Ajuda na Tele2, tarifas, dúvidas

ubok - uma imagem folclórica, um tipo de gráfico, uma imagem com legenda, caracterizada pela simplicidade e acessibilidade das imagens. Originalmente um tipo de arte popular. Foi realizado na técnica de xilogravuras, gravuras em cobre, litografias e foi complementado por coloração à mão livre.

Farnos - nariz vermelho. século 17

A partir de meados do século XVII, imagens impressas apareceram pela primeira vez na Rússia, chamadas "Fryazhsky" (estrangeiras). Em seguida, essas fotos foram chamadas de "folhas divertidas", na segunda metade do século 19 começaram a ser chamadas de gravuras populares. O método de fabricação foi inventado na China no século VIII. O desenho foi feito em papel, depois foi transferido para uma placa lisa e os locais que deveriam permanecer brancos foram aprofundados com cortadores especiais. A imagem inteira consistia em paredes. O trabalho foi difícil, um pequeno erro - e tive que começar tudo de novo. Em seguida, a placa foi presa em uma prensa tipográfica, semelhante a uma prensa, foi aplicada tinta preta nas paredes com um rolo especial. Coloque cuidadosamente uma folha de papel em cima e pressione-a. A impressão estava pronta. Resta secar e pintar. Lubki foram feitos em tamanhos diferentes. Da China, a tecnologia lubok passou para a Europa Ocidental no século XV. E em meados do século XVII para a Rússia. Estrangeiros trouxeram luboks para dar de presente. E um dos estrangeiros fez uma máquina para o show. Luboks gostam muito na Rússia. Em primeiro lugar, eles recontaram história, geografia, publicaram obras literárias, alfabetos, livros de aritmética e escrituras. E tudo isso foi feito com fotos. Às vezes, muitas fotos eram organizadas em camadas. Às vezes havia textos em estampas populares. Em segundo lugar, os luboks serviram de decoração. Os artesãos russos deram ao lubok um caráter alegre.

"Os ratos enterram um gato", 1760

séculos XVII-XVIII. - esta é a era das reformas de Pedro I, que nem todos gostaram. O lubok secular era um instrumento aberto de luta política. Opositores das reformas de Pedro I imprimem luboks, que retratam um gato de olhos vermelhos e esbugalhados, assim foi pintado o retrato de Pedro I. “Gato de Kazan”. Lubok "Ratos enterram um gato" apareceu após a morte do imperador. O riso era fundamentalmente novo no lubok. Isso a distingue da arte oficial do século XVIII. A principal tarefa da estampa popular é decorar a casa. Havia também luboks satíricos. Pedro I emitiu decretos sobre a proibição de impressões populares satíricas. Mas somente após a morte do imperador, o lubok perdeu sua urgência política. Adquiriu um caráter fabulosamente decorativo. Bogatyrs, atores de uma farsa, bobos, animais reais e fantásticos, pássaros apareceram. Os heróis das fotos eram personagens de contos de fadas: os bobos Savoska e Paramoshka, Foma e Yerema, Ivan Tsarevich, Bova the King, Ilya Muromets. Lubok ficou mais colorido, porque decorava as cabanas dos camponeses. As imagens foram coloridas livremente. A cor foi colocada com manchas decorativas espalhadas. Inicialmente vermelho, o mais brilhante e denso (guache ou têmpera). Outras cores são mais transparentes.

Que cores eram amadas na Rússia?

(Vermelho, carmesim, azul, verde, amarelo, às vezes preto). Pintado para que a combinação fosse nítida. A alta qualidade do desenho dizia que a princípio os luboks foram pintados por artistas profissionais que, sob Pedro I, ficaram sem trabalho. E só então os cortadores de pão de gengibre e outros artesãos da cidade se juntaram. As tramas de murais e azulejos (e o que é azulejo?) "passaram" para a gravura quando a criatividade arquitetônica popular foi suspensa, e o amor pela pintura mural e pelo entalhe em madeira ainda não havia secado. Havia toda uma série de retratos, ou melhor, imagens de personagens épicos e literários: Ilya Muromets, Alyosha Popovich, o Rouxinol, o Ladrão, os rostos de bravos cavaleiros e suas princesas. Tais retratos eram populares entre as pessoas. E o motivo eram suas qualidades artísticas. Desenhado brilhantemente, festivamente, Rostos agradáveis, figuras esbeltas, em roupas bonitas. Os ideais estéticos populares foram incorporados nas estampas populares, a compreensão da dignidade e da beleza de uma pessoa foi incorporada. Lubok trouxe à tona o gosto artístico das pessoas. E emprestou tudo de melhor de outras artes.

Gato de Kazan, mente de Astrakhan, mente de Siberian (século XVIII)

Como os lubs foram feitos?

O gravador fez a base para a imagem - uma placa e a deu ao criador. Comprou pranchas prontas para gravuras e mandou as gravuras para colorir. Perto de Moscou, na aldeia de Izmailovo, viviam luboks que faziam gravuras em madeira e cobre. Mulheres e crianças estavam envolvidas em colorir estampas populares.

Como foram feitas as tintas, de que materiais?

Eles ferviam sândalo com a adição de alume, resultando em tinta carmesim. A ênfase estava na cor vermelha ou cereja brilhante. Lápis-lazúli usado para tinta azul. As tintas eram feitas de folhas e cascas de árvores.

Cada artesã pintava à sua maneira. Mas todos aprenderam uns com os outros e usaram as melhores técnicas em seu trabalho. Qualquer tópico foi coberto em uma impressão popular com a maior profundidade e amplitude. Por exemplo, em quatro folhas inteiras foi falado sobre a nossa Terra. Onde, o que os povos vivem. Muito texto e muitas fotos. Luboks eram sobre cidades individuais, sobre eventos diferentes. Por exemplo, eles pegaram uma baleia no Mar Branco e uma baleia é desenhada em uma grande folha. Ou como um homem escolhe uma noiva, ou roupas da moda, ou ABCs.

Lubok - esse nome, talvez, venha da Praça Lubyanka, onde havia comércio de produtos à base de fibras. Na esquina da Rozhdestvensky Boulevard, a Igreja da Assunção em Impressoras foi preservada. Nos velhos tempos viviam em torno da igreja os mestres do negócio tipográfico - impressores. Não muito longe está outra igreja "Trindade nos Lençóis". Fotos divertidas e brilhantes eram vendidas perto de sua cerca nos feriados.

Ou talvez esse nome venha da palavra "bast" - bast, ou seja, madeira. Os desenhos foram esculpidos em tábuas de madeira. Eles vendiam essas fotos e as carregavam por toda a terra dos ofen russos (mascates), que guardavam seus produtos em caixas de bast. Eles valorizavam muito as estampas populares. O poema de Nekrasov “Quem vive bem na Rússia” conta como a cabana de um camponês estava pegando fogo, e a primeira coisa que ele trouxe foram fotos. Nunca houve tristeza ou choro no lubok. Ele apenas se alegrava e divertia, e às vezes denunciava, mas o fazia com muito humor e dignidade. Lubok incutiu nas pessoas a fé em si mesmas, em sua força. Vendedores de estampas populares - muitas vezes eram esperados em todos os lugares. Trouxeram fotos com cartas para as crianças, fotos com roupas da moda sobre o amor das meninas e algo político para os homens. Ofenya mostrará essa imagem e contará o que há de novo no país. É por essas fotos que tanto o oficial quanto os editores conseguiram.

No século 19, Moscou foi o principal fornecedor de estampas populares. Aqui estão os oficiais de outras cidades e escreveu às autoridades em Moscou sobre luboks políticos.
I. D. Sytin foi um dos maiores e mais conhecidos fabricantes e distribuidores de estampas populares impressas na Rússia.
Os primeiros luboks de Sytin foram chamados:
Pedro, o Grande, levanta uma taça saudável para seus professores;
como Suvorov joga dinheiro com crianças da aldeia;
como nossos ancestrais eslavos foram batizados no Dnieper e derrubaram o ídolo de Perun.
Sytin começou a envolver artistas profissionais na fabricação de estampas populares. Canções folclóricas e poemas de poetas famosos foram usados ​​para legendas para luboks. Em 1882, uma exposição de arte foi realizada em Moscou, onde as gravuras populares de Sytin receberam um diploma e uma medalha de bronze da exposição.

A ID Sytin coletou placas das quais impressões populares foram impressas por cerca de 20 anos. A coleção, no valor de várias dezenas de milhares de rublos, foi destruída durante um incêndio na gráfica de Sytin durante a Revolução de 1905.

Antigamente, havia muito sofrimento na vida de uma pessoa comum. No entanto, a arte do povo é extremamente alegre. A vida da arte popular tem muito em comum com a vida da natureza. Como a natureza, ele seleciona apenas o melhor e o lustra por séculos, criando uma tecnologia, forma, ornamento e cor verdadeiramente perfeitos.

Eu ofereço a você fotos lubok da artista contemporânea e professora Marina Rusanova. G. Courbet disse uma vez:
Os verdadeiros artistas são aqueles que começam de onde seus antecessores pararam.
Boa sorte para Marina neste tipo de gráficos e sucesso em seu trabalho em direção à fotografia.

Hoje vi estampas populares na rede, pintadas com manchas locais com predominância de roxo, e por algum motivo acabaram por estar em sintonia com o meu humor. Embora antes, ela era completamente indiferente à impressão popular (uma imagem folclórica destinada a replicação e distribuição em massa). Surpreso com tamanha mudança de gosto, decidi refrescar minha memória de informações sobre essa forma de arte.

Os ratos enterraram o gato. Tala

Na Rússia, o lubok foi difundido no século 17 - início do século 20, dando origem à literatura popular de massa lubok, que desempenhava uma função social - introduziu as camadas mais pobres e mal educadas da população à leitura.

Os livros de referência dizem que o lubok recebeu o nome do bast (a madeira dura superior da tília), que foi usado no século XVII como base de gravura para placas na impressão de imagens. No século XVIII, o bast foi substituído por placas de cobre; no século XIX-XX - as imagens eram impressas de forma tipográfica, no entanto, o nome "lubok" foi mantido para elas.

Sobre o lubok, lembrei-me das palavras cujas palestras sobre arte russa ouvimos no Instituto Surikov: “A escultura de madeira da igreja se correlaciona com as obras de Rastrelli da mesma forma que o lubok com a gravura holandesa, porque representam caminhos diferentes na arte”. Lubok se opôs à gravura cívica de Pedro, o Grande, que Pedro I propagou ativamente. Como o historiador I.E. Zabelin, a vida folclórica russa sob Peter estava apenas do lado de fora cheia de várias “decorações” alemãs, enquanto no interior permaneceu a mesma de antes.

Nikolai Nikolaevich disse: “Em geral, o lubok era uma defesa da visão de mundo do povo russo. Se Pedro I introduziu as ciências exatas, então na gravura popular ele defendeu, como diríamos agora, uma ideia poética, um conto de fadas. Se as gravuras de Schkhonebek eram assinadas, em geral, na linguagem do jornal e dos documentos oficiais, então nas gravuras populares encontramos contos, épicos, canções, além de piadas e ditados. Se tudo era absolutamente sério nas gravuras de Pedro, porque eram, antes de tudo, documentos, então muitas risadas e ironias aparecem no lubok. E, por fim, se a gravura de Peter sempre foi realizada em cobre, foi pura grafismo, pelo que alguns artistas a apreciavam.XXséculo e confiou nele como gráficos puros (World of Art, por exemplo) ... então você não pode chamar gráficos lubok - esta é uma imagem completamente especial, não apenas gráfica. As gravuras populares russas foram pintadas com cores brilhantes.

Havia diferentes gêneros na arte popular. Por exemplo, gravuras populares sobre temas da igreja (tramas da Sagrada Escritura, literatura hagiográfica, parábolas espirituais) tornaram-se difundidas. Havia luboks poéticos de contos de fadas que ilustravam épicos. Entre as fotos estavam paisagens - retratando a natureza, lugares memoráveis; havia cartões lubok. Havia luboks de gênero, pictóricos, com enredo inventado, e psicológicos - com datas, casamentos, acordos. Havia ritual de fotos lubok e calendário. Finalmente, havia bestiários lubok, nos quais eram mostrados animais e pássaros.

Em diferentes versões deste lubok, Ravinsky encontrou várias inscrições de caráter ridículo. Por exemplo, um deles abaixo mostra um camundongo com um canudo nos dentes, sentado em cima de outro camundongo, que carrega um barril de vinho. Acima deles está a inscrição: "O rato puxa tabaco". Isso significa. Refere-se também ao comércio de vodka, que a princípio era privado e depois se transformou em monopólio estatal.

O famoso lubok, que se chamava "Como uma baleia foi capturada no Mar Branco", também pode ser chamado de crônica. A história subjacente não foi inventada, mas emprestada do jornal Moskovskie Vedomosti, que relatou que em tal data, dia e ano, uma baleia nadou no Mar Branco e foi capturada por redes.

Igreja Lubok continuou a viver emXIXséculo. Tem várias camadas. Havia, por exemplo, uma camada profunda de arte popular da igreja dos Velhos Crentes. Os Velhos Crentes preservaram a tradição da igreja no lubok.

Lubok é, na verdade, uma gravura impressa a partir de uma base de madeira e, posteriormente, de uma de metal. A origem da tala é da China, de onde mais tarde chegou à Europa. Claro, em cada país esse tipo de arte tinha seu próprio nome e características.

De onde veio o nome "lubok" não se sabe ao certo. Existem muitas versões: eles também lembram as tábuas de cal (bast) em que as primeiras fotos foram cortadas e as caixas de bast de comerciantes que vendiam estampas populares em feiras, e os moscovitas têm certeza absoluta de que as estampas populares vieram da Lubyanka. No entanto, o lubok é a arte mais popular do povo russo do século XVII ao século XX.

No início, preto e branco e “elite”, que serviam para decorar as câmaras reais e boiardas, depois os luboks russos se tornaram maciços e coloridos. A estampa em preto e branco foi pintada por mulheres, e elas usaram pés de lebre em vez de pincéis. Essas “colorações” eram muitas vezes desajeitadas e desleixadas, mas também existem pequenas obras-primas reais com cores harmoniosamente combinadas entre elas.

As tramas do lubok eram ricas em variedade: eram epos folclóricos, contos de fadas e moralizantes, eram “notas” sobre história, jurisprudência e medicina, eram temas religiosos - e tudo era bem temperado com legendas humorísticas contando sobre os costumes de seu tempo. Para o povo, eram tanto folhas de notícias quanto fontes educacionais. Os Luboks costumavam viajar grandes distâncias, passando de mão em mão.

Os luboks eram impressos em papel barato por autodidatas e eram muito populares entre os camponeses. Embora a mais alta nobreza não reconhecesse a arte do lubok e ninguém estivesse especialmente engajado na preservação desses desenhos para a posteridade, além disso, as autoridades e a elite da igreja tentavam continuamente proibi-lo. Agora, este lubok é considerado um verdadeiro armazém que preservou a história da Rússia e o humor popular, nutriu verdadeiros talentos de caricatura e se tornou a fonte de ilustração de livros. E, claro, é lubok - o ancestral direto dos quadrinhos modernos.

O que é um lubok? Por que e como foi feito? O que tem em comum com o convés de um navio? E por que as autoridades proibiram? As respostas estão no artigo!

Notícias de vários tipos tornaram-se parte integrante da vida de uma pessoa moderna. E não importa de onde os consigamos: da Internet, dos jornais ou da televisão. É importante para nós que a informação seja fresca, versátil e constante. E se você pensa que nossos ancestrais viveram sem ele, está muito enganado. Antigamente, eles também tinham sua própria mídia. E eles eram muito populares também. E alguns deles também foram proibidos. E eles também anunciaram algo, repreenderam alguém, inspiraram algo. Então, o que as edições então produziram?

Antigamente, havia um tipo de mídia, e esse era o lubok. Um lubok, também conhecido como folha lubok ou imagem, é uma imagem estilizada impressa em papel com comentários. E por refletir a criatividade das pessoas e não dos profissionais, distinguiu-se pela simplicidade, concisão e inteligibilidade.

História curta

As primeiras gravuras populares (nianhua) apareceram na China. Além disso, no início cada folha era desenhada à mão, e somente após o século VIII os chineses aprenderam a fazer gravuras. Da China, a arte popular se espalhou para a Índia e os países árabes. Como toda pintura oriental, os luboks asiáticos se distinguiam por sua saturação de cores e abundância de elementos.

Lubok é conhecido nos países europeus desde o século XV. No início, as imagens eram em preto e branco, e pareciam livros de colorir infantis desagradáveis; eles ganharam cor um pouco mais tarde. Os luboks europeus se distinguiam por uma variedade de assuntos e eram semelhantes aos jornais e revistas modernos: nas grandes cidades havia fábricas editoriais (que mais tarde se transformaram em gráficas) e lojas que os vendiam.

Em alguns países, os luboks existiram até o século XIX. Eles foram suplantados por jornais impressos comuns e quadrinhos.

parcelas de Lubok

No Oriente, as imagens tinham um conteúdo predominantemente religioso e filosófico, mas assim que as gravuras populares chegaram à Europa, seu assunto se expandiu significativamente. Surgiram fabulosas ou épicas, históricas e jurídicas (imagens de julgamentos repletas de sátira e moralidade). Bem como imagens representando santos (como calendários modernos), cavaleiros e heróis populares. Os curingas tinham um lugar separado e grande popularidade - estampas populares humorísticas com caricaturas, sátiras, piadas, brindes e fábulas.

Além disso, na Europa, algumas grandes empresas e empreendimentos encomendaram impressos promocionais informando sobre seus produtos ou serviços. Muitas vezes, os luboks eram usados ​​pelo governo e pela igreja como propaganda ou agitação. Em geral, os luboks costumavam desempenhar o mesmo papel dos jornais e folhetos modernos.

Lubki na Rússia

Lubok veio para a Rússia da Europa no século 16 e foi então chamado de “folha fryazh”. No início, apenas fotos importadas estavam à venda, mas a partir do final do século XVII, a Casa de Impressão da Corte de Moscou aprendeu a fazê-las por conta própria. De acordo com o método de produção, eles receberam seu novo nome - lubok. Mas mais sobre isso abaixo.

Apesar da disponibilidade de produtos nacionais para venda, os curingas importados eram muito populares. A Igreja Ortodoxa ficou indignada com sua "imoralidade e obscenidade", e chegou a proibir a venda de "folhas de hereges". A proibição foi introduzida em 1674 e, em 1721, por insistência da igreja, a censura também foi introduzida nas gravuras populares domésticas. A chamada Câmara Artística monitorava a moralidade das imagens.

Mas, felizmente, floresceram prensas tipográficas que souberam contornar a censura. Caso contrário, não teríamos gravuras populares maravilhosas demonstrando os costumes folclóricos de tempos passados.

Produção Lubok

Na Rússia, os fabricantes de lubok eram chamados de "mestres de escultura Fryazh". O próprio processo de aplicar e colorir uma imagem é um sinal.

O trabalho consistia no seguinte: o artista (signatário) desenhava uma imagem no quadro e o gravador a recortava, ou seja, fazia uma impressão. Em seguida, a copiadora aplicou tinta escura e fez uma impressão no papel - uma imagem simples foi obtida. Estas folhas foram entregues aos artels envolvidos na coloração. Como regra, crianças e mulheres trabalhavam neles. Os trabalhadores profissionais desses cartéis eram chamados de coloristas. Mas com o advento de novos métodos mais avançados de desenhar uma imagem (litografia e gravura), esses artels foram dissolvidos.

Então, por que as fotos impressas receberam esse nome - lubok? Resposta: o desenho para a impressão foi aplicado a uma tábua de tília obtida por serragem especial da parte inferior da casca da árvore. Essas placas eram chamadas de luba. Eles foram para a fabricação de telhados de casas e conveses de navios, e o bast obtido de árvores jovens era bom para um bast.

Essa é a história do lubok - um tipo especial de arte popular, o precursor de jornais, revistas e agora quadrinhos populares.

Disposição e decoração V. SAVCHENKO

Fotografia B.B. ZVEREVA

Editora "livro russo" 1992

impressão popular pintada é uma das variedades de arte popular. O seu surgimento e ampla existência situa-se num período relativamente tardio da história da arte popular - meados dos séculos XVIII e XIX, quando muitos outros tipos de arte popular fina - pintura em madeira, miniaturas de livros, gravuras impressas - já passaram um determinado caminho de desenvolvimento.

No aspecto histórico e cultural, o lubok desenhado é uma das hipóstases do primitivo pictórico popular, estando em estreita sintonia com tipos de criatividade como o lubok pictórico e gravado, por um lado, e com a pintura sobre rodas de fiar, baús e a arte de decorar livros manuscritos, por outro. Acumulou os primórdios ideais da consciência estética do folclore, a alta cultura das antigas miniaturas russas, gravuras populares baseadas nos princípios da criatividade ingênua-primitiva.

A gravura popular desenhada é uma linha relativamente pouco estudada de desenvolvimento da arte popular dos séculos XVIII-XIX. Até recentemente, quase não havia menções ao lubok pintado na literatura. Portanto, conhecê-lo não pode deixar de interessar aos conhecedores e amantes da arte popular.

A gravura popular pintada não era objeto de coleção especial; é bastante rara em coleções de bibliotecas e museus. O Museu Histórico do Estado possui um acervo significativo desse raro tipo de monumento (152 itens de catálogo). Foi formado a partir de folhas recebidas em 1905 como parte das coleções de amantes famosos da antiguidade russa como P. I. Shchukin e A. P. Bakhrushin. No início da década de 1920, o Museu Histórico comprou quadros individuais de colecionadores, particulares e "no leilão"...

Em 1928, parte das folhas foi trazida por uma expedição histórica da região de Vologda. O acervo do Museu Histórico do Estado pode dar um panorama completo das características artísticas da gravura popular desenhada e refletir as principais etapas de seu desenvolvimento.

Qual é a arte do desenho folclórico, onde se originou e se desenvolveu? A técnica de execução do lubok desenhado é peculiar. As folhas de parede foram executadas em têmpera líquida, aplicadas sobre um leve desenho a lápis, cujos vestígios são visíveis apenas onde não foi posteriormente apagado. Os mestres usavam tintas diluídas com emulsão de ovo ou goma (substâncias pegajosas de várias plantas). Como você sabe, as possibilidades pictóricas da têmpera são muito amplas e, com uma forte diluição, permite trabalhar na técnica de pintura transparente com camadas translúcidas, como as aquarelas.

Ao contrário do lubok impresso produzido em massa, o lubok desenhado foi executado por mestres do começo ao fim à mão. Desenhar, colorir, escrever títulos e textos explicativos - tudo era feito à mão, dando a cada trabalho uma originalidade improvisada. As imagens desenhadas surpreendem com o brilho, a beleza do desenho, a harmonia das combinações de cores, a alta cultura ornamental.

Os pintores de folhas de parede, como regra, estavam intimamente ligados ao círculo de artesãos folclóricos que preservaram e desenvolveram antigas tradições russas - com pintores de ícones, miniaturistas e copistas de livros. Desse contingente, em sua maioria, formaram-se os artistas da gravura popular desenhada. Os locais de produção e existência de gravuras populares eram frequentemente mosteiros de Velhos Crentes, aldeias do norte e suburbanas, que preservavam as antigas tradições russas manuscritas e de pintura de ícones.

O lubok desenhado não era tão difundido quanto as imagens impressas gravadas ou litografadas; é muito mais local. A produção de folhas de parede pintadas concentrou-se principalmente no norte da Rússia - nas províncias de Olonets, Vologda, em áreas separadas ao longo do norte de Dvina, Pechora. Ao mesmo tempo, uma gravura popular pintada existia na região de Moscou, em particular em Guslitsy, e na própria Moscou. Foram vários os centros onde a arte da gravura popular pintada floresceu no século XVIII e sobretudo no século XIX. Estes são o mosteiro Vygo-Leksinsky e os sketes adjacentes a ele (Karelia), a região de Upper Toyma no norte de Dvina, os distritos de Kadnikovsky e Totemsky da região de Vologda, a comunidade Great Pozhensky no rio Pizhma (Ust-Tsilma), Guslitsy no distrito de Orekhovo-Zuyevsky da região de Moscou. Pode ter havido outros lugares onde foram produzidos quadros desenhados à mão, mas eles são atualmente desconhecidos.

O início da arte do lubok desenhado foi estabelecido pelos Velhos Crentes. Os ideólogos dos Velhos Crentes no final do século XVII - início do século XVIII tinham uma necessidade urgente de desenvolver e popularizar certas ideias e enredos que justificassem a adesão à "velha fé", que poderia ser satisfeita não apenas reescrevendo o Velho Escritos crentes, mas também por meios visuais de transmissão de informações. Foi no dormitório do Velho Crente Vygo-Leksinsky que foram dados os primeiros passos na produção e distribuição de quadros murais de conteúdo religioso e moral. A atividade do mosteiro Vygo-Leksinsky é uma página interessante da história russa. Vamos mencioná-lo brevemente.

Após a reforma da igreja do patriarca Nikon, dissidentes “fanáticos da antiga piedade”, entre os quais representantes de diferentes estratos da população, principalmente camponeses, fugiram para o norte, alguns começaram a se estabelecer ao longo do rio Vyga (antiga província de Olonets). Novos moradores derrubaram a floresta, queimaram, limparam terras aráveis ​​e semearam pão nelas. Em 1694, uma comunidade liderada por Daniil Vikulov foi formada pelos colonos que se estabeleceram em Vyga. A primeira comunidade pomor do tipo skete-monástico foi em seu início a organização mais radical da ala não sacerdotal, que rejeitava casamentos, orações pelo rei e promovia as idéias de igualdade social em bases religiosas. Por muito tempo, a comunidade de Vyhovsk permaneceu para todos os Velhos Crentes da Pomerânia a mais alta autoridade em questões de fé e ordem religiosa e social. As atividades dos irmãos Andrei e Semyon Denisov, que eram abades (kinoviarchs) do mosteiro (o primeiro - em 1703-1730, ter - enxame - em 1730-1741), eram de caráter organizacional e educacional excepcionalmente amplo.

No mosteiro, que recebeu muitos imigrantes, os Denisov montaram escolas para adultos e crianças, onde mais tarde começaram a trazer alunos de outros lugares que apoiavam o cisma. Além das escolas de alfabetização, nas décadas de 1720-1730, escolas especiais para escribas de livros manuscritos, uma escola para cantores foram estabelecidas, pintores de ícones foram treinados aqui para fazer ícones no espírito "antigo". Vygovtsy reuniu a mais rica coleção de manuscritos antigos e primeiros livros impressos, onde havia obras litúrgicas e filosóficas, gramática e retórica, cronógrafos e cronistas. O albergue Vygovsky desenvolveu sua própria escola literária, guiada pelos princípios estéticos da literatura russa antiga.

Obras do Centro de Pechersk

Denisov, I. Filippov, D. Vikulov. meio século 19 Artista desconhecido Tinta, têmpera. 35x74,5

Adquirido "no leilão" em 1898. Ivan Filippov (1661 -1744) - historiador do mosteiro Vygovsky, seu quarto kinoviarch (1741 -1744). O livro “A História do Início da Ermida de Vygovskaya” escrito por ele contém materiais valiosos sobre a fundação da comunidade e sobre as primeiras décadas de sua existência. Sobre S. Denisov e D. Vikulov.

Os irmãos Denisov e seus associados deixaram uma série de obras que estabelecem os fundamentos históricos, dogmáticos e morais dos ensinamentos dos Velhos Crentes.

O artesanato e o bordado floresceram no mosteiro: fundição de pratos de cobre, cruzes e dobras, produção de couro, acabamento em madeira e pintura de móveis, tecelagem de casca de bétula, costura e bordado com seda e ouro e joias de prata. Isso foi feito pela população masculina e feminina (em 1706 a parte feminina do mosteiro foi transferida para o rio Leksa). Aproximadamente um século - de meados da década de 1720 a 1820-1830 - o auge da vida econômica e artística do mosteiro de Vygovsky. Então veio um período de declínio gradual. A perseguição ao cisma e as tentativas de erradicá-lo, as repressões, que se intensificaram durante o reinado de Nicolau 1, terminaram com a ruína e o fechamento do mosteiro em 1857. Todos os locais de oração foram lacrados, livros e ícones foram retirados, os moradores restantes foram despejados. Assim, o centro de alfabetização da grande região norte, o centro de desenvolvimento da agricultura, do comércio e de uma espécie de arte popular deixou de existir.

Outra comunidade de Velhos Crentes que desempenhou um papel cultural e educacional semelhante no Norte foi a Velykopozhensky Skete, que surgiu por volta de 1715 no Pechora, na região de Ust-Tsilma, e existiu até 18542. A estrutura interna do albergue Velykopozhensky foi baseada na carta Pomor-Vyg. Conduzia uma atividade econômica bastante significativa, cuja base era a agricultura e a pesca. O mosteiro era o centro do antigo aprendizado e alfabetização de livros russos: as crianças camponesas eram ensinadas a ler, escrever e copiar livros. Aqui também se dedicavam à pintura de murais, o que, via de regra, era o destino da parcela feminina da população3.

Sabe-se que nos séculos XVIII-XIX a população de todo o Norte, especialmente o campesinato, foi fortemente influenciada pela ideologia do Velho Crente. Isso foi facilitado pelo trabalho ativo dos mosteiros Vygo-Leksinsky e Ust-Tsilemsky.

Muitos lugares que aderiram à "velha fé" existiam nos estados bálticos, na região do Volga, na Sibéria e na Rússia central. Um dos centros de concentração da população do Velho Crente, que deu à cultura russa obras de arte interessantes, foi Guslitsy. Guslitsy - o antigo nome da área perto de Moscou, em homenagem ao rio Gus-Litsa, um afluente do Nerskaya, que deságua no rio Moscou. Aqui, no final do século XVII - início do século XVIII, os Velhos Crentes fugitivos de consentimento sacerdotal (isto é, aqueles que reconheceram o sacerdócio) se estabeleceram. Nas aldeias de Guslitsky nos séculos 18 e 19, foram desenvolvidas pinturas de ícones, fundição de cobre e artesanato em madeira. A arte de copiar e decorar livros tornou-se difundida e até desenvolveu seu próprio estilo de ornamentação de manuscritos, que difere significativamente (assim como o conteúdo dos livros) do norte da Pomerânia. Em Guslitsy, formou-se uma espécie de centro de arte popular, um grande lugar foi ocupado pela produção de quadros de parede desenhados à mão.

A origem e disseminação entre a população de Velhos Crentes do Norte e do centro da Rússia da arte de folhas desenhadas de conteúdo religioso e moral pode ser interpretada como uma espécie de resposta a uma certa “ordem social”, se for aplicada a terminologia moderna. Tarefas educativas, a necessidade de apologética visual contribuíram para a busca de uma forma adequada. Na arte popular, já existiam amostras aprovadas de obras que poderiam satisfazer essas necessidades - estampas populares. A natureza sincrética das gravuras populares populares, combinando imagem e texto, a especificidade de sua estrutura figurativa, que absorvia a interpretação de gênero das tramas tradicionais da arte russa antiga, correspondia perfeitamente aos objetivos que os mestres do Velho Crente enfrentaram inicialmente. Às vezes, os artistas emprestavam diretamente certas parcelas de impressões impressas, adaptando-as para seus próprios propósitos. Todos os empréstimos referem-se a assuntos instrutivos e morais, dos quais havia muitos em gravuras folclóricas dos séculos XVIII-XIX.

O que o lubok desenhado representou em geral em termos de conteúdo, quais são suas características distintivas? O assunto dos desenhos é muito diversificado. Há folhas dedicadas ao passado histórico da Rússia, por exemplo, a Batalha de Kulikovo, retratos de figuras do cisma e imagens de mosteiros de Velhos Crentes, ilustrações para apócrifos sobre histórias bíblicas e evangélicas, ilustrações para histórias e parábolas de coleções literárias, imagens destinadas para leitura e cantos, calendários de parede-santos.

Imagens relacionadas com a história dos Velhos Crentes, vistas de mosteiros, retratos de mestres cismáticos, imagens comparativas das “antigas e novas” igrejas formam um grupo bastante significativo. De interesse são as imagens do Mosteiro Vygo-Leksinsky, que eram frequentemente incluídas por artistas em uma composição complexa de grandes imagens. Nas folhas “Árvore genealógica de A. e S. Denisovs” (cat. 3), “Adoração do Ícone da Mãe de Deus” (cat. 100), são fornecidas imagens detalhadas dos mosteiros masculinos e femininos, localizados respectivamente nas margens do Vyg e Leksa. Todas as construções de madeira são escrupulosamente escritas - celas residenciais, refeitórios, hospitais, torres sineiras, etc. alpendres de cabanas, cúpulas bulbosas de capelas, terminações de campanários... Acima de cada edifício há números, explicados na parte inferior das fotos - “forja”, “competente”, “cozinheiro”, o que permite obter uma visão completa do layout dos mosteiros e da localização de todos os seus serviços econômicos.

Na “Árvore genealógica de A. e S. Denisovs”, a vista do mosteiro ocupa apenas a parte inferior da folha. O resto do espaço é dado à imagem de uma árvore genealógica condicional, em cujos galhos, em molduras redondas ornamentais, estão retratos dos ancestrais da família Denisov-Vtorushin, que remontam ao príncipe Myshetsky e aos primeiros reitores da a comunidade. Os lotes com uma “árvore de ensino” com os irmãos Denisov e seus semelhantes eram muito populares entre os artistas de lubok.

Os retratos dos fundadores e abades do mosteiro de Vygovsky são conhecidos não apenas nas variantes da árvore genealógica, mas também nos retratos de indivíduos independentes, pares e grupos. O tipo mais comum de imagens de mentores do Velho Crente, seja um retrato individual ou de grupo, é aquele em que cada “ancião” é representado com um pergaminho na mão, no qual estão escritas as palavras do ditado correspondente. Mas não podem ser considerados retratos no sentido convencional da palavra. Eles são feitos muito condicionalmente, de acordo com um único cânone. Todos os professores pomeranos foram retratados de forma plana, estritamente frontal, nas mesmas poses, com uma posição semelhante das mãos. Cabelos e barbas longas também são renderizados da mesma maneira.

Mas apesar de seguir a forma canônica desenvolvida, os artistas conseguiram transmitir as características individuais dos personagens. Eles não são apenas reconhecíveis, mas também correspondem às descrições de sua aparência que chegaram até nós em fontes literárias. Por exemplo, Andrei Denisov tem um nariz reto e alongado em todos os seus desenhos, cabelo exuberante encaracolado em anéis uniformes ao redor de sua testa e uma barba larga e larga (cat. 96, 97).

Os retratos emparelhados, em regra, são feitos de acordo com um único esquema - são fechados em molduras ovais, interligadas por uma decoração ornamental característica do tipo barroco. Um desses retratos mostra Pikifor Semyonov, kinoviarch do mosteiro de Vygovsky de 1759 a 1774, e Semyon Titov, que é conhecido por ter sido professor na seção feminina do mosteiro (cat. 1). Um tipo especial de imagens de grupo eram figuras colocadas em fila em longas tiras de papel coladas em folhas separadas (cat. 53, 54). Essas folhas provavelmente foram feitas para serem penduradas em grandes salas.

Um número significativo de obras é dedicado aos rituais das “antigas” e “novas” igrejas e à correção do sinal da cruz. As imagens são construídas com base no princípio de oposição à "Velha Igreja Russa da Tradição" e à "Tradição da Nikon". Os artistas geralmente dividiam a folha em duas partes e mostravam diferenças na imagem da cruz do Calvário, o bastão patriarcal, o método de significação, selos na prosphora, ou seja, o que os Velhos Crentes discordavam dos seguidores da reforma de Nikon (cat. 61). , 102). Às vezes, os desenhos eram feitos não em uma, mas em duas folhas emparelhadas (cat. 5, 6). Alguns mestres generaram tais imagens - mostravam os padres e o público no interior do templo, davam um olhar diferente às pessoas que serviam nas igrejas "antigas" e "novas" (cat. 103). Alguns estão vestidos com um velho vestido russo, outros - em casacas curtas novas e calças justas.

Os eventos relacionados à história do movimento dos Velhos Crentes também incluem enredos dedicados ao levante Solovetsky de 1668-1676 - o discurso dos monges do Mosteiro Solovetsky contra a reforma do Patriarca Nikon, contra a realização de serviços de acordo com novos livros corrigidos, que resultou em uma revolta popular anti-feudal durante a luta. A "sessão" de Solovetsky, durante a qual o mosteiro resistiu às tropas czaristas que o cercavam, durou oito anos e terminou com sua derrota. A captura do Mosteiro Solovetsky pelo voivode Meshcherinov e o massacre de monges recalcitrantes após a rendição da fortaleza foram refletidos em vários quadros de parede, dois dos quais são mantidos no Museu Histórico (cat. 88, 94). A datação das folhas mostra que o enredo atraiu a atenção de artistas tanto no início como no final do século XIX, assim como o interesse pelo livro não secou nessa época -S. Denisov "A história do pai e dos sofredores Solovki" (1730), que serviu de base e fonte para escrever essas imagens.

Obras do Centro de Moscou

Imagem do massacre do governador Meshcherinov

com os participantes da revolta de Solovetsky de 1668-1676.

Imagem do massacre do governador Meshcherinov com os participantes da revolta de Solovetsky de 1668-1676.

início do século 19 Artista M. V. Grigoriev (?) Tinta, têmpera. 69x102

Não há nome. Inscrições explicativas (na ordem da sequência de episódios): “Sitiar o voivode do mosteiro e montar um equipamento com muitos canhões, e vencer o mosteiro com batalha de fogo dia e noite, não bigode-pa Yuchi”; "Governador do czar Ivan Meshcherinov"; "uivo real"; “Saí da calúnia... com cruzes, ícones e algemas e matando-os”; "mártires da antiga piedade"; “abade e adega, atraídos por uivos para Meshcherinov para atormentar”; “Os iocitos que são como a escória mais feroz do mosteiro são expulsos para a baía do mar e os congelam no gelo, e deitados em seus corpos por 1 verão são imperecíveis, agarram-se à carne ao osso e as articulações não mova”; se por pecado diante dos monges, recebi a punição e escrevi uma carta entregue à czarina Natalia Kirilovna, mas sem enviá-la a Meshcherinov, deixe o mosteiro deixar de assumir"; "o mensageiro do real"; "o mensageiro de Meshcherinov"; "a cidade de Vologda"; "o mensageiro da realeza o caminho na cidade de Vologda de um mensageiro do voivode Meshcherinov com uma carta de devastação do mosteiro". Adquirido "no leilão" em 1909 Literatura: Itkina I, p. 38; Itkina II, p. 255

As imagens retratam os eventos da supressão das ações dos monges do Mosteiro Solovetsky contra a reforma do Patriarca Nikon. Ambas as folhas ilustram o livro de S. Denisov "The Story of the Solovki Fathers and Sufferers", escrito na década de 1730. Atualmente, foram identificadas seis variantes de murais nesta trama, das quais três são diretamente dependentes umas das outras e remontam a um original comum, e três surgiram independentemente desse grupo, embora seus criadores tenham criado, aderindo à tradição geral de encarnando esta trama.

A imagem (cat. 88) revela uma dependência textual e artística da história manuscrita “A descrição frontal do grande cerco e destruição do mosteiro de Solovetsky”, escrita no final do século XVIII. e deixou a oficina de Moscou, onde no final do século XVIII - início do século XIX. mestre M. V. Grigoriev trabalhou. A suposta atribuição da imagem ao artista Grigoriev foi feita com base em sua semelhança estilística com as obras de assinatura do mestre. (Para detalhes sobre isso, veja: Itkina I, Itkina P.)

Numa folha feita no início do século XIX, o desenho é construído no princípio de uma história sequencial. Cada episódio é acompanhado por uma inscrição explicativa curta ou longa. O artista mostra o bombardeio do mosteiro a partir de três canhões, que “bateram no mosteiro com batalhas de fogo dia e noite”, o assalto à fortaleza por arqueiros, a saída dos monges sobreviventes dos portões do mosteiro em direção a Meshcherinov com um ícone e cruzes na esperança de sua misericórdia, uma represália cruel contra as revoltas participantes - a forca, o tormento do hegúmeno e do porão, os monges congelados no gelo, a doença do czar Alexei Mikhailovich e o envio de um mensageiro com um carta a Meshcherinov sobre o fim do cerco, a reunião dos mensageiros reais e Meshcherin na "cidade de Vologda". No centro da folha está uma grande figura com um sabre erguido na mão direita: "Governador do czar Ivan Meshcherinov". Este é o principal portador do mal, distinguindo-se tanto pela escala quanto pela rigidez severa da pose. A introdução consciente pelo autor do quadro de momentos avaliativos é perceptível na interpretação não apenas do governador Meshcherinov, mas também de outros personagens. O artista simpatiza com os torturados defensores da fortaleza Solovetsky, mostra sua inflexibilidade: mesmo na forca, dois deles cerram os dedos em um sinal de dois dedos. Por outro lado, ele claramente caricatura a aparência dos soldados Streltsy que participaram da repressão do levante, como evidenciado pelos bonés do bobo na cabeça em vez de trajes militares.

Mas a riqueza emocional do enredo não obscurece a tarefa de criar um quadro artisticamente organizado. Na construção composicional e decorativa da folha, a tradição das estampas populares rítmicas é sentida em geral. O artista preenche o espaço entre episódios individuais com imagens de flores, arbustos, árvores espalhadas arbitrariamente, executadas em um estilo decorativo típico de quadros folclóricos.

Um estudo aprofundado desta figura permite-nos fazer uma suposição, a partir de uma analogia com obras assinadas, sobre o nome do autor e o local de criação. Com toda a probabilidade, o miniaturista Mikola Vasilievich Grigoriev, que estava associado a uma das oficinas do Velho Crente para copiar livros em Moscou, trabalhou no lubok.

Tramas relacionadas a eventos históricos específicos no passado da Rússia são uma raridade em um lubok pintado. Entre eles está uma pintura de parede única do artista I. G. Blinov, representando a batalha no campo de Kulikovo em 1380 (cat. 93). Esta é a maior folha em tamanho entre todas as que chegaram até nós - seu comprimento é de 276 centímetros. Na parte inferior, o artista escreveu todo o texto de "O Conto da Batalha de Mamaev" - uma conhecida história manuscrita, e colocou ilustrações para ela no topo.

A imagem começa com cenas da reunião de príncipes russos, reunidos em Moscou ao chamado do grão-duque Dmitry Ivanovich, a fim de repelir as incontáveis ​​hordas de Mamai que avançavam sobre as terras russas. O Kremlin de Moscou é retratado no topo, as pessoas estão se aglomerando nos portões, vendo o exército russo em campanha. As fileiras ordenadas de regimentos estão se movendo, lideradas por seus príncipes. Grupos compactos separados de cavaleiros devem dar uma ideia de um rati lotado.

De Moscou, as tropas vão para Kolomna, onde foi realizada uma revisão - o "arranjo" dos regimentos. A cidade é cercada por um alto muro vermelho com torres, é visível como se fosse uma vista aérea. O artista deu ao contorno das tropas construídas a forma de um quadrilátero irregular, repetindo em imagem espelhada os contornos das paredes de Kolomna, conseguindo assim um notável efeito artístico. No centro do fragmento estão soldados segurando bandeiras, trompetistas e o grão-duque Dmitry Ivanovich.

O centro composicional da folha é o duelo entre o bogatyr Peresvet e o gigante Chelubey, que, segundo o texto do Conto, serviu de prólogo à Batalha de Kulikovo. A cena das artes marciais é destacada em larga escala, colocada livremente, e outros episódios não interferem em sua percepção. O artista mostra o momento da luta, quando os cavaleiros que galopavam uns em direção aos outros colidiram, cercaram os cavalos e fizeram lanças para um golpe decisivo. Imediatamente, um pouco mais abaixo, ambos os heróis são descritos como mortos.

Quase todo o lado direito da folha é ocupado por uma imagem de uma batalha feroz. Vemos cavaleiros russos e da Horda amontoados, suas lutas ferozes a cavalo, guerreiros com sabres desembainhados, homens da Horda atirando com arcos. Sob os pés dos cavalos estão os corpos dos mortos.

A história termina com a imagem da tenda de Mamai, onde o cã ouve relatos da derrota de suas tropas. Além disso, o artista desenha Mamai com quatro "temniki" galopando para longe do campo de batalha.

No lado direito do panorama, Dmitry Ivanovich, acompanhado de associados próximos, caminha pelo campo de batalha, lamentando as grandes perdas dos russos. O texto diz que Dmitry, "vendo os muitos mortos de seus amados cavaleiros, começou a chorar alto".

Nesta obra, com grande extensão da folha e muitos personagens, são marcantes a consciência e diligência do autor, que são a mais alta certificação do mestre. Cada personagem tem um rosto cuidadosamente desenhado, roupas, capacetes, chapéus, armas. A aparência dos personagens principais é individualizada. O desenho combina com sucesso a tradição popular popular popular com sua convencionalidade, a natureza plana-decorativa da imagem, a generalização de linhas e contornos e as técnicas da antiga miniatura de livro russa, que se refletem nas elegantes proporções alongadas das figuras , na forma de colorir objetos.

Como modelo, I. G. Blinov utilizou para sua obra, criada na década de 1890, uma gravura popular impressa gravada, emitida no final do século XVIII, mas que a repensou significativamente, em alguns lugares, para maior harmonia de apresentação, mudou a ordem de os episódios. A decisão colorística da folha é completamente independente.

Folha feita em Gorodets

Segunda metade da década de 1890 Artista I. G. Blinov. Tinta, têmpera, ouro. 75,5 x 276

Título: "A milícia e a campanha do grão-duque Dimitri Ivanovich, o autocrata de toda a Rússia, contra o czar perverso e ímpio do tártaro Mamai, com a ajuda de Deus, vencem até o fim." Inv. Nº 42904 I Sh 61105 Recebido da coleção de A. P. Bakhrushin em 1905

Literatura: Batalha de Kulikovo, fl. em um adesivo entre 128-129; Monumentos do ciclo Kulikovo, ll. 44 A Batalha de Kulikovo em 1380 é um dos poucos eventos da história da Rússia retratados nos monumentos de arte popular. A imagem, que é a maior entre os luboks desenhados, contém texto e partes pictóricas. O texto é baseado na “Lenda da Batalha de Mamaev”, emprestada da Sinopse (a sinopse é uma coleção de histórias sobre a história russa, publicada pela primeira vez no final do século XVII e posteriormente reimpressa várias vezes). A imagem foi atribuída ao artista Blinov com base na semelhança estilística e artística com a segunda folha do enredo da Batalha de Kulikovo, armazenada no Museu Gorodets de Lore Local (caso contrário, nº 603), que leva a assinatura de I. G. Blinov. O enredo da Batalha de Mamaev é conhecido em gravuras populares gravadas: Rovinsky I, vol. 2, nº 303; volume 4, pág. 380-381; v. 5, pág. 71-73. Atualmente, foram identificadas 8 cópias da gravura popular gravada: I "M I I, pp. 39474, gr. 39475; GLM, kp 44817, kp 44816; State Historical Museum, 74520, 31555 I Sh chr 7379, 99497; Yaroslavl Museum- Reserva, 43019. As FOLHAS desenhadas por Blinov basicamente repetem o original gravado, e é justamente o lubok, como estudo dos textos que surgiram antes dos demais, entre 1746 e 1785. O artista utilizou ambas as vezes a mesma amostra gravada.

"A lenda da batalha de Mamaev" é conhecida nos manuscritos da frente. O próprio artista I. G. Blinov voltou-se repetidamente para as miniaturas do "Conto", criando vários manuscritos frontais em seu enredo (GBL, f. 242, No. 203; State Historical Museum, Vost. 234, Bars. 1808). Folhas desenhadas foram criadas por ele independentemente das miniaturas de livros.

Casos de retrabalho de gravuras populares de edição impressa com tema histórico são isolados. Você pode citar apenas mais uma foto chamada “Oh ho ho, o camponês russo é pesado tanto com o punho quanto com o peso” (cat. 60). Esta é uma caricatura da situação política das décadas de 1850-1870, quando a Turquia, mesmo junto com seus aliados, não conseguiu obter vantagem sobre a Rússia. A figura mostra balanças, em uma tábua da qual está um camponês russo, e na outra tábua e na barra transversal estão penduradas numerosas figuras de turcos, franceses e ingleses que não podem forçar a balança a baixar com toda a sua força.

A imagem é um redesenho de um lubok litografado, que foi reimpresso várias vezes em 1856-1877. Quase sem alterações, repete as poses engraçadas e ridículas dos personagens subindo na trave e nas cordas da balança, mas é perceptível o repensar das características fisionômicas dos personagens. O mujique russo, por exemplo, perdeu em seu desenho aquela beleza que os editores de litografias lhe davam. Muitos personagens parecem mais engraçados e ousados ​​do que nas impressões impressas. O apelo ao gênero da caricatura política é um exemplo raro, mas bastante revelador, indicando certo interesse de seu criador por temas públicos e a existência de demanda por tais obras.

Passando de enredos relacionados a eventos históricos específicos para tópicos relacionados à ilustração de várias parábolas de coleções didáticas e hagiográficas (Paterik, Prólogo), coleções como o Grande Espelho, livros bíblicos e evangélicos, deve-se dizer que na mente popular muitos mitos eram percebida como uma história verídica, especialmente aquelas relacionadas à criação do homem, a vida das primeiras pessoas na terra. Isso explica sua popularidade particular. Muitas lendas bíblicas e evangélicas na arte popular são conhecidas em interpretações apócrifas, enriquecidas com detalhes e interpretações poéticas.

Os desenhos que ilustram a história de Adão e Eva, via de regra, foram colocados em grandes folhas e, como outras composições de vários enredos, foram construídos de acordo com o princípio de uma história (cat. 8, 9). Uma das fotos retrata o paraíso na forma de um belo jardim cercado por um muro de pedra, no qual crescem árvores inusitadas e vários animais passeiam. O mestre mostra como o criador soprou uma alma em Adão, fez uma esposa de sua costela e ordenou-lhes que não provassem o fruto da árvore que crescia no meio do Jardim do Éden. A narrativa inclui cenas em que Adão e Eva, sucumbindo à persuasão da serpente tentadora, arrancam uma maçã da árvore proibida, como, exilados, saem das portas do paraíso, sobre as quais voa o serafim de seis asas, e sentam-se à sua frente. da parede sobre uma pedra, lamentando o paraíso perdido.

A criação do homem, a vida de Adão e Eva no paraíso, sua expulsão do paraíso

No lubok contando sobre o assassinato de Abel por Caim, além da cena do fratricídio, há episódios que mostram o sofrimento de Caim, enviado a ele como punição pelo crime: ele é atormentado por demônios, Deus o pune com “tremores ”, etc. (cat. 78).

Ilustração para "O Conto do Castigo de Caim pelo Assassinato de Seu Irmão".

Se eventos em momentos diferentes, um após o outro, estiverem conectados nesta folha, outra imagem, pelo contrário, limita-se a mostrar uma pequena parcela. Aqui está ilustrada a conhecida lenda sobre o sacrifício de Abraão, segundo a qual Deus, tendo decidido testar Abraão, exigia que ele sacrificasse seu filho (cat. 12). A imagem mostra o momento em que um anjo desceu sobre uma nuvem para a mão de Abraão, que ergueu a faca.

Final do século 18 - início do século 19

O sacrifício de Abraão. Final do século 18 - início do século 19. Artista desconhecido Tinta, têmpera. 55,6 x 40,3

Papel de filigrana J Kool Comp./Seven províncias (sem círculo) Klepikov 1, No. 1154. 1790-1800s.

Há muito menos lendas do evangelho em imagens desenhadas à mão do que nas bíblicas. Isso aparentemente se deve ao fato de que a maioria dos mitos do evangelho foram incorporados na pintura de ícones, e os mestres da gravura popular pintada abandonaram conscientemente qualquer coisa que pudesse se assemelhar a um ícone. As imagens refletem principalmente enredos que são da natureza das parábolas.

A parábola do filho pródigo gozava de um amor especial entre os artistas. Nas laterais de uma das fotos há episódios da lenda - a saída do filho pródigo de casa, suas diversões, desventuras, retorno ao abrigo do pai e, no centro da oval - o texto de um verso espiritual sobre notas de gancho (cat. 13). Assim, esta imagem não só podia ser vista, mas o texto podia ser lido e cantado. Os ganchos são a notação musical mais antiga que marca o tom e a longitude de um som e são um componente frequente das folhas de texto. O verso espiritual sobre o filho pródigo foi difundido na literatura popular, mais intimamente associado à arte popular.

início do século 19

A Parábola do Filho Pródigo. início do século 19 Artista desconhecido Tinta, têmpera. 76,3 x 54,6. Papel de tonalidade cinza-azulada do início do século XIX.

Os enredos favoritos do lubok desenhados à mão são imagens de meio-pássaros-meio-donzelas de voz doce Sirin e Alkonost. Essas tramas também circulavam em impressos populares impressos. Eles foram produzidos a partir de meados do século 18 e ao longo do século 19. Artistas de folhas desenhadas à mão não apenas repetiram imagens gravadas usando um esquema composicional pronto, mas também desenvolveram tramas com pássaros do paraíso por conta própria.

Obras bastante originais incluem imagens do pássaro Sirin, acompanhadas de uma legenda baseada em informações emprestadas do Cronógrafo. De acordo com o texto nos lençóis, o canto da donzela-pássaro é tão doce que uma pessoa, ao ouvi-lo, esquece tudo e a segue, incapaz de parar até morrer de cansaço. Os artistas geralmente retratavam um homem fascinado ouvindo um pássaro sentado em um enorme arbusto pontilhado de flores e frutas, e um pouco mais baixo - ele estava morto no chão. Para afastar o pássaro, as pessoas o assustam com barulho: batem tambores, buzinas, disparam canhões, em várias folhas vemos torres sineiras com sinos tocando. Assustada com "ruídos e sons incomuns", Sirin "é forçada a ir para suas residências" (cat. 16, 17, 18).

Nas imagens desenhadas, há uma compreensão especial, “livrista”, por parte dos artistas da imagem da menina-pássaro, que não se encontra em outros monumentos de arte popular.

Outra ave do paraíso, Alkonost, é muito semelhante à Sirin, mas tem uma diferença significativa - é sempre representada com as mãos. Muitas vezes, Alkonost segura em sua mão um rolo com um ditado sobre retribuição no paraíso por uma vida justa na terra. Segundo a lenda, Alkonost está perto do Sirin de voz doce com seu efeito em uma pessoa. “Quem está perto dela esquecerá tudo neste mundo, então sua mente se afasta dele e sua alma procede do corpo ...” - diz o texto explicativo da imagem (Cat. 20).

Alguns pesquisadores, assim como na consciência cotidiana, têm uma ideia bastante estável de que na arte popular Sirin é um pássaro da alegria e Alkonost é um pássaro da tristeza. Essa oposição está errada, não se baseia no simbolismo real dessas imagens. Uma análise de fontes literárias, onde aparecem donzelas de pássaros, bem como numerosos monumentos de arte popular (pinturas em madeira, azulejos, bordados) mostra que Alkonost não é interpretado em nenhum lugar como um pássaro da tristeza. Provavelmente, essa oposição tem sua origem na pintura de V. M. Vasnetsov

Sirin e Alkonost. A Song of Joy and Sorrow ”(1896), na qual o artista retratou dois pássaros: um é preto, o outro é leve, um é alegre, o outro é triste. Não vimos exemplos anteriores da oposição dos símbolos de Sirin e Alkonost e, portanto, podemos supor que não veio do folclore, mas da arte profissional, que, em seu apelo à antiguidade russa, usou amostras de arte popular , nem sempre entendendo seu conteúdo corretamente o suficiente.

Imagens com histórias edificantes e parábolas de várias coleções literárias ocupam um grande lugar na arte do lubok desenhado à mão. Eles interpretam os temas do comportamento moral, atos humanos virtuosos e viciosos, o sentido da vida humana, denunciam pecados, falam sobre os tormentos dos pecadores que são severamente punidos após a morte. Assim, “a refeição dos piedosos e dos ímpios” (cat. 62), “dos jovens negligentes e alegres” (cat. 136) demonstram o comportamento justo e injusto das pessoas, onde um é recompensado e o outro é condenado.

Toda uma série de enredos fala sobre punições no outro mundo por grandes e pequenos pecados: “A punição de Ludwig Langraf pelo pecado da ganância” consiste em jogá-lo no fogo eterno (cat. 64); um pecador que não se arrepende da "fornicação" é atormentado por cães e cobras (cat. 67); “Um homem impiedoso, um amante desta época”, Satanás ordena subir em um banho de fogo, deitá-lo em uma cama de fogo, beber enxofre derretido, etc. (cat. 63).

Algumas das imagens tratavam da ideia de expiação e superação do comportamento pecaminoso em vida, elogiando o comportamento moral. A esse respeito, o enredo "Farmácia Espiritual" é interessante, ao qual os artistas se dirigiram repetidamente. O significado da parábola, emprestada do ensaio "Medicina Espiritual", - a cura dos pecados com a ajuda de boas ações - é revelado nas palavras de um médico que dá a quem o procura o seguinte conselho: "Venha e tome a raiz da obediência e as folhas da paciência, a cor da pureza, o fruto das boas ações e gaste no caldeirão do silêncio... . 27).

Uma seção significativa de imagens desenhadas na parede é um grupo de folhas de texto. Poemas de conteúdo espiritual e moral, cantos em notas de gancho, ensinamentos edificantes, via de regra, eram executados em folhas

grande formato, tinha moldura colorida, títulos brilhantes, o texto era colorido com iniciais grandes, às vezes vinha acompanhado de pequenas ilustrações.

Os mais comuns eram enredos com frases edificantes, conselhos úteis, os chamados "bons amigos" de uma pessoa. Nas imagens típicas deste grupo “Sobre os bons amigos dos Doze” (cat. 31), “A Árvore da Razão” (cat. 35), todas as máximas são colocadas em círculos ornamentados e colocadas na imagem de um árvore, ou escrito em folhas largas e curvas de um arbusto de árvore.

Os versos e cânticos espirituais eram muitas vezes colocados em ovais emoldurados por uma guirlanda de flores que saía de um vaso de flores ou cesta colocada no chão (cat. 36, 37). De forma uniforme e comum a muitas folhas de enquadramento oval de textos, é impossível encontrar duas guirlandas ou grinaldas idênticas. Os artistas variam, fantasiam, procuram combinações novas e originais, conseguindo uma variedade verdadeiramente surpreendente de componentes que compõem o oval.

As tramas dos quadros murais desenhados à mão revelam certa afinidade com os temas encontrados em outros tipos de arte popular. Naturalmente, a maioria das analogias são com gravuras populares gravadas. Uma comparação quantitativa mostra que nas obras lubok desenhadas que chegaram até nossos dias, as parcelas em comum com as impressas representam apenas um quinto. Ao mesmo tempo, na grande maioria dos casos, não há cópia direta de certas composições, mas sim uma alteração significativa dos originais gravados.

Ao utilizar a trama da folha de circulação, os mestres sempre introduziam nos desenhos seu próprio entendimento de decoratividade. O esquema de cores das impressões manuscritas diferiu significativamente do observado nos materiais impressos.

Conhecemos apenas dois casos de relação inversa entre folhas gravadas e desenhadas: os retratos de Andrei Denisov e Daniil Vikulov foram impressos em Moscou na segunda metade do século XVIII com base em originais desenhados.

Folhas de parede têm analogias em miniaturas de manuscritos. O número de plotagens paralelas aqui é menor do que em folhas impressas, apenas em dois casos é evidente a dependência direta do lubok manuscrito em relação à miniatura. Em todo o resto, observa-se uma abordagem independente para resolver os mesmos tópicos. Às vezes é possível estabelecer uma tradição comum de encarnação de imagens individuais, bem conhecida dos miniaturistas dos séculos XVIII-XIX e mestres da gravura popular desenhada, por exemplo, em ilustrações para o Apocalipse ou em retratos de professores do Velho Crente, o que explica sua semelhança.

Vários motivos comuns com imagens desenhadas à mão, como a lenda do pássaro Sirin, são conhecidos na pintura de móveis dos séculos XVIII-XIX, que saiu das oficinas do mosteiro Vygo-Leksinsky. Neste caso, houve uma transferência direta da composição dos desenhos para as portas dos armários.

Todos os casos identificados de enredos comuns e emprestados de forma alguma podem obscurecer o número esmagador de desenvolvimentos artísticos independentes no lubok desenhado. Mesmo na interpretação das parábolas moralizantes, gênero mais desenvolvido, os mestres em sua maioria seguiram seu próprio caminho, criando muitas novas obras expressivas e ricas em conteúdo figurativo. Pode-se supor que o tema do lubok pintado é bastante original e testemunha a amplitude de interesses de seus mestres, a abordagem criativa da incorporação de muitos temas.

A questão da datação é muito importante para a caracterização de um lubok pintado. Um estudo especial do tempo de criação de folhas individuais permite esclarecer e apresentar mais detalhadamente o quadro de sua ocorrência, o grau de prevalência em um determinado período e determinar o tempo de funcionamento dos centros de arte individuais.

Algumas fotos têm inscrições que indicam diretamente a data de fabricação, por exemplo: “Esta folha foi escrita em 1826” (cat. 4) ou “Esta foto foi escrita em 1840 em 22 de fevereiro” (cat. 142). Uma grande ajuda no namoro, como você sabe, pode ser fornecida pela presença de marcas d'água no papel. De acordo com as filigranas do papel, estabelece-se o limite da criação de uma obra, antes da qual ela não poderia aparecer.

As datas nas folhas e marcas d'água indicam que as fotos mais antigas que chegaram até nós datam das décadas de 1750-1760. É verdade que são muito poucos. Na década de 1790, já existem mais desenhos. Datar as primeiras imagens sobreviventes em meados do século XVIII não significa que as folhas de parede não existissem antes dessa época. Conhecido, por exemplo, é um desenho único do século 17 que retrata um exército corajoso partindo em barcos para reprimir a revolta de Stepan Razin. Mas este é um caso excepcional e a folha não tinha um caráter "lubok". Só podemos falar da já consolidada produção de folhas desenhadas à mão em relação à segunda metade do século XVIII.

A época do maior florescimento da arte da gravura popular desenhada é o final do século XVIII - o primeiro terço do século XIX; em meados e segunda metade do século XIX, o número de quadros manuscritos foi significativamente reduzido e voltou a aumentar apenas no final do século XIX - início do século XX. As conclusões que decorrem da análise das folhas datadas estão em boa concordância com o quadro geral do desenvolvimento da arte da gravura popular pintada, que se abre ao estudar os centros individuais de sua produção.

As informações contidas nas inscrições na frente ou no verso de algumas folhas são de grande ajuda no estudo do lubok desenhado à mão.

O conteúdo das inscrições no verso das fotos são dedicatórias, indicações do preço das folhas, notas para artistas. Aqui estão exemplos de dedicatórias ou textos de presente: “Para o mais honesto Ivan Petrovich de Irina V. com a mais humilde reverência”, “Para a Graciosa Imperatriz Fekla Ivanovna” (cat. 17), “Dê estes santos a Lev Sergeyech e Alexandra Petrovna juntamente com todo o dom” (cat. 38). No verso das três imagens, o seu preço está escrito em letra cursiva: “hryvnia”, “osmi hryvnia” (cat. 62, 63, 65). Esse custo, embora não muito alto por si só, supera o preço pelo qual as estampas populares impressas foram vendidas.

Você também pode descobrir os nomes dos artistas que trabalharam nas fotos, o status social dos mestres: “... esta Cortina Mirkulia Nikina” (cat. 136), “Ivan Sobolytsikov escreveu” (cat. 82), “ Este pássaro foi escrito (na imagem representando Alkonost .- E. I.) em 1845 por Alexei Ivanov, um pintor de ícones e seu servo Ustin Vasiliev, um pintor de ícones Avsyunisky.

Mas os casos de indicação do nome do artista nas fotos são muito raros. A maioria das folhas não tem nenhuma assinatura. Pouco pode ser aprendido sobre os autores do lubok pintado, existem apenas alguns exemplos em que alguns dados sobre os mestres foram preservados. Assim, sobre a artista de Vologda Sofya Kalikina, cujos desenhos foram trazidos para o Museu Histórico em 1928 por uma expedição histórica, algumas coisas foram contadas por moradores locais, e o resto veio à tona pouco a pouco de várias fontes escritas. Sofia Kalikina morava na aldeia de Gavrilovskaya, distrito de Totemsky, Spasskaya volost. Desde cedo

idade, junto com seu irmão mais velho Grigory, ela estava envolvida na ilustração de manuscritos, que foram copiados por seu pai Ivan Afanasyevich Kalikin8. Os desenhos trazidos para o Museu Histórico do Estado foram feitos por Sofya Kalikina em 1905, quando ela tinha cerca de dez anos (cat. 66-70). A julgar pelo fato de que seus desenhos ficaram pendurados nas cabanas até 1928 e as pessoas se lembraram de quem era sua autora e com que idade ela os criou, as obras foram um sucesso para aqueles para quem foram realizadas.

O fato de que famílias camponesas de Velhos Crentes, engajadas em copiar manuscritos (e muitas vezes em pintura de ícones) e desenhar quadros de parede, atraíram crianças para isso é conhecido não apenas pela história de Sofya Kalikina, mas também por outros casos4.

O mais impressionante dos exemplos atualmente conhecidos de combinar as atividades de um miniaturista e um mestre de gravuras populares é o trabalho de I. G. Blinov (sua imagem “Batalha de Kulikovo” foi descrita acima). É notável que I. G. Blinov tenha sido quase nosso contemporâneo; ele morreu em 1944.

A atividade de Ivan Gavrilovich Blinov - artista, miniaturista e calígrafo - permite-nos compreender a tipologia da imagem de um artista de uma época mais distante de nós, embora Blinov já fosse um homem de formação diferente. Portanto, vale a pena se debruçar sobre isso com mais detalhes.

Os fatos da biografia de I. G. Blinov podem ser extraídos de documentos atualmente armazenados no Departamento de Manuscritos GBL "1", na TsGVIA URSS" e no Departamento de Manuscritos do Instituto Histórico do Estado12. I. G. Blinov nasceu em 1872 na vila de Kudashikha, distrito de Balakhna, província de Nizhny Novgorod, em uma família de Velhos Crentes que aceitaram o sacerdócio. Por muito tempo ele viveu na educação de seu avô, que uma vez estudou nas celas dos monges "em um espírito religioso estrito". Quando o menino tinha dez anos, seu avô começou a ensiná-lo a ler na frente dos ícones e o apresentou ao provérbio do antigo canto russo. A partir dos doze anos, Blinov começou a desenhar autodidata. Secretamente do pai, que não aprovava o hobby do filho, muitas vezes à noite, ele dominava a ortografia das letras, vários tipos de caligrafia e ornamentos de antigos livros manuscritos. Blinov tinha dezessete anos quando G. M. Pryanishnikov, um conhecido colecionador de antiguidades russas, se interessou por seu trabalho. Blinov colaborou muito com Pryanishnikov e com outro grande colecionador, o comerciante Balakhna P. A. Ovchinnikov, cumprindo seus pedidos.

Aos dezenove anos, Blinov se casou, três filhos nasceram um após o outro, mas, apesar do aumento das tarefas domésticas, ele não deixou seu passatempo favorito, continuando a melhorar as habilidades de calígrafo e miniaturista. Girando no círculo de colecionadores e trabalhando para eles, o próprio Ivan Gavrilovich começou a colecionar livros antigos. Em 1909, Blinov foi convidado a Moscou para a gráfica Old Believer de L. A. Malekhonov, onde trabalhou como revisor do tipo eslavo e como artista por sete anos. Naquela época, sua família já tinha seis filhos, sua esposa morava com eles na aldeia. De várias cartas sobreviventes de Ivan Gavrilovich para sua esposa e pais durante seu serviço na gráfica, fica claro que ele visitou muitas bibliotecas de Moscou - Histórica, Rumyantsev, Sinodal, visitou a Galeria Tretyakov; ele foi reconhecido pelos bibliófilos de Moscou e amantes da antiguidade, eles lhe deram ordens particulares para a decoração de endereços, folhas de bandeja e outros papéis. Em seu tempo livre, I. G. Blinov escreveu independentemente textos e desenhou ilustrações para alguns monumentos literários, por exemplo, para "Song of the Prophetic Oleg" de Pushkin (1914, mantido no Museu Estadual de Arte Moderna) e para "The Tale of Igor's Campaign" " (1912, 2 cópias são mantidas em GBL).

De 1918 a 1919, o artista iniciou uma estreita cooperação com o Museu Histórico do Estado. Ele costumava trazer e vender suas obras para o museu, agora ele foi encomendado especialmente miniaturas para obras da literatura russa antiga: histórias sobre Savva Grudtsyn "3, sobre Frol Skobeev14, sobre Luto-mal-fortuna15. V. N. Shchepkin, que na época chefiou o departamento de manuscritos do museu, apreciou a arte de Blinov e adquiriu de bom grado seu trabalho.

Em novembro de 1919, o Comissariado de Educação do Povo, por sugestão do Conselho Acadêmico do Museu Histórico, enviou I. G. Blinov à sua terra natal, a Gorodets, onde participou ativamente da coleta de antiguidades e da criação de um museu local de folclore local . Os primeiros cinco anos de existência do museu - de 1920 a 1925 - foi seu diretor. Então as circunstâncias materiais forçaram Blinov a se mudar com sua família para a aldeia. O único monumento original feito por ele após seu retorno à sua terra natal é o ensaio “A História de Gorodets” (1937) com ilustrações na tradição de uma miniatura antiga.

I. G. Blinov dominou quase todos os tipos de caligrafia russa antiga e muitos estilos artísticos de ornamento e decoração de manuscritos. Ele executou especialmente algumas obras com todas as variedades de escrita conhecidas por ele, como se demonstrasse uma ampla gama de arte da escrita antiga.

Em homenagem às habilidades caligráficas de I. G. Blinov, deve-se ter em mente que ele sempre foi um estilista. O mestre não se esforçou para uma reprodução completa e absolutamente precisa das características formais do original, mas compreendeu artisticamente as principais características de um estilo particular e as incorporou no espírito da arte de sua época. Nos livros desenhados por Blinov, sempre se pode sentir a mão de um artista na virada dos séculos XIX e XX. Seu trabalho é um exemplo da profunda assimilação e desenvolvimento criativo da antiga arte do livro russo. O artista se dedicava não apenas a copiar e copiar livros antigos, mas também fazia suas próprias ilustrações para monumentos literários. É importante lembrar que Blinov não era um artista profissional, seu trabalho está inteiramente no mainstream da arte popular.

O legado de I. G. Blinov são cerca de sessenta manuscritos frontais e quatro folhas de parede desenhadas à mão. O mais interessante - "Battle of Kulikovo" - dá uma ideia completa da escala do talento do artista. Mas seu trabalho se destaca, não pode ser atribuído a nenhuma das escolas de arte popular atualmente conhecidas.

Como já mencionado, a maioria dos quadros pintados pode ser identificada com determinados centros por suas características artísticas. Vamos considerar os principais.

Recordemos que o centro de Vygovsky foi o fundador da arte do lubok desenhado. Como na literatura os livros manuscritos que saem do Mosteiro Vygo-Leksinsky são geralmente chamados de Pomor, o estilo ornamental de seu design também é chamado de Pomor e, em relação às pinturas de parede do Centro Vygovsky, é legítimo aplicar esse termo . Isso se justifica não apenas pela origem comum dos quadros e manuscritos, mas também pela semelhança estilística que se observa no modo artístico de ambos. As coincidências dizem respeito à própria caligrafia - o semi-ustav da Pomerânia, grandes iniciais de cinábrio, decoradas com exuberantes hastes ornamentais, e títulos feitos em caligrafia característica.

Miniaturas e folhas desenhadas à mão têm muito em comum em termos de esquema de cores. As combinações favoritas de tons carmesim brilhantes com verde e dourado foram emprestadas por pintores de parede de mestres pintados à mão. Nos desenhos há as mesmas dos livros da Pomerânia, imagens de vasos de flores, árvores com grandes frutos redondos parecidos com maçãs, cada qual certamente pintado em duas cores diferentes, pássaros esvoaçando sobre as árvores, segurando galhos com pequenas bagas em seus bicos, a abóbada celeste com nuvens em forma de rosetas de três pétalas, o sol e a lua com faces antropomórficas. Um grande número de coincidências e analogias diretas torna fácil distinguir as imagens deste centro da massa geral do lubok desenhado. No acervo do Museu Histórico, foram identificadas 42 obras da escola Vygov. (Lembre-se que o acervo do Museu Histórico do Estado tem 152 folhas, e o total de fotos identificadas até o momento é de 412.)

Nas técnicas e na ornamentação, os mestres dos livros manuscritos e dos quadros murais têm muito em comum. Mas é importante prestar atenção às novidades que os artistas pomeranos trouxeram para o desenho. Um grande desenho de parede é percebido pelo espectador de acordo com outras leis que não as miniaturas de livros. Com isso em mente, os artistas enriqueceram significativamente a paleta de desenhos ao introduzir azul, amarelo e preto abertos. Os mestres conseguiram construções equilibradas e acabadas de folhas, levando em consideração sua finalidade decorativa no interior. A fragmentação e fragmentação de ilustrações de livros era inaceitável aqui.

Nas folhas de parede não há absolutamente nenhuma interpretação icônica dos "rostos", característica da miniatura. Os rostos dos personagens nas fotos são renderizados em um estilo puramente popular. Isso se aplica tanto a retratos de pessoas reais, por exemplo, sacerdotes Vygov com sua aparência tipificada, quanto à aparência de criaturas fantásticas. Assim, nas histórias com Sirin e Alkonost, que encantam as pessoas com sua beleza e canto sobrenatural, ambos os pássaros eram invariavelmente retratados no espírito das ideias folclóricas sobre o ideal de beleza feminina. As garotas-pássaro têm ombros cheios, rostos arredondados com bochechas rechonchudas, nariz reto, sobrancelhas de zibelina, etc.

Nas imagens, pode-se observar a hiperbolização característica de motivos pictóricos individuais, característica da gravura popular popular. Pássaros, arbustos, frutas, guirlandas de flores de motivos puramente ornamentais, como nos manuscritos, transformam-se em símbolos da natureza florescente. Aumentam de tamanho, às vezes atingindo um valor condicional implausível, e adquirem um valor independente, e não apenas decorativo.

Muitas vezes, a abordagem folclórica domina na compreensão da própria trama, como, por exemplo, na pintura “Uma alma pura e uma alma pecadora” (cat. 23), onde o bem e o mal se contrapõem, onde a beleza triunfa sobre a feiúra. A composição é dominada por uma donzela régia - uma alma pura, cercada de brilho festivo, e no canto de uma caverna escura, uma alma pecadora derrama lágrimas - uma pequena figura lamentável.

Como você pode ver, a arte das pinturas murais da Pomerânia, que nasceu das entranhas da tradição da miniatura manuscrita, seguiu seu próprio caminho, dominando o elemento lubok e a visão de mundo poética do povo primitivo.

A escola pomerana do desenho, apesar da unidade estilística das obras, não era homogênea. Os mestres de Vygov trabalharam de maneiras diferentes, o que nos permite distinguir várias direções que diferem umas das outras. Um deles, representado pelo maior número de fotos, caracteriza-se pelo brilho, pela festa, pela abertura popular ingênua. Nesses desenhos, sempre feitos sobre um fundo branco sem pintura e com grandes cores vivas, floresce magnificamente o mundo da beleza fantástica e fabulosa. Assim, na imagem que retrata o momento da tentação de Eva no paraíso, Adão e Eva são colocados perto de uma árvore desconhecida com uma coroa exuberante e frutos enormes, ao redor deles há arbustos completamente cobertos de flores, sobre os quais voam pássaros, acima deles está um céu azul plano com nuvens uniformes (cat. dez). A beleza harmonizada domina mesmo em uma trama aparentemente triste e moralista como “A Morte de um Justo e um Pecador” (cat. 28), onde anjos e demônios discutem sobre a alma do falecido e em um caso os anjos vencem, e em o outro eles choram, derrotados.

A segunda variedade de folhas da Pomerânia, apesar de seu pequeno número, merece consideração separada. As imagens nesta categoria distinguem-se por uma gama surpreendentemente sofisticada de rosa pérola. Os luboks eram necessariamente de grande formato, feitos sobre fundo colorido: toda a folha era coberta com tinta rosa acinzentada, sobre a qual era aplicado um desenho. Foi usado aqui o branco, que, em combinação com o rosa e o cinza, dá uma sonoridade muito sutil.

As folhas mais características feitas desta forma artística são a “Árvore da Mente” (cat. 35) e a “Ave do Paraíso Sirin” (cat. 16). Ambos incluem um conjunto de decorações ornamentais comuns a toda a escola pomerana: arbustos decorativos com pássaros pousados ​​neles, flores fantásticas estilizadas, maçãs bicolores, um firmamento com nuvens e estrelas, mas distinguem-se por uma sutil elegância de cor e artesanato .

Uma característica distintiva das imagens da terceira categoria é o uso do motivo de uma folha de acanto trepadeira. Mesmo grandes cachos de ornamento de acanto dominam a composição. Eles decoram, por exemplo, "A Árvore Genealógica de A. e S. Denisov" (cat. 3) e "A Parábola do Filho Pródigo" (cat. 13). As folhas de acanto são combinadas com as mesmas flores tradicionais de várias pétalas, maçãs circulares, xícaras de flores, como se estivessem cheias de uma colina de bagas, Sirins fofos sentados em galhos.

Todos os artistas pomeranos, dando preferência à coloração local dos objetos e detalhes do ornamento, recorreram constantemente ao destaque e desfoque do tom principal para criar um efeito de luz e sombra, para transmitir o jogo de dobras de roupas, para dar volume aos objetos.

Considerando a escola pomerana de quadros murais como um todo, percebe-se que dentro das áreas discutidas existem desenhos lubok de altíssimo nível de execução, e outros mais simples, o que indica o uso generalizado da arte do lubok desenhado, em que mestres de vários tipos estavam envolvidos na fabricação de folhas. grau de prontidão.

Quanto à datação das obras da Pomerânia, sabe-se o seguinte: a maior parte das pinturas foi feita nas décadas de 1790-1830; nas décadas de 1840 e 1850, sua produção caiu drasticamente. Isso se deve à onda de ações repressivas que atingiram os mosteiros de Vygovsky e Leksinsky. Apesar do fechamento do mosteiro, a produção de chapas de parede não parou. Até o início do século 20, as crianças dos Velhos Crentes continuaram a ser ensinadas em escolas secretas da aldeia em Pomorie, a correspondência de livros manuscritos e a cópia de quadros de parede continuaram.

O centro tory para a fabricação de folhas desenhadas à mão no norte da Rússia estava localizado no curso inferior do Pechora e está associado às atividades dos mestres do mosteiro de Velikopozhensky. A presença de sua própria escola para a produção de desenhos desenhados foi estabelecida pelo conhecido pesquisador de livros manuscritos russos V. I. Malyshev. No livro "Coleções de manuscritos de Ust-Tsilemsky dos séculos XVI-XX". ele publicou um desenho da comunidade do Grande Pozhensky, que retrata o mosteiro e seus dois abades.

V. I. Malyshev observou as peculiaridades da caligrafia dos escribas de livros locais de Ust-Tsilma, apontou que o Pechora semi-ustav, em contraste com seu protótipo - o semi-ustav da Pomerânia, é muito mais livre, menos escrito, não tão bem construído ; a simplificação é perceptível nas iniciais e screensavers. Com base nas peculiaridades da caligrafia e nas características estilísticas dos próprios desenhos, foram acrescentadas mais 18 folhas à gravura popular desenhada, que Malyshev associou definitivamente à escola local.Assim, atualmente, a escola Pechora tem 19 folhas sobreviventes. Aparentemente, a maioria das obras de mestres locais não chegou até nós. O Museu Histórico possui apenas 2 desenhos deste centro, mas eles também podem ser usados ​​para caracterizar a originalidade das pinturas de Pechora.

Se traçarmos a interação da escola Pechora de lubok desenhado com pinturas gráficas sobre objetos de arte aplicada, ferramentas e caça dos centros Pizhma e Pechora, que estão mais próximos dos locais de produção de imagens, veremos que estes últimos e a pintura em madeira, que em alguns lugares chegou quase aos nossos dias na forma de colheres de pintura com sua caligrafia e miniatura especiais, havia origens comuns.

O tema principal das obras de Pechora que conhecemos são os retratos dos diretores de cinema Vyg, professores e mentores do consentimento pomerano. Com total observância de um único esquema iconográfico, as imagens diferem daquelas que foram desenhadas no próprio mosteiro de Vygovsky. Eles são mais monumentais, esculturais na modelagem de volume e enfaticamente mesquinhos no esquema geral de cores. Alguns dos retratos são desprovidos de qualquer moldura e deveriam ser pendurados em uma fileira: S. Denisov, I. Filippov, D. Vikulov, M. Petrov e P. Prokopiev (cat. 53, 54). As imagens são quase monocromáticas, inteiramente sustentadas em tons marrom-acinzentados. A forma de execução dos desenhos Pechora é rigorosa e simples.

Um papel ativo na composição é desempenhado pela linha de silhueta de contorno, que, na quase completa ausência de elementos decorativos, carrega a principal carga expressiva. Não há brilho, nem elegância, nem riqueza ornamental da tradição de Vygov aqui, embora algumas características que relacionam as imagens de Pechora e da Pomerânia ainda possam ser encontradas: uma maneira de representar copas de árvores, grama em forma de arbustos de vírgula em uma ferradura. base em forma.

Uma análise das gravuras populares da escola Pechora mostra que os artistas locais desenvolveram um estilo criativo próprio, um tanto ascético, desprovido de elegância e sofisticação, mas muito expressivo. Todas as imagens sobreviventes datam da segunda metade do século XIX - início do século XX. Não conhecemos monumentos anteriores, embora pelo que se sabe sobre as atividades dos albergues Velikopozhensky e Ust-Tsilemsky, fique claro que eles foram criados antes.

O terceiro centro do lubok pintado pode ser chamado de Severodvinsk e localizado na área do antigo distrito de Shenkur - distritos modernos de Verkhnetoemsky e Vinogradovsky. Os quadros de parede de Severodvinsk também foram identificados por analogia com os primeiros livros manuscritos e itens pintados do cotidiano dos camponeses.

A tradição manuscrita de Severodvinsk começou a ser distinguida pelos arqueólogos a partir do final da década de 1950, e seu estudo ativo continua até hoje.

O número de monumentos sobreviventes deste centro é pequeno. O Museu Histórico tem cinco folhas.

A comparação de quadros de parede com miniaturas de manuscritos de Severodvinsk às vezes revela não apenas motivos artísticos comuns - imagens de um galho de árvore florido com flores em forma de tulipa ou uma maneira peculiar de coloração, mas também empréstimos diretos de parcelas de manuscritos frontais. Tal é o “Caminho Real” (cat. 59), cujo significado principal é condenar as pessoas que se entregam às alegrias mundanas - danças e jogos, amor carnal, embriaguez, etc. Os pecadores são seduzidos e conduzidos por demônios. Uma série de episódios da imagem, em particular cenas em que demônios tratam um grupo de homens reunidos com vinho de um barril ou seduzem jovens com roupas, experimentando kokoshniks e amarrando lenços na cabeça, são emprestados de uma coleção contendo ilustrações para a parábola evangélica sobre os convidados para a festa. De acordo com o texto, os convidados se recusaram a vir, pelo que foram punidos e atraídos “para o caminho largo e espaçoso”, onde os demônios astutos os aguardam. A comparação da imagem com as miniaturas manuscritas mostra que, tomando emprestado o enredo, o artista alterou significativamente a estrutura composicional daquelas cenas que lhe serviram de originais. Ele realizou um trabalho completamente independente, organizando os personagens à sua maneira, dando-lhes um visual diferente e, o mais importante, tornando-os mais comuns e populares.

A tradição artística de arte popular de Severodvinsk não se limita a gravuras manuscritas e populares. Inclui também numerosas obras de pintura camponesa sobre madeira. A pintura de Severodvinsk é atualmente uma das áreas mais exploradas da arte decorativa popular do Norte. Inúmeras expedições do Museu Russo, do Museu Histórico do Estado, do Museu de Zagorsk, do Instituto de Pesquisa da Indústria da Arte às regiões do meio e do alto curso da Dvina do Norte tornaram possível coletar um rico material sobre os artistas que pintaram rodas de fiar e utensílios domésticos e identificar vários centros de produção de produtos pintados21. A comparação das obras mais típicas de escolas individuais de pintura de rodas de fiar com pinturas murais desenhadas à mão mostrou que os itens da região da vila de Borok estão mais próximos das gravuras populares em termos de forma de execução.

A base da estrutura de cores das pinturas de Boretsky é o contraste de um fundo claro e cores brilhantes do ornamento - vermelho, verde, amarelo, muitas vezes dourado. A cor predominante da pintura é o vermelho. Padrões característicos - motivos vegetais estilizados, ramos finos e encaracolados com rosetas abertas de flores, exuberantes corolas em forma de tulipa; cenas de gênero estão incluídas no "tornar-se" inferior das rodas de fiar.

A riqueza do ornamento, a poesia da fantasia, o rigor e a beleza da decoração da pintura dos produtos Boretsky, bem como o uso gratuito de pintura de ícones e apostas por mestres locais, testemunham as altas tradições artísticas da arte popular de Severodvinsk .

Os desenhos Lubok têm em comum com as pinturas de lutadores um padrão especial de ornamentação floral, um esquema de cores sustentado e harmonioso, com o uso predominante de tons vermelhos e o uso habilidoso de um fundo claro de papel sem cor. Os pintores de parede adoraram o motivo do ramo florido com grandes flores em forma de tulipa. Assim, em duas fotos, os pássaros de Sirina (cat. 57, 58) não se sentam em arbustos exuberantes pendurados com frutas, como era o caso das folhas da Pomerânia, mas em caules intrincadamente torcidos, dos quais folhas ornamentais estilizadas ou lancetas ou arredondadas contornos divergem em ambas as direções e grandes flores de tulipa. O próprio desenho de enormes tulipas nas fotos é dado exatamente nos mesmos contornos e com o mesmo corte de pétalas e núcleos, como os mestres fizeram nas rodas de fiar de Toyom e Puchug.

Além da semelhança estilística, podem-se encontrar motivos distintos que coincidem nas imagens e na pintura sobre madeira. Por exemplo, um detalhe tão característico como a imagem de janelas obrigatórias com encadernações cuidadosamente escritas na parte superior das rocas de Boretsky é repetida na folha com a imagem do Jardim do Éden (cat. 56), onde a parede de fechamento tem as mesmas janelas “verificadas”. O artista que criou este trabalho revela um alto domínio das antigas técnicas de desenho russo e uma imaginação notável. Arbustos incomuns do Jardim do Éden com flores fabulosas surpreendem a imaginação do espectador, mostram a riqueza e a diversidade do mundo ideal.

O caráter emocional do ornamento e toda a estrutura das imagens de Severodvinsk são completamente diferentes das de outras gravuras populares. O esquema de cores das folhas de Severodvinsk é distinguido pelo refinamento de algumas combinações cuidadosamente selecionadas, que, no entanto, criam uma sensação de multicolorida e beleza do mundo.

O manuscrito de Severodvinsk e a escola de impressão popular cresceram não apenas nas tradições da antiga arte russa, mas foram fortemente influenciados por grandes centros de artesanato artístico como Veliky Ustyug, Solvychegodsk, Kholmogory. A arte brilhante e colorida dos esmaltadores, os métodos decorativos de pintura de baús-teremki e encostos de cabeça com fundos claros característicos, motivos de flores em forma de tulipa, hastes curvas e padrões inspiraram artistas locais em busca de uma expressividade especial do padrão vegetal. A combinação dessas influências explica a originalidade das obras do centro de arte de Severodvinsk, a singularidade de sua estrutura figurativa e colorida.

A datação das fotos de Severodvinsk atesta um período bastante longo de sua produção e existência. As primeiras folhas sobreviventes foram executadas na década de 1820, a última data do início do século XX.

O próximo centro do lubok manuscrito é conhecido pelo local exato onde as folhas de parede foram feitas. Este é um grupo de obras de Vologda associadas aos antigos distritos de Kadnikovsky e Totemsky da região de Vologda. Dos 35 quadros atualmente conhecidos, 15 estão guardados no Museu Histórico.

Apesar da proximidade territorial suficiente, as folhas de Vologda diferem significativamente das de Severodvinsk. Diferem na forma estilística, na paleta de cores, na ausência de ornamentação padronizada nas pinturas de Vologda e na predileção dos mestres por composições de gênero com um enredo narrativo detalhado.

É interessante comparar os luboks de Vologda com outros tipos de arte popular. A pintura em madeira era bastante difundida no Oblast de Vologda. De particular interesse para nós é a arte da pintura de casas do século XIX, marcada pela ausência de escrita mesquinha e pelo laconicismo do sistema de cores - características que ainda são características da antiga tradição de Vologda. Leões, pássaros, grifos, encontrados em desenhos em caixas de bast, transformaram-se em pintura de detalhes individuais do interior de uma cabana de camponês. As folhas de parede estão relacionadas à pintura em madeira pela notória inclinação dos artistas para o gênero das imagens, bem como pelo laconismo dos contornos gráficos de contorno, sua expressividade.

Ao comparar as gravuras populares de Vologda com os manuscritos faciais, é possível identificar uma série de características estilísticas comuns no trabalho dos artistas. Segundo eles, a propósito, um certo grupo de coleções faciais do século XIX pode ser atribuído à escola de manuscritos Vologda, que até recentemente não era distinguida pelos pesquisadores como um centro independente. Os métodos característicos de desenho tanto em miniaturas quanto em imagens incluem maneiras de tingir o fundo com uma camada transparente de tinta, pintar sobre o solo e as colinas em um tom marrom claro com as curvas escritas ao longo de todas as linhas com uma faixa larga de um tom mais escuro cor, imagens de pisos em interiores em forma de lajes retangulares ou tábuas compridas com o traço obrigatório do contorno em uma cor mais escura, tingindo com tons de cinza claros de cabelos e barbas em homens em composições multissujeitos. Por fim, as fotos e miniaturas lubok têm em comum o uso das mesmas combinações de cores, aparentemente preferidas pelos artistas, onde predominam os tons amarelo, marrom, vermelho-alaranjado brilhante.

Mas, apesar de toda a proximidade artística de ambos os tipos de monumentos pictóricos de Vologda, não encontraremos neles parcelas que seriam diretamente emprestadas ou transferidas de manuscritos para imagens e vice-versa.

Todas as folhas Vologda são caracterizadas por uma narrativa detalhada. Estas são ilustrações para parábolas, lendas do Grande Espelho, artigos do Prólogo, Paterik. Raro em termos de assunto, o desenho satírico "Oh ho ho, o camponês russo é pesado ...", que já foi discutido, também é um dos monumentos de Vologda.

Os artistas de Vologda claramente procuraram dar aos desenhos não tanto um significado instrutivo e instrutivo, mas torná-los divertidos, revesti-los na forma de uma história fascinante. Como regra, todas as composições são multifiguradas, saturadas de ação. Curiosamente, em algumas fotos que ilustram lendas e parábolas sobre a tentação dos justos, sobre a punição após a morte pelos pecados, os monstros que perseguem uma pessoa são retratados não como assustadores, mas como gentis. Lobos, dragões de boca de fogo, leões, cobras, embora rodeiem a gruta de Santo António ou, por exemplo, conduzam o “homem mau” para um lago em chamas, não parecem criaturas de forças infernais, mas têm algum tipo de personagem de brinquedo. Muito provavelmente, essa transformação involuntária decorre da profunda conexão dos mestres com as tradições centenárias da arte popular, que sempre se distinguiu pela gentileza e percepção alegre do mundo.

Outra manifestação da natureza narrativa e divertida das obras de Vologda é a abundância de texto incluído na composição. Além disso, a parte do texto aqui é completamente diferente das fotos da escola da Pomerânia. O principal nas folhas Vologda não é a beleza decorativa da fonte e das iniciais, mas a carga informativa. Assim, no quadro “Pois é em vão que o demônio é culpado de nós” (cat. 69), o enredo da parábola do “Grande Espelho” é apresentado em uma longa inscrição sob a imagem. Explicações textuais também estão incluídas na composição: o diálogo dos personagens, como é costume nas estampas populares, é veiculado por meios puramente gráficos - as declarações de cada um são escritas em longas listras desenhadas na boca. As duas partes do quadro correspondem a dois momentos-chave da história, cujo significado é que o demônio expõe o camponês que rouba nabos na horta do velho em uma mentira e na tentativa de transferir sua culpa para ele, um demônio inocente .

A maioria das obras do centro local, como comprovam as marcas d'água do papel e todas as informações coletadas pelos pesquisadores, são do final do século XIX - início do século XX. As cópias anteriores não sobreviveram ou, muito provavelmente, não existiram. É bem possível que o centro de paredes pintadas de Vologda tenha se formado apenas no final do século XIX, em conexão com o desenvolvimento da escola manuscrita local aqui. Um notável renascimento da arte da pintura em madeira, que se expressou na criação de composições que retratam animais fantásticos no interior de cabanas camponesas, também contribuiu para o florescimento da arte das gravuras populares pintadas aqui.

O centro Uslitsky, como outros, está intimamente ligado à tradição do livro local. Até recentemente, os pesquisadores não tinham uma opinião definitiva sobre as peculiaridades do estilo dos manuscritos de Guslitsky. Atualmente, surgiram alguns artigos nos quais os autores identificam seus traços característicos. Notamos aqueles que também são característicos da maneira de decorar as folhas de parede. A caligrafia dos melhores manuscritos de Guslitsky é caracterizada pela proporcionalidade, beleza e algum alongamento das letras. Difere do semi-ustav da Pomerânia por uma inclinação ligeiramente perceptível das letras e sua maior espessura.

Centro Guslitsky

Ilustrações ao Ensinamento de João Crisóstomo sobre o Sinal da Cruz

Meados do século 19

Ilustrações para o ensinamento de João Crisóstomo sobre o sinal da cruz. Meados do século 19. Artista desconhecido

Tinta, têmpera, ouro. 58x48,7

As iniciais foram executadas de forma elegante e colorida, mas também diferente da Pomerânia. Eles não têm longos ramos ornamentais - brotos, às vezes rastejando ao longo de todo o campo de papel, mas apenas um caule exuberante - uma flor de loach, localizada ao lado e alinhada com a própria inicial. A parte interna das letras, sempre volumosas e largas, era decorada com cachos dourados ou coloridos do ornamento. Muitas vezes, as pernas de grandes iniciais são decoradas com listras ornamentais multicoloridas alternadas.

A característica distintiva mais característica do ornamento Guslitsky é o sombreamento colorido, amplamente utilizado pelos artistas para modelar volumes ou ao colorir elementos de joias. A eclosão foi feita na mesma cor do tom principal da coloração. Ele foi sobreposto ou no fundo branco do papel, como se enquadrasse a coloração principal, ou em cima do tom principal com uma cor mais escura. Nos capacetes e iniciais dos monumentos da escola Guslitsky, as cores azul e azul brilhantes eram frequentemente usadas. Tais cores azuis radiantes combinadas com abundante douramento não são encontradas em nenhuma das escolas manuscritas dos séculos XVIII-XIX.

O Museu Histórico tem 13 fotos do estilo Guslitsky. A comparação desses desenhos com quadros da Pomerânia (por analogia com a comparação universalmente aceita da ornamentação dos manuscritos da Pomerânia e de Guslitsky) nos permite sentir mais profundamente sua originalidade. Muitas vezes, em ambos, as partes textuais e pictóricas são combinadas em igual proporção – poemas, cânticos, ilustrações para obras literárias. Uma comparação entre eles mostra que os mestres Guslitsky conheciam bem os quadros da Pomerânia. Mas a solução artística dos quadros de Guslitsky é completamente independente. Trata-se do layout do texto, da combinação dos tamanhos das fontes com o tamanho das iniciais maiúsculas, da originalidade das molduras decorativas das folhas como um todo. Aqui, como se fosse o contrário, há o desejo de não repetir em nada as gravuras populares de Vygov. Não há um único caso de uso de uma moldura oval feita de flores ou frutas, não há vasos de flores, cestos, tão típicos para emoldurar textos em folhas pomeranas. Os títulos das folhas não são escritos em ligadura, mas em grande semicarta com cinábrio brilhante. As iniciais destacam-se numa escala particularmente grande, por vezes ocupando quase um terço da folha. Considera-se que a decoração das iniciais foi a principal preocupação dos artistas - elas são tão variadas e lindamente coloridas, decoradas com flores e folhas intrincadamente encaracoladas, brilhando com um padrão dourado. Eles atraem principalmente a atenção do espectador e são os principais elementos decorativos da maioria das composições.

O resultado da habilidade individual dos decoradores de quadros pode ser julgado por dois desenhos sobre o tema do ensino de João Crisóstomo sobre o sinal correto da cruz (cat. 75, 76). Parece que o enredo é o mesmo, as marcações são semelhantes, mas as folhas são completamente diferentes devido à compreensão diferente de cor e ornamentação.

Nas imagens de Guslitsky, os episódios da trama estão localizados em selos separados colocados nos cantos ou em listras horizontais nas partes superior e inferior da folha. O enquadramento da composição central com carimbos faz-nos recordar as tradições da pintura de ícones, cuja ligação nas obras de Guslitsky é bastante tangível na modelação das roupas das personagens, na representação de estruturas arquitetónicas, no desenho de árvores com uma coroa condicional em forma de cogumelo disposta em várias camadas.

Os mestres Guslitsky de quadros de parede, como todos os outros, trabalharam com têmpera líquida, mas suas cores são mais densas e mais saturadas.

Nas tramas, observa-se a mesma regularidade dos traços artísticos da obra dos mestres dessa escola: tomando emprestadas as técnicas e tendências gerais das obras de outros centros, buscaram criar suas próprias versões, diferentes das outras. Entre as paredes pintadas há cenas encontradas em outros locais onde foram produzidos quadros: “Farmácia Espiritual” (cat. 81) ou “Olhe com diligência, homem perecível...” (cat. 83), mas sua solução artística é peculiar . Há também imagens inteiramente originais: uma folha que ilustra a lenda apócrifa sobre o castigo de Caim pelo assassinato de seu irmão (cat. 78), ilustrações para a “Lápide Estichera”, que mostra episódios da vinda de José e Nicodemos a Pilatos e a remoção do corpo de Cristo da cruz (cat. 84).

O período de tempo para a criação de quadros de parede de Guslitsky não é muito amplo. A maioria deles pode ser atribuída à segunda metade - o final do século XIX. Uma marca d'água em uma folha dá a data de 1828, que é provavelmente o exemplo mais antigo.

Moscou é o único centro local com o qual a origem e distribuição do lubok desenhado à mão está conectada. Em relação às fotos feitas em Moscou, o conceito de escola não pode ser aplicado. O conjunto destas folhas é tão diverso em termos artísticos e estilísticos que é impossível falar de uma única escola. Entre os quadros de Moscou há amostras originais que não vimos em nenhum outro lugar, onde as folhas são combinadas em pequenas séries, como fez, por exemplo, o artista que ilustrou as lendas do livro bíblico Ester. Ele colocou os episódios principais da história bíblica em duas imagens, uma após a outra tanto no significado quanto no texto localizado na parte inferior (cat. 90, 91). O espectador desenrola uma história sobre a escolha de Ester como esposa do rei persa Artaxerxes, sobre sua lealdade e modéstia, sobre a traição do cortesão Hamã e o destemor de Mardoqueu, sobre o castigo de Hamã, etc. dão nas composições um entrelaçamento bizarro de antigas tradições russas e a arte dos tempos modernos.

Considerando o estilo, os métodos artísticos dos centros locais de desenho de quadros que conhecemos, pode-se notar que cada um deles, embora tivesse suas próprias características distintivas, se desenvolveu em um único canal geral de arte popular. Eles não existiam isolados, mas estavam constantemente atentos às conquistas que estavam disponíveis em escolas vizinhas e até distantes, aceitando ou rejeitando algumas delas, emprestando temas ou buscando enredos originais, suas próprias formas de expressão.

impressão popular pintada é uma página especial na história da arte popular. Ele nasceu em meados do século XVIII e usava a forma de lubok impresso, que naquela época tinha um tema amplamente desenvolvido e era produzido em grande número. A natureza secundária da gravura popular desenhada em relação às imagens gravadas é inquestionável. Os artistas usaram alguns assuntos instrutivos e espirituais e morais das imagens gravadas. Mas a imitação e o empréstimo estão relacionados principalmente ao lado do conteúdo.

Em termos de métodos artísticos e estilo, o lubok pintado mostrou originalidade desde o início e começou a se desenvolver de maneira independente. Com base na alta cultura da pintura russa antiga, e especialmente na tradição dos livros manuscritos, cuidadosamente preservados entre a população dos Velhos Crentes, os artistas derreteram a forma final das imagens impressas em uma qualidade diferente. Foi a síntese de antigas tradições russas e gravura popular popular que resultou no surgimento de obras de uma nova forma artística. O componente russo antigo no lubok pintado parece ser talvez o mais forte. Não parece um empréstimo estilizado ou mecânico. Hostis às inovações, os artistas Old Believer confiaram em imagens familiares acalentadas desde tempos imemoriais, construíram suas obras no princípio da expressão ilustrativa visual de idéias e conceitos abstratos. Aquecida pela inspiração popular, a antiga tradição russa, mesmo em época posterior, não se isolou em um mundo convencional. Em suas obras, ela encarnava o mundo brilhante da humanidade para o público, falava com eles na linguagem sublime da arte.

Da arte do ícone, o lubok pintado absorveu espiritualidade e cultura fina. Da miniatura do livro surgiu uma combinação orgânica de partes textuais e pictóricas, formas de escrever e decorar iniciais, meticulosidade no desenho e na coloração de figuras e objetos.

Ao mesmo tempo, as folhas desenhadas baseavam-se no mesmo sistema pictórico das gravuras populares. Partiu-se do entendimento do plano como um espaço bidimensional, destacando os personagens principais por meio de ampliação, colocação frontal de figuras, preenchimento decorativo do fundo, de forma padronizada e ornamental de construção do todo. O lubok desenhado à mão se encaixa perfeitamente em um sistema estético integral baseado nos princípios do primitivo artístico. Artistas lubok pintados, bem como mestres de outros tipos de arte popular, distinguem-se pela rejeição da plausibilidade naturalista, o desejo de expressar não a forma externa dos objetos, mas sua essência interna, a ingenuidade e a natureza idílica do modo de figuração pensamento.

A arte do lubok desenhado à mão ocupa um lugar especial no sistema da arte popular em sua posição intermediária entre a arte urbana e a arte camponesa. Desenvolvendo-se entre os artistas camponeses ou nos dormitórios dos Velhos Crentes, onde a esmagadora maioria da população também era de origem camponesa, o lubok pintado está mais próximo do artesanato urbano do assentamento. Sendo uma arte de cavalete, até certo ponto a arte da ilustração, e não a decoração de coisas necessárias à vida cotidiana, que era a grande maioria da arte camponesa, a gravura popular desenhada é mais dependente da arte urbana, profissional. Daí o seu desejo de "pintura", uma notável influência das técnicas barrocas e rocaille nas construções composicionais.

O ambiente camponês acrescentou outra camada à natureza artística do lubok pintado - tradição folclórica, imagens poéticas folclóricas que sempre viveram na consciência coletiva do povo. Um amor especial pelo motivo da árvore da vida, a árvore da sabedoria com conselhos e instruções úteis, por uma árvore florida e frutífera - um símbolo da beleza da natureza, vem dos artistas da gravura popular desenhada de um folclore antigo representação, constantemente incorporada em objetos de arte aplicada. Os motivos de grandes flores, botões com o poder de crescimento e floração contidos neles refletem a visão de mundo poética popular. Apreciação da beleza do mundo, uma visão de mundo alegre, otimismo, generalização do folclore - essas são as características que a gravura popular pintada da arte camponesa absorveu. Isso é sentido em toda a estrutura figurativa e colorida dos quadros de parede desenhados à mão.

A história do lubok desenhado à mão tem pouco mais de 100 anos. O desaparecimento da arte do desenho à mão no início do século XX é explicado por aquelas razões gerais que influenciaram a mudança em todas as gravuras populares.

A cromolitografia e a oleografia, que se espalharam em grande circulação de massa, concentradas nas mãos de editores como I. D. Sytin, T. M. Solovyov, I. A. Morozov e outros, mudaram completamente a aparência da gravura popular da cidade, transformando-a em belas fotos “para o pessoas". No final do século 19 - início do século 20, a gráfica do Velho Crente de Moscou de G.K. Gorbunov lançou uma atividade editorial ativa, onde impressões populares de conteúdo religioso foram impressas em grandes quantidades. O lubok desenhado provavelmente foi simplesmente suplantado por esse domínio de imagens baratas. Sem ligação direta com a vida cotidiana, com a produção de louças, rocas, brinquedos, o ofício camponês no campo das gravuras populares pintadas, quase totalmente desconhecido dos apreciadores e mecenas e, portanto, não apoiado, como foi o caso de alguns outros tipos de arte popular, desapareceu sem deixar vestígios.

As razões da obsolescência da arte das gravuras populares na prática do início do século XX são particulares e gerais. O desenvolvimento constante das formas de convivência humana, as mudanças na psicologia e no estilo de vida associadas ao processo de urbanização, o aumento das contradições no desenvolvimento sócio-social e muitos outros fatores na virada dos séculos XIX e XX levaram à transformação de todo o sistema da cultura popular e a inevitável perda de alguns tipos tradicionais de arte popular.

O conhecimento de gravuras populares pintadas pretende preencher a lacuna que existe no estudo da arte popular dos séculos XVIII-XIX. A questão das formas de desenvolvimento das artes e ofícios populares, tão atuais hoje, exige novas pesquisas aprofundadas, a busca de tradições verdadeiramente folclóricas e sua introdução na prática artística. O estudo de monumentos de arte popular pouco conhecidos pode ajudar na resolução destes problemas.