proeminente da era do Proto-Renascimento, prescindiu deles. Gradualmente, a sinopia foi abandonada. A partir de meados do século XV. Os cartões foram amplamente utilizados na pintura - desenhos preparatórios feitos em papel ou em tecido no tamanho de trabalhos futuros. Os contornos do desenho foram transferidos para gesso úmido com a ajuda de pó de carvão. Foi soprado através dos orifícios perfurados no contorno e pressionado no gesso com alguma ferramenta afiada. Às vezes, a sinopia de um esboço de esboço se transformava em um desenho monumental acabado, e os cartões adquiriam o valor de obras independentes de pintura.

O fundador do novo estilo italiano de pintura é Cimabue (na verdade Cenny di Pepo, c. 1240 - c. 1302). Cimabue era famoso em Florença como um mestre das pinturas e ícones solenes do altar. Suas imagens são caracterizadas pela abstração e caráter estático. E embora Cimabue seguisse as tradições bizantinas em seu trabalho, em suas obras ele tentou expressar sentimentos terrenos, suavizar a rigidez do cânone bizantino.
Piero Cavallini (entre 1240 e 1250 - por volta de 1330) viveu e trabalhou em Roma. Ele é o autor dos mosaicos da Igreja de Santa Maria em Trastevere (1291), bem como dos afrescos da Igreja de Santa Cecília em Trastevere (por volta de 1293). Em suas obras, Cavallini deu volume e tangibilidade às formas.
Conquistas que Cavallini adotou e continuou Giotto di Bondone(1266 ou 1267 - 1337), o maior artista do Proto-Renascimento. O nome de Giotto está associado a uma virada no desenvolvimento da pintura italiana, sua ruptura com os cânones artísticos medievais e as tradições da arte ítalo-bizantina do século XIII. As obras mais famosas de Giotto são as pinturas da Capela Arena em Pádua (1304-06). Os afrescos se distinguem pela clareza, narrativa descomplicada, presença de detalhes cotidianos que dão vitalidade e naturalidade às cenas retratadas. Rejeitando o cânone da igreja que dominava a arte da época, Giotto retrata seus personagens como semelhantes a pessoas reais: com corpos proporcionais e atarracados, rostos redondos (em vez de alongados), o corte correto dos olhos etc. Seus santos não pairam acima do solo, mas permanecem firmes nele com os dois pés. Eles pensam mais no terreno do que no celestial, experimentando sentimentos e emoções completamente humanos. Pela primeira vez na história da pintura italiana, o estado de espírito dos heróis de uma pintura é transmitido por expressões faciais, gestos, postura. Em vez do tradicional fundo dourado, os afrescos de Giotto retratam paisagens, interiores ou grupos escultóricos nas fachadas das basílicas.
Na segunda metade do século XIV. a pitoresca escola de Siena vem à tona. O maior e mais refinado mestre da pintura de Siena do século XIV. foi Simone Martini (c. 1284-1344). O pincel de Simone Martini é o primeiro na história da arte a retratar um evento histórico específico com o retrato de um contemporâneo. Esta imagem " Condottiere Guidoriccio da Fogliano"na sala Mappamondo (Mapas Mundiais) no Palazzo Publico (Siena), que foi o protótipo de vários futuros retratos equestres. O retábulo A Anunciação de Simone Martini, hoje guardado na Galeria Uffizi em Florença, goza de merecida fama.

Características do Renascimento. Proto-Renascimento

Características do Renascimento

Início do Renascimento

No século XV. a arte da Itália ocupou uma posição dominante na vida artística da Europa. As bases de uma cultura humanista secular (ou seja, não eclesiástica) foram lançadas em Florença, o que empurrou Siena e Pisa para segundo plano. O poder político aqui pertencia a comerciantes e artesãos, a influência mais forte nos assuntos da cidade era exercida por várias famílias ricas, que constantemente competiam entre si. Esta luta terminou no final do século XIV. vitória da casa bancária Medici. Seu chefe, Cosimo de' Medici, tornou-se o governante tácito de Florença. Escritores, poetas, cientistas, arquitetos, artistas reuniram-se na corte de Cosimo Medici. A cultura renascentista de Florença atingiu seu auge sob Lorenzo de' Medici, apelidado de Magnífico. Lorenzo foi um grande patrono das artes e das ciências, o criador da Academia Platônica, onde se reuniam as mentes destacadas da Itália, poetas e filósofos, onde se realizavam debates refinados que elevavam o espírito e a mente.

Arquitetura

Sob Cosimo e Lorenzo Medici, uma verdadeira revolução ocorreu na arquitetura de Florença: uma extensa construção foi lançada aqui, o que mudou significativamente a face da cidade. O ancestral da arquitetura renascentista na Itália foi Filippo Brunelleschi(1377-1446) - arquiteto, escultor e cientista, um dos criadores da teoria científica da perspectiva. A maior conquista de engenharia de Brunelleschi foi a construção da cúpula. Catedral de Santa Maria del Fiore em Florença. Graças ao seu gênio matemático e técnico, Brunelleschi conseguiu resolver o problema mais difícil de seu tempo. A principal dificuldade que o mestre enfrentou foi causada pelo gigantesco vão da cruz central (42 m), que exigiu esforços especiais para facilitar o espalhamento. Brunelleschi resolveu o problema aplicando um projeto engenhoso: uma cúpula oca leve composta por duas conchas, um sistema de armação de oito nervuras de rolamento conectadas por anéis que as circundam, uma lanterna leve que fechava e carregava o arco. A cúpula da Catedral de Santa Maria del Fiore tornou-se a precursora de inúmeras igrejas abobadadas na Itália e em outros países europeus.

Brunelleschi foi um dos primeiros na arquitetura da Itália a compreender criativamente e interpretar originalmente o antigo sistema de ordem ( Ospedale degli Innocenti (Abrigo para enjeitados), 1421-44), marcou o início da criação de igrejas abobadadas baseadas na antiga ordem ( Igreja de São Lourenço ). Uma verdadeira jóia do início do Renascimento foi criada por Brunelleschi encomendada por uma rica família florentina Capela Pazzi(iniciado em 1429). O humanismo e a poesia da obra de Brunelleschi, a proporção harmoniosa, leveza e elegância de seus edifícios, mantendo contato com as tradições do gótico, a liberdade criativa e a validade científica de suas ideias determinaram a grande influência de Brunelleschi no desenvolvimento subsequente da arquitetura renascentista.

Uma das principais realizações da arquitetura italiana do século XV. foi a criação de um novo tipo de palácios da cidade, o palazzo, que serviu de modelo para edifícios públicos de época posterior. Características do palácio do século XV são uma clara divisão do volume fechado do edifício em três pisos, um pátio aberto com arcadas de piso de verão, o uso de ferrugem (pedra com uma superfície frontal grosseiramente biselada ou convexa) para o revestimento da fachada, bem como uma cornija decorativa fortemente estendida . Um exemplo marcante deste estilo é a construção capital do aluno de Brunelleschi Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472), o arquiteto da corte da família Medici, - Palazzo Medici - Riccardi (1444-60), que serviu de modelo para a construção de muitos palácios florentinos. A criação de Michelozzo está próxima Palácio Strozzi(fundada em 1481), que está associada ao nome do arquiteto e escultor Benedetto da Maiano (1442-97).

Um lugar especial na história da arquitetura italiana é ocupado por Leon Battista Alberti(1404-72). Um homem amplamente dotado e amplamente educado, ele foi um dos humanistas mais brilhantes de seu tempo. A gama de seus interesses era extraordinariamente diversa. Abrangeu moralidade e direito, matemática, mecânica, economia, filosofia, poesia, música, pintura, escultura, arquitetura. Um estilista brilhante, Alberti deixou inúmeras obras em latim e italiano. Na Itália e no exterior, Alberti ganhou a fama de um notável teórico da arte. Os famosos tratados “Dez Livros de Arquitetura” (1449-52), “Sobre a Pintura”, “Sobre a Estátua” (1435-36) pertencem à sua pena. Mas a arquitetura era a principal vocação de Alberti. Na obra arquitetônica, Alberti gravitou em direção a soluções ousadas e experimentais, usando de forma inovadora o antigo patrimônio artístico. Alberti criou um novo tipo de palácio da cidade ( Palácio Rucellai ). Na arquitetura religiosa, primando pela grandiosidade e simplicidade, Alberti utilizou motivos de arcos triunfais e arcadas romanas no desenho das fachadas ( Igreja de Sant'Andrea em Mântua, 1472-94). O nome Alberti é justamente considerado um dos primeiros entre os grandes criadores da cultura do Renascimento italiano.

Escultura

No século XV. A escultura italiana, que adquiriu um significado independente independente da arquitetura, está florescendo. As encomendas para a decoração de edifícios públicos começam a entrar na prática da vida artística; concursos de arte são realizados. Um desses concursos - para a fabricação do bronze das segundas portas norte do batistério florentino (1401) - é considerado um evento significativo que abriu uma nova página na história da escultura renascentista italiana. A vitória foi conquistada por Lorenzo Ghiberti (1381-1455).

Uma das pessoas mais educadas de seu tempo, o primeiro historiador da arte italiana, um desenhista brilhante, Ghiberti dedicou sua vida a um tipo de escultura - o relevo. O principal princípio de sua arte Ghiberti considerou o equilíbrio e a harmonia de todos os elementos da imagem. O auge do trabalho de Ghiberti foi portas leste do batistério de florença (1425-52), que imortalizou o nome do mestre. A decoração das portas inclui dez composições quadradas de bronze dourado (" Criação de Adão e Eva”), com sua expressividade incomum que lembra pinturas pitorescas. O artista conseguiu transmitir a profundidade do espaço, saturado de imagens da natureza, figuras de pessoas, estruturas arquitetônicas. Com a mão leve de Michelangelo, as portas orientais do batistério florentino começaram a ser chamadas "Portões do Paraíso".

A oficina Ghiberti tornou-se uma escola para toda uma geração de artistas, em particular, o famoso Donatello, o grande reformador da escultura italiana, trabalhou lá. A obra de Donatello (c. 1386-1466), que absorveu as tradições democráticas da cultura de Florença no século XIV, é um dos ápices do desenvolvimento da arte do Renascimento. Incorporou a busca de novos meios realistas de retratar a realidade, característicos da arte do Renascimento, atenção especial ao homem e seu mundo espiritual. A influência do trabalho de Donatello no desenvolvimento da arte renascentista italiana foi enorme.

A segunda geração de escultores florentinos gravitou em direção a uma arte mais lírica, pacífica e secular. O papel principal nele pertencia à família de escultores della Robbia. O chefe da família, Lucca della Robbia (1399/1400 - 1482), ficou famoso pelo uso da técnica do esmalte na escultura redonda e no relevo. A técnica do esmalte (majólica), conhecida desde os tempos antigos pelos povos da Ásia Menor, foi trazida para a Península Ibérica e para a ilha de Maiorca (daí o seu nome) na Idade Média, e depois amplamente difundida na Itália. Lucca della Robbia criou medalhões com relevos sobre fundo azul profundo para edifícios e altares, guirlandas de flores e frutas, bustos de majólica da Madonna, Cristo e santos. A arte alegre, elegante e gentil deste mestre recebeu um merecido reconhecimento de seus contemporâneos. Grande perfeição na técnica da majólica também foi alcançada por seu sobrinho Andrea della Robbia (1435-1525) ( relevos na fachada do Ospedale degli Innocenti).

Quadro

O grande papel que Brunelleschi desempenhou na arquitetura do início do Renascimento e Donatello na escultura pertenceu a Masaccio (1401-1428) na pintura. Masaccio morreu jovem, antes de completar 27 anos, e ainda assim conseguiu fazer muito na pintura. O famoso historiador da arte Vipper disse: "Masaccio é um dos gênios mais independentes e consistentes da história da pintura européia, o fundador de um novo realismo ..." Continuando a busca por Giotto, Masaccio rompe com ousadia com as tradições artísticas medievais. Dentro afresco "Trindade"(1426-27), criado para a igreja de Santa Maria Novella em Florença, Masaccio usa a perspectiva completa pela primeira vez na pintura de parede. Nos murais da Capela Brancacci da Igreja de Santa Maria del Carmine em Florença (1425-28) - a principal criação de sua curta vida - Masaccio dá às imagens uma vitalidade sem precedentes, enfatiza a fisicalidade e a monumentalidade de seus personagens, transmite com maestria o estado emocional da profundidade psicológica das imagens. Dentro Fresco "Expulsão do Paraíso" o artista resolve a tarefa mais difícil de seu tempo para retratar uma figura humana nua. A arte dura e corajosa de Masaccio teve um enorme impacto na cultura artística do Renascimento.

O desenvolvimento da pintura do início do Renascimento foi ambíguo: os artistas seguiram seu próprio caminho, às vezes de maneiras diferentes. O início secular, o desejo de uma narrativa fascinante, o sentimento lírico terreno encontraram expressão viva nas obras de Fra Filippo Lippi (1406-69), um monge da ordem carmelita. Encantador mestre, autor de muitas composições de altar, entre as quais a pintura é considerada a melhor « Adoração da criança » criado para a capela em Palazzo Medici - Riccardi, Filippo Lippi conseguiu transmitir neles o calor humano e o amor poético pela natureza.

Em meados do século XV. a pintura da Itália Central experimentou um florescimento rápido, um exemplo notável disso é o trabalho de Piero della Francesca(1420-92), o maior artista e teórico da arte do Renascimento. A criação mais notável de Piero della Francesca - ciclo de afrescos na igreja de San Francesco em Arezzo, que se baseiam na lenda da Árvore da Cruz que dá vida. Os afrescos, dispostos em três níveis, traçam a história da cruz vivificante desde o início, quando uma árvore sagrada cresce da semente da árvore do paraíso do conhecimento do bem e do mal no túmulo de Adão. ("Morte de Adão") até o final, quando o imperador bizantino Heráclio devolve solenemente a relíquia cristã a Jerusalém (« Batalha entre Heráclio e Chosroes » ). A obra de Piero della Francesca foi além das escolas locais de pintura e determinou o desenvolvimento da arte italiana em geral.

Na segunda metade do século XV, muitos artesãos talentosos trabalharam no norte da Itália nas cidades de Verona, Ferrara e Veneza. Entre os pintores desta época, o mais famoso é Andrea Mantegna (1431-1506) - mestre da pintura de cavalete e monumental, desenhista e gravador, escultor e arquiteto. A maneira pictórica do artista distingue-se pela perseguição de formas e desenhos, pelo rigor e veracidade das imagens generalizadas. Graças à profundidade espacial e à natureza escultural das figuras, Mantegna consegue a impressão de uma cena real congelada por um momento - seus personagens parecem tão volumosos e naturais. A maior parte de sua vida Mantegna viveu em Mântua, onde criou sua obra mais famosa - mural "Chamber degli Sposi" no castelo rural do Marquês L. Gonzaga. Por meio da pintura, ele criou aqui um luxuoso interior renascentista, um lugar para recepções cerimoniais e feriados. A arte de Mantegna, que gozou de grande fama, influenciou toda a pintura do norte da Itália.

Um lugar especial na pintura do início do Renascimento pertence a Sandro Botticelli(na verdade Alessandro di Mariano Filipepi), que nasceu em 1445 em Florença na família de um rico curtidor de couro. Em 1459-64. o jovem estuda pintura com o famoso mestre florentino Filippo Lippi. Em 1470 abriu sua própria oficina em Florença, e em 1472 tornou-se membro da Guilda de São Lucas.

A primeira criação de Botticelli foi a composição "Força", que executou para a corte mercantil de Florença. O jovem artista rapidamente conquistou a confiança dos clientes e ganhou fama, o que atraiu a atenção de Lorenzo, o Magnífico, o novo governante de Florença, tornou-se seu mestre da corte e favorito. Botticelli executou a maioria de suas pinturas para as casas do duque e outras famílias nobres florentinas, bem como para igrejas, mosteiros e edifícios públicos em Florença.

Segunda metade das décadas de 1470 e 1480 tornou-se para Botticelli um período de florescimento criativo. Para a fachada principal da igreja de Santa Maria Novella, ele escreve a composição " Adoração dos Magos"- uma espécie de retrato de grupo mitologizado da família Medici. Alguns anos depois, o artista cria sua famosa alegoria mitológica "Primavera".

Em 1481, o Papa Sisto IV ordenou a um grupo de pintores, entre os quais Botticelli, que decorassem sua capela com afrescos, que mais tarde recebeu o nome de "Sistina". Afrescos na Capela Sistina por Botticelli Tentação de Cristo », « Cenas da vida de Moisés », « Punição da Coréia, Dathan e Aviron". Nos anos seguintes, Botticelli completou uma série de 4 afrescos baseados em contos do Decameron de Boccaccio, criou suas obras mitológicas mais famosas (“O Nascimento de Vênus”, “ Palas e Centauro”), bem como várias composições de altar para igrejas florentinas (“ Coroação da Virgem Maria », « Altar de São Barnabá"). Muitas vezes ele se voltou para a imagem da Madonna (" Madonna del Magnificat », « Madonna com romã », « Madonna com um livro”), também trabalhou no gênero retrato (“ Retrato de Giuliano Medici”, “Retrato de uma jovem”, “Retrato de um jovem”).

Na década de 1490, durante o período de movimentos sociais que abalaram Florença e os sermões místicos do monge Savonarola, notas moralizantes e dramas aparecem na arte de Botticelli (“Calúnia”, Lamentação por Cristo », « natal místico"). Por influência de Savonarola, num acesso de exaltação religiosa, o artista chegou a destruir algumas de suas obras. Em meados da década de 1490, com a morte de Lorenzo, o Magnífico, e a expulsão de seu filho Pietro de Florença, Botticelli perdeu a fama de grande artista. Esquecido, ele vive tranquilamente sua vida na casa do irmão Simon. Em 1510 o artista morreu.

A arte requintada de Botticelli com elementos de estilização (ou seja, generalização de imagens usando técnicas convencionais - simplificação de cor, forma e volume) é considerada um dos pináculos do desenvolvimento da pintura. A arte de Botticelli, ao contrário da maioria dos primeiros mestres do Renascimento, baseava-se na experiência pessoal. Excepcionalmente sensível e sincero, Botticelli percorreu um difícil e trágico caminho de busca criativa - da percepção poética do mundo na juventude ao misticismo e exaltação religiosa na idade adulta.

RENASCIMENTO ANTECIPADO

RENASCIMENTO ANTECIPADO

Alta Renascença

A Alta Renascença, que deu à humanidade grandes mestres como Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo, Giorgione, Ticiano, Bramante, abrange um período de tempo relativamente curto - o final do século XV e o primeiro terço do século XVI. Somente em Veneza o florescimento da arte continuou até meados do século.

Mudanças fundamentais associadas aos eventos decisivos da história mundial, os sucessos do pensamento científico avançado, as idéias das pessoas expandidas infinitamente sobre o mundo - não apenas sobre a Terra, mas também sobre o espaço. A percepção do mundo e da personalidade humana parecia ampliada; na criatividade artística, isso se refletiu não apenas na majestosa escala de estruturas arquitetônicas, monumentos, ciclos solenes de afrescos e pinturas, mas também em seu conteúdo, expressividade das imagens. A arte do Alto Renascimento é um processo artístico vivo e complexo, com brilhos deslumbrantes e crises subsequentes.

Donato Bramante.

Roma tornou-se o centro da arquitetura do Alto Renascimento, onde um único estilo clássico foi formado com base em descobertas e sucessos anteriores. Os mestres usaram criativamente o antigo sistema de ordem, criando estruturas cuja majestosa monumentalidade estava em sintonia com a época. Donato Bramante (1444-1514) tornou-se o maior representante da arquitetura do Alto Renascimento. Os edifícios de Bramante distinguem-se pela monumentalidade e grandiosidade, perfeição harmoniosa das proporções, integridade e clareza das soluções composicionais e espaciais e uso livre e criativo das formas clássicas. A maior realização criativa de Bramante é a reconstrução do Vaticano (o arquiteto realmente criou um novo edifício, incluindo organicamente edifícios antigos espalhados nele). Bramante também foi o autor do projeto da Catedral de São Pedro em Roma. Com sua obra, Bramante determinou o desenvolvimento da arquitetura no século XVI.

Leonardo da Vinci.

Na história da humanidade não é fácil encontrar outra pessoa tão brilhante quanto o fundador da arte do Alto Renascimento. Leonardo da Vinci(1452-1519). A natureza abrangente das atividades desse grande artista, escultor, arquiteto, cientista e engenheiro só ficou clara quando foram examinados manuscritos dispersos de seu legado, totalizando mais de sete mil folhas contendo projetos científicos e arquitetônicos, invenções e esboços. É difícil nomear a área do conhecimento que seu gênio não teria tocado. O universalismo de Leonardo é tão incompreensível que o famoso biógrafo das figuras renascentistas, Giorgio Vasari, não poderia explicar esse fenômeno senão pela intervenção do céu:

Em seu famoso "Tratado de Pintura" (1498) e outras notas, Leonardo prestou grande atenção ao estudo do corpo humano, informações sobre anatomia, proporções, relação entre movimentos, expressões faciais e estado emocional de uma pessoa. Leonardo também se ocupou com os problemas de claro-escuro, modelagem volumétrica, perspectiva linear e aérea. Leonardo prestou homenagem não só à teoria da arte. Ele criou uma série de magníficos retábulos e retratos. O pincel de Leonardo pertence a uma das obras mais famosas da pintura mundial - "Mona Lisa" ("La Gioconda"). Leonardo criou imagens esculturais monumentais, projetou e construiu estruturas arquitetônicas. Leonardo continua sendo uma das personalidades mais carismáticas do Renascimento até hoje. Um grande número de livros é dedicado a ele, sua vida é estudada da maneira mais detalhada. E, no entanto, muito em seu trabalho permanece um mistério e continua a excitar as mentes das pessoas.

Rafael Santos.

A arte de Raphael Santi (1483-1520) também pertence ao auge do Renascimento italiano. A ideia de beleza e harmonia sublimes está associada à obra de Rafael na história da arte mundial. É geralmente aceito que na constelação de mestres brilhantes da Alta Renascença, Rafael foi o principal portador da harmonia. A busca incansável por um começo brilhante e perfeito permeia toda a obra de Raphael, compõe seu significado interior. Seu trabalho é extraordinariamente atraente em sua elegância natural (" Madona Sistina"). Talvez seja por isso que o mestre ganhou uma popularidade tão extraordinária com o público e teve muitos seguidores entre os artistas em todos os momentos. Raphael não era apenas um pintor incrível, retratista, mas também um muralista que trabalhava na técnica do afresco, um arquiteto e um decorador. Todos esses talentos se manifestaram com força particular em suas pinturas dos apartamentos do Papa Júlio II no Vaticano ("Escola de Atenas"). Na arte de um artista brilhante, nasceu uma nova imagem de um homem renascentista - belo, harmonioso, perfeito física e espiritualmente.

Michelangelo Buonarotti.

Contemporâneo Leonardo da Vinci e Rafael era seu eterno rival - Michelangelo Buonarroti, o maior mestre do Alto Renascimento - escultor, pintor, arquiteto e poeta. Este titã do Renascimento começou sua carreira com a escultura. Suas estátuas colossais se tornaram um símbolo de um novo homem - um herói e um lutador ("David"). O mestre erigiu muitas estruturas arquitetônicas e escultóricas, sendo a mais famosa a Capela dos Médici em Florença. O esplendor dessas obras se constrói na colossal tensão dos sentimentos dos personagens ( Sarcófago de Giuliano de' Medici). Mas especialmente famosas são as pinturas de Michelangelo no Vaticano, na Capela Sistina, nas quais ele provou ser um pintor brilhante. Talvez ninguém no mundo da arte, nem antes nem depois de Michelangelo, tenha criado personagens tão fortes de corpo e espírito (“ Criação de Adão"). O enorme e incrivelmente complexo afresco no teto foi feito apenas pelo artista, sem assistentes; até hoje continua sendo uma obra monumental insuperável da pintura italiana. Mas, além dos murais do teto da Capela Sistina, o mestre, já em sua velhice, criou o "Juízo Final" ferozmente inspirador - um símbolo do colapso dos ideais de sua grande época.

Michelangelo trabalhou muito e frutuosamente em arquitetura, em particular, supervisionou a construção da Catedral de São Pedro e o conjunto Praça do Capitólio em Roma. A obra do grande Michelangelo constituiu uma época inteira e estava muito à frente de seu tempo, desempenhou um papel colossal na arte mundial, em particular, influenciou a formação dos princípios do Barroco.

Giorgione e Ticiano.

Na história da arte do Alto Renascimento, Veneza entrou em uma página brilhante, onde a pintura está no auge. Giorgione é considerado o primeiro mestre do Alto Renascimento em Veneza. Sua arte é muito especial. O espírito de clara harmonia e alguma contemplação íntima especial e devaneio reina nele. Ele muitas vezes escreveu belezas deliciosas, verdadeiras deusas. Normalmente, esta é uma ficção poética - a personificação de um sonho, admiração por um sentimento romântico e uma mulher bonita. Em suas pinturas há uma pitada de paixão sensual, doce prazer, felicidade sobrenatural. Com a arte de Giorgione, a pintura veneziana adquiriu um significado totalmente italiano, afirmando suas características artísticas.

Ticiano em entrou para a história da arte italiana como um titã e chefe da escola veneziana, como símbolo de seu apogeu. Na obra deste artista, o sopro de uma nova era se manifestou com força especial - tempestuoso, trágico, sensual. O trabalho de Ticiano se distingue por uma cobertura excepcionalmente ampla e versátil de tipos e gêneros de pintura. Ticiano foi um dos fundadores da pintura de altar monumental, a paisagem como gênero independente, vários tipos de retratos, inclusive solene-cerimoniais. Em sua obra convivem imagens ideais com personagens vívidos, conflitos trágicos com cenas de júbilo jubiloso, composições religiosas com pinturas mitológicas e históricas.

Ticiano desenvolveu uma nova técnica de pintura que teve uma influência excepcional no desenvolvimento das belas artes mundiais, até o século 20. Ticiano pertence aos maiores coloristas da pintura mundial. Suas pinturas brilham com ouro e uma complexa gama de tons vibrantes e luminosos de cores. Ticiano, que viveu por quase um século, sobreviveu ao colapso dos ideais renascentistas, a obra do mestre pertence à metade do Renascimento tardio. Seu herói, que entra na luta contra as forças hostis, morre, mas mantém sua grandeza. A influência da grande oficina de Ticiano afetou toda a arte veneziana.

ALTO RENASCIMENTO

ALTO RENASCIMENTO

Renascimento tardio

Na segunda metade do século XVI. na Itália, o declínio da economia e do comércio estava crescendo, o catolicismo entrou em luta com a cultura humanista, a arte estava em profunda crise. Fortaleceu as tendências anti-renascentistas, encarnadas no maneirismo. No entanto, o maneirismo quase não afetou Veneza, que na segunda metade do século XVI se tornou o principal centro da arte do Renascimento tardio. Em linha com a alta tradição renascentista humanista, nas novas condições históricas de Veneza, desenvolveu-se a obra dos grandes mestres do Renascimento tardio, enriquecida com novas formas - Palladio, Veronese, Tintoretto.

Andrea Palladio

A obra do arquiteto do norte da Itália Andrea Palladio (1508-80), baseada em um profundo estudo da arquitetura antiga e renascentista, é um dos pináculos da arte do Renascimento tardio. Palladio desenvolveu os princípios da arquitetura, que foram desenvolvidos na arquitetura do classicismo europeu dos séculos XVII-XVIII. e recebeu o nome de Palladianismo. O arquiteto delineou suas ideias na obra teórica Four Books on Architecture (1570). Os edifícios de Palladio (principalmente palácios e vilas urbanos) são cheios de graciosa beleza e naturalidade, completude harmoniosa e ordem estrita, distinguem-se pela clareza e conveniência de planejamento e uma conexão orgânica com o meio ambiente ( Palazzo Chiericati). A capacidade de harmonizar a arquitetura com a paisagem circundante manifestou-se com particular força nas villas Palladio, imbuídas de um sentido elegíaco e iluminado da natureza e marcadas pela clareza clássica e simplicidade de formas e composição ( Villa Capra (Rotonda)). Palladio criou o primeiro edifício teatral monumental da Itália, o Teatro Olímpico. A influência de Palladio no desenvolvimento da arquitetura nos séculos seguintes foi enorme.

Veronese e Tintoretto.

A natureza festiva e de afirmação da vida do Renascimento veneziano foi mais claramente manifestada na obra de Paolo Veronese. Artista monumental, ele criou magníficos conjuntos decorativos de pinturas de parede e teto com muitos personagens e detalhes divertidos. Veronese criou seu próprio estilo: suas pinturas espetaculares e espetaculares estão cheias de emoções, paixão e vida, e os heróis, a nobreza veneziana, geralmente estão localizados em palácios patrícios ou contra o pano de fundo da natureza luxuosa. Eles são levados por festas grandiosas ou festividades encantadoras (“Casamento em Caná”). Veronese era o mestre da alegre Veneza, seus triunfos, o poeta de seu brilho dourado. Veronese tinha um dom excepcional como colorista. Suas cores são permeadas de luz, intensas e não apenas dotam de cor os objetos, mas eles próprios se transformam em objeto, transformando-se em nuvens, tecido, corpo humano. Por isso, a beleza real das figuras e objetos é multiplicada pela beleza da cor e da textura, o que produz um forte impacto emocional no espectador.

O completo oposto de Veronese foi seu contemporâneo Tintoretto (1518-94) - o último grande mestre do Renascimento italiano. A abundância de influências artísticas externas dissolveu-se na individualidade criativa única de Tintoretto. Em sua obra, foi uma figura gigantesca, criadora de temperamento vulcânico, paixões violentas e intensidade heróica. Seu trabalho foi um enorme sucesso tanto entre os contemporâneos quanto entre as gerações subsequentes. Tintoretto foi distinguido por uma capacidade verdadeiramente desumana de trabalho, busca incansável. Ele sentiu a tragédia de seu tempo de forma mais aguda e profunda do que a maioria de seus contemporâneos. O mestre se rebelou contra as tradições estabelecidas nas artes visuais - a observância da simetria, equilíbrio estrito, estático; expandiu os limites do espaço, saturando-o com dinâmica, ação dramática, começou a expressar os sentimentos humanos de forma mais vívida. 1590 . A arte do Maneirismo parte dos ideais renascentistas da percepção harmoniosa do mundo. O homem está à mercê de forças sobrenaturais. O mundo parece instável, instável, em estado de decadência. As imagens maneiristas estão cheias de ansiedade, inquietação, tensão. O artista afasta-se da natureza, esforça-se por superá-la, seguindo na sua obra uma “ideia interior” subjetiva, cuja base não é o mundo real, mas a imaginação criadora; o meio de atuação é a "maneira bela" como a soma de certas técnicas. Entre eles estão o alongamento arbitrário das figuras, o complexo ritmo serpentino, a irrealidade do espaço e da luz fantásticos e, às vezes, cores frias e penetrantes.

Jacopo Pontormo (1494-1556) foi o maior e mais talentoso mestre do maneirismo, um pintor de complexo destino criativo. Em sua famosa pintura Descida da Cruz» a composição é instável, as figuras são pretensiosamente quebradas, as cores claras são nítidas. Francesco Mazzola, apelidado de Parmigianino (1503-40) adorava impressionar o espectador: por exemplo, ele escreveu seu " Auto-retrato em um espelho convexo". A deliberação deliberada distingue sua famosa pintura " Madonna com um pescoço longo ».

O pintor da corte dos Médici Agnolo Bronzino (1503-72) é conhecido por seus retratos cerimoniais. Eles ecoaram a era de atrocidades sangrentas e declínio moral que atingiu os mais altos círculos da sociedade italiana. Os nobres clientes do Bronzino estão, por assim dizer, separados do espectador por uma distância invisível; a rigidez de suas poses, a impassibilidade de seus rostos, a riqueza de suas roupas, os gestos de suas belas mãos da frente - tudo isso é como uma casca exterior que esconde uma vida interior imperfeita. No retrato de Eleanor de Toledo com seu filho (c. 1545), a inacessibilidade da imagem fria e distante é reforçada pelo fato de que a atenção do espectador é completamente absorvida pelo grande padrão plano das magníficas roupas de brocado da duquesa. O tipo de retrato da corte criado pelos maneiristas influenciou a arte do retrato dos séculos XVI-XVII. em muitos outros países europeus.

A arte do maneirismo era transitória: o Renascimento estava desaparecendo no passado, havia chegado a hora de um novo estilo artístico totalmente europeu - o barroco.

Arte do Renascimento do Norte.

Os países do norte da Europa não tiveram seu passado antigo, mas o período renascentista se destaca em sua história: da viradaXV – XVIpara o segundo semestreXVIIséculo. Desta vez, distingue-se pela penetração dos ideais renascentistas em várias esferas da cultura e pela mudança gradual em seu estilo. Como no berço do Renascimento, na arte do Renascimento do Norte, o interesse pelo mundo real mudou as formas de criatividade artística. No entanto, a arte dos países do norte não foi caracterizada pelo pathos da pintura italiana, glorificando o poder do homem-titã. Os burgueses (os chamados citadinos ricos) valorizavam mais a integridade, a fidelidade ao dever e à palavra, a santidade do voto conjugal e o lar. Nos círculos burgueses, seu próprio ideal de pessoa estava se desenvolvendo - uma pessoa clara, sóbria, piedosa e profissional. A arte dos burgueses poetiza a pessoa comum e seu mundo - o mundo da vida cotidiana e das coisas simples.

Mestres do Renascimento na Holanda.

Novas características da arte renascentista apareceram principalmente na Holanda, que era um dos países mais ricos e industrializados da Europa. Por causa de suas extensas conexões internacionais, a Holanda adotou novas descobertas muito mais rapidamente do que outros países nórdicos.

O estilo renascentista na Holanda abriu Jan Van Eyck(1390-1441). Sua obra mais famosa é Retábulo de Gante, no qual o artista começou a trabalhar com seu irmão e continuou trabalhando sozinho após sua morte por mais 6 anos. O altar de Ghent, criado para a catedral da cidade, é uma dobra de duas camadas, em 12 tábuas das quais estão imagens da vida cotidiana (nas tábuas externas, que eram visíveis quando a dobra foi fechada) e festiva, jubilosa, transfigurada vida (nas portas internas, que apareciam abertas durante os feriados da igreja). Este é um monumento de arte, glorificando a beleza da vida terrena. O sentimento emocional de Van Eyck - "o mundo é como um paraíso", cada partícula do qual é bonito - é expresso de forma clara e clara. O artista contou com muitas observações da natureza. Todas as figuras e objetos têm volume e peso tridimensionais. Os irmãos Van Eyck foram os primeiros a descobrir as possibilidades da pintura a óleo; a partir deste momento, começa o deslocamento gradual da têmpera por ela.

Na segunda metade de XVséculo, cheio de conflitos políticos e religiosos, na arte da Holanda, destaca-se uma arte complexa e peculiar Hieronymus Bosch(1450?-1516). Este é um artista muito curioso com uma imaginação extraordinária. Ele vivia em seu próprio e terrível mundo. Nas pinturas de Bosch há uma condensação de representações folclóricas medievais, montagens grotescas do vivo e do mecânico, do terrível e do cômico. Em suas composições, que não tinham centro, não há personagem principal. O espaço em várias camadas é preenchido com numerosos grupos de figuras e objetos: répteis monstruosamente exagerados, sapos, aranhas, criaturas terríveis nas quais se combinam partes de diferentes criaturas e objetos. O propósito das composições de Bosch é a edificação moral. Bosch não encontra harmonia e perfeição na natureza, suas imagens demoníacas lembram a vitalidade e a onipresença do mal mundial, do ciclo de vida e morte.

O homem nas pinturas de Bosch é patético e fraco. Assim, no tríptico Transporte de feno» o artista revela a história da humanidade. A ala esquerda conta a história da queda de Adão e Eva, a direita retrata o Inferno e todos os horrores que aguardam os pecadores aqui. A parte central da imagem ilustra o provérbio popular "O mundo é um palheiro, cada um tira dele o que consegue pegar". Bosch mostra como as pessoas lutam por um pedaço de feno, morrem sob as rodas de uma carroça, tentam subir nela. Em cima da carroça, renunciando ao mundo, os amantes cantam e se beijam. De um lado deles está um anjo e, do outro, o diabo: quem vencerá? Criaturas assustadoras arrastam o carrinho para o submundo. Por trás de todas as ações das pessoas, Deus olha com perplexidade. Um clima ainda mais sombrio está imbuído da imagem " Carregando a cruz”: Cristo carrega sua pesada cruz, cercado por pessoas repugnantes com olhos esbugalhados e bocas escancaradas. Por eles o Senhor se sacrifica, mas sua morte na cruz os deixará indiferentes.

Bosch já havia morrido quando outro famoso artista holandês nasceu - Pieter Brueghel, o Velho(1525-1569), apelidado de Muzhitsky por muitas pinturas que retratam a vida dos camponeses. Brueghel tomou provérbios populares e preocupações cotidianas de pessoas comuns como base para muitas tramas. A completude das imagens das pinturas" casamento camponês" e " dança camponesa"carrega o poder dos elementos do povo. Mesmo as pinturas de Brueghel sobre cenas bíblicas são habitadas pela Holanda, e os eventos da distante Judéia ocorrem contra o pano de fundo de ruas cobertas de neve sob o céu escuro de seu país natal (“ Sermão de João Batista"). Mostrando aparentemente sem importância, menor, o artista fala sobre o principal na vida das pessoas, recria o espírito de seu tempo.

Uma pequena tela Caçadores na neve” (janeiro) da série “The Seasons” é considerada uma das obras-primas insuperáveis ​​da pintura mundial. Caçadores cansados ​​com cães voltam para casa. Junto com eles, o espectador entra na colina, de onde se abre um panorama de uma pequena cidade. Margens do rio cobertas de neve, árvores espinhosas congeladas no ar límpido e gelado, pássaros voam, sentam-se em galhos de árvores e telhados de casas, as pessoas estão ocupadas com seus afazeres diários. Todas essas ninharias aparentemente, juntamente com o azul do céu, árvores negras, neve branca, criam na imagem um panorama do mundo que o artista ama apaixonadamente.

A pintura mais trágica de Brueghel Parábola dos cegos"Escrito pelo artista pouco antes de sua morte. Ele ilustra a história do evangelho "se um cego guiar outro cego, então ambos cairão na cova". Talvez esta seja uma imagem da humanidade, cega por seus desejos, caminhando para sua morte. No entanto, Brueghel não julga, mas, compreendendo as leis da relação das pessoas entre si, com o meio ambiente, penetrando na essência da natureza humana, revela às próprias pessoas, seu lugar no mundo.

Pintura na Alemanha durante o Renascimento.

As características do Renascimento na arte da Alemanha aparecem mais tarde do que na Holanda. O apogeu do humanismo alemão, das ciências seculares e da cultura cai nos primeiros anosXVIdentro. Foi um breve período durante o qual a cultura alemã deu ao mundo os mais altos valores artísticos. Em primeiro lugar, devem incluir obras Albrecht Dürer(1471-1528) - o artista mais importante do Renascimento alemão.

Durer é um representante típico do Renascimento, foi pintor, gravador, matemático e engenheiro, escreveu tratados sobre fortificação e teoria da arte. No autorretratos ele parece inteligente, nobre, concentrado, cheio de profundas reflexões filosóficas. Nas pinturas, Dürer não se contenta com a beleza formal, mas procura dar uma expressão simbólica de pensamentos abstratos.

Um lugar especial na herança criativa de Dürer pertence à série Apocalypse, que inclui 15 grandes xilogravuras. Dürer ilustra as previsões da "Revelação de João, o Teólogo", por exemplo, a folha " quatro cavaleiros"simboliza desastres terríveis - guerra, pestilência, fome, julgamento injusto. O presságio de mudança, duras provações e desastres, expressos em gravuras, acabou sendo profético (a Reforma e as guerras camponesas e religiosas que se seguiram logo começaram).

Outro grande artista da época foi Lucas Cranach, o Velho(1472-1553). O Hermitage abriga suas pinturas Madonna e criança sob a macieira" e " Retrato feminino". Neles vemos o rosto de uma mulher, capturado em muitas das pinturas do mestre (é até chamado de "Cranach"): um queixo pequeno, uma fenda estreita de olhos, cabelos dourados. O artista escreve cuidadosamente jóias e roupas, suas pinturas são um banquete para os olhos. A pureza e ingenuidade das imagens mais uma vez fazem você perscrutar essas pinturas. Cranach era um pintor de retratos maravilhoso, ele criou imagens de muitos contemporâneos famosos - Martinho Lutero (que era seu amigo), Duque Henrique da Saxônia e muitos outros.

Mas o mais famoso retratista do Renascimento do Norte pode, sem dúvida, ser reconhecido como outro pintor alemão. Hans Holbein, o Jovem(1497-1543). Por muito tempo ele foi o pintor da corte do rei inglês HenryVIII. Em seu retrato, Holbein transmite perfeitamente a natureza imperiosa do rei, que não está familiarizado com a dúvida. Pequenos olhos inteligentes em um rosto carnudo traem um tirano nele. Retrato de Henrique VIII era tão confiável que assustava as pessoas que conheciam o rei. Holbein pintou retratos de muitas pessoas famosas da época, em particular o estadista e escritor Thomas More, o filósofo Erasmus de Rotterdam e muitos outros.

O desenvolvimento da cultura renascentista na Alemanha, Holanda e alguns outros países europeus foi interrompido pela Reforma e pelas guerras religiosas que se seguiram. Depois disso, chegou o momento da formação de novos princípios na arte, que entraram na próxima etapa de seu desenvolvimento.

O planejamento urbano e a cidade como objeto de estudo especial atraíram o interesse de muitos arquitetos de destaque. Menos significativa é considerada a contribuição da Itália para o campo do planejamento urbano prático. No início do século XV. as cidades-comunas do centro e do norte da Itália já eram organismos arquitetônicos há muito estabelecidos. Além disso, as repúblicas e tiranias dos séculos XV e XVI. (excluindo os maiores - como Florença, Milão, Veneza e, claro, Roma papal) não tinha fundos suficientes para criar novos grandes conjuntos, especialmente porque toda a atenção continuou a ser dada à construção ou conclusão de catedrais, como o principal centro religioso da cidade. Poucos empreendimentos urbanos integrais, como o centro de Pienza, combinam novas tendências com tradições de construção medievais.

No entanto, o ponto de vista geralmente aceito subestima um pouco as mudanças que ocorreram nos séculos XV-XVI. nas cidades italianas. Ao lado das tentativas de compreender teoricamente o que já foi feito na prática no campo do planejamento urbano, podem-se notar também as tentativas de colocar em prática as ideias teóricas de planejamento urbano existentes. Assim, por exemplo, foi construído um novo bairro em Ferrara com rede regular de ruas; uma tentativa de criar simultaneamente um organismo urbano integral foi feita nas cidades de Bari, Terra del Sole, Castro, e também em algumas outras.

Se na Idade Média a aparência arquitetônica da cidade foi formada no processo de criatividade e atividades de construção de toda a população da cidade, no Renascimento, a construção urbana refletia cada vez mais as aspirações de clientes e arquitetos individuais.

Com a crescente influência das famílias mais ricas, suas necessidades e gostos pessoais afetaram cada vez mais a aparência arquitetônica da cidade como um todo. De grande importância na construção de palácios, vilas, igrejas, túmulos, galerias foi o desejo de perpetuar e glorificar a si mesmo, ou a competição em riqueza e esplendor com os vizinhos (Gonzaga - d'Este, d'Este - Sforza, etc.) e o desejo invariável viver luxuosamente. A par disso, os clientes demonstraram uma certa preocupação com a melhoria da cidade, destinando fundos para a reconstrução dos seus conjuntos, para a construção de edifícios públicos, fontes, etc.

Uma parte significativa da construção do palácio e do templo caiu durante os anos da crise económica associada à perda dos mercados orientais e foi realizada à custa das riquezas já arrecadadas, surgidas no período do declínio do artesanato e comércio de capital improdutivo. Os mais famosos e famosos arquitetos, artistas, escultores estiveram envolvidos na construção, que receberam grandes fundos para a execução do trabalho que lhes foi confiado e puderam, satisfazendo as necessidades pessoais dos clientes, mostrar mais sua individualidade criativa.

É por isso que as cidades italianas do Renascimento são ricas em conjuntos arquitetônicos originais e diferentes. No entanto, sendo obras da mesma época com visões estéticas bem estabelecidas, esses conjuntos se basearam em princípios gerais de composição.

As novas exigências para a organização volumétrica e espacial da cidade e dos seus elementos assentavam numa percepção significativa e crítica das tradições medievais, no estudo dos monumentos e composições da antiguidade. Os principais critérios eram a clareza da organização espacial, a combinação lógica do principal e do secundário, a unidade proporcional das estruturas e espaços que os cercam, a interconexão dos espaços individuais, e tudo isso em uma escala proporcional a uma pessoa. A nova cultura do Renascimento, a princípio ligeiramente, e depois cada vez mais ativamente penetrou no planejamento urbano. A cidade medieval, que foi a base das cidades do Renascimento, não pôde ser significativamente modificada, portanto, apenas foram realizadas obras de reconstrução em seu território, foram construídos prédios públicos e privados separados, o que às vezes exigia algum trabalho de planejamento; o crescimento da cidade, que desacelerou um pouco no século XVI, geralmente veio à custa da expansão de seu território.

O Renascimento não introduziu mudanças óbvias no planejamento das cidades, mas alterou significativamente sua aparência volumétrica e espacial, resolvendo uma série de problemas de planejamento urbano de uma nova maneira.

Figura 1. Ferrara. Plano esquemático da cidade: 1 - Castelo d'Este; 2 - Praça Ariosto; 3 - Mosteiro cartuxo; 4 - Igreja de Santa Maria Nuova degli Aldigieri; 5 - Igreja de San Giuliano; c - Igreja de San Benedetto; 7 - Igreja de São Francisco; 8 - Palazzo dei Diamanti; 9 - catedral

Figura 2. Verona. Plano esquemático da cidade: 1 - Igreja de San Zeno; 2 - Igreja de São Bernardino; 3 - área de hospitais e Forte San Spirito; 4 - Gran Guardia Vecchia; 5 - Castelo Velho; 6 - Palácio Malfatti; 7 - área delle Erbe; 8 - Piazza dei Signori; 9 - Praça Santa Anastácia; 10 - catedral; 11 - palácio do bispo; 12 - anfiteatro antigo; 13 - o palácio de Pompéia; 14 - Palazzo Bevilacqua

Um dos primeiros exemplos de um novo layout na virada dos séculos XV-XVI. Ferrara pode servir (Fig. 1). Sua parte norte foi construída de acordo com o projeto de Biagio Rossetti (mencionado 1465-1516). As linhas principais da nova rede viária ligavam os portões de entrada das fortificações que ele construiu. Os cruzamentos das ruas eram pontuados por palácios (Palazzo dei Diamanti, etc.) e igrejas erguidas pelo mesmo arquiteto ou sob sua supervisão direta. O centro medieval com o castelo d'Este cercado por um fosso, o Palazzo del Comune e outros edifícios dos séculos XII-XV, bem como a parte comercial e artesanal adjacente da cidade, permaneceram intocados. A parte nova da cidade, construída na direção d'Este com casas de um certo número de andares, ganhou um caráter mais secular, aristocrático, e suas ruas largas e retas com palácios e igrejas renascentistas deram a Ferrara um visual diferente do cidade medieval. Não é à toa que Burckhardt escreveu que Ferrara é a primeira cidade moderna da Europa.

Mas mesmo sem o planejamento de novas áreas, os construtores do Renascimento com a maior arte utilizaram todos os elementos de melhoria e pequenas formas arquitetônicas da cidade, desde canais a arcadas, fontes e pavimentação ( Um exemplo característico, datado do século XV, é um poço na praça da catedral em Pienza; no século 16 o papel da fonte nos conjuntos torna-se mais complicado (por exemplo, as fontes instaladas por Vignola em Roma, Viterbo e nas vilas localizadas nas proximidades ) - para a melhoria geral e enriquecimento estético da aparência arquitetônica de pequenas cidades ou conjuntos individuais. Em várias cidades, como Milão, Roma, as ruas foram endireitadas e alargadas.

Os canais foram construídos não apenas para irrigar campos, mas também nas cidades (para defesa, transporte, abastecimento de água, proteção contra inundações, para produção - lavagem de lã, etc.), onde constituíam um sistema bem planejado (Milão), muitas vezes incluindo barragens e eclusas, e associadas a estruturas defensivas urbanas (Verona, Mântua, Bolonha, Livorno, etc., Fig. 2, 3, 5, 21).

As arcadas das ruas, também encontradas na Idade Média, às vezes se estendiam ao longo de ruas inteiras (Bolonha, Fig. 4) ou ao longo dos lados da praça (Florença, Vigevano, Fig. 7).

O Renascimento deixou-nos maravilhosos conjuntos e conjuntos urbanos, que podem ser divididos em dois grupos principais: conjuntos que se desenvolveram historicamente (pertencem principalmente ao século XV), e conjuntos criados ao longo de uma época ou ao longo de vários períodos de construção, mas de acordo com o plano de um arquiteto, às vezes completamente concluído no Renascimento (principalmente no século XVI).

Um exemplo notável de conjuntos do primeiro grupo é o conjunto da Piazza San Marco e Piazzetta em Veneza.

Na primeira metade do século XV. partes do Palazzo do Doge foram construídas, com vista para a Piazzetta e o Canal San Marco. No início do mesmo século, remonta a pavimentação de mármore da Piazza San Marco, que mais tarde a combinou com a Piazzetta. No início do século XVI. as obras de reconstrução da praça central da cidade atraíram os mais destacados arquitectos: Bartolomeo Bon aumentou a altura do campanário de 60 para 100 m e coroou-o com uma cobertura de tenda; Pietro Lombardo e outros estão construindo as Velhas Procurações e a torre do relógio; em 1529, as barracas são retiradas da Piazzetta, que abre uma vista da lagoa e do mosteiro de San Giorgio Maggiore. A Piazzetta desempenha um papel importante como transição espacial da vastidão da lagoa para a praça central, enfatizando seu tamanho e significado composicional na estrutura da cidade. Então Sansovino expande a praça para o sul, colocando o prédio da Biblioteca que ele construiu na Piazzetta, a 10 metros do campanário, e constrói ao pé da torre Loggetta. No final do século XVI. Scamozzi erige Novas Procurações. No entanto, o lado oeste da praça foi concluído apenas no início do século XIX.

O desenvolvimento da Piazza San Marco nas margens da lagoa na foz do Grande Canal deve-se tanto funcionalmente - a conveniência de entregar mercadorias no local das principais feiras venezianas quanto o desembarque de convidados de honra em frente ao palácio e a catedral - e artisticamente: a praça principal, frontal da cidade, abre-se solenemente para quem se aproxima do mar e é como se fosse o salão de recepção da cidade; Como o conjunto de praças da antiga Mileto, a Piazza San Marco mostrava aos recém-chegados quão rica e bela era a capital da República de Veneza.

Uma nova atitude em relação à construção como parte do todo, a capacidade de conectar os edifícios com o espaço envolvente e encontrar uma combinação contrastante e mutuamente benéfica de diversas estruturas levou à criação de um dos melhores conjuntos não só do Renascimento, mas também da arquitetura mundial.

A alta cultura arquitetônica de Veneza também se manifestou nos conjuntos gradualmente emergentes da Piazza Santi Giovanni e Paolo (com o monumento Colleoni de Verrocchio) e do centro comercial da cidade.

A Piazza della Signoria em Florença, bem como o complexo de praças centrais de Bolonha, onde se desenvolveram interessantes tradições urbanísticas na época, podem servir como exemplo do desenvolvimento consistente do conjunto.

Fig.5. Bolonha. Plano esquemático da cidade: 1 - Área de Malpighi; 2 - Praça Ravenyan; 3 - Praça Maior; 4 - área de Netuno; 5 - Praça Arcijinácio; 6 - Igreja de San Petronio; 7 - Palácio Público; 8 - Palazzo Legata; 9 - Palazzo del Podesta; 10 - pórtico dei Banki; 11 - Palazzo dei Notai; 12 - Palazzo Arciginnasio; 13 - Palazzo del Re Enzo; 14 - Mercantia; 15 - Palácios Isolani; 16 - Igreja de San Giacomo; 17 - casa Grassi; 18- Palácio Fava; 19 - Palácio Armorini; 20-Collegio di Spagna; 21 - Palazzo Bevilacqua; 22 - Palácio Tanari

O traçado de Bolonha preservou as marcas de sua história secular (Fig. 5). O centro da cidade remonta à época do acampamento militar romano. As ruas radialmente divergentes das regiões leste e oeste cresceram na Idade Média, ligando as antigas portas (não preservadas) às portas das novas fortificações (século XIV).

O desenvolvimento inicial da produção da guilda de tijolos vermelhos escuros finos e detalhes de construção de terracota, e a disseminação de arcadas ao longo dos lados de muitas ruas (elas foram construídas antes do século XV), deram aos edifícios da cidade uma notável semelhança. Essas características também se desenvolveram no Renascimento, quando a Câmara Municipal deu grande atenção à construção (ver os projetos-modelo de casas para a periferia desenvolvidos por decisão da Câmara, com pórticos primitivos que deveriam dobrar em arcadas de rua - Fig. 6) .

Piazza Maggiore, localizada no coração da cidade velha, com o enorme Palazzo Publico em forma de castelo, unindo vários edifícios públicos da comuna medieval e a catedral - durante os séculos XV e XVI. recebeu uma ligação orgânica com a rua principal através da Praça Neptuno (a fonte que lhe deu o nome foi construída por G. da Bolonha no século XVI) e mudou significativamente a sua aparência no espírito do novo estilo: no século XV. Fioravante trabalhou aqui, reconstruiu o Palazzo del Podesta e no século XVI. - Vignola, unindo os edifícios do lado leste da praça com uma fachada comum com uma arcada monumental (pórtico dei Banki).

O segundo grupo de conjuntos, totalmente subordinado a um único desenho composicional, inclui sobretudo conjuntos arquitectónicos dos séculos XVI e posteriores.

A Piazza Santissima Annunziata em Florença, apesar da natureza uniforme de seu desenvolvimento, é um exemplo de conjunto de tipo intermediário, pois não foi concebido por um mestre. No entanto, a arcada simples, leve e ao mesmo tempo monumental do Orfanato Brunellesco (1419-1444) determinou a aparência da praça; uma arcada semelhante foi repetida no lado oeste em frente ao mosteiro de Servi di Maria (Sangallo, o Velho e Baccio d'Agnolo, 1517-1525). O pórtico posterior em frente à Igreja de Santissima Annunziata (Giovanni Caccini, 1599-1601) acima dos dois laterais e junto com o monumento equestre de Fernando I (G. da Bologna, 1608) e fontes (1629) testemunham uma nova tendência na construção de conjuntos: enfatizar o papel da igreja e identificar o eixo composicional dominante.

Com o acúmulo de riquezas, os representantes mais influentes da jovem burguesia buscavam conquistar o reconhecimento de seus concidadãos decorando sua cidade natal e, ao mesmo tempo, expressar seu poder através da arquitetura, construindo para si magníficos palácios, mas também doando dinheiro para a reconstrução e mesmo a reconstrução completa da sua igreja paroquial, e depois a construção de outros edifícios na paróquia. Assim, por exemplo, grupos peculiares de edifícios surgiram em torno dos palácios dos Medici e Rucellai em Florença; o primeiro incluía, além do palácio, a igreja de San Lorenzo com capela - o túmulo dos Médici e a biblioteca Laurenziana, o segundo consistia no palácio Rucellai com uma loggia em frente e a capela Rucellai na igreja de San Pancrácio.

Da construção de um conjunto de edifícios desta natureza, restava apenas um passo para a criação, à custa do "pai da cidade", de todo um conjunto que decorava a cidade natal.

Um exemplo de tal reconstrução é o Centro Fabriano, para onde o Papa Nicolau V se mudou com sua comitiva durante a peste em Roma. A reconstrução de Fabriano foi confiada em 1451 a Bernardo Rosselino. Sem alterar a configuração da praça central, que ainda permanecia fechada na época medieval, Rosselino tenta dinamizar um pouco o seu desenvolvimento, encerrando as laterais com pórticos. O enquadramento da praça com galerias, concentrando a atenção do público no austero Palazzo Podestà coroado de ameias, indica que este antigo edifício civil continua a ser o principal, apesar da chegada do papa à cidade. A reconstrução do Centro Fabriano é uma das primeiras tentativas urbanísticas do Renascimento de organizar o espaço da praça segundo o princípio da regularidade.

Outro exemplo de reconstrução pontual da praça central e de toda a cidade é Pienza, onde foi realizada apenas uma parte da obra prevista pelo mesmo Bernardo Rosselino.

Praça Pienza, com uma clara divisão dos edifícios aí localizados, em principais e secundários, com um traçado regular e uma expansão deliberada do território da praça em direção à catedral para criar um espaço livre em torno dela, com pavimentação padronizada separando o trapezoidal atual praça da rua que a percorre, com esquema de cores cuidadosamente pensado de todos os edifícios que emolduram a praça, é um dos conjuntos mais característicos e amplamente conhecidos do século XV.

Um exemplo interessante é a construção regular da praça em Vigevano (1493-1494). A praça sobre a qual se ergue a catedral e a entrada principal do Castelo Sforza era circundada por uma arcada contínua, sobre a qual se estendia uma única fachada, decorada com pinturas e terracota colorida (Fig. 7).

O desenvolvimento dos conjuntos foi no sentido de aumentar seu isolamento da vida pública da cidade, pois cada um deles estava subordinado a uma tarefa particular e resolvido com uma individualidade pronunciada, separando-o do ambiente. praças do século XVI já não eram praças públicas das cidades comunais do início da Renascença, destinadas a desfiles e feriados. Apesar da complexidade das composições espaciais, das perspectivas escancaradas, elas desempenhavam principalmente o papel de um vestíbulo aberto em frente ao edifício principal. Tal como na Idade Média, embora com uma organização espacial e métodos compositivos de construção diferentes, a praça voltou a estar subordinada ao edifício - edifício principal do conjunto.

Entre os primeiros conjuntos do século XVI, nos quais as técnicas composicionais anteriormente delineadas foram conscientemente aplicadas em um único desenho, estão o complexo Belvedere no Vaticano papal, depois a praça em frente ao Palácio Farnese em Roma (o plano do conjunto incluía uma ponte não realizada sobre o Tibre), o Capitólio Romano e complexo do extenso Palazzo Pitti com os Jardins Boboli em Florença.

A retangular Piazza Farnese, concluída em meados do século XVI, bem como o palácio, iniciado por Antonio de Sangallo o Jovem e concluído por Michelangelo, estão inteiramente subordinados ao princípio da construção axial, que ainda não foi concluído no Conjunto Santissima Annunziata.

Três ruas paralelas curtas de Campo di Fiori levam à Piazza Farnese, cujo meio é mais largo que as laterais, o que, por assim dizer, predetermina a simetria do conjunto. O portal do Palácio Farnese coincide com o eixo do portal do jardim e o centro da loggia traseira. A composição do conjunto foi completada pela colocação de duas fontes (Vignola tomou banhos de bronze das termas de Caracalla para elas), colocadas simetricamente à entrada principal e um pouco deslocadas para o lado leste da praça. Tal disposição de fontes, por assim dizer, libera espaço em frente ao palácio, transformando a praça da cidade em uma espécie de átrio em frente à residência de uma família poderosa (cf. a praça central de Vigevano).

Um dos exemplos mais notáveis ​​de um conjunto arquitectónico não só do século XVI. na Itália, mas também em toda a arquitetura mundial, está a Praça do Capitólio em Roma, criada segundo o plano de Michelangelo e expressando o significado sócio-histórico deste lugar (Fig. 9).

A localização central do Paço dos Senadores com a sua torre e escadaria dupla, a forma trapezoidal da praça e a rampa que a ela conduz, a simetria dos palácios laterais, por fim, a pavimentação da praça e a localização central do escultura equestre - tudo isso fortaleceu o significado do edifício principal e o eixo dominante do conjunto, enfatizou a importância e a posição auto-suficiente desta praça na cidade, de onde uma ampla vista de Roma se estendia ao pé da morro abriu. A divulgação de um lado da praça, sua orientação claramente expressa para a cidade, ao mesmo tempo em que subordina o espaço da praça ao edifício principal - essa é uma novidade introduzida por Michelangelo na arquitetura dos conjuntos urbanos.

As obras que modificaram significativamente Roma, ressuscitando-a das ruínas da Idade Média, tiveram um impacto significativo na arquitetura da Itália e de toda a Europa. Os conjuntos do Renascimento, dispersos pelo território da antiga capital, foram muito mais tarde abrangidos pela cidade e incluídos como seus elementos num único sistema, mas foram a espinha dorsal que determinou a posterior organização arquitetónica e espacial de Roma como um todo. .

As ruínas da cidade antiga predeterminaram a escala e a monumentalidade das ruas e edifícios dos conjuntos principais. Os arquitetos estudaram e dominaram os princípios de composições urbanísticas antigas regulares. Novas formas de planejamento urbano foram baseadas em uma busca consciente de layouts melhores, mais convenientes e racionais, em reconstruções razoáveis ​​de edifícios antigos, em uma síntese ponderada de belas artes e arquitetura (Fig. 9, 10).

Os destacados arquitetos do Renascimento - Brunellesco, Alberti, Rosselino, Leonardo da Vinci, Bramante, Michelangelo - conceberam uma série de transformações grandiosas das cidades. Aqui estão alguns desses projetos.

Em 1445, no aniversário de 1450, um trabalho significativo foi programado em Roma para reconstruir a área de Borgo. Os autores do projeto (Rosselino e, possivelmente, Alberti) aparentemente previam as instalações de defesa e a melhoria da cidade, a reconstrução dos bairros de Borgo e algumas igrejas. Mas o projeto exigia muito dinheiro e não foi realizado.

Leonardo da Vinci testemunhou o infortúnio que se abateu sobre Milão - a praga de 1484-1485, que matou mais de 50 mil habitantes. A propagação da doença foi facilitada pela superlotação, superlotação e condições insalubres da cidade. O arquiteto propôs um novo layout de Milão dentro das muralhas expansíveis da cidade, onde apenas os cidadãos importantes deveriam permanecer, obrigados a reconstruir suas posses. Ao mesmo tempo, segundo Leonardo, vinte cidades menores, com 30.000 habitantes e 5.000 casas cada, deveriam ter sido fundadas perto de Milão. Leonardo considerou necessário: “Separar essa enorme multidão de pessoas que, como ovelhas em um rebanho, espalham mau cheiro e são terreno fértil para epidemias e morte”. Os esboços de Leonardo incluíam estradas em dois níveis, viadutos nos acessos do campo, uma extensa rede de canais que asseguravam um fornecimento constante de água potável para as cidades e muito mais (Fig. 11).

Nos mesmos anos, Leonardo da Vinci trabalhou em um plano para a reconstrução, ou melhor, a reestruturação radical de Florença, encerrando-a em um decaedro regular de paredes e estendendo-se ao longo de seu diâmetro, usando um rio, um canal grandioso, igual em largura ao Arno (Fig. 12). O desenho deste canal, que incluía uma série de barragens e canais de desvio menores que serviam para lavar todas as ruas da cidade, era claramente de natureza utópica. Apesar do assentamento social (propriedade) proposto por Leonardo na cidade, o arquiteto procurou criar condições de vida saudáveis ​​e confortáveis ​​para todos os habitantes de Florença.

Após um incêndio que destruiu o mercado perto da Ponte Rialto em Veneza em 1514, Fra Giocondo criou um projeto para a reconstrução desta área. A ilha quadrangular, enquadrada por canais, tinha forma quadrangular e devia ser construída ao longo do perímetro com lojas de dois pisos. No centro havia uma praça com quatro portões em arco nas laterais. A centralidade da composição foi enfatizada pela igreja de San Matteo colocada no meio.

As propostas de Fra Giocondo do ponto de vista urbanístico eram interessantes e novas, mas não foram cumpridas.

Michelangelo, defendendo a liberdade de sua amada Florença e querendo, aparentemente, preservar o espírito da democracia, tão inerente a ela anteriormente, propôs um projeto para a reconstrução de seu centro. Com toda a probabilidade, os centros públicos da antiguidade, que eram os peristilos da política, serviram de protótipo para a nova praça.

Michelangelo pretendia cercar a Piazza della Signoria com galerias escondendo todos os palácios, câmaras de comércio, guildas e oficinas construídas anteriormente e enfatizando a grandeza do palácio da Signoria com sua uniformidade. A escala gigantesca da loggia dei Lanzi, que deveria servir de motivo para a arcada dessas galerias, e os tetos abobadados monumentais das ruas que davam para a praça correspondiam ao escopo dos fóruns romanos. Os duques de Florença não precisavam de tal reestruturação, mais importante foi a construção dos Uffizi com transições da administração do ducado - o Palazzo Vecchio - para os aposentos pessoais dos governantes - o Palácio Pitti. O projeto do grande mestre também não foi implementado.

Os exemplos de projetos acima, bem como o trabalho realizado, indicam que uma nova ideia de cidade como um todo foi amadurecendo gradativamente: um todo em que todas as partes estão interligadas. O conceito de cidade desenvolveu-se paralelamente ao surgimento da ideia de um estado centralizado, de autocracia, que poderia, nas novas condições históricas, dar vida a uma razoável remodelação das cidades. No desenvolvimento do planejamento urbano, expressou-se claramente a especificidade da cultura renascentista, onde arte e ciência estavam inextricavelmente unidas, o que predeterminou o realismo da arte da nova era. Sendo um dos mais importantes tipos de atividade social, o planejamento urbano exigia significativo conhecimento científico, técnico e artístico específico dos arquitetos do Renascimento. A requalificação das cidades esteve largamente associada à alteração da técnica de combate, à introdução das armas de fogo e da artilharia, que obrigou à reconstrução das estruturas defensivas de quase todas as cidades medievais. Um simples cinturão de muralhas, que geralmente acompanhava o terreno, foi substituído por muralhas com baluartes, que determinavam o perímetro em forma de estrela das muralhas da cidade.

Cidades desse tipo surgem a partir do segundo terço do século XVI e testemunham o desenvolvimento bem-sucedido do pensamento teórico.

A contribuição dos mestres do Renascimento italiano para a teoria do planejamento urbano é muito significativa. Apesar do inevitável utopismo na formulação desses problemas nas condições da época, eles foram desenvolvidos com grande coragem e completude em todos os tratados e documentos teóricos do século XV, sem falar nas fantasias urbanas nas artes visuais. Tais são os tratados de Filarete, Alberti, Francesco di Giorgio Martini e até o romance fantástico de Polifilo Hypnerotomachia (publicado em 1499) com seus esquemas de uma cidade ideal; tais são as numerosas notas e desenhos de Leonardo da Vinci.

Os tratados renascentistas de arquitetura e urbanismo partiram da necessidade de satisfazer as necessidades de reorganização urbana e se basearam nas conquistas científicas e técnicas e nas visões estéticas de seu tempo, bem como no estudo das obras recém-descobertas de pensadores antigos, principalmente Vitrúvio.

Vitruvius considerou o planejamento e desenvolvimento das cidades em termos de amenidades, saúde e beleza, o que era consistente com as novas visões do Renascimento.

As reconstruções implementadas e os projetos não realizados de transformações urbanas também estimularam o desenvolvimento da ciência do planejamento urbano. No entanto, as dificuldades de transformações fundamentais nas cidades já estabelecidas da Itália deram às teorias urbanas um caráter utópico.

As teorias de planejamento urbano e os projetos de cidades ideais do Renascimento podem ser divididos em duas etapas principais: de 1450 a 1550 (de Alberti a Pietro Cataneo), quando os problemas de planejamento urbano foram considerados de maneira muito ampla e abrangente, e de 1550 a 1615 ( de Bartolomeo Ammanati até Vincenzo Scamozzi), quando questões de defesa e ao mesmo tempo estética começaram a prevalecer.

Os tratados e projetos de cidades do primeiro período deram muita atenção à seleção de áreas para a localização das cidades, as tarefas de sua reorganização geral: o reassentamento de moradores em linhas profissionais e sociais, planejamento, melhoria e desenvolvimento. Igualmente importante neste período foi a solução de problemas estéticos e a organização arquitetônica e espacial de toda a cidade como um todo e de seus elementos. Gradualmente, no final do século XV, foi dada cada vez mais importância às questões de defesa geral e à construção de fortificações.

Julgamentos razoáveis ​​e convincentes sobre a escolha da localização das cidades eram completamente inaplicáveis ​​na prática, pois as novas cidades raramente eram construídas, além disso, em locais predeterminados pelo desenvolvimento econômico ou pela estratégia.

Os tratados de arquitetos e seus projetos expressam a nova visão de mundo da época que lhes deu origem, onde o principal é cuidar de uma pessoa, mas de uma pessoa eleita, nobre e rica. A estratificação de classes da sociedade renascentista deu origem a uma ciência que serviu ao benefício da classe proprietária. Para o reassentamento dos “nobres” foram atribuídas as melhores áreas da cidade ideal.

O segundo princípio da organização do espaço urbano é a fixação de grupos profissionais do restante da população, o que indica uma influência significativa das tradições medievais nos julgamentos dos arquitetos do século XV. Os artesãos de profissões relacionadas tinham que viver próximos uns dos outros, e sua residência era determinada pela "nobreza" de seu ofício ou profissão. Comerciantes, cambistas, joalheiros, usurários podiam morar na área central, perto da praça principal; os construtores navais e os trabalhadores do cabo tinham o direito de se estabelecer apenas nos bairros externos da cidade, atrás do anel viário; pedreiros, ferreiros, seleiros, etc. deveriam ser construídos perto dos portões de entrada da cidade. Os artesãos, necessários para todos os segmentos da população, como cabeleireiros, farmacêuticos, alfaiates, tinham que ser distribuídos uniformemente por toda a cidade.

O terceiro princípio da organização da cidade era a distribuição do território em complexos residenciais, industriais, comerciais e públicos. Eles previam sua razoável conexão entre si, e às vezes uma combinação, para o serviço mais completo da cidade como um todo e o uso de seus dados econômicos e naturais. Este é o projecto da cidade ideal de Filarete - "Sforzinda".

O planejamento das cidades, segundo os teóricos do planejamento urbano, tinha que ser necessariamente regular. Às vezes os autores escolheram um radial-circular (Filarete, F. di Giorgio Martini, Fra Giocondo, Antonio da Sangallo Jr., Francesco de Marchi, Fig. 13), às vezes ortogonal (Martini, Marchi, Fig. 14), e um número dos autores propuseram projetos, combinando os dois sistemas (Peruzzi, Pietro Cataneo). No entanto, a escolha do layout geralmente não era um evento puramente formal, mecânico, uma vez que a maioria dos autores a determinava principalmente pelas condições naturais: terreno, presença de corpos d'água, rio, ventos predominantes etc. (Fig. 15).

Normalmente, a principal praça pública localizava-se no centro da cidade, primeiro com o castelo, e depois com a câmara municipal e a catedral no meio. As áreas comerciais e religiosas de importância distrital nas cidades radiais localizavam-se na interseção das ruas radiais com um dos anéis ou rodovias de desvio da cidade (Fig. 16).

O território da cidade tinha que ser ajardinado, segundo os arquitetos que criaram esses projetos. A superlotação e as condições insalubres das cidades medievais, a propagação de epidemias que destruíram milhares de cidadãos, fizeram-nos pensar na reorganização dos edifícios, no abastecimento básico de água e limpeza da cidade, na sua recuperação máxima, pelo menos dentro das muralhas da cidade. Os autores de teorias e projetos propunham desarmar os prédios, endireitar as ruas, colocar canais ao longo das principais, recomendavam o verde das ruas, praças e aterros de todas as formas possíveis.

Assim, no imaginário “Sforzinda” de Filarete, as ruas tinham que ter um declive para a periferia da cidade para escoamento das águas pluviais e descarga com água do reservatório no centro da cidade. Foram previstos canais de navegação ao longo das oito principais ruas radiais e ao redor das praças, o que garantiu o silêncio da parte central da cidade, onde seria proibida a entrada de veículos com rodas. As ruas radiais tiveram que ser ajardinadas, enquanto as principais (25 m de largura) foram emolduradas por galerias ao longo dos canais.

As ideias urbanas de Leonardo da Vinci, expressas em seus inúmeros esboços, falam de uma abordagem excepcionalmente ampla e ousada dos problemas da cidade e, ao mesmo tempo, apontam para soluções técnicas específicas para esses problemas. Assim, estabeleceu a relação entre a altura dos edifícios e os vãos entre eles para a melhor insolação e ventilação, desenvolveu ruas com tráfego em diferentes níveis (além disso, as superiores - iluminadas pelo sol e livres de tráfego - destinavam-se à "rico").

Antonio da Sangallo, o Jovem, em seu projeto, propôs um desenvolvimento perimetral de bairros com um espaço interno ajardinado bem ventilado. Aqui, aparentemente, desenvolveram-se as ideias de melhoramento e melhoramento do território urbano, expressas por Leonardo da Vinci.

Esboços de casas na cidade ideal de Francesco de Marchi são claramente influenciados por épocas anteriores, ou melhor, mantêm o caráter do edifício que prevalece nas cidades do Renascimento, herdado da Idade Média - edifícios estreitos e de vários andares com os andares superiores adiantados (ver Fig. 16).

Junto com os problemas funcionais e utilitários apontados, os arquitetos do século XV e início do XVI tiveram um lugar considerável nos projetos de cidades ideais. também são ocupados por questões estéticas da organização volume-espacial da cidade. Nos tratados, os autores repetidamente retomam o fato de que a cidade deve ser decorada com belas ruas, praças e prédios individuais.

Falando sobre casas, ruas e praças, Alberti mencionou repetidamente que elas devem ser coordenadas entre si tanto em tamanho quanto em aparência. F. di Giorgio Martini escreveu que todas as partes da cidade devem ser organizadas com prudência, que devem estar em relação umas com as outras, semelhantes a partes do corpo humano.

As ruas das cidades ideais eram muitas vezes emolduradas por arcadas com passagens em arco complexas em seus cruzamentos, que, além de funcionais (abrigo da chuva e do sol escaldante), tinham significado puramente artístico. Isso é evidenciado pelas propostas de Alberti, o projeto de uma cidade oval e a praça central retangular da cidade por F. de Marchi e outros (ver Fig. 14).

A partir do final do século XV, a técnica da composição cêntrica das cidades (Fra Giocondo) ganhou cada vez mais importância no trabalho dos arquitetos que trabalhavam nos esquemas das cidades ideais. A ideia da cidade como um organismo único, sujeito a um plano comum, já no século XVI. domina a teoria do planejamento urbano.

Um exemplo de tal solução é a cidade ideal de Peruzzi, cercada por dois muros e construída de acordo com um esquema radial, com uma rodovia de contorno peculiar em forma de praça. Torres defensivas, localizadas tanto nas esquinas quanto no centro da composição, potencializam a centralidade da localização não só do edifício principal, mas de toda a cidade como um todo.

A imagem da cidade ideal de Antonio da Sangallo, o Jovem, com suas paredes em forma de estrela e ruas radiais com uma estrada circular comum, lembra a cidade de Filarete. No entanto, a praça redonda com um edifício redondo no centro é um desenvolvimento das ideias dos antecessores de Antonio da Sangallo Jr. e, por assim dizer, continua a ideia de uma composição centrada em relação à cidade. Isso não ocorreu na cidade radial de Filaret (o centro é um complexo de quadrados retangulares assimétricos), nem nas cidades radiais e serpentinas de Francesco di Giorgio Martini.

O último representante dos teóricos da Renascença, que abrangeu de forma abrangente todas as questões do planejamento urbano, foi Pietro Cataneo, um conhecido construtor de fortificações, que a partir de 1554 começou a publicar seu tratado sobre arquitetura em partes. Cataneo lista cinco condições básicas que, em sua opinião, devem ser consideradas no projeto e construção da cidade: clima, fertilidade, conveniência, crescimento e melhor defesa. Do ponto de vista da defesa, o autor do tratado considera as cidades poligonais as mais adequadas, argumentando que a forma da cidade é uma derivação do tamanho do território que ocupam (quanto menor a cidade, mais simples é a sua configuração). ). No entanto, o espaço interno da cidade, independente de sua configuração externa, Cataneo é composto por quadras residenciais retangulares e quadradas. A ideia de autocracia também o domina: para o governante da cidade, Cataneo previa a criação de um castelo calmo e bem protegido, tanto de inimigos internos quanto externos.

Desde meados do século XVI. questões de planejamento urbano e cidades ideais não eram mais objeto de trabalhos especiais, mas eram abordados em tratados sobre questões gerais de arquitetura. Nesses tratados, os métodos já conhecidos de planejamento e composição volumétrica variam. Na segunda metade do século XVI. o lado puramente externo do desenho do projeto e o desenho dos detalhes tornam-se quase um fim em si mesmo (Buonayuto Lorini, Vasari). Às vezes, apenas elementos individuais da cidade foram desenvolvidos sem levar em conta seu esquema geral (Ammanati). As mesmas tendências são delineadas em meados do século XVI. e na prática do planejamento urbano.

O tratado de arquitetura de Palladio (1570) é a última obra teórica do século XV, que contém muitos julgamentos interessantes e profundos também sobre planejamento urbano. Assim como Alberti, Palladio não deixou para trás um projeto de cidade ideal, e em seu tratado ele apenas expressa desejos sobre como as ruas deveriam ser planejadas e construídas, como deveriam ser as praças da cidade e que impressão seus edifícios individuais e conjuntos devem fazer.

Os últimos representantes dos teóricos urbanos italianos foram Vasari, o Jovem, e Scamozzi.

Giorgio Vasari, o Jovem, ao criar seu projeto de cidade (1598), colocou as tarefas estéticas em primeiro plano. Em seu plano geral, destacam-se em relevo os princípios de regularidade e estrita simetria (Fig. 17).

No início do século XVII. (1615) Vincenzo Scamozzi voltou-se para o desenho de cidades ideais. Pode-se supor que ao projetar a cidade, ao contrário de Vasari, ele partiu de considerações de fortificação. O autor regula, em certa medida, tanto o povoamento da cidade quanto sua organização comercial e artesanal. No entanto, o traçado de Scamozzi é ainda mecanicista, não ligado organicamente nem à forma do plano dodecagonal nem ao esquema das estruturas defensivas. Este é apenas um esboço lindamente desenhado do plano mestre. A razão dos tamanhos das áreas, cada uma separadamente e em comparação entre si, não foi encontrada. O desenho carece das proporções finas que Vasari tem em seu projeto. As praças da cidade de Scamozzi são muito grandes, pelo que todo o esquema perde sua escala, contra o que Palladio alertou, dizendo que a praça da cidade não deve ser muito espaçosa. Deve-se notar que na cidade de Sabbioneta, no planejamento e desenvolvimento do qual Scamozzi, em nome de Gonzago, participou ativamente, a escala das ruas e praças foi escolhida de forma muito convincente. Scamozzi segue o mesmo método de composição da praça central, que foi delineado por Lupicini e Lorini. Ele não a constrói, mas coloca os edifícios principais no território dos bairros adjacentes à praça, de modo que eles fiquem de frente para a praça com suas fachadas principais. Tal técnica é típica do Renascimento e é legitimada pelos teóricos urbanos e nos esquemas das cidades ideais.

Durante o período de declínio econômico geral e crise social em meados do século XVI. questões secundárias começam a prevalecer na teoria do planejamento urbano. Uma consideração abrangente dos problemas da cidade está gradualmente deixando o campo de visão dos mestres. Resolveram questões particulares: a composição das áreas periféricas (Ammanati), o novo sistema de construção do centro (Lupicini, Lorini), o desenvolvimento cuidadoso do desenho das estruturas defensivas e do plano geral (Maggi, Lorini, Vasari), etc. Aos poucos, com a perda de uma abordagem ampla do desenvolvimento das tarefas funcionais e artísticas na ciência e na prática do planejamento urbano, o declínio profissional também está se formando, o que se refletiu no formalismo estético e na arbitrariedade de algumas decisões de planejamento.

Os ensinamentos teóricos do Renascimento sobre o planejamento urbano, apesar de sua natureza utópica, tiveram alguma influência na prática do planejamento urbano. Foi especialmente perceptível durante a construção de fortificações em pequenos portos e cidades-fortalezas fronteiriças, que foram construídas na Itália nos séculos XVI e até XVII. dentro de um prazo extremamente curto.

Quase todos os arquitetos mais proeminentes desse período participaram da construção dessas fortalezas: Giuliano e Antonio da Sangallo, o Velho, Sanmicheli, Michelangelo e muitos outros. Entre as muitas fortalezas erguidas por Antonio da Sangallo, o Jovem, destaca-se a cidade de Castro junto ao lago Bolsena, construída em 1534-1546. por ordem do Papa Paulo III (Alessandro Farnese). Sangallo projetou e implementou toda a cidade, destacando e colocando especialmente os palácios do papa e sua comitiva, edifícios públicos com galerias espaçosas, uma igreja, uma casa da moeda. De resto, segundo Vasari, ele também conseguiu criar amenidades suficientes. Castro foi destruído em 1649 e é conhecido principalmente pelos esboços do mestre.

A composição cêntrica das cidades ideais não foi ignorada pelos arquitetos que criaram grandes conjuntos arquitetônicos, onde a residência do senhor feudal deveria dominar. Assim, a cidade de Caprarola foi criada por Vignola, na verdade - apenas a abordagem ao Palácio Farnese. Ruas estreitas, casas baixas, pequenas igrejas - como se estivesse ao pé do magnífico castelo de Farnese. A estrangulamento e a modéstia da vila realçam a grandiosidade e a monumentalidade do palácio. Este esquema logicamente simples expressa com a maior clareza a intenção do autor, que conseguiu mostrar o principal e o secundário na combinação contrastante, tão comum na arquitetura do Renascimento.

Quase simultaneamente em Malta, que pertencia à Ordem dos Cavaleiros de Malta desde 1530, os italianos construíram a cidade fortificada de La Valletta, fundada em homenagem à vitória sobre os turcos (1566). A cidade foi fundada sobre um cabo banhado por baías profundamente cortadas no território da ilha e protegida por fortes que emolduram as entradas do porto. Do ponto de vista da defesa, o território da cidade foi escolhido no mais alto grau razoavelmente. O cinturão de fortificações consistia em poderosas muralhas e altos baluartes, cercados por fossos profundos esculpidos na rocha sobre a qual a cidade repousava. Nas estruturas defensivas, foram dispostas saídas diretas para o mar, e foi criado um porto interno artificial na parte nordeste, encerrado em um anel de muralhas da cidade. A planta retangular inicialmente concebida não foi totalmente implementada, pois a cidade tinha um alicerce rochoso, o que dificultava o traçado das ruas e a construção das próprias casas (Fig. 18).

De nordeste a sudoeste, a cidade era cortada pela principal rua longitudinal que ia do portão principal do continente até a praça em frente à cidadela de Valletta. Paralelamente a esta rodovia principal, mais três ruas longitudinais foram dispostas simetricamente em ambos os lados, intersectadas por ruas transversais localizadas perpendicularmente às principais; não eram transitáveis, pois eram escadas esculpidas na rocha. O traçado das ruas foi feito de tal forma que a partir das rodovias longitudinais foi possível observar de cada cruzamento ao longo de quatro ruas que se cruzam em ângulos retos a aparência do inimigo, ou seja, um dos princípios básicos subjacentes ao desenho do ideal cidades foi plenamente observada aqui, em particular expressa por Alberti.

A rigidez geométrica do plano foi amenizada pela forma complexa das estruturas defensivas e pela colocação de vários quarteirões, cuja dimensão dependia do espaço livre nas zonas periféricas da cidade, devido à complexidade do relevo costeiro. e a localização das muralhas da cidade. Valletta foi construída quase simultaneamente com edifícios residenciais muito semelhantes de igual altura, com um pequeno número de janelas em forma de brechas. O edifício percorria o perímetro dos bairros e o restante do território dos blocos residenciais era ajardinado. As casas de esquina tinham necessariamente torres residenciais, equipadas com plataformas defensivas, onde se armazenava um suprimento de pedras e outros meios de proteção contra o inimigo que invadia a cidade.

De fato, Valletta foi uma das primeiras cidades ideais quase completamente realizadas do Renascimento. Sua aparência geral indica que as condições naturais específicas, os objetivos de uma estratégia específica, a comunicação conveniente com os portos e muitas outras condições diretamente ditadas pela vida, tornaram necessário construir uma cidade não na forma de um esquema abstrato com um padrão bizarro. de praças e encruzilhadas, mas na forma de um esquema racional, econômico, bastante ajustado às exigências da realidade no processo de construção.

Em 1564 Bernardo Buontalenti construiu na fronteira norte da Romagna (perto de Forlì) a cidade fortificada de Terra del Sole, um exemplo da realização de uma cidade renascentista ideal com um plano regular. Os contornos das fortificações, o próprio plano da cidade, a localização do centro aproximam-se dos desenhos de Cataneo (Fig. 19).

Bernardo Buontalenti foi um dos mais proeminentes urbanistas e fortificadores do seu tempo, que conseguiu resolver de forma abrangente o problema da construção de uma cidade fortificada. Sua visão abrangente da cidade como um organismo único também é confirmada por seu trabalho em Livorno.

A forma estrelada da fortaleza, os canais de desvio, o traçado ortogonal, a construção axial da praça principal, emoldurada por galerias e sendo a soleira da catedral - tudo isso indica que Livorno é a realização da cidade ideal do Renascimento. Apenas a presença de uma linha sinuosa da costa e o dispositivo do porto violam um pouco a exatidão geométrica do esquema ideal (Fig. 20, 21).

Fig.22. Esquerda - Palma Nuova, 1595; direita - Grammikele (fotografia aérea)

Uma das últimas cidades ideais do Renascimento realizadas na natureza é a cidade fortificada do nordeste veneziano de Palma Nuova. O autor do projeto é desconhecido (presumivelmente Lorini ou Scamozzi). De acordo com Merian, um geógrafo alemão do século XVII, Palma Nuova foi fundada pelos venezianos em 1593 e concluída em 1595.

A planta geral da cidade, cercada por poderosas estruturas defensivas, é um diagrama radial das cidades ideais do Renascimento (Fig. 22) e, segundo o desenho, mais próxima do projeto Lorini de 1592.

O plano de Palma Nuova é de nove esquinas com dezoito ruas radiais que levam a um anel viário localizado muito próximo ao centro; seis deles estão voltados para o quadrado hexagonal principal. A habilidade do autor do projeto é evidente na colocação das ruas, graças às quais a combinação do hexágono do perímetro externo das muralhas e do hexágono da praça central da cidade parece completamente orgânica.

Em frente a cada baluarte e portão de entrada foram desenhadas 12 praças, e no cruzamento do terceiro anel viário com as ruas radiais que não conduzem à praça central, foram criadas mais seis praças intradistritais.

Se o traçado das ruas de Palma Nuova foi realizado quase exatamente de acordo com o projeto, as estruturas defensivas foram erguidas muito mais poderosas do que o previsto. O desenvolvimento da cidade não é muito regular e muito diversificado, mas isso não viola a ordem interna inerente a Palma Nuova.

A centralidade da composição é enfatizada pelos meios mais simples: a praça hexagonal é forrada de vegetação e tinha um mastro no centro em vez do edifício principal não construído, sobre o qual se orientavam os eixos de todas as ruas radiais voltadas para a praça.

Sob a influência das teorias urbanísticas do Renascimento, foi criado o traçado de Grammikele na Sicília, disposto em forma de hexágono em 1693 (Fig. 22).

Em geral, a história do planejamento urbano italiano dos séculos XV-XVI, que nos deixou vários conjuntos arquitetônicos de importância mundial e muitos complexos menores e centros urbanos cheios de charme único, ainda apresenta um quadro bastante misto.

Até a segunda metade do século XV, enquanto as cidades ainda gozavam de alguma independência, as tradições da Idade Média eram fortes no planejamento urbano, embora os arquitetos tentassem dar às cidades existentes uma aparência nova, geralmente mais regular.

A partir de meados do século XV. Juntamente com o cliente público na pessoa da cidade, o cliente individual, que tem os meios, o poder, o gosto e as necessidades individuais, está se tornando cada vez mais importante. O executor não era mais uma oficina, mas um arquiteto. Ainda mais do que o cliente, ele tinha sua própria individualidade, um talento peculiar, um certo credo criativo e poderes significativos do cliente. Portanto, apesar de maior unidade econômica, social e cultural do que na Idade Média, as cidades da Itália daquele período são muito individuais e diferentes.

A partir do segundo quartel do século XVI. Com o desenvolvimento de estados centralizados, com a racionalização da ideia de autocracia, os requisitos para a cidade como organismo integral são cada vez mais claramente delineados.

Todo esse tempo, paralelamente às atividades práticas de arquitetos que construíam apenas por ordem de idosos, a ciência do planejamento urbano foi se desenvolvendo, expressa, via de regra, em tratados sobre cidades ideais, suas fortificações, sobre a beleza de sua composição , e em muitas outras questões relacionadas. No entanto, essas ideias nem sempre foram traduzidas em realidade, de modo que o planejamento urbano praticamente se desenvolveu em duas direções: a construção de vários grandes conjuntos nas cidades existentes e a construção de cidades-fortaleza nos territórios mais vulneráveis ​​de estados e ducados individuais da Itália.

Desde o início do Renascimento, cada elemento da cidade e do conjunto foi pensado de forma complexa, não só do lado funcional, mas também do lado artístico.

Simplicidade e clareza da organização espacial - praças retangulares, muitas vezes de múltiplas proporções, emolduradas por galerias (Carpi, Vigevano, Florença - Piazza Santissima Annunziata); seleção lógica do principal, quando, sem perder sua individualidade, todos os edifícios do conjunto formavam uma composição integral (Pienza, Bolonha, Veneza); uniformidade proporcional e em grande escala das estruturas e espaços que os rodeiam, enfatizando o significado de uma estrutura particular (encenando a catedral de Pienza, uma praça trapezoidal em frente à catedral de Veneza); divisão e combinação de espaços individuais, interligados e subordinados entre si (as praças centrais de Bolonha, Piazza della Signoria em Florença, Piazzetta, Piazza San Marco em Veneza); o uso generalizado de fontes, esculturas e pequenas formas (colunas na Piazzetta, mastros em frente à catedral e o monumento a Colleoni em Veneza, o monumento a Gattamelate em Pádua, a fonte de Netuno em Bolonha, o monumento a Marco Aurélio em o Capitólio em Roma) - estes são os principais métodos de composição do conjunto arquitetônico, amplamente utilizados durante o Renascimento na Itália. E, embora a vida não tenha permitido uma ruptura e reestruturação radical das cidades existentes, os conjuntos centrais de muitas delas receberam um novo visual verdadeiramente renascentista.

Gradualmente, os mestres do Renascimento começaram a lutar pela uniformidade no desenvolvimento de complexos inteiros (Florença, Vigevano, Carpi, Veneza, Roma) e foram mais longe, complicando a composição arquitetônica e espacial e resolvendo os problemas complexos de incluir novos conjuntos representativos em o edifício da cidade (Capitólio, Catedral de São Pedro).

Na segunda metade do século XVI. surgiu uma nova compreensão do conjunto: ele surge em torno de uma estrutura, via de regra, com uma construção simétrica. A simplicidade e clareza das composições antigas são gradualmente substituídas por métodos sofisticados de organização arquitetônica e espacial. A praça é cada vez mais interpretada como um vestíbulo aberto, como um espaço subordinado, abrindo-se em frente aos edifícios representativos da nobreza feudal ou da igreja. Finalmente, há um desejo de levar em conta o movimento do espectador e, consequentemente, introduzir novos elementos de desenvolvimento dinâmico no conjunto (Capitólio em Roma) - uma técnica desenvolvida já na próxima era.

Nas teorias urbanas desenvolvidas pelos arquitetos do Renascimento, mudanças também estão ocorrendo. Se no XV e na primeira metade do século XVI. essas teorias cobriam o problema da cidade de forma abrangente, então na segunda metade do século XVI. os autores se concentram principalmente em questões particulares, sem perder, no entanto, a ideia da cidade como um organismo único.

Vemos que o Renascimento deu impulso não só ao desenvolvimento das ideias urbanísticas, mas também à construção prática de cidades mais convenientes e saudáveis, cidades preparadas para um novo período de existência, para um período de desenvolvimento capitalista. Mas a curta duração dessa época, o rápido declínio econômico e a intensificação da reação feudal, o estabelecimento de um regime monárquico em várias áreas e as conquistas estrangeiras interromperam esse desenvolvimento.

Capítulo “Resultados do desenvolvimento da arquitetura italiana nos séculos XV-XVI”, seção “Arquitetura renascentista na Itália”, enciclopédia “História geral da arquitetura. Volume V. Arquitetura da Europa Ocidental séculos XV-XVI. Renascimento". Editor-chefe: V.F. Marcuson. Autores: V. F. Markuzon (Resultados do desenvolvimento da arquitetura), T.N. Kozina (Planejamento urbano, cidades ideais), A.I. Opochinskaya (Vilas e jardins). Moscou, Stroyizdat, 1967

No início do século 15, houve grandes mudanças na vida e na cultura na Itália. Desde o século XII, os citadinos, comerciantes e artesãos da Itália travaram uma luta heróica contra a dependência feudal. Desenvolvendo o comércio e a produção, os habitantes da cidade gradualmente enriqueceram, se livraram do poder dos senhores feudais e organizaram cidades-estado livres. Essas cidades italianas livres tornaram-se muito poderosas. Seus cidadãos estavam orgulhosos de suas conquistas. A enorme riqueza das cidades italianas independentes fez com que elas florescessem. A burguesia italiana olhava o mundo com outros olhos, acreditava firmemente em si mesma, em sua própria força. Eles eram alheios ao desejo de sofrimento, humildade, rejeição de todas as alegrias terrenas que lhes foram pregadas até agora. Cresceu o respeito pela pessoa terrena que desfruta das alegrias da vida. As pessoas começaram a ter uma atitude ativa em relação à vida, explorar avidamente o mundo, admirar sua beleza. Durante este período, nascem várias ciências, a arte se desenvolve.

Na Itália, muitos monumentos da arte da Roma Antiga foram preservados, então a era antiga foi novamente reverenciada como modelo, a arte antiga tornou-se objeto de admiração. Imitação da antiguidade e deu razão para chamar esse período na arte - Renascimento que significa em francês "Renascimento". Claro, isso não era uma repetição cega e exata da arte antiga, já era arte nova, mas baseada em modelos antigos. O Renascimento italiano é dividido em 3 fases: VIII - XIV séculos - Pré-Renascimento (Proto-Renascimento ou Trecento- com isso.); século XV - início do Renascimento (Quattrocento); final do século 15 - início do século 16 - alto renascimento.

Escavações arqueológicas foram realizadas em toda a Itália, em busca de monumentos antigos. As estátuas, moedas, utensílios e armas recém-descobertos foram cuidadosamente preservados e recolhidos em museus especialmente criados para este fim. Artistas estudaram nessas amostras da antiguidade, extraíram-nas da natureza.

Trecento (Pré-Renascença)

O verdadeiro início do Renascimento está associado ao nome Giotto di Bondone (1266? - 1337). É considerado o fundador da pintura renascentista. O florentino Giotto fez grandes contribuições para a história da arte. Ele foi um renovador, o ancestral de toda a pintura européia após a Idade Média. Giotto deu vida às cenas gospel, criou imagens de pessoas reais, espiritualizadas, mas terrenas.

Giotto pela primeira vez cria volumes com a ajuda do claro-escuro. Ele gosta de cores claras e limpas em tons frios: rosa, cinza pérola, roxo pálido e lilás claro. As pessoas nos afrescos de Giotto são atarracadas, com passos pesados. Eles têm grandes características faciais, maçãs do rosto largas, olhos estreitos. Seu homem é gentil, atencioso, sério.

Das obras de Giotto, os afrescos dos templos de Pádua são os mais bem preservados. Ele apresentou as histórias do evangelho aqui como existentes, terrenas, reais. Nestas obras, ele fala sobre os problemas que preocupam as pessoas em todos os momentos: sobre bondade e compreensão mútua, engano e traição, sobre profundidade, tristeza, mansidão, humildade e amor materno eterno e consumidor.

Em vez de figuras individuais díspares, como na pintura medieval, Giotto conseguiu criar uma história coerente, toda uma narrativa sobre a complexa vida interior dos personagens. Em vez do convencional fundo dourado dos mosaicos bizantinos, Giotto introduz um fundo de paisagem. E se na pintura bizantina as figuras, por assim dizer, pairavam, pendiam no espaço, então os heróis dos afrescos de Giotto encontraram terreno sólido sob seus pés. A busca de Giotto pela transferência do espaço, a plasticidade das figuras, a expressividade do movimento fizeram de sua arte uma etapa inteira no Renascimento.

Um dos famosos mestres do Renascimento -

Simone Martini (1284-1344).

Em sua pintura, as características do gótico do norte foram preservadas: as figuras de Martini são alongadas e, via de regra, sobre um fundo dourado. Mas Martini cria imagens com a ajuda do claro-escuro, dá-lhes um movimento natural, tenta transmitir um certo estado psicológico.

Quattrocento (início do Renascimento)

A antiguidade desempenhou um papel enorme na formação da cultura secular do início do Renascimento. A Academia Platônica abre em Florença, a biblioteca Laurentina contém a mais rica coleção de manuscritos antigos. Surgem os primeiros museus de arte, repletos de estátuas, fragmentos de arquitetura antiga, mármores, moedas e cerâmicas. No Renascimento, destacaram-se os principais centros da vida artística da Itália - Florença, Roma, Veneza.

Um dos maiores centros, berço de uma nova arte realista, foi Florença. No século XV, muitos mestres famosos do Renascimento viveram, estudaram e trabalharam lá.

Arquitetura do início do Renascimento

Os habitantes de Florença tinham uma alta cultura artística, participavam ativamente da criação de monumentos da cidade e discutiam opções para a construção de belos edifícios. Os arquitetos abandonaram tudo que se assemelhasse ao gótico. Sob a influência da antiguidade, os edifícios coroados com uma cúpula começaram a ser considerados os mais perfeitos. O modelo aqui foi o Panteão Romano.

Florença é uma das cidades mais bonitas do mundo, uma cidade-museu. Ele preservou sua arquitetura da antiguidade quase intacta, seus edifícios mais bonitos foram construídos principalmente durante o Renascimento. Acima dos telhados de tijolos vermelhos dos antigos edifícios de Florença ergue-se o enorme edifício da catedral da cidade Santa Maria del Fiore, que é muitas vezes referido simplesmente como Catedral de Florença. Sua altura atinge 107 metros. Uma magnífica cúpula, cuja harmonia é enfatizada por nervuras de pedra branca, coroa a catedral. A cúpula é impressionante em tamanho (seu diâmetro é de 43 m), coroa todo o panorama da cidade. A catedral é visível de quase todas as ruas de Florença, aparecendo claramente contra o céu. Esta magnífica estrutura foi construída pelo arquiteto

Filippo Brunelleschi (1377-1446).

O edifício abobadado mais magnífico e famoso do Renascimento foi Basílica de São Pedro em Roma. Foi construído ao longo de 100 anos. Os criadores do projeto original foram arquitetos Bramante e Michelangelo.

Os edifícios renascentistas são decorados com colunas, pilastras, cabeças de leão e "putti"(bebês nus), grinaldas de gesso de flores e frutas, folhas e muitos detalhes, amostras dos quais foram encontrados nas ruínas de antigos edifícios romanos. De volta à moda arco semicircular. As pessoas ricas começaram a construir casas mais bonitas e confortáveis. Em vez de casas apertadas umas às outras, pareciam luxuosas palácios - palácio.

Escultura do início do Renascimento

No século XV, dois famosos escultores trabalharam em Florença - Donatello e Verrocchio.Donatello (1386? - 1466)- um dos primeiros escultores da Itália, que usou a experiência da arte antiga. Ele criou uma das melhores obras do início do Renascimento - a estátua de David.

Segundo a lenda bíblica, um simples pastor, o jovem Davi derrotou o gigante Golias, e assim salvou os habitantes da Judéia da escravidão e mais tarde se tornou rei. David era uma das imagens favoritas do Renascimento. Ele é retratado pelo escultor não como um santo humilde da Bíblia, mas como um jovem herói, vencedor, defensor de sua cidade natal. Em sua escultura, Donatello canta o homem como o ideal de uma bela personalidade heróica que surgiu no Renascimento. David é coroado com a coroa de louros do vencedor. Donatello não teve medo de introduzir um detalhe como um chapéu de pastor - um sinal de sua origem simples. Na Idade Média, a igreja proibia a representação de um corpo nu, considerando-o um vaso do mal. Donatello foi o primeiro mestre que violou corajosamente essa proibição. Ele afirma com isso que o corpo humano é belo. A estátua de David é a primeira escultura redonda naquela época.

Outra bela escultura de Donatello também é conhecida - uma estátua de um guerreiro , comandante de Gattamelata. Foi o primeiro monumento equestre do Renascimento. Criado há 500 anos, este monumento ainda está em um pedestal alto, decorando a praça da cidade de Pádua. Pela primeira vez, não um deus, nem um santo, nem um homem nobre e rico foi imortalizado na escultura, mas um nobre, valente e formidável guerreiro de grande alma, que merecia fama por grandes feitos. Vestido com uma armadura antiga, Gattemelata (este é seu apelido, que significa "gato manchado") senta-se em um poderoso cavalo em uma pose calma e majestosa. Os traços do rosto do guerreiro enfatizam um caráter firme e decidido.

Andrea Verrocchio (1436-1488)

O aluno mais famoso de Donatello, que criou o famoso monumento equestre ao condottiere Colleoni, que foi colocado em Veneza na praça perto da igreja de San Giovanni. A principal coisa que impressiona no monumento é o movimento energético conjunto do cavalo e do cavaleiro. O cavalo, por assim dizer, corre para além do pedestal de mármore sobre o qual o monumento está erguido. Colleoni, de pé nos estribos, esticou-se, erguendo a cabeça, espreita ao longe. Uma careta de raiva e tensão congelou em seu rosto. Em sua postura, sente-se uma enorme vontade, seu rosto lembra uma ave de rapina. A imagem está cheia de força indestrutível, energia, autoridade dura.

pintura do início do renascimento

O Renascimento também atualizou a arte da pintura. Os pintores aprenderam a transmitir corretamente o espaço, luz e sombra, poses naturais, vários sentimentos humanos. Foi o início do Renascimento que foi o momento de acumulação desse conhecimento e habilidades. As pinturas da época estão imbuídas de luz e alto astral. O fundo é muitas vezes pintado em cores claras, enquanto os edifícios e motivos naturais são delineados com linhas nítidas, predominando as cores puras. Com diligência ingênua, todos os detalhes do evento são retratados, os personagens são mais frequentemente alinhados e separados do fundo por contornos claros.

A pintura do início do Renascimento apenas buscava a perfeição, no entanto, graças à sua sinceridade, toca a alma do espectador.

Tommaso di Giovanni di Simone Cassai Guidi, conhecido pelo nome Masaccio (1401 - 1428)

Ele é considerado um seguidor de Giotto e o primeiro mestre da pintura do início do Renascimento. Masaccio viveu apenas 28 anos, mas em uma vida tão curta deixou uma marca na arte difícil de superestimar. Ele conseguiu completar as transformações revolucionárias na pintura iniciadas por Giotto. Sua pintura se distingue por uma cor escura e profunda. As pessoas nos afrescos de Masaccio são muito mais densas e poderosas do que nas pinturas da era gótica.

Masaccio foi o primeiro a organizar corretamente os objetos no espaço, levando em conta a perspectiva; ele começou a retratar as pessoas de acordo com as leis da anatomia.

Ele soube unir figuras e paisagens em uma única ação, para transmitir a vida da natureza e das pessoas de forma dramática e ao mesmo tempo bastante natural - e esse é o grande mérito do pintor.

Esta é uma das poucas obras de cavalete encomendadas por Masaccio em 1426 para a capela da igreja de Santa Maria del Carmine em Pisa.

A Madonna senta-se em um trono construído estritamente de acordo com as leis da perspectiva de Giotto. Sua figura é escrita com traços confiantes e claros, o que cria a impressão de um volume escultural. Seu rosto está calmo e triste, seu olhar distante não se dirige a lugar algum. Envolta em um manto azul-escuro, a Virgem Maria segura o Menino nos braços, cuja figura dourada se destaca nitidamente sobre um fundo escuro. As dobras profundas do manto permitem que o artista brinque com o claro-escuro, o que também cria um efeito visual especial. O bebê come uvas pretas - um símbolo de comunhão. Anjos impecavelmente desenhados (o artista conhecia perfeitamente a anatomia humana) ao redor da Madona dão à imagem um som emocional adicional.

A única faixa pintada por Masaccio para um tríptico de dupla face. Após a morte precoce do pintor, o restante da obra, encomendada pelo Papa Martinho V para a igreja de Santa Maria em Roma, foi concluída pelo artista Masolino. Retrata duas figuras estritas e monumentalmente executadas de santos vestidos de vermelho. Jerônimo segura um livro aberto e uma maquete da basílica, um leão está a seus pés. João Batista é retratado em sua forma usual: ele está descalço e segura uma cruz na mão. Ambas as figuras impressionam pela precisão anatômica e uma sensação de volume quase escultural.

O interesse por uma pessoa, a admiração por sua beleza eram tão grandes no Renascimento que isso levou ao surgimento de um novo gênero na pintura - o gênero retrato.

Pinturicchio (variante de Pinturicchio) (1454 - 1513) (Bernardino di Betto di Biagio)

Natural de Perugia, na Itália. Por algum tempo pintou miniaturas, ajudou Pietro Perugino a decorar a Capela Sistina em Roma com afrescos. Adquiriu experiência na forma mais complexa de pintura mural decorativa e monumental. Alguns anos depois, Pinturicchio tornou-se um muralista independente. Ele trabalhou em afrescos nos apartamentos Borgia no Vaticano. Ele fez pinturas de parede na biblioteca da catedral de Siena.

O artista não apenas transmite uma semelhança de retrato, mas procura revelar o estado interior de uma pessoa. Diante de nós está um adolescente, vestido com um rigoroso vestido cor-de-rosa da cidade, com um pequeno gorro azul na cabeça. O cabelo castanho cai até os ombros, emoldurando um rosto delicado, o olhar atento dos olhos castanhos é pensativo, um pouco ansioso. Atrás do menino há uma paisagem da Úmbria com árvores ralas, um rio prateado, um céu ficando rosa no horizonte. A ternura primaveril da natureza, como eco do caráter do herói, está em harmonia com a poesia e o encanto do herói.

A imagem do menino é dada em primeiro plano, grande e ocupa quase todo o plano do quadro, e a paisagem é pintada ao fundo e bem pequena. Isso cria a impressão do significado do homem, seu domínio sobre a natureza circundante, afirma que o homem é a criação mais bela da terra.

Aqui é apresentada a partida solene do Cardeal Kapranik para a Catedral de Basileia, que durou quase 18 anos, de 1431 a 1449, primeiro em Basileia e depois em Lausanne. O jovem Piccolomini também estava na comitiva do cardeal. Numa elegante moldura de arco semicircular, apresenta-se um grupo de cavaleiros, acompanhados por pajens e criados. O evento não é tão real e confiável, mas cavalheirescamente refinado, quase fantástico. Em primeiro plano, um belo cavaleiro em um cavalo branco, em um vestido e chapéu luxuosos, virando a cabeça, olha para o espectador - este é Enéias Silvio. Com prazer o artista escreve roupas ricas, belos cavalos em mantas de veludo. As proporções alongadas das figuras, movimentos ligeiramente maneiráveis, ligeiras inclinações da cabeça aproximam-se do ideal de corte. A vida do Papa Pio II foi cheia de acontecimentos brilhantes, e Pinturicchio falou sobre os encontros do Papa com o Rei da Escócia, com o Imperador Frederico III.

Filippo Lippi (1406 - 1469)

Havia lendas sobre a vida de Lippi. Ele próprio era monge, mas deixou o mosteiro, tornou-se artista errante, raptou uma freira do mosteiro e morreu envenenado pelos parentes de uma jovem por quem se apaixonou em idade avançada.

Ele pintou imagens da Madona e do Menino, cheias de sentimentos e experiências humanas vivas. Em suas pinturas, ele retratou muitos detalhes: utensílios domésticos, o meio ambiente, então seus temas religiosos eram semelhantes às pinturas seculares.

Domenico Ghirlandaio (1449 - 1494)

Ele pintou não apenas temas religiosos, mas também cenas da vida da nobreza florentina, sua riqueza e luxo, retratos de pessoas nobres.

Diante de nós está a esposa de um rico florentino, amigo do artista. Nessa jovem não muito bonita e luxuosamente vestida, o artista expressava calma, um momento de quietude e silêncio. A expressão no rosto da mulher é fria, indiferente a tudo, parece que ela prevê sua morte iminente: logo depois de pintar o retrato, ela morrerá. A mulher é retratada de perfil, o que é típico de muitos retratos da época.

Piero della Francesca (1415/1416 - 1492)

Um dos nomes mais significativos da pintura italiana do século XV. Ele completou inúmeras transformações nos métodos de construção da perspectiva de um espaço pitoresco.

O quadro foi pintado em uma placa de álamo em têmpera de ovo - obviamente, a essa altura o artista ainda não dominava os segredos da pintura a óleo, em cuja técnica seus trabalhos posteriores seriam pintados.

O artista captou a manifestação do mistério da Santíssima Trindade no momento do Batismo de Cristo. A pomba branca, abrindo suas asas sobre a cabeça de Cristo, simboliza a descida do Espírito Santo sobre o Salvador. As figuras de Cristo, João Batista e os anjos ao lado deles são pintadas em cores discretas.
Seus afrescos são solenes, sublimes e majestosos. Francesca acreditava no alto destino do homem e em suas obras as pessoas sempre fazem coisas maravilhosas. Ele usou sutis e suaves transições de cores. Francesca foi a primeira a pintar en plein air (no ar).

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arte renascentista

Renascimento- este é o auge de todas as artes, incluindo o teatro, a literatura e a música, mas, sem dúvida, a principal delas, que expressou mais plenamente o espírito de seu tempo, foram as belas artes.

Não é por acaso que existe uma teoria de que o Renascimento começou com o fato de que os artistas não estavam mais satisfeitos com o enquadramento do estilo "bizantino" dominante e, em busca de modelos para seu trabalho, foram os primeiros a recorrer a à antiguidade. O termo "Renascimento" (Renascimento) foi introduzido pelo pensador e artista da própria época, Giorgio Vasari ("Biografia de pintores, escultores e arquitetos famosos"). Então ele chamou o tempo de 1250 a 1550. Do seu ponto de vista, este foi o momento do renascimento da antiguidade. Para Vasari, a antiguidade aparece de forma ideal.

No futuro, o conteúdo do termo evoluiu. O renascimento passou a significar a emancipação da ciência e da arte da teologia, um esfriamento em relação à ética cristã, o nascimento das literaturas nacionais, o desejo do homem de se libertar das restrições da Igreja Católica. Ou seja, o Renascimento, em essência, passou a significar humanismo.

RENASCIMENTO, RENASCIMENTO(Renascimento francês - renascimento) - uma das maiores eras, um ponto de virada no desenvolvimento da arte mundial entre a Idade Média e o novo tempo. O Renascimento abrange os séculos XIV-XVI. na Itália, séculos XV-XVI. em outros países europeus. Este período no desenvolvimento da cultura recebeu seu nome - Renascimento (ou Renascimento) em conexão com o renascimento do interesse pela arte antiga. No entanto, os artistas da época não apenas copiaram padrões antigos, mas também colocaram um conteúdo qualitativamente novo neles. O Renascimento não deve ser considerado um estilo ou direção artística, pois nessa época havia vários estilos artísticos, tendências, correntes. O ideal estético do Renascimento foi formado com base em uma nova visão de mundo progressista - o humanismo. O mundo real e o homem foram proclamados o valor mais alto: o homem é a medida de todas as coisas. O papel da pessoa criativa aumentou especialmente.

O pathos humanista da época foi melhor incorporado na arte, que, como nos séculos anteriores, visava dar uma imagem do universo. O que era novo era que eles tentavam unir o material e o espiritual em um todo. Era difícil encontrar uma pessoa indiferente à arte, mas dava-se preferência às artes plásticas e à arquitetura.

pintura italiana do século 15 principalmente monumental (frescos). A pintura ocupa um lugar de destaque entre os tipos de artes plásticas. Corresponde mais plenamente ao princípio renascentista de "imitar a natureza". Um novo sistema visual é formado com base no estudo da natureza. O artista Masaccio deu uma valiosa contribuição para o desenvolvimento da compreensão do volume, sua transmissão com a ajuda do claro-escuro. A descoberta e fundamentação científica das leis da perspectiva linear e aérea influenciaram significativamente o futuro da pintura européia. Uma nova linguagem plástica da escultura está se formando, seu fundador foi Donatello. Ele reviveu a estátua redonda independente. Seu melhor trabalho é a escultura de David (Florença).

Na arquitetura, ressuscitam-se os princípios do antigo sistema de ordem, aumenta-se a importância das proporções, formam-se novos tipos de edifícios (palácio da cidade, vila de campo, etc.), a teoria da arquitetura e o conceito de cidade ideal são sendo desenvolvido. O arquiteto Brunelleschi construiu edifícios nos quais combinou a antiga compreensão da arquitetura e as tradições do gótico tardio, alcançando uma nova espiritualidade figurativa da arquitetura, desconhecida dos antigos. Durante o alto Renascimento, a nova visão de mundo foi melhor incorporada no trabalho de artistas que são legitimamente chamados de gênios: Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo, Giorgione e Ticiano. Os dois últimos terços do século XVI chamado de Renascimento tardio. Neste momento, a crise abrange a arte. Torna-se regulado, cortês, perde seu calor e naturalidade. No entanto, grandes artistas individuais - Ticiano, Tintoretto continuam a criar obras-primas durante este período.

O Renascimento italiano teve um enorme impacto na arte da França, Espanha, Alemanha, Inglaterra e Rússia.

O aumento no desenvolvimento da arte da Holanda, França e Alemanha (séculos XV-XVI) é chamado de Renascimento do Norte. A obra dos pintores Jan van Eyck, P. Brueghel, o Velho, é o auge deste período no desenvolvimento da arte. Na Alemanha, A. Dürer foi o maior artista do Renascimento alemão.

As descobertas feitas durante o Renascimento no campo da cultura espiritual e da arte foram de grande importância histórica para o desenvolvimento da arte européia nos séculos seguintes. O interesse por eles continua até hoje.

O Renascimento na Itália passou por várias etapas: início do Renascimento, alto Renascimento, final do Renascimento. Florença tornou-se o berço do Renascimento. Os fundamentos da nova arte foram desenvolvidos pelo pintor Masaccio, o escultor Donatello e o arquiteto F. Brunelleschi.

O primeiro a criar pinturas em vez de ícones foi o maior mestre do Proto-Renascimento Giotto. Ele foi o primeiro a se esforçar para transmitir ideias éticas cristãs através da representação de sentimentos e experiências humanas reais, substituindo o simbolismo pela representação do espaço real e objetos específicos. Nos famosos afrescos de Giotto em Capela da Arena em Pádua você pode ver personagens bastante incomuns ao lado dos santos: pastores ou um fiandeiro. Cada pessoa individual em Giotto expressa experiências bem definidas, um caráter definido.

Na era do início do Renascimento na arte, ocorre o desenvolvimento da herança artística antiga, novos ideais éticos são formados, os artistas se voltam para as conquistas da ciência (matemática, geometria, óptica, anatomia). O papel principal na formação dos princípios ideológicos e estilísticos da arte do início do Renascimento é desempenhado por Florença. Nas imagens criadas por mestres como Donatello, Verrocchio, a estátua equestre do condottiere Gattamelata David de Donatello domina os princípios heróicos e patrióticos ("São Jorge" e "Davi" de Donatello e "David" de Verrocchio).

Masaccio foi o fundador da pintura renascentista.(murais na Capela Brancacci, "Trinity"), Masaccio conseguiu transmitir a profundidade do espaço, conectou a figura e a paisagem com uma única ideia composicional e deu expressividade ao retrato dos indivíduos.

Mas a formação e evolução do retrato pictórico, que refletia o interesse da cultura renascentista pelo homem, estão associadas aos nomes dos artistas da escola Umrbi: Piero della Francesca, Pinturicchio.

A obra do artista destaca-se no início do Renascimento Sandro Botticelli. As imagens que ele criou são espiritualizadas e poéticas. Pesquisadores observam a abstração e o intelectualismo refinado nas obras do artista, seu desejo de criar composições mitológicas com conteúdo complicado e criptografado (“Primavera”, “O Nascimento de Vênus”). perda, causando-nos um sentimento de tristeza indelével... Alguns deles perderam o céu, outros - a terra.

"Primavera" "Nascimento de Vênus"

A culminação no desenvolvimento dos princípios ideológicos e artísticos do Renascimento italiano é Alta Renascença. O fundador da arte do Alto Renascimento é Leonardo da Vinci, um grande artista e cientista.

Ele criou uma série de obras-primas: “Mona Lisa” (“La Gioconda”) A rigor, o próprio rosto da Gioconda se distingue pela contenção e calma, o sorriso que criou sua fama mundial e que mais tarde se tornou parte indispensável das obras da escola de Leonardo é quase imperceptível nela. Mas na névoa suavemente derretida que envolve o rosto e a figura, Leonardo conseguiu fazer sentir a variabilidade ilimitada das expressões faciais humanas. Embora os olhos de Gioconda olhem com atenção e calma para o espectador, devido ao sombreamento de suas órbitas, pode-se pensar que eles estão levemente franzidos; seus lábios estão comprimidos, mas sombras quase imperceptíveis são delineadas perto de seus cantos, que fazem você acreditar que a cada minuto eles vão se abrir, sorrir, falar. O próprio contraste entre seu olhar e o meio sorriso em seus lábios dá uma ideia da natureza contraditória de suas experiências. Não foi em vão que Leonardo torturou seu modelo com longas sessões. Como ninguém, ele conseguiu transmitir sombras, sombras e meios-tons nesta imagem, e eles dão origem a uma sensação de vida trêmula. Não é à toa que Vasari pensou que no pescoço da Mona Lisa você pode ver como uma veia está batendo.

No retrato de Gioconda, Leonardo não apenas transmitia perfeitamente o corpo e o ambiente aéreo que o envolvia. Ele também colocou nele uma compreensão do que o olho precisa para que uma imagem produza uma impressão harmoniosa, e é por isso que tudo parece que as formas nascem naturalmente umas das outras, como acontece na música quando uma dissonância tensa é resolvida por um acorde harmonioso. Gioconda está perfeitamente inscrita em um retângulo estritamente proporcional, sua meia-figura forma algo inteiro, as mãos dobradas dão a sua imagem completude. Agora, é claro, não poderia haver dúvidas sobre os cachos bizarros da Anunciação inicial. No entanto, por mais suavizados que sejam todos os contornos, a mecha ondulada do cabelo da Gioconda está em sintonia com o véu transparente, e o tecido pendurado sobre o ombro encontra eco nas curvas suaves da estrada distante. Em tudo isso, Leonardo mostra sua capacidade de criar de acordo com as leis do ritmo e da harmonia. “Em termos de técnica, Mona Lisa sempre foi considerada algo inexplicável. Agora acho que posso responder a esse enigma”, diz Frank. Segundo ele, Leonardo usou a técnica que desenvolveu "sfumato" (italiano "sfumato", literalmente - "desapareceu como fumaça"). O truque é que os objetos nas pinturas não devem ter limites claros, tudo deve estar em transição suave de um para o outro, os contornos dos objetos são suavizados com a ajuda da neblina de luz ao redor deles. A principal dificuldade dessa técnica está nos traços menores (cerca de um quarto de milímetro) que não são acessíveis para reconhecimento ao microscópio ou ao uso de raios-X. Assim, foram necessárias várias centenas de sessões para pintar uma pintura de Da Vinci. A imagem da Mona Lisa consiste em cerca de 30 camadas de tinta a óleo líquida, quase transparente. Para tal trabalho de joalheria, o artista aparentemente teve que usar uma lupa. Talvez o uso de uma técnica tão trabalhosa explique o longo tempo gasto trabalhando no retrato - quase 4 anos.

, "A última Ceia" deixa uma impressão duradoura. Na parede, como que superando e levando o espectador ao mundo da harmonia e das visões majestosas, o antigo drama gospel da confiança enganada se desenrola. E esse drama encontra sua resolução em um impulso geral dirigido ao personagem principal - um marido de rosto triste, que aceita o que está acontecendo como inevitável. Cristo acabara de dizer a seus discípulos: "Um de vocês me trairá". O traidor senta-se com os outros; os velhos mestres retratavam Judas sentado separadamente, mas Leonardo destacou seu sombrio isolamento de forma muito mais convincente, encobrindo suas feições com uma sombra. Cristo é submisso ao seu destino, cheio de consciência do sacrifício de sua façanha. Sua cabeça inclinada com os olhos abaixados, o gesto de suas mãos são infinitamente belos e majestosos. Uma paisagem encantadora se abre pela janela atrás de sua figura. Cristo é o centro de toda a composição, de todo aquele turbilhão de paixões que se agitam. Sua tristeza e calma são, por assim dizer, eternas, naturais - e este é o significado profundo do drama mostrado. Ele estava procurando as fontes de formas perfeitas de arte na natureza, mas N. Berdyaev o considera responsável pelo processo vindouro de mecanização e mecanização da vida humana, que separou uma pessoa da natureza.

A pintura alcança a harmonia clássica na criatividade Rafael. Sua arte evolui das primeiras imagens frias da Úmbria de Madonnas (Madonna Conestabile) para o mundo do "feliz cristianismo" de obras florentinas e romanas. "Madonna com um Pintassilgo" e "Madonna em uma Poltrona" são suaves, humanas e até comuns em sua humanidade.

Mas a imagem da "Madona Sistina" é majestosa, conectando simbolicamente os mundos celestial e terreno. Acima de tudo, Raphael é conhecido como o criador de imagens suaves de Madonas. Mas na pintura, ele incorporou tanto o ideal do homem universal renascentista (retrato de Castiglione), quanto o drama dos eventos históricos. A Madona Sistina (c. 1513, Dresden, Galeria de Arte) é uma das obras mais inspiradas do artista. Escrito como um retábulo para a igreja do mosteiro de St. Sisto em Piacenza, esta pintura, em termos de desenho, composição e interpretação da imagem, difere significativamente das Madonas do período florentino. Em vez de uma imagem íntima e terrena de uma bela jovem donzela seguindo condescendentemente as diversões de dois bebês, aqui temos uma visão maravilhosa que apareceu de repente no céu por causa de uma cortina puxada por alguém. Rodeada por um brilho dourado, solene e majestoso, Maria caminha entre as nuvens, segurando o Menino Jesus à sua frente. Esquerda e direita se ajoelham diante de seu St. Sisto e S. Bárbara. A composição simétrica e rigorosamente equilibrada, a clareza da silhueta e a monumental generalização das formas conferem à Madona Sistina uma grandeza especial.

Nesta foto, Rafael, talvez em maior medida do que em qualquer outro lugar, conseguiu combinar a veracidade da imagem com as características da perfeição ideal. A imagem da Madonna é complexa. A comovente pureza e ingenuidade de uma mulher muito jovem combinam-se nele com firme determinação e prontidão heróica para o sacrifício. Este heroísmo faz com que a imagem da Madona se aproxime das melhores tradições do humanismo italiano. A combinação do ideal e do real nesta foto traz à mente as conhecidas palavras de Rafael em uma carta ao seu amigo B. Castiglione. “E vou te dizer”, escreveu Raphael, “que para escrever uma beleza preciso ver muitas belezas... . Se tem alguma perfeição, não sei, mas me esforço muito para alcançá-la. Essas palavras lançam luz sobre o método criativo do artista. Partindo da realidade e apoiando-se nela, ao mesmo tempo procura elevar a imagem acima de tudo o que é acidental e transitório.

Michelangelo(1475-1564) - sem dúvida um dos artistas mais inspirados da história da arte e, junto com Leonardo da Vinci, a figura mais poderosa do alto renascimento italiano. Como escultor, arquiteto, pintor e poeta, Michelangelo teve uma enorme influência em seus contemporâneos e na arte ocidental posterior em geral.

Ele se considerava florentino - embora tenha nascido em 6 de março de 1475 na pequena aldeia de Caprese, perto da cidade de Arezzo. Michelangelo amava profundamente sua cidade, sua arte, cultura e carregou esse amor até o fim de seus dias. Ele passou a maior parte de sua maturidade em Roma, trabalhando para os papas; no entanto, deixou um testamento, segundo o qual seu corpo foi sepultado em Florença, em um belo túmulo na igreja de Santa Croce.

Michelangelo completou a escultura de mármore Pietá(Lamentação de Cristo) (1498-1500), que ainda se encontra na sua localização original - na Catedral de São Pedro. Esta é uma das obras mais famosas da história da arte mundial. A pieta provavelmente foi concluída por Michelangelo antes de completar 25 anos. Este é o único trabalho que ele assinou. A jovem Maria é retratada com o Cristo morto de joelhos, uma imagem emprestada da arte do norte da Europa. O olhar de Mary não é tão triste quanto solene. Este é o ponto mais alto da criatividade do jovem Michelangelo.

Não menos significativo trabalho do jovem Michelangelo foi uma imagem de mármore gigante (4,34 m) Davi(Academia, Florença), executado entre 1501 e 1504, após retornar a Florença. O herói do Antigo Testamento é retratado por Michelangelo na forma de um jovem bonito, musculoso e nu que olha ansiosamente para longe, como se avaliasse seu inimigo - Golias, com quem ele tem que lutar. A expressão viva e tensa do rosto de David é característica de muitas das obras de Michelangelo - isso é um sinal de sua maneira escultural individual. O David, a escultura mais famosa de Michelangelo, tornou-se um símbolo de Florença e foi originalmente colocado na Piazza della Signoria, em frente ao Palazzo Vecchio, a prefeitura florentina. Com esta estátua, Michelangelo provou aos seus contemporâneos que ele não só superou todos os artistas contemporâneos, mas também os mestres da antiguidade.

Pintura na abóbada da Capela Sistina Em 1505, Michelangelo foi convocado a Roma pelo Papa Júlio II para cumprir duas ordens. A mais importante foi a pintura a fresco da abóbada da Capela Sistina. Trabalhando deitado em andaimes altos logo abaixo do teto, Michelangelo criou as mais belas ilustrações para algumas histórias bíblicas entre 1508 e 1512. Na abóbada da capela papal, ele retratou nove cenas do Livro do Gênesis, começando com a Separação da Luz das Trevas e incluindo a Criação de Adão, a Criação de Eva, a Tentação e Queda de Adão e Eva e o Dilúvio. . Em torno das pinturas principais alternam-se imagens de profetas e sibilas em tronos de mármore, outros personagens do Antigo Testamento e os antepassados ​​de Cristo.

Para se preparar para este grande trabalho, Michelangelo fez um grande número de esboços e cartolinas, nos quais retratou as figuras dos assistentes em várias poses. Essas imagens régias e poderosas provam a compreensão magistral do artista da anatomia e do movimento humano, que deu impulso a uma nova direção na arte da Europa Ocidental.

Duas outras estátuas excelentes, Prisioneiro amarrado e morte de um escravo(ambos c. 1510-13) estão no Louvre, Paris. Eles demonstram a abordagem de Michelangelo à escultura. Para ele, as figuras estão simplesmente encerradas no bloco de mármore, cabendo ao artista libertá-las retirando o excesso de pedra. Muitas vezes Michelangelo deixou as esculturas inacabadas, seja porque não eram mais necessárias ou simplesmente porque perderam o interesse pelo artista.

Biblioteca de San Lorenzo O projeto da tumba de Júlio II exigia estudo arquitetônico, mas o trabalho sério de Michelangelo no campo arquitetônico começou apenas em 1519, quando foi encarregado de fachada da Biblioteca de São Lourenço em Florença, onde o artista retornou novamente ( este projeto nunca foi implementado). Na década de 1520, ele também projetou o elegante hall de entrada da Biblioteca adjacente à igreja de San Lorenzo. Essas estruturas foram concluídas apenas algumas décadas após a morte do autor.

Michelangelo, um adepto da facção republicana, participou nos anos 1527-29 na guerra contra os Medici. Suas responsabilidades incluíam a construção e reconstrução das fortificações de Florença.

Capelas Médici. Depois de viver em Florença por um período bastante longo, Michelangelo completou entre 1519 e 1534 a comissão da família Medici para erguer dois túmulos na nova sacristia da igreja de San Lorenzo. Em um salão com uma abóbada alta abobadada, o artista erigiu dois túmulos magníficos contra as paredes, destinados a Lorenzo De Medici, duque de Urbino e a Giuliano De Medici, duque de Nemours. Duas sepulturas complexas foram concebidas como representações de tipos opostos: Lorenzo - uma pessoa fechada em si mesma, uma pessoa pensativa, retraída; Giuliano, ao contrário, é ativo, aberto. Acima do túmulo de Lorenzo, o escultor colocou esculturas alegóricas da Manhã e da Noite, e acima do túmulo de Giuliano - alegorias do Dia e da Noite. O trabalho nas tumbas dos Medici continuou depois que Michelangelo retornou a Roma em 1534. Ele nunca mais visitou sua amada cidade.

Juízo Final

De 1536 a 1541, Michelangelo trabalhou em Roma na pintura da parede do altar da Capela Sistina, no Vaticano. O maior afresco da Renascença retrata o dia do Juízo Final. Cristo, com um relâmpago de fogo na mão, divide inexoravelmente todos os habitantes da terra entre os justos salvos, representados no lado esquerdo da composição, e os pecadores descendo para O inferno de Dante (lado esquerdo do afresco). Seguindo rigorosamente sua própria tradição, Michelangelo originalmente pintou todas as figuras nuas, mas uma década depois algum artista puritano as "vestiu" conforme o clima cultural se tornava mais conservador. Michelangelo deixou seu próprio autorretrato no afresco - seu rosto é facilmente adivinhado na pele rasgada do Santo Mártir Apóstolo Bartolomeu.

Embora durante esse período Michelangelo tenha outras encomendas pictóricas, como a pintura da capela de São Paulo Apóstolo (1940), em primeiro lugar ele tentou dedicar todas as suas forças à arquitetura.

Cúpula da Catedral de São Pedro. Em 1546, Michelangelo foi nomeado arquiteto-chefe da Catedral de São Pedro, no Vaticano, que estava em construção. O edifício foi construído de acordo com o plano de Donato Bramante, mas Michelangelo acabou se tornando responsável pela construção da abside do altar e pelo desenvolvimento da solução de engenharia e artística para a cúpula da catedral. A conclusão da construção da Catedral de São Pedro foi a maior conquista do mestre florentino no campo da arquitetura. Durante sua longa vida, Michelangelo foi amigo íntimo de príncipes e papas, de Lorenzo de Medici a Leão X, Clemente VIII e Pio III, além de muitos cardeais, pintores e poetas. O caráter do artista, sua posição na vida é difícil de entender inequivocamente através de suas obras - elas são tão diversas. Exceto talvez na poesia, em seus próprios poemas, Michelangelo voltou-se com mais frequência e profundidade para questões de criatividade e seu lugar na arte. Um grande lugar em seus poemas é dado aos problemas e dificuldades que ele teve que enfrentar em sua obra e às relações pessoais com os representantes mais proeminentes da época. Um dos poetas mais famosos do Renascimento, Ludovico Ariosto escreveu um epitáfio para este famoso artista: "Michele é mais que um mortal Ele é um anjo divino."