2. O plástico de papel em termos de criatividade é muito semelhante à escultura. Mas, no plástico de papel, todos os produtos estão vazios por dentro, todos os produtos são conchas do objeto retratado. E na escultura, ou o volume é aumentado com elementos adicionais ou o excesso é removido (cortado).
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3. Tubos de papelão ondulado - este é o nome da técnica de fabricação de produtos, em que tubos de papelão ondulado são usados ​​para decorar superfícies ou criar figuras tridimensionais. Os tubos corrugados são obtidos enrolando uma tira de papel em uma vara, lápis ou agulha de tricô, seguida de compressão. O tubo ondulado comprimido mantém bem sua forma e possui muitas opções de execução e uso.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1492

4. Quilling (do inglês quilling - da palavra quil "pena de pássaro") - a arte de enrolar papel. Originou-se na Europa medieval, onde as freiras criavam medalhões torcendo tiras de papel com bordas douradas na ponta de uma pena de pássaro, o que criava uma imitação de uma miniatura de ouro.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/587
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4. Origami (das letras japonesas: “papel dobrado”) é a antiga arte de dobrar figuras de papel. A arte do origami tem suas raízes na China antiga, onde o papel foi descoberto.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/560
Tipos:
- Kirigami - um tipo de origami que permite o uso de tesoura e corte de papel no processo de confecção de um modelo. Esta é a principal diferença entre o kirigami e outras técnicas de dobra de papel, que é enfatizada no nome: kiru - corte, kami - papel.
Pop-up é toda uma tendência na arte. Esta técnica combina elementos de técnicas.
- Kirigami e Recortes e permite criar desenhos tridimensionais e cartões postais que se dobram em uma figura plana.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1723
- Kusudama (japonês: "bola medicinal") - um modelo de papel, que geralmente (mas nem sempre) é formado pela costura das extremidades de muitos módulos piramidais idênticos (geralmente flores estilizadas dobradas de uma folha quadrada de papel), de modo que um corpo esférico é obtido formas. Alternativamente, componentes individuais podem ser colados (por exemplo, o kusudama na foto inferior é completamente colado, não costurado). Às vezes, como decoração, uma borla é anexada por baixo.
A arte do kusudama vem de uma antiga tradição japonesa onde o kusudama era usado para incenso e uma mistura de pétalas secas; estes podem ter sido os primeiros verdadeiros buquês de flores ou ervas. A palavra em si é uma combinação das duas palavras japonesas kusuri (remédio) e tama (bola). Atualmente, os kusudami são geralmente usados ​​para decoração ou como presentes.
Kusudama é uma parte importante do origami, particularmente como precursor do origami modular. Muitas vezes é confundido com origami modular, o que é incorreto, pois os elementos que compõem o kusudama são costurados ou colados, e não aninhados uns nos outros, como sugere o origami modular.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/850
- Origami de círculos - origami dobrável de um círculo de papel. Normalmente, um aplique é então colado a partir das partes dobradas.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1636
- Origami modular - a criação de figuras tridimensionais a partir de módulos triangulares de origami - inventado na China. A figura inteira é montada a partir de muitas partes idênticas (módulos). Cada módulo é dobrado de acordo com as regras do origami clássico de uma folha de papel e, em seguida, os módulos são conectados aninhando-os um no outro. A força de atrito resultante não permite que a estrutura se desintegre.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/15

5. O papel machê (papier-mâché francês “papel mastigado”) é uma massa de fácil modelagem obtida a partir da mistura de materiais fibrosos (papel, papelão) com adesivos, goma, gesso, etc. máscaras, material didático, brinquedos, adereços teatrais, caixas. Em alguns casos, até móveis.
Em Fedoskino, Palekh, Kholui papier-mâché é usado para fazer a base para miniaturas de laca tradicionais.
Você pode decorar um branco de papel machê não apenas com tintas, pintando como artistas famosos, mas usando decoupage ou assemblage.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/561

7. Embossing (outro nome é "embossing") - extrusão mecânica que cria imagens em papel, papelão, material polimérico ou plástico, papel alumínio, pergaminho (a técnica é chamada de "pergaminho", veja abaixo), bem como em couro ou bétula casca, em que o próprio material é gravado com um carimbo convexo ou côncavo com ou sem aquecimento, às vezes com o uso adicional de papel alumínio e tinta. A gravação é realizada principalmente em capas de livros, cartões postais, cartões de convite, etiquetas, embalagens macias, etc.
Este tipo de trabalho pode ser determinado por muitos fatores: força, textura e espessura do material, direção de seu corte, layout e outros fatores.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1626
Tipos:
- Pergaminho - papel pergaminho (papel vegetal encerado espesso) é processado com uma ferramenta de gravação e torna-se convexo e branqueia durante o processamento. Nesta técnica, são obtidos cartões postais interessantes, e essa técnica também pode ser usada para projetar uma página de recados.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1705
- Texturização - aplicação de uma imagem usando um clichê em um material liso, geralmente papel metalizado, a fim de simular estampagem em folha. Também usado para imitar a pele de certas raças (por exemplo, um clichê com um padrão que imita a pele de um crocodilo, etc.)

* Técnicas relacionadas à tecelagem:
O homem aprendeu a tecer muito mais cedo do que a cerâmica. No início, tecia habitações (telhados, vedações, móveis), todo o tipo de cestos para as mais diversas necessidades (berços, tuesas, carroças, tartarugas, cestos) e sapatos de longos ramos flexíveis. O homem aprendeu a trançar o cabelo.
Com o desenvolvimento deste tipo de bordado, surgiram cada vez mais diferentes materiais para aplicação. Descobriu-se que você pode tecer de tudo o que encontra: de videiras e juncos, de cordas e fios, de couro e casca de bétula, de arame e contas, de jornais .... Técnicas de tecelagem como tecelagem, tecelagem de casca de bétula e juncos apareceram. , tatting, tecelagem de nó de macramê, tecelagem de bilros, miçangas, ganutel, tecelagem de cordão kumihimo, tecelagem de cota de malha, tecelagem de rede, tecelagem de mandala indiana, suas imitações (tecelagem de tiras de papel e embalagens de doces, tecelagem de jornais e revistas) ...
Como se viu, esse tipo de bordado ainda é popular, porque, usando-o, você pode tecer muitas coisas bonitas e úteis, decorando nossa casa com elas.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/302

1. Beading, como as próprias contas, tem uma longa história. Os antigos egípcios foram os primeiros a aprender a tecer colares de fios de contas, pulseiras de cordas e cobrir os vestidos das mulheres com redes de contas. Mas somente no século 19 começou o verdadeiro florescimento da produção de miçangas. Por muito tempo, os venezianos guardaram cuidadosamente os segredos da criação de um milagre de vidro. Artesãos e artesãs decoravam roupas e sapatos, bolsas e bolsas, estojos para leques e óculos, além de outras coisas elegantes com miçangas.
Com o advento das contas na América, os nativos começaram a usá-lo em vez de materiais tradicionais familiares indianos. Para cinto ritual, berço, bandana, cesto, rede de cabelo, brincos, caixas de rapé..
No Extremo Norte, bordados de miçangas eram usados ​​para decorar casacos de pele, botas altas de pele, chapéus, arreios de rena, óculos de sol de couro...
Nossas bisavós eram muito inventivas. Entre a enorme variedade de bugigangas elegantes, há itens incríveis. Escovas e capas para giz, estojos para palito (!), tinteiro, caneta e lápis, coleira para seu cachorro favorito, porta-copos, coleiras de renda, ovos de Páscoa, tabuleiros de xadrez e muito, muito, muito mais.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1355

2. Ganutel - bordado maltês exclusivo. É nos mosteiros do Mediterrâneo que esta técnica de criar belas flores para decorar o altar foi preservada até hoje.
O ganutel usa fino fio espiral e fios de seda para enrolar peças, bem como miçangas, pérolas ou miçangas. Flores brilhantes são elegantes e leves.
No século XVI, um fio espiral feito de ouro ou prata era chamado em italiano de “canutiglia”, e em espanhol “canutillo”, em russo essa palavra provavelmente se transformou em “gimp”.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1170

3. Macramê (do árabe - trança, franja, renda ou do turco - lenço ou guardanapo com franja) - técnica de tecelagem nodular.
A técnica desta tecelagem nodular é conhecida desde a antiguidade. Segundo alguns relatos, o macramê chegou à Europa nos séculos VIII-IX do Oriente. Essa técnica era conhecida no Egito Antigo, Assíria, Irã, Peru, China, Grécia Antiga.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/750

4. Tecelagem de rendas na bobina. Na Rússia, os ofícios Vologda, Yelets, Kirov, Belevsky, Mikhailovsky ainda são conhecidos.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1687

5. Tatting é uma renda nodular tecida. Também é chamado de renda de transporte, porque esta renda é tecida com um transporte especial.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1728

* Técnicas relacionadas à pintura, vários tipos de pintura e criação de imagens:

O desenho é um gênero nas artes visuais e uma técnica correspondente que cria uma imagem visual (imagem) em uma superfície ou objeto usando meios gráficos, elementos de desenho (em oposição a elementos pictóricos), principalmente a partir de linhas e traços.
Por exemplo: desenho a carvão, desenho a lápis, desenho a tinta e caneta...
Pintura - um tipo de arte associada à transmissão de imagens visuais pela aplicação de tintas em uma base sólida ou flexível; criar uma imagem usando tecnologia digital; bem como obras de arte feitas dessa maneira.
As obras de pintura mais comuns são feitas em superfícies planas ou quase planas, como tela esticada em maca, madeira, papelão, papel, superfícies de parede tratadas, etc. formas complexas.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1218

1. Batik - pintado à mão em tecido usando composições de reserva.
A técnica do batik baseia-se no fato de que a parafina, a cola de borracha, assim como algumas outras resinas e vernizes, quando aplicados sobre um tecido (seda, algodão, lã, sintéticos), não permitem a passagem de tinta - ou, como artistas dizem, "reserve" de manchar seções individuais do tecido.
Existem vários tipos de batik - quente, frio, nodular, pintura livre, pintura livre com solução salina, shibori.
Batik - batik é uma palavra indonésia. Traduzido do indonésio, a palavra "ba" significa tecido de algodão e "-tik" significa "ponto" ou "gota". Ambatik - desenhe, cubra com gotas, escotilha.
A pintura "batik" é conhecida há muito tempo entre os povos da Indonésia, Índia, etc. Na Europa - desde o século XX.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/916

2. Vitral (lat. Vitrum - vidro) é um dos tipos de arte decorativa. Vidro ou outro material transparente é o material base. A história dos vitrais começa desde os tempos antigos. Inicialmente, o vidro era inserido em uma janela ou porta, depois surgiram as primeiras pinturas em mosaico e composições decorativas independentes, painéis feitos com pedaços de vidro coloridos ou pintados com tintas especiais sobre vidro liso.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/886

3. Sopro - uma técnica baseada em soprar tinta através de um tubo (em uma folha de papel). Esta técnica antiga era tradicional tanto para os criadores de imagens antigas (usam tubos de osso).
Os tubos modernos para suco não são piores em uso. Eles ajudam a soprar desenhos reconhecíveis, incomuns e às vezes fantásticos de uma pequena quantidade de tinta líquida em uma folha de papel.

4. Guilloche - a técnica de queimar manualmente um padrão a céu aberto em tecido usando um aparelho de queima foi desenvolvida e patenteada por Zinaida Petrovna Kotenkova.
Guilloche requer precisão no trabalho. Deve ser feito em um único esquema de cores e corresponder ao estilo ornamental de uma determinada composição.
Guardanapos, painéis com apliques, marcadores de livros, lenços, golas - tudo isso e muito mais que sua imaginação lhe dirá, decorará qualquer casa!
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1342

5. Grattage (do francês ralador - raspar, arranhar) - técnica de coçar.
O desenho é destacado riscando com uma caneta ou um instrumento pontiagudo em papel ou papelão cheio de tinta (para que não borre, você precisa adicionar um pouco de detergente ou xampu, apenas algumas gotas).
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/686

6. O mosaico é uma das artes mais antigas. Esta é uma maneira de criar uma imagem a partir de pequenos elementos. Montar o quebra-cabeça é muito importante para o desenvolvimento mental da criança.
Pode ser de diferentes materiais: tampinhas de garrafas, miçangas, botões, lascas de plástico, serras de madeira de galhos ou fósforos, peças magnéticas, vidros, peças de cerâmica, pedrinhas, conchas, termo-mosaico, Tetris-mosaico, moedas, pedaços de tecido ou papel, grãos, cereais, sementes de bordo, massas, qualquer material natural (escamas de cone, agulhas, sementes de melancia e melão), aparas de lápis, penas de pássaros, etc.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/438

7. Monotipia (do grego monos - one, single e tupos - print) - uma das técnicas gráficas mais simples.
Em uma superfície lisa de vidro ou papel brilhante grosso (não deve deixar a água passar) - um desenho é feito com tinta guache ou tintas. Uma folha de papel é colocada em cima e pressionada contra a superfície. O resultado é uma imagem espelhada.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/663

8. Gráficos de linha (linha, imagem de linha, desenho de linha) - uma imagem gráfica feita de maneira especial com linhas em papelão ou outra base sólida. Os gráficos de linha também são chamados de isografia ou bordado de papelão. Você também pode usar veludo (papel de veludo) ou papel grosso como base. Os fios podem ser de costura comum, de lã, fio dental ou outros. Você também pode usar fios de seda coloridos.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/452

9. Ornamento (latim ornamentum - decoração) - padrão baseado na repetição e alternância de seus elementos constituintes; concebidos para decorar diversos artigos (utensílios, ferramentas e armas, têxteis, móveis, livros, etc.), estruturas arquitetónicas (tanto exteriores como interiores), obras de artes plásticas (principalmente aplicadas), entre os povos primitivos bem como os próprio corpo humano (coloração, tatuagem). Associado à superfície que decora e organiza visualmente, um ornamento, via de regra, revela ou acentua a arquitetônica do objeto sobre o qual é aplicado. O ornamento ou opera com formas abstratas ou estiliza motivos reais, muitas vezes esquematizando-os além do reconhecimento.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1222

10. Imprima.
Tipos:
- Impressão de esponja. Para isso, são adequadas uma esponja do mar e uma comum destinada à lavagem de pratos.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1094
A madeira é geralmente usada como material de partida para estampar com uma impressão clichê, para que seja conveniente levá-la à mão. Um lado é feito mesmo, porque. papelão é colado nele e padrões em papelão. Eles (padrões) podem ser de papel, de uma corda, de uma borracha antiga, de colheitas de raízes ...
- Carimbo (carimbo). A madeira é geralmente usada como material de partida para estampar com uma impressão clichê, para que seja conveniente levá-la em mãos. Um lado é feito mesmo, porque. papelão é colado nele e padrões em papelão. Eles (padrões) podem ser de papel, de uma corda, de uma borracha antiga, de raízes, etc.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1068

11. Pontilhismo (fr. Pointillisme, literalmente “pontilhado”) - estilo de escrita em pintura que utiliza tintas puras que não se misturam na paleta, aplicadas em pequenos traços de forma retangular ou redonda, com base em sua mistura óptica no olho do espectador, em contraste com a mistura de tintas na paleta. A mistura óptica de três cores primárias (vermelho, azul, amarelo) e pares de cores adicionais (vermelho - verde, azul - laranja, amarelo - violeta) dá um brilho muito maior do que uma mistura mecânica de pigmentos. ocorre na fase de percepção da imagem pelo espectador à distância ou de forma reduzida.
Georges Seurat foi o fundador do estilo.
Outro nome para o pontilhismo é divisionismo (do latim divisio - divisão, esmagamento).
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/700

12. Desenho com as palmas das mãos. É difícil para crianças pequenas usar um pincel. Há uma atividade muito emocionante que dará à criança novas sensações, desenvolverá habilidades motoras finas das mãos, proporcionará a oportunidade de descobrir um novo e mágico mundo da criatividade artística - isso é desenhar com as palmas das mãos. Desenhando com as mãos, os pequenos artistas desenvolvem sua imaginação e pensamento abstrato.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1315

13. Desenho com estampas de folhas. Depois de coletar várias folhas caídas, unte cada folha com guache do lado das veias. O papel no qual você vai imprimir pode ser colorido ou branco. Pressione a folha com o lado pintado contra a folha de papel, retire-a com cuidado, pegando a "cauda" (pecíolo). Este processo pode ser repetido várias vezes. E agora, tendo terminado os detalhes, você já tem uma borboleta voando sobre a flor.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/667

14. Pintura. Um dos tipos mais antigos de artesanato popular, que há vários séculos faz parte integrante da vida cotidiana e da cultura original do povo. Na arte popular russa, há um grande número de variedades desse tipo de arte e artesanato.
Aqui estão alguns deles:
- Pintura Zhostovo - um antigo artesanato folclórico russo, originado no início do século XIX, na aldeia de Zhostovo, distrito de Mytishchi, região de Moscou. É um dos tipos mais famosos de pintura folclórica russa. As bandejas Zhostovo são pintadas à mão. Normalmente, buquês de flores são retratados em um fundo preto.
- Pintura de Gorodets - artesanato de arte popular russa. Existe desde meados do século XIX. perto da cidade de Gorodets. Pintura brilhante e lacônica de Gorodets (cenas de gênero, figuras de cavalos, galos, padrões florais), feita com pincelada livre com pinceladas gráficas brancas e pretas, rocas adornadas, móveis, persianas e portas.
- Pintura Khokhloma - um antigo artesanato popular russo, nascido no século XVII no distrito de Nizhny Novgorod.
Khokhloma é uma pintura decorativa de utensílios e móveis de madeira, feita em preto e vermelho (e, ocasionalmente, verde) sobre fundo dourado. Ao pintar uma árvore, o pó de estanho prateado é aplicado à árvore. Depois disso, o produto é revestido com uma composição especial e processado no forno três ou quatro vezes, o que atinge uma cor dourada-mel única, que dá o efeito de massa aos utensílios de madeira leves. Os elementos tradicionais de Khokhloma são bagas vermelhas suculentas de rowan e morango, flores e galhos. Muitas vezes há pássaros, peixes e animais.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/301

15. A encáustica (do grego antigo “a arte de queimar”) é uma técnica de pintura em que a cera é o aglutinante das tintas. A pintura é feita com tintas em forma fundida (daí o nome). Uma variedade de encáustica é a têmpera de cera, que se distingue por seu brilho e riqueza de cores. Muitos ícones cristãos primitivos foram pintados nesta técnica.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1485

*Técnicas relacionadas à costura, bordado e uso de tecidos:
Costurar é uma forma coloquial do verbo "costurar", ou seja, o que é costurado ou costurado.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1136

2. Patchwork, Quilting, Quilting ou Patchwork é uma arte e artesanato popular, com tradições centenárias e características estilísticas. Esta é uma técnica que utiliza pedaços de tecidos multicoloridos ou elementos de malha de formas geométricas para serem conectados em uma colcha, blusa ou bolsa.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1347
Tipos:
- A alcachofra é um tipo de patchwork que recebeu esse nome por causa de sua semelhança com o fruto da alcachofra. Esta técnica tem outros nomes - “dentes”, “cantos”, “escamas”, “penas”.
Em geral, nesta técnica, tudo se resume a dobrar as partes cortadas e costurá-las na base em uma determinada sequência. Ou, usando papel, componha (cole) vários painéis de forma arredondada (ou poliédrica) em um plano ou em volume.
Existem duas maneiras de costurar: a ponta dos espaços em branco é direcionada para o centro da peça principal ou para as bordas. Isto é, se você costurar um produto plano. Para produtos de natureza volumétrica - com uma ponta para uma parte mais estreita. As partes a serem dobradas não são necessariamente cortadas em quadrados. Pode ser retângulos e círculos. De qualquer forma, encontramos a dobragem de espaços em branco recortados, portanto, pode-se argumentar que essas técnicas de patchwork pertencem à família do patchwork de origami e, como criam volume, portanto, também pertencem à técnica "3d".
Exemplo: http://stranamasterov.ru/node/137446?tid=1419
- Colcha louca. Recentemente me deparei com este também. Acho que é um multimétodo.
A conclusão é que o produto é criado a partir de uma combinação de várias técnicas: patchwork + bordado + pintura, etc.
Exemplo:

3. Tsumami Kanzashi. Tsumami é baseado em origami. Só que não dobram papel, mas quadrados de seda natural. A palavra "Tsumami" significa "beliscar": o mestre pega um pedaço de seda dobrada usando uma pinça ou pinça. As pétalas das futuras flores são então coladas na base.
Gancho de cabelo (kanzashi), decorado com uma flor de seda, deu o nome a todo um novo tipo de artes e ofícios. Esta técnica foi usada para fazer decorações para pentes e para varas individuais, bem como para estruturas complexas compostas por vários acessórios.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1724

* Técnicas relacionadas ao tricô:
O que é tricô? Este é o processo de fabricação de produtos a partir de fios contínuos, dobrando-os em laços e conectando os laços uns aos outros usando ferramentas simples à mão (agulha de crochê, agulhas de tricô).
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/729

1. Tricotar em um garfo. Uma maneira interessante de fazer crochê usando um dispositivo especial - um garfo, curvado na forma da letra U. O resultado são padrões leves e arejados.
2. Crochê (tambour) - o processo de tecido feito à mão ou renda de fios usando uma agulha de crochê. criando não apenas padrões densos e em relevo, mas também finos e abertos, que lembram um tecido de renda. Os padrões de tricô consistem em diferentes combinações de loops e colunas. A proporção correta - a espessura do gancho deve ser quase o dobro da espessura do fio.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/858
3. O tricô simples (europeu) permite combinar vários tipos de laços, o que cria padrões a céu aberto simples e complexos.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1157
4. Tricô tunisiano com um gancho longo (ao mesmo tempo, um e vários laços podem participar para criar um padrão).
5. Tricô Jacquard - os padrões são tricotados em agulhas de tricô de fios de várias cores.
6. Tricô de filé - imita bordado de filé-guipura em uma grade especial.
7. Tricot de guipura (renda irlandesa ou de Bruxelas).

2. Serrar. Um tipo é serrar com um quebra-cabeças. Decorando sua vida e sua casa com artesanato ou brinquedos infantis convenientes para a vida cotidiana, você experimenta a alegria da aparência e o prazer do processo de sua criação.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1418

3. Escultura - uma espécie de artes e ofícios. É um dos tipos de processamento artístico da madeira junto com serragem, torneamento.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1113

* Outras técnicas autossuficientes:
1. Aplicação (do latim “anexar”) é uma forma de trabalhar com peças coloridas de vários materiais: papel, tecido, couro, pele, feltro, miçangas coloridas, miçangas, fios de lã, chapas de metal cinzeladas, todo tipo de matéria (veludo , cetim, seda), folhas secas… Esta utilização de vários materiais e estruturas para potenciar possibilidades expressivas aproxima-se muito de outro meio de representação - a colagem.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/364
Também existem:
- Aplicação de plasticina - plasticineografia - um novo tipo de artes e ofícios. É uma criação de pinturas em estuque representando objetos mais ou menos convexos e semivolumosos sobre uma superfície horizontal. Em essência, este é um tipo raro e muito expressivo de “pintura”.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1243
- Aplicação de "palmeiras". Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/612
- O aplique separatista é um dos tipos de técnica de aplique multifacetado. Tudo é simples e acessível, como colocar um mosaico. A base é uma folha de papelão, o material é uma folha de papel colorido rasgado em pedaços (várias cores), a ferramenta é cola e as mãos. Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1346

2. Assemblage (fr. assemblage) - uma técnica de arte visual, semelhante à colagem, mas usando detalhes tridimensionais ou objetos inteiros, dispostos em um plano como uma imagem. Permite adições pictóricas com tintas, bem como metal, madeira, tecido e outras estruturas. Às vezes é aplicado a outros trabalhos, desde fotomontagem a composições espaciais, porque a terminologia da arte visual mais recente não está bem estabelecida.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1412

3. Túnel de papel. O nome original em inglês para esta técnica é tunnel book, que pode ser traduzido como livro ou túnel de papel. A essência da técnica é bem traçada a partir do nome em inglês tunnel - um túnel - um orifício de passagem. A natureza de várias camadas dos “livros” (livro) que está sendo compilado transmite bem a sensação do túnel. Há um cartão postal tridimensional. Aliás, esta técnica combina com sucesso diferentes tipos de técnicas, como scrapbooking, apliques, corte, criação de layouts e livros volumosos. É um pouco parecido com o origami, porque. destinado a dobrar o papel de uma certa maneira.
O primeiro túnel de papel foi datado de meados do século XVIII. e foi o epítome das cenas teatrais.
Tradicionalmente, os túneis de papel são criados para comemorar um evento ou vendidos como lembranças para turistas.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1411

4. Corte é um termo muito amplo.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/701
Eles são cortados em papel, espuma de plástico, espuma de borracha, casca de bétula, garrafas plásticas, sabão, madeira compensada (embora isso já seja chamado de serragem), frutas e legumes, além de outros materiais diferentes. Várias ferramentas são usadas: tesouras, facas simuladas, bisturi. Recortam máscaras, chapéus, brinquedos, postais, painéis, flores, estatuetas e muito mais.
Tipos:
- O corte de silhueta é uma técnica de corte em que objetos de estrutura assimétrica são recortados a olho, com contornos curvilíneos (peixes, pássaros, animais, etc.), com contornos complexos de figuras e transições suaves de uma parte para outra. As silhuetas são facilmente reconhecíveis e expressivas, devem ser sem pequenos detalhes e como se estivessem em movimento. Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1416
- O corte é simétrico. Com o corte simétrico, repetimos os contornos da imagem, que devem se encaixar exatamente no plano da folha de papel dobrada ao meio, complicando consistentemente o contorno da figura para transmitir corretamente as características externas dos objetos em aplicações de forma estilizada. Formato.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/466
- Vytynanka - a arte de cortar padrões a céu aberto de papel colorido, branco ou preto existe desde a época em que o papel foi inventado na China. E esse tipo de escultura ficou conhecido como jianzhi. Esta arte se espalhou por todo o mundo: China, Japão, Vietnã, México, Dinamarca, Finlândia, Alemanha, Ucrânia, Lituânia e muitos outros países.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/563
- Escultura (veja abaixo).

5. Decoupage (do francês decoupage - substantivo, “o que é recortado”) é uma técnica de decoração, aplique, decoração com motivos de papel recortado. Camponeses chineses no século XII. começou a decorar móveis dessa maneira. E além de recortar fotos de papel fino e colorido, começaram a cobrir com verniz para parecer uma pintura! Assim, junto com belos móveis, essa técnica também chegou à Europa.
Hoje, o material mais popular para decoupage são os guardanapos de três camadas. Daí o outro nome - "tecnologia do guardanapo". A aplicação pode ser absolutamente ilimitada - pratos, livros, caixões, velas, vasos, instrumentos musicais, vasos de flores, garrafas, móveis, sapatos e até roupas! Qualquer superfície - couro, madeira, metal, cerâmica, papelão, têxteis, gesso - deve ser lisa e leve, porque. o padrão recortado do guardanapo deve ser claramente visível.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/722

6. Escultura (do inglês. carvy - cortar, cortar, gravar, cortar; escultura - escultura, escultura, ornamento esculpido, figura esculpida) na culinária - esta é a forma mais simples de escultura ou gravura na superfície de vegetais e frutas, mesa de decorações de vida tão curta.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1339

7. A colagem é um gênero criativo quando um trabalho é criado a partir de uma grande variedade de imagens recortadas coladas em papel, tela ou digitalmente. Vem do fr. papier collée - papel colado. Muito rapidamente, esse conceito começou a ser usado em um sentido expandido - uma mistura de vários elementos, uma mensagem brilhante e expressiva de fragmentos de outros textos, fragmentos coletados no mesmo plano.
A colagem pode ser completada por qualquer outro meio - tinta, aquarela, etc.
Exemplos: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/324

8. Construtor (do lat. construtor "construtor") - um termo ambíguo. Para o nosso perfil, este é um conjunto de peças de acoplamento. ou seja, detalhes ou elementos de algum layout futuro, informações sobre as quais são coletadas pelo autor, analisadas e incorporadas em um produto bonito e artisticamente executado.
Os designers diferem no tipo de material - metal, madeira, plástico e até papel (por exemplo, módulos de origami de papel). A combinação de vários elementos cria designs interessantes para jogos e diversão.
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9. Modelagem - modelar material plástico (plasticina, argila, plástico, massa salgada, bola de neve, areia, etc.) com auxílio das mãos e ferramentas auxiliares. Esta é uma das técnicas básicas da escultura, que é projetada para dominar os princípios básicos desta técnica.
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10. Um layout é uma cópia de um objeto com redimensionamento (geralmente reduzido), que é feito com preservação das proporções. O layout também deve transmitir as principais características do objeto.
Para criar este trabalho único, você pode usar vários materiais, tudo depende de sua finalidade funcional (layout da exposição, presente, apresentação, etc.). Pode ser papel, papelão, compensado, blocos de madeira, peças de gesso e barro, arame.
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Visualização de layout - um modelo é um layout válido que retrata (imita) quaisquer recursos significativos do original. Além disso, a atenção é focada em certos aspectos do objeto modelado ou igualmente detalhado do mesmo. O modelo foi criado para ser usado, por exemplo, no ensino de modelos visuais de matemática, física, química e outras disciplinas escolares, para um clube marítimo ou aéreo. Na modelagem são utilizados diversos materiais: balões, massa leve e plástica, cera, argila, gesso, papel machê, massa salgada, papel, espuma plástica, espuma de borracha, fósforos, fios de tricô, tecido...
A modelagem é a criação de um modelo que seja confiável e próximo ao original.
"Modelos" são os layouts que estão em vigor. E modelos que não funcionam, ou seja, "strand" - geralmente chamado de layout.
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11. Fabricação de sabão. Gorduras animais e vegetais, substitutos de gordura (ácidos graxos sintéticos, colofônia, ácidos naftênicos, tall oil) podem ser utilizados como matérias-primas para a obtenção do principal componente do sabão.
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12. Escultura (lat. sculptura, de sculpo - cortar, esculpir) - escultura, plástico - um tipo de arte, cujas obras têm uma forma tridimensional e são feitas de materiais sólidos ou plásticos (metal, pedra, argila , madeira, gesso, gelo, neve, areia, espuma de borracha, sabão). Métodos de processamento - moldagem, escultura, fundição, forjamento, perseguição, corte, etc.
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13. Tecelagem - produção de tecidos e têxteis a partir de fios.
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14. Filtragem (ou feltragem ou feltragem) - feltragem de lã. Há "molhado" e "seco".
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15. Perseguição plana é um dos tipos de artes e ofícios, como resultado de nocautear um certo relevo ornamental, desenho, inscrição ou uma imagem figurada redonda, às vezes próxima à gravura, em uma placa, uma nova obra de arte é criada .
O processamento do material é realizado com a ajuda de uma haste - uma perseguição, que fica verticalmente, na extremidade superior da qual batem com um martelo. Ao mover a moeda, uma nova forma aparece gradualmente. O material deve ter uma certa plasticidade e a capacidade de mudar sob a influência da força.
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Em conclusão, deve-se notar que a divisão (unificação em alguma base) da maioria das técnicas é condicional (subjetiva), e muitas técnicas de arte aplicada são multitécnicas, ou seja, combinam vários tipos de técnicas.

Toda criatividade agradável!
Sua Margarida.

A atividade das pessoas na produção de utensílios domésticos que satisfaçam não apenas os requisitos de conveniência e conveniência, mas também os requisitos de ordem artística, foi chamada, e ainda é chamada, de diferentes maneiras. Então eles dizem:

« Artes Aplicadas ”, “arte decorativa”, “artesanato”, “artesanato popular”, “indústria artística”.

O que exatamente cada um desses nomes significa? O conceito de arte “aplicada” é literalmente arte “aplicada” a utensílios domésticos. Este era o significado deste nome no século 19 e início do século 20. Nesse sentido, a arte aplicada pode ser chamada de produção de todos os utensílios domésticos que estão sujeitos a exigências artísticas. No mesmo sentido, o exemplo mais marcante e próximo de nós de arte "aplicada" foi a arte dos camponeses russos, que existia em certas regiões já no século XIX. A arte camponesa nasceu no processo de um camponês trabalhando em seus utensílios domésticos. Esta arte não conhece coisas "desnecessárias", criou apenas o que era necessário para o camponês em sua atividade laboral e na vida cotidiana. Comparando as coisas criadas pelos camponeses com as feitas nas cidades, principalmente nas grandes que eram centros comerciais, nota-se que os senhores da cidade tinham uma variedade de materiais maior do que os camponeses. As coisas criadas pelos camponeses nas condições de sua vida no campo, com poucas exceções, são feitas de materiais que encontraram onde moravam, como barro de cerâmica e madeira. Outros materiais eram produzidos pelos próprios camponeses, cultivando e processando linho para tecidos, transformando os pelos de animais domésticos em fios para tecidos, depois em feltro e outros produtos. Até os corantes eram extraídos principalmente no local - são argilas de cores diferentes ou corantes vegetais, como casca de cebola e a seiva de algumas árvores.

Os metais como material importado ocupavam um lugar incomparavelmente menor na vida cotidiana dos camponeses do que a madeira e o barro.

As coisas feitas por artesãos urbanos diferiam das camponesas não apenas por serem feitas de materiais mais diversos e projetadas para uma vida que diferia em muitos aspectos da vida camponesa, mas também pelo fato de aparecerem novos tipos de coisas que eram usadas apenas para decoração - decorativos, como costumávamos chamá-los, por exemplo, vasos.

Tais coisas claramente vão além do conceito estreito de "arte aplicada", mas sua criação é condicionada pela mesma necessidade das pessoas, que as faz gastar seu tempo e energia em objetos de decoração - cotidiano, "inúteis" do ponto de vista da a finalidade direta desses objetos.

"Ofício Artístico". Detalhes de estruturas arquitetônicas feitas por artesãos, móveis e outros utensílios domésticos podem ter maiores ou menores qualidades artísticas, ou até mesmo não ter essas qualidades. A ausência ou presença de qualidades artísticas em determinada coisa, é claro, caracteriza o mestre que a fez, seja apenas como técnica ou também como artista.

A. M. Gorky escreveu as seguintes linhas maravilhosas sobre tal “arte”: “Quem transformou o trabalho duro e diário em arte, primeiro para si mesmo e depois para os mestres? Os fundadores da arte foram ceramistas, ferreiros e ourives, tecelões e tecelões, pedreiros, carpinteiros, escultores de madeira e ossos, armeiros, pintores, alfaiates, costureiros e, em geral, artesãos, pessoas que artisticamente faziam coisas, encantando nossos olhos, enchendo museus " (artigo "On Art", publicado pela primeira vez na revista "Our Achievements" No. 5-6 for (1935, State Publishing House "Fiction"),

O "artesanato artístico popular" surgiu como resultado da especialização dos fabricantes de utensílios domésticos. O caminho dessa especialização é mais claramente visível no campo: inicialmente, o próprio camponês fazia para si as coisas do trabalho e do uso doméstico. Conforme necessário, ele se tornou um oleiro, ou um carpinteiro, ou um ferreiro, permanecendo sempre ao mesmo tempo um lavrador. Então a divisão do trabalho por ramos de produção tornou-se uma vantagem óbvia, e um oleiro, um carpinteiro, um ferreiro etc.

A presença em uma determinada área de materiais necessários para uma determinada produção e mercados de produtos contribuíram para o surgimento de uma “pescaria” para a fabricação de utensílios domésticos a partir desses materiais. Por exemplo, a presença de argila cerâmica de alta qualidade na região de Gzhel levou ao surgimento da produção de cerâmica lá.

Entre os produtores de coisas, destacaram-se as pessoas que souberam dar às coisas qualidades artísticas.

Esses artesãos trouxeram criatividade ao seu trabalho, inventaram novas formas de coisas e tentaram torná-las não apenas confortáveis, mas também bonitas.

Com o desenvolvimento da produção, esses artesãos de trabalho criativo muitas vezes acabavam na oficina do comerciante.

Sob o regime soviético, os artesãos se uniram em artels de artesanato artístico. Nos artels, quase sempre opera o princípio geral da especialização na execução de operações individuais, mas a tarefa de criar coisas de qualidade artística une todos os mestres e dirige o trabalho de cada um deles.

Atualmente, os melhores artesãos continuam a trabalhar criativamente em cada artel, criando as primeiras cópias de novos produtos.

Gerenciar o trabalho dos artels em relação à qualidade artística de seus produtos, por um lado, e, por outro, comunicar-se com as organizações comerciais que não apenas organizam a venda desses produtos, mas também levam em consideração os requisitos dos consumidores de produtos, o Instituto de Cooperação Artística de Moscou existe no sistema de instituições de cooperação comercial.indústria, cuja tarefa é desenvolver projetos e modelos de produtos artísticos.

Esses projetos e modelos são transferidos para a artels para implementação da produção.

"Indústria da arte" refere-se à produção em grandes quantidades, em fábricas e fábricas especiais, de acordo com desenhos e modelos criados por arquitetos ou artistas das artes decorativas, produtos artísticos de diversos materiais. A indústria da arte inclui a produção de móveis, cerâmica, tecidos decorativos e outros, papel de parede, etc.

Artes plásticas e decorativas

O mais antigo dos descobertos no território. U. memória. FIG. art-va - desenhos rupestres, metal plástico - pertencem ao período do sistema comunal primitivo: do Paleolítico Superior ao Zhel. dentro. (gravuras rupestres, estilo animal Savromato-Sarmatian, estilo animal permanente). É ilegal procurar uma conexão direta com eles mais tarde. cultura da região. No entanto, os ecos do permanente. O estilo animal pode ser visto na ornamentação dos povos aborígenes de U. - Komi, Udmurts, Mansi e Khanty. Arqueol. Os achados sugerem que os ancestrais Komi já decoravam suas roupas com padrões tecidos e bordados geométricos, cujas tradições foram preservadas entre os povos indígenas da U. até os dias atuais.

Nós, que vivíamos na zona da taiga, desenvolvemos desde há muito uma grande perícia em marcenaria (), começando pelo corte de cabanas e celeiros cobertos com telhados de duas águas com patins esculpidos e galinhas, terminando com utensílios domésticos de raízes e casca de bétula (art. em processamento). O talento plástico dos povos de U., tendo-se revelado em ídolos pagãos, com a adoção do cristianismo, manifestou-se plenamente em Perm. escultura de madeira dos séculos XVII-XIX, que combinava as tradições aborígenes com a russa. e Europa Ocidental. influências.

Do começo russo colonização e cristianização de U. Novgorod chegou aqui, semeando. e Moscou. ícone, e a partir da década de 80 do século XIV - época da atividade missionária de Estêvão de Perm - na região, aparentemente, foram formados bolsões de pintura de ícones locais. No entanto, a memória esse tempo não foi preservado. Os primeiros ícones, presumivelmente ur. origem, pertencem ao último quartel do XVI - cedo. XVII, à chamada escola Stroganov, que se formou em Moscou e tinha uma filial provincial.

Nv. o ícone dos séculos XVIII e XIX, bem como o ícone deste período na Rússia como um todo, pode ser dividido em três áreas. A primeira consiste em obras encomendadas pela Igreja Ortodoxa Ortodoxa e orientadas para a arte da Nova Era. A segunda é a iconografia, criada por preim. para os Velhos Crentes, embora não só para eles, e o principal. em Ur bizantino e antigo. tradições. A terceira é a iconografia folclórica, shir. vivia entre o povo. Esta última, ligada às camadas arcaicas da art-va, pouco alteradas no tempo, não teve certeza. fronteiras. Os ícones da primeira direção são mais característicos do Kama e Trans-Urais com seu adm. e religioso c. - Tobolsk, que determinou a forte posição da igreja oficial, contribuiu para a penetração dos gostos ucranianos associados à origem de Kyiv do clero de Tobolsk. Iconografia da segunda direção, recentemente chamada. Escola Nevyansk, espalhada principalmente pela Gornoz-dsky U., que se tornou a fortaleza do russo. Velhos Crentes. Ela floresceu no segundo tempo. XVIII - primeira metade. século 19 e manteve algumas características estilísticas até o início. presente século.

Na confluência das três direções nomeadas, surgiram fenômenos intermediários. Assim, a conexão do ícone folclórico com a escola Nevyansk formou o nível inferior desta última, e o impacto do mesmo ícone folclórico no ícone da primeira direção levou à criação de primitivos, entre os quais o mass mon. ícones que retratam imagens de santos canonizados relativamente recentemente, de Simeão de Verkhoturye a Serafins de Sarov.

Nv. iconografia em muitos tornou-se a base da imagem. reivindicações da borda. Sem dúvida, a influência mútua do ícone e a miniatura do livro Velho Crente, o impacto da forma icono-pintiva na pintura em madeira e metal ( , ), o papel do ícone no destino dos futuros mestres da pintura de cavalete, que muitas vezes receberam suas primeiras lições de arte. diplomas de pintores de ícones. Característica específica de ur. A cultura, que começou a tomar forma na época de Pedro, o Grande, foi determinada pelo fato de que em sua criação o mérito dos Velhos Crentes, que combinavam adesão aos ideais patriarcais com eficiência, impulsos arrojados de pensamento, inclinação para a invenção e tecnologia, foi ótimo. melhorias. Então, ao lado dos tipos tradicionais de finos. criatividade relacionada com a cruz. estilo de vida, um novo processo nasceu no baile. região, principal principalmente no processamento de metal e pedra. Essa reivindicação é fruto de um trabalho coletivo: a ideia do capital, e às vezes até do autor local do projeto, foi combinada com o trabalho dos operários de fundição, pedreiros e pedreiros. Os mestres eram formados por escolas de mineração e especiais "significativas" (de desenho). Entre os primeiros ur. professores que dominaram as técnicas da arte da Nova Era, M.V. Avramov (1698-1753). Desde as últimas décadas do século XVIII. Petersburgo. Acad. fino enviou amostras de produtos, instruções metodológicas e depois seus alunos para as fábricas de montanha da U. Um papel especial no desenvolvimento da fina. educação em W. desempenhou o principal. no início. século 19 N.N. Demidov Nizhne-Tagil escola de pintura e escola Vyisk, continuando em parte suas tradições.

Desenvolvimento Nv. baile de formatura. Claim-va foi definido como obscheros. fino processos e condições locais: descoberta e desenvolvimento de novos minerais, tecnologia de produção. Tendo sobrevivido em um certo estágio de apogeu, otd. tipos de reivindicações foram relegadas a segundo plano ou desapareceram. Assim, utensílios de cobre decorados com cinzelados, fabricados no século XVIII. no estado e fábricas privadas U., já no início. o século seguinte foi suplantado pela porcelana e faiança.

Muito mais durável foi o destino dos magros. fundição de ferro, Kamensky, Vyisky, Kushvinsky, Verkh-Isetsky, Chermozsky, Pozhevsky, Bilimbaevsky, Kaslinsky, Kusinsky e outras plantas se voltaram para a Krom. Começando com vol. os itens domésticos mais simples, eles mudaram para a fabricação de arco. detalhes, treliças padronizadas, que se tornaram parte integrante da aparência não apenas de você. gg., mas também em Moscou e São Petersburgo., às peças fundidas de escultura redonda, e desde o início. século 19 à criação de monumentos composicionalmente complexos e ao mesmo tempo. plásticos da câmara. O ferro fundido refletiu o movimento estilístico do barroco (casa Sloboda de N.N. Demidov em Moscou, estátuas alegóricas das estações, cujo autor, obviamente, foi o mestre ur. T. Sizov - 1760) ao classicismo (um conjunto de ferro fundido no propriedade de N.A. Demidov em Petrovsky - década de 1770; a treliça da Ponte do Beijo em São Petersburgo - 1814-16; cercas, pontes e estátuas em Kuzminki - 1820-40). Sucessos Chug.-lit. assuntos estimulou o desenvolvimento na Ucrânia no primeiro terço do século 19. fino fundição de bronze, que foi masterizada em Verkh-Isetsky, Vyisky, onde foi produzida. chefiada por F.F. Zvezdin, e nas fábricas de Zlatoust. Neste último, o bronze foi usado para decorar os punhos das armas frias, associado a outra página brilhante de ur. art-va - gravura de Zlatoust em aço, cujos mestres reconhecidos foram I.N. Bushuev, I.P. Boyarshinov e V.I. Yuzhakov.

Todo-russo e do mundo. A glória de U. foi trazida por produtos feitos de mármore, jaspe, malaquita e lápis-lazúli (arte de lapidação de pedra, arte de joalheria, Yekat. Oficina de lapidação). Fundamentos de realizações finas. processamento de pedra em U. foi colocado na 18ª - primeira metade do século 19. I.I. Susorov (1721-60), S.S. Vaganov, I. Patrushev (entre 1737 e 1742 - ?), M. Kolmogorov, I.A. Kokovin (Kakovin; 1760-1818), Ya.V. Kokovin, A.I. Lyutin (1814 - ?), G.F. Nalimov (1807-77) e outros A arte da lapidação da pedra desenvolveu-se de forma semelhante à fundição do ferro. Do corte de simples lajes de mármore, os Urais chegaram ao design de interiores de palácios e à fabricação de obeliscos, luminárias de chão, vasos e shirs. o uso do russo e mosaicos florentinos, à criação de relevos e esculturas redondas, à cooperação com os arquitetos da capital A. Rinaldi, A.N. Voronikhin, K.I. Rossi, I.I. Galberg, A.P. Bryullov, K.A. Ton e outros. Nas primeiras décadas do século XIX. em você. a arte de lapidação de pedra mostrava os traços característicos do alto classicismo.

Em paralelo com fino. a arte gráfica e a pintura seculares nasceram na Ucrânia trabalhando metal e pedra. Seu caminho a partir dos mapas de terra da época de Pedro, o Grande, com imagens elementares. motivos através de desenhos semelhantes às ilustrações de M.S. Kutuzov (? -1741) e I. Ushakov ao manuscrito de V. Gennin "Descrição dos Urais e Plantas Siberianas", e além dos retratos pitorescos, paisagens e pinturas de gênero que começaram a aparecer em o final do XVIII - primeiro semestre. século 19 em diferentes gg. e aldeias, em particular, na região de Kama e Nizhny Tagil (pintores de ícones servos, pintores e escultores da região de Kama, P.P. Vedenetsky, V.E. Raev).

partida russa. processo em ser. século 19 do classicismo e geralmente da unidade estilística mudou significativamente a natureza dos produtos ur. baile de formatura. ação judicial. A arte de lapidação de pedra perdeu sua monumentalidade de formas e de produtos de câmara, com toda a tecnologia. artesanato muitas vezes caiu em artesanato. Processos semelhantes ocorreram na gravura Zlatoust em aço. A maioria conheceu. s-dov recusou a emissão. fino ferro fundido. No entanto, em Kasli (Kasli art casting) e Kusinsky, foi no segundo tempo. XIX - início. século 20 este tipo de arte atingiu o seu auge, devido aos estreitos contactos criativos entre mestres locais (V.F.Torokin) e conhecidos. escultores domésticos, trabalham nos modelos de P.K. Klodt, M.D. Kanaeva, R.N., N.R. e R. R. Bakhov, N.I. Liberikha, E.A. Lansere, A.L. Ober. Kasli e Kusa, sem dúvida, contribuíram para a popularização da escultura realista. Simultâneo em produtos decorativos. você. fundição de ferro da virada dos séculos XIX-XX. há um caminho do ecletismo para um novo estilo - a modernidade.

Democratização das sociedades. relações ampliou as possibilidades de entrar nos Urais em fina. uh. cabeça Petersburgo, Moscou e cidades estrangeiras. F.A. Bronnikov, V.P. e P. P. Vereschagin, A. A. e P.A. Svedomsky, A.I. Korzukhin e outros representantes. acad. e tendências realistas, tendo ocupado um lugar de destaque na história da Rússia. pintura em geral, não rompeu laços com sua terra natal e teve um impacto significativo em sua cultura. No segundo andar. século 19 fino A vida de U. não se concentra em torno de fábricas e seus proprietários filantrópicos, mas se torna o resultado das atividades da intelectualidade local. Nesse sentido, a contribuição de Izv. desenhista, cartunista e etnógrafo M.S. Znamensky (1833-92) na cultura espiritual de Tobolsk, a antiga Zaur. cidade, onde durante o reinado de Anna Ioannovna os primeiros pintores aposentados de Pedro I.N. e R.N. Nikitina (c. 1680 - depois de 1742; não antes de 1680-1753). Yekaterinburgers N.A.Ivanchev (1834 - depois de 1878), N.M.Plyusnin, A.M.Pisarev (1848-1903), V.G.Kazantsev (1849-1902), N.N.Klepinin, A.K. . Denisov-Uralsky, A.A. Sheremetevsky (1863-1919), L.N. Zhukov (1873-1933); Permians A.I. Shanin, A.N. Zelenin, I.P. Chirkov (1877-1920); Sarapulets A.P. Berkutov (1851-1901); Tyumen N.V. Kuzmin (1858-1910) e outros combinaram a criatividade com o ensino do desenho em ginásios e escolas reais, ou com atividades artísticas e organizacionais.

Um evento em um culto. a vida da região foi a descoberta em Ekat. Acadêmico móvel. exposições (1887), que pela primeira vez apresentou os Urais ao trabalho dos principais russos. pintores do século 19 e vários exposições ao enxame tornou-se a base da fina. estranho música no UOL (Música). A exposição em Orenb acabou sendo de caráter semelhante. (1889). Na virada dos séculos XIX-XX. nos anos W. realizou as primeiras exposições de produtos. artistas locais. Muitas vezes exibiam as obras dos mestres da capital de coleções particulares. Em Ekat. Foi criada a Sociedade dos Amantes das Belas Artes (1895-1918), em Perm - a Sociedade dos Amantes da Pintura, Escultura e Arquitectura (1909-19). Abertura em 1902 Ekat. baile fino. escolas atraíram professores e artistas talentosos para a U.: M.F. Kamensky, V.P. Rupini (1867-1941), A.N. Paramonov, V.V. Almazov (1870 -?), T.E.Zalkalna e lançou as bases do prof. educação na região artes e ofícios e pic. ação judicial. Nv. fino A.N. Paramonov, S.I. Yakovlev (1862-1930), o jovem I.D. Ivanov (Shadr) virou, especialmente durante o período do primeiro russo. rev., para revistas, em particular satíricas, gráficas.

Novos motivos, plein air e conquistas decorativas, características do russo. reivindicações do final do XIX - cedo. Século XX., manifestaram-se na obra de tão conhecido. nativos da U., como M.V. Nesterov, L.V. Turzhansky, L.V. Popov, bem como nas pinturas de graduados da Acad. fino P.S. Evstafiev (1880-1958), que jogou no início. século 20 um papel de destaque na arte de Perm, e V.A. Kuznetsov, que trabalhou em Verkhnyaya Salda e Nizhny Tagil. Afetado U. e as tendências da vanguarda, art-va futurista. Seus portadores estavam em Perm V.V. Kamensky, que organizou uma exposição em 1912 de produção. mestres próximos a ele, e em Bashk. D.D. Burliuk, que participou ativamente das exposições da Arte Ufa. caneca (1915-17).

Por mais graves que sejam as consequências da cultura nacional geradas por 1º de outubro. rugido. social ilusões, não se pode negar que intensificaram os processos iniciados no pleito anteriormente, intensificaram a magreza provincial. vida. A ideia de propaganda monumental capturou mestres autodidatas (o técnico da planta Motovilikha V.E. Gomzikov) e escultores profissionais (S.D. Erzya, P.P. Sharlaimov (1889-1920), I. A. Kambarov), deu impulso ao renascimento de formas monumentais em lapidação de pedra e chug.-lit. reivindicação-wah. O projeto do rev. feriados, popularização de imagens. processo, magro. mestres de várias direções, tipos e gêneros de arte, a escala de talento gostava de pedagogia. Frutífero no final de 1910 - cedo. As atividades de P.I. Subbotin-Permyak, N.M. Gushchin (1880-1965), A.V. Kaplun (1887-1974), M.B. Verigo (1892-?), V.A. Obolensky, I.I. Turansky em Perm; A.N. Paramonov e L.V. Turzhansky em Ekat.; E.T. Volodina (1886-?) I.A. Mochalova (1896-1940), I.K. Mrachkovsky (1889-1930), N.A. Rusakova (1888-1941), A.N. Samokhvalova (1897-1964) - o homônimo do artista de Leningrado, N.D. Lebedeva (1894-1927), P.S. Duplitsky (1896-1942) em Chelyab.; S.M. Karpova (1890-1929), S.V. Ryangina (1891-1955), A.F. Stepanova (1893-1965), N.V. Kudasheva (1889-1966) em Orenb.; M.I. Avilova (1892-1954), I.I. Oveshkov (1877-1944), E.L. Kropivnitsky (1893-1979), K.P. Trofimova (1885-1944), P.A. Rossomahin (1886-1956), I.I. Krotov (1897-1945) em Tyumen; P.P. Chukomina (1874-1944) em Tobolsk. A partir de meados da década de 1920 em U. surgiu otd. Associações de magro rugido. Rússia: em 1925 - em Sverdl. (este departamento também incluiu artistas de Perm e Shadrinsk) e em Ufa, em 1926 - em Orenb., em 1928 - em Chelyab.; e depois de 1932 - a org-ção do criado União de finos. URSS: em paralelo, foram abertos departamentos. a União Cooperativa de Belas Artes de Toda a Rússia ("Vsekohudozhnik"); eram realizadas regularmente exposições de artistas locais, alguns deles convidados a participar de exposições na capital. Em 1935 em Sverdl., E depois em outros anos. região, uma exposição de Moscou. e lening. mestres "Uralo-Kuzbass na pintura". Apesar dos métodos de comando e adm. mãos cultura, esses eventos contribuíram para o desenvolvimento na região do figo. processo, fortalecendo seu tapete. bases. Característica para aqueles anos foi a pintura de G.A. Melentiev, T.A. Partina (1893-1963), A.P. Davydov (1893-1967), M.V. (1891-1964), A.M. Sosnovsky (1902-87), E.A. Tekhmenov (1866-1934), escultura de I.A. Kambarov, I.I. Trembovler (1890-1943), T. V. Rudenko-Shchelkan (1892-1984). Mn. fino eles gostavam sinceramente do novo enredo (revolucionário, guerra civil, trabalho cotidiano), mas a falta de habilidade, experiência em trabalhar em uma composição "temática", a falsidade da ideia às vezes levava a falhas criativas. Nas décadas de 1920 e 1930, as obras menos ideológicas dos Urais tornaram-se artisticamente mais completas, principalmente paisagens líricas, que, juntamente com L.V. Turzhansky, foram escritas por K.M. Golikov (1867-1933), I.K.M. Mineev (1902-1902-1933). 1971), N. S. Sazonov (1895-1972), S. A. Mikhailov, A. P. Mitinsky (1905-70), V. P. Barashev (1905-70) e outros Notável sucesso foi alcançado por thin. em cavalete e gráficos de livros: A.F. Uzkikh (1889-1953), A.A. Zhukov (1901-78), V.A. Batalov (1889-1971), G.Ya. D.F. Fekhner (1897-1973), A.S. Prutskikh (1901-1977), A.P. Saburov (1905-83), A.A.ve: A.V. Dubrovin (1889-1975), I.M. Vakhonin (1887-1965); A.A. Kuzmin, V.A. Lyudmilin, V.L. Talalay (n. 1908), I.P. .Kotovshchikov (nascido em 1905).

Primeiras décadas do século 20 em fino cultura U. marcada por outro fenômeno significativo - o surgimento e desenvolvimento do prof. FIG. ações judiciais entre povos que antes não o tinham. Em Bash. este processo está relacionado a ele. K.S. Davletkildeeva, A.E. Tyulkina, M.N. Elgashtina (1873-1966) e outros. Entre os estudantes de arte. oficinas Leningrado. povos in-ta de S. na década de 1930 também eram representantes. Subpolar e Zapolyarny U. (K.Natuskin, Nenets K.L. Pankov, etc.)

A Segunda Guerra Mundial mudou as formas usuais de magro. vida. O cartaz veio à tona, f. e gás. gráficos: G.V. Lyakhin (1903-81), I.I. Rossik (1909-87) e outros. você. fino foram para o francês, seus esboços de campo formaram a base. prod. sobre a guerra. Na evacuação para U. foram izv. mestres da Ucrânia, dos Estados Bálticos, Moscou, Leningrado: Yu.R. Bershadsky, V.N. Kostetsky (1905-68), M.M. Cheremnykh (1890-1962), B.V. G.G. Ryazhsky (1895-1952), V. M. Oreshnikov (1904-87), Yu.A. Vasnetsov (1900-73), S.D. Merkurov (1881-1952), Z.M. Vilensky (1899-84) e outros. -se nas exposições inter-regionais Ural "U. nas belas artes" (, 1943) e "U. - uma forja de armas" (Sverdl., 1944).

Com o fim da guerra, a vida do terno entrou em um curso pacífico. Surgiram novas organizações do Sindicato dos Finados. em Tyumen, Kurgan (1957). Aqueles que voltaram da França concluíram seus estudos interrompidos pela guerra. fino Junto com muitos do rosto mencionado anteriormente ur. processo segundo andar. Os anos 40-50 foram definidos pelos pintores V.S. Zinov (1908-91), A.F. Burak (1921-1997), V.I. Igoshev (nascido em 1921), V.F. Berngard (1909-98), A.A. Zausaev (1920-1981), N.G. Chesnokov (n. 1915), B.M. Vitomsky (1918-75), I.N. Nesterov (n. 1922), B.V. Volkov (1918-79), G.P. Gaev, V.A. Neyasov (1926-1984), P.S. Bortnov (n. 1918), M.G. Gazizova (n. 1918), P.A. Oborin (nascido em 1917); escultores G.V. Petrova (1899-1986), G.A. Petin (1909-1947), A.A. Anisimov (1910-1995), M.P. Kramskoy (nascido em 1917), P.A. Sazhin (1919-1999); mestres de cavalete e gráficos de livros L.A. Epple (1900-80), E.V. Gileva (1907-2000), M.I. Tkachev (n. 1913), B.A. Semenov (1917-91), V.N. Chelintseva (1906-81), O.D. Korovin (n. 1915), V.F. Vasiliev (1923-86); arte teatral e decorativa: N.S. Lomonosov (1903-95), N.V. Sitnikov, M.S. Ulanovsky (1912-1982), S.N. Aleksandrov (1907-82). Tema Nv. fino no período pós-guerra, tornou-se mais diversificado, em geral, sua habilidade aumentou. No entanto, os ditames da ideologia de um estado totalitário e uma orientação unilateral para as tradições do realismo no segundo semestre. Século XIX., Sua percepção superficial agrilhoou as buscas criativas, limitou os horizontes espirituais.

No final dos anos 50 - cedo. 60s voltou para W. muitos. graduados de Leningrado. e Moscou. fino universidades. Junto com aqueles que se formaram escolas, eles formavam uma galáxia de mestres da nova geração. Estes são os pintores E.I. Gudin, G.S. Mosin, I.I. Simonov (nascido em 1927), M.Sh. Brusilovsky (nascido em 1931), V.Z. Belyaev (nascido em 1926), Yu.I. Istratov (nascido em 1928), N.G. Zasypkin (1921-89), V.Ya. Bushuev (nascido em 1934), L.M. Sgibneva (n. 1933), N.V. Kostina (n. 1934), E.N. Shirokov (n. 1931), A.I. Repin (n. 1925), A.N. Tumbasov (nascido em 1921), I.S. Borisov (1925-95), T.E. Kovalenko (nascido em 1930), R.I. Gabrielyan (nascido em 1926), N.P. Eryshev (nascido em 1936), V.T.Ni (1934-79), N.A. Godin (nascido em 1930) , O.P.Shrub (nascido em 1924), A.I.Murychev (1918-86), G.S.Bochanov (nascido em 1922), V.P. Ovcharov (nascido em 1928), A.P. Kholmogorov (1925-87), P.S. Semenov (nascido em 1934), V.F. Maltsev (nascido 1929); artistas gráficos V.M. Volovich (n. 1928), G.I. Ketov (n. 1922), S.S. Kiprin (1930-86), A.A. Kazantsev (nascido em 1928), L.P. Veibert (nascido em 1925), V.A. Novichenko (nascido em 1927), M.V. Distergeft (nascido em 1921), AP Zyryanov (nascido em 1928), L.F. Polstovalova (1929-93) , E. K. Koshelev (n. 1929); escultores V.M. Druzin, V.S. Zaikov (nascido em 1924), V.E. Egorov, B.D. Fudzeev (nascido em 1923), L.N. Golovnitsky, E.E. Golovnitskaya (nascido em 1931), A.P. Sulenev (nascido em 1929), V.A. Avakyan (nascido em 1931), N.G. Petina (nascido em 1932), V.M. Belov (nascido em 1928), V.N. Murashov (nascido em 1935). O "estilo severo" característico desses anos, com seu monumentalismo e expressividade, acabou sendo orgânico para o baile. borda e ficou aqui por um tempo relativamente longo. Nv. fino Não queria me desfazer do sonho romântico de uma arte verdadeiramente cívica e inconformista. O ideal para alguns deles era E.I. Neizvestny, lá no começo. 50s criado em Sverdl. primeiras esculturas.

Um fenômeno marcante na arte dos anos 60 é a cabeça. escola de pintura: A.Kh. Sitdikova (nascido em 1913), R.M. Nurmukhametov, A.F. Lutfullin, B.F. Domashnikov (nascido em 1924), A.D. V. Panteleev (nascido em 1932). No mesmo período, formou-se o trabalho de G.S. Raishev (nascido em 1933), ao qual mais tarde conseguiu fundir o fino. tradições dos povos de S. com as conquistas da Europa. processo judicial do século XX.

Nos anos 60 dentro da União fina. A URSS criou a União da Arte. RF, cuja composição acabou sendo fina. região da organização. e rep. autónoma, unida em ter. áreas para exposições periódicas (aproximadamente uma vez a cada cinco anos). Em você. zona, inclusive Sverdl., Perm., Chelyab., Orenb., Tyumen, Kurg. região e Bash. (Udmurtia mudou-se para a zona do Grande Volga), de 1964 a 1985 foram realizadas seis exposições "U. socialista". Sendo um produto do comando e adm. sistemas, essas exposições, entretanto, desempenharam um certo papel positivo, unindo arte provinciana anteriormente díspar. forças, fazendo-se. pl. nomes. Desde o final dos anos 50, os Urais têm participado regularmente do republicano, de toda a União e internacional. exposições. Em 1971, uma exposição de arte foi realizada em Moscou. Estados Unidos, Sibéria e Extremo Oriente. Exposições coletivas e pessoais dos Urais foram realizadas em decomp. gg. país e no exterior. Junto com o cavalete, ur. arte monumental-decorativa e teatral-decorativa, gráficos de livros, ressurgimento de novos tipos de artes e ofícios antigos e emergentes, história da arte.

Após os anos sessenta, novas gerações entram na arte da região: moradores de Sverdlovsk G.S. Metelev (n. 1938), A.I. Burlakov (1940-1999), V.A. Zolotukhin (n. 1937), N.P. Kazantseva (n. 1937), S.V. Tarasova (n. 1945), V.A. Stepanov (n. 1941), E.V. Arbenev (n. 1942), A.A. Alekseev (nascido em 1952), A.V. Zolotukhin (nascido 1946), A.A. Kalashnikov (nascido em 1947), V.D. Syskov (nascido em 1943), Yu.N. Filonenko (nascido em 1947), M.P. Sazhaev (nascido em 1948), V.I. Reutov (nascido em 1945), Z.G. Galeev (nascido em 1948) ), Z.A. Malinina (nascido em 1936), Yu.S.Ustinov (nascido em 1954), A.G.Antonov (nascido em 1944), O.N.Mudrova (nascido em 1945), L.I.Kruzhalova (nascido em 1946), V.G.Zhukov (nascido em 1941), N.D. Fedoreev (1943-96), L.V. Puzakov (nascido em 1946), A.A. Lysyakov (nascido em 1946); Nizhny Tagil residentes L.I. Perevalov (nascido em 1937), V.N. Nasedkin (nascido em 1954), T.V. Badanina (nascido em 1955), E.A. Bortnikov (nascido em 1952), A.A. Shtro (nascido em 1953), S.V. Bryukhanov (nascido em 1959); Permians S.E. Kovalev (n. 1935), M.V. Tarasova (n. 1933), I.V. Lavrova (n. 1944); Cidadãos de Chelyabinsk A.P. Kudryavtsev (nascido em 1938), N.V. Fokin (nascido em 1940), V.V. Kachalov (nascido em 1946), P.P. Khodaev (nascido em 1946), Z.N. Latfulin (nascido em 1947), EA Shchetinkina (nascido em 1950); Orenburgers Yu.P.Grigoriev (nascido em 1937), G.A.Glakhteev (nascido em 1939), Yu.A.Rysukhin (nascido em 1947), V.V.Gazukin (nascido em 1951), O.V.Okuneva (nascido em 1959); Residentes de Kurgan A.M. Petukhov, G.A. Travnikov (n. 1937), N.A. Godin (n. 1930); Residentes de Ufa I.K. Gazizulin (n. 1946), D.N. Ishengulov (n. 1943), N.A. Pakhomov (n. 1937); Residentes de Izhevsk S.N. Vinogradov (nascido em 1936), V.B. Kononov (nascido em 1941), P.V. Elkin (nascido em 1946), A.E. Lozhkin (nascido em 1936), V.A. Tsibulnik (nascido em 1942), A.E. Anikin (nascido em 1947); Residentes de Tyumen A.S. Novik (nascido em 1949), G.A. Yurinok (nascido em 1949), G.P. Vostretsov (nascido em 1948) e outros. Mn. desses finos mostraram-se em vários tipos de criatividade, virou dez. materiais e técnicas. Levantando aguda social. e problemas ambientais. muitas vezes usava a linguagem de parábolas e alegorias. Em paralelo com o processo oficialmente reconhecido, o underground começou a se formar. Seus líderes em Sverdl. mesmo no segundo tempo. Os anos 60 acabaram sendo V.F. Dyachenko (nascido em 1939) e A.A. Tarshis (pseudônimo Ry - Nikonova; nascido em 1942) - conceitualistas dos chamados "Escola Uktus", nas próximas décadas Naib. figuras proeminentes foram V.F. Gavrilov (1948-82) e E.M. Malahin (pseudônimo B.U. Kashkin; nascido em 1938); em Ufa, as ideias sobre o underground estão associadas ao nome de M.A. Nazarov (nascido em 1927), mais tarde um dos organizadores do grupo "Sary Biya" ("Cavalo Amarelo").

Do começo perestroika e mais em postos. o período anterior ao terno U., como o país como um todo, oportunidades antes inimagináveis, horizontes espirituais estão se abrindo, mas novas dificuldades também surgem: as antigas formas de org-tion finas. vidas estão sendo destruídas, novas estão apenas tomando forma: tarefas especiais estão enfrentando o fino. uma escola projetada para preservar e desenvolver as tradições de alto profissionalismo. A alternativa de ações judiciais oficiais e não oficiais foi substituída por outra não menos dura: comercial e não comercial. Este último atravessa um período difícil de buscas substantivas e formais.

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Artes e Ofícios(do lat. deco - decorar) - uma ampla seção de arte que abrange vários ramos da atividade criativa destinada à criação de produtos de arte com funções utilitárias e artísticas. O termo coletivo une condicionalmente dois grandes tipos de artes: decorativas e aplicadas. Ao contrário das obras de arte, destinadas à fruição estética e pertencentes à arte pura, inúmeras manifestações de artes e ofícios podem ter uso prático na vida cotidiana.

As obras de arte e artesanato reúnem várias características: têm uma qualidade estética; projetado para efeito artístico; servem para decoração da vida cotidiana e interior. Tais obras são: roupas, vestidos e tecidos decorativos, tapetes, móveis, vidros artísticos, porcelanas, faiança, joias e outros produtos artísticos. Na literatura acadêmica da segunda metade do século XIX, estabeleceu-se classificação dos ramos das artes e ofícios por material(metal, cerâmica, têxtil, madeira), de acordo com a técnica de execução(escultura, pintura, bordado, impressão, fundição, relevo, intarsia (pinturas de diferentes tipos de madeira), etc.) e por sinais funcionais de uso do objeto(móveis, louças, brinquedos). Essa classificação se deve ao importante papel do princípio construtivo-tecnológico nas artes e ofícios e sua ligação direta com a produção.

Tipos de artes e ofícios

Tapeçaria -(fr. gobelin), ou treliça, - um dos tipos de artes e ofícios, um tapete de parede sem fiapos de um lado com uma trama ou composição ornamental, tecido à mão com uma trama cruzada de fios. O tecelão passa o fio da trama pela urdidura, criando a imagem e o próprio tecido. No Dicionário Enciclopédico de Brockhaus e Efron, uma tapeçaria é definida como “um tapete tecido à mão no qual uma imagem e um papelão especialmente preparado de um artista mais ou menos famoso são reproduzidos com lã multicolorida e parcialmente seda”.

BATIQUE - pintado à mão em tecido usando composições de reserva.

No tecido - seda, algodão, lã, sintéticos - é aplicada a tinta correspondente ao tecido. Para obter limites claros na junção das tintas, é usado um fixador especial, chamado reserva (composição de reserva à base de parafina, gasolina, à base de água - dependendo da técnica escolhida, tecido e tintas).

A pintura Batik é conhecida há muito tempo entre os povos da Indonésia, Índia, etc. Na Europa - desde o século XX.

IMPRIMIR -(recheio) - um tipo de artesanato; obtenção de um padrão, desenhos monocromáticos e coloridos no tecido à mão usando formas com padrão em relevo, bem como um tecido com padrão (tecido estampado) obtido por este método.

Os moldes de calcanhar são feitos de madeira esculpida (maneiras) ou tipografia (placas de cobre com tachas), em que o padrão é digitado a partir de placas de cobre ou arame. Ao encher, uma forma coberta com tinta é aplicada ao tecido e batida com um martelo especial (marreta) (daí o nome “calcanhar”, “recheio”). Para designs multicoloridos, o número de chapas de impressão deve corresponder ao número de cores.

Fazer um salto é um dos tipos antigos de artes e ofícios populares, encontrados entre muitos povos: Ásia Ocidental e Central, Índia, Irã, Europa e outros.

A impressão é ineficiente e quase completamente substituída pela impressão de um padrão em tecido em máquinas de impressão. É usado apenas em alguns artesanatos, bem como para reproduzir grandes padrões, cuja parte repetitiva não cabe nos eixos das máquinas de impressão, e para colorir peças de peças (cortinas, toalhas de mesa). Padrões característicos de enchimento folclórico são usados ​​​​para criar tecidos decorativos modernos.

CORRENTE - tipo de artesanato; bordado; a criação de joias, produtos artísticos de miçangas, nos quais, ao contrário de outras técnicas em que é usado (tecelagem com miçangas, tricô com miçangas, tecelagem de arame com miçangas - a chamada tecelagem de miçangas, mosaico de miçangas e bordado de miçangas), miçangas não são apenas um elemento decorativo, mas também construtivo e tecnológico. Todos os outros tipos de bordado e DPI (mosaico, tricô, tecelagem, bordado, tecelagem de arame) são possíveis sem miçangas, mas perderão algumas de suas possibilidades decorativas e as miçangas deixarão de existir. Isso se deve ao fato de que a tecnologia de beading é original.

BORDADO - uma arte de bordado bem conhecida e difundida para decorar todos os tipos de tecidos e materiais com uma grande variedade de padrões, desde os mais grosseiros e densos, como tecido, lona, ​​couro, até os tecidos mais finos - cambraia, musselina, gás, tule, etc. Ferramentas e materiais para bordar: agulhas, linhas, aros, tesouras.

TRICÔ - o processo de fazer um tecido ou produtos (geralmente itens de vestuário) a partir de fios contínuos, dobrando-os em laços e conectando os laços uns aos outros usando ferramentas simples manualmente (agulha de crochê, agulhas de tricô, agulha, garfo) ou em uma máquina especial (mecânica tricô). O tricô, como técnica, refere-se aos tipos de tecelagem.

Crochê

tricô

MACROMO -(fr. Macramé, do árabe - trança, franja, renda ou de turco. - lenço ou guardanapo com franja) - técnica de tecelagem nodular.

RENDA - produção de tecidos de malha a partir de padrões de fios trançados (linho, papel, lã e seda). Há rendas costuradas com agulha, tecidas em bilro, crochê, tamboril e máquina.

TECELAGEM DE CARPETES - a fabricação de têxteis artísticos, geralmente com padrões multicoloridos, que servem principalmente para decorar e isolar ambientes e garantir a ausência de ruído. As características artísticas do tapete são determinadas pela textura do tecido (pelo, sem fiapos, feltro), pela natureza do material (lã, seda, linho, algodão, feltro), pela qualidade dos corantes (naturais na antiguidade e Idade Média, química da segunda metade do século XIX), formato, proporção das bordas e campo central do tapete, conjunto ornamental e composição do padrão, esquema de cores.

QUILLING - Rolamento de papel(também quilling quilling inglês - da palavra quill (pena de pássaro)) - a arte de fazer composições planas ou volumosas de tiras longas e estreitas de papel torcidas em espirais.

As espirais acabadas recebem uma forma diferente e assim são obtidos os elementos de quilling, também chamados de módulos. Já são o material de “construção” na criação das obras – quadros, postais, álbuns, molduras, figurinhas diversas, relógios, bijuterias, grampos de cabelo, etc. A arte do quilling veio da Coréia para a Rússia, mas também é desenvolvida em vários países europeus.

Esta técnica não requer custos materiais significativos para iniciar seu desenvolvimento. No entanto, a laminação de papel não pode ser chamada de simples, pois para obter um resultado decente, é necessário mostrar paciência, perseverança, destreza, precisão e, claro, desenvolver as habilidades de torcer módulos de alta qualidade.

SCRAPBOOK -(eng. scrapbooking, de eng. scrapbook: sucata - recorte, livro - livro, lit. "livro de recortes") - um tipo de arte artesanal, que consiste na fabricação e design de álbuns de fotos familiares ou pessoais.

Esse tipo de criatividade é uma forma de armazenar a história pessoal e familiar na forma de fotografias, recortes de jornais, desenhos, registros e outras recordações, usando uma maneira peculiar de preservar e comunicar histórias individuais usando técnicas visuais e táteis especiais em vez da história usual . A ideia principal do scrapbooking é preservar fotos e outras recordações de qualquer evento por um longo tempo para as gerações futuras.

CERÂMICA -(grego antigo κέραμος - argila) - produtos feitos de materiais inorgânicos (por exemplo, argila) e suas misturas com aditivos minerais, feitos sob a influência de alta temperatura, seguido de resfriamento.

Em sentido estrito, a palavra cerâmica refere-se ao barro que foi queimado.

A cerâmica mais antiga foi usada como cerâmica feita de barro ou suas misturas com outros materiais. Atualmente, a cerâmica é usada como material na indústria (engenharia, instrumentação, indústria aeronáutica, etc.), construção, arte e é amplamente utilizada na medicina e na ciência. No século 20, novos materiais cerâmicos foram criados para uso na indústria de semicondutores e outros campos.

MOSAICO -(fr. mosaico, italiano mosaico de lat. (opus) música - (trabalho) dedicado amusas) - arte decorativa, aplicada e monumental de vários gêneros, cujas obras envolvem a formação de uma imagem pela disposição, digitação e fixação na superfície (geralmente em um plano) de pedras multicoloridas, smalt, azulejos e outros materiais.

ARTE DE JÓIAS -é um termo que se refere ao resultado e processo de criatividade de artistas joalheiros, bem como a totalidade de objetos e obras de joalheria por eles criados, destinados principalmente ao adorno pessoal de pessoas, e confeccionados com materiais preciosos, como metais preciosos e pedras preciosas. Para que uma peça de joalheria ou um objeto seja inequivocamente classificado como joalheiro, esta peça de joalheria deve atender a três condições: pelo menos um material precioso deve ser usado nesta peça de joalheria, esta peça de joalheria deve ter valor artístico, e deve ser único - ou seja, não deve ser replicado pelo artista-joalheiro que o faz.

No jargão profissional de joalheiros, bem como por estudantes e estudantes de instituições de ensino na especialidade "joalheria", a versão de gíria da palavra "joalheiro" é frequentemente usada.

Embora se acredite que o conceito de "joalharia" inclua todas as joias feitas com materiais preciosos, e o conceito de "joalheria" inclua joias feitas de materiais não preciosos, mas, como podemos ver, atualmente a diferença entre joalheria e fantasia a joalheria está ficando um pouco confusa. , e a avaliação de classificar um determinado produto como joalheria ou bijuteria é cada vez feita por especialistas individualmente em cada caso específico.

MINIATURA DE LACA - A pintura em miniatura em pequenos objetos: caixas, caixões, caixas de pó, etc. é um tipo de arte e artesanato e arte popular. Essa pintura é chamada de laca porque os vernizes coloridos e transparentes servem não apenas como materiais de pintura de pleno direito, mas também como o meio mais importante de expressão artística do trabalho. Acrescentam profundidade e força às tintas e ao mesmo tempo suavizam, unem-nas, como se derretesse a imagem na própria carne do produto.

O berço dos vernizes artísticos são os países do Extremo Oriente e Sudeste Asiático: China, Japão, Coréia, Vietnã, Laos, onde são conhecidos desde os tempos antigos. Na China, por exemplo, no 2º milênio aC. e. seiva de árvore de laca foi usada para cobrir copos, caixões, vasos. Então nasceu a pintura em laca, que atingiu o nível mais alto no Oriente.

Este tipo de arte veio para a Europa da Índia, Irã, países da Ásia Central, onde nos séculos XV-XVII. A miniatura de laca, executada com tintas à têmpera em objetos de papel machê, era popular. Os artesãos europeus simplificaram significativamente a tecnologia, começaram a usar tintas a óleo e vernizes.

Os vernizes artísticos são conhecidos na Rússia desde 1798, quando o comerciante P.I. Korobov construiu uma pequena fábrica de laca de papel machê na vila de Danilkovo, perto de Moscou (mais tarde se fundiu com a vila vizinha de Fedoskin). Sob seus sucessores, os Lukutins, mestres russos desenvolveram métodos únicos de pintura Fedoskino. Eles não foram perdidos até hoje.

 miniatura de Palekh - artesanato popular que se desenvolveu na aldeia de Palekh, região de Ivanovo. A miniatura em laca é executada em têmpera sobre papel machê. Caixões, caixões, cápsulas, broches, painéis, cinzeiros, prendedores de gravata, estojos de agulhas, etc. são geralmente pintados.

 miniatura Fedoskino - um tipo de pintura em miniatura em laca russa tradicional com tintas a óleo sobre papel machê, desenvolvida no final do século XVIII na vila de Fedoskino, perto de Moscou.

 miniatura de Kholuy - artesanato popular que se desenvolveu na aldeia de Kholui, região de Ivanovo. A miniatura em laca é executada em têmpera sobre papel machê. Caixões, cápsulas, estojos de agulhas, etc. são geralmente pintados.

O que é artes e ofícios

A arte decorativa e aplicada é um fenômeno cultural complexo e multifacetado. Abrange muitos tipos de artesanato popular associados à criação de produtos artísticos que têm um propósito prático na vida cotidiana e ao processamento artístico de itens utilitários (utensílios, móveis, tecidos, ferramentas, veículos, roupas, joias, brinquedos etc.) . A arte decorativa e aplicada vive com o povo, enraizada na antiguidade e em desenvolvimento nos dias de hoje.

As obras de artes e ofícios costumam estar intimamente relacionadas ao ambiente arquitetônico e espacial, ao conjunto (na rua, no parque, no interior) e entre si, formando um complexo artístico. Com origem nos tempos antigos, as artes e ofícios tornaram-se uma das áreas mais importantes da arte popular. Sua história está ligada ao artesanato, à indústria da arte, às atividades de artistas e artesãos profissionais e desde o início do século XX. - com design artístico e design.

Muitos exemplos excelentes de arte decorativa e aplicada podem ser vistos em museus de arte, história, história local e etnográfica, bem como em livros, álbuns e nas páginas de revistas. Cada exposição de arte popular é sempre uma descoberta do mundo da beleza e da sabedoria. Os produtos feitos por artistas antigos e modernos invariavelmente despertam a admiração dos visitantes, e alguns têm o desejo de seguir o exemplo dos artesãos populares.

É importante para todos que entram em contato com obras de arte e artesanato não permanecerem espectadores ociosos, mas se esforçarem para serem pesquisadores, tentando cada vez entender com quais métodos artísticos e técnicos o mestre conseguiu atingir a perfeição. Muito do que cada um de vocês tentará fazer amorosamente com suas próprias mãos será entregue às pessoas ao seu redor.

Considere as artes e ofícios nas páginas do livro. Como e com que finalidade os povos antigos decoravam utensílios domésticos e ferramentas?

Analisar o simbolismo dos ornamentos em várias obras de artes e ofícios. Que informações as formas e decorações desses objetos carregam?

Ouça melodias e melodias folclóricas. Quais itens mostrados no spread combinam com eles em estilo?

Bordado

Desde os tempos antigos, o bordado tem sido uma decoração da lareira, deu sabor às roupas, foi usado em toalhas de mesa, guardanapos, cortinas e toalhas, e foi a base das artes e ofícios na Ucrânia e na Rússia.

Qualquer dona de casa poderia, com a ajuda do bordado, dar conforto à sua casa, decorar as roupas de seus entes queridos, encarnar suas ideias artísticas, pois esse tipo de artesanato era acessível a todos.

Os bordados de diferentes povos são repletos de variedade e originalidade de padrões e cores, pois foram criados há séculos e dependeram da história e cultura dos povos. Como naquela época não havia revistas de moda onde você pode encontrar um padrão para todos os gostos, as pessoas davam um certo significado ao bordado.

O bordado não era apenas um elemento bonito nas roupas, mas também desempenhava um papel importante como talismã. Se você prestou atenção nos bordados, provavelmente notou que os padrões geométricos são os mais comuns entre os enfeites. Assim, por exemplo, o antigo símbolo do sol, da fertilidade e do princípio feminino, que traz boa sorte e prosperidade, foi retratado em bordados em forma de losango. O símbolo da água personificava a vitalidade e era aplicado na forma de linhas onduladas. Ornamentos horizontais carregavam o símbolo da Terra e denotavam a prosperidade do lar familiar.

Se você notou, então em alguns bordados o ornamento retrata um círculo, no interior do qual uma cruz é bordada, tal elemento bordado simboliza o Sol e serve como um talismã que remove o mal de uma pessoa. Mas a cruz bordada no padrão significa purificação espiritual, pois é um símbolo de fogo.

Os ucranianos preferiam enfeites de toalha, que eram de natureza vegetal, e a imagem de pássaros e animais também era comum. No esquema de cores, eles preferiram usar principalmente as cores vermelho, preto e azul.

Os motivos florais no bordado não foram apenas inventados e também tiveram seu próprio significado específico. A imagem no ornamento de folhas de carvalho simbolizava força, e o viburno era considerado um símbolo de beleza. Papoilas bordadas nas roupas significavam fertilidade e memória familiar, e cachos de uva traziam felicidade e alegria à vida familiar. A pervinca bordada era um símbolo de fidelidade, mas as rosas eram um símbolo de juventude e amor.

Também em ornamentos ucranianos você pode encontrar imagens de pombas, andorinhas, galos, cavalos e outros animais e pássaros. Tais bordados agiam como amuletos, protegendo uma pessoa de várias forças e espíritos malignos.

bordado ucraniano

Uma parte integrante do guarda-roupa masculino e feminino nos ucranianos sempre foi uma camisa bordada. O ornamento na camisa caracterizava uma determinada área. Por esses padrões, era fácil distinguir os habitantes de Poltava da população da região de Podolsk, e os ornamentos Hutsul diferiam dos Polissya. Uma característica distintiva dessas camisas bordadas não eram apenas os padrões, mas também a técnica de execução e as cores.

Na Ucrânia, o bordado era feito predominantemente por mulheres. Eles dedicaram cada minuto livre a este ofício. Eles bordavam durante as reuniões conjuntas, enquanto passavam as longas noites de inverno, e mesmo após o trabalho de campo, durante um breve descanso, muitas vezes você pode ver uma mulher ucraniana fazendo bordados.

As meninas ucranianas colocam amor e alma na criação de enfeites em suas roupas, e a camisa bordada que usavam era uma característica de sua habilidade e diligência.

Com a aquisição de sua independência na Ucrânia, o amor do povo por suas tradições começou a reviver. Recentemente, os vyshyvankas ucranianos começaram a ganhar popularidade novamente. Tornou-se uma tendência da moda não apenas entre os compatriotas, mas também muito além de suas fronteiras. Pessoas em camisas bordadas podem ser encontradas em todos os lugares. Parece apropriado, tanto em eventos cerimoniais, quanto em formaturas escolares, em festas de casamento ou comícios.

O bordado artístico encarna as melhores tradições do nosso povo e encontrou milhares de admiradores deste belo tipo de artesanato.

Tarefas artísticas e criativas

Pegue informações sobre a história de um dos famosos artesanatos folclóricos, prepare um álbum, estande, apresentação no computador, apresente aos colegas.

> Faça um esboço de um mural baseado em algum artesanato popular russo: Zhostovo, Gorodets, Khokhloma, etc. (opcional), em um dos temas: “Estações”, “Manhã”, “Conto da Floresta”,
"Cevo Dourado", etc.

> Prepare uma exposição de artes e ofícios de diferentes gêneros com seus colegas. Pense no acompanhamento musical, pegue amostras de criatividade verbal popular (trechos de contos de fadas, lendas, provérbios, ditados, etc.). Conduza uma visita a esta exposição para alunos mais novos, pais, convidados da escola.