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Introdução

Na primeira metade do século XIX, a crise do sistema feudal-servidão, que dificultava a formação da ordem capitalista, intensificou-se cada vez mais. Ideias amantes da liberdade estão se espalhando e se aprofundando nos círculos avançados da sociedade russa. Os eventos da Guerra Patriótica, a ajuda das tropas russas na libertação dos estados da Europa da tirania de Napoleão exacerbaram os humores patrióticos e amantes da liberdade. Todos os princípios básicos do estado feudal-servo estão sujeitos a críticas. Fica claro o caráter ilusório das esperanças de mudar a realidade social com a ajuda da atividade estatal de uma pessoa iluminada. A revolta de dezembro de 1825 foi a primeira revolta armada contra o czarismo. Teve um enorme impacto na cultura artística progressiva russa. Esta época deu origem à brilhante obra de A. S. Pushkin, popular e universal, cheia de sonhos de liberdade.

As belas artes da primeira metade do século 19 têm uma comunhão e unidade interior, um charme único de ideais brilhantes e humanos. O classicismo é enriquecido com novos recursos, seus pontos fortes se manifestam mais claramente na arquitetura, na pintura histórica e, em parte, na escultura. A percepção da cultura do mundo antigo tornou-se mais histórica do que no século XVIII e mais democrática. Junto com o classicismo, a direção romântica é intensamente desenvolvida e um novo método realista começa a tomar forma.

Após a repressão do levante dezembrista, a autocracia estabeleceu um regime reacionário cruel. Suas vítimas foram A. S. Pushkin, M. Yu. Lermontov, T. G. Shevchenko e muitos outros. Mas Nicolau I não conseguiu suprimir o descontentamento do povo e o pensamento social progressista. As ideias de libertação se espalharam, abrangendo não apenas a nobreza, mas também a intelectualidade raznochintsy, que começou a desempenhar um papel cada vez mais significativo na cultura artística. V. G. Belinsky tornou-se o fundador da estética democrática revolucionária russa, que influenciou artistas. Ele escreveu que a arte é uma forma de autoconsciência das pessoas, liderou a luta ideológica pela criatividade, próxima da vida e socialmente valiosa.

A cultura artística russa no primeiro terço do século XIX tomou forma durante um período de ascensão social associado aos eventos heróicos da Guerra Patriótica de 1812 e ao desenvolvimento de ideias anti-servidão e amantes da liberdade do período pré-dezembrista. Nesta época, todos os tipos de artes plásticas e sua síntese atingiram um florescimento brilhante.

No segundo terço do século XIX, devido à intensificação da reação governamental, a arte perdeu em grande parte aquelas características progressistas que antes lhe eram características. A essa altura, o classicismo havia se esgotado essencialmente. A arquitetura desses anos embarcou no caminho do ecletismo - o uso externo de estilos de diferentes épocas e povos. A escultura perdeu o significado de seu conteúdo, adquiriu as características da ostentação superficial. Buscas promissoras se delinearam apenas na escultura de pequenas formas, aqui, assim como na pintura e na gráfica, os princípios realistas cresceram e se fortaleceram, afirmando-se apesar da resistência ativa dos representantes da arte oficial.

O classicismo da primeira metade do século XIX, de acordo com as tendências românticas, criou imagens elevadas, espiritualizadas, emocionalmente sublimes. No entanto, o apelo a uma percepção viva e direta da natureza e a destruição do sistema dos chamados gêneros altos e baixos já contrariava a estética acadêmica, baseada nos cânones clássicos. Foi a direção romântica da arte russa no primeiro terço do século XIX que preparou o desenvolvimento do realismo nas décadas seguintes, pois de certa forma aproximou os artistas românticos da realidade, da vida real simples. Essa foi a essência do complexo movimento artístico ao longo da primeira metade do século XIX. Não é por acaso que a formação de um gênero satírico cotidiano na pintura e no grafismo no final desse período. Em geral, a arte desta fase - arquitetura, pintura, gráficos, escultura, arte aplicada e folclórica - é um fenômeno notável cheio de originalidade na história da cultura artística russa. Desenvolvendo as tradições progressistas do século anterior, criou muitas obras magníficas de grande valor estético e social, contribuindo para o patrimônio mundial.

Uma importante evidência das mudanças ocorridas na arte russa na primeira metade do século XIX foi o desejo de uma ampla gama de espectadores de conhecer as exposições. Em 1834, no "Northern Bee", por exemplo, foi relatado que o desejo de ver "O Último Dia de Pompéia" de K. P. Bryullov varreu a população de São Petersburgo, espalhando-se "em todos os estados e classes". Essa imagem, como argumentavam os contemporâneos, serviu em grande parte para aproximar "nosso público do mundo artístico".

O século XIX também se destacou pela expansão e aprofundamento dos laços da arte russa não apenas com a vida, mas também com as tradições artísticas de outros povos que habitavam a Rússia. Motivos e imagens da periferia nacional, Sibéria, começaram a aparecer nas obras de artistas russos. A composição nacional de estudantes em instituições de arte russas tornou-se mais diversificada. Nativos da Ucrânia, Bielorrússia, Estados Bálticos, Transcaucásia e Ásia Central estudaram na Academia de Artes, na Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscou organizada na década de 1830.

Na segunda metade do século 19 e início do século 20, apenas mestres individuais, e principalmente A. A. Ivanov, despertaram interesse no mundo artístico da Rússia. Somente durante os anos do poder soviético a arte desse período recebeu amplo reconhecimento. Nas últimas décadas, a história da arte soviética prestou grande atenção ao estudo da obra dos mestres da primeira metade do século XIX, especialmente em conexão com as grandes exposições jubilares de A. G. Venetsianov, A. A. Ivanov, O. A. Kiprensky, o 225º aniversário da Academia de Artes da URSS.

32. Pintura russa do primeiro semestreXIXséculo. Desenvolvimento do gênero, mestres.

As belas artes russas foram caracterizadas pelo romantismo e realismo. No entanto, o método oficialmente reconhecido foi o classicismo. A Academia de Artes tornou-se uma instituição conservadora e inerte que impedia qualquer tentativa de liberdade criativa. Ela exigiu seguir estritamente os cânones do classicismo, incentivou a escrita de pinturas sobre temas bíblicos e mitológicos. Jovens artistas russos talentosos não estavam satisfeitos com a estrutura do academicismo. Portanto, eles muitas vezes se voltaram para o gênero retrato.

Os ideais românticos da era da ascensão nacional foram incorporados na pintura. Rejeitando os rígidos princípios do classicismo que não permitiam desvios, os artistas descobriram a diversidade e originalidade do mundo ao seu redor. Isso se refletiu não apenas nos gêneros já familiares - retrato e paisagem -, mas também deu impulso ao nascimento da pintura cotidiana, que esteve no centro das atenções dos mestres da segunda metade do século. Enquanto isso, a primazia permaneceu com o gênero histórico. Foi o último refúgio do classicismo, no entanto, mesmo aqui as ideias e os temas românticos estavam escondidos atrás da “fachada” formalmente classicista.

Romantismo - (romantismo francês), uma direção ideológica e artística na cultura espiritual europeia e americana do final do século 18 - 1º semestre. séculos 19 Refletindo a decepção com os resultados da Revolução Francesa do final do século XVIII, na ideologia do Iluminismo e do progresso social. O romantismo contrastava o utilitarismo e o nivelamento do indivíduo com a aspiração à liberdade ilimitada e ao "infinito", a sede de perfeição e renovação, o pathos da independência pessoal e civil. A dolorosa discórdia entre o ideal e a realidade social é a base da visão de mundo romântica e da arte. A afirmação do valor inerente da vida espiritual e criativa do indivíduo, a imagem de fortes paixões, a imagem de fortes paixões, natureza espiritualizada e curativa, para muitos românticos - heróis de protesto ou luta são adjacentes aos motivos do "mundo tristeza", "mundo mau", lado "noturno" da alma, revestido de formas de ironia, poética grotesca de dois mundos. O interesse pelo passado nacional (muitas vezes a sua idealização), as tradições do folclore e a cultura dos próprios e de outros povos, o desejo de criar uma imagem universal do mundo (principalmente história e literatura), a ideia de síntese artística encontrou expressão em a ideologia e a prática do Romantismo.

Nas artes visuais, o Romantismo se manifestou mais claramente na pintura e nos gráficos, menos claramente na escultura e na arquitetura (por exemplo, o falso gótico). A maioria das escolas nacionais de Romantismo nas artes visuais se desenvolveu na luta contra o classicismo acadêmico oficial.

Nas entranhas da cultura oficial do Estado, nota-se uma camada de cultura “elitista”, servindo à classe dominante (a aristocracia e a corte real) e tendo especial suscetibilidade às inovações estrangeiras. Basta lembrar a pintura romântica de O. Kiprensky, V. Tropinin, K. Bryullov, A. Ivanov e outros grandes artistas do século XIX.

Kiprensky Orest Adamovich , artista russo. Um excelente mestre da arte russa do romantismo, conhecido como um maravilhoso pintor de retratos. Na pintura "Dmitry Donskoy no campo Kulikovo" (1805, Museu Russo), ele demonstrou um conhecimento confiante dos cânones do quadro histórico acadêmico. Mas desde cedo, a área onde o seu talento se revela de forma mais natural e natural é o retrato. Seu primeiro retrato pictórico (“A. K. Schwalbe”, 1804, ibid.), escrito à maneira “rembrandtiana”, destaca-se pelo expressivo e dramático sistema de luz e sombra. Ao longo dos anos, sua habilidade - manifestada na capacidade de criar, antes de tudo, imagens únicas com características individuais, escolhendo meios plásticos especiais para destacar essa característica - está se fortalecendo. Cheio de vitalidade impressionante: um retrato de um menino de A. A. Chelishchev (por volta de 1810-11), imagens emparelhadas dos cônjuges F. V. e E. P. Rostopchin (1809) e V. S. e D. N. Khvostov (1814, todos - Galeria Tretyakov). A artista joga cada vez mais com as possibilidades de cores e contrastes de luz e sombra, fundo da paisagem, detalhes simbólicos (“E. S. Avdulina”, cerca de 1822, ibid.). O artista sabe fazer até grandes retratos cerimoniais liricamente, quase intimamente relaxados (“Retrato da Vida Hussars Coronel Yevgraf Davydov”, 1809, Museu Russo). Seu retrato de um jovem A.S. Pushkin é um dos melhores na criação de uma imagem romântica. Pushkin de Kiprensky parece solene e romântico, em um halo de glória poética. “Você me lisonjeia, Orestes”, Pushkin suspirou, olhando para a tela acabada. Kiprensky também foi um desenhista virtuoso, que criou (principalmente na técnica do lápis e pastel italianos) exemplos de habilidade gráfica, muitas vezes superando seus retratos pictóricos com emotividade aberta e excitantemente leve. Estes são tipos cotidianos (“O Músico Cego”, 1809, Museu Russo; “Kalmychka Bayausta”, 1813, Galeria Tretyakov) e a famosa série de retratos a lápis de participantes da Guerra Patriótica de 1812 (desenhos representando E. I. Chaplits, A. R. Tomilova , P. A. Olenina, o mesmo desenho com o poeta Batyushkov e outros, 1813-15, Galeria Tretyakov e outras coleções); o início heróico aqui adquire uma conotação sincera. Um grande número de esboços e evidências textuais mostram que o artista, ao longo de seu período de maturidade, gravitava para criar um grande (em suas próprias palavras de uma carta a A. N. Olenin em 1834), “espetacular, ou, em russo, impressionante e mágico quadro ”, onde os resultados da história europeia, bem como o destino da Rússia, seriam retratados de forma alegórica. “Leitores de Jornais em Nápoles” (1831, Galeria Tretyakov) - aparentemente apenas um retrato de grupo - de fato, há uma resposta secretamente simbólica aos eventos revolucionários na Europa. No entanto, a mais ambiciosa das alegorias pitorescas de Kiprensky permaneceu por cumprir ou desapareceu (como o "túmulo de Anacreon", concluído em 1821). Essas buscas românticas, no entanto, receberam uma continuação em larga escala no trabalho de K. P. Bryullov e A. A. Ivanov.

A maneira realista foi refletida nas obras de V. .MAS. Tropinina. Os primeiros retratos de Tropinin, pintados em cores restritas (retratos de família dos Condes Morkovs de 1813 e 1815, ambos na Galeria Tretyakov), ainda pertencem inteiramente à tradição do Iluminismo: o modelo é o centro incondicional e estável da imagem em eles. Mais tarde, a coloração da pintura de Tropinin torna-se mais intensa, os volumes são geralmente moldados de forma mais clara e escultural, mas o mais importante, um sentimento puramente romântico dos elementos móveis da vida cresce insinuantemente, apenas uma parte da qual o herói do retrato parece ser um fragmento ("Bulakhov", 1823; "K. G. Ravich", 1823; auto-retrato, por volta de 1824; todos os três - ibid.). Assim é A. S. Pushkin no famoso retrato de 1827 (Museu de Toda a Rússia de A. S. Pushkin, Pushkin): o poeta, pondo a mão em uma pilha de papel, como se “escuta a musa”, escuta o sonho criativo que envolve a imagem com um halo invisível. Ele também pintou um retrato de A.S. Pushkin. Antes que o espectador pareça sábio pela experiência de vida, não uma pessoa muito feliz. No retrato de Tropinin, o poeta é encantador de maneira caseira. Algum calor e conforto especial da antiga Moscou emana das obras de Tropinin. Até a idade de 47, ele estava em cativeiro. Portanto, provavelmente, os rostos das pessoas comuns são tão frescos, tão inspirados em suas telas. E a juventude e charme de sua "Lacemaker" são infinitas. Na maioria das vezes, V. A. Tropinin voltou-se para a imagem das pessoas do povo ("A Rendeira", "Retrato de um Filho", etc.).

Nas buscas artísticas e ideológicas do pensamento social russo, a expectativa de mudanças se refletia nas pinturas K.P. Bryullov"O Último Dia de Pompéia" e A.A. Ivanov "A Aparição de Cristo ao Povo".

Uma grande obra de arte é a pintura "O Último Dia de Pompéia" de Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852). Em 1830, o artista russo Karl Pavlovich Bryullov visitou as escavações da antiga cidade de Pompéia. Ele caminhou pelas calçadas antigas, admirou os afrescos, e aquela trágica noite de agosto de 79 dC surgiu em sua imaginação. e., quando a cidade foi coberta com cinzas incandescentes e pedra-pomes do Vesúvio desperto. Três anos depois, a pintura "O Último Dia de Pompéia" fez uma viagem triunfante da Itália para a Rússia. O artista encontrou cores incríveis para retratar a tragédia da cidade antiga, morrendo sob a lava e as cinzas da erupção do Vesúvio. A imagem está imbuída de altos ideais humanistas. Mostra a coragem das pessoas, seu altruísmo, mostrado durante uma terrível catástrofe. Bryullov estava na Itália em uma viagem de negócios da Academia de Artes. Nesta instituição de ensino, a formação na técnica de pintura e desenho estava bem estabelecida. No entanto, a Academia se concentrou inequivocamente na herança antiga e nos temas heróicos. A pintura acadêmica foi caracterizada por uma paisagem decorativa, teatralidade da composição geral. Cenas da vida moderna, uma paisagem russa comum foram consideradas indignas do pincel do artista. O classicismo na pintura foi chamado de academismo. Bryullov foi associado à Academia com todo o seu trabalho.

Ele possuía uma imaginação poderosa, um olho aguçado e uma mão fiel - e produziu criações vivas, consistentes com os cânones do academicismo. Verdadeiramente com a graça de Pushkin, ele conseguiu capturar na tela a beleza de um corpo humano nu e o tremor de um raio de sol em uma folha verde. Suas telas “Cavala”, “Bathsheba”, “Manhã italiana”, “Noon italiano”, numerosos retratos cerimoniais e íntimos permanecerão para sempre obras-primas da pintura russa. No entanto, o artista sempre gravitou em torno de grandes temas históricos, para a representação de eventos significativos na história humana. Muitos de seus planos a esse respeito não foram implementados. Bryullov nunca abandonou a ideia de criar uma tela épica baseada em um enredo da história russa. Ele começa a pintura "O cerco de Pskov pelas tropas do rei Stefan Batory". Retrata o clímax do cerco de 1581, quando os guerreiros Pskov e. os habitantes da cidade correm para atacar os poloneses que invadiram a cidade e os jogam de volta para trás dos muros. Mas a imagem permaneceu inacabada, e a tarefa de criar pinturas históricas verdadeiramente nacionais foi realizada não por Bryullov, mas pela próxima geração de artistas russos. A mesma idade que Pushkin, Bryullov sobreviveu a ele por 15 anos. Ele tem estado doente nos últimos anos. De um autorretrato pintado na época, um homem ruivo de feições delicadas e um olhar calmo e pensativo está nos olhando.

Na primeira metade do século XIX. o artista viveu e trabalhou Alexandre Andreevich Ivanov(1806-1858). Ele dedicou toda a sua vida criativa à ideia do despertar espiritual do povo, encarnando-o na pintura “A Aparição de Cristo ao Povo”. Por mais de 20 anos trabalhou no quadro "A Aparição de Cristo ao Povo", no qual colocou todo o poder e brilho de seu talento. No primeiro plano de sua tela grandiosa, a figura corajosa de João Batista chama a atenção, apontando o povo para o Cristo que se aproxima. Sua figura é dada à distância. Ele ainda não veio, ele está vindo, com certeza virá, diz o artista. E os rostos e almas daqueles que esperam o Salvador iluminam, purificam. Nesta foto, ele mostrou, como I. E. Repin disse mais tarde, "um povo oprimido, sedento pela palavra de liberdade".

Na primeira metade do século XIX. A pintura russa inclui enredo cotidiano. Um dos primeiros a contatá-lo Alexey Gavrilovich Venetsianov(1780-1847). Ele dedicou seu trabalho a retratar a vida dos camponeses. Ele mostra essa vida de forma idealizada e embelezada, prestando homenagem ao sentimentalismo então na moda. No entanto, as pinturas de Venetsianov “Eira”, “Na colheita. Verão”, “Em terra arável. Primavera", "Mulher camponesa com flores", "Zakharka", "Manhã do proprietário de terras", refletindo a beleza e a nobreza do povo russo comum, serviu para afirmar a dignidade de uma pessoa, independentemente de seu status social.

Suas tradições continuaram Pavel Andreevich Fedotov(1815-1852). Suas telas são realistas, repletas de conteúdo satírico, expondo a moral, a vida e os costumes mercenários da elite da sociedade ("Major's Matchmaking", "Fresh Cavalier", etc.). Ele começou sua carreira como satirista como oficial da guarda. Então ele fez esboços engraçados e travessos da vida no exército. Em 1848, sua pintura "The Fresh Cavalier" foi apresentada em uma exposição acadêmica. Era uma zombaria ousada não apenas da burocracia estúpida e satisfeita consigo mesma, mas também das tradições acadêmicas. O manto sujo, que o personagem principal do filme vestia, lembrava muito uma toga antiga. Bryullov ficou na frente da tela por um longo tempo e depois disse ao autor meio de brincadeira meio sério: “Parabéns, você me derrotou”. Outras pinturas de Fedotov ("Café da manhã de um aristocrata", "Major's Matchmaking") também são de natureza cômica e satírica. Suas últimas pinturas são muito tristes (“Âncora, mais âncora!”, “Viúva”). Os contemporâneos compararam corretamente P.A. Fedotov em pintura com N.V. Gogol na literatura. Expor as pragas da Rússia feudal é o tema principal da obra de Pavel Andreevich Fedotov.

Durante o reinado de Alexandre 1, a arte russa atingiu um alto nível artístico, a arquitetura russa atingiu seu auge. Nesta época, uma parte significativa das estruturas arquitetônicas de destaque foram construídas em São Petersburgo, que se tornaram monumentos da arquitetura do classicismo russo. São eles: a Catedral de Kazan, o edifício do Instituto de Mineração (arquiteto A. Voronikhin), o Palácio Mikhailovsky, o Teatro Alexandrinsky (arquiteto K. Rússia), o edifício da Bolsa de Valores (arquiteto J.F. Thomas de Thomon), o Almirantado (arquiteto Andrey Zakharov), Catedral da Trindade, Catedral da Transfiguração (arquiteto V. Stasov).

Após a vitória da Rússia na guerra de 1812, a Rússia desenvolve estilo império, que se desenvolveu com base no "classicismo de Alexandre". Os elementos decorativos do Império de São Petersburgo eram compostos por elementos do antigo equipamento militar romano (tradicionalmente com o Império Francês). Eram sinais legionários com águias, feixes de lanças, machados, feixes de flechas, imagens de escudos, elementos da arte egípcia também eram usados: ornamentos egípcios, imagens de esfinges. O Império Russo era caracterizado pela cor amarela pálida dos edifícios e pela cor branca das colunas, frontões, pilastras e outros detalhes da decoração arquitetônica (as cores do Império Napoleônico eram vermelho, azul, branco com ouro). O principal arquiteto que expressou as ideias do Império Russo foi Carlos Rossi. Ele construiu 12 ruas e 13 praças no centro de São Petersburgo. Criações de C. Rossi: Praça do Palácio, Palácio Mikhailovsky com um extenso parque e serviços, Teatro Alexandrinsky. Rossi combinou habilmente formas arquitetônicas com decoração escultural e pictórica por fora e por dentro. Ele projetou o lugar e o caráter de relevos, pinturas, estátuas, cortinas e móveis. A decoração do interior obedeceu ao mesmo princípio do design exterior. Um dos melhores exemplos do interior do Império é Salão Branco do Palácio Mikhailovsky. A calma brancura das paredes e colunas é realçada pelo dourado das cornijas moldadas e dos capitéis coríntios. Acima dos portais há baixos-relevos com figuras de bacantes em repouso, coroas, guirlandas e outros atributos do Império. A pintura do teto e da parte superior das paredes combina pintura multicolorida, padrões dourados e grisaille (pintura monocromática). O tom dourado do parquet e das portas está em harmonia com o estofamento azul dos móveis dourados. O interior é complementado por candeeiros de pé em forma de colunas, candelabros, candelabros, castiçais de bronze, pedra e cristal. Com toda a variedade, a decoração interior distingue-se pelo sentido de proporção, que é geralmente característico do estilo Império.

Nos primeiros anos do reinado do imperador Nicolau 1, as atividades de K. Rossii, V. Stasov continuaram. "Império Nikolaev" tornou-se a última fase do desenvolvimento do classicismo na arquitetura russa. Uma representação visual da arquitetura deste período é dada pelos edifícios da Praça de Santo Isaac em São Petersburgo. Catedral de Santo Isaac construído pelo arquiteto Auguste Montferan. Um enorme edifício retangular, de quatro lados decorado com os mesmos pórticos de várias colunas com frontões pesados, decorados com altos relevos. Uma cúpula dourada eleva-se acima da catedral a uma altura de 101 m, o tambor é cercado por uma colunata coroada por uma balaustrada com estátuas. Escultura, mosaico, pintura (realizada pelos pintores do classicismo acadêmico K. Bryullov, F. Bruni, P. Bacia) desempenham um papel importante no interior da catedral.

Quadro primeira metade do século XIX É representado por várias direções: houve classicismo, romantismo desenvolvido.

O romantismo russo não foi um movimento artístico tão poderoso como na França e na Alemanha. Não há nenhuma excitação extrema nisso, nenhuma desesperança trágica.

No gênero retrato, o romantismo se manifestou na obra de Orest Kiprensky, Vasily Tropinin.

O. Kiprensky formou-se na Academia de Pintura de São Petersburgo na classe de pintura histórica. Em seus anos mais jovens, ele gira no círculo da intelectualidade nobre de pensamento livre. Ele conhecia os poetas românticos Batyushkov, Vyazemsky, V. Zhukovsky posaram para ele e, mais tarde, A. Pushkin. Nos retratos, Kiprensky procurou descobrir várias facetas do caráter humano e do mundo espiritual de uma pessoa. Para fazer isso, ele usa cada vez diferentes técnicas de pintura. Do classicismo, Kiprensky toma a idealização da imagem, mas busca mostrar o vôo romântico da alma. Entre as obras mais significativas está uma série de retratos dos militares - participantes da guerra de 1812. (E. Davydova, I. e A. Lanskikh e outros). A pintura de Kiprensky se distingue pela liberdade artística. Em uma pose livre, olhando pensativamente para o lado, casualmente apoiado em uma laje de pedra, está o Coronel da Vida Caps E.B. Davydov (1809, Museu Russo). Este retrato é percebido como uma imagem coletiva do herói da guerra de 1812, embora seja bastante específico. O clima romântico é reforçado pela representação de uma paisagem tempestuosa contra a qual a figura é apresentada. A coloração é construída em cores sonoras levadas ao máximo - vermelho com ouro e branco com prata na roupa de um hussardo - e no contraste dessas cores com os tons escuros da paisagem. A obra-prima de Kiprensky é "Retrato de Pushkin" (1827). A aparência real do poeta e o rosto iluminado pela inspiração. O poeta escreveu sobre isso: "Eu me vejo como em um espelho, mas esse espelho me lisonjeia". No retrato, Kiprensky criou uma imagem coletiva. Kiprensky tornou-se o fundador do retrato a lápis russo.

Artistas românticos incluem Vasily Tropinin (aos 45 anos ele foi libertado da servidão). Ele viveu uma longa vida frutífera, recebeu reconhecimento durante sua vida, o título de acadêmico, tornou-se o artista mais famoso da escola de retratos de Moscou dos anos 20-30. Nos retratos de Tropinin não há impulso romântico de Kiprensky. Os melhores retratos de Tropinin são marcados pela alta perfeição artística. Isso é especialmente evidente no retrato do filho de Arseny, uma imagem incomumente sincera, cuja vivacidade e imediatismo são enfatizadas pela iluminação habilidosa: no lado direito da figura, o cabelo é perfurado, inundado pela luz do sol, habilmente representado pelo mestre. A gama de cores do dourado-ocre ao rosa-marrom é extraordinariamente rica, o uso generalizado de vidros ainda lembra as tradições da pintura do século XVIII.

Como regra, a imagem de Tropinin é dada em um fundo neutro com um mínimo de acessórios. É exatamente assim que a Tropinina A.S. Pushkin (1827) - sentado à mesa em uma posição livre, vestido com um vestido de casa, que enfatiza a aparência natural. Nas imagens de Tropinin, sinceridade de expressão, simplicidade, ingenuidade, veracidade dos personagens, autenticidade dos detalhes cotidianos. Tropinin tornou-se o criador do retrato-imagem, ou seja, um retrato no qual foram introduzidas as características do gênero. "Lacemaker", "Spinner", "Guitarist", "Golden Sewing" são imagens tipificadas com um determinado enredo. O artista transmite o mundo interior de seus personagens.

Uma paisagem romântica é apresentada nas telas de Sylvester Shchedrin. Viveu no exterior depois da Academia de Artes, pintou o porto de Sorrento, as margens de Nápoles, diferentes vistas da cidade de Roma. A artista transmite tudo na complexa interação do ambiente luz-ar, usa tons cinza-prateados com toques de vermelho (na folhagem enferrujada das árvores de outono, nas roupas etc.). Capri", "Vista de Nápoles em noite de luar".

O romantismo na pintura de paisagem é mais claramente representado pelo trabalho de Alexei Venetsianov (um aluno de Borovikovsky). Suas pinturas mostram a vida serena do camponês: “Em terra arável. Primavera”, “Na colheita. Verão”, “Manhã do Proprietário”, “Cortadores de relva”. Venetsianov transmitiu a poesia da vida popular, este é o charme romântico de suas pinturas. Venetsianov não revelou as contradições mais agudas da vida contemporânea do camponês russo, não levantou as "questões dolorosas" do presente. Este é um modo de vida idílico patriarcal. Nas pinturas “nada acontece”, os personagens são estáticos, mas uma pessoa está sempre em unidade com a natureza, em eterno trabalho, e isso torna as imagens de Venetsianov verdadeiramente monumentais.

A pintura histórica russa dos anos 30 e 40 do século XIX também se desenvolveu sob o signo do romantismo. Karl Bryullov foi o artista que encontrou um compromisso entre os ideais do classicismo e as inovações do romantismo. Depois da Academia de Letras, morou na Itália, depois de uma viagem a Pompéia, trabalhou em sua principal obra, O Último Dia de Pompéia (1830-1833). Ele mostrou um evento real da história antiga - a morte da cidade durante a erupção do Monte Vesúvio em 79. DE ANÚNCIOS (os temas no classicismo são sempre históricos). O tema da morte é característico do romantismo, mesmo na morte uma pessoa permanece bela: um jovem salva sua amada, uma mãe cobre uma criança, um artista tira tintas, mas deixando a cidade destruída, ele tenta capturar uma visão terrível. O artista mostrou a grandeza e a dignidade do homem diante da morte. Iluminação cênica feita com efeitos românticos.

Alexander Ivanov foi uma figura central na pintura de meados do século. Após a Academia de Artes, ele viveu na Itália, 1,5 meses antes de sua morte, ele retornou à sua terra natal. A pintura principal é "A Aparição de Cristo ao Povo". Ivanov foi para este trabalho por um longo tempo. Ele acreditava na ideia do destino profético do artista neste mundo, acreditava na perfeição de uma pessoa que busca a liberdade e a verdade. Ele mostrou a visão espiritual das pessoas que viram Jesus, então ele expressou a ideia da perfeição moral da humanidade. A pertença deste quadro ao romantismo é contestada: não tem enredo dramático, nem dinâmica de ação, nem paixões furiosas, nem cor e efeitos de luz. Ao mesmo tempo, a ideia e a ideia geral são, sem dúvida, românticas: o chamado de João Batista e a pregação de J. Cristo deveriam despertar o povo da Judéia do “silêncio secular”.

Escultura.

Em 1838, P.K.Klodt recebeu o título de acadêmico e foi nomeado professor de escultura na Academia de Artes.

Peter Klodt é um excelente escultor que criou grupos escultóricos de cavalos. Eles decoram a Ponte Anichkov de São Petersburgo, o Teatro Bolshoi (uma quadriga com Apolo no frontão do teatro). A grande inauguração da ponte com as esculturas de Klodt ocorreu em 20 de novembro de 1841, com uma grande multidão de espectadores admirados.

Na primeira dessas obras, o cavalo empinou, ele estava excitado, suas narinas estavam inchadas, ele tentava escapar, mas o jovem cocheiro o refreou e o cobriu com um cobertor. Na segunda - o cavalo ainda continua excitado, mas obedeceu ao homem, o jovem o conduz ao lado dele - rédea, ferrado e coberto com um cobertor. PKKlodt participou na decoração dos interiores da Catedral de Santo Isaac (alto relevo "Cristo na Glória"). Ele é o autor do monumento a IA Krylov no Jardim de Verão em São Petersburgo, a estátua de São Vladimir em Kyiv. A última de suas grandes obras é um monumento ao seu patrono, o imperador Nicolau I de São Petersburgo.

O movimento principal foi em direção ao realismo, mas se afirmou na luta contra o classicismo autoritário representado pela Academia e, portanto, conseguiu ganhar terreno muito mais tarde do que na literatura. Enquanto Pushkin já havia se tornado o "Poeta da Realidade" aos 25-26 anos, a pintura russa teve dificuldade em superar a influência inerte da era anterior. Inicialmente, a nova pintura russa associou-se ao romantismo.
Orest Adamovich Kiprensky (1782 - 1836)
Este artista esteve nas origens da pintura russa do século XIX. Sua arte se distingue pela paixão e impulso, o desejo de transmitir o movimento da vida interior. Ele procurava o sublime em uma pessoa, retratava heróis nos melhores momentos, transmitia a capacidade de sentir, o desejo de viver uma vida espiritual. A melhor parte de seu trabalho são retratos do final dos anos 1800-1810. Kiprensky procurou reflexos do ideal nos rostos das pessoas. Ele está interessado em uma pessoa que não tem nada a ver com o serviço público, que vive na esfera dos interesses privados, no mundo dos sentimentos.
Retratos: um retrato de Evgraf Davydov (1809), um retrato de um menino Chelishchev (1808 - 1809), um retrato do poeta V. A. Zhukovsky (1816). As principais técnicas de pintura são as seguintes:
um contraste nítido de luz e sombra, às vezes uma gradação próxima de cores vizinhas. Predominantemente vermelho, azul e branco compõem o acorde de cor principal. Cada rosto de Kiprensky é único, pode-se dizer sobre esse herói que ele é o único. Esta é uma característica do romantismo.
O retrato mais famoso de Kiprensky foi criado em 1827. isto retrato de A. S. Pushkin, sobre o qual todos os parentes disseram que ele está mais próximo do que outros do original.

Silvestre Shchedrin (1791 - 1830)
Paisagem do romantismo. Após uma viagem à Itália, Shchedrin se livra do ataque acadêmico e ganha a liberdade. Ele passa 10 anos lá, experimenta o florescimento da criatividade e morre antes de poder retornar à sua terra natal. Ele escreve pontos de vista italianos. A natureza em suas telas parece radiante, alegre, inebriante. As cores brilham. O homem e a natureza formam a base de sua visão de mundo. Shchedrin seguiu o mesmo caminho que o Constable na Inglaterra, como Corot na França. A tarefa é abrir a vida interior para estar em harmonia com a natureza. Shchedrin tornou-se o primeiro artista russo a trabalhar ao ar livre - ao ar livre. "Nova Roma", "Costa em Sorrento com vista para a ilha de Capri".
Shchedrin procurou a verdade da luz e do ar, sua interação, dominou as leis do ar livre. Ele baniu os tons "marrons" do museu. Ele gostava de frio prateado, cinza. No final de sua vida, o artista voltou às cores quentes. "Terraço à beira-mar".

O ancestral do gênero doméstico. Alexey Gavrilovich Venetsianov (1780 - 1847).
Um simples empregado, agrimensor, começou a pintar no início do século XIX. Mudou-se de Moscou para São Petersburgo, teve aulas com Borovikovsky. Venetsianov estava próximo dos círculos avançados da sociedade. Isso é o que sua gravura diz. "Nobre". Na virada dos anos 10-40. Venetsianov descobriu o gênero da vida cotidiana, adquiriu uma pequena propriedade na província de Tver e assumiu a imagem do mundo camponês.
Ele foi confrontado com a tarefa de retratar a luz saindo de várias fontes, mostrando os camponeses em várias posições. Ele via a poesia no mais comum, na vida da aldeia. Nisso ele está perto de Pushkin. Nada de especial acontece nas pinturas de Venetsianov. A ação é geralmente monossilábica. O artista não retrata conflitos. O homem em suas telas é retratado cercado pela natureza. Venetsianov foi o primeiro a descobrir a beleza de sua natureza nativa. As melhores criações de Venetsianov “Na terra arável. Primavera”, “Na colheita, Verão”.

Karl Pavlovitch Bryullov (1799 - 1852)
Da mesma idade de Pushkin, Bryullov frequentemente cruza com o grande poeta em seu trabalho. Mas se Pushkin estava se movendo rapidamente do romantismo para uma maneira realista, para "a poesia da realidade", então Bryullov só poderia combinar habilidade acadêmica fria com escopo romântico, especialmente em sua pintura mais famosa. Ele buscava o ideal, brilhante e alegre, mas não seguiu caminhos difíceis na arte. Depois da Academia, Bryullov, como sempre acontecia com os melhores graduados, foi parar na Itália. Nas pinturas dos anos 20 sobre temas da antiguidade, do Renascimento italiano, da Bíblia, predominam os elementos decorativos e o brilho externo. Nos anos 30, surge uma percepção trágica da vida. Neste momento, o plano central de Bryullov está amadurecendo.
"O Último Dia de Pompéia" (1830 - 1833)
Nos anos 30. Bryullov cria uma série de retratos cerimoniais. Ele se tornou um artista extraordinariamente elegante, inundado de encomendas. Bryullov procura capturar algum momento sublime. Takova "Cavaleiro"- Aluno da Condessa Samoilova - Jovanina.
Nos anos 40. o artista procurava expressividade psicológica. Maravilhoso "Auto-retrato" 1848 pintado pelo artista após uma doença grave. Diante de nós está uma pessoa cansada, desapontada e cansada da vida. Este retrato está longe de ser um academicismo frio. Está escrito de maneira livre, o traço é largo, não lambido, o que fala do futuro da arte russa.

Alexandre Ivanov (1806 - 1858)
Ele era um homem de excepcional força de pensamento, caráter, "alma de ouro", que sabia cuidar dos entes queridos e, ao mesmo tempo, muito rigoroso na vida doméstica. Ele era um verdadeiro poeta e desprezava todos os efeitos externos, benefícios. Ele se distinguia por um amor imenso e sem limites pela pátria, um sonho de sua exaltação. A sede ilimitada de auto-aperfeiçoamento, autodesenvolvimento constante, insatisfação consigo mesmo - tudo isso o tornou uma personalidade excepcionalmente brilhante. Alexander Ivanov foi apreciado por Herzen e Ogarev, Chernyshevsky, seu amigo era N.V. Gogol.
Ivanov nasceu em São Petersburgo na família de um artista. Ele se formou na Academia e em 1830 veio para a Itália, para Roma. Ele retornará apenas um mês e meio antes de sua morte e trará a “Aparição de Cristo ao Povo”. As tarefas que Ivanov estabeleceu para si mesmo tornaram-se cada vez mais complicadas. Primeiro ele queria entender a escola italiana e seu espírito, depois conectar religião e mitologia com os problemas do bem e do mal.
"Aparição de Cristo a Madalena"- a primeira abordagem a uma nova tarefa, ainda em grande parte acadêmica.
"A Aparição de Cristo ao Povo".
De 1836 a 1848 Ivanov escreveu sua segunda e principal obra. Na verdade, ele continuou a trabalhar nele até sua morte. Esta tela está cheia de virtudes incríveis: a imagem da natureza e das pessoas, personagens, manifestações espirituais, o movimento do coração, a própria ideia é brilhante - retratar a verdade revelada às pessoas e a esperança de salvação. Ivanov não introduziu figuras humanas ou motivos de gênero em seus esboços. Suas paisagens são filosóficas e históricas. No "Via Ápia" mostra a estrada em que havia cruzes com escravos crucificados após a revolta de Spartacus. Em um galho, brilhando ao sol, Ivanov foi capaz de sentir o Universo. Depois de 1848, depois das revoluções na Europa, o dinheiro da Rússia parou de chegar. Pai morreu. Ivanov não podia agora completar o quadro do jeito que ele queria. E suas novas ideias foram ainda mais grandiosas: um ciclo de pinturas bíblicas na parede de um prédio especial. Os esboços ficam mais livres. Livre dos resquícios do academismo. Mas, como Michelangelo, Bazhenov, Rodin, Ivanov não conseguiu realizar todas as suas ideias. Ivanov não recebeu reconhecimento na Rússia, mas seu trabalho desempenhou um papel importante no desenvolvimento de toda a arte russa do século XIX.
Pavel Andreevich Fedotov. (1815 - 1852)
Seu apogeu e morte veio na década de 40. O século XIX é a época do triunfo da reação de Nikolaev. Trágico é o destino do artista, que pagou um alto preço por ser o primeiro a perscrutar com ousadia as características da vida russa. Ele se formou no corpo de cadetes de Moscou, acabou em São Petersburgo no Regimento de Guardas finlandeses, a maior parte de sua vida esteve ligada ao exército russo. Se não fosse por esse conhecimento do ambiente do exército, ele não teria conseguido desenhar a imagem de seu major com tanta precisão na famosa foto. No exército, Fedotov se interessou por desenhar, caricaturar, esboçar, muitas vezes desenhando seus amigos, cenas militares cotidianas, viagens a acampamentos militares de verão, etc. Ele estudou pintura por conta própria, começou a ter aulas na Academia. Conhecido por seus maravilhosos desenhos "A consequência da morte de Fidelka", "Marido de uma mulher enganada", A menina seduzida por um oficial à beira do leito de uma mãe doente ", Os próprios nomes dessas obras lembram uma escola natural na literatura, cujo significado era uma representação direta dos aspectos mais típicos da vida russa. Mas Fedotov não foi incluído no círculo de escritores associados ao ideólogo da escola natural - Belinsky. Ele seguiu seu próprio caminho. Nos anos 40. Fedotov começa a tentar pintar a óleo. Ele mergulha na essência da vida, seu trabalho se torna cada vez mais trágico.
Fedotov criou as telas mais significativas de 1846 a 1852. Cada uma de suas pinturas foi um marco no caminho de um novo sistema de compreensão artística da realidade.
"Cavalier fresco" 1846. Uma ideia intrigante é apresentada.

"Major's Matchmaking" 1848
Este é o auge da criatividade de Fedotov. A essência da famosa tela é a imagem do mundo do engano, mentiras, casamento, que, claro, aparece como um negócio comum. O mundo nas telas do artista torna-se cada vez mais terrível. Os objetos são distorcidos, uma expressão forte aparece. Desaparece sátira na imagem "Viúva", onde Fedotov se apresentou no retrato do falecido marido da mulher.
"Jogadores" 1852. A cena é quase irreal, fantástica. Logo Fedotov adoeceu com uma doença mental e terminou seus dias em um manicômio.Ele está enterrado no cemitério de Alexander Nevsky Lavra em São Petersburgo. O próprio Fedotov, como escreveu o crítico Stasov, provavelmente ficaria surpreso se soubesse que sua busca foi na mesma direção da busca pelos melhores artistas franceses do século XIX, que abriram o caminho para a direção realista. Pela coragem com que perscrutou a realidade de Nikolaev, ele pagou um alto preço, mas suas realizações, cuja seriedade os acadêmicos não entenderam imediatamente, prepararam o caminho para os artistas realistas russos - os Andarilhos.

O caminho da cultura artística russa, começando com o classicismo, percorreu na primeira metade do século XIX do romantismo ao realismo. Os pintores que seguiram os caminhos do classicismo, que adquiriram um tom acadêmico na pintura no início do século XIX, não alcançaram grandes alturas. É verdade que os contemporâneos valorizavam muito sua arte; o gênero histórico em que trabalhavam era considerado o mais alto da Academia. É verdade que algumas mudanças ocorreram na pintura histórica. Consistiam no fato de que os temas nacionais ganhavam cada vez mais peso.

Um dos mais famosos pintores históricos do início do século Andrey Ivanov - o pai do grande Alexander Ivanov - na maioria das vezes dedicou suas obras a heróis da história antiga da Rússia - Mstislav o Udaly ou um jovem Kievano. Outro artista do início do século XIX Dmitry Ivanov dedicou sua pintura a Marfa Posadnitsa, que então, na visão do povo progressista do início do século 19, era um lutador consistente dos homens livres de Novgorod. Personagens históricos em todas essas obras atuaram como verdadeiros heróis. Suas façanhas serviriam de pretexto para comparar a história com o presente.

No entanto, a pintura histórica não avançou em nada de essencial em comparação com os mestres do final do século XVIII.

O classicismo como tendência na cultura artística russa está agora adquirindo um poderoso som cívico. Na literatura científica, esse período é geralmente referido como alto classicismo.

O alto classicismo também se refletiu na pintura, mas aqui o desejo dos artistas de trazer a arte para mais perto da vida foi mais frutífero. Característica para os pintores dessa época era a afirmação romântica da beleza do único, individual, incomum.

Um dos artistas que estiveram na origem da arte do século XIX foi Orest Adamovich Kiprensky (1782-1836) . Se colocarmos na balança da história, por um lado, todas as pinturas de pintores históricos e, por outro lado, vários retratos de Kiprensky, este último, sem dúvida, supera. São eles que nos falam dessa época; eles têm a alma daqueles anos. Eles têm a beleza da excitação e do impulso, o desejo pela dinâmica da vida interior. Kiprensky não estava satisfeito com a realidade que o cercava; ele buscava um começo sublime em uma pessoa, retratando seus heróis nos melhores momentos, transmitindo sua capacidade de sentir, seu desejo de viver uma vida espiritual. Os heróis de Kiprensky perscrutam o mundo, confiam-se ao interlocutor. Não é por acaso que esses retratos às vezes são comparados com mensagens poéticas para um amigo - com o gênero de poesia lírica que era difundido nos tempos pré-Pushkin e Pushkin.

Kiprensky descobriu não apenas novas qualidades de uma pessoa, mas também novas possibilidades de pintura. Cada um de seus retratos tem sua própria estrutura pictórica especial. Alguns são construídos em um nítido contraste de luz e sombra. Em outros, o principal meio pictórico é uma gradação sutil de cores próximas umas das outras. Essa variedade de manifestações do rosto criativo do artista também pertence ao novo século - o conceito criativo romântico.

O romantismo russo em sua primeira fase é representado por um pintor de paisagens Silvestre Shchedrin (1791-1830) . Ele começou em um momento em que havia certa estagnação na paisagem russa: a paisagem decorativa do século XVIII estava completando seu desenvolvimento, e as tendências emergentes na compreensão lírica da natureza foram suplantadas pelo rigor e secura protocolar da pintura em vídeo e esquematismo clássico. O artista passou mais de dez anos na Itália, que foi então retratada por artistas e poetas russos como a “terra prometida”. Lá ele experimentou o florescimento da criatividade; Ele morreu lá antes que ele pudesse retornar à sua terra natal. Esses foram os melhores anos de sua curta vida e criatividade cheia de buscas. Shchedrin pintou vistas italianas. A Itália, com sua natureza pitoresca e magnífica, parecia-lhe exatamente o lugar onde um pintor de paisagens poderia e deveria criar. A natureza de Shchedrin é sempre sublime, brilhando com cores alegres; intoxica uma pessoa, traz-lhe uma doce sensação de felicidade. Parece predispor a esse “dolce far niente” (“bonito sem fazer nada”), que aos olhos dos russos era a verdadeira base da vida italiana. O caminho para tal compreensão da natureza foi aberto ao artista por novas ideias românticas sobre a relação entre o homem e seu ambiente natural; a natureza mostrou-se capaz de suprimir o homem com sua imensa majestade, ou então abrir-lhe sua vida interior para a convivência.

V.A. Tropinina (1776-1857) demonstrou com sua obra uma transição gradual, e não acentuada, como em Kiprensky, do século XVIII para o XIX. Tropinin adotou as tradições do sentimentalismo de Borovikovsky e geralmente usou a herança do século XVIII, que é especialmente perceptível em seus primeiros trabalhos (“A Garota de Podol”).

No entanto, logo o artista aprovou seu próprio princípio de interpretar uma pessoa. Seus retratos dos anos 20-30, ou seja, florescente, já testemunham um conceito figurativo completamente independente. A tropinina pode ser considerada o antípoda de Kiprensky. Os retratos do mestre de Moscou são sempre simples, “caseiros”. Não há excitação interior particular em seus personagens. Mas, por outro lado, eles se comportam à vontade, com calma. O artista com grande imediatismo percebe e transmite as características do modelo e do ambiente em que este modelo reside. Nesses retratos há a verdade dos personagens e a verdade do ambiente. Eles mostram interesse no ambiente específico de uma pessoa, em suas roupas, em um momento precisamente marcado em que esse estado particular de uma pessoa é revelado. Ao mesmo tempo, esses retratos se distinguem por altos méritos pictóricos: modelagem suave de volume, acompanhada de unidade tonal, não impede que Tropinin às vezes veja o valor das qualidades de cores independentes e a beleza da textura. Todas essas características podem ser observadas nos retratos do filho (c. 1818), Bulakhov (1823), Ravich (1825), Zubova (1834) e outros.

O interesse do artista pelo ambiente, pelo ambiente em que as pessoas vivem, o levou a um tipo especial de pintura em que o retrato se conjuga com o gênero. Em inúmeras “Lacemakers”, “Costureiras de Ouro”, “Guitarristas”, como regra, há uma imagem de retrato tipificada e ao mesmo tempo o artista recria uma certa ação, ainda que inequívoca e simples. Nessas obras, a conexão de Tropinin com a herança sentimental de pintores anteriores é especialmente clara, mas as imagens de Tropinin gravitam mais para o gênero, para o início cotidiano.

O trabalho de Tropin determinou em grande parte as características específicas da pintura de Moscou. Tropinin era a figura central na arte de Moscou. Embora ele próprio não realizasse trabalho docente, os professores e alunos da Escola de Moscou foram guiados pela experiência de Tropinin e sua tradição continuou até o final do século XIX.

O verdadeiro ancestral do gênero cotidiano na pintura russa foi Alexei Gavrilovich Venetsianov (1780-1847) . Os retratos a lápis, pastel e óleo, feitos por Venetsianov na primeira década do século, têm um caráter romântico inicial. Em seguida, o artista se volta para a caricatura e o esboço cotidiano.

Na virada dos anos 10-20 do século XIX, Venetsianov se viu no gênero cotidiano. Seus melhores trabalhos foram criados na década de 1920 (“Gumno”). As tramas de suas pinturas, ele começou a tomar os fenômenos mais comuns da vida: camponeses limpando beterrabas, um proprietário de terras dando a suas servas uma “lição” para o dia, um pastor que adormeceu perto de uma árvore, uma cena de arar, colher e feno. Finalmente, ele criou retratos de camponeses - um menino Zakharka, um homem idoso, uma menina com flores. O artista cantou sobre pessoas comuns, sem pensar nas contradições da vida camponesa, tentando encontrar, antes de tudo, poesia nos próprios fundamentos da vida de sua aldeia contemporânea.

Os contemporâneos da pintura histórica atribuíam grande importância. A pintura “O Último Dia de Pompeia” (1830-1833) era amplamente conhecida. Karl Pavlovitch Bryullov (1799-1852) ; Gogol a cumprimentou e Pushkin dedicou várias linhas a ela. No brilho dos relâmpagos que atravessam nuvens espessas, em intensos contrastes de luz e sombra, o artista imaginou a morte dos habitantes da antiga Pompeia durante a erupção do Vesúvio. A sublime beleza do homem e a inevitabilidade de sua morte estão aqui em uma trágica contradição. O caráter romântico também é inerente à maioria dos retratos de Bryullov (“Auto-retrato” 1848).

O maior mestre da pintura histórica foi Alexander Andreevich Ivanov (1806-1858) , um artista em quem, segundo Chernyshevsky, "uma profunda sede de verdade" foi combinada com "uma pureza infantil de alma". Homem de inteligência extraordinária, Ivanov estava ardentemente convencido do grande futuro histórico do povo russo. Em suas obras, buscou compreender os elementos dos movimentos populares na história, antecipando muitas das buscas da pintura realista russa nas décadas seguintes.

Em meados do século, na era de Belinsky e Gogol, a denúncia dos vícios da vida pública ganha força nas artes visuais. Os gráficos russos - zombeteiros e cáusticos de livros e ilustrações de revistas - são os primeiros a iniciar esse movimento. Seguiu-se a pintura. A direção satírica na pintura foi a mais brilhante representado por Pavel Andreyevich Fedotov (1815-1852) . Suas pinturas, retratando os lados sombrios da realidade russa, marcaram o início da arte da segunda metade do século XIX.