Embora um número significativo de monumentos notáveis ​​da arte neerlandesa dos séculos XV e XVI tenha chegado até nós, é necessário, ao considerar seu desenvolvimento, levar em conta o fato de que muito pereceu durante o movimento iconoclasta, que se manifestou em vários lugares durante a revolução do século XVI, e mais tarde, em particular em relação à pouca atenção que lhes foi dada em épocas posteriores, até o início do século XIX.
A ausência, na maioria dos casos, de assinaturas de artistas nas pinturas e a escassez de dados documentais exigiram esforços significativos de muitos pesquisadores para restaurar o patrimônio de artistas individuais por meio de uma análise estilística minuciosa. A principal fonte escrita é o "Livro dos Artistas" publicado em 1604 (tradução russa, 1940) pelo pintor Karel van Mander (1548-1606). Compiladas no modelo das "Biografias" de Vasari, as biografias dos artistas holandeses dos séculos XV-XVI por Mander contêm um material extenso e valioso, cujo significado especial reside nas informações sobre monumentos diretamente familiares ao autor.
No primeiro quartel do século XV, ocorreu uma revolução radical no desenvolvimento da pintura da Europa Ocidental - apareceu uma pintura de cavalete. A tradição histórica conecta essa revolução com as atividades dos irmãos van Eyck, os fundadores da escola de pintura neerlandesa. O trabalho dos van Eycks foi em grande parte preparado pelas conquistas realistas dos mestres da geração anterior - o desenvolvimento da escultura gótica tardia e especialmente a atividade de toda uma galáxia de mestres flamengos de miniaturas de livros que trabalharam na França. No entanto, na arte refinada e refinada desses mestres, em particular dos irmãos Limburg, o realismo dos detalhes é combinado com a imagem condicional do espaço e da figura humana. Seu trabalho completa o desenvolvimento do gótico e pertence a outra fase do desenvolvimento histórico. As atividades desses artistas ocorreram quase inteiramente na França, com exceção de Bruderlam. A arte criada no próprio território da Holanda no final do século XIV e início do século XV era de natureza secundária e provinciana. Após a derrota da França em Agincourt em 1415 e a transferência de Filipe, o Bom de Dijon para Flandres, a emigração de artistas cessou. Os artistas encontram inúmeros clientes, além da corte da Borgonha e da igreja, entre os cidadãos ricos. Além de criarem pinturas, pintam estátuas e relevos, pintam bandeiras, realizam diversos trabalhos decorativos e decoram festividades. Com algumas exceções (Jan van Eyck), artistas, como artesãos, estavam unidos em guildas. Suas atividades, limitadas aos limites da cidade, contribuíram para a formação de escolas de arte locais, que, no entanto, eram menos isoladas devido às pequenas distâncias do que na Itália.
Altar de Gante. A mais famosa e maior obra dos irmãos van Eyck, A Adoração do Cordeiro (Gante, Igreja de São Bavo) pertence às grandes obras-primas da arte mundial. Esta é uma grande imagem de altar dobrada de duas camadas, composta por 24 pinturas separadas, 4 das quais são colocadas na parte central fixa e o restante nas alas interna e externa). A camada inferior do lado interno forma uma composição única, embora seja dividida em 5 partes pelos caixilhos. No centro, num prado coberto de flores, ergue-se sobre uma colina um trono com um cordeiro, cujo sangue da ferida escorre para a taça, simbolizando o sacrifício expiatório de Cristo; um pouco mais baixo bate a fonte da "fonte de água viva" (isto é, a fé cristã). Multidões de pessoas se reuniram para adorar o cordeiro - à direita estavam os apóstolos ajoelhados, atrás deles estavam os representantes da igreja, à esquerda - os profetas e ao fundo - os santos mártires emergindo dos bosques. Os eremitas e peregrinos retratados nos painéis do lado direito também são enviados para cá, liderados pelo gigante Cristóvão. Nas alas esquerdas são colocados cavaleiros - defensores da fé cristã, indicados por inscrições como "soldados de Cristo" e "juízes justos". O conteúdo complexo da composição principal é extraído do Apocalipse e outros textos bíblicos e evangélicos e está associado ao feriado da igreja de todos os santos. Embora elementos individuais remontem à iconografia medieval deste tema, eles não são apenas significativamente complicados e ampliados pela inclusão de imagens nas alas não previstas pela tradição, mas também traduzidos pelo artista em imagens completamente novas, concretas e vivas. Particular atenção merece, em particular, a paisagem, entre a qual o espetáculo se desenrola; inúmeras espécies de árvores e arbustos, flores, rochas cobertas de rachaduras e o panorama da distância que se abre ao fundo são transmitidos com incrível precisão. Diante do olhar penetrante do artista, como se fosse a primeira vez, revelou-se a deliciosa riqueza das formas da natureza, que ele transmitiu com reverente atenção. O interesse pela diversidade de aspectos é claramente expresso na rica variedade de rostos humanos. Com surpreendente sutileza, são transmitidas as mitras dos bispos decoradas com pedras, os ricos arreios dos cavalos e as armaduras cintilantes. Nos "guerreiros" e "juízes" ganha vida o magnífico esplendor da corte e cavalaria da Borgonha. A composição unificada da camada inferior é oposta por grandes figuras da camada superior colocadas em nichos. Estrita solenidade distingue as três figuras centrais - Deus Pai, a Virgem Maria e João Batista. Um nítido contraste com essas imagens majestosas são as figuras nuas de Adão e Eva, separadas deles por imagens de anjos cantando e tocando. Apesar de todo o arcaísmo de sua aparência, a compreensão dos artistas sobre a estrutura do corpo é impressionante. Essas figuras atraíram a atenção de artistas do século XVI, como Dürer. As formas angulares de Adão são contrastadas com a redondeza do corpo feminino. Com muita atenção, a superfície do corpo, cobrindo seus cabelos, é transmitida. No entanto, os movimentos das figuras são limitados, as poses são instáveis.
Destaca-se a compreensão clara das mudanças resultantes de uma mudança de ponto de vista (baixa para os progenitores e alta para outras figuras).
A monocromaticidade das portas exteriores foi pensada para realçar a riqueza de cores e a festa das portas abertas. O altar era aberto apenas nos feriados. No nível inferior estão as estátuas de João Batista (a quem a igreja foi originalmente dedicada) e João Evangelista, imitando escultura em pedra, e as figuras ajoelhadas dos doadores Iodokus Feit e sua esposa destacando-se em relevo nos nichos sombreados. A aparência de tais imagens pitorescas foi preparada pelo desenvolvimento da escultura de retratos. As figuras do arcanjo e de Maria na cena da Anunciação desdobrando-se num único interior, embora separadas por caixilhos, distinguem-se pela mesma plasticidade estatuária. Chama-se a atenção a amorosa transferência de mobiliário das habitações burguesas e a vista para a rua da cidade que se abre pela janela.
Uma inscrição em verso colocada no altar diz que foi iniciada por Hubert van Eyck, "o maior de todos", concluída por seu irmão "o segundo na arte" em nome de Jodocus Feit, e consagrada em 6 de maio de 1432. A indicação da participação de dois artistas, naturalmente, levou a inúmeras tentativas de distinção entre a participação de cada um deles. No entanto, é extremamente difícil fazer isso, pois a execução pictórica do altar é uniforme em todas as partes. A complexidade da tarefa é agravada pelo fato de que, embora tenhamos informações biográficas confiáveis ​​sobre Jan e, mais importante, tenhamos várias de suas obras indiscutíveis, não sabemos quase nada sobre Hubert e não temos um único trabalho documentado de sua autoria. . Tentativas de provar a falsidade da inscrição e declarar Hubert uma "figura lendária" devem ser consideradas não comprovadas. A hipótese parece ser a mais razoável, segundo a qual Jan utilizou e finalizou as partes do altar iniciadas por Hubert, a saber, a “Adoração do Cordeiro”, e as figuras do andar superior que inicialmente não formavam um todo único com ele, com exceção de Adão e Eva, totalmente executado por Jan; a pertença de todas as válvulas externas a esta última nunca causou discussões.
Hubert van Eyck. A autoria de Hubert (?-1426) em relação a outras obras atribuídas a ele por diversos pesquisadores permanece controversa. Apenas uma pintura "Três Marias no túmulo de Cristo" (Roterdã) pode ser deixada para trás sem muita hesitação. A paisagem e as figuras femininas nesta pintura estão extremamente próximas da parte mais arcaica do altar de Ghent (a metade inferior da pintura do meio da camada inferior), e a perspectiva peculiar do sarcófago é semelhante à imagem em perspectiva da fonte na Adoração do Cordeiro. Não há dúvida, porém, de que Jan também participou da execução do quadro, a quem se deve atribuir o restante das figuras. O mais expressivo deles é o guerreiro adormecido. Hubert, em comparação com Jan, atua como um artista cujo trabalho ainda está associado ao estágio anterior de desenvolvimento.
Jan van Eyck (c. 1390-1441). Jan van Eyck iniciou a sua carreira em Haia, na corte dos condes holandeses, e desde 1425 foi artista e cortesão de Filipe, o Bom, por quem foi enviado como parte de uma embaixada em 1426 a Portugal e em 1428 para Espanha; a partir de 1430 estabeleceu-se em Bruges. O artista contou com a atenção especial do duque, que em um dos documentos o chama de "inigualável em arte e conhecimento". Suas obras falam vividamente sobre a alta cultura do artista.
Vasari, provavelmente com base em uma tradição anterior, detalha a invenção da pintura a óleo pelo "sofisticado em alquimia" Jan van Eyck. Sabemos, no entanto, que os óleos de linhaça e outros óleos secantes já eram conhecidos como aglutinantes no início da Idade Média (tratos de Heráclio e Teófilo, século X) e eram bastante utilizados, segundo fontes escritas, no século XIV. No entanto, a sua utilização limitou-se a trabalhos decorativos, onde se recorreu à maior durabilidade dessas tintas em relação à têmpera, e não pelas suas propriedades ópticas. Assim, M. Bruderlam, cujo retábulo de Dijon foi pintado em têmpera, usou óleo para pintar estandartes. As pinturas dos van Eycks e dos artistas holandeses vizinhos do século XV são visivelmente diferentes das pinturas feitas na técnica tradicional de têmpera, com um brilho especial de cores esmaltadas e profundidade de tons. A técnica de van Eycks baseava-se no uso consistente das propriedades ópticas das tintas a óleo aplicadas em camadas transparentes sobre o fundo e calcário altamente refletivo translúcido através delas, na introdução de resinas dissolvidas em óleos essenciais nas camadas superiores e na o uso de pigmentos de alta qualidade. A nova técnica, que surgiu em conexão direta com o desenvolvimento de novos métodos realistas de representação, expandiu muito as possibilidades de transmissão pictórica verdadeira de impressões visuais.
No início do século XX, em um manuscrito conhecido como Livro de Horas Turim-Milão, foram descobertas várias miniaturas estilisticamente próximas ao altar de Ghent, 7 das quais se destacam por sua qualidade excepcional. Particularmente notável nessas miniaturas é a paisagem, representada com uma compreensão surpreendentemente sutil das relações de luz e cor. Na miniatura “Oração à beira-mar”, representando um cavaleiro cercado por uma comitiva em um cavalo branco (quase idêntico aos cavalos das alas esquerdas do Altar de Ghent), agradecendo por uma travessia segura, o mar tempestuoso e o céu nublado são surpreendentemente transmitidos. Não menos marcante na sua frescura é a paisagem fluvial com o castelo, iluminado pelo sol da tarde (“São Juliano e Marta”). Com incrível poder de persuasão, o interior da sala do burguês é transmitido na composição "A Natividade de João Batista" e a igreja gótica na "Missa do Réquiem". Se as realizações do artista inovador no campo da paisagem não encontram paralelos até o século XVII, então figuras finas e leves ainda estão inteiramente associadas à antiga tradição gótica. Estas miniaturas datam de cerca de 1416-1417 e caracterizam assim a fase inicial da obra de Jan van Eyck.
A proximidade considerável com a última das miniaturas mencionadas dá motivos para considerar uma das primeiras pinturas de Jan van Eyck "Madonna na Igreja" (Berlim), na qual a luz que flui das janelas superiores é transmitida de forma surpreendente. Em um tríptico em miniatura escrito um pouco mais tarde, com a imagem da Madonna no centro, St. Michael com o cliente e St. Catherine nas alas internas (Dresden), a impressão da nave da igreja se aprofundando no espaço atinge a ilusão quase completa. O desejo de dar à imagem um caráter tangível de um objeto real é especialmente pronunciado nas figuras do arcanjo e de Maria nas asas externas, que imitam estatuetas feitas de osso esculpido. Todos os detalhes da imagem são pintados com tanto cuidado que se assemelham a joias. Esta impressão é reforçada pelo brilho das cores, cintilantes como pedras preciosas.
A leve elegância do tríptico de Dresden se opõe ao pesado esplendor da Madonna de Canon van der Pale. (1436, Bruges), com grandes figuras empurradas para o espaço apertado de uma baixa abside românica. O olho não se cansa de admirar a túnica episcopal surpreendentemente pintada de azul e dourado de S. Donatian, armadura preciosa e especialmente a cota de malha de St. Michael, um magnífico tapete oriental. Com tanto cuidado quanto os menores elos de cota de malha, o artista retrata as dobras e rugas do rosto flácido e cansado de um velho cliente inteligente e bem-humorado - Canon van der Pale.
Uma das características da arte de van Eyck é que esse detalhe não obscurece o todo.
Em outra obra-prima, criada um pouco antes, “Madonna of Chancellor Rolen” (Paris, Louvre), atenção especial é dada à paisagem, que é vista de uma varanda alta. A cidade às margens do rio nos abre em toda a diversidade de sua arquitetura, com figuras de pessoas nas ruas e praças, como se vistas através de um telescópio. Essa clareza muda acentuadamente à medida que se afasta, as cores se desvanecem - o artista tem uma compreensão da perspectiva aérea. Com a objetividade característica, transmitem-se os traços faciais e o olhar atento do chanceler Rolin, um estadista frio, prudente e egoísta que liderou a política do estado da Borgonha.
Um lugar especial entre as obras de Jan van Eyck pertence à pequena pintura “St. Barbara ”(1437, Antuérpia), ou melhor, um desenho feito com o melhor pincel em uma placa preparada. O santo é representado sentado ao pé da torre da catedral em construção. Segundo a lenda, S. Bárbara foi encerrada em uma torre, que se tornou seu atributo. Van Eyck, preservando o significado simbólico da torre, deu-lhe um caráter real, tornando-a o elemento principal da paisagem arquitetônica. Tais exemplos do entrelaçamento do simbólico e do real, tão característicos do período de transição da visão de mundo teológico-escolástica para o pensamento realista, podem ser citados não apenas na obra de Jan van Eyck, mas também de outros artistas do início do século XX. o século; numerosos detalhes - imagens nos capitéis das colunas, decorações de móveis, vários utensílios domésticos em muitos casos têm um significado simbólico (por exemplo, na cena da Anunciação, um lavatório e uma toalha servem como símbolo da pureza virgem de Maria).
Jan van Eyck foi um dos grandes mestres do retrato. Não apenas seus antecessores, mas também os italianos de sua época aderiram ao mesmo esquema da imagem do perfil. Jan van Eyck vira o rosto ¾ e o ilumina fortemente; ao modelar o rosto, ele usa o claro-escuro em menor grau do que as relações tonais. Um de seus retratos mais marcantes retrata um jovem com um rosto feio, mas atraente, modesto e espiritual, com roupas vermelhas e um cocar verde. O nome grego "Timothy" (provavelmente referindo-se ao nome do famoso músico grego), indicado na balaustrada de pedra, juntamente com a assinatura e data de 1432, serve de epíteto para o nome do retratado, aparentemente, um dos principais músicos que estavam ao serviço do Duque de Borgonha.
O “Retrato de um homem desconhecido em um turbante vermelho” (1433, Londres) destaca-se com a melhor performance pictórica e expressividade acentuada. Pela primeira vez na história da arte mundial, o olhar do retratado fixa-se intensamente no espectador, como se entrasse em comunicação direta com ele. É altamente plausível supor que se trata de um autorretrato do artista.
Para o "Retrato do Cardeal Albergati" (Viena), foi preservado um notável desenho preparatório a lápis de prata (Dresden), com notas de cor, aparentemente feito em 1431 durante uma curta estadia deste importante diplomata em Bruges. O retrato pictórico, aparentemente pintado muito mais tarde, na ausência de modelo, distingue-se por uma caracterização menos nítida, mas por um significado mais acentuado da personagem.
O último trabalho de retrato do artista é o único retrato feminino em sua herança - "Retrato de sua esposa" (1439, Bruges).
Um lugar especial não só na obra de Jan van Eyck, mas também em toda a arte holandesa dos séculos XV-XVI pertence ao “Retrato de Giovanni Arnolfini e sua esposa” (1434, Londres. Arnolfini é um representante proeminente do colônia comercial italiana em Bruges). As imagens são apresentadas no ambiente intimista de um aconchegante interior burguês, mas a estrita simetria da composição e dos gestos (a mão do homem levantada, como se estivesse fazendo um juramento, e as mãos unidas do casal) conferem à cena um caráter enfaticamente solene. O artista ultrapassa os limites de uma imagem puramente retratista, transformando-a numa cena de casamento, numa espécie de apoteose da fidelidade conjugal, cujo símbolo é o cão representado aos pés do casal. Não encontraremos tal retrato duplo no interior da arte européia até os "Mensageiros" de Holbein, escritos um século depois.
A arte de Jan van Eyck lançou as bases sobre as quais a arte neerlandesa se desenvolveu no futuro. Nela, pela primeira vez, uma nova atitude em relação à realidade encontrou sua expressão vívida. Foi o fenômeno mais avançado na vida artística de seu tempo.
mestre flamengo. As bases da nova arte realista foram lançadas, no entanto, não apenas por Jan van Eyck. Simultaneamente com ele, trabalhou o chamado mestre Flemalsky, cujo trabalho não apenas se desenvolveu independentemente da arte de van Eyck, mas, aparentemente, teve uma certa influência nos primeiros trabalhos de Jan van Eyck. A maioria dos investigadores identifica este artista (nomeado a partir de três pinturas do Museu de Frankfurt, originárias da aldeia de Flemal, perto de Liège, às quais são anexadas várias outras obras anónimas de acordo com características estilísticas) com o mestre Robert Campin (c. 1378-1444). ) mencionado em vários documentos da cidade de Tournai.
Nos primeiros trabalhos do artista - "A Natividade" (c. 1420-1425, Dijon), os laços estreitos com as miniaturas de Jacquemart de Esden (na composição, o caráter geral da paisagem, luz, coloração prateada) são claramente revelado. Características arcaicas - fitas com inscrições nas mãos de anjos e mulheres, uma espécie de perspectiva "oblíqua" do dossel, característica da arte do século XIV, são combinadas aqui com novas observações (tipos de pastores folclóricos brilhantes).
No tríptico A Anunciação (Nova York), o tema religioso tradicional se desdobra em um interior burguês detalhado e carinhosamente caracterizado. Na ala direita está a sala ao lado, onde o velho carpinteiro Joseph está fazendo ratoeiras; Através da janela de treliça, uma vista da praça da cidade se abre. À esquerda, na porta que dá para a sala, figuras ajoelhadas de clientes - os cônjuges de Ingelbrechts. O espaço apertado é quase totalmente preenchido com figuras e objetos retratados em uma acentuada redução de perspectiva, como se de um ponto de vista muito alto e próximo. Isso confere à composição um caráter plano-decorativo, apesar do volume de figuras e objetos.
A familiaridade de Jan van Eyck com este trabalho do mestre flamengo o influenciou quando ele criou a "Anunciação" do Retábulo de Ghent. Uma comparação dessas duas pinturas caracteriza claramente as características dos estágios anteriores e subsequentes na formação de uma nova arte realista. Na obra de Jan van Eyck, que estava intimamente associado à corte da Borgonha, essa interpretação puramente burguesa da trama religiosa não recebe mais desenvolvimento; no mestre Flemalsky, nos encontramos com ela mais de uma vez. “Madonna by the Fireplace” (c. 1435, São Petersburgo, Hermitage) é percebida como uma imagem puramente cotidiana; uma mãe carinhosa aquece a mão junto à lareira antes de tocar o corpo nu da criança. Como a Anunciação, a imagem é iluminada com uma luz forte e constante e é sustentada em um esquema de cores frias.
Nossas idéias sobre a obra desse mestre, no entanto, estariam longe de estar completas se fragmentos de duas de suas grandes obras não tivessem chegado até nós. Do tríptico "Descida da Cruz" (sua composição é conhecida de uma cópia antiga em Liverpool), a parte superior da asa direita com a figura de um ladrão amarrado a uma cruz, perto da qual estão dois romanos (Frankfurt), foi preservado. Nesta imagem monumental, o artista manteve o tradicional fundo dourado. O corpo nu que se destaca nele é transmitido de uma maneira bem diferente daquela em que Adão do altar de Ghent está escrito. As figuras de Madonna e St. Veronica" (Frankfurt) - fragmentos de outro grande altar. A transferência plástica das formas, como se enfatizasse sua materialidade, combina-se aqui com a sutil expressividade de rostos e gestos.
A única obra datada do artista é a faixa, com a imagem à esquerda de Heinrich Werl, professor da Universidade de Colônia e João Batista, e à direita - St. Bárbaros, sentados em um banco junto à lareira e imersos na leitura (1438, Madri), remete ao período tardio de sua obra. Sala de S. Varvara é muito semelhante em vários detalhes aos interiores já familiares do artista e ao mesmo tempo difere deles em uma transferência de espaço muito mais convincente. O espelho redondo com figuras refletidas na asa esquerda é emprestado de Jan van Eyck. Mais claramente, porém, tanto nesta obra quanto nas alas de Frankfurt, há traços de proximidade com outro grande mestre da escola holandesa, Roger van der Weyden, que foi aluno de Kampen. Essa proximidade levou alguns estudiosos que se opõem à identificação do mestre Flémalle com Campin a argumentar que as obras atribuídas a ele são de fato as obras do período inicial de Roger. Esse ponto de vista, no entanto, não parece convincente, e as características enfatizadas da intimidade são bastante explicáveis ​​pela influência de um aluno particularmente talentoso sobre seu professor.
Roger van der Weyden. Este é o maior, depois de Jan van Eyck, artista da escola holandesa (1399-1464). Documentos de arquivo contêm indicações de sua permanência nos anos 1427-1432 na oficina de R. Campin em Tournai. A partir de 1435, Roger trabalhou em Bruxelas, onde ocupou o cargo de pintor da cidade.
Sua obra mais famosa, criada em sua juventude, é Descida da Cruz (c. 1435, Madrid). Dez figuras são colocadas sobre um fundo dourado, em um espaço estreito do primeiro plano, como um relevo policromado. Apesar do desenho complexo, a composição é extremamente clara; todas as figuras que compõem os três grupos são combinadas em um todo inseparável; a unidade desses grupos é construída em repetições rítmicas e no equilíbrio de partes individuais. A curva do corpo de Maria repete a curva do corpo de Cristo; o mesmo paralelismo estrito distingue as figuras de Nicodemos e da mulher que sustenta Maria, bem como as figuras de João e Maria Madalena fechando a composição em ambos os lados. Esses momentos formais servem à tarefa principal - a revelação mais vívida do momento dramático principal e, acima de tudo, seu conteúdo emocional.
Mander diz de Roger que ele enriqueceu a arte da Holanda ao transmitir movimentos e "especialmente sentimentos, como tristeza, raiva ou alegria, de acordo com o enredo". Fazendo participantes individuais de um evento dramático portadores de vários tons de sentimentos de luto, o artista se abstém de individualizar as imagens, assim como se recusa a transferir a cena para um cenário real e concreto. A busca pela expressividade prevalece em sua obra sobre a observação objetiva.
Atuando como um artista, nitidamente diferente em suas aspirações criativas de Jan van Eyck, Roger experimentou, no entanto, o impacto direto deste último. Isso é eloquentemente evidenciado por algumas das primeiras pinturas do mestre, em particular A Anunciação (Paris, Louvre) e O Evangelista Lucas Pintando a Madona (Boston; repetições - São Petersburgo, l'Hermitage e Munique). Na segunda dessas pinturas, a composição repete com ligeiras alterações a composição da Madonna of Chancellor Rolin, de Jan van Eyck. A lenda cristã que se desenvolveu no século IV considerou Lucas como o primeiro pintor de ícones que retratou o rosto da Mãe de Deus (vários ícones “milagrosos” foram atribuídos a ele); nos séculos XIII-XIV, foi reconhecido como patrono das oficinas de pintores que surgiram na época em vários países da Europa Ocidental. De acordo com a orientação realista da arte holandesa, Roger van der Weyden retratou o evangelista como um artista contemporâneo, fazendo um esboço de retrato da natureza. No entanto, na interpretação das figuras, destacam-se claramente os traços característicos deste mestre - o pintor ajoelhado enche-se de reverência, as dobras da roupa distinguem-se pela ornamentação gótica. Pintada como retábulo da capela dos pintores, a pintura foi muito popular, como comprovam as várias repetições.
A corrente gótica na obra de Roger é especialmente pronunciada em dois pequenos trípticos - o chamado "Altar de Maria" ("Lamentação", à esquerda - "Sagrada Família", à direita - "A Aparição de Cristo Maria" ) e mais tarde - "O Altar de S. João" ("Batismo", à esquerda - "O Nascimento de João Batista", à direita - "A Execução de João Batista", Berlim). Cada uma das três alas é emoldurada por um portal gótico, que é uma reprodução pitoresca de uma moldura escultórica. Esta moldura está organicamente ligada ao espaço arquitetónico aqui retratado. As esculturas colocadas na trama do portal complementam as principais cenas que se desenrolam no cenário da paisagem e no interior. Enquanto na transferência do espaço Roger desenvolve as conquistas de Jan van Eyck, na interpretação de figuras com suas proporções graciosas e alongadas, voltas e curvas complexas, ele se junta às tradições da escultura gótica tardia.
A obra de Roger, em muito maior extensão do que a obra de Jan van Eyck, está associada às tradições da arte medieval e está imbuída do espírito do ensino estrito da Igreja. Ao realismo de Van Eyck, com sua deificação quase panteísta do universo, ele se opunha à arte, capaz de encarnar as imagens canônicas da religião cristã em formas claras, estritas e generalizadas. O mais indicativo a esse respeito é o Juízo Final, um políptico (ou melhor, um tríptico em que a parte central fixa tem três, e as alas, por sua vez, duas divisões), escrito em 1443-1454 por ordem do chanceler Rolen para o hospital que fundou na cidade de Bon (localizada ali). Esta é a maior escala (a altura da parte central é de cerca de 3 m, a largura total é de 5,52 m) obra do artista. A composição, que é a mesma para todo o tríptico, consiste em duas camadas - a esfera “celestial”, onde a figura hierática de Cristo e as fileiras de apóstolos e santos são colocadas sobre um fundo dourado, e a “terrena” com a ressurreição dos mortos. Na construção composicional do quadro, na planicidade da interpretação das figuras, ainda há muito medieval. No entanto, os diversos movimentos das figuras nuas do ressuscitado são transmitidos com tanta clareza e persuasão que falam de um estudo cuidadoso da natureza.
Em 1450 Roger van der Weyden viajou para Roma e esteve em Florença. Lá, encomendado pelos Medici, ele criou duas pinturas: "O Sepultamento" (Uffizi) e "Madonna com St. Pedro, João Batista, Cosme e Damião" (Frankfurt). Na iconografia e na composição, trazem traços de familiaridade com as obras de Fra Angelico e Domenico Veneziano. No entanto, esse conhecimento em nada afetou a natureza geral do trabalho do artista.
No tríptico criado imediatamente após o retorno da Itália com imagens semi-figuradas, na parte central - Cristo, Maria e João, e nas asas - Madalena e João Batista (Paris, Louvre), não há vestígios de influência italiana. A composição tem um caráter simétrico arcaico; a parte central, construída segundo o tipo de deesis, distingue-se pelo rigor quase icónico. A paisagem é tratada apenas como pano de fundo para as figuras. Esta obra do artista difere das anteriores pela intensidade da cor e pela sutileza das combinações coloridas.
Novidades na obra do artista são bem visíveis no Retábulo Bladelin (Berlim, Dahlem) - um tríptico com uma imagem na parte central da Natividade, encomendado por P. Bladelin, chefe das finanças do estado da Borgonha, para a igreja de a cidade de Middelburg fundada por ele. Em contraste com a construção em relevo da composição, característica do período inicial, aqui a ação se desenrola no espaço. O presépio está imbuído de um clima suave e lírico.
A obra mais significativa do período tardio é o tríptico Adoração dos Magos (Munique), com a imagem nas asas da Anunciação e da Apresentação. Aqui, as tendências que surgiram no altar de Bladelin continuam a se desenvolver. A ação se desenrola nas profundezas do quadro, mas a composição é paralela ao plano do quadro; a simetria se harmoniza com a assimetria. Os movimentos das figuras adquiriram maior liberdade - nesse aspecto, a figura graciosa de um jovem feiticeiro elegante com os traços faciais de Carlos, o Ousado no canto esquerdo e o anjo, tocando levemente o chão na Anunciação, chamam especialmente a atenção. As roupas carecem completamente da materialidade característica de Jan van Eyck - elas apenas enfatizam a forma e o movimento. No entanto, como Eick, Roger reproduz cuidadosamente o ambiente em que a ação se desenrola e preenche os interiores com claro-escuro, abandonando a iluminação nítida e uniforme característica de seu período inicial.
Roger van der Weyden foi um excelente pintor de retratos. Seus retratos diferem dos de Eyck. Ele destaca características especialmente marcantes em termos fisionômicos e psicológicos, enfatizando-as e fortalecendo-as. Para fazer isso, ele usa o desenho. Com o auxílio de linhas, ele delineia o formato do nariz, queixo, lábios, etc., dando pouco espaço à modelagem. A imagem do busto em 3/4 se destaca contra um fundo colorido - azul, esverdeado ou quase branco. Com todas as diferenças nas características individuais dos modelos, os retratos de Roger têm algumas características comuns. Isso se deve em grande parte ao fato de quase todos retratarem representantes da mais alta nobreza da Borgonha, cuja aparência e comportamento foram fortemente influenciados pelo ambiente, tradições e educação. Estes são, em particular, "Karl the Bold" (Berlim, Dahlem), militante "Anton of Burgundy" (Bruxelas), "Desconhecido" (Lugano, coleção Thyssen), "Francesco d" Este "(New York)," Retrato de uma jovem "(Washington). Vários retratos semelhantes, em particular "Laurent Fruamont" (Bruxelas), "Philippe de Croix" (Antuérpia), em que a pessoa retratada é retratada com as mãos postas em oração, originalmente formavam a ala direita de dípticos dispersos posteriores, na ala esquerda dos quais geralmente era busto da Madonna e do Menino.Um lugar especial pertence ao "Retrato de uma Mulher Desconhecida" (Berlim, Dahlem) - uma mulher bonita olhando para o espectador, escrito por volta de 1435 , em que aparece claramente a dependência do trabalho retratista de Jan van Eyck.
Roger van der Weyden teve uma influência extremamente grande no desenvolvimento da arte neerlandesa na segunda metade do século XV. A obra do artista, com sua tendência a criar imagens típicas e desenvolver composições completas que se distinguem por uma lógica estrita de construção, muito mais do que a obra de Jan van Eyck, poderia servir como fonte de empréstimos. Contribuiu para um maior desenvolvimento criativo e, ao mesmo tempo, atrasou-o parcialmente, contribuindo para o desenvolvimento de tipos repetitivos e esquemas de composição.
Petrus Christus. Ao contrário de Roger, que chefiava uma grande oficina em Bruxelas, Jan van Eyck tinha apenas um seguidor direto na pessoa de Petrus Christus (c. 1410-1472/3). Embora este artista não tenha se tornado um burguês da cidade de Bruges até 1444, ele sem dúvida trabalhou em estreita associação com Eyck antes dessa época. Suas obras, como Madonna com St. Barbara and Elisabeth and a Monk Customer” (coleção Rothschild, Paris) e “Jerome in a Cell” (Detroit), talvez, como acreditam alguns pesquisadores, iniciada por Jan van Eyck e finalizada por Christus. Seu trabalho mais interessante é St. Eligius” (1449, coleção de F. Leman, Nova York), aparentemente escrito para a oficina de joalheiros, cujo santo padroeiro era considerado este santo. Esta pequena pintura que retrata um jovem casal escolhendo anéis em uma joalheria (o halo em torno de sua cabeça é quase invisível) é uma das primeiras pinturas cotidianas da pintura neerlandesa. O significado deste trabalho é ainda mais acentuado pelo fato de que nenhuma das pinturas sobre assuntos cotidianos de Jan van Eyck, mencionadas em fontes literárias, chegaram até nós.
De grande interesse são os seus trabalhos de retratos, nos quais uma imagem semi-figurada é colocada num espaço arquitectónico real. Particularmente notável a este respeito é o "Retrato de Sir Edward Grimeston" (1446, coleção Verulam, Inglaterra).
Barcos Diric. O problema da transferência do espaço, em particular da paisagem, ocupa um lugar particularmente grande na obra de outro artista muito maior da mesma geração - Dirik Boats (c. 1410 / 20-1475). Natural do Harlem, instalou-se em Louvain no final dos anos quarenta, onde prosseguiu a sua actividade artística. Não sabemos quem foi seu professor; as primeiras pinturas que chegaram até nós são marcadas pela forte influência de Roger van der Weyden.
Sua obra mais famosa é "O Altar do Sacramento da Comunhão", escrita em 1464-1467 para uma das capelas da Igreja de St. Peter em Louvain (localizado lá). Este é um políptico, cuja parte central representa a Última Ceia, enquanto nas laterais das alas laterais há quatro cenas bíblicas, cujos enredos foram interpretados como protótipos do sacramento da comunhão. De acordo com o contrato que nos chegou, o tema deste trabalho foi desenvolvido por dois professores da Universidade de Louvain. A iconografia da Última Ceia difere da interpretação deste tema comum nos séculos XV e XVI. Em vez de uma história dramática sobre a previsão de Cristo da traição de Judas, a instituição do sacramento da Igreja é retratada. A composição, com sua estrita simetria, enfatiza o momento central e enfatiza a solenidade da cena. Com total persuasão, transmite-se a profundidade do espaço do salão gótico; esse objetivo é atendido não apenas pela perspectiva, mas também por uma transmissão cuidadosa da iluminação. Nenhum dos mestres holandeses do século XV conseguiu alcançar essa conexão orgânica entre figuras e espaço, como Boats fez neste maravilhoso quadro. Três das quatro cenas dos painéis laterais se desdobram na paisagem. Apesar da escala relativamente grande das figuras, a paisagem aqui não é apenas um fundo, mas o principal elemento da composição. Em um esforço para alcançar uma maior unidade, Boats renuncia à riqueza de detalhes nas paisagens de Eik. Em "Ilya in the Wilderness" e "Gathering Manna from Heaven" por meio de uma estrada sinuosa e a disposição da cena de montes e rochas, pela primeira vez ele consegue conectar os três planos tradicionais - frente, meio e verso. A coisa mais notável sobre essas paisagens, no entanto, são os efeitos de iluminação e coloração. Em Gathering Manna, o sol nascente ilumina o primeiro plano, deixando o meio termo na sombra. Elijah in the Desert transmite a claridade fria de uma manhã transparente de verão.
Ainda mais surpreendentes a este respeito são as paisagens encantadoras das asas de um pequeno tríptico, que retrata a "Adoração dos Magos" (Munique). Esta é uma das últimas obras do mestre. A atenção do artista nestas pequenas pinturas é inteiramente voltada para o translado da paisagem, e as figuras de João Batista e S. Christopher são de importância secundária. Particularmente notável é a transmissão da iluminação suave da noite com os raios do sol refletindo na superfície da água, levemente ondulados em uma paisagem de St. Christopher.
Boats é estranho à estrita objetividade de Jan van Eyck; suas paisagens são imbuídas de um clima condizente com o enredo. A propensão para a elegia e o lirismo, a falta de drama, uma certa postura estática e congelada são as características de um artista tão diferente nesse aspecto de Roger van der Weyden. Eles são especialmente brilhantes em suas obras, cujo enredo é cheio de drama. Em "O Tormento de S. Erasmo ”(Louvain, Igreja de São Pedro), o santo suporta sofrimentos dolorosos com coragem estóica. O grupo de pessoas presentes ao mesmo tempo também está cheio de calma.
Em 1468, Boates, que havia sido nomeado pintor da cidade, foi contratado para pintar cinco pinturas para a decoração do magnífico edifício da prefeitura recém-concluído. Duas grandes composições foram preservadas representando episódios lendários da história do imperador Otto III (Bruxelas). Uma mostra a execução do conde, caluniado pela imperatriz, que não conseguiu seu amor; no segundo - o teste de fogo perante a corte do imperador da viúva do conde, provando a inocência de seu marido e, em segundo plano, a execução da imperatriz. Tais "cenas de justiça" foram colocadas nos salões onde ficava o tribunal da cidade. Pinturas de natureza semelhante com cenas da história de Trajano foram realizadas por Roger van der Weyden para a Prefeitura de Bruxelas (não preservadas).
A segunda das "cenas da justiça" de Boats (a primeira foi feita com participação significativa dos alunos) é uma das obras-primas pela habilidade com que a composição é resolvida e pela beleza da cor. Apesar da extrema mesquinhez dos gestos e da imobilidade das poses, a intensidade dos sentimentos é transmitida com grande persuasão. As excelentes imagens de retrato da comitiva chamam a atenção. Um desses retratos chegou até nós, sem dúvida pertencente ao pincel do artista; este "Retrato de um Homem" (1462, Londres) pode ser considerado o primeiro retrato íntimo da história da pintura europeia. Um rosto cansado, preocupado e cheio de bondade é sutilmente caracterizado; Pela janela tem-se vista para o campo.
Hugo van der Goes. Em meados e segunda metade do século, um número significativo de estudantes e seguidores de Weyden e Bouts trabalhavam na Holanda, cujo trabalho é de natureza epígona. Neste contexto, destaca-se a figura poderosa de Hugo van der Goes (c. 1435-1482). O nome deste artista pode ser colocado ao lado de Jan van Eyck e Roger van der Weyden. Admitido em 1467 na guilda de pintores da cidade de Ghent, logo alcançou grande fama, assumindo um papel imediato e, em alguns casos, liderando grandes obras decorativas na decoração festiva de Bruges e Ghent por ocasião da recepção de Charles o ousado. Entre suas primeiras pinturas de cavalete de pequeno porte, as mais significativas são o díptico A Queda e Lamentação de Cristo (Viena). As figuras de Adão e Eva, representadas em meio a uma luxuosa paisagem do sul, lembram as figuras dos progenitores do altar de Ghent em sua elaboração de forma plástica. Lamentation, semelhante a Roger van der Weyden em seu pathos, é notável por sua composição ousada e original. Aparentemente, um tríptico de altar representando a Adoração dos Magos foi pintado um pouco mais tarde (São Petersburgo, o Hermitage).
No início dos anos setenta, Tommaso Portinari, representante dos Médici em Bruges, encomendou a Hus um tríptico representando a Natividade. Este tríptico está em uma das capelas da igreja do Sítio Maria Novella em Florença há quase quatro séculos. O tríptico Retábulo de Portinari (Florença, Uffizi) é a obra-prima do artista e um dos mais importantes monumentos da pintura holandesa.
O artista recebeu uma tarefa incomum para a pintura holandesa - criar um trabalho grande e monumental com figuras em grande escala (o tamanho da parte do meio é de 3 × 2,5 m). Mantendo os principais elementos da tradição iconográfica, Hus criou uma composição completamente nova, aprofundando significativamente o espaço da imagem e colocando as figuras ao longo das diagonais que a atravessam. Tendo aumentado a escala das figuras para o tamanho da vida, o artista dotou-as de formas poderosas e pesadas. Pastores irromperam em silêncio solene das profundezas à direita. Seus rostos simples e ásperos estão iluminados com alegria e fé ingênuas. Essas pessoas do povo, retratadas com incrível realismo, são de igual importância com outras figuras. Maria e José também são dotados de feições de pessoas comuns. Este trabalho expressa uma nova ideia de pessoa, uma nova compreensão da dignidade humana. O mesmo inovador é Gus na transmissão de iluminação e cor. A sequência com que a iluminação é transmitida e, em particular, as sombras das figuras, falam de uma observação cuidadosa da natureza. A imagem é sustentada em cores frias e saturadas. As asas laterais, mais escuras que a parte central, completam com sucesso a composição central. Os retratos dos membros da família Portinari colocados sobre eles, atrás dos quais se erguem as figuras dos santos, distinguem-se pela grande vitalidade e espiritualidade. A paisagem da ala esquerda é notável, transmitindo a atmosfera fria de uma manhã de inverno.
Provavelmente, a "Adoração dos Magos" (Berlim, Dahlem) foi realizada um pouco antes. Assim como no altar de Portinari, a arquitetura é recortada por uma moldura, que consegue uma relação mais correta entre ela e as figuras e realça o caráter monumental do espetáculo solene e magnífico. A Adoração dos Pastores de Berlim, Dahlem, escrita depois do retábulo de Portinari, tem um caráter significativamente diferente. A composição alongada fecha em ambos os lados com meias figuras dos profetas, abrindo a cortina, atrás da qual se desenrola uma cena de adoração. A corrida impetuosa dos pastores vindos da esquerda, com seus rostos excitados, e os profetas, tomados de excitação emocional, dão ao quadro um caráter inquieto e tenso. Sabe-se que em 1475 o artista entrou no mosteiro, onde, no entanto, ocupava uma posição privilegiada, mantendo um contato próximo com o mundo e continuando a pintar. O autor da crônica do mosteiro fala do difícil estado de espírito do artista, que não estava satisfeito com sua obra, que tentou suicidar-se em acessos de melancolia. Nesta história, somos confrontados com um novo tipo de artista, nitidamente diferente do artesão da guilda medieval. O estado espiritual deprimido de Hus foi refletido na pintura “A Morte de Maria” (Bruges), imbuída de um clima de ansiedade, na qual os sentimentos de tristeza, desespero e confusão que se apoderaram dos apóstolos são transmitidos com grande força.
Memling. No final do século, há um enfraquecimento da atividade criativa, o ritmo de desenvolvimento desacelera, a inovação dá lugar ao epigonismo e ao conservadorismo. Estas características estão claramente expressas na obra de um dos artistas mais significativos desta época - Hans Memling (c. 1433-1494). Natural de uma pequena cidade alemã do Meno, trabalhou no final dos anos cinquenta na oficina de Roger van der Weyden e, após a morte deste, estabeleceu-se em Bruges, onde dirigiu a escola local de pintura. Memling empresta muito de Roger van der Weyden, usando repetidamente suas composições, mas esses empréstimos são de natureza externa. A dramatização e o pathos do professor estão longe dele. Você pode encontrar recursos emprestados de Jan van Eyck (renderização detalhada de ornamentos de tapetes orientais, tecidos de brocado). Mas os fundamentos do realismo de Eik lhe são estranhos. Sem enriquecer a arte com novas observações, Memling, no entanto, introduz novas qualidades na pintura neerlandesa. Em suas obras, encontraremos uma elegância refinada de poses e movimentos, beleza atraente de rostos, ternura de sentimentos, clareza, ordem e decoração elegante da composição. Essas características são especialmente expressas no tríptico "Noivado de St. Catherine" (1479, Bruges, St. John's Hospital). A composição da parte central distingue-se pela estrita simetria, animada por uma variedade de poses. Nas laterais da Madonna estão as figuras de St. Catarina e Bárbara e dois apóstolos; o trono da Madonna é ladeado pelas figuras de João Batista e João Evangelista em pé contra o fundo das colunas. Silhuetas graciosas, quase incorpóreas, realçam a expressividade decorativa do tríptico. Este tipo de composição, repetindo com algumas alterações a composição de uma obra anterior do artista - um tríptico com a Madona, santos e clientes (1468, Inglaterra, coleção do Duque de Devonshire), será repetidamente repetido e variado pelo artista . Em alguns casos, o artista introduziu elementos individuais emprestados da arte da Itália no conjunto decorativo, por exemplo, putti nus segurando guirlandas, mas a influência da arte italiana não se estendeu à representação da figura humana.
A Adoração dos Magos (1479, Bruges, St. John's Hospital), que remonta a uma composição semelhante de Roger van der Weyden, mas sujeita a simplificação e esquematização, distingue-se também pela frontalidade e carácter estático. A composição do "Juízo Final" de Roger foi retrabalhada ainda mais no tríptico "O Juízo Final" de Memling (1473, Gdansk), encomendado pelo representante dos Medici em Bruges - Angelo Tani (excelentes retratos dele e de sua esposa são colocados em as asas). A individualidade do artista se manifestou neste trabalho de forma especialmente brilhante na representação poética do paraíso. Com indubitável virtuosismo, figuras nuas graciosas são executadas. A minúcia da execução, característica do Juízo Final, ficou ainda mais evidente em duas pinturas, que são um ciclo de cenas da vida de Cristo (A Paixão de Cristo, Turim; Sete Alegrias de Maria, Munique). O talento do miniaturista encontra-se também nos pitorescos painéis e medalhões que adornam o pequeno gótico “St. Ursula" (Bruges, St. John's Hospital). Esta é uma das obras mais populares e famosas do artista. Muito mais significativo, no entanto, o tríptico artisticamente monumental "Santos Cristóvão, Mouro e Gilles" (Bruges, Museu da Cidade). As imagens dos santos nele se distinguem pela concentração inspirada e nobre contenção.
Seus retratos são especialmente valiosos na herança do artista. "Retrato de Martin van Nivenhove" (1481, Bruges, St. John's Hospital) é o único retrato díptico do século XV que sobreviveu intacto. A Madona e o Menino representado na ala esquerda representa um desenvolvimento adicional do tipo de retrato no interior. Memling introduz outra inovação na composição do retrato, colocando a imagem do busto ora enquadrada pelas colunas de uma loggia aberta, através da qual a paisagem é visível (“Retratos emparelhados do burgomestre Morel e sua esposa”, Bruxelas), ora diretamente contra o fundo da paisagem (“Retrato de um homem que reza”, Haia; “Retrato de um medalhista desconhecido”, Antuérpia). Os retratos de Memling sem dúvida transmitiam uma semelhança externa, mas com toda a diferença de características, encontraremos neles muito em comum. Todas as pessoas retratadas por ele se distinguem pela contenção, nobreza, suavidade espiritual e muitas vezes piedade.
G. David. Gerard David (c. 1460-1523) foi o último grande pintor da escola de pintura sul-neerlandesa no século XV. Natural do norte da Holanda, estabeleceu-se em Bruges em 1483 e, após a morte de Memling, tornou-se a figura central da escola de arte local. A obra de G. David em vários aspectos difere nitidamente da obra de Memling. À leve elegância deste último, ele contrastou pompa pesada e solenidade festiva; seus números atarracados com excesso de peso têm um volume pronunciado. Em sua busca criativa, David contou com a herança artística de Jan van Eyck. Deve-se notar que, neste momento, o interesse pela arte do início do século torna-se um fenômeno bastante característico. A arte do tempo de Van Eyck adquire o significado de uma espécie de "herança clássica", que, em particular, encontra expressão no aparecimento de um número significativo de cópias e imitações.
A obra-prima do artista é o grande tríptico "O Batismo de Cristo" (c. 1500, Bruges, Museu da Cidade), que se distingue por uma ordem calmamente majestosa e solene. A primeira coisa que chama a atenção aqui é o anjo destacando-se em primeiro plano em uma casula de brocado magnificamente pintada, feita na tradição da arte de Jan van Eyck. Particularmente notável é a paisagem, em que as transições de um plano para outro são dadas em tons sutis. A transmissão convincente da iluminação noturna e a representação magistral da água transparente chamam a atenção.
De grande importância para a caracterização do artista é a composição Madonna entre as Santas Virgens (1509, Rouen), que se distingue pela estrita simetria no arranjo das figuras e esquema de cores pensativo.
Imbuído de um espírito estrito da igreja, o trabalho de G. David era geralmente, como o trabalho de Memling, de natureza conservadora; refletia a ideologia dos círculos patrícios da decadente Bruges.

DENTRO XVséculo, o mais significativo centro cultural do Norte da Europa -Holanda , um país pequeno, mas rico, incluindo o território da atual Bélgica e Holanda.

artistas holandesesXVDurante séculos, eles pintaram principalmente altares, pintaram retratos e pinturas de cavalete encomendadas por cidadãos ricos. Adoravam as cenas da Natividade e da Adoração do Menino Jesus, muitas vezes transferindo cenas religiosas para situações da vida real. Inúmeros utensílios domésticos que preenchiam esse ambiente para uma pessoa daquela época continham um significado simbólico importante. Assim, por exemplo, um lavatório e uma toalha eram percebidos como uma pitada de pureza, pureza; sapatos-li eram um símbolo de fidelidade, uma vela acesa - matrimônio.

Ao contrário de seus colegas italianos, os artistas neerlandeses raramente retratavam pessoas com rostos e figuras classicamente belas. Poetizaram a pessoa comum, "média", vendo seu valor na modéstia, piedade e integridade.

À frente da escola holandesa de pinturaXVséculo permanece engenhosoJan van Eyck (cerca de 1390-1441). Seu famoso"Altar de Gante" abriu uma nova era na história da arte holandesa. Símbolos religiosos são traduzidos em imagens autênticas do mundo real.

Sabe-se que o "Retábulo de Ghent" foi iniciado pelo irmão mais velho de Jan van Eyck, Hubert, mas o trabalho principal caiu em janeiro.

As portas do altar são pintadas por dentro e por fora. Do lado de fora, parece contido e rigoroso: todas as imagens são resolvidas em uma única escala de cinza. A cena da Anunciação, as figuras dos santos e doadores (clientes) são aqui capturadas. Nos feriados, as portas do altar se abriam e diante dos paroquianos, em todo o esplendor de cores, apareciam pinturas, encarnando a ideia de expiação dos pecados e a iluminação vindoura.

Com excepcional realismo, são executadas as figuras nuas de Adão e Eva, as imagens mais renascentistas em espírito do Retábulo de Ghent. Os fundos da paisagem são magníficos - uma típica paisagem holandesa na cena da Anunciação, um prado florido ensolarado com vegetação variada nas cenas de adoração ao Cordeiro.

Com a mesma observação incrível, o mundo ao redor é recriado em outras obras de Jan van Eyck. Entre os exemplos mais marcantes está o panorama de uma cidade medieval emMadona do Chanceler Rolin.

Jan van Eyck foi um dos primeiros pintores de retratos de destaque na Europa. Em sua obra, o gênero retrato adquiriu independência. Além das pinturas que são o tipo usual de retrato, van Eyck possui uma obra única do gênero,"Retrato dos Arnolfinis". Este é o primeiro retrato emparelhado na pintura europeia. Os esposos são retratados em uma pequena sala aconchegante, onde todas as coisas têm um significado simbólico, sugerindo a santidade do voto matrimonial.

Com o nome de Jan van Eyck, a tradição liga também o aperfeiçoamento da técnica da pintura a óleo. Ele aplicou a tinta camada por camada na superfície branca do quadro, obtendo uma transparência de cor especial. A imagem parecia brilhar por dentro.

No meio e no 2º semestreXVséculos, mestres de talento excepcional trabalharam na Holanda -Rogier van der Weyden E Hugo van der Goes , cujos nomes podem ser colocados ao lado de Jan van Eyck.

Bosch

Na borda XV- XVIséculos a vida pública na Holanda estava cheia de contradições sociais. Sob essas condições, a arte complexa nasceuHieronymus Bosch (cerca de eu 450- eu 5 eu 6, nome verdadeiro Hieronymus van Aken). Bosch era alheio aos fundamentos de atitude em que se baseava a escola holandesa, começando com Jan van Eyck. Ele vê no mundo a luta de dois princípios, divino e satânico, justo e pecador, bem e mal. As criaturas do mal penetram em todos os lugares: são pensamentos e ações indignas, heresias e todos os tipos de pecados (vaidade, sexualidade pecaminosa, desprovidos da luz do amor divino, estupidez, gula), as maquinações do diabo tentando os santos eremitas, e assim por diante. em. Pela primeira vez, a esfera do feio como objeto de compreensão artística cativa tanto o pintor que ele usa suas formas grotescas. Suas pinturas sobre os temas de provérbios populares, ditos e parábolas ("Tentação de S. Antonia" , "Carrinho de feno" , "Jardim das Delícias" ) Bosch habita com imagens bizarras-fantásticas, ao mesmo tempo assustadoras, apavorantes e cômicas. Aqui o artista vem em socorro da tradição secular da cultura popular do riso, os motivos do folclore medieval.

Na fantasia de Bosch, quase sempre há um elemento de alegoria, um começo alegórico. Essa característica de sua arte é mais claramente refletida nos trípticos O jardim das delícias, que mostra as consequências prejudiciais dos prazeres sensuais, e Hay, cuja trama personifica a luta da humanidade por benefícios ilusórios.

A demonologia de Bosch convive não só com uma análise profunda da natureza humana e humor popular, mas também com um sentido sutil da natureza (em vastos fundos de paisagem).

brueghel

O auge do Renascimento holandês foi a criatividadePieter Brueghel, o Velho (cerca de 1525 / 30-1569), o mais próximo do humor das massas na era do avanço da revolução holandesa. Brueghel possuía no mais alto grau o que é chamado de identidade nacional: todas as características notáveis ​​de sua arte são cultivadas com base nas tradições holandesas originais (ele foi muito influenciado, em particular, pelo trabalho de Bosch).

Pela capacidade de desenhar tipos camponeses, o artista foi chamado de Breughel "Camponesa". Reflexões sobre o destino do povo permearam toda a sua obra. Brueghel captura, às vezes de forma alegórica e grotesca, o trabalho e a vida do povo, graves desastres nacionais (“O Triunfo da Morte”) e o inesgotável amor à vida do povo ("Casamento Camponês" , "Dança Camponesa" ). É característico que nas pinturas sobre temas evangélicos("Censo em Belém" , "Massacre dos inocentes" , "Adoração dos Magos na neve" ) apresentou a Belém bíblica como uma vila holandesa comum. Com profundo conhecimento da vida popular, mostrava a aparência e ocupação dos camponeses, uma paisagem tipicamente holandesa e até a alvenaria característica das casas. Não é difícil ver a história moderna, e não bíblica, no Massacre dos Inocentes: tortura, execuções, ataques armados a pessoas indefesas - tudo isso aconteceu durante os anos de opressão espanhola sem precedentes na Holanda. Outras pinturas de Brueghel também têm significado simbólico:"Terra de preguiçosos" , "Magpie na forca" , "Cego" (terrível, trágica alegoria: o caminho do cego, levado ao abismo - não é este o caminho da vida de toda a humanidade?).

A vida das pessoas nas obras de Brueghel é inseparável da vida da natureza, na transferência da qual o artista mostrou habilidade excepcional. Seu"Caçadores de Neve" uma das paisagens mais perfeitas da pintura mundial.

PINTURA DE RETRATO FLAMENGO DO PRIMEIRO RENASCIMENTO

Pintor flamengo Jan van Eyck (1385-1441)

Parte 1

Margarita, a esposa do artista

Retrato de um homem de turbante vermelho (possivelmente auto-retrato)

Jan de Leeuw

Homem com um anel

retrato masculino

Marco Barbarigo

Retrato do casal Arnolfini

Giovanni Arnolfini

Baudouin de Lannoy

homem com cravo

Cardeal Legado Papal Niccolò Albergati

Biografia de Jan van Eyck

Jan van Eyck (1390 - 1441) - pintor flamengo, irmão de Hubert van Eyck (1370 - 1426). Dos dois irmãos, o Hubert mais velho era o menos famoso. Há pouca informação confiável sobre a biografia de Hubert van Eyck.

Jan van Eyck foi um pintor da corte de João da Holanda (1422 - 1425) e Filipe da Borgonha. Enquanto servia ao duque Philip, Jan van Eyck fez várias viagens diplomáticas clandestinas. Em 1428, na biografia de van Eyck, realizou-se uma viagem a Portugal, onde pintou um retrato da noiva de Filipe, Isabel.

O estilo de Eyck, baseado no poder implícito do realismo, serviu como uma importante abordagem na arte medieval tardia. As realizações notáveis ​​desse movimento realista, como os afrescos de Tommaso da Modena em Treviso, obra de Robert Campin, influenciaram o estilo de Jan van Eyck. Experimentando com realismo, Jan van Eyck alcançou uma precisão surpreendente, diferenças inusitadamente agradáveis ​​entre a qualidade dos materiais e a luz natural. Isso sugere que seu cuidadoso delineamento dos detalhes da vida cotidiana foi feito com a intenção de exibir o esplendor das criações de Deus.

Alguns escritores creditam falsamente a Jan van Eyck a descoberta das técnicas de pintura a óleo. Sem dúvida, ele desempenhou um papel fundamental no aperfeiçoamento desta técnica, alcançando com sua ajuda uma riqueza e saturação de cor sem precedentes. Jan van Eyck desenvolveu a técnica de pintura a óleo.

Ele gradualmente alcançou uma precisão pedante na representação do mundo natural.

Muitos seguidores copiaram sem sucesso seu estilo. A qualidade distintiva do trabalho de Jan van Eyck foi a difícil imitação de seu trabalho. Sua influência na próxima geração de artistas, no norte e no sul da Europa, não pode ser superestimada. Toda a evolução dos pintores flamengos do século XV teve a marca direta de seu estilo.

Entre as obras de van Eyck que sobreviveram, a maior é o "Retábulo de Ghent" - na Catedral de Saint-Bavon em Ghent, Bélgica. Esta obra-prima foi criada por dois irmãos, Jan e Hubert, e concluída em 1432. Painéis exteriores mostram o dia da Anunciação, quando o anjo Gabriel visitou a Virgem Maria, bem como imagens de São João Batista, João Evangelista. O interior do altar é constituído pela "Adoração do Cordeiro", revelando uma magnífica paisagem, bem como pinturas acima mostrando Deus Pai perto da Virgem, João Batista, anjos tocando música, Adão e Eva.

Ao longo de sua vida, Jan van Yayk criou muitos retratos magníficos, famosos por sua objetividade cristalina e precisão gráfica. Entre suas pinturas: um retrato de um homem desconhecido (1432), um retrato de um homem em um turbante vermelho (1436), um retrato de Jan de Lieuw (1436) em Viena, um retrato de sua esposa Margareta van Eyck (1439) em Bruges. A pintura de casamento "Giovanni Arnolfini e sua noiva" (1434, National Gallery of London), juntamente com as figuras, mostra um excelente interior.

Na biografia de van Eyck, o interesse especial do artista sempre recaiu na representação de materiais, bem como na qualidade especial das substâncias. Seu talento técnico insuperável foi especialmente bem manifestado em duas obras religiosas - "Nossa Senhora do Chanceler Rolin" (1436) no Louvre, "Nossa Senhora do Canon van der Pale" (1436) em Bruges. A Galeria Nacional de Arte em Washington, D.C. exibe a pintura "Proclamação", que é atribuída à mão de van Eyck. Acredita-se que algumas das pinturas inacabadas de Jan van Eyck tenham sido finalizadas por Petrus Christus.

VI - Holanda século XV