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Estilos de pintura - o tema é muito extenso, pode-se dizer eterno. As pessoas costumam usar termos que não entendem direito, por isso há confusão e confusão. Por isso, quero contar de forma breve e clara tudo o que sei sobre as tendências da pintura. Para não transformar o artigo em uma lição de história maçante, falarei brevemente sobre as áreas mais populares e relevantes da atualidade. Estilos de pintura com ilustrações - uma maneira conveniente e rápida de se familiarizar com as tendências mais importantes das artes visuais.

gótico

"Altar da família Merode". Roberto Campin. 1430s.

gótico- esta é uma tendência na arte que cobriu todos os países da Europa Ocidental e Central. Então o gótico estava em tudo - na escultura, pintura, vitrais, etc. foi usado sempre que possível, houve um "boom cultural". Tal popularidade se deve ao último passo na evolução da arte medieval. O centro e a figura principal no estilo gótico era a arquitetura - arcos altos, vitrais coloridos, muitos detalhes. A época românica não resistiu a tal investida e ficou à margem da história.

Anos: 1150 - 1450.
Bartolo di Fredi, Giotto, Jan Polak, Jan van Eyck.

Renascença (Renascença)

"Maria Madalena penitente". Ticiano. 1560s.

Renascimento surgiu com base na queda do Império Bizantino e na turbulência cultural que ocorreu nesta ocasião na Europa. Os bizantinos que foram forçados a fugir, juntamente com os laços culturais, trouxeram obras de arte e bibliotecas para as terras da Europa. Assim, ocorreu uma espécie de renascimento de visões antigas, mas de forma moderna. Ao longo dos anos, muitos pontos foram revistos e questionados. Em geral, reinava o humanismo secular e as ideias de prosperidade.

Anos: 1400 - 1600.
Hieronymus Bosch, Leonardo da Vinci, Ticiano.

Barroco

"Judite e Holofernes". Caravaggio. 1599.

Barroco- O patrimônio cultural europeu vem da Itália. Caracteriza a beleza viciosa irônica, o elitismo antinatural e a pretensão. As características de tais pinturas são o alto contraste, a tensão da trama, a dinâmica dos personagens esticada ao limite. A quintessência do barroco é considerada a igreja de Santa Maria della Vittoria, localizada em Roma.

Anos: 1600-1740.
Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Jan Vermeer.

Classicismo

"A Misericórdia de Cipião Africano". Pompeo Batoni. 1772.

Classicismo desempenhou um grande papel na arte, como uma tendência fundamental na pintura do século XVIII. Do próprio nome, tudo fica claro (latim classicus significa exemplar, exemplar).
Os artistas estabeleceram o objetivo de prender o espectador ao alto, e suas pinturas eram uma estrela guia. Alta moralidade, cultura contida e valores tradicionais antigos tornaram-se a base do classicismo. Na era do classicismo na Europa, houve um crescimento cultural e uma reavaliação de valores, a arte atingiu um patamar completamente diferente.

Anos: 1700 - 1800.
Karl Bryullov, Jean-Baptiste Greuze, Nicolas Poussin.

Realismo

"Acrobatas Errantes". Gustavo Dore. 1874

Realismo tenta com a maior certeza transmitir o clima do momento, um momento de realidade na tela. Mas, por sua vez, ele não é limitado por limites claros, as únicas regras são que não deve haver espaço no quadro para coisas que excluem o realismo. No decorrer dos experimentos, no final do século XVIII, esse estilo foi dividido em naturalismo e impressionismo. Mas, o realismo conseguiu sobreviver e é popular até na pintura moderna.

Anos: 1800 - 1880.
William Bouguereau, Gustave Courbet, Jean-François Millet.

Impressionismo

"Impressão. Sol Nascente". Claude Monet. 1872

Impressionismo originado na França, este conceito foi introduzido por Louis Leroy. Os impressionistas que trabalharam neste estilo queriam pegar uma segunda impressão de cada objeto ou momento, eles pintavam aqui e agora, independentemente da forma e significado. As fotos mostraram momentos e momentos excepcionalmente positivos e brilhantes. Mas depois, com base nisso, começaram as divergências entre os impressionistas e, com o tempo, surgiram mestres que podiam se impressionar com problemas sociais, fome e doenças. No entanto, o impressionismo é um estilo de pintura gentil e positivo que mostra momentos bons e brilhantes.

Anos: 1860-1920.
Claude Monet, Edouard Manet, Edgar Degas.

pós-impressionismo

"Auto-retrato em um chapéu de feltro cinza III". Vicente Van Gogh. 1887

pós-impressionismo incorporou muitos estilos e técnicas diferentes. Mestres europeus com novas visões sobre a pintura deram origem a novas tendências e tentaram ativamente se afastar do impressionismo e do realismo, que eram então chatos.

Anos: 1880-1920.
Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Roderick O'Conor.

Pontilhismo

Rio São Trovaso. Veneza". Henrique Edmond Cross. 1904

Pontilhismo(ponto - ponto) - Uma direção estilística na pintura, que é o mesmo impressionismo, só que em uma concha diferente. Em vez de traços irregulares, foram usadas formas pontilhadas ou retangulares. Além disso, os artistas se recusavam a misturar cores na paleta, em vez disso, cores puras eram sobrepostas na tela e misturadas diretamente na própria tela sem se tocarem.

Anos: 1885-1930.
Henri Edmond Cross, Georges Seurat, Paul Signac.

Modernismo

"Borboletas perto". Odilon Redon. 1910

O modernismo é uma característica comum de todos os gêneros e estilos na pintura das décadas de 1850-1950. Inclui tendências na pintura como Impressionismo, Expressionismo, Neo e Pós-Impressionismo, Fauvismo, Cubismo, Futurismo, Arte Abstrata, Dadaísmo, Surrealismo e muitos outros. A existência desses estilos marca o afastamento completo das artes plásticas do academicismo. Depois de deixar o academismo, tornou-se quase impossível acompanhar todas as tendências e estilos que se formaram e ainda estão sendo formados.

Anos: 1850-1950.
Salvador Dali, Kazimir Malevich, Auguste Renoir e muitos outros.

Academicismo

Academicismo- uma direção na arte que segue as regras e costumes da antiguidade e do Renascimento. O academismo procura impor fundamentos e limites claros, exclui a fantasia e o vôo criativo. Em vez disso, a ênfase está em melhorar as deficiências, a "rugosidade" da natureza - para esconder ou eliminar. Melhorar a realidade na direção da bela percepção é a essência do academicismo. Os enredos são frequentemente retirados da mitologia antiga, motivos bíblicos e históricos também são usados.

Anos: 1500 - hoje.
Karl Bryullov, William Bouguereau, Fedor Bruni.

Primitivismo

"Na cozinha" Epifânio Drovnyak. 1940 ~ ano.

Primitivismo- a simplificação deliberada da imagem a tal ponto que parece ser o trabalho de uma criança. Vários desenhos e ilustrações populares podem ser atribuídos ao primitivismo. Apenas à primeira vista, as imagens parecem simples e ridículas. Mas se você olhar de perto, poderá ver as proporções corretas e o cumprimento das regras do horizonte e da composição. A maioria dos famosos mestres do primitivismo e da arte ingênua eram grandes fãs da história de seu povo e de sua cultura. É por isso que todas as suas pinturas estão saturadas com a cor da área em que viviam. Hoje, esse gênero foi transformado em arte ingênua, muitas vezes com uma mistura de simbolismo. Isso se deve ao fato de que o espectador moderno não está pronto para perceber o primitivismo em sua forma mais pura.

Anos: 1900 - hoje.
Epifania Drovnyak, Henri Rousseau, Niko Pirosmanishvili.

Cubismo

"Mulher sentada em um vestido azul." Pablo Picasso. 1939

Cubismoé uma direção do modernismo, muitas vezes usada em relação à pintura e às artes plásticas. Os mestres quebraram seus enredos em formas geométricas, dando a cada elemento único seu próprio setor denso.

Anos: 1906-1925.
Pablo Picasso, Fernand Léger, Robert Delaunay.

Surrealismo

"A Persistência da Memória". Salvador Dalí. 1931

Surrealismo - misturando sonho com realidade. Nesse estilo, os artistas liberavam seus sonhos para fora, misturando imagens da vida real entre si, combinando o incompatível. Além disso, tópicos pessoais dos sonhos foram abordados - medos, desejos secretos, fantasias inconscientes, complexos. Tudo o que uma pessoa pode ver em seus sonhos. Hoje, os surrealistas copiam a casca exterior, usando apenas belas formas, sem incutir nelas o significado que era característico dos mestres do passado.

Anos: 1920 - hoje.
Salvador Dali, Max Ernst, René Magritte.

Abstracionismo

"Amarelo Vermelho Azul" Wassily Kandinsky. 1925

Abstracionismo- uma direção na arte onde havia uma rejeição da imagem da realidade e da correção das formas. O objetivo principal é retratar muitas formas coloridas que, juntas, podem contar a história da imagem. A pátria da arte abstrata é considerada a Rússia e a América.

Anos: 1910 - hoje.
Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Piet Mondrian.

expressionismo

"Gritar". Edvard Munch. 1893

expressionismo se propõe uma única tarefa, transmitir o que o autor do quadro sentiu no momento de sua escrita. Artistas desse estilo querem expressar a si mesmos e seus sentimentos, razão pela qual o expressionismo é o oposto do impressionismo, em que a ênfase está em expressar uma concha puramente externa. Os expressionistas são caracterizados por uma tendência ao misticismo, pessimismo e desânimo.

Anos: 1890 - hoje.
Egon Schiele, Karl Eugen Kael, Jerzy Hulewicz.

Arte pop

"Garrafas Verdes de Coca-Cola". Andy Warhole. 1962

Arte pop— Estilo moderno na arte, utilizando os símbolos da cultura de massa e produtos de consumo. As tecnologias modernas ajudaram a manipular e combinar objetos, por isso, a pop art era frequentemente criticada pelos guardas da velha escola. Com o tempo, a arte pop absorveu muitas tendências na pintura.

Anos: 1950-1980.
Andy Warhol, David Hockney, Robert Rauschenberg.

Minimalismo

Grande Cairo. Franco Stella. 1962

Minimalismo deve minimizar a interferência do autor com o meio ambiente. O minimalismo denota apenas os pontos mais importantes. As origens estão no construtivismo, suprematismo, dadaísmo. É um gênero de pintura muito controverso, devido às visões excessivamente minimalistas de alguns autores desse estilo. Hoje, as tendências minimalistas na pintura estão se transformando com extrema rapidez.

Anos: 1960 - hoje.
Frank Stella, Carl André, Saul LeWitt.

hiper-realismo

"Fruta". Jacques Boden. 2016

hiper-realismo surgiu em conexão com a popularização da fotografia, era interessante para os artistas competirem com os fotógrafos. Os hiper-realistas criam uma realidade alternativa, uma ilusão realista.

Anos: 1970 - hoje.
Gnoli, Gerhard Richter, Delkol.

Essas são todas as direções na pintura

Isso é tudo o que eu poderia e queria dizer sobre esse tema 😉 Na verdade, existem muito mais tendências na pintura, e elas são desenvolvidas involuntariamente literalmente todos os dias. Neste artigo eu queria falar sobre os mais populares e influentes. Se gostou do material, compartilhe nas redes sociais, vamos desenvolver arte juntos. Obrigado a todos pelo apoio!

A grande figura, cientista e artista renascentista Leonardo da Vinci disse: "A pintura é a poesia que se vê, e a poesia é a pintura que se ouve". E não se pode deixar de concordar com ele. A verdadeira arte é verdadeiramente percebida de forma abrangente. Vemos, contemplamos, ouvimos e guardamos na alma as obras de arte que gostamos. E as obras-primas do mundo permanecem em nossa memória por muitos anos.

Gêneros e tipos de pintura

Desenhando um quadro, o mestre o executa em um determinado estado, um personagem especial. O trabalho não será completo, digno de amor e atenção, se apenas forma e cor forem retratados nele. O artista é obrigado a dotar os objetos de alma, as pessoas de carisma, uma faísca, talvez um segredo, a natureza de sentimentos peculiares e os acontecimentos de experiências reais. E gêneros e tipos de pintura ajudam o criador nisso. Eles permitem que você transmita corretamente o clima de uma época, evento, fato, é melhor capturar a ideia principal, imagem, paisagem.

Os principais incluem:

• Histórico- representação de fatos, momentos da história de diferentes países e épocas.
• Batalha- transmite cenas de batalha.
• Doméstico- Cenas da vida cotidiana.
• Paisagem São pinturas da natureza. Há paisagens marítimas, montanhosas, fantásticas, líricas, rurais, urbanas, espaciais.
• Natureza morta- ilustra objetos inanimados: utensílios de cozinha, armas, legumes, frutas, plantas, etc.
• Retrato- Esta é uma imagem de uma pessoa, um grupo de pessoas. Muitas vezes, os artistas gostam de pintar autorretratos ou telas representando seus amantes.
• animalesco- Fotos sobre animais.

Separadamente, pode-se destacar outro gênero temático de enredo e incluir aqui obras, cujos temas são mitos, lendas, épicos, bem como pinturas da vida cotidiana.

Tipos de pintura também significam separados, eles ajudam o artista a atingir a perfeição na hora de criar uma tela, dizer-lhe em que direção se mover e trabalhar. Existem as seguintes opções:

- Panorama- uma imagem da área em formato de grande escala, uma visão geral.

- Diorama- uma imagem de batalhas, eventos espetaculares curvados em semicírculo.

- Miniatura- Manuscritos, retratos.

- Pintura monumental e decorativa- pintura em paredes, painéis, plafonds, etc.

- iconografia- pinturas sobre temas religiosos.

- pintura decorativa- criação de cenários artísticos em cinema e teatro.

- pintura de cavalete Em outras palavras, imagens.

- Pintura decorativa de objetos da vida cotidiana.

Como regra, cada mestre de belas artes escolhe para si um gênero e tipo de pintura específico que lhe é mais próximo em espírito e, principalmente, trabalha apenas nele. Por exemplo, Ivan Konstantinovich Aivazovsky (Hovhannes Gayvazyan) trabalhou no estilo de uma paisagem marinha. Esses artistas também são chamados de pintores marinhos (de "marina", que em latim significa "mar").

Técnicas

A pintura é uma certa maneira de executar o enredo, seu sentimento através do mundo das cores e dos traços. E, claro, tal reprodução não pode ser feita sem o uso de certas técnicas, padrões e regras. O próprio conceito de "técnica" nas artes visuais pode ser definido como um conjunto de técnicas, normas e conhecimentos práticos, com a ajuda dos quais o autor transmite a ideia e o enredo da imagem de forma mais precisa, próxima da realidade.

A escolha da técnica de pintura depende de que tipo de materiais, tipo de tela será usada para criar uma obra. Às vezes, um artista pode ter uma abordagem individual de seu trabalho, tirar proveito de uma mistura de diferentes estilos e tendências. A abordagem deste autor permite que você crie obras de arte verdadeiramente únicas - obras-primas do mundo.

Em termos técnicos, existem várias opções de pintura. Vamos considerá-los com mais detalhes.

Pintura dos tempos antigos

A história da pintura começa com as esculturas rupestres do homem primitivo. Nessa época, as pinturas não se distinguiam pela vivacidade das tramas, pela profusão de cores, mas havia nelas uma emoção peculiar. E as tramas daqueles anos nos informam claramente sobre a existência de vida em um passado distante. As linhas são extremamente simples, o assunto é previsível, as direções são inequívocas.

Nos tempos antigos, o conteúdo dos desenhos se torna mais diversificado, mais frequentemente retratam animais, coisas diferentes, fazem biografias inteiras em toda a parede, especialmente se as imagens são criadas para os faraós, o que era muito acreditado. Após cerca de mais dois mil anos, as cores começam a adquirir.

A pintura antiga, em particular o russo antigo, é bem transmitida e preservada em ícones antigos. Eles são um santuário e o melhor exemplo, transmitindo a beleza da arte de Deus. Sua cor é única e o propósito é perfeito. Tal pintura transmite a irrealidade do ser, imagens e instila em uma pessoa a ideia de um princípio divino, da existência de uma arte ideal, à qual se deve ser igual.

O desenvolvimento da pintura não passou sem deixar vestígios. Por muito tempo, a humanidade conseguiu acumular relíquias reais e a herança espiritual de muitos séculos.

Aquarela

A pintura em aquarela se distingue pelo brilho das cores, pureza da cor e transparência da aplicação ao papel. Sim, é sobre uma superfície de papel que é melhor trabalhar nesta técnica de fine art. O desenho seca rapidamente e como resultado adquire uma textura mais leve e fosca.

A aquarela não permite obter tonalidades interessantes ao usar tons escuros e sólidos, mas modela perfeitamente a cor quando as camadas são sobrepostas uma sobre a outra. Neste caso, acaba por encontrar opções completamente novas e incomuns que são difíceis de obter com outras técnicas artísticas.

Dificuldades com aquarela

A complexidade de trabalhar em uma técnica como a aquarela está no fato de que ela não perdoa erros, não permite improvisação com mudanças cardinais. Se você não gostou do tom aplicado ou obteve uma cor completamente diferente da desejada, é improvável que consiga corrigi-lo. Qualquer tentativa (lavar com água, raspar, misturar com outras cores) pode levar tanto a uma tonalidade mais interessante quanto à contaminação completa da imagem.

Mudar a localização de uma figura, um objeto, qualquer melhoria na composição nesta técnica é essencialmente impossível de fazer. Mas devido à secagem rápida das tintas na pintura, é ideal para desenhar esboços. E em termos de representação de plantas, retratos, paisagens urbanas, pode competir com pinturas a óleo.

Óleo

Cada uma das variedades técnicas de pintura tem suas próprias especificidades. Isso se aplica tanto à forma de atuação quanto à transmissão artística da imagem. A pintura a óleo é uma das técnicas favoritas de muitos artistas. É difícil trabalhar nele, porque requer um certo nível de conhecimento e experiência: desde a preparação dos itens necessários, materiais até o estágio final - cobrindo a imagem resultante com uma camada protetora de verniz.

Todo o processo de pintura a óleo é bastante trabalhoso. Independentemente da base que escolher: lona, ​​cartão ou cartão duro (painel de fibra), deve primeiro cobri-la com primário. Isso permitirá que a tinta se deite e segure bem, para não se destacar do óleo. Também dará ao plano de fundo a textura e a cor desejadas. Existem muitos tipos e receitas para vários solos. E cada artista prefere o seu, específico, a que está habituado e que considera a melhor opção.

Como mencionado acima, o trabalho ocorre em várias etapas, e a final é o revestimento da imagem com substâncias de verniz. Isso é feito para proteger a tela da umidade, do aparecimento de rachaduras (malha) e outros danos mecânicos. A pintura a óleo não tolera trabalhos em papel, mas graças a toda a tecnologia de aplicação de tintas, permite manter as obras de arte seguras e protegidas por séculos.

belas artes da china

Gostaria de dar uma atenção especial à era da pintura chinesa, pois tem uma página especial na história: a direção oriental da pintura se desenvolveu ao longo de mais de seis mil anos. A sua formação esteve intimamente ligada a outros ofícios, mudanças sociais e condições da vida das pessoas. Por exemplo, após a introdução do budismo na China, os afrescos religiosos adquiriram grande importância. Em tempos (960-1127), as pinturas históricas tornam-se populares, incluindo histórias sobre a vida cotidiana. A pintura de paisagem estabeleceu-se como uma direção independente já no século IV dC. e. Imagens da natureza foram criadas em cores azul-esverdeadas e tinta chinesa. E no século IX, os artistas começaram cada vez mais a pintar quadros que retratavam flores, pássaros, frutas, insetos, peixes, incorporando neles seus ideais e a natureza da época.

Características da pintura chinesa

A pintura tradicional chinesa é notável por seu estilo específico, bem como pelos materiais utilizados para a pintura, que por sua vez influencia os métodos e formas da arte oriental. Primeiro, os pintores chineses usam um pincel especial para criar pinturas. Parece aquarela e tem uma ponta particularmente afiada. Essa ferramenta permite criar trabalhos sofisticados e, como você sabe, o estilo de caligrafia ainda é amplamente utilizado na China. Em segundo lugar, a tinta é usada em todos os lugares como tintas - tinta chinesa (acontece que junto com outras cores, mas também é usada como tinta independente). Isso vem acontecendo há dois mil anos. Também vale a pena notar que, antes do advento do papel, as pessoas na China pintavam em seda. Hoje, mestres de arte modernos realizam seu trabalho tanto em papel quanto em uma superfície de seda.

Esta não é todas as possibilidades técnicas da pintura. Além dos anteriores, existem muitos outros (guache, pastel, têmpera, afresco, acrílico, cera, pintura sobre vidro, porcelana etc.), incluindo opções de autor para arte.

Épocas da pintura

Como qualquer forma de arte, a pintura tem sua própria história de formação. E, acima de tudo, é caracterizada por diferentes estágios de desenvolvimento, estilos multifacetados, direções interessantes. Nem o último papel aqui é desempenhado pela era da pintura. Cada um deles afeta não apenas um pedaço da vida das pessoas e não apenas o tempo de alguns acontecimentos históricos, mas toda uma vida! Entre os períodos mais famosos da arte da pintura estão: o Renascimento e o Iluminismo, a obra de artistas impressionistas, o moderno, o surrealismo e muitos, muitos outros. Em outras palavras, a pintura é uma ilustração visual de uma determinada época, uma imagem da vida, uma visão de mundo através dos olhos de um artista.

O conceito de "pintura" significa literalmente "escrever a vida", retratar a realidade de forma vívida, magistral, convincente. Para transmitir em sua tela não apenas cada detalhe, cada coisinha, momento, mas também o clima, as emoções, a cor desta ou daquela época, o estilo e o gênero de toda a obra de arte.

Instituição estadual de ensino municipal de ensino complementar

"Escola de arte infantil Gorshechensk"

Desenvolvimento metodológico sobre o tema "A pintura como forma de arte"

Preparado pelo professor MKOU DO "Gorshechenskaya DSHI"

Sultanov Vladimir Mubaryakovich

O conceito de pintura

« Quadro - esta é uma representação artística do mundo objetivo em um plano por meio de materiais coloridos. "Quadro um dos mais importantes tipos de artes plásticas, em que as tarefas de reflexão figurativa, interpretação e conhecimento de fenômenos e objetos da realidade objetiva são resolvidas pela cor, continuamente associada ao desenho. As pinturas são criadas com tintas (óleo, água, cera, cola, etc.), que são aplicadas na superfície da tela, gesso, papel, superfície cerâmica, etc.” Encontramos um conceito mais geral em: "Pintura significa escrever a vida, escrever vividamente, ou seja, transmitir plena e convincentemente a realidade".

Tipos de pintura

monumental (do lat. monumento significa manter a memória, reminiscente) - um tipo especial de pinturas, que se distinguem por uma grande escala, que são a decoração de paredes, tetos, cúpulas, abóbadas em várias estruturas arquitetônicas. Fresco - um dos tipos de pintura de parede com tintas diluídas com água pura ou cal, sobre gesso. Existem vários tipos de afrescos:

ao ar livre - em gesso fresco e úmido;

"fresco a secco" - em gesso seco;

pintura de caseína-cal - uma modificação do afresco para gesso seco, que apareceu no século XVII;

esgrafito - a forma mais comum de pintura de parede moderna, ou seja, a aplicação camada por camada de tintas em gesso com exposição, riscando as camadas inferiores, que são de cores diferentes;

o graffiti também é uma invenção moderna no campo da pintura mural. O graffiti é realizado com latas de aerossol cheias de corantes, a imagem é obtida por pulverização de tintas, seu volume é obtido aplicando uma cor a outra.

mosaico - uma imagem feita de partículas de material homogêneo ou diferente de calcário, ladrilhos cerâmicos, que são fixados em uma camada de solo (cal ou cimento).iconografia junto com seus cânones veio para a Rússia de Bizâncio, mas a antiga pintura de ícones russos logo se tornou original e é considerada a melhor do mundo. Na Rússia, o ícone era geralmente pintado por um artel inteiro, liderado por um mestre. A maioria dos pintores de ícones eram monges, e muitas vezes não sabemos seus nomes - o artista não colocou sua assinatura no ícone, porque se via como um humilde "instrumento" de Deus.

pintura decorativa existe em duas direções. A primeira é caracterizada por seu uso na decoração de edifícios, interiores na forma de painéis coloridos, que, com uma imagem realista, criam a ilusão de expandir a parede, aumentando visualmente o tamanho da sala ou, ao contrário, artificialmente formas simplificadas, o volume naturalista é excluído e a planicidade da parede é enfatizada, o isolamento do espaço é indicado. Padrões, grinaldas, grinaldas e outros tipos de decoração que adornam as obras de pintura monumental unem todos os elementos do interior, realçando a sua beleza, coerência com a arquitectura. A segunda direção está ligada à decoração das coisas que cercam as pessoas: utensílios domésticos: caixões, caixões, tábuas de cortar, conchas, setters, baús, etc. Seus temas e formas estão subordinados ao propósito das coisas e à intenção do autor.Pintura teatral e decorativa (cenário, figurino, maquiagem, adereços, feitos de acordo com os esboços do artista) contribui para a divulgação profunda do conteúdo da peça, filme, vídeo.pintura de cavalete é uma obra independente que reflete a diversidade do mundo circundante, expressa em uma variedade de imagens (desde objetos reais, fenômenos até fantasias não objetivas que revelam o mundo de um ponto de vista diferente). As pinturas de cavalete são feitas em cavalete, usando madeira, papelão, papel como base material, mas principalmente tela esticada em uma maca.pintura em miniatura (de lat.minium - assim era designada a tinta de cinábrio, que era muito valorizada na antiguidade e frequentemente usada em ilustrações de livros). As miniaturas são de tamanho pequeno, imagens muito coloridas, com pequenos detalhes finamente escritos, que se desenvolveram na Idade Média, antes da invenção da impressão.Pintura a óleo realizado com tintas preparadas à base de noz, linhaça, papoula, óleo de cânhamo, contribuindo para a conquista da integridade, vivacidade, graça, aprimorando as capacidades ópticas na transferência de volume e espaço, aumentando o som estético geral da tela.pintura a têmpera é realizado com uma emulsão de têmpera preparada com base na mistura de ovo inteiro, proteína, base de gema, cola, óleo, corantes, leite de galho de figo, verniz, caseína, cera.Aquarela (do lat. aqua - água) tintas obtidas com base em cola vegetal, diluída com água, daí o nome da pintura.pintura em guache (do italiano Guazzo - tinta de água) - trabalhos feitos com tintas compostas por pigmentos finamente moídos com um aglutinante adesivo à água (goma arábica, amido de trigo, dextrina, etc.) e uma mistura de branco. A pintura a guache pode ser feita em papel, cartolina, tela, seda, madeira, vidro, osso).pintura pastel realizado com lápis macios sem aro (giz de cera) obtido pela mistura de tinta em pó com um adesivo (cola de cereja, dextrina, gelatina, caseína). A pintura pastel distingue-se por tons suaves e suaves, superfície aveludada.pintura a cera (encáustica) foi usado no antigo Egito. O aglutinante na encáustica é cera branqueada. As tintas de cera são aplicadas em estado fundido em uma base aquecida com um pincel com uma ferramenta de bronze em brasa, após o que são cauterizadas (derretidas com um braseiro).

Gêneros de pintura

gênero mitológico (do gr. mythos - lenda) - um gênero de pintura em que o lugar principal é dado à imagem de eventos e heróis que são objeto de mitos, lendas, lendas, épicos de povos antigos. A arte tardo-antiga e medieval tornou-se o berço do emergente género mitológico, nomeadamente no momento em que os mitos greco-romanos deixam de ser crenças e passam a ser obras literárias, cuja finalidade é a educação moral das gerações através de várias alegorias.gênero histórico , cujas obras são dedicadas à imagem de eventos históricos significativos, fenômenos ou figuras históricas. A base dessas obras é um apelo ao passado histórico, no entanto, eventos recentes também podem se tornar o tema da imagem, desde que seu significado histórico seja reconhecido pelos contemporâneos.Gênero de batalha (do francês bataille - batalha) - um gênero de arte que revela os temas de guerras, batalhas, batalhas, campanhas ou episódios da vida militar. O gênero de batalha pode ter um significado independente e ser parte integrante do gênero histórico ou mitológico, além de conter alguns elementos de outros gêneros.gênero doméstico (do gênero francês, sitten-bild alemão - gênero, tipo, "gênero") - o gênero mais comum de belas artes, no qual o artista se refere aos temas e enredos da vida cotidiana.Paisagem (do francês paysage, de pays - localidade, país, pátria) - um gênero de belas artes, cujo foco principal é a imagem da natureza, paisagem, mar, panorama da área, estruturas arquitetônicas, ruas da cidade, pontes. As obras desse gênero também são chamadas de paisagem.Natureza morta (do francês naturemorte - natureza morta, natureza) - um gênero de belas artes, uma obra separada desse gênero, exibindo artisticamente vários utensílios domésticos, instrumentos musicais, flores, frutas, jogos, produtos, objetos inanimados etc. ou a própria produção , atuando como artista de objetos de imagem. A natureza morta pode ser composta não apenas de objetos inanimados, mas também de formas naturais. Isso, por sua vez, influenciou o surgimento de outra formulação mais precisa desse gênero. Em alemão (stilleben) e em inglês (stilllife), esse gênero é chamado de ¬ - uma vida tranquila. Isso significa que todos os objetos e objetos em uma natureza morta são imóveis e, ao mesmo tempo, são uma espécie de "eco" de seu dono, seu mundo interior, caráter, hábitos etc.Retrato (do retrato francês - imagem) - um gênero de arte, cujo objetivo principal é a imagem de um indivíduo ou grupo de pessoas. A principal qualidade do retrato reside não apenas na semelhança com o original, que é garantida, em primeiro lugar, por uma representação precisa da aparência externa de uma pessoa, mas também na revelação de sua sutil matéria mental e espiritual, que um artista observador e profissional é capaz de captar pelos movimentos dos músculos do rosto, a natureza do olhar, a expressão dos olhos, os gestos, a postura, o modo de vestir, o ambiente. Todos esses recursos permitem criar um retrato psicológico confiável, que forma a base da imagem.NU (do francês nu - nu, despido) - um gênero de belas artes dedicado à imagem de um corpo nu. O corpo nu foi retratado já no antigo Egito. Na Grécia antiga, o tema da nudez se torna um dos principais para os artistas, seu objetivo é mostrar a beleza, a harmonia das formas, das linhas. Para os mestres, a imagem de um modelo nu torna-se uma norma estética e a personificação de um ideal vital e ao mesmo tempo artístico.Gênero animal (de lat. animal - animal) - um gênero de belas artes, cujo tema principal é a imagem de representantes do mundo animal.

A influência da cor no estado psicológico de uma pessoa

A percepção de cores é um processo complexo que é impulsionado por estímulos físicos e psicológicos, viz. O desenvolvimento da visão de cores humana dependeu em grande parte de conquistas no campo da ciência relacionadas à determinação das características e padrões do impacto emocional e psicológico da cor, que passou da identificação de uma percepção de cor elementar para caracterizar um senso de cor altamente desenvolvido. “O sentido da cor, ao contrário de uma simples sensação, é entendido como uma percepção complexa e enriquecedora da cor, quando surgem ideias, imagens, associações associadas à cor” (37). No entanto, quaisquer conquistas no campo da ciência não podem explicar completamente os muitos fenômenos que ocorrem a uma pessoa ao perceber uma determinada cor. Muitos estudos provaram o fato de que a cor tem um grau e natureza diferentes de significado para uma pessoa: as relações de cores no ambiente podem acalmar ou excitar, curar, compensar quaisquer doenças ou levar a um estado de depressão profunda e agravar problemas de saúde física e psicológica. Com tudo isso, conhecendo o simbolismo das cores, destacado no decorrer do desenvolvimento histórico da humanidade, na maioria das vezes a prática de vida não dá a devida atenção ao problema da cor na organização do ambiente, na educação e formação dos mais jovens geração. E isso provoca o desenvolvimento de muitos aspectos negativos e inúmeros estereótipos de personalidades, levando a uma certa mediocridade e, consequentemente, ao empobrecimento espiritual, que não permite que cada criança se abra totalmente em uma área ou outra. Um exemplo marcante de tal julgamento é a “imposição de cor”, realizada desde o nascimento e acompanhando toda a vida posterior. Ao nascer, a criança entra imediatamente em um determinado ambiente de cores organizado pelos adultos, e é bom que os adultos entendam o quão importante é a primeira interação de uma criança com a cor e, nesse caso, não ocorrerá o “trauma da cor”. Em tal ambiente, a criança ficará confortável, pois ela mesma é um ser harmonioso, muito sensível a quaisquer manifestações desarmônicas. E quanto mais jovem a criança, maior a sensibilidade, embora a criança não seja capaz de dizer isso, ela só pode mostrá-lo externamente (com seu choro, comportamento inquieto, gritos, etc.). Mas, na maioria dos casos, os adultos não são capazes de construir um ambiente de cores harmonioso, devido a várias circunstâncias (ignorância, maus modos de gosto estético, atitudes ideológicas na criação dos filhos, baixo padrão de vida etc.). ) e então a criança começa a se adaptar a esse ambiente que foi criado ao seu redor, acostumando-se gradativamente ao estado de desarmonia. Além disso, essa interação continua em uma instituição de educação pré-escolar, onde o fator cor também está longe de ser sempre dado atenção suficiente. Assim, o halo do "vício em cores" se expande. É por isso que, na idade pré-escolar média e sênior, sem treinamento especial nos fundamentos da ciência das cores, um sistema de estereótipos de cores se desenvolve muito fortemente nas crianças, e o motivo não é apenas a ausência ou orientação pedagogicamente inadequada da criatividade das crianças, mas também um ambiente que contém elementos de profunda desarmonia. Tendo vindo para a escola, faculdade, universidade, para trabalhar, uma personalidade em desenvolvimento enfrenta o mesmo problema. No final, o adolescente deixa de responder à cor, empobrecendo assim sua percepção do mundo, neste caso a personalidade torna-se “automatizada”, pois a maioria das ações são realizadas por lucratividade, interesse material, e não por questões estéticas e espirituais. necessidades, que são a prerrogativa da pessoa. Uma consequência triste e às vezes perigosa é a organização inepta do ambiente de cores. Vamos ilustrar com exemplos ilustrativos: vamos tomar uma aula ou uma plateia onde são ministradas aulas que exigem atenção, perseverança e pintura, como muitas vezes acontece, em uma cor, por exemplo, amarelo sujo, após 1-2 horas de trabalho nesta sala, a maioria das pessoas tem dor de cabeça, mal-estar, fadiga ou agitação. A razão é que tal tom de amarelo em alguns pode causar uma sensação de perigo e, portanto, provocar algum tipo de excitação, transformando-se em excitação emocional que interfere na assimilação do material, em outros, esse tom contribuirá para o estreitamento do sangue vasos, o que levará a vários tipos de dores de cabeça. Se a mesma sala for pintada em uma cor rosa brilhante, alguns terão uma irritabilidade pronunciada, enquanto outros terão infantilismo e passividade, levando à desatenção e distração. Muitas pessoas nunca pensaram no fato de que, quando chegam a uma clínica ou hospital, experimentam excitação, medo e se sentem extremamente desconfortáveis. E isso acontece não apenas porque em instituições desse tipo uma pessoa recebe dor. Uma das razões é o esquema de cores frias usado para pintar as paredes (na maioria das vezes você pode observar a luz azul-esverdeada, azul ou branca). de medo, agravado pela própria finalidade da sala. Os exemplos dados mais uma vez confirmam o quanto o ambiente de cor pode afetar o estado psicológico de uma pessoa. Portanto, ao organizar um espaço de cores, deve-se sempre lembrar não apenas de sua finalidade funcional, mas também do esquema de cores, que contribui, em primeiro lugar, para o conforto psicológico do indivíduo e, em segundo lugar, para sua formação estética. Para entender mais profundamente as conexões e relações entre cores e tonalidades, é necessário considerar seu significado simbólico, propriedades e qualidades.

Simbolismo da cor

O simbolismo da cor em vários períodos do desenvolvimento da cultura e da arte desempenhou um dos lugares mais importantes na formação da visão de mundo da sociedade, influenciando a avaliação do conteúdo ideológico e artístico das obras. No entanto, é justo salientar que na interpretação do significado simbólico de uma determinada cor em diferentes épocas e em diferentes países, não se observou unidade e identidade. Por exemplo, “na Idade Média, o vermelho era percebido simultaneamente como a cor da beleza e da alegria, assim como a cor da raiva e da vergonha. Uma barba e cabelo ruivos em um caso foram considerados um sinal de um bom herói, enquanto, ao mesmo tempo, em outras crenças medievais, uma barba ruiva é um símbolo de feitiçaria. Vamos comparar vários grupos de diferentes culturas para determinar o significado simbólico da cor. O simbolismo cristão da Europa Ocidental considera as cores principais: branco (divindade, santidade); amarelo (símbolo do Sol); roxo (majestade, realeza); vermelho (a cor do sangue sagrado de Cristo). O verde era percebido como uma cor terrena, como símbolo da renovação da primavera; o azul simbolizava a divindade do céu e da verdade; preto agia como um símbolo de fenômenos negativos, pecaminosidade. O simbolismo da cor na vida pública da Europa Ocidental tem algumas diferenças na interpretação religiosa. Esse simbolismo da cor entrou firmemente na heráldica de cores de muitos países e até teve força de lei. Tão branco (prata, justiça); amarelo (ouro, riqueza); vermelho (força, democracia); verde (fertilidade, florescimento); azul (inocência, tranquilidade); azul (sabedoria); roxo (tristeza, angústia); preto (luto, morte). Na cultura islâmica, os símbolos de cores são metáforas e um meio de designação de cores na alquimia, na ciência e na vida. Assim, o branco é considerado a cor principal no simbolismo islâmico (santidade e dignidade, por um lado, e luto abençoado, por outro). A segunda cor principal é o amarelo como símbolo do Sol, Ouro, Alegria. A terceira cor primária é o vermelho, denotando Fogo, Sangue como sinal de vida. O azul era percebido como um símbolo da calma da Noite e da Morte. O verde é a cor principal do paraíso muçulmano. Nesta cor, ambos os começos terrenos e celestiais são combinados. O preto se correlaciona com o lado negativo da vida, com má consciência e maus motivos. Na Rússia, o vermelho era considerado um sinal de beleza, e tudo o que estava associado ao conceito de “bonito” era chamado de vermelho: “Praça Vermelha”, “varanda vermelha”, “canto vermelho”, “vermelho-primavera”, “vermelho menina". O simbolismo moderno da cor está incluído nas metáforas poéticas da cor e contém sinais de significado psicológico. Atualmente, foi criado um sistema expandido de símbolos de cores: amarelo (alegria, ciúme, inveja); vermelho (amor, paixão, raiva); azul (infinito, melancolia, espaço); verde (natureza, juventude); branco (pureza, inocência, humildade, paz); preto (escuridão, melancolia, morte) e muitos outros. Para considerar mais claramente como a ideia do significado simbólico da cor mudou em diferentes culturas, compilaremos uma tabela que revela as principais características de uma determinada cor. Para análise, foram tomadas as cores que são frequentemente encontradas e que se cruzam em diferentes culturas.

O homem sempre se esforçou pela beleza, harmonia e auto-expressão. Este desejo desde os tempos antigos se manifesta em quadro- uma forma de arte, cujas primeiras obras podemos encontrar no homem primitivo.

Quadro transmite imagens visuais aplicando tintas em uma base sólida ou flexível (tela, madeira, papel, papelão). Dependendo das tintas e materiais utilizados, as bases distinguem-se por vários tecnologia e tipos de pintura. Entre eles:

• óleo;
• têmpera;
• esmalte;
• guache;
• pastel;
• tinta;
• pintura em gesso: afresco e um secco;
• aquarela;
• escova seca;
• acrílico;
• mídia mista
• e muitos outros.

Existem muitas técnicas de pintura. Tudo o que deixa rastro em alguma coisa, a rigor, é pintura: a pintura é criada pela natureza, pelo tempo e pelo homem.

Cor na pinturaé um dos meios de expressão mais importantes. Ele mesmo pode ser o portador de uma certa ideia, além disso, pode reforçar repetidamente o pensamento embutido no enredo da imagem.

A pintura pode despertar em nós uma grande variedade de sentimentos e emoções. Contemplando, você pode preencher com uma sensação de harmonia e paz, Aliviar estresse e mergulhar na contemplação, Eu posso recarregue suas baterias e a vontade de realizar seus sonhos. Uma imagem emocionalmente próxima é capaz de prender a atenção por horas, e o dono de tal imagem encontrará nela novos significados, idéias e mensagens do artista a cada vez. A contemplação é uma forma de meditação em que você mergulha em seu mundo interior e passa o tempo necessário sozinho.

Além do mais, quadro como qualquer outra forma de arte, ajuda você a se expressar, suas emoções e humor, aliviar o estresse e a tensão interior e, às vezes, encontrar respostas para perguntas importantes.

Para muitas pessoas, a pintura torna-se não apenas um passatempo agradável, mas também um passatempo útil que tem um efeito benéfico no estado interno. Ao criar algo novo, uma pessoa revela seu potencial, percebe suas habilidades criativas, conhece a si mesma e ao mundo ao seu redor.

As aulas de pintura ativam o direito(criativo, emocional) hemisfério cerebral. Isso é muito importante em nossa era razoável e racional. Desbloquear suas habilidades criativas ajuda você a alcançar o sucesso em áreas completamente diferentes da vida.(carreira, relacionamentos, crescimento pessoal) à medida que a criatividade e a flexibilidade se tornam parte de sua personalidade.

Talvez, quando criança, você adorasse desenhar, mas seus pais não queriam mandá-lo para a escola de arte? Ou você sempre sonhou em poder expressar lindamente seus pensamentos com a ajuda de imagens visuais? "Nunca é tarde para aprender a pintar!" dizem os professores modernos. Com a variedade atual de técnicas, gêneros e materiais, todos podem encontrar algo adequado para si. E você pode aprender o básico da composição e se orientar em estilos e tendências modernas em cursos especiais de pintura para adultos.

A pintura é um mundo inteiro de beleza, imagens e cores. Se você quer se tornar um participante direto de sua criação, as aulas de pintura são para você!

A pintura tem sido parte integrante da vida humana desde os tempos antigos. As pinturas rupestres nos contam sobre a vida dos povos primitivos. O que é pintar?

Pintura: definição e tipos

A pintura é uma forma de arte que envolve a aplicação de imagens visuais com a ajuda de tintas em uma base.

No mundo moderno, esse tipo de arte também inclui a criação de imagens usando tecnologias digitais e as próprias obras de arte feitas com esses métodos.

Além disso, a pintura é uma importante forma de transmitir a realidade, os sentimentos e o estado da alma humana. Além das pinturas em tela, a pintura também inclui pintar paredes, vasos de forma complexa, madeira, papelão, papel e outras superfícies. A pintura muitas vezes acompanha a arquitetura.

De acordo com a natureza do desempenho e finalidade, os seguintes tipos de pintura são distinguidos:

• Monumental - decorativo - é um tipo de pintura que ajuda a criar uma atmosfera de uma estrutura ou conjunto arquitetônico (pinturas murais, painéis).
• Decorativos (decorações, fantasias).
• Iconografia.
• Miniatura. Este tipo de pintura é usado para ilustrar livros, manuscritos.
• Panorama - escrevendo uma imagem com uma visão circular e criando a ilusão de realidade.
• Diorama - criando uma imagem curva.
• Pintura de cavalete.

O que é pintura de cavalete? Esta é uma imagem de pinturas que são percebidas separadamente do mundo ao seu redor. Por assim dizer, uma imagem criada em uma máquina-ferramenta - um cavalete. Na maioria das vezes, são as obras de pintura de cavalete que são exibidas nos museus.

Neste artigo, você aprendeu um pouco sobre pintura, sobre a bela forma de arte que nos agrada há muitos séculos.