Ajuda na Tele2, tarifas, dúvidas

Com o termo "primitivismo" na pintura, nem tudo é tão simples. Em primeiro lugar, os historiadores da arte nem sempre concordam na decifração de seu significado. Além disso, tudo é agravado pela presença de sinônimos com os quais pode ser designado. Ou não são sinônimos - dependendo de qual dos pontos de vista seguir.

Niko Pirosmani (Pirosmanashvili). leão e sol

Vamos entender os conceitos

No final do século 19 e início do século 20, alguns artistas europeus progressistas começaram a enlouquecer com a expressividade e concisão de artefatos de culturas primitivas. A ingenuidade descomplicada e grosseira das máscaras rituais africanas e das estatuetas de madeira parece-lhes uma resposta simples e óbvia à procura de formas de ultrapassar a rigidez e a estagnação da pintura académica. A essa altura, o impressionismo já havia perdido seu antigo frescor e escandaloso, de modo que não podia reivindicar ser um abanador das fundações.

As obras de culturas primitivas - os ancestrais das obras-primas primitivistas modernas - incluem tanto arte rupestre pré-histórica ou ídolos de pedra quanto as tradições culturais dos povos tribais modernos que habitam a África, Oceania e similares. Máscaras africanas como essas foram um fator decisivo para o surgimento de muitos movimentos de vanguarda no início do século XIX.

Fonte da foto: newpackfon.ru

Em um dos sistemas de coordenadas, acredita-se que seja o trabalho de artistas profissionais que possuem uma educação artística acadêmica e todas as habilidades necessárias, mas que conscientemente buscam a simplificação de técnicas estilísticas e técnicas para imitar a arte primitiva, remete ao primitivismo . O legado de artistas autodidatas que pintam desajeitadamente, infantilmente, neste caso, é chamado de arte ingênua.

Em outro universo da história da arte, primitivismo e arte ingênua são sinônimos completos e conceitos intercambiáveis. Deste ponto de vista, o termo “arte ingênua” é uma espécie de eufemismo necessário para maior eufonia, em contraste com o conceito de “primitivismo”, que em muitas línguas tem uma conotação um tanto pejorativa.

Tomaremos a segunda versão como axioma e lembramos que o primitivismo, assim como a arte ingênua, são estilos que incluem o trabalho de artistas não profissionais, cuja quantidade de talento cobre a ausência de certas habilidades, como a capacidade de construir corretamente a perspectiva ou transmitir claro-escuro.

Para o legado de artesãos sofisticados que sabem estilizar um ou outro tipo de arte primitiva (pintura de ícones antigos, motivos étnicos ou estampas populares, por exemplo), usaremos o termo “neo-primitivismo”. Isso é exatamente o que os membros das associações de arte russas "Valete de diamantes" e "Rabo de burro" fizeram no início do século passado.

Kazimir Severinovich Malevitch. Crianças
1908, 30,2 × 23,8 cm

Natalya Sergeevna Goncharova. Descoloração do linho. Da "Série Camponesa"

Artistas de vanguarda como Kazimir Malevich, Mikhail Larionov e Natalya Goncharova se inspiraram na arte popular, que também é classificada como arte primitiva. E o termo neo-primitivismo foi usado pela primeira vez em geral em um panfleto de Alexander Shevchenko, publicado pelo artista em 1913: “Neo-primitivismo. Sua teoria. Suas possibilidades. Suas Conquistas.

Se na Europa Ocidental os artistas usavam apenas parcialmente as técnicas da arte ingênua em suas obras, desenvolvendo em suas bases tendências como o fauvismo, o cubismo ou o expressionismo, na Rússia o neo-primitivismo tornou-se uma tendência significativa, a partir da qual o suprematismo acabou crescendo e tomando forma. Portanto, às vezes os historiadores da arte ocidentais usam o termo neo-primitivismo especificamente em relação aos adeptos russos dos ideais da arte ingênua, que diligentemente os propagandearam e os aplicaram na prática.

Mikhail Fedorovich Larionov. Vênus e Miguel
1912, 85,5 × 68 cm

Segundo Alexandre Benois, “A peculiaridade do neo-primitivismo era que seus representantes não lutavam pela estilização, não pela imitação do mestre popular, mas pela expressão dos aspectos essenciais da estética popular. Aqui, o exemplo mais ilustrativo é o trabalho de Larionov, que - de acordo com a estética popular - iguala o importante e o sem importância, o alto e o baixo, indo ao extremo nisso - cultivando os princípios do desenho da cerca e da "pintura de quartel " ".

Voltar à rotina

O caminho através dos espinhos para as estrelas para os primitivistas foi aberto por criadores reconhecidos como Gauguin, Picasso e Matisse. Depois, em um esforço para se curar de uma doença grave, à qual Gauguin classificou as bênçãos da civilização, o artista foi para o Taiti e ali se fundiu com a natureza de todas as formas possíveis, enriquecendo seu estilo ao longo do caminho com as cores vivas de um ilha exótica e imagens ingênuas da cultura local, outros o seguiram.

Paul Gauguin. Pastorais do Taiti
1898, 87,5 × 113,7 cm

Os expressionistas alemães Emil Nolde e Max Pechstein também tentaram a sorte na vastidão da Oceania, mas seus associados Ernst Ludwig Kirchner e Erich Heckel reconstruíram paisagens primitivas diretamente em suas oficinas. Os artistas franceses não precisavam viajar muito para se inspirar, nem era preciso sair de Paris. Das colônias da França na África Ocidental, mercadores trouxeram para a capital todo tipo de artesanato étnico, que então se estabeleceu em museus e pequenas lojas.

Will Gompertz em A Arte Incompreensível. De Monet a Banksy conta como o artista Maurice de Vlaminck inadvertidamente se torna o catalisador de um surto de interesse pela arte primitiva e, como resultado, o surgimento de um movimento como o fauvismo. Em 1905, ele viu três máscaras africanas esculpidas em um café parisiense. Influenciado pela expressão da “arte instintiva”, como ele a chamava, Vlaminck comprou as máscaras do dono do estabelecimento e apressou-se a mostrar o espólio aos amigos artistas.

Henrique Matisse. Mulher de chapéu
1905, 24×31 cm

Maurício de Vlaminck. Restaurante

André Deren. Porto de Collioure
1905, 72×91 cm

Henri Matisse e André Derain compartilhavam o fascínio de Vlaminck pela paleta expressiva de Van Gogh e pelas atividades exóticas de Gauguin. Seu cálculo era justificado: seus amigos consideravam os artefatos adquiridos como uma manifestação de liberdade de pensamento, não repleta de ideais materialistas de civilização, mas mantendo uma espontaneidade e ingenuidade infantil. O resultado do encontro dos três artistas foi a conclusão de que a cor e as emoções na tela são dominantes, em contraste com o realismo e autenticidade da imagem.

Como resultado, as pinturas nasceram onde eles tentaram dar vida aos seus novos princípios artísticos, tanto quanto possível. Coloridas com combinações insanas de cores puras e não misturadas para a época, aplicadas em pinceladas nítidas e separadas, as telas eram tão desafiadoras que os organizadores do Salão de 1905 se recusaram a aceitar obras para exibição. Somente graças à autoridade pessoal de Matisse conseguiu forçar a participação dos experimentos da Trindade no Salão.

Depois haverá críticas tempestuosas e cheias de indignação dos historiadores da arte, uma das quais, como muitas vezes acontece (ver impressionismo), dará nome a uma nova tendência de vanguarda - o fauvismo: o venerável crítico Louis Vaucelles dirá que os animais selvagens pintado com cores salpicadas - “les fauves” em francês. Mas essa é uma história um pouco diferente.

Como Picasso descobriu Rousseau

A pintura de um jovem espanhol promissor também deu um salto mortal notável sob a influência direta da arte primitiva e seus confessores. Quando Picasso viu o último chiado da autoria de Matisse - chamativo, diferente das telas, livre de quaisquer preconceitos acadêmicos, ele perdeu a paz e o sono. Sem pensar duas vezes, Picasso vai ao museu etnográfico, onde estava guardada uma extensa coleção de máscaras africanas. Lá ele passou por algum tipo de rito de iniciação. Quem sabe, talvez esses objetos rituais realmente continham poder mágico?

"Eu estava sozinho, lembrou o artista. - Eu queria fugir de lá. Mas eu fiquei. Eu simplesmente não podia sair. Percebi algo muito importante; algo aconteceu comigo. Olhei para esses fetiches e de repente ficou claro para mim que eu também estava contra todos. Também sinto que tudo ao meu redor é desconhecido e hostil. Enquanto eu estava sozinho naquele museu horrível, cercado de máscaras, bonecas indianas, manequins empoeirados, as Donzelas de Avignon devem ter aparecido para mim; não que tenham sido motivados pelas formas que vi: aquela foto foi minha primeira experiência de exorcismo - sim, isso mesmo!"

Pablo Picasso. Garotas de Avignon, 1907

Assim, vários artefatos tribais forçaram Picasso a pintar uma pintura que se tornou a progenitora do cubismo e, como resultado, do futurismo e uma dúzia de outros -ismos diferentes. Mas a sua intervenção mágica na então vida artística da capital francesa não se limitou a isso. Sucumbindo aos encantos da arte primitiva, Picasso não podia deixar de ver o fenômeno da estrela em ascensão da arte ingênua, e teve um papel significativo em garantir que Paris levasse a sério as criações pouco profissionais do modesto funcionário da alfândega Henri Rousseau.

Sem formação artística, o funcionário da alfândega (como era apelidado pelos boêmios parisienses) tinha, no entanto, sérias ambições para a pintura. A espontaneidade infantil jogou nas mãos de Rousseau - caso contrário, ele dificilmente ousaria apresentar suas experiências desajeitadas ao julgamento do público exigente do Salon des Indépendants em 1986, onde todos os artistas interessados ​​poderiam participar.

O milagre não aconteceu, os críticos fizeram o possível para ridicularizar o criador novato de quarenta anos, que não tinha noção da perspectiva linear ou dos princípios da construção composicional. Do coro harmonioso do bullying, saiu a voz do mestre Camille Pissarro, que notou a riqueza de tons da pintura de Rousseau.

Henrique Rousseau. noite de carnaval
1886

A falha no Salão dos Independentes não conseguiu quebrar o proposital Oficial da Alfândega. Pelo contrário, ele deixa seu trabalho para dedicar todo o seu tempo à carreira de artista. Infinitamente acreditava nele e em seu principal admirador - Picasso. Certa vez, ele encontrou uma foto de Rousseau em uma loja de província, que foi vendida lá ao preço de uma tela usada - mesmo um traficante de sucata não ousou pedir um preço alto por ela. O espanhol a comprou imediatamente e posteriormente a guardou até o fim de seus dias, respondendo que ela era sua "capturado como uma obsessão ... este é um dos retratos psicológicos mais verdadeiros da pintura francesa".

Henrique Rousseau. Retrato de Jadwiga

Além disso, ele deu um jantar em homenagem a um retrato estranho, onde convidou todo o beau monde parisiense e o próprio herói da ocasião - o primeiro superstar da arte ingênua. Picasso pendurou o retrato do funcionário da alfândega no lugar mais proeminente de seu próprio estúdio e sentou seu autor em uma poltrona que mais parecia um trono. Foi um verdadeiro triunfo para um artista amador, embora parte do público provavelmente tenha percebido o que estava acontecendo como uma zombaria ou uma farsa particularmente sofisticada.

Mas não Picasso. Ele é creditado por dizer que passou quatro anos aprendendo a pintar como Rafael, mas levou uma vida inteira para aprender a desenhar como uma criança. Portanto, ele admirava o dom de Rousseau, que lhe permitia pular essas etapas com segurança e começar imediatamente a criar obras-primas primitivistas.

Henrique Rousseau. Tigre em uma tempestade tropical

De que são feitas as pinturas primitivistas?

Que signos determinam que diante de você está uma obra de arte ingênua, e não, digamos, a obra de um expressionista, abstracionista ou representante de algum outro movimento de vanguarda? A propósito, Mark Rothko, que se tornou famoso no campo do expressionismo abstrato, buscou inspiração e o segredo da habilidade pictórica no desenho infantil e até dedicou um livro inteiro a isso - mesmo antes de começar a cultivar desinteressadamente a pintura de campo colorido.

Niko Pirosmani (Pirosmanashvili). Urso com seus filhotes
1917, 140×100 cm

Exemplos de primitivismo são de fato caracterizados por erros característicos que as crianças cometem ao desenhar. Mas não é necessário ter todos os itens a seguir em uma imagem. Algo que os artistas autodidatas ainda eram capazes de fazer.

1. Falta de perspectiva linear: os objetos em primeiro plano são iguais em tamanho aos objetos em segundo plano, pelo que sua relação no espaço se torna incompreensível e a imagem perde volume.

2. Os detalhes do plano de fundo são trabalhados com o mesmo cuidado que os objetos próximos. As consequências são as mesmas do parágrafo anterior.

Avó (Anna Mary) Moses. celebração

3. As cores não perdem brilho e saturação proporcionalmente à distância dos objetos da borda frontal da tela. A imagem torna-se plana e lembra um cartão postal.

4. Não há sinais de nenhuma fonte de iluminação: mesmo que haja um sol na imagem, todas as superfícies estão uniformemente iluminadas, pessoas e objetos não projetam sombras e você também não encontrará brilho.

Camila Bombois. Banhistas surpresos
1930, 65×81,5 cm

5. Violação da anatomia: as proporções do corpo humano, erros na imagem dos animais. Mas o que dizer de Picasso, Salvador Dali, Francis Bacon e muitos outros cujo trabalho não mostra que eles estejam de alguma forma familiarizados com a estrutura do corpo humano? Eles também são primitivistas? - Não. Olhando para uma foto de um representante da arte ingênua, você verá que a pessoa deu o seu melhor, e é graças a esses esforços que suas tentativas ingênuas de alcançar os "grandes" artistas parecem tão tocantes e têm um charme irresistível. E os números acima mencionados não perseguiam tais objetivos, e definitivamente não havia nenhum item “para agradar a todos” em sua lista.

6. Como as crianças, os primitivistas não fazem distinção entre realidade e fantasia. Em suas pinturas, pessoas e unicórnios podem coexistir com segurança, e não no âmbito de uma fantasia surrealista, mas como uma coisa comum. Leões nessas telas não são uma ameaça para os humanos, e um cervo pode parecer uma criatura fabulosa.

Ivan Generalich. Unicórnio

7. E, finalmente, uma diferença fundamental que responde à pergunta que surge naturalmente, qual é a diferença entre as telas não objetivas dos modernistas no estilo “meu-5 anos-qualquer um pode melhorar”? das criações dos primitivistas. Artistas não profissionais retratam objetos do grau de realismo que estão disponíveis para eles devido ao conhecimento, habilidades e habilidades limitados. E os representantes da arte de vanguarda fazem o possível para esquecer o que aprenderam nas escolas de arte ou fingir que não as frequentaram. Mas a harmonia e a consideração da composição, o simbolismo fora de escala ou o brilho traiçoeiro através de uma imagem fingida ingênua e deliberadamente inepta de um contexto cultural ainda trairá um profissional. Sim, sim, você pode sair, ainda reconhecemos você, camarada Chagall e Sr. Klee.

Mark Zakharovich Chagall. velho de óculos
década de 1950

Paulo Klee. Espetáculo de marionetas
1923

Primitivismo: uma folha de dicas. Artistas que trabalharam no estilo do primitivismo

Henri Rousseau, Niko Pirosmanishvili, Ivan Generalich, Avó Mozes, Maria Primachenko, Camille Bombois, Nikifor Krynitsky, Ekaterina Bilokur, Polina Raiko, Serafina Louis, Oles Semernya.

Pinturas primitivistas icônicas

Niko Pirosmani (Pirosmanashvili). Atriz Margarida
1909, 94×117 cm

A história da pintura de Pirosmani tornou-se uma lenda. Foi ela quem foi imortalizada em versos por Andrei Voznesensky, que colocou Raymond Pauls na música, criando a música “A Million Scarlet Roses”. Trata-se das tentativas de um pobre artista de conquistar o coração da inexpugnável atriz francesa Marguerite de Sevres, que atuou em Tíflis em 1905, onde Pirosmani perdeu a cabeça dela. Segundo algumas versões, entre o “mar de flores” que o desesperado Niko enviou ao hotel de sua amada, não havia apenas rosas, e não apenas escarlates, mas também papoulas, peônias, lírios, lilases, acácia e outros presentes de flores da terra georgiana. Tudo o que o artista merecia por seu ato era apenas um beijo de Margarita. Mas muitos anos depois, tendo perdido tanto a multidão de fãs quanto sua antiga atratividade, a atriz vinha diariamente ao Louvre, onde a pintura de Pirosmani foi exibida em 1969, e espiou seu retrato por horas. Foi assim que a arte sobreviveu ao amor efêmero e à beleza passageira.

Maria Avksentievna Primachenko. O rei dos peixes pegou uma poupa e está feliz
século 20

Fantasia sem limites, esquemas de cores arrojados, coloração folclórica desarmante são apenas alguns dos segredos da arte aparentemente despretensiosa do artista do interior ucraniano. Tendo visto apenas uma vez as pinturas de Maria Primachenko, é improvável que sejam confundidas com as obras de outro autor, são tão originais e originais. Eles também foram apreciados além das fronteiras da pátria: as obras de Maria foram um sucesso retumbante em exposições em Paris, Varsóvia, Praga e outras cidades europeias.

Henrique Rousseau. Sonho
1910, 298×204 cm

O Sonho é considerado uma das melhores pinturas de Rousseau. O autor comentou sobre seu último (e possivelmente último) trabalho da seguinte forma: “Jadwiga tem um sonho mágico. Adormeceu calmamente ao som da flauta de um sedutor desconhecido. Quando a lua ilumina flores e árvores verdes, animais e até predadores, congela, ouvindo os sons maravilhosos da música.. A tela impressiona pela complexidade técnica, e a riqueza da paleta, que Pissarro notou na primeira pintura de Rousseau, atinge seu clímax aqui: não é brincadeira, são mais de duas dúzias de tons de verde só! Mesmo os críticos mais cáusticos não resistiram ao efeito hipnotizante de "Sleep", e o compatriota e contemporâneo de Rousseau, o escritor André Breton disse que o quadro “absorveu toda a poesia e todos os segredos do nosso tempo”.

Você é um especialista se:

Sinta-se à vontade para usar a palavra "primitivismo" ao falar sobre obras-primas medievais de Rogier van der Weyden ou Duccio di Buoninsegni.

Você pode determinar imediatamente onde está a beleza casta do pincel do verdadeiro primitivista Pirosmani e onde está o falso "ingênuo" Mikhail Larionov.

Niko Pirosmani (Pirosmanashvili). Beleza Ortáquica. Lado direito do díptico

Mikhail Fedorovich Larionov. Vênus judaica
1912, 147 centímetros

Você é um leigo se:

Você leva a sério a simplificação deliberada necessária para criar ilustrações e caricaturas, considerando-as exemplos de primitivismo descomplicado.

Você acha que qualquer obra de arte que é tentadora ser chamada de kalyaks-pinturas pertence ao primitivismo. De fato, o primitivismo (consciente, premeditado também) não é apenas uma forma inepta, mas também uma visão especial da essência das coisas: pura, direta, infantil ou mesmo primitiva. Por trás das pinturas de Malevich, Kandinsky, Mondrian, existem grandes teorias adultas.

Comprar um diploma de ensino superior significa garantir um futuro feliz e bem-sucedido. Hoje em dia, sem documentos sobre o ensino superior, não será possível conseguir emprego em lugar nenhum. Somente com um diploma você pode tentar chegar a um lugar que traga não apenas benefícios, mas também prazer pelo trabalho realizado. Sucesso financeiro e social, alto status social - é isso que traz a posse de um diploma de ensino superior.

Imediatamente após o término da última aula da escola, a maioria dos alunos de ontem já sabe com certeza em qual universidade quer entrar. Mas a vida é injusta e as situações são diferentes. Você não pode entrar na universidade escolhida e desejada, e o restante das instituições de ensino parece inadequado por vários motivos. Essa “esteira” da vida pode derrubar qualquer pessoa da sela. No entanto, o desejo de se tornar bem sucedido não vai a lugar nenhum.

O motivo da falta de um diploma também pode ser o fato de você não ter conseguido ocupar um lugar orçamentário. Infelizmente, o custo da educação, especialmente em uma universidade de prestígio, é muito alto e os preços estão subindo constantemente. Hoje em dia, nem todas as famílias podem pagar pela educação de seus filhos. Assim, a questão financeira pode ser o motivo da falta de documentos sobre educação.

Um obstáculo para a obtenção do ensino superior também pode ser o fato de a universidade escolhida na especialidade estar localizada em outra cidade, talvez longe o suficiente de casa. Os pais que não querem largar o filho, os medos que um jovem recém-formado pode vivenciar diante de um futuro desconhecido, ou a mesma falta de recursos necessários, podem interferir nos estudos lá.

Como você pode ver, há muitas razões para não obter o diploma desejado. No entanto, a verdade é que, sem diploma, contar com um emprego bem remunerado e de prestígio é perda de tempo. Nesse momento vem a percepção de que é necessário resolver de alguma forma essa questão e sair dessa situação. Quem tem tempo, energia e dinheiro decide entrar na universidade e obter um diploma de forma oficial. Todo mundo tem duas opções - não mudar nada na vida e ficar vegetando no quintal do destino, e a segunda, mais radical e ousada - comprar um especialista, bacharelado ou mestrado. Você também pode comprar qualquer documento em Moscou

No entanto, aquelas pessoas que querem se estabelecer na vida precisam de um documento que não difere em nada de um documento genuíno. É por isso que é necessário prestar a máxima atenção à escolha da empresa à qual confia a criação do seu diploma. Trate sua escolha com o máximo de responsabilidade, neste caso você terá uma grande chance de mudar com sucesso o curso de sua vida.

Nesse caso, a origem do seu diploma nunca mais interessará a ninguém - você será avaliado apenas como pessoa e funcionário.

Obter um diploma na Rússia é muito fácil!

Nossa empresa atende com sucesso os pedidos para a implementação de vários documentos - compre um certificado para 11 aulas, solicite um diploma universitário ou compre um diploma de escola profissional e muito mais. Também em nosso site você pode comprar uma certidão de casamento e divórcio, solicitar uma certidão de nascimento e óbito. Executamos trabalhos num curto espaço de tempo, procedemos à criação de documentos para uma encomenda urgente.

Garantimos que, ao solicitar qualquer documento, você os receberá no prazo e os papéis serão de excelente qualidade. Nossos documentos não são diferentes dos originais, pois usamos apenas formulários genuínos da GOZNAK. Este é o mesmo tipo de documentos que um graduado universitário comum recebe. Sua identidade completa garante sua tranquilidade e a possibilidade de se candidatar a qualquer emprego sem o menor problema.

Para fazer um pedido, você só precisa definir claramente seus desejos escolhendo o tipo de universidade, especialidade ou profissão desejada, além de indicar o ano correto de graduação. Isso ajudará a confirmar seu relato de seus estudos se você for perguntado sobre seu diploma.

A nossa empresa trabalha há muito tempo com sucesso na criação de diplomas, pelo que sabe perfeitamente elaborar documentos de diferentes anos de emissão. Todos os nossos diplomas nos mínimos detalhes correspondem a documentos originais semelhantes. A confidencialidade do seu pedido é uma lei para nós que nunca violamos.

Nós atenderemos rapidamente o pedido e o entregaremos com a mesma rapidez. Para isso, utilizamos os serviços de estafetas (para entrega dentro da cidade) ou empresas de transporte que transportam os nossos documentos para todo o país.

Temos certeza de que o diploma adquirido de nós será o melhor assistente em sua futura carreira.

• Economize tempo em anos de treinamento.
• A possibilidade de adquirir remotamente qualquer diploma do ensino superior, mesmo em paralelo com o estudo noutra universidade. Você pode ter quantos documentos quiser.
• Possibilidade de indicar no “Apêndice” as notas desejadas.
• Economizar um dia na compra, enquanto o recebimento oficial de um diploma com postagem em São Petersburgo custa muito mais do que um documento acabado.
• Prova oficial de estudar em uma instituição de ensino superior na especialidade que você precisa.
• A presença do ensino superior em São Petersburgo abrirá todos os caminhos para um rápido avanço na carreira.

Como pedir um diploma?

1. Preencha um formulário no site

2. O gerente entra em contato com você para esclarecer os detalhes

3. Fazemos um layout para aprovação

4. Prontidão completa do documento. Tiramos fotos e vídeos para confirmação.

5. Entrega do documento e uma taxa total por ele

Os mesmos problemas com dinheiro podem se tornar o motivo pelo qual o estudante de ontem, em vez da universidade, vai ao canteiro de obras para trabalhar. Se as circunstâncias familiares mudarem repentinamente, por exemplo, o ganha-pão falecer, não haverá nada para pagar pela educação e a família precisa viver de alguma coisa.

Também acontece que tudo vai bem, você consegue entrar com sucesso em uma universidade e tudo está em ordem com o treinamento, mas o amor acontece, uma família é formada e simplesmente não há força ou tempo suficiente para estudar. Além disso, é necessário muito mais dinheiro, especialmente se uma criança aparecer na família. Pagar pela educação e sustentar uma família é extremamente caro e é preciso sacrificar um diploma.

Primitivismo Marc Chagall “Lovers” Você carrega seus cabelos em minha direção, e eu, sentindo seu olhar e tremendo, corpo tremendo, quero lhe perguntar novamente: onde estão minhas flores de longa data sob a blasfêmia do casamento, longe? Lembro-me: a noite, e você está perto, e pela primeira vez me deitei para você, e apagamos a lua, e a chama das velas fluía e ...

Frida Kahlo Natureza morta com uma noiva assustada, 1943 Primitivismo O significado do trabalho de Frida Kahlo está sempre escondido no fundo. Dando uma rápida olhada na foto, o espectador nunca entenderá o significado, pois cada objeto se torna um símbolo. A noiva é uma pequena boneca espreitando de uma melancia cortada. As duas partes da melancia mostradas na foto não são duas metades. Eles simbolizam amor e paixão, que…

Mark Zakharovich Chagall "Casa Azul", 1917 Museu de Belas Artes, Liege Primitivismo Vitebsk era a cidade favorita de Chagall, um local de referência que o artista sempre lembrou e acalentou essas memórias. Não é coincidência que quando o pintor teve a oportunidade de visitar a União Soviética a convite de Furtseva, Chagall recusou deliberadamente uma viagem a Vitebsk - ele queria manter a cidade velha, sua cidade em sua alma ...

Frida Kahlo "Coluna Quebrada", 1944 Museu Dolores Olmedo, Cidade do México Primitivismo, autorretrato Nesta foto, Frida expressou toda a dor física e mental que ela experimentou constantemente ao longo de sua vida. Ela contraiu poliomielite quando criança e, em sua juventude, sofreu um acidente de carro e ficou acamada por algum tempo. Sua coluna foi quebrada em vários lugares, ...

Marc Chagall "I and the Village", 1911 Museu de Arte Moderna, Nova York, EUA Primitivismo Graças ao apoio financeiro dos patronos da capital, em 1910 Chagall foi parar em Paris. O jovem artista, tendo perambulado primeiro de apartamento em apartamento, logo se instalou em um pavilhão chamado "La Ruche", que significa "Colmeia". Este edifício de madeira abrigava mais de cem lugares sujos, esquálidos, mas baratos…

Henri Rousseau "Noite de Carnaval", Museu de Arte de 1886, Filadélfia Primitivismo Esta é uma das primeiras pinturas de Rousseau, embora ele a tenha pintado aos 42 anos. Henri Rousseau trabalhou como funcionário da alfândega até os quarenta anos e começou a escrever apenas quando se aposentou. Um ano antes da noite de carnaval, ele expôs suas cópias de pinturas antigas no Salão de Arte gratuito da Champs Elysées...

Frida Kahlo "Girl with a Mask of Death", 1938 Naive Art (Primitivismo) Museu da Cidade de Nagoya, Japão Frida Kahlo (espanhol: Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón, 6 de julho de 1907, Coyoacan - 13 de julho de 1954, Coyoacan) - mexicano artista, a esposa de Diego Rivera.Nas obras de Frida Kahlo, a influência da arte popular mexicana, a cultura das civilizações pré-colombianas da América é muito forte. Seu trabalho é cheio de símbolos e…

Marc Chagall Felicidade, 1980 Papel, litografia, 116 x 75,5 cm Museu Nacional Marc Chagall, Nice, França Primitivismo Há apenas uma cor em nossa vida, assim como na paleta do artista, que dá sentido à vida e à arte. Esta é a cor do amor. - Marc Chagal.

Neste, nas postagens anteriores e posteriores, utilizo material do livro de Will Gompertz "Incomprehensible Art", uma série de palestras no Garage Museum de Irina Kulik, palestras de Dmitry Gutov, livro de Susie Hodge "Modern Art in Detail", documentários da BBC, etc.

PRIMITIVISMO, FAVISMO

Em um post anterior, falei sobre o cubismo de Picasso e Braque. Uma das fontes de inspiração de Picasso foi uma exposição de arte africana. A simplicidade e, ao mesmo tempo, o poder primitivo e a majestade das máscaras de madeira impressionaram o artista. E não só ele.

Na verdade, o desejo por essa simplicidade percorre como um fio vermelho toda a história da arte contemporânea. Por um lado, os artistas tentaram copiar o estilo de trabalho das tribos primitivas da África, Austrália e América do Sul e, por outro, desenhos infantis.

Em geral, a alegre expectativa de mudança, associada ao rápido desenvolvimento da indústria na França, foi rapidamente substituída pelo cansaço do ritmo que a vida havia adquirido.

Já no final do século XIX, o movimento de "retorno às origens" era generalizado.

Na pintura, como escrevi anteriormente, foi Gauguin, com seu tema "taitiano", imagem plana e rico simbolismo.

Paul Gauguin, Velhos Tempos, 1892

O movimento para a simplificação da arte assumiu muitas formas. Por exemplo, as obras do famoso pintor austríaco e principal membro da sociedade da Secessão de Viena, Gustav Klimt (1862-1918), são muito mais refinadas e decorativas do que as do mesmo Gauguin. Klimt adorava ornamentos, cores bronze e ouro, roupas ricamente decoradas. Com a mesma simplicidade de linha e bidimensionalidade da imagem, o primitivismo de Klimt é luxuoso.

Gustav Klimt, Expectativas, 1909

Gustav Klimt, macieira, 1912

Gustav Klimt, Garota com um leque, 1918

No entanto, aqueles que são considerados os fundadores do primitivismo no século 20 viveram na França. Maurice de Vlaminck (1876-1958), Henri Matisse () e Henri Derain (1880-1954) também admiravam a arte africana e compartilhavam a paixão pelas cores ricas, como nas obras de Van Gogh. Eles também estavam ligados ao holandês pela convicção de que as emoções na imagem são mais importantes do que o objeto retratado.

O resultado da combinação da simplicidade da arte tribal e cores ricas e puras, eles criaram obras incrivelmente brilhantes e alegres. Neles, a cor é uma forma de transmitir uma emoção, e não de descrever um objeto real.

Maurice de Vlaminck, Pomar, 1905

Maurice de Vlaminck, Ponte em Chatou, 1907

André Derain, Estac, 1905

André Dören, Charing Cross Bridge, 1906

Henri Matisse, Laço Vermelho, 1906

Henri Matisse, Harmonia em Vermelho, 1908

"Traduzi para a linguagem da cor o que vi instintivamente sem nenhum método para dizer a verdade não como artista, mas como pessoa. Apertando até o fim, quebrando tubos de água-marinha e cinábrio" - assim descreve Maurice de Vlaminck sua obras desse período. De fato, é a cor que logo se tornará a marca registrada dessa trindade de artistas. Eles decidiram expor no Salão de 1905. Como sempre, as críticas foram ferozes. Louis Vossel (um crítico influente da época) brincou que as pinturas foram pintadas por "animais selvagens" (les fauves fr.)

E embora nem Matisse, nem Vlaminck, nem Derain fossem se vincular à estrutura de qualquer direção, eles gostavam da palavra.

O fauvismo foi literal e figurativamente um flash brilhante no céu da arte. De fato, essa ideia de usar grandes manchas de cor não diluída dentro de uma moldura de forma simples encontrou sua continuação lógica no trabalho de muitos artistas do século XX.

Friedensreich Hundertwasser, Way to you, 1966

Roy Lichtenstein, Natureza morta com vaso de cristal, 1973

Willem de Kooning, Sem título 5, 1983

No entanto, em 1905, o público ainda não havia se recuperado dos neo-impressinistas, e então Matisse chegou a tempo com sua famosa "Mulher de chapéu".

Henri Matisse, Mulher com chapéu, 1905

Não sei se Madame Matisse ficou feliz naquele momento por ter se casado com o artista, porque o retrato acabou sendo polêmico. Um rosto amarelo-esverdeado reduzido a algumas pinceladas simples e toques alaranjados de cabelo não agrada a todos. No entanto, foi do gosto de Leo Stein, colecionador e patrono dos artistas contemporâneos. Comprou A mulher do chapéu e menos de um ano depois comprou A alegria da vida, outra pintura famosa do período fauvista de Matisse.

Henri Matisse, Alegria da Vida, 1906

Inspirado em cenas pastorais, Matisse pintou grupos de pessoas entregando-se a vários prazeres: música, dança, amor. E novamente o personagem principal é a cor. As figuras das pessoas são pintadas de forma descuidada e bidimensional, embora a composição em si seja construída de forma ordenada e harmoniosa.

O enredo em si não é tão novo quanto a maneira de escrever.

Agostino Caracci, Amor Mútuo, 1602

O contraste dessas duas obras revela o quanto mudou a percepção do artista. Tem-se a impressão de que Matisse está se entregando, flertando com o espectador. Sua alegria de viver não está tanto no enredo, mas na própria pintura: linhas, cores.

Matisse, por sua própria admissão, sonhava que a arte deveria ser como "uma boa espreguiçadeira". Mesmo quando o fauvismo permaneceu no passado, o artista continuou trabalhando com o mesmo princípio. A propósito, uma garota de Tomsk, Lydia Deliktorskaya, tornou-se sua musa, namorada e companheira, que permaneceu com ele até o fim de sua vida, e depois doou várias pinturas (deixadas por Matisse para ela para uma velhice confortável) para o Museu Pushkin e o Hermitage.

Vou me afastar um pouco: recentemente, a crítica de arte do início do século 20 que li me fez olhar um pouco diferente para as telas de Matisse. Além de avanços no campo técnico, essa época também foi de estagnação nas relações sociais. As formas habituais de vida são obsoletas. A imagem de um burguês bem alimentado de fraque, que era o principal cliente, farto do artista.

O desejo de quebrar tornou-se a principal força motriz. Os cubistas, é claro, incorporaram mais claramente esse princípio, literalmente desmoronando a aparência usual das coisas.

Mas outros artistas, como uma membrana captando o que está acontecendo, refletiam seu descontentamento na pintura. Mudaram tudo o que era familiar ao leigo, destruíram o mundinho pequeno-burguês em suas telas. Voluntária ou involuntariamente, o artista protestou contra as convenções que estavam se tornando obsoletas. Talvez os contrastes fauvistas não sejam uma afirmação da alegria de ser, mas o mesmo desafio à realidade?

Daí os rostos verdes das mulheres, um desenho descuidado/condicional. Deste ponto de vista, a pintura de Matisse "A Alegria da Vida" é bastante ironia ou sátira ao hedonismo da burguesia europeia, cujo prazer na vida se resume ao amor carnal, canções e danças. Um mundo de doces com figuras parecidas com doces justos. Mas este ponto de vista não é muito popular. Ainda mais frequentemente a obra de Matisse é interpretada como uma expressão da alegria e brilho do ser.

A arte como deleite para os olhos e para o coração é um princípio que esteve próximo não só de Matisse. E se ele teve que fazer um esforço para desenhar com facilidade infantil, então Henri Rousseau (1844-1910) o fez porque simplesmente não podia fazer diferente.

Henri Rousseau, autorretrato, 1890

Henri Rousseau é um funcionário da alfândega, um analfabeto que decidiu começar a pintar aos 40 anos sem receber nenhuma educação e formação profissional. Caseiro, não adepto de festas boêmias e distante da comunidade artística, tornou-se um dos artistas mais famosos do estilo primitivismo. Rousseau era simplório e ingênuo, talvez por isso seu trabalho tenha a simplicidade dos desenhos infantis. Claro, o público e a crítica a princípio riram do artista.

Henri Rousseau, Noite de Carnaval, 1886

O encanto da simplicidade e da infantilidade parecia ao então espectador uma banal incapacidade de desenhar, nada mais. No entanto, a falta de técnica de Rousseau é mais do que compensada pela clareza, característica, mais uma vez, da gravura japonesa. O artista iniciante foi muito ajudado pela absoluta imunidade à crítica, o que lhe permitiu continuar fazendo o que amava.

Henri Rousseau

É claro que suas obras não podem ser comparadas em execução com os mestres do passado ou contemporâneos talentosos. Rousseau levou outros. Seus enredos descomplicados fascinaram muitos do mundo artístico da época. Entre os fãs estava, por exemplo, Picasso, dono da famosa frase: "Posso desenhar como Rafael, mas vou levar uma vida inteira para aprender a desenhar como uma criança". Rousseau foi quem fez isso. Picasso até comprou sua pintura "Retrato de uma mulher", que, segundo o espanhol, simplesmente o fascinou.

Henri Rousseau, Retrato de uma mulher, 1895

A obra de Rousseau, por assim dizer, já tem um pé no surrealismo. Eles realmente fascinam não tanto com sua ingenuidade quanto com o subtexto, a ambiguidade, o alegorismo. É como aqueles momentos em filmes de terror quando os balanços em um playground vazio balançam um pouco, como se estivesse ao vento... Ou não? Rousseau deixa essa questão para o espectador.

A maneira de Rousseau era admirada não apenas por Pablo Picasso. Entre seus fãs estava também o escultor romeno Constantin Brancusi (Bryncusi) É verdade que, ao contrário de Rousseau, a comunidade artística de Paris o aceitou com um estrondo. Brancusi escolheu o papel de artista-plebeu: barba larga, tamancos e camisa de linho. Os materiais com os quais o escultor trabalhou foram combinados - madeira e pedra. O mármore não impressionou particularmente o mestre.

Brancusi foi por algum tempo um aprendiz na oficina de Rodin, mas suas abordagens ao trabalho acabaram sendo completamente diferentes.

Auguste Rodin, O Beijo, 1886

Constantin Brancusi, O Beijo, 1912

As imagens falam mais alto do que qualquer explicação. Brancusi acreditava que na escultura se poderia prescindir da modelagem preliminar, trabalhando diretamente com o material. Ele tentou preservar ao máximo a forma original da rocha, deixando sua textura. Sem curvas românticas, linhas simples, sem elementos decorativos, as esculturas de Brancusi são apreciadas justamente por sua simplicidade e originalidade de execução. No início do século XX, este foi mais um desafio à tradição.

Ele foi seguido por outros escultores primitivistas: Modigliani (sim, ele tentou-se na escultura, e com bastante sucesso), Giacometti, Hepworth ..

Amadeo Modigliani, Chefe, 1910

Giacometti, Homem que Anda 1, 1960

Barbara Hepworth, Single Form, 1964

Na Rússia, este é o escultor Vadim Sidur. Na minha opinião, muito legal.

Vadim Sidur

Vadim Sidur

Na Rússia, a propósito, um dos primeiros primitivistas na pintura foram Mikhail Larionov e Natalya Goncharova, que trabalharam na técnica "lubok". Este é um tipo de gráfico caracterizado pela simplicidade e um padrão plano. Goncharova foi inspirado por ícones russos. Em seus trabalhos, ela usou um elemento característico da pintura de ícones - sliders - linhas brancas verticais.

Mikhail Larionov, Vênus judaica, 1912

Natalia Goncharova, cortadores de grama, 1911

Como podemos ver, simplicidade, ordem e estrutura tornaram-se conceitos e objetivos fundamentais dos artistas, começando pelos pós-impressionistas. No entanto, essas aspirações aparentemente inofensivas também tinham potencial destrutivo. Afinal, qualquer desejo de encaixar o mundo em uma estrutura tem um lado negativo - a criação de um sistema rígido. E como a prática tem mostrado, as tentativas de subordinar todas as coisas vivas à lógica rígida subjetiva levam à morte e à destruição. Outros eventos do século 20 são uma vívida confirmação disso.

Continua)

E um pós-escrito.

Uma americana maravilhosa - Granny Moses - uma artista amadora, representante do primitivismo da segunda metade do século 20, simplesmente conquistou meu coração. Ela até me lembrou de alguma forma os holandeses com suas aconchegantes cenas domésticas da vida rural. Por exemplo:

Vovó Moses, início da primavera na fazenda, 1945

Pieter Brueghel, o Velho, Censo, 1566

P.S obrigado a todos que lêem e que estão interessados. Postei esse post atrasado - estava saindo - tive que fazer uma pausa)

Tivadar Kostka nasceu em 5 de julho de 1853, na aldeia montanhosa de Kishseben, que pertencia à Áustria (agora Sabinov, Eslováquia) - um artista húngaro autodidata.

Seu pai Lasli Kostka era médico e farmacêutico. O futuro artista sabia desde a infância que se tornaria farmacêutico. Mas antes de se tornar um, mudou de profissão – trabalhou como vendedor, assistiu a palestras na Faculdade de Direito por algum tempo e só então estudou farmacologia.

A partir dessa época, ou mesmo antes, ele pretendia firmemente se tornar um artista, para isso tentou reunir um pequeno capital, que lhe deu independência material.

"Velho Pescador"

Ele escreveu o seguinte sobre si mesmo: “Eu, Tivadar Kostka, desisti da minha juventude pela renovação do mundo. Quando recebi a iniciação do espírito invisível, tinha uma posição segura, vivia em abundância e conforto. Mas deixei minha terra natal porque queria vê-la no final de minha vida rica e gloriosa. Para conseguir isso, viajei extensivamente pela Europa, Ásia e África. Queria encontrar a verdade prevista para mim e transformá-la em pintura.

Parece que a ideia de se tornar um artista assombrou persistentemente Tivadar Kostka.

Um dia vai a Roma, depois a Paris, onde conhece o famoso artista húngaro Mihaly Munkácsy.

E então ele retorna à sua terra natal e, por quatorze anos, trabalha em uma farmácia, tentando alcançar a independência financeira. Finalmente, uma pequena quantia de capital foi acumulada, e um belo dia ele aluga uma farmácia e sai para estudar, primeiro em Munique e depois em Paris.

O que se segue é o conhecido princípio de construir o destino de um gênio não reconhecido.
Ele percebeu que as habilidades que iria adquirir no decorrer de seus estudos não correspondiam à sua percepção. Portanto, ele abandonou a escola e em 1895 fez uma viagem à Itália para pintar paisagens. Ele também viajou pela Grécia, Norte da África e Oriente Médio.

Em 1900 ele mudou seu sobrenome Kostka para o pseudônimo Chontvari.

O valor de suas obras tem sido questionado por muitos críticos. Na Europa, eles foram exibidos (embora sem muito sucesso), mas em sua Hungria natal, Chontvari foi de uma vez por todas chamado de louco. Somente no final de sua vida ele veio a Budapeste e trouxe suas telas para lá. Tentei legá-los ao museu local, mas ninguém precisava deles. Em 1919, Tivadar Kostka Chontvari realmente enlouqueceu e morreu pobre, solitário, ridicularizado e inútil.

Tendo enterrado os desafortunados, os parentes começaram a compartilhar o bem. E tudo foi bom - apenas fotos. E assim, depois de consultar os "especialistas", eles decidiram desfazer as telas, como uma tela comum, e dividir o dinheiro entre si, para que tudo ficasse justo.

Neste momento, por acaso, ou não por acaso (uma estranha coincidência, no entanto!) Um jovem arquiteto, Gedeon Gerlotsi, passou. Foi ele quem salvou as criações do artista, pagando por elas um pouco mais do que o traficante ofereceu. Agora as pinturas de Tivadar Chontvari são mantidas no museu da cidade de Pecs (Hungria).

E recentemente, um dos funcionários do museu, no processo de examinar a pintura de Kostka "O Velho Pescador", pintada em 1902, teve a ideia de anexar um espelho a ela. E então ele viu que a imagem na tela não era uma, mas pelo menos duas! Tente dividir a tela você mesmo com um espelho e você verá um deus sentado em um barco contra o pano de fundo de uma paisagem pacífica, pode-se dizer, paradisíaca, ou o próprio diabo, atrás de quem as ondas negras estão furiosas. Ou talvez em outras pinturas de Chontvari, haja um significado oculto? Afinal, acontece que um ex-farmacêutico da vila de Iglo não era tão simples.