O surgimento e desenvolvimento do teatro medieval. A arte teatral na Idade Média

A história do teatro medieval é um recorte cultural de uma era inteira (Idade Média - a era do sistema feudal, séculos V-XVII), que pode ser usada para estudar a consciência de uma pessoa medieval. Nessa consciência, o bom senso do povo e as mais bizarras superstições, o zelo da fé e a zombaria dos dogmas da igreja, o amor espontâneo à vida, o desejo pelas coisas terrenas e o severo ascetismo implantado pela igreja eram contraditórios. Freqüentemente, princípios populares e realistas entraram em conflito com idéias religiosas idealistas, e o "terrestre" prevaleceu sobre o "celestial". E o próprio teatro medieval nasceu nas camadas profundas da cultura popular.

Mesmo no final do início da Idade Média, divertidos errantes - histrions - apareciam nas praças e ruas das cidades e em tavernas barulhentas. Na França, eles eram chamados de malabaristas, na Inglaterra - menestréis, na Rússia - bufões. O hábil histrião era um teatro de um ator. Ele era um mágico e um acrobata, um dançarino e um músico, ele podia fazer uma performance com um macaco ou um urso, fazer uma cena cômica, andar em uma roda ou contar uma história incrível. Nessas histórias e performances vivia o espírito alegre da feira, uma brincadeira livre.

Ainda mais insolente foi a arte dos Vagantes. A paródia e a sátira reinaram aqui. Vagantes, ou "clérigos errantes", são seminaristas semi-educados e padres desprezados. Sobre os motivos dos hinos da igreja, eles cantavam os louvores de "Baco, o bebedor", parodiavam orações e cultos da igreja. Histriões e vagabundos, perseguidos pela igreja, uniram-se em irmandades, atraindo as mais diversas pessoas. Tal, por exemplo, foi na França a "Irmandade de crianças despreocupadas" liderada pelo Príncipe dos Tolos. Os “caras” encenavam divertidas ações “estúpidas” (soti), nas quais tudo e todos eram ridicularizados, e a igreja aparecia disfarçada de Mãe Louca.

A igreja perseguiu os histriões e vagantes, mas foi impotente para destruir o amor do povo pelos espetáculos teatrais. Em um esforço para tornar o serviço da igreja - a liturgia - mais eficaz, o próprio clero começou a usar formas teatrais. Há um drama litúrgico baseado em cenas das Sagradas Escrituras. Era tocado no templo e, mais tarde, no alpendre ou no adro da igreja. Nos séculos XIII-XIV. surge um novo gênero de performance teatral medieval - milagre ("milagre"). As tramas dos milagres são emprestadas das lendas sobre os santos e a virgem Maria. Um dos mais famosos é "Milagre sobre Teófilo", do poeta francês do século XIII. Rutbef.

O auge do teatro medieval é a peça de mistério.

Este gênero floresceu no século 15. Quase toda a população da cidade participou dos mistérios: alguns - como atores (até 300 ou mais pessoas), outros - como espectadores. A apresentação foi programada para coincidir com a feira, para a ocasião solene, e abriu com uma procissão colorida de cidadãos de todas as idades e classes. Os enredos foram retirados da Bíblia e do Evangelho. As ações continuaram da manhã à noite por vários dias. Os pavilhões foram construídos em uma plataforma de madeira, cada um com seus próprios eventos. Em uma extremidade da plataforma havia um Paraíso ricamente decorado, na extremidade oposta - Inferno com a boca aberta de um dragão, instrumentos de tortura e um enorme caldeirão para pecadores. O cenário no centro era extremamente lacônico: a inscrição sobre o portão "Nazaré" ou um trono dourado era suficiente para designar uma cidade ou um palácio. Profetas, mendigos, demônios liderados por Lúcifer apareceram no palco... No prólogo, as esferas celestes foram retratadas, onde Deus Pai estava sentado cercado de anjos e figuras alegóricas - Sabedoria, Misericórdia, Justiça, etc. a terra e além - para o inferno, onde Satanás assou almas pecadoras. Os justos saíram de branco, os pecadores - de preto, os demônios - de meia-calça vermelha, pintados com terríveis "rostos".

Os momentos mais patéticos das performances foram associados à enlutada Mãe de Deus e ao sofrimento de Jesus. O mistério também tinha seus próprios personagens cômicos: bobos, mendigos, demônios, que tinham medo, mas muitas vezes eram enganados. O patético e o cômico coexistiam sem se misturar. Eventos desenvolvidos com a maior atenção e intervenção de forças superiores e inferiores. O céu, a terra e o submundo compunham um mundo enorme, e uma pessoa neste mundo era um grão de areia e um centro - afinal, forças muito mais poderosas do que ele lutavam por sua alma. Os mais populares foram os mistérios de Arnoul Greban, bem como uma das raras obras sobre um tema mundano - “O Mistério do Cerco de Orleans”, que recriou os eventos da Guerra dos Cem Anos (1337-1453) entre Inglaterra e A França e a façanha da donzela de Orleans - Joana d'Arc, que liderou a luta do povo francês contra os invasores ingleses e depois traída pelo rei francês, a quem devolveu o trono. Sendo uma performance pública, dirigida a uma audiência de massa , o mistério expressava tanto princípios folclóricos, terrenos, quanto um sistema de idéias religiosas e eclesiásticas.Essa inconsistência interna do gênero o levou a declinar e, posteriormente, serviu de razão para sua proibição pela Igreja.

Outro gênero popular foi a moralidade. Eles parecem ter brotado dos mistérios e se tornado peças independentes de caráter instrutivo. Foram jogadas parábolas sobre o "Prudente e o Desarrazoado", sobre o "Justo e o Foliador", onde o primeiro leva a Razão e a Fé como seus companheiros de vida, o segundo - a Desobediência e a Devassidão. Nessas parábolas, o sofrimento e a mansidão são recompensados no céu, enquanto a dureza de coração e a avareza levam ao inferno.

Eles jogaram moralidade no palco da farsa. Havia algo como uma sacada, onde apresentavam imagens vivas das esferas celestiais - anjos e o deus Sabaoth. Figuras alegóricas, divididas em dois campos, apareciam de lados opostos, formando grupos simétricos: Fé - com uma cruz nas mãos, Esperança - com âncora, Avareza - com bolsa de ouro, Delícia - com uma laranja e Bajulação com uma rabo de raposa com o qual ela acariciava Estupidez.

A moral é uma disputa de rostos, encenada no palco, um conflito expresso não pela ação, mas pela disputa entre personagens. Às vezes, em cenas que falavam de pecados e vícios, um elemento de farsa, sátira social aparecia, o fôlego da multidão e o “espírito livre da praça” (A. S. Pushkin) penetravam neles.

No teatro quadrado, seja um mistério, moralidade, soti ou atuação de histriões, refletiam-se o amor à vida de uma pessoa medieval, sua audácia alegre e sede de milagre, fé na vitória do bem e da justiça.

E não é por acaso que no século 20. O interesse pelo teatro medieval está crescendo. Dramaturgos e diretores são atraídos por seu apelo às massas, a clara distinção entre o bem e o mal inerente à consciência das pessoas, a cobertura "universal" dos eventos, a tendência a uma parábola, uma metáfora vívida de "cartaz". A poética desse espetáculo folclórico é utilizada por V. E. Meyerhold ao encenar a peça “Mystery-Buff” de V. V. Mayakovsky. Na Alemanha, a peça-parábola é aprovada por B. Brecht. Na virada dos anos 60-70, durante o movimento de protesto estudantil, L. Ronconi na Itália encenou L. Ariosto na praça do Furioso Roland, e na França A. Mnushkin encenou performances da Grande Revolução Francesa (“1789”, “1791”). A antiga tradição teatral, por assim dizer, ganha uma nova vida, conectando-se às buscas dos trabalhadores do teatro moderno.

- Como na fase inicial do feudalismo as nações ainda não estavam completamente formadas, a história do teatro da época não pode ser considerada separadamente em cada país. Vale a pena fazer isso, tendo em mente o confronto entre a vida religiosa e a secular. Por exemplo, jogos rituais, performances de histriões, as primeiras tentativas de dramaturgia secular e farsa na arena pertencem a um conjunto de gêneros teatrais medievais, enquanto drama litúrgico, milagres, mistérios e moral pertencem a outro. Esses gêneros muitas vezes se cruzam, mas há sempre um choque de duas principais tendências ideológicas e estilísticas no teatro. Eles sentem a luta da ideologia da nobreza, reunida com o clero, contra o campesinato, de cujo meio surgiram mais tarde os burgueses urbanos e os plebeus.

Existem dois períodos na história do teatro medieval: precoce (do século V ao século XI) e maduro (do século XII a meados do século XVI). Por mais que o clero tentasse destruir os vestígios do antigo teatro, eles não conseguiram. O antigo teatro sobreviveu adaptando-se ao novo modo de vida das tribos bárbaras. O nascimento do teatro medieval deve ser buscado nos rituais rurais de diferentes povos, na vida cotidiana dos camponeses. Apesar de muitos povos terem adotado o cristianismo, sua consciência ainda não se libertou da influência do paganismo.

Todos esses dançarinos e espertinhos rurais de ontem também tinham uma divisão de trabalho. Muitos deles se tornaram artistas profissionais, ou seja, histriões. Na França, eles eram chamados de "malabaristas", na Alemanha - "spielmans", na Polônia - "dandies", na Bulgária - "cookers", na Rússia - "buffoons".

- Drama litúrgico e semi-litúrgico

Outra forma de arte teatral da Idade Média era o drama da igreja. O clero procurou usar o teatro para fins de propaganda própria, por isso lutou contra o teatro antigo, festividades rurais com jogos folclóricos e histriões.

Nesse sentido, no século IX, surgiu uma missa teatral, foi desenvolvido um método de leitura nos rostos da lenda do sepultamento de Jesus Cristo e sua ressurreição. De tais leituras nasceu o drama litúrgico do período inicial. Com o tempo, tornou-se mais complexo, os figurinos tornaram-se mais diversificados, os movimentos e gestos tornaram-se mais ensaiados. Os dramas litúrgicos eram encenados pelos próprios padres, de modo que o discurso latino, a melodiosidade da recitação da igreja ainda tinha pouco efeito sobre os paroquianos. O clero decidiu dar vida ao drama litúrgico e separá-lo da missa. Esta inovação produziu resultados muito inesperados. Foram introduzidos elementos nos dramas litúrgicos de Natal e Páscoa que mudaram a direção religiosa do gênero.

O drama adquiriu um desenvolvimento dinâmico, muito simplificado e atualizado. Por exemplo, Jesus às vezes falava no dialeto local, os pastores também falavam na linguagem cotidiana. Além disso, os trajes dos pastores mudaram, barbas longas e chapéus de abas largas apareceram. Junto com a fala e os figurinos, o desenho do drama também mudou, os gestos tornaram-se naturais.

Os diretores de dramas litúrgicos já tinham experiência de palco, então começaram a mostrar aos paroquianos a Ascensão de Cristo ao Céu e outros milagres do Evangelho. Ao dar vida ao drama e usar efeitos encenados, o clero não atraiu, mas distraiu o rebanho do serviço na igreja. O desenvolvimento posterior deste gênero ameaçou destruí-lo. Este foi o outro lado da inovação.

A igreja não queria abandonar as apresentações teatrais, mas procurava subjugar o teatro. A este respeito, os dramas litúrgicos começaram a ser encenados não no templo, mas no pórtico. Assim, em meados do século XII, surgiu drama semi-litúrgico . Depois disso, o teatro da igreja, apesar do poder do clero, caiu sob a influência da multidão. Ela começou a ditar seus gostos para ele, obrigando-o a fazer apresentações não nos dias de feriados da igreja, mas nos dias de feiras. Além disso, o teatro da igreja foi forçado a mudar para uma linguagem compreensível para o povo.

Para continuar dirigindo o teatro, os padres se encarregavam da seleção de histórias cotidianas para as produções. Portanto, os tópicos para o drama semi-litúrgico eram principalmente episódios bíblicos interpretados no nível cotidiano. Mais do que outras, as cenas com demônios, a chamada diablerie, eram populares entre as pessoas, o que contradizia o conteúdo geral de toda a performance. Por exemplo, no conhecido drama "Ação sobre Adão", os demônios, tendo conhecido Adão e Eva no inferno, encenaram uma dança alegre. Ao mesmo tempo, os demônios tinham alguns traços psicológicos, e o diabo parecia um livre pensador medieval.

Gradualmente, todas as lendas bíblicas foram submetidas ao processamento poético. Aos poucos, algumas inovações técnicas começaram a ser introduzidas nas produções, ou seja, o princípio da cenografia simultânea foi posto em prática. Isso significou que vários locais foram mostrados ao mesmo tempo e, além disso, o número de truques aumentou. Mas, apesar de todas essas inovações, o drama semi-litúrgico permaneceu intimamente ligado à Igreja. Foi encenado no pórtico da igreja, a igreja destinou fundos para a produção, o clero compôs o repertório. Mas os participantes da performance, junto com os padres, também eram atores mundanos. Nesta forma, o drama da igreja existiu por muito tempo.

dramaturgia secular

A primeira menção a esse gênero teatral diz respeito ao trouveur, ou trovador, Adam de La Al (1238-1287), nascido na cidade francesa de Arras. Este homem gostava de poesia, música e tudo relacionado com o teatro. Posteriormente, La Halle mudou-se para Paris e depois para a Itália, para a corte de Carlos de Anjou. Lá ele se tornou muito famoso. As pessoas o conheciam como dramaturgo, músico e poeta.

Em 1285, de La Halle escreveu e encenou uma peça na Itália chamada The Play of Robin and Marion. Nesta obra do dramaturgo francês, é bem visível a influência das letras provençais e italianas. La Halle também introduziu um elemento de crítica social nesta peça.

Na obra do trovador francês, um início poético-folclórico foi muito organicamente combinado com um início satírico. Estes foram os primórdios do futuro teatro do Renascimento. E, no entanto, a obra de Adam de La Alya não encontrou sucessores. A alegria, o pensamento livre e o humor popular presentes em suas peças foram suprimidos pelo rigor da igreja e pela prosa da vida da cidade.

Na realidade, a vida era mostrada apenas em farsas, onde tudo era apresentado sob uma luz satírica. Os personagens das farsas eram feirantes, médicos charlatães, guias cínicos de cegos, etc. A farsa atingiu seu auge no século XV, no século XIII qualquer corrente cômica foi extinta pelo Teatro Milagre, que encenou peças principalmente sobre assuntos religiosos .

Milagre

A palavra "milagre" em latim significa "milagre". E, de fato, todos os eventos que ocorrem em tais produções terminam felizes graças à intervenção de poderes superiores. Com o passar do tempo, embora o pano de fundo religioso fosse preservado nessas peças, as tramas começaram a aparecer cada vez com mais frequência, mostrando a arbitrariedade dos senhores feudais e as paixões baixas que possuíam pessoas nobres e poderosas.

Mistério

Nos séculos XV-XVI, chegou a época do rápido desenvolvimento das cidades. As contradições sociais se intensificaram na sociedade. Os citadinos quase se livraram da dependência feudal, mas ainda não caíram sob o poder de uma monarquia absoluta. Desta vez foi o auge do teatro de mistério. O mistério tornou-se um reflexo da prosperidade da cidade medieval, do desenvolvimento de sua cultura. Este gênero surgiu de antigos mistérios mímicos, ou seja, procissões da cidade em homenagem a feriados religiosos ou a entrada solene de reis. A partir de tais feriados, gradualmente se formou o mistério da praça, que tomou como base a experiência do teatro medieval, tanto na literatura quanto no palco.

A encenação dos mistérios foi realizada não por clérigos, mas por oficinas da cidade e municípios. Os autores dos mistérios eram dramaturgos de um novo tipo: teólogos, médicos, advogados, etc. O mistério tornou-se uma arte amadora na arena, apesar de as produções serem dirigidas pela burguesia e pelo clero. Centenas de pessoas costumavam participar das apresentações. Nesse sentido, elementos folclóricos (mundanos) foram introduzidos em assuntos religiosos. O Mistério existiu na Europa, especialmente na França, por quase 200 anos. Este fato ilustra vividamente a luta entre os princípios religiosos e seculares.

O mistério mais famoso do período inicial é o "Mistério do Antigo Testamento", composto por 50.000 versículos e 242 caracteres. Teve 28 episódios separados, e os personagens principais eram Deus, anjos, Lúcifer, Adão e Eva.

Moralidade

No século 16, um movimento de reforma surgiu na Europa, ou a Reforma. Tinha um caráter antifeudal e afirmava o princípio da chamada comunhão pessoal com Deus, ou seja, o princípio da virtude pessoal. Os burgueses fizeram da moral uma arma tanto contra os senhores feudais como contra o povo. O desejo dos burgueses de dar mais santidade à sua visão de mundo e deu impulso à criação de outro gênero de teatro medieval - moralidade.

Não há enredos de igreja em peças de moralidade, já que a moralização é o único objetivo de tais produções. Os personagens principais do teatro da moralidade - heróis alegóricos, cada um dos quais personifica os vícios e virtudes humanos, as forças da natureza e os dogmas da igreja. Os personagens não têm um caráter individual, em suas mãos até coisas reais se transformam em símbolos. Por exemplo, Hope subiu ao palco com uma âncora nas mãos, Egoísmo constantemente se olhava no espelho, etc. Os conflitos entre os personagens surgiram devido à luta entre dois princípios: o bem e o mal, o espírito e o corpo. Os confrontos dos personagens foram exibidos na forma de uma oposição de duas figuras, que representavam os princípios do bem e do mal que influenciam uma pessoa.

Via de regra, a ideia principal da moralidade era esta: pessoas razoáveis seguem o caminho da virtude, e os irracionais se tornam vítimas do vício.

Em 1436, foi criada a moral francesa O Prudente e o Desarrazoado. A peça mostrou que o Prudente confia na Razão, e o Louco adere à Desobediência. No caminho para a bem-aventurança eterna, o Prudente encontrou a Esmola, o Jejum, a Oração, a Castidade, a Abstinência, a Obediência, a Diligência e a Paciência. Mas o Tolo no mesmo caminho é acompanhado por Pobreza, Desespero, Roubo e Bad End. Heróis alegóricos terminam suas vidas de maneiras completamente diferentes: um no céu e outro no inferno.

Os atores que participam dessa performance atuam como oradores, explicando sua atitude em relação a determinados fenômenos. O estilo de agir na moral era contido. Isso facilitou muito a tarefa do ator, pois não foi necessário transformar em imagem. O personagem era compreensível para o espectador por certos detalhes do traje teatral. Outra característica da moralidade era o discurso poético, que recebia muita atenção.

Os dramaturgos que trabalhavam neste gênero eram primeiros humanistas, alguns professores de escolas medievais.

À medida que o gênero da moralidade se desenvolveu, gradualmente se libertou da estrita moral ascética. O impacto de novas forças sociais deu impulso à exibição de cenas realistas na moralidade. As contradições presentes nesse gênero indicavam que as produções teatrais estavam se aproximando cada vez mais da vida real. Algumas peças até continham elementos de crítica social.

Em 1442, a peça "Trade, Craft, Shepherd" foi escrita.

As peças que estavam longe da política, opostas aos vícios, eram dirigidas contra a moralidade da temperança. Em 1507, foi criada a moral “A Condenação das Festas”, na qual foram introduzidas as personagens-senhoras Delicadeza, Gula, Trajes e personagens-cavaleiros Pew-for-your-health e Pew-mutually. Esses heróis no final da peça morrem na luta contra Apoplexia, Paralisia e outras doenças.

Apesar do fato de que nesta peça as paixões e festas humanas foram mostradas sob uma luz crítica, sua representação como um alegre espetáculo de máscaras destruiu a própria ideia de condenar qualquer tipo de excesso. A moralidade se transformou em uma cena alegre e pitoresca com uma atitude de afirmação da vida.

O gênero alegórico, ao qual a moralidade deveria ser atribuída, introduziu clareza estrutural na dramaturgia medieval, o teatro deveria mostrar principalmente imagens típicas.

Farsa

Desde a sua criação até a segunda metade do século XV, a farsa era vulgar, plebeia. E só então, tendo passado por um longo e oculto caminho de desenvolvimento, ele se destacou como um gênero independente.

O nome "farsa" vem da palavra latina farsa, que significa "recheio". Esse nome surgiu porque durante o show dos mistérios, farsas foram inseridas em seus textos. Segundo os críticos de teatro, as origens da farsa são muito mais distantes. Originou-se das apresentações de histriões e jogos carnavalescos. Histriões lhe deram a direção do tema e carnavais - a essência do jogo e do caráter de massa. Na peça de mistério, a farsa foi desenvolvida e se destacou como um gênero separado.

Desde o início de sua origem, a farsa visava criticar e ridicularizar os senhores feudais, os burgueses e a nobreza em geral. Tal crítica social foi fundamental para o nascimento da farsa como gênero teatral. Em um tipo especial, pode-se destacar performances farsas em que foram criadas paródias da igreja e seus dogmas.

As autoridades seculares e eclesiásticas reagiram a esses ataques perseguindo os participantes das farsas: foram expulsos das cidades, presos etc. cenas satíricas (sotie - "absurdo"). Nesse gênero, não havia mais personagens do cotidiano, mas bufões, tolos (por exemplo, um soldado tolo vaidoso, um enganador de tolos, um funcionário que aceita suborno). A experiência das alegorias da moralidade encontrou sua encarnação em centenas. O gênero favo de mel atingiu seu maior florescimento na virada dos séculos XV-XVI. Tudo isso deu a Francisco I uma razão para proibir apresentações de farsa e soti.

Como as performances dos cem eram condicionalmente de natureza mascarada, esse gênero não tinha essa nacionalidade de sangue puro, caráter de massa, pensamento livre e personagens específicos do cotidiano. Portanto, no século XVI, mais farsa eficaz e bufônica tornou-se o gênero dominante. Seu realismo se manifestava no fato de conter caracteres humanos, que, no entanto, eram dados de forma um pouco mais esquemática.

Praticamente todos os enredos de farsa são baseados em histórias puramente cotidianas, ou seja, a farsa é completamente real em todo o seu conteúdo e arte. Os esquetes ridicularizam soldados saqueadores, monges que vendem indultos, nobres arrogantes e mercadores gananciosos. A farsa aparentemente descomplicada "Sobre o Miller", que tem um conteúdo engraçado, na verdade contém um sorriso folclórico do mal. A peça fala sobre um moleiro estúpido que é enganado pela esposa de um jovem moleiro e um padre. Na farsa, os traços de caráter são notados com precisão, mostrando ao público material satírico-verdadeiro da vida.

Mas os autores das farsas ridicularizam não apenas padres, nobres e funcionários. Os camponeses também não ficam de lado. O verdadeiro herói da farsa é o citadino desonesto que, com a ajuda de destreza, sagacidade e engenhosidade, derrota juízes, mercadores e todos os tipos de simplórios. Várias farsas foram escritas sobre esse herói em meados do século XV. (sobre o advogado Patlen) .

As peças contam sobre todos os tipos de aventuras do herói e mostram toda uma série de personagens muito coloridos: um juiz pedante, um comerciante estúpido, um monge egoísta, um peleiro mesquinho, um pastor de mente fechada que realmente envolve o próprio Patlen O dedo dele. Farsas sobre Patlen contam de forma colorida sobre a vida e os costumes da cidade medieval. Às vezes eles atingem o mais alto grau de comédia para aquela época.

O personagem desta série de farsas (assim como dezenas de outros em várias farsas) era um verdadeiro herói, e todas as suas travessuras deveriam despertar a simpatia do público. Afinal, seus truques colocaram os poderosos deste mundo em uma posição estúpida e mostraram a vantagem da mente, energia e destreza das pessoas comuns. Mas a tarefa direta do teatro farsesco ainda não era essa, mas a negação, o pano de fundo satírico de muitos aspectos da sociedade feudal. O lado positivo da farsa desenvolveu-se primitivamente e degenerou-se na afirmação de um ideal estreito e pequeno-burguês.

Isso mostra a imaturidade do povo, que foi influenciado pela ideologia burguesa. Mas ainda assim, a farsa era considerada um teatro popular, progressista e democrático. O principal princípio da arte de atuação para farsantes (atores de farsa) era a caracterização, às vezes levada a uma caricatura de paródia, e o dinamismo, expressando a alegria dos próprios atores.

Farsas foram encenadas por sociedades amadoras. As associações de quadrinhos mais famosas da França foram o círculo de funcionários judiciais "Bazosh" e a sociedade "Carefree guys", que experimentou seu auge no final do século XV - início do século XVI. Essas sociedades forneciam quadros de atores semiprofissionais para teatros. Para nosso grande pesar, não podemos citar um único nome, porque eles não foram preservados em documentos históricos. Um único nome é bem conhecido - o primeiro e mais famoso ator do teatro medieval, o francês Jean de l'Espina, apelidado de Pontale. Ele recebeu esse apelido com o nome da ponte parisiense, na qual organizou seu palco. Mais tarde, Pontale ingressou na corporação Carefree Guys e se tornou seu principal organizador, além de ser o melhor intérprete de farsas e moralidade.

Os poemas satíricos de Pontale eram muito populares, nos quais era bem visível o ódio aos nobres e aos padres.

Tanta gente conhecia o talento cômico de Pontale e sua fama era tão grande que o famoso F. Rabelais, autor de Gargântua e Pantagruel, o considerava o maior mestre do riso. O sucesso pessoal deste ator indicava que se aproximava um novo período profissional no desenvolvimento do teatro.

O governo monárquico estava cada vez mais insatisfeito com o livre pensamento da cidade. Nesse sentido, o destino das corporações amadoras de quadrinhos gays foi o mais deplorável. No final do século XVI - início do século XVII, as maiores corporações mais distantes deixaram de existir.

A farsa, embora sempre perseguida, teve uma grande influência no desenvolvimento do teatro da Europa Ocidental. Por exemplo, na Itália, a commedia dell'arte se desenvolveu a partir da farsa; na Espanha - a obra do "pai do teatro espanhol" Lope de Rueda; na Inglaterra, John Heywood escreveu suas obras no estilo de uma farsa; na Alemanha, Hans Sachs; na França, as tradições farsas alimentaram a obra do gênio da comédia Molière. Assim, foi a farsa que se tornou o elo entre o velho e o novo teatro.

farsa medieval

Ao contrário dos mistérios e moralidades, criados pelo esforço dos indivíduos, a farsa se formou de forma totalmente espontânea, como que por si só, apenas devido à inclinação natural do gosto do povo pela representação da vida.

A própria palavra "farsa" significa uma palavra latina distorcida "farta" (enchimento), transformada em fala vulgar em farsa. A farsa recebeu esse nome porque foi incluída, como carne moída, na massa insípida das performances misteriosas.

Mas seria errado acreditar que a farsa se originou no mistério. As origens da farsa remontam a períodos mais distantes do teatro medieval - nas apresentações de histriões e nos jogos de entrudo. Na peça de mistério, porém, essas tendências realistas apenas adquirem um caráter mais estável e definido.

Camadas de histórias engraçadas eram frequentemente contadas pelos histriões juntos, e assim pequenas cenas dramáticas surgiam sozinhas. Nas versões em inglês e francês, é conhecida a história "Sobre um cachorro que chora".

As histórias dos histriões incluíam uma grande variedade de fatos da vida urbana, fofocas e anedotas, que facilmente se tornaram o núcleo da trama das cenas cômicas.

Assim, pode-se estabelecer que a fonte da farsa, que determinou em termos gerais seu material temático e princípio estrutural, foram as histórias dialogadas dos histriões. Os jogos carnavalescos da cidade são outra fonte de farsa, que determinou seu caráter ativo, lúdico e nacional.

Ações rituais rurais nos séculos XIV-XV começaram a se espalhar fortemente nas cidades. Os moradores da cidade ainda se lembram de seu passado rural e se divertem de bom grado com os mesmos jogos que seus ancestrais camponeses. As procissões de carnaval são geralmente realizadas na semana do Entrudo. As principais festividades do Entrudo foram a cena da batalha entre Maslenitsa e Quaresma. Uma pintura do artista flamengo Brueghel, retratando um dos momentos desta batalha, foi preservada. dividido em dois partidos.

Os jogos da Maslenitsa em Nuremberg foram especialmente animados. Uma série inteira de uma grande variedade de cenas foi adicionada ao episódio principal da batalha. Havia também jogos de casamento trazidos da vida rural, e casos satiricamente retratados da vida urbana e peças anticlericais. Todas essas cenas diversas foram chamadas de "fastnachtspiel", que significa literalmente - jogo de entrudo. Às vezes, o fastnachtspiel atingiu proporções consideráveis com um grande número de atores e muitos episódios diferentes (por exemplo, o jogo de Neutgart, que contém 2.100 versos). Em seu desenvolvimento posterior, o fastnachtspiel se transforma de um jogo de carnaval em um certo gênero literário, cujos criadores são os escritores artesãos alemães Rosenplüt, Foltz e, especialmente, Hans Sachs, o chefe dos meistersingers de Nuremberg.

Mas as apresentações de máscaras prepararam em si mesmas não apenas as sementes de um novo gênero dramático, mas também deram origem ao princípio do jogo cômico paródico, tão característico dos espetáculos do início da Idade Média.

Foram organizadas "corporações estúpidas" especiais que, com sua estrutura interna, copiavam exatamente a hierarquia da igreja. À frente da corporação eram escolhidos pai ou mãe tola, que tinham seus próprios bispos, tesoureiros e mestres de cerimônias. Os sermões, os chamados sermon joyeux, eram lidos nas reuniões de "tolos", nas quais a forma tradicional da liturgia era repleta de rimas lúdicas e obscenas. A mais antiga sociedade de tolos foi organizada em Kleve em 1381 e tinha o nome de "Narrenorden" (ordem dos tolos). No século 15, as sociedades de palhaços se espalharam por toda a Europa. O slogan das corporações estúpidas era o aforismo latino "Stultorum numerus est infinitus" ("o número de tolos é infinito").

Piadas tolas tinham sua própria profundidade: todos são estúpidos - cortesãos, padres, amantes e poetas. O mundo inteiro é governado por tolos, então vale a pena entrar na sociedade dos tolos e elogiar a estupidez

As organizações de bobos, além de cenas de paródia, reproduziam episódios cotidianos, a partir dos quais uma nova comédia foi criada. gênero - favo de mel - e farsa. Soti (sotie - estupidez) eram cenas favoritas de corporações estúpidas. Centenas se distinguiram pelo fato de serem predominantemente "tolos". O gênero de favos de mel é caracterizado por uma pronunciada tendenciosidade política. Em outros casos, a centena era uma ferramenta nas mãos do governo, em outros - um meio de crítica contundente à ordem social. sob Francisco I, os centésimos já estão desaparecendo, a farsa se torna o gênero indivisivelmente dominante.

As farsas medievais são em sua maioria anônimas, seus autores são desconhecidos, pois muitas vezes as farsas eram compiladas coletivamente e eram fruto do trabalho não de uma pessoa, mas de toda uma associação de comediantes.

Tendo amadurecido dentro do mistério, a farsa no século XV adquire sua independência e, no século seguinte, torna-se o gênero dominante, dando uma forma literária clara às tendências do teatro folclórico para retratar com realismo a vida moderna. O novo gênero inclui todas as principais características das ideias populares - caráter de massa, concretude cotidiana, pensamento livre satírico, eficácia e bufonaria.

O principal sinal literário de uma farsa é o imediatismo na representação da realidade. Incidentes cotidianos são transferidos diretamente para o palco e se tornam o tema da farsa, e os conflitos da farsa quase sempre se resumem a uma anedota baseada na história. Assim nasceu o princípio dos exageros bufões, que afetou tanto a dramaturgia da farsa quanto sua interpretação cênica.

A farsa foi criada para performance e, em essência, era uma fixação literária da peça de teatro. Apesar de seu aparente descuido, a farsa era uma arma ideológica muito afiada nas mãos da pequena burguesia artesanal. Essa beligerância da farsa mostrou-se mais nitidamente nas cenas políticas. Na farsa "New People" os soldados da cidade foram chamados de "uma multidão de canalhas, preguiças e ladrões", na farsa "Três Cavaleiros e Filipe" um guerreiro covarde e jactancioso atuou. Vendo adversários ao seu redor, gritou por sua vez: “Viva a França! Viva a Inglaterra! Viva a Borgonha! E, finalmente perdido, ele gritou: “Viva o mais forte de vocês!”

Ainda assim, ridicularizar as autoridades feudais era arriscado. Era muito mais divertido e seguro retratar satiricamente o clero odiado, que na época da Reforma havia perdido sua antiga força e autoridade política. Nas farsas inglesas, francesas, italianas e alemãs, perdoadores, monges que oferecem relíquias sagradas como um pedaço da parede do céu ou um prego na cruz de Jesus, são constantemente ridicularizados.

Na farsa “Como as esposas queriam derramar seus maridos”, duas moças, insatisfeitas com seus maridos idosos, imploraram ao fundidor que expulsasse os jovens deles. O lançador atendeu ao seu pedido, agora as mulheres têm maridos jovens, mas para onde foi a antiga paz - os bravos só fazem o que arrastam tudo para fora de casa, ficam bêbados e batem nas esposas.

A obra mais significativa do teatro farsesco é o famoso "Patlen Advocate", criado no círculo de funcionários Blasosh em meados do século XV. Em uma comédia de pequeno porte, a vida e os costumes de uma cidade medieval são retratados vividamente. Aqui está um advogado arruinado envolvido em fraude, e um comerciante rústico, mas malvado, e um juiz pedante e irritável, e um pastor desonesto. Em cada imagem da farsa, os traços típicos são claramente sentidos e, ao mesmo tempo, cada figura tem seu próprio caráter, vividamente individualizado.

Mas a própria massa democrática do povo urbano ainda estava na esfera das ideias pequeno-burguesas sobre a vida e, portanto, percebia a farsa de forma totalmente incondicional. Performances farsas eram um espetáculo favorito. O contato entre os atores e o público foi completo. Houve momentos em que a ação começou entre a multidão do mercado.

O texto da farsa foi escrito, mas os atores, que muitas vezes foram os autores dessas farsas, livremente se permitiram improvisar tanto em palavras quanto em ações. Portanto, a mesma farsa ocorreu em muitas versões. Vários dialetos folclóricos penetraram espontaneamente nas farsas, especialmente uma mistura de línguas foi observada na França e na Itália. Em muitas farsas, os mesmos tipos se repetiam: um marido simplório, uma esposa briguenta, um soldado arrogante, um servo astuto, um monge voluptuoso, um camponês estúpido. De acordo com esses papéis, deve-se pensar, também foram criados papéis de atuação. Os principais executores das farsas foram as referidas associações. Mas o destino dessas uniões alegres tornou-se mais deplorável a cada ano. O processo de centralização monárquica que ocorreu em muitos países europeus, como já mencionado, provocou a perseguição de qualquer forma de livre pensamento. No final do século XVI e início do século XVII, os sindicatos de quadrinhos gays foram proibidos e deixaram de existir em toda a Europa. Mas, morrendo, os criadores do teatro farsesco deixaram para trás quadros de atores profissionais. Junto com a Idade Média, performances amadoras deixaram o teatro por um longo tempo.

No desenvolvimento do teatro medieval da Europa Ocidental, abrangendo dez séculos, distinguem-se dois períodos: precoce (séculos V-XI) e maduro (séculos XII-XIV). Durante este período da história cultural, todas as realizações anteriores do teatro foram riscadas. Os teatros seculares deixaram de existir. O teatro era considerado uma heresia e perseguido pelos padres da igreja. A cultura da Idade Média se formou em novas condições, porque o teatro, como outros tipos de arte, teve que recomeçar.

O teatro medieval nasceu em jogos rituais. Apesar da adoção do cristianismo, as crenças pagãs ainda estavam vivas. Os temas e enredos eram radicalmente diferentes dos antigos. A mudança das estações, fenômenos naturais, colheita, etc. foram mais frequentemente retratados. Os espectadores também puderam participar da performance, toda essa ação terminou com uma grandiosa procissão. Mais tarde, os enredos foram dedicados a feriados religiosos e heróis. O renascimento da vida teatral veio no século 10, com o desenvolvimento de uma cultura cavalheiresca, que formou novos gêneros literários e dramáticos.

Os locais para as apresentações eram ruas e praças. Via de regra, as apresentações eram programadas para coincidir com feriados ou celebrações, e o significado ritual gradualmente desaparecia delas. Mas o principal é que eles ganharam uma nova escala: às vezes essas apresentações brilhantes, alegres e divertidas duravam vários dias, dezenas e às vezes centenas de cidadãos participavam delas. Muitas vezes os espetáculos eram organizados em feiras.

Com o desenvolvimento do comércio, da agricultura de subsistência e do feudalismo, intensifica-se o desejo de busca de uma nova vida - os camponeses se mudam para as cidades, desenvolvem-se vários ofícios, surge um grande número de nômades que ganham a vida com diversão e entretenimento dos habitantes da cidade . Gradualmente histriões - artistas "folclóricos" errantes: acrobatas, malabaristas, treinadores, recitadores e contadores de histórias, músicos e cantores - são diferenciados por tipo. Os histriões foram perseguidos por sua orientação satírica inerente às suas performances, mas acumularam muitas habilidades de atuação, de modo que a aparência de atores farsescos, drama e dramaturgia secular está associada a histriões.

O teatro foi proibido por muito tempo. Apesar disso, cenas de improvisação foram encenadas, elementos tradicionais de performances rituais foram preservados. O destino dos atores durante a Idade Média foi difícil: eles foram perseguidos, amaldiçoados e proibidos de enterrá-los após a morte.

Os feriados religiosos começaram a ser acompanhados de dramatizações primitivas usando diálogos. Uma das formas de teatro no início da Idade Média era o drama da igreja. distribuir litúrgico e drama semi-litúrgico. Os primeiros dramas litúrgicos consistiam em dramatizações de episódios individuais do Evangelho. Trajes, texto, movimentos tornaram-se mais complicados e melhorados. As apresentações aconteciam sob as abóbadas do templo, mas com o tempo, o drama semi-litúrgico deixou o templo, mudou-se para o alpendre, então o número de cenas aumentou. Os leigos foram envolvidos na organização e participação na ação - eles receberam o papel de demônios ou personagens do cotidiano.

A popularidade dos dramas semi-litúrgicos cresceu rapidamente. Às vezes, a varanda não podia mais acomodar a todos. Assim, uma nova forma apareceu - mistério, que foi desenvolvido em todos os países europeus. Centenas de pessoas participaram dos mistérios, todas as apresentações foram realizadas em latim, que foi misturado com discurso coloquial. Os autores dos mistérios eram teólogos, advogados, médicos. Mais tarde, os mistérios são organizados pelos municípios, ou seja, tornaram-se mais seculares. Isso explica o fato de as tramas dos mistérios não mais se limitarem a temas religiosos, o folclore começa a desempenhar um papel significativo neles, os mistérios são enriquecidos com elementos da cultura do riso folclórico.

A dramaturgia antes do advento dos mistérios era dividida em três ciclos: Antigo Testamento (lendas bíblicas) Novo Testamento (falando sobre o nascimento e ressurreição de Cristo), apostólico (vida dos santos). O mistério expandiu significativamente o leque de temas das obras. As apresentações foram organizadas de várias maneiras. Às vezes tudo acontecia em um carrinho em movimento, em algum lugar eram lugares estacionários nas praças e ruas da cidade.

Outra forma de espetáculo medieval era milagre (do latim - "milagre"). As visões religiosas da sociedade foram incorporadas em uma nova forma. A ideia principal de todas essas representações teatrais era a resolução de quaisquer conflitos de forma milagrosa, através da intervenção de forças sobrenaturais. Mais tarde, o significado original começou a se confundir: cada vez mais, os milagres refletiam problemas sociais e críticas ao conhecimento religioso. As tramas eram baseadas em exemplos cotidianos da vida real, mas sempre havia a presença de "forças das trevas" - contatos sobrenaturais com o diabo, anjos, o diabo, caindo no inferno. Milagres foram realizados no pórtico da catedral. A manifestação de milagres foi organizada por pessoas especiais usando tecnologia. O mais famoso é o Milagre de Teófilo. O autor Rütbef usou uma lenda medieval.

O direito à vida no século XIII dramaturgia recebida e secular. Trovador Adam de La Al é considerado o primeiro dramaturgo medieval, mas os primeiros rudimentos do teatro renascentista já estão aparecendo em suas obras.

Surgiram os primeiros círculos seculares, em cujas reuniões foram escritas peças seculares, mas poucas delas foram escritas e não foram amplamente divulgadas devido à visão de mundo religiosa que se enraizou na sociedade.

Outra forma de desenvolvimento do teatro na Idade Média foi moralidade, o nome da direção reflete a essência das peças, nas quais a moralidade se tornou a principal força motriz e arma da luta contra os senhores feudais. A moralita tentou se livrar das tramas religiosas, o alegorismo tornou-se o principal elemento característico: os vícios foram personificados (e condenados) nos personagens. Todos os conflitos entre os personagens da peça surgiram a partir da luta entre dois princípios: o bem e o mal, o espírito e a matéria. Isso levou ao fato de que os personagens foram privados de personagens individuais, mas a moralidade como gênero ganhou grande popularidade. Os autores da moralidade eram representantes da ciência, que viam o propósito da moralidade na aproximação com a vida real, enquanto o tema da religião quase não soava, mas o tema era enriquecido com uma orientação política. Competições ou olimpíadas eram regularmente realizadas entre os autores da moralidade.

Finalmente, um dos espetáculos mais populares foi farsa (de lat. farsa - enchimento), que surgiu, segundo pesquisadores, dos jogos franceses (jeux) conhecido desde o século 12, finalmente formado no século 15. na Itália e se espalhou por toda a Europa. A farsa absorvia elementos de formas de espetáculo anteriores, mas se distinguia delas pelo conteúdo - geralmente eram cenas cotidianas com brigas e brigas que ridicularizavam a traição da família, as trapaças de servos e mercadores, juízes injustos etc. Um tipo especial de performance visava uma paródia das fundações da igreja e dos cultos da igreja. Os esquetes cômicos não eram seguros para a reputação da igreja, então tanto os atores quanto os organizadores foram perseguidos por seus ministros. No entanto, acabou sendo difícil erradicar a farsa - era tão solicitada pelo público que desfiles de performances ridículas eram realizados regularmente.

Assim, durante a Idade Média, o teatro existia em diferentes formas. Na fase inicial, tornou-se uma espécie de “bíblia para analfabetos”, recontando histórias bíblicas. As apresentações teatrais da Idade Média tornaram-se as precursoras do desenvolvimento do teatro do Renascimento.

TEATRO DA IDADE MÉDIA

O feudalismo da Europa Ocidental veio para substituir a escravidão do Império Romano. Surgiram novas classes, a servidão aos poucos tomou forma. Agora a luta ocorreu entre servos e senhores feudais. Portanto, o teatro da Idade Média ao longo de sua história reflete o embate entre o povo e o clero. A igreja era praticamente a ferramenta mais eficaz dos senhores feudais e suprimiu tudo o que era terreno, afirmativo da vida, e pregava o ascetismo e a renúncia aos prazeres mundanos, de uma vida ativa e plena. A igreja lutou contra o teatro porque não aceitava quaisquer aspirações humanas de gozo carnal e alegre da vida. Nesse sentido, a história do teatro daquele período mostra uma tensa luta entre esses dois princípios. O resultado do fortalecimento da oposição antifeudal foi a transição gradual do teatro do conteúdo religioso para o secular.

Como na fase inicial do feudalismo as nações ainda não estavam completamente formadas, a história do teatro da época não pode ser considerada separadamente em cada país. Vale a pena fazer isso, tendo em mente o confronto entre a vida religiosa e a secular. Por exemplo, jogos rituais, performances de histriões, as primeiras tentativas de dramaturgia secular e farsa na arena pertencem a um conjunto de gêneros teatrais medievais, enquanto drama litúrgico, milagres, mistérios e moral pertencem a outro. Esses gêneros muitas vezes se cruzam, mas há sempre um choque de duas principais tendências ideológicas e estilísticas no teatro. Eles sentem a luta da ideologia da nobreza, reunida com o clero, contra o campesinato, de cujo meio surgiram mais tarde os burgueses urbanos e os plebeus.

A igreja perseguia o povo por celebrar o fim do inverno, a chegada da primavera, a colheita. Nos jogos, canções e danças, refletia-se a fé das pessoas nos deuses, que para eles personificavam as forças da natureza. Essas festividades lançaram as bases para apresentações teatrais. Por exemplo, na Suíça, os caras retratavam o inverno e o verão, um de camisa e o outro de casaco de pele. Na Alemanha, a chegada da primavera era celebrada com uma procissão de carnaval. Na Inglaterra, o festival da primavera era um jogo lotado, canções, danças, esportes em homenagem a maio, bem como em homenagem ao herói popular Robin Hood. As festividades da primavera na Itália e na Bulgária foram espetaculares.

No entanto, esses jogos, que tinham conteúdo e forma primitivos, não poderiam dar origem ao teatro. Eles não continham aquelas idéias cívicas e formas poéticas que estavam nas festividades gregas antigas. Entre outras coisas, esses jogos continham elementos de um culto pagão, pelo qual eram constantemente perseguidos pela igreja. Mas se os padres conseguiram impedir o livre desenvolvimento do teatro folclórico, associado ao folclore, algumas festividades rurais tornaram-se fonte de novos espetáculos espetaculares. Essas foram as ações dos histriões.

O teatro folclórico russo foi formado nos tempos antigos, quando ainda não havia linguagem escrita. O Iluminismo em face da religião cristã expulsou gradualmente os deuses pagãos e tudo que se relacionava com eles do campo da cultura espiritual do povo russo. Numerosos rituais, feriados folclóricos e rituais pagãos formaram a base da arte dramática na Rússia.

As danças rituais vieram do passado primitivo, em que uma pessoa retratava animais, assim como cenas de uma pessoa caçando animais selvagens, enquanto imitava seus hábitos e repetia textos memorizados. Na era da agricultura desenvolvida, as festas e festividades folclóricas eram realizadas após a colheita, nas quais as pessoas especialmente vestidas para esse fim retratavam todas as ações que acompanham o processo de plantio e cultivo de pão ou linho. Um lugar especial na vida das pessoas era ocupado por feriados e rituais associados à vitória sobre o inimigo, à eleição de líderes, aos funerais dos mortos e às cerimônias de casamento.

A cerimônia de casamento já pode ser comparada com uma performance em sua cor e saturação com cenas dramáticas. O festival folclórico anual da renovação da primavera, no qual a divindade do mundo vegetal primeiro morre e depois milagrosamente ressuscita, está sempre presente no folclore russo, como em muitas outras nações europeias. O despertar da natureza do sono de inverno foi identificado na mente dos povos antigos com a ressurreição dos mortos de uma pessoa que retratou uma divindade e sua morte violenta e, após certas ações rituais, ressuscitou e celebrou seu retorno à vida. A pessoa que desempenhou esse papel estava vestida com roupas especiais e tintas multicoloridas foram aplicadas no rosto. Todas as ações rituais eram acompanhadas de altos cânticos, danças, risos e júbilo geral, pois acreditava-se que a alegria é aquele poder mágico que pode trazer de volta à vida e promover a fertilidade.

Os primeiros atores errantes na Rússia eram bufões. É verdade que também havia bufões sedentários, mas não eram muito diferentes das pessoas comuns e se vestiam apenas nos dias de feriados e festividades folclóricas. Na vida cotidiana, esses eram agricultores comuns, artesãos e pequenos comerciantes. Atores bufões errantes eram muito populares entre o povo e tinham seu próprio repertório especial, que incluía contos folclóricos, épicos, canções e vários jogos. Nas obras dos bufões, que se intensificaram nos dias de agitação popular e de acirramento da luta de libertação nacional, o sofrimento do povo e as esperanças de um futuro melhor, foi expressa a descrição das vitórias e mortes de heróis nacionais.

Histriões

No século 11 na Europa, a economia natural foi substituída pelo dinheiro-mercadoria, artesanato separado da agricultura. As cidades cresceram e se desenvolveram em um ritmo acelerado. Assim, a transição do início da Idade Média para o feudalismo desenvolvido ocorreu gradualmente.

Mais e mais camponeses se mudaram para as cidades, onde escaparam da opressão dos senhores feudais. Junto com eles, os artistas das aldeias também se mudaram para as cidades. Todos esses dançarinos e espertinhos rurais de ontem também tinham uma divisão de trabalho. Muitos deles se tornaram artistas profissionais, ou seja, histriões. Na França, eles eram chamados de "malabaristas", na Alemanha - "spielmans", na Polônia - "dandies", na Bulgária - "cookers", na Rússia - "buffoons".

No século XII, não havia centenas desses artistas, mas milhares. Eles finalmente romperam com o campo, tomando a vida de uma cidade medieval, feiras barulhentas, cenas nas ruas da cidade como base de seu trabalho. No início, eles cantavam, dançavam, contavam histórias, tocavam vários instrumentos musicais e faziam muitos outros truques. Mas mais tarde, a arte dos histriões estratificou-se em ramos criativos. Apareciam comediantes de Buffon, contadores de histórias, cantores, malabaristas e trovadores que compunham e interpretavam poesias, baladas e canções de dança.

A arte dos histriões foi perseguida e banida tanto pelas autoridades quanto pelo clero. Mas nem bispos nem reis resistiram à tentação de ver as atuações alegres e incendiárias dos histriões.

Posteriormente, os histriões começaram a se unir em sindicatos que deram origem a círculos de atores amadores. Com sua participação direta e sob sua influência, muitos teatros amadores surgiram nos séculos XIV-XV. Alguns dos histriões continuaram a atuar nos palácios dos senhores feudais e a participar dos mistérios, representando neles demônios. Os Histrions foram os primeiros a tentar representar tipos humanos no palco. Eles deram impulso ao surgimento de atores de farsa e drama secular, que brevemente reinou na França no século XIII.

Drama litúrgico e semi-litúrgico

A igreja não queria abandonar as apresentações teatrais, mas procurava subjugar o teatro. A este respeito, os dramas litúrgicos começaram a ser encenados não no templo, mas no pórtico. Assim, em meados do século XII, surgiu um drama semi-litúrgico. Depois disso, o teatro da igreja, apesar do poder do clero, caiu sob a influência da multidão. Ela começou a ditar seus gostos para ele, obrigando-o a fazer apresentações não nos dias de feriados da igreja, mas nos dias de feiras. Além disso, o teatro da igreja foi forçado a mudar para uma linguagem compreensível para o povo.

dramaturgia secular

A primeira peça - "The Game in the Gazebo" - La Al escreveu enquanto ainda morava em Arras. Em 1262, foi encenado por membros do círculo teatral de sua cidade natal. Três linhas podem ser distinguidas na trama da peça: lírico-cotidiano, satírico-bufão e folclore-fantástico.

A primeira parte da peça conta que um jovem chamado Adam vai estudar em Paris. Seu pai, mestre Henri, não quer deixá-lo ir, alegando que ele está doente. O enredo da peça é tecido na lembrança poética de Adam de sua mãe já falecida. Aos poucos, a sátira é adicionada à cena cotidiana, ou seja, aparece um médico que diagnostica Mestre Henri - avareza. Acontece que a maioria dos cidadãos ricos de Arras tem essa doença.

Depois disso, o enredo da peça torna-se simplesmente fabuloso. Um sino é ouvido, anunciando a aproximação das fadas que Adam convidou para um jantar de despedida. Mas acontece que as fadas, com sua aparência, lembram muito as fofocas urbanas. E, novamente, o conto de fadas é substituído pela realidade: as fadas são substituídas por bêbados que vão a uma bebedeira geral em uma taverna. Esta cena mostra um monge promovendo relíquias sagradas. Mas pouco tempo se passou, o monge ficou bêbado e deixou as coisas sagradas tão zelosamente guardadas por ele na taverna. O som do sino soou novamente, e todos foram adorar o ícone da Virgem Maria.

Essa diversidade de gêneros da peça sugere que a dramaturgia secular ainda estava no início de seu desenvolvimento. Esse gênero misto foi chamado de "pois piles", que significava "ervilhas trituradas", ou na tradução - "um pouco de tudo".

a idílica pastoral do pastor Robin apaixonado e sua amada, a pastora Marion, é substituída pela cena do rapto da menina. Foi roubado pelo malvado cavaleiro Ober. Mas a terrível cena dura apenas alguns minutos, porque o sequestrador sucumbiu às súplicas da mulher vazia e a soltou.

Danças, jogos folclóricos, cantos recomeçam, nos quais há um humor camponês salgado. A vida cotidiana das pessoas, sua visão sóbria do mundo ao seu redor, quando o encanto de um beijo de namorados é cantado junto com o sabor e o cheiro dos alimentos preparados para uma festa de casamento, bem como o dialeto folclórico que se ouve em estrofes poéticas - tudo isso dá um charme e encanto especial a esta peça. Além disso, o autor incluiu 28 canções folclóricas na peça, o que mostrava perfeitamente a proximidade da obra de La Al com os jogos folclóricos.

Milagre

Os seguintes milagres podem servir de exemplo. Em 1200, foi criada a peça "O Jogo de São Nicolau". De acordo com o enredo da obra, um dos cristãos é capturado pelos pagãos. Somente a Divina Providência o salva desse infortúnio, ou seja, São Nicolau intervém em seu destino. A situação histórica daquela época é mostrada no milagre apenas de passagem, sem detalhes.

Mas na peça "Milagre sobre Robert the Devil", criada em 1380, o autor deu uma imagem geral do século sangrento da Guerra dos Cem Anos de 1337-1453, e também pintou um retrato de um senhor feudal cruel. A peça começa com o duque da Normandia repreendendo seu filho Robert por devassidão e crueldade irracional. A isso, Robert, com um sorriso insolente, declara que gosta de tal vida e daqui em diante continuará roubando, matando e prostituindo. Depois de uma briga com seu pai, Robert e sua gangue saquearam a casa do fazendeiro. Quando este começou a reclamar sobre isso, Robert respondeu: "Agradeça por não termos matado você ainda." Então Robert e seus amigos devastaram o mosteiro.

Os barões foram ao duque da Normandia com uma queixa contra seu filho. Eles disseram que Robert destrói e devasta seus castelos, estupra suas esposas e filhas, mata servos. O duque enviou dois de sua comitiva a Robert para tranquilizar seu filho. Mas Robert não falou com eles. Ele ordenou que cada um deles arrancasse o olho direito e mandasse os infelizes de volta ao pai.

No exemplo de apenas um Roberto no milagre, mostra-se a real situação da época: anarquia, roubos, arbitrariedades, violência. Mas os milagres descritos após as crueldades são completamente irreais e são gerados por um desejo ingênuo de moralização.

A mãe de Robert diz a ele que ela é estéril há muito tempo. Como queria muito ter um filho, recorreu ao diabo com um pedido, porque nem Deus nem todos os santos podiam ajudá-la. Logo nasceu seu filho Robert, que é um produto do diabo. Segundo a mãe, esse é o motivo do comportamento tão cruel do filho.

A peça continua descrevendo como ocorreu o arrependimento de Robert. Para implorar o perdão de Deus, ele visitou o Papa, um santo eremita, e também constantemente oferecia orações à Virgem Maria. A Virgem Maria teve pena dele e ordenou que ele fingisse ser louco e morasse com o rei em uma casinha de cachorro, comendo sobras.

Robert, o Diabo, resignou-se a tal vida e mostrou uma coragem incrível. Como recompensa por isso, Deus lhe deu a oportunidade de se destacar na batalha no campo de batalha. A peça termina simplesmente fabulosa. No maluco maltrapilho que comeu da mesma tigela com os cachorros, todos reconheceram o bravo cavaleiro que venceu duas batalhas. Como resultado, Robert se casou com a princesa e recebeu o perdão de Deus.

O tempo é o culpado pelo surgimento de um gênero tão controverso como o milagre. Todo o século XV, cheio de guerras, agitação popular e massacres, explica plenamente o desenvolvimento do milagre. Por um lado, durante as revoltas, os camponeses pegaram machados e forcados e, por outro, caíram em um estado piedoso. Por isso, elementos de crítica apareceram em todas as peças, juntamente com um sentimento religioso.

Os milagres tinham ainda outra contradição que estava destruindo esse gênero por dentro. As obras mostravam cenas reais do cotidiano. Por exemplo, no Milagre "O Jogo de São Nicolau" eles ocuparam quase metade do texto. Os enredos de muitas peças foram construídos em cenas da vida da cidade ("Milagre sobre Gibourg"), a vida do mosteiro ("A Abadessa Salva"), a vida do castelo ("Milagre sobre Bertha com Pernas Grandes" ). Nessas peças, pessoas simples, próximas às massas em seu espírito, são mostradas de maneira interessante e inteligível.

A imaturidade ideológica da criatividade urbana da época é a culpada pelo fato de o milagre ser um gênero dual. O desenvolvimento posterior do teatro medieval deu impulso à criação de um novo gênero mais universal - peças de mistério.

Mistério

A dramaturgia de mistérios pode ser dividida em três períodos: "Antigo Testamento", utilizando os ciclos das lendas bíblicas; "Novo Testamento", que fala sobre o nascimento e ressurreição de Cristo; "apostólico", emprestando enredos para peças das "Vidas dos Santos" e milagres sobre santos.

A peça fala sobre a criação do mundo, a rebelião de Lúcifer contra Deus (esta é uma alusão aos senhores feudais desobedientes) e os milagres bíblicos. Os milagres bíblicos foram realizados com muita eficácia no palco: a criação da luz e das trevas, firmamento e céu, animais e plantas, assim como a criação do homem, sua queda no pecado e expulsão do paraíso.

Muitos mistérios dedicados a Cristo foram criados, mas o mais famoso deles é considerado o "Mistério da Paixão". Este trabalho foi dividido em 4 partes de acordo com os quatro dias de realização. A imagem de Cristo é permeada de pathos e religiosidade. Além disso, há personagens dramáticos na peça: a Mãe de Deus de luto por Jesus e o pecador Judas.

Em outros mistérios, os dois elementos existentes são unidos por um terceiro - carnavalesco-satírico, cujos principais representantes eram demônios. Gradualmente, os autores dos mistérios caíram sob a influência e os gostos da multidão. Assim, heróis puramente feirantes começaram a ser introduzidos nas histórias bíblicas: médicos-charlatães, ladrões barulhentos, esposas obstinadas etc. Por exemplo, Noé é representado por um marinheiro experiente e sua esposa é uma mulher mal-humorada. Aos poucos, houve mais críticas. Por exemplo, em um dos mistérios do século XV, José e Maria são retratados como pobres mendigos, e em outra obra, um simples agricultor exclama: “Quem não trabalha, não come!” No entanto, era difícil que elementos de protesto social se enraízassem e, mais ainda, penetrem no teatro da época, subordinado às camadas privilegiadas da população urbana.

E, no entanto, o desejo de uma representação real da vida foi incorporado. Depois que o cerco de Orleans ocorreu em 1429, a peça "O Mistério do Cerco de Orleans" foi criada. Os personagens desta obra não eram Deus e o diabo, mas invasores ingleses e patriotas franceses. O patriotismo e o amor pela França estão encarnados na personagem principal da peça, a heroína nacional da França, Joana d'Arc.

O "Mistério do Cerco de Orleans" mostra claramente o desejo dos artistas do teatro amador da cidade de mostrar fatos históricos da vida do país, de criar um drama folclórico baseado em eventos contemporâneos, com elementos de heroísmo e patriotismo. Mas os fatos reais foram ajustados ao conceito religioso, obrigados a servir a igreja, cantando a onipotência da Divina Providência. Assim, o mistério perdeu parte de seu mérito artístico. Dentro

O surgimento do gênero de mistério permitiu que o teatro medieval expandisse significativamente seu alcance temático. A encenação desse tipo de peça permitiu acumular uma boa experiência cênica, que foi posteriormente utilizada em outros gêneros do teatro medieval.

Performances de mistérios nas ruas e praças da cidade foram feitas com a ajuda de diferentes cenários. Foram utilizadas três opções: móvel, quando os carrinhos passavam pela plateia, de onde eram exibidos episódios misteriosos; anel, quando a ação acontecia em uma plataforma circular alta dividida em compartimentos e ao mesmo tempo embaixo, no chão, no centro do círculo delineado por essa plataforma (os espectadores ficavam nos pilares da plataforma); gazebo. Nesta última versão, os pavilhões foram construídos em uma plataforma retangular ou simplesmente na praça, representando o palácio do imperador, as portas da cidade, o céu, o inferno, o purgatório etc. uma inscrição explicativa foi pendurada nele.

Durante esse período, as artes decorativas estavam praticamente na sua infância, e a arte dos efeitos de palco estava bem desenvolvida. Como os mistérios estavam repletos de milagres religiosos, era necessário demonstrá-los visualmente, pois a naturalidade da imagem era um pré-requisito para o espetáculo popular. Por exemplo, pinças em brasa foram trazidas ao palco e uma marca foi queimada no corpo dos pecadores. O assassinato que ocorreu no decorrer do mistério foi acompanhado por poças de sangue. Os atores escondiam bolhas de alta com líquido vermelho sob suas roupas, perfuravam as bolhas com uma faca e a pessoa estava coberta de sangue. Uma observação na peça poderia dar uma indicação: “Dois soldados se ajoelham à força e fazem uma substituição”, ou seja, eles tinham que habilmente substituir uma pessoa por uma boneca, que era imediatamente decapitada. Quando os atores retratavam cenas em que os justos eram colocados em brasas, jogados em uma cova com animais selvagens, apunhalados com facas ou crucificados em uma cruz, isso afetou o público muito mais do que qualquer sermão. E quanto mais violenta a cena, mais poderoso o impacto.

Em todas as obras desse período, os elementos religiosos e realistas da representação da vida não apenas coexistiam juntos, mas também lutavam entre si. O traje teatral era dominado por componentes cotidianos. Por exemplo, Herodes anda pelo palco em trajes turcos com um sabre ao lado; Legionários romanos estão vestidos com uniformes de soldados modernos. O fato de os atores que retratam heróis bíblicos vestirem trajes cotidianos mostrou a luta de princípios mutuamente exclusivos. Ela também deixou sua marca no jogo de atores que apresentavam seus heróis de forma patética e grotesca. O bobo da corte e o demônio eram os personagens folclóricos mais amados. Eles introduziram nos mistérios uma corrente de humor popular e cotidiano, o que deu ainda mais dinamismo à peça. Muitas vezes, esses personagens não tinham um texto pré-escrito, mas improvisados no decorrer do mistério. Portanto, nos textos dos mistérios, os ataques contra a igreja, os senhores feudais e os ricos na maioria das vezes não foram registrados. E se tais textos foram escritos no roteiro da peça, eles foram muito suavizados. Tais textos não podem dar ao espectador moderno uma ideia de quão críticos eram certos mistérios.

Além dos atores, pessoas comuns da cidade participaram das produções de mistérios. Membros de várias oficinas da cidade estiveram envolvidos em episódios separados. As pessoas participaram voluntariamente disso, pois o mistério deu a oportunidade para os representantes de cada profissão se expressarem em sua totalidade. Por exemplo, a cena do Dilúvio foi representada por marinheiros e pescadores, o episódio com a Arca de Noé foi representado por construtores navais, a expulsão do paraíso foi representada por armeiros.

A encenação do espetáculo de mistério foi dirigida por um homem que foi chamado de "mestre dos jogos". Os Mistérios não só desenvolveram o gosto das pessoas pelo teatro, mas ajudaram a melhorar a técnica teatral e deram impulso ao desenvolvimento de certos elementos do drama renascentista.

Em 1548, os mistérios, especialmente difundidos na França, foram proibidos de serem exibidos ao público em geral. Isso foi feito devido ao fato de que as linhas cômicas presentes nos mistérios se tornaram muito críticas. A razão para a proibição também está no fato de que os mistérios não receberam apoio dos novos e mais progressistas setores da sociedade. As pessoas de mentalidade humanista não aceitavam peças com enredos bíblicos, e a forma real e a crítica ao clero e às autoridades deram origem a proibições da igreja.

Mais tarde, quando o poder real proibiu todas as liberdades urbanas e uniões de guildas, o teatro de mistérios perdeu terreno.

Moralidade

Não há enredos de igreja em peças de moralidade, já que a moralização é o único objetivo de tais produções. Os personagens principais do teatro da moralidade são heróis alegóricos, cada um dos quais personifica os vícios e virtudes humanos, as forças da natureza e os dogmas da igreja. Os personagens não têm um caráter individual, em suas mãos até coisas reais se transformam em símbolos. Por exemplo, Hope subiu ao palco com uma âncora nas mãos, Egoísmo constantemente se olhava no espelho, etc. Os conflitos entre os personagens surgiram devido à luta entre dois princípios: o bem e o mal, o espírito e o corpo. Os confrontos dos personagens foram exibidos na forma de uma oposição de duas figuras, que representavam os princípios do bem e do mal que influenciam uma pessoa.

Via de regra, a ideia principal da moralidade era esta: pessoas razoáveis seguem o caminho da virtude, e os irracionais se tornam vítimas do vício.

Os dramaturgos que trabalhavam neste gênero eram primeiros humanistas, alguns professores de escolas medievais. Na Holanda, a escrita e a encenação da moralidade eram feitas por pessoas que lutavam contra o domínio espanhol. Suas obras continham muitas alusões políticas diferentes. Por tais atuações, os autores e atores eram constantemente perseguidos pelas autoridades.

Em 1442, a peça "Trade, Craft, Shepherd" foi escrita. Descreve as queixas de cada um dos personagens de que a vida se tornou difícil. Aqui o Tempo aparece, vestido primeiro com um vestido vermelho, o que significava Rebelião. Depois disso, o Tempo sai com armadura completa e personifica a Guerra. Em seguida, aparece usando bandagens e uma capa pendurada em farrapos. Os personagens lhe fazem a pergunta: "Quem te pintou assim?" A este tempo responde: Pelo corpo, você ouviu Que tipo de pessoas se tornaram.

O gênero alegórico, ao qual a moralidade deveria ser atribuída, introduziu clareza estrutural na dramaturgia medieval, o teatro deveria mostrar principalmente imagens típicas.

Farsa

Performances de entrudo e jogos folclóricos tornaram-se o ímpeto para o surgimento das chamadas corporações estúpidas. Eles incluíam funcionários judiciários menores, crianças em idade escolar, seminaristas, etc. No século 15, tais sociedades se espalharam por toda a Europa. Em Paris, havia 4 grandes "corporações estúpidas" que regularmente encenavam exibições de farsas. Nessas exibições eram encenadas peças que ridicularizavam os discursos dos bispos, o palavreado dos juízes, o cerimonial, com grande pompa, as entradas dos reis na cidade.

As autoridades seculares e eclesiásticas reagiram a esses ataques perseguindo os participantes das farsas: foram expulsos das cidades, presos etc. Além das paródias, cenas satíricas-soti (sotie - “estupidez”) foram representadas em farsas. Nesse gênero, não havia mais personagens do cotidiano, mas bufões, tolos (por exemplo, um soldado tolo vaidoso, um enganador de tolos, um funcionário que aceita suborno). A experiência das alegorias da moralidade encontrou sua encarnação em centenas. O gênero favo de mel atingiu seu maior florescimento na virada dos séculos XV-XVI. Até o rei francês Luís XII usou o teatro popular da farsa na luta contra o Papa Júlio II. As cenas satíricas estavam repletas de perigos não apenas para a igreja, mas também para as autoridades seculares, porque ridicularizavam tanto a riqueza quanto a nobreza. Tudo isso deu a Francisco I uma razão para proibir apresentações de farsa e soti.

Como as performances dos cem eram condicionalmente de natureza mascarada, esse gênero não tinha essa nacionalidade de sangue puro, caráter de massa, pensamento livre e personagens específicos do cotidiano. Portanto, no século 16, a farsa mais eficaz e bufônica tornou-se o gênero dominante. Seu realismo se manifestava no fato de conter caracteres humanos, que, no entanto, eram dados de forma um pouco mais esquemática.

Muitos testemunhos de contemporâneos sobre sua desenvoltura e magnífico dom de improvisação foram preservados. Eles citaram um caso assim. No papel, Pontale era corcunda e tinha corcunda nas costas. Ele foi até o cardeal corcunda, encostou-se em suas costas e disse: "Mas montanha e montanha podem se unir". Contaram também uma anedota sobre como Pontale batia tambor em sua barraca e isso impedia o padre de uma igreja vizinha de celebrar a missa. Um padre zangado veio ao estande e cortou a pele do tambor com uma faca. Então Pontale colocou um tambor furado na cabeça e foi para a igreja. Por causa do riso que se fez no templo, o sacerdote foi forçado a interromper o serviço.

Os poemas satíricos de Pontale eram muito populares, nos quais era bem visível o ódio aos nobres e aos padres. Grande indignação é ouvida em tais linhas: E agora o nobre é um vilão! Ele troveja e destrói as pessoas mais impiedosamente do que a peste e a peste.

O teatro medieval tentou muito superar a influência da igreja, mas não conseguiu. Esta foi uma das razões de seu declínio, morte moral, se preferir. Embora nenhuma obra de arte significativa tenha sido criada no teatro medieval, todo o curso de seu desenvolvimento mostrou que a força da resistência do princípio vital ao religioso aumentava constantemente. O teatro medieval abriu caminho para o surgimento da poderosa arte teatral realista do Renascimento.

ÍNDICE

INTRODUÇÃO
CONDIÇÕES HISTÓRICAS DE DESENVOLVIMENTO
FORMAS DE DESENVOLVIMENTO DO TEATRO NA IDADE MÉDIA
As origens do teatro da Idade Média

Farsa

Histriões

Teatro da Igreja.

Drama litúrgico

drama semi-litúrgico

Milagre

Mistério

Moralidade

Soti

PERGUNTAS
LITERATURA
GLOSSÁRIO DE TERMOS

INTRODUÇÃO

Características do estudo da história do teatro medieval. O tema e o método da pesquisa teatral em relação à história do teatro medieval. O problema da cultura medieval nos estudos medievais modernos e na história da arte moderna. A história do teatro medieval nas obras de críticos de teatro nacional.

Condições históricas de desenvolvimento.

Sociedade Feudal na Europa Ocidental. Fases da sua formação: 1. Alta Idade Média - séculos V-XI; 2. Idade Média Madura - séculos XII-XV; 3. Baixa Idade Média - XVI - início do século XVII.

O desenvolvimento das cidades na Europa Ocidental e a formação da classe urbana. O apogeu da cultura urbana e sua influência no desenvolvimento do teatro medieval.

O caráter cosmopolita do teatro medieval.

Consciência religiosa na cultura medieval, suas características. Paganismo e cristianismo na cultura medieval, sua interação, o conceito de “cristianismo popular”. O papel do "cristianismo popular" no desenvolvimento do teatro na Idade Média. Cultura espetacular da Idade Média, sua estreita ligação com o desenvolvimento do teatro medieval. Linhas do teatro medieval: igreja, folclore plebeu, burguês, sua interação.

Etapas de formação e desenvolvimento do teatro medieval. Variedade de formas de gênero do teatro medieval. A dessacralização das representações teatrais é uma tendência geral no desenvolvimento do teatro medieval.

FORMAS DE DESENVOLVIMENTO DO TEATRO NA IDADE MÉDIA

As origens do teatro da Idade Média são festas agrícolas, jogos camponeses, ritos pagãos, ritos cristãos.

O rito em homenagem à divindade que morre e ressuscita é a fonte do mais antigo gênero do teatro medieval - a farsa.

Farsa , o nome do gênero, seu significado semântico. A luta dos gêmeos sagrados; motivo de engano, trapaça; duelo verbal, escaramuça; a vitória do personagem que encarna a “vida” sobre aquele que encarna a “morte” são as principais características da farsa. O princípio da farsa é “o ladrão será roubado”. O lugar onde a farsa é jogada são as mesas de culto. A comida é um componente de acompanhamento de uma performance farsa. Período pré-literário de formação da farsa.

Histriões - os primeiros atores profissionais de farsas e os primeiros atores profissionais da Idade Média. Histriões em uma cidade medieval. Várias concepções da origem da arte dos histriões medievais. Todos os povos da Europa tinham artistas-histriões da cidade: na França - malabaristas, na Inglaterra - menestréis, na Alemanha - spielmans, na Itália - mímicos, etc. A luta contínua da igreja com os histriões medievais.

Classificações medievais da arte dos malabaristas: bufão, malabarista, trovador .

Elementos de origem pagã nas representações dos malabaristas: máscaras (ou maquiagens exageradas de farinha), saltos habilidosos, cambalhotas, capacidade de falar em vozes diferentes, tocar instrumentos musicais diversos.

Sobre a arte do malabarista na lenda anônima do século XIII “O Malabarista de Nossa Senhora”. Associação de histriões em sindicatos (Irmandade de malabaristas em Arras, século IX)

Análise do mais antigo dos textos literários registrados da farsa - "O menino e o cego" (século 13) Características do passado ritual da farsa na trama. A linguagem cênica da farsa.

O vazio do palco da farsa. Tempo e espaço de uma performance farsa. Os principais métodos de atuação da farsa: bufonaria, gesto exagerado, arte do diálogo, disputa verbal.

A evolução da farsa em uma cidade medieval. As Raízes Folclóricas da Farsa e o Reflexo da Psicologia de um Cidadão Medieval nela. O conflito da farsa e sua evolução no teatro medieval. A inclusão da farsa em performances de mistério. A popularidade da farsa no teatro medieval. O destino da farsa no Renascimento. A influência da farsa na dramaturgia da comédia.

Variedades nacionais de farsa - fastnachtspiel (Alemanha), interlúdio (Inglaterra).

Farsa anônima francesa "Advogado Patlin" (século XV). Sua análise.

Basosh, suas atividades. "Bazos" e farsa. Métodos de encenar uma farsa entre os Basos. Círculos teatrais amadores em cidades medievais. Migração de textos de farsa.

Farsa e impressão. Farsa e cultura escrita do século XVI. Segunda metade do século XVI - início do século XVII - o tempo da improvisação de enredos farsescos.

A interação da farsa com a cultura do Renascimento.

O papel da farsa no desenvolvimento da comédia nos séculos XVI-XVII

teatro da igreja

Os primeiros dramas da igreja que chegaram até nós são os dramas de uma freira alemã do século X. Grotsvita Gandersheimskaya na coleção "Anti-Terentsy".

O destino da antiga herança teatral na Idade Média. Os objetivos retóricos das comédias de Grotsvita. Linguagem teatral medieval de suas peças. Formação do teatro da igreja.

drama litúrgico. As origens nos ritos cristãos do serviço da igreja ainda não canonizados até o século X. Os atores do drama litúrgico são sacerdotes, o local de atuação é a parte do altar do templo, a língua é o latim.

Tempo e espaço no drama litúrgico. A teatralização dos textos sagrados como um dos principais meios de explicação do cristianismo. Observações no texto do drama litúrgico. Gestos e posturas canonizadas dos performers. Símbolo e signo são as principais técnicas teatrais do teatro da igreja.

Ciclos de Natal e Páscoa de drama litúrgico.

O destino do drama litúrgico ao longo da Idade Média. Fortalecer o elemento ativo no drama litúrgico.

A simultaneidade da ação é o princípio básico da atuação da igreja.

Drama litúrgico no Renascimento.

drama semi-litúrgico

Formação no século XII. O local de ação é o pórtico do templo. A inclusão de um elemento cômico de base na performance teatral, a secularização da ação. Aprofundamento do princípio da simultaneidade da ação.

Tempo e espaço no drama semi-litúrgico. Transição do latim para o vernáculo. As pessoas da cidade são os atores de demônios em um drama semi-litúrgico.

A dualidade da percepção do traço por um citadino medieval. Diabos dos artistas do figurino. Formação dos elementos das futuras diableries do mistério no drama semi-litúrgico.

Análise do drama semi-litúrgico "Ato sobre Adão" (século XIII). Linguagem cênica deste drama semi-litúrgico.

Formação do teatro secular da Idade Média.

“The Game in the Arbor” e “The Game of Robin and Marion” do século 13 Arras trouveur Adam de La Halle. Biografia de Adam de La Halle, reflexo de suas feições em "Jogo no Gazebo".

Puy de Arras e suas atividades. “Jogo no mirante”, sua ligação com as festas pagãs. Análise dos "Jogos no mirante", uma combinação de elementos cotidianos, fabulosos, folclóricos, bufões. Tempo e espaço no "Jogo".

A formação de um gênero misto - pois pilees - “ervilhas trituradas” . Local de realização do jogo, participantes do jogo, recepções teatrais. Análise da "Peça sobre Robin e Marion". A influência da letra provençal na "Peça de Robin e Marion". Elemento teatral no "Jogo": cantos e danças, jogos folclóricos.

A conexão entre os “jogos” de Adam de La Halle e a cultura urbana medieval.

Milagre - um gênero que se desenvolveu no século 13 como uma dramatização de lendas sobre santos.

"Milagres" da Virgem Maria. O primeiro milagre francês que sobreviveu ao nosso tempo é “O Jogo de São Nicolau” de Jean Bodel (? - 1210), participante do Puy de Arras.

Análise da linguagem teatral do Milagre. Tempo e espaço no mundo de Bodel. O local de realização dos primeiros milagres, o estilo de execução do jogo.

Análise da linguagem teatral do milagre “O Milagre de Teófilo” de Ruetbef (c. 1230-1285).

O conceito de grotesco medieval. Suas manifestações em milagre e outros gêneros do teatro medieval.

O florescimento do milagre na França durante a Guerra dos Cem Anos (1337-1453). Coleção parisiense de quarenta milagres dedicados à Virgem Maria. Fortalecendo o elemento didático e cotidiano no Milagre.

Mistério - a coroa do teatro medieval, um gênero no qual as formas de teatros religiosos, folclóricos e seculares da Idade Média foram combinadas.

O auge das representações de mistério na 15ª - primeira metade do século 16. A conexão do mistério com a cultura espetacular de uma cidade medieval.

Os organizadores dos mistérios são o clero e as câmaras municipais. Criadores de mistério.

Participantes dos mistérios, distribuição de papéis.

Mistério é uma performance teatral popular de massa. Desfile de Mistérios. Os trajes dos participantes dos mistérios.

O chefe do mistério, seus poderes. O texto literário da peça de mistério e a trama improvisada da peça de mistério. A dramaturgia de mistério não precedeu a performance, mas na maioria dos casos foi um processamento literário subsequente de textos de palco.

Formas literárias e cênicas de formação da dramaturgia de mistério. Fragmentação composicional de textos de mistério.

Formação de ciclos de mistérios do Antigo e do Novo Testamento.

“Mystery of the Passion” de Arnoux Greban é um tipo clássico de peça de mistério.

A ordem da apresentação do mistério. Desfile do mistério, sua conexão orgânica com as festas da cidade.

A hierarquia dos participantes do desfile de mistério é um reflexo da hierarquia do mundo do homem medieval. O desenvolvimento da ação mística.

Características nacionais do desenvolvimento do mistério na Itália, Espanha, França, Inglaterra, Alemanha. Arranjo de plataformas de palco do teatro de mistério. Anel, pavilhão, tipos móveis de representação de mistérios.

Tempo e espaço em todo tipo de representação de mistério. O princípio grotesco da representação misteriosa. O elemento cômico no mistério. Princípios estéticos do estilo gótico no teatro de mistérios.

Demônios em mistérios e diableria. Simplórios, aleijados, bobos. A inclusão da farsa no mistério.

Cômico e dramático no mistério. Interlúdios de um bobo da corte em uma peça de mistério. A combinação de diferentes gêneros teatrais em uma performance de mistério. O surgimento dos primeiros sindicatos semiprofissionais realizando os mistérios.

"Irmandade das Paixões do Senhor" em Paris. Sua posição privilegiada em relação a outros sindicatos teatrais. Dessacralização da peça de mistério. "Irmandade da Paixão do Senhor" nos séculos XV e XVI em Paris. Proibições de apresentações de mistérios em Paris.

Profissionalização das atividades dos “irmãos”, uma mudança no repertório. Razões para a morte do teatro de mistério.

Mistério e Reforma. A influência do teatro de mistérios na linguagem teatral emergente dos tempos modernos na Inglaterra, Espanha, Itália, França.

Moralidade - um drama edificante alegórico.

A formação e florescimento do gênero, sua ligação com o movimento da Reforma, com a psicologia dos burgueses medievais.

A didática é o princípio da moralidade. Alegorias na moral.

Moralidade da unidade estilística. Moralidade francesa "prudente e irracional" (1436)

Linguagem teatral da moral. Tempo e espaço na moral. Local de apresentação da moral. Artistas da moralidade. Trajes de participantes da moralidade.

Formas de formação do gênero. O auge do gênero na Inglaterra e na Holanda. Câmaras de Retores na Holanda.

A moralidade é um meio de combater o catolicismo na Inglaterra. Moral "Os Quatro Elementos". Técnicas alegóricas da moralidade no drama renascentista.

Soti . A ligação orgânica do soti com os jogos Maslenitsa e a cultura carnavalesca da época.

Carnavais e o surgimento da cultura "estúpida" na Idade Média. Louco - tolo - bobo da corte.

A origem do bobo da corte medieval, seu traje, plasticidade, expressões faciais, técnicas teatrais. O surgimento de "corporações estúpidas" na Idade Média. Guildas e irmandades tolas em toda a cidade.

“Merry Sermons”, serviços de paródia.

Feriados dos Tolos. Desfiles de tolos. Chame os tolos.

Performances teatrais de tolos. A formação do gênero favo de mel. Soti francês “Paz e abuso”. “O Jogo do Príncipe dos Tolos e da Mãe Tola” de Pierre Gringoire (1512).

Formas mistas de soti e farsa no século XVI. Proibição do favo de mel.

Irmandade parisiense "Caras despreocupadas". A profissionalização da arte de atuar dos "Carefree Boys" e dos participantes do "Bazosha" no século XVI. Proibição de "Bazosha" (1582) e "Crianças despreocupadas" (1612).

A farsa é a base do repertório da Irmandade da Paixão do Senhor na segunda metade do século XVI. Mudança de "Irmãos" para as instalações do hotel Borgonha.

O nascimento do teatro profissional.

PERGUNTAS DE TESTE

TÓPICO 1: Características metodológicas do estudo do teatro medieval.
1. Características gerais do teatro medieval. Características do seu estudo.
2.Condições históricas e culturais para o surgimento do teatro medieval.
3. Conceitos de estudos literários e teatrais sobre a origem e desenvolvimento das formas teatrais medievais.

TÓPICO 2: Origens do teatro medieval
1. A origem da arte dos malabaristas medievais. Seu papel na formação do teatro 10-13 séculos.
2. Histriões. Malabaristas. Memes.
3. As origens do teatro folclórico medieval. feriados rituais. Carnaval.
4. Origens da farsa.

TÓPICO 3: Formas de teatro da igreja
1. Grotsvita de Gandersheim. Formação do teatro da igreja.
2. Drama litúrgico. A sua evolução no teatro medieval.
3. Drama semi-litúrgico. A evolução do gênero na Idade Média.
4. Elemento cômico de base no drama semi-litúrgico.

TÓPICO 4: Teatro secular na Idade Média
1. Adam de La Al. Linguagem teatral "Jogos no gazebo".
2. Adam de La Al. Linguagem teatral "Jogos sobre Robin e Marion".

TÓPICO 5: Sindicatos de teatro semi-profissional na Idade Média
1. Formas de profissionalização do teatro medieval.
2. Atuação dos sindicatos e irmandades semiprofissionais e profissionais atuantes na Idade Média.
3. O conceito de ator e diretor no teatro medieval.
4. Especialização em “gênero” de Basos e Irmandade da Paixão do Senhor.

TÓPICO 6: Teatro da Idade Média madura e tardia
1. Milagre. Formação e evolução do gênero no teatro medieval.
2. Mistério - a "coroa" do teatro medieval.
3. Formas de organização do espaço em um teatro medieval.
4. Tempo e espaço em uma performance de mistério.
5. O elemento cômico no mistério.
6. Diableria nos mistérios.
7. Bobos, simplórios, demônios em representações de mistério.
8. Farsa nos mistérios.
9.Atores e distribuição de papéis em uma performance de mistério.
10. Diretor do espetáculo misterioso.
11. Razões para a proibição de performances de mistério.
12. Farsa. Formação e evolução do gênero na Idade Média.
13. Farsa de playground. Princípios básicos da performance farsa.
14. Farsantes. Truques de atuação. Traje. Maquiagem.
15. O destino da farsa no teatro do Renascimento.
16. Farsa no teatro do século XVII.
17. Moral. Formação e evolução do gênero. Características nacionais do gênero moral.
18. Linguagem teatral da moralidade.
19.Soti. Formação e evolução do gênero na Idade Média. Sua conexão com a cultura medieval "estúpida" e carnaval.
20. Espaços teatrais do teatro da igreja. Tempo e espaço no teatro da igreja.
21.Salas teatrais do teatro folclórico. Tempo e espaço no teatro popular da Idade Média.
22. Bobo às centenas, farsa e mistérios.
23. Dessacralização do teatro da igreja na Idade Média.
24. Dessacralização do teatro popular na Idade Média.
25. Traje, plasticidade e gesto na igreja e no teatro popular da Idade Média.
26. Tradições do teatro medieval nos séculos XVI-XVII.
27. Significado da cultura teatral medieval na história do teatro europeu.

LITERATURA

TEXTO:% S

Grotsvita de Gandersheim. Um trecho do drama "Abraham" // Leitor sobre a história do teatro da Europa Ocidental, editado por S.S. Mokulsky, vol. 1, ed. 2., 1953

Grotsvita de Gandersheim. Um trecho do drama "Dulcius" // Leitor sobre a história do teatro da Europa Ocidental, editado por S.S. Mokulsky, vol. 1, ed. 2., 1953

“The Wise Virgins and the Foolish Virgins”, drama litúrgico do século XI // Leitor sobre a história do teatro da Europa Ocidental, editado por S.S. Mokulsky, vol. 1, ed. 2., 1953

“Imagination of Adam”, drama semi-litúrgico do século XII // Leitor sobre a história do teatro da Europa Ocidental, editado por S.S. Mokulsky, vol. 1, ed. 2., 1953

“A Ressurreição do Salvador”, drama semi-litúrgico do século XII // Leitor sobre a história do teatro da Europa Ocidental, editado por S.S. Mokulsky, vol. 1, ed. 2., 1953

Adam de La Alle “The Game of Robin and Marion” // Leitor sobre a história do teatro da Europa Ocidental, editado por S.S. Mokulsky, vol. 1, ed. 2., 1953

Jean Bodel “The Game of St. Nicholas” // Leitor sobre a história do teatro da Europa Ocidental, editado por S.S. Mokulsky, vol. 1, ed. 2., 1953

Rutboeuf “Ação sobre Teófilo” - tradução de A.A. Blok - no Sobr. Op. A.A. Blok, v.7, L, 1932

Milagre francês do século XIV “Berta” - um trecho é impresso no livro: Pinus S. Poetas franceses, São Petersburgo, 1914

Milagre francês do século XIV “Amis e Amil” - tradução em prosa no livro: Leitor sobre a história da literatura universal de I.I. Glivenko - P, 1915

"farsas medievais francesas". - M, Arte, 1981

TUTORIAIS

Andreev M. L. Drama medieval europeu: Origem e formação (séculos X-XIII). - M, 1989

Bakhtin M. M. A obra de François Rabelais e a cultura popular da Idade Média e do Renascimento - qualquer edição

Boyadzhiev G.N. Teatro da Alta Idade Média // Dzhivelegov A.K. e Boyadzhiev G.N. História do teatro da Europa Ocidental. Desde a sua criação até 1789. - M.-L., 1941, p. 7-49

Boyadzhiev G.N. Teatro da época de formação e florescimento do feudalismo // História do teatro da Europa Ocidental. - M, 1953. - T. 1, p. 7 - 124

Boyadzhiev G.N. Nas origens da dramaturgia realista francesa (século XIII) // Anuário do Instituto de História da Arte. Teatro. - M, 1955, pág. 352 -376

Boyanus S K. Teatro medieval // Ensaios sobre a história do teatro europeu, ed. Gvozdeva A.A. e Smirnova A. A. - Ptg, 1923, pág. 55-104

Gazo A. Bobos e bufões de todos os tempos e povos. - São Petersburgo, 1896

Gvozdev A.A. Teatro da era do feudalismo // Gvozdev A.A. e Piotrvosky A.I. História do teatro europeu.- M.-L., 1913, pp. 333-659

Gvozdev A.A. Festas de massa no ocidente (a experiência de uma revisão histórica) // “festas de massa”, acervo da Comissão de Estudos Sociológicos da Arte do Instituto Estadual de História da Arte. - L., 1926

Gurevich A.Ya. Problemas da cultura popular medieval. - Arte M, 1981

Dzhivelegov A. K. Fundações populares do teatro francês // Anuário do Instituto de História da Arte. Teatro. –M, 1955, p.318 –351

Ivanov Viach. Sol. A partir de apontamentos sobre a estrutura e funções da imagem carnavalesca // Problemas de poética e história da literatura. - Saransk, 1973, p. 37-54

Ivanov Viach. Sol. Estruturas espaciais do teatro primitivo e a assimetria do espaço cênico // Espaço teatral. Materiais de conferência científica. (Leituras Vipper - 78). - M, 1979, pág. 5-34

Ivanov K.A. Trovadores, trouvers e mennisingers. - qualquer edição.

Mokulsky S.S. Princípios da construção da história do teatro francês // Anuário do Instituto de História da Arte. Teatro. - M, 1948, pág. 119-142

Paushkin M. Teatro Medieval (Drama Espiritual). - M, 1913

Reutin M.Yu. Cultura popular da Alemanha. - M, 1996

Smirnov A. A. Drama medieval // História da literatura da Europa Ocidental. Alta Idade Média e Renascimento”, ed. V.M. Zhirmunsky - T. 1, 1947, cap.17

GLOSSÁRIO DE TERMOS E CONCEITOS

"Advogado Patlen"- Uma farsa anônima francesa do século XV, a mais perfeita em sua forma artística, o monumento mais notável do teatro farsesco.

"Anti-Terentsy"- uma coleção de peças de igreja criadas pela freira alemã do século X Grotsvita de Gandersheim, que procurou combater a influência das comédias de Terêncio, segundo as quais o latim coloquial era ensinado nas escolas medievais.

“Caras despreocupadas”- uma irmandade semi-amadora, criada no século XIV em Paris para realizar farsas e centenas. Os "caras despreocupados" continuaram a tradição medieval de corporações "tolas". As atividades dos "Meninos Despreocupados" foram proibidas por decreto real em 1612.

"Irmandade das Paixões do Senhor"- uma organização teatral medieval semi-amadora, criada no final do século XIV em Paris. Em 1402, os "Irmãos" (como seus contemporâneos os chamavam) receberam o monopólio da realização dos mistérios em Paris. Em 1548, o Parlamento de Paris proibiu a Irmandade de fazer apresentações de mistério, mas seu monopólio teatral em Paris foi mantido. As atividades da Irmandade foram finalmente encerradas apenas em 1676.

"Malabarista de Nossa Senhora"- uma lenda anônima do século XIII, que dá uma excelente descrição do que um bom malabarista deve ser capaz de fazer.

"Cristianismo Popular"- um conceito introduzido nos estudos medievais russos por A. Ya Gurevich. Por “cristianismo popular”, Gurevich quer dizer a interação completa da ideologia da igreja com a cultura popular pré-cristã (ou extra-cristã) da Idade Média.

Basos- uma corporação de funcionários judiciais e advogados que organizavam espectáculos amadores cômicos. Surgiu no início do século XIV em Paris, mas depois se tornou muito numeroso e, além da união parisiense central, teve inúmeras filiais nas províncias francesas na Idade Média. Os Bazos especializaram-se na realização de farsas e na organização de festas citadinas tradicionais da Idade Média. As atividades dos Basos foram finalmente proibidas em 1582.

Louco- refere-se à "loucura sagrada", que no antigo rito agrário pagão era identificada com um período de morte temporária. Com o tempo, a imagem de um louco (em francês - fou) se transforma na imagem de um tolo, um bobo da corte, um dos personagens centrais do teatro medieval francês. Veja Tolo, bobo da corte.

hotel borgonha- o teatro de drama mais antigo de Paris. Foi fundada em 1548, quando a Irmandade da Paixão do Senhor, tendo recebido uma proibição de realização de mistérios do Parlamento de Paris, comprou o edifício do Hotel Borgonha e começou a tocar peças de vários gêneros nas novas instalações. Nos anos 40 do século XVII, o hotel Borgonha tornou-se o palco principal do teatro classicista. Em 1680, a trupe do hotel da Borgonha foi fundida com a trupe de Molière por decreto real, assim foi criado o primeiro teatro estatal da França, a Comédie Française.

Buffonade, Buffon- um método cômico de atuação com ênfase máxima nas características externas do personagem, um exagero agudo, uma dinâmica externa nítida do comportamento do personagem. A palavra vem do italiano buffonata - uma piada, palhaçada. A bufonaria originou-se no teatro quadrado medieval. Mais tarde foi usado no teatro italiano de máscaras e mais tarde na dramaturgia de comédia. Hoje a bufonaria é comum nas apresentações dos palhaços de circo. Buffon é quem faz da bufonaria o principal meio expressivo de atuação.

Histrião(do latim histrio) - 1. na Roma antiga, atores, muitas vezes descendentes de escravos. Na Idade Média, atores folclóricos itinerantes. 2. As origens da arte das histriões vão para os jogos rituais rurais e feriados. Os autores medievais chamavam todos os atores folclóricos semiprofissionais de histriões. No século 13, eles começaram a ser chamados da palavra latina ioculatores - "divertido". Na França, os ioculatores assumiram a forma de jogleor, jogler e finalmente se estabeleceram como jongleur - “malabarista”.

estilo gótico- o estilo artístico que dominou a arte da Europa Ocidental nos séculos XIII-XV. O gótico surgiu com base na arte românica, e nela a visão de mundo cristã da Idade Média se expressou mais plenamente. O termo "gótico" apareceu no Renascimento italiano para se referir à arte da era de saída da Idade Média. O gótico se expressou mais plenamente na arquitetura e na escultura estatuária. O auge do gótico, o chamado "alto gótico", cai nos anos do reinado de Luís IX Santo (1226-1270). Na arte gótica, um objeto, uma forma tornam-se símbolos da ideia de infinito, a ideia de movimento torna-se dominante artística. Durante o auge do gótico, a arte secular começou a se desenvolver intensamente. Idéias artísticas do gótico tardio dos séculos XIV-XV. preparado e teve um impacto significativo na arte do Renascimento.

Maquiagem- a arte de transformar a aparência de um ator com a ajuda de tintas, peruca, adesivos. A história de sua origem remonta aos rituais folclóricos, jogos que exigiam a transformação externa dos participantes. Não é por acaso que corantes e farinhas vegetais foram usados nas primeiras maquiagens. A maquiagem de um farsante medieval é um rosto branqueado com farinha com tintas vegetais brilhantes aplicadas sobre um fundo branco para enfatizar a boca, os olhos e o nariz. Os rostos pintados dos farsantes estavam próximos da máscara e provavelmente às vezes eram substituídos por ela.

Período pré-literário da formação da farsa- o período anterior ao processamento literário de enredos farsescos, que antes eram improvisados de acordo com um esquema farsesco bem conhecido. O período pré-literário da farsa está enraizado nos ritos agrários do início da Idade Média e termina no século XIII. A primeira farsa que sobreviveu ao nosso tempo - "O menino e o cego" - foi criada entre 1266 e 1282, como atesta a canção interpretada pelos heróis da farsa, dedicada à campanha do rei siciliano Carlos de Anjou. Junto com o desenvolvimento da cultura urbana, a farsa vive um novo nascimento e começa a ser criada como uma obra independente, literária e escrita.

Idiota- o personagem da comédia folclórica, o papel de palco do teatro medieval. Ele apareceu em fraternidades de teatro malucos cômicos. "Tolo" estava vestido com um terno verde-amarelo especial, consistindo de listras alternadas, usava um boné com longas orelhas de burro na cabeça, segurava um chocalho representando um tolo, dentro do qual ervilhas eram derramadas. O “tolo” sempre improvisava seu texto. Ele era um participante indispensável em performances de mistério. Como personagem independente, ele aparece pela primeira vez nas peças de Adam de La Alle. A imagem do "tolo" na cultura medieval está geneticamente intimamente relacionada com a imagem do "Homem Louco" (veja acima). Uma variação do "Tolo" é o bobo da corte.

Corporações tolas, fraternidades- sindicatos teatrais semi-amadores associados à cultura carnavalesca da Idade Média. A mais antiga sociedade conhecida de "Tolos" foi criada em 1381 em Kleve, chamava-se Narrenorden - a ordem dos tolos. No final da Idade Média, sociedades semelhantes aparecem em todas as cidades: em Cambrai - "Merry Abbey", em Chaumont - "Devils", em Aix - "Naughty", em Rouen - "Stags", em Reims - "Merry Men ", em Paris - "Caras despreocupadas", etc. Nas corporações "estúpidas", nasce um gênero de teatro medieval - favos de mel.

diableria- uma cena de comédia na qual participam demônios misteriosos. Diableria era parte integrante da peça de mistério. Eles foram improvisados pelos artistas durante a performance. A diablerie interrompeu com mais frequência a ação do mistério no lugar mais agudo e patético, quando as emoções do público foram aquecidas pelas circunstâncias trágicas da performance. A diablerie introduziu uma nota nitidamente dissonante e alegre na performance misteriosa.

Malabarista- um ator semi-profissional do teatro medieval. Cm. Histrião.

Interlúdio- uma espécie de farsa na Inglaterra, desenvolvida no final da Idade Média e no início do Renascimento. Foi tocado durante as festividades, como evidencia o nome do gênero: em latim inter - entre, ludus - jogo. Alguns dos interlúdios envolviam personagens alegóricos característicos da moralidade. Assim, o interlúdio é uma forma dramática de transição da farsa para a moralidade.

Espetáculo- uma pequena cena de comédia representada entre as cenas principais de uma performance de mistério. Intermedius em latim - localizado no meio. Os interlúdios nos mistérios eventualmente começaram a ser substituídos por farsas. Na Espanha, os interlúdios se desenvolveram em um gênero independente original e foram realizados entre as ações da performance principal no teatro público da cidade. Um exemplo dos interlúdios do Renascimento espanhol são os interlúdios de Cervantes.

Aleijado- o personagem da comédia folclórica, o papel de palco do teatro medieval. Os aleijados são personagens favoritos de farsas medievais e interlúdios de mistério. Sua mutilação, miséria muitas vezes acaba sendo imaginária e serve de cobertura para o objetivo principal - ficar rico.

Clérigo- um clérigo, um clérigo

Drama litúrgico- um tipo de teatro da igreja medieval. Nascido no século IX, foi uma dramatização de episódios individuais do serviço. Drama litúrgico desenvolvido a partir de canto antifonal (diálogo cantado entre dois meios-coros) e tropos (releitura do texto do Evangelho composto em forma de diálogo). Os dramas litúrgicos eram representados em latim e eram acompanhados por ações simbólicas rituais do clero, o que tornava mais fácil para os paroquianos que não estavam familiarizados com o latim entender os eventos do evangelho.

mascarar- mascus, masca - em latim uma máscara. Essa “máscara” era feita de couro, papel ou outros materiais. Máscara teatral é colocada no rosto e usada em apresentações teatrais. A história da máscara teatral está enraizada nos ritos agrícolas pagãos. Na Idade Média, a máscara era usada por histriões, malabaristas e farsantes.

estudos medievais- do latim medius - meio e aevum - idade, era. Ramo da história que estuda a história da Europa na Idade Média.

Menestrel- um cantor medieval, músico, brincalhão, poeta, a serviço do mestre. Ao contrário dos malabaristas, a arte dos menestréis está focada nos gostos da aristocracia, a elite educada da sociedade.

Método de pesquisa teatral- um método científico de análise do teatro e da dramaturgia, no qual o teatro é considerado uma arte independente, e não uma das seções da literatura. O método de pesquisa teatral foi desenvolvido nos trabalhos dos cientistas russos A.A. Gvozdev, A. K. Dzhivelegova, S.S. Mokulsky, K. N. Derzhavin, S. S. Danilova, P. A. Markova, G. N. Boyadzhiev e outros.

Migração de texto da farsa- na Idade Média, cada cidade tinha sua própria trupe semi-amadora, que atuava em apresentações teatrais. Assim, as pessoas da cidade não sentiram a necessidade de fazer turnês com performances de atores. Mas os atores amadores já começaram a sentir a necessidade de atualizar seu repertório. Eles primeiro copiaram os textos das farsas à mão e, no final da Idade Média, as farsas já eram publicadas em pequenos livros. Os textos das farsas "percorreram" as cidades, não seus intérpretes.

Mímico- um tipo especial de performance no teatro antigo, que é uma pequena cena satírica cotidiana em que a forma poética se alterna com a prosa. Inicialmente, as mímicas eram tocadas nas ruas e nas casas de pessoas nobres, depois a mímica se transformou em um gênero teatral independente. A mímica atinge seu apogeu em Roma no século 1 aC. Neste momento, mulheres, mágicos e acrobatas começam a participar da mímica. Durante o tempo do Império Romano, a mímica se desenvolve em peças significativas com intrigas complexas e divertidas, e o lado espetacular se desenvolve nela. A mímica teve certa influência na literatura da antiguidade contemporânea a ele. A influência da mímica se espalhou ainda mais, pode ser vista claramente nas farsas medievais italianas, bem como nas performances da commedia dell'arte.

Milagre- um gênero de teatro de igreja medieval, seu enredo é baseado em um “milagre” (é assim que o próprio nome do gênero é traduzido - miraculum em latim significa “milagre”) realizado por uma santa ou virgem Maria. Milagre apareceu na França no século 13 e se espalhou em todos os países da Europa Ocidental. No milagre, a vida terrena foi retratada como um refúgio de tristeza e sofrimento. Somente a intervenção milagrosa das forças celestiais no destino do homem levou ao triunfo da justiça e ao atropelamento do vício. Com o tempo, histórias de lendas e apócrifos começam a ser usadas em milagres. O auge do gênero cai nos séculos XIV-XV e está associado aos eventos da Guerra dos Cem Anos. No século 15, os milagres começaram a usar os enredos de histórias de aventuras, fablios e poemas latinos. Nesse momento, o elemento religioso começa a ser gradualmente retirado da trama pelo secular cotidiano, e o milagre em seu conteúdo começa a se assemelhar a um drama edificante cotidiano. No entanto, o princípio cristão continua sendo o único que determina a lógica da trama moral. Na Inglaterra, a palavra “moralidade” era frequentemente usada para se referir a peças de mistério. Em Espanha, a moralidade aproximava-se do género automóvel (encenações dramáticas espanholas e portuguesas num só acto de uma história bíblica. Posteriormente, no século XVI, os automóveis transformaram-se em acções grandiosas e exuberantes que se assemelham a mistérios). Os autores dos milagres eram amadores. poetas. Milagre foi composto em forma poética. Os realizadores dos primeiros milagres foram seus criadores, e os milagres foram tocados em puy. (Veja Puy). Os milagres emergiram gradualmente das paredes do puy e começaram a ser realizados por atores semi-amadores diante de um grande público. Durante o Renascimento na Espanha, os milagres se transformaram em "peças de santos", escritas pelos maiores autores do Renascimento. Nos séculos XVII-XVIII, o milagre em sua forma canônica foi preservado apenas no repertório dos teatros escolares jesuítas.

Mistério gênero do teatro medieval. O surgimento da peça de mistério no século 14 foi preparado pelas formas anteriores de teatro da igreja. O conteúdo do mistério eram tramas da Bíblia e do Evangelho. Cenas de cunho religioso alternavam-se com interlúdios cômicos, diableria e farsas. Assim, na peça de mistério, ocorreu uma combinação orgânica da igreja e dos teatros folclóricos da Idade Média. Num primeiro momento, a organização dos mistérios foi organizada pela igreja, que envolveu ativamente os paroquianos na participação na ação. Aliás, a participação nos mistérios era equiparada à aquisição de indulgências. O Mistério era uma espécie de Bíblia "viva" para paroquianos analfabetos. O desenvolvimento intensivo dos mistérios foi associado ao florescimento da cultura urbana nos séculos XIV-XV. No final do século XIII, uniões especiais, irmandades apareceram nas cidades medievais, especializadas na apresentação de mistérios e outras apresentações teatrais. As performances de mistério muitas vezes entravam organicamente nos grandes festivais das cidades da Idade Média. Os participantes do mistério eram artesãos medievais e pessoas da cidade. Cerca de 400 habitantes da cidade participaram de um mistério. O mistério atinge seu apogeu na França, onde em algumas cidades os mistérios duravam cerca de 6 meses por ano. No século XV, a organização dos mistérios passou para as mãos das autoridades da cidade. A dramaturgia mística foi dividida em três grandes ciclos: o Antigo Testamento, o Novo Testamento e o Apostólico. No século 16, na Inglaterra, Alemanha e Holanda, os Mistérios tornaram-se cada vez mais envolvidos na aguda luta religiosa que se desenrolou entre o catolicismo e o protestantismo. Nesses países, o elemento cômico e paródico aumentou significativamente em comparação com a trama religiosa principal. Simultaneidade (ver Simultaneidade) era o princípio principal da organização do espaço no mistério. Havia três maneiras de apresentar uma performance misteriosa: anel, gazebo, móbile. Eles, de certa forma, influenciaram o espaço cénico do teatro nos séculos XVI e XVII. A encenação do mistério foi dirigida pelos "mestres dos jogos", cada um com sua própria especialização - literária, parada, técnica. De particular interesse é a técnica de alta sham de performances de mistério. Os "milagres" habilmente feitos nos mistérios são descritos por admiradores contemporâneos.

Moralidade- um gênero de teatro medieval, edificando o drama alegórico. O gênero floresceu nos séculos 15 e 16. O princípio da moral cristã era o principal na moral, mas, ao mesmo tempo, a moralidade já está se afastando da teatralização das histórias bíblicas (que era característica de todos os gêneros de teatro da igreja) e remete a situações e conflitos da vida real. Os personagens principais da moralidade eram personagens que personificavam várias virtudes e vícios, entrando na luta pela alma humana. Essas imagens eram desprovidas de quaisquer traços e características individuais e eram personagens generalizantes coletivos - alegorias. O público entendido pelo figurino, maquiagem, palco detalha que tipo de personagem aparece no palco. Por exemplo, Vera apareceu no palco com uma cruz nas mãos, Nadezhda com uma âncora, Bajulação segurava um rabo de raposa nas mãos e acariciava Estupidez, que era facilmente reconhecível por um chapéu decorado com orelhas de burro. Esses personagens alegóricos entraram em conflito entre si, o que refletia o princípio cristão central da eterna luta entre o bem e o mal, o espírito e o corpo. Essa luta de interesses se desenrolou principalmente no diálogo, e não na ação, a representação das paixões foi substituída pela expressão verbal da opinião cristã sobre as paixões. Um enredo de moralidade popular, frequentemente encontrado nos séculos 15 e 16, era a história de um homem a quem a morte veio. Não encontrando apoio e salvação diante da Morte da Amizade, Riqueza, Parentesco, o Homem lembrou-se de suas Boas ações que o levaram às portas do Paraíso. No século 15, ecos de conflitos ideológicos e políticos aparecem na moralidade. As idéias políticas e morais dos burgueses estão gradualmente substituindo apenas o conteúdo cristão da moralidade. Assim, por exemplo, na Holanda, que no século XVI combateu a intervenção espanhola na moral, as ideias de independência nacional foram ativamente introduzidas. Na Inglaterra, na época da Reforma, a moralidade torna-se um meio de combate ao catolicismo. Assim, um drama moralizante burguês se forma gradualmente nas entranhas do gênero. No final do século XVI, a moralidade deixou quase completamente de existir. No entanto, personagens alegóricos tradicionais para a moralidade ainda serão encontrados nos primeiros dramas humanistas.

Simplório- um personagem de comédia folclórica, um papel de palco de um teatro medieval, um intérprete dos papéis de pessoas simplórias, ingênuas, de mente estreita (mais frequentemente - aparentemente). O protótipo do simplório é "tolo" (veja Tolo). Os simplórios aparecem pela primeira vez em farsas, e depois se tornam personagens de mistérios e, mais tarde, de moralidade. Este é o papel do teatro medieval; mais tarde, um papel teatral estável, difundido nos gêneros cômicos do teatro profissional, se cristaliza.

Puy- vem do francês "Puy", que significa uma colina, um pequeno palco - são uniões literárias e teatrais amadoras que surgiram na Idade Média em igrejas e abadias. Em puy, padres e paroquianos instruídos liam textos da igreja, cantavam hinos, compunham poemas e peças espirituais. O surgimento do primeiro puy na França, os cientistas atribuem ao século XI. O crescimento das cidades e o desenvolvimento da cultura urbana influenciaram significativamente as atividades do puy, a cultura secular está cada vez mais penetrando nos escritos de padres e poetas. No Puy de Arras, que era chamado de "irmandade dos malabaristas", Adam de La Alle criou uma das primeiras obras do teatro medieval secular - "Jogo na Árvore". O Puy influenciou significativamente a criação de irmandades teatrais semiprofissionais na Idade Média.

Reforma- um amplo movimento social que varreu a Europa Ocidental e Central no século XVI, cujo conteúdo era principalmente a luta contra a Igreja Católica Romana. O movimento começou na Alemanha com um discurso de Martinho Lutero. Durante a Reforma, foram apresentadas teses que negavam a necessidade da existência da Igreja Católica, com sua hierarquia do clero, negavam os direitos da Igreja às riquezas terrenas, e avançavam a demanda pelo "barateamento" da Igreja . A Sagrada Escritura foi proclamada a única fonte de verdade religiosa; a Santa Tradição do Catolicismo foi rejeitada. Sob a bandeira ideológica da Reforma, uma guerra camponesa ocorreu na Alemanha e revoluções burguesas ocorreram na Holanda e na Inglaterra. A Reforma marcou o início do protestantismo.

Duplas Sagradas- um par de heróis que aparece ainda nos estágios iniciais do desenvolvimento do rito agrário, um dos heróis encarna a morte, o outro a vida. A vitória de um sobre o outro, da vida sobre a morte, é a base da trama ritual. No processo de evolução no teatro medieval, os duplos sagrados perdem seus atributos rituais e se transformam em personagens de farsa.

Teatro secular- uma das formas de teatro na Idade Média, que surgiu no século XIII. Os primeiros exemplos de teatro secular são considerados as obras do trouveur Arras Adam de La Halle “The Game in the Gazebo” e “The Game of Robin and Marion”. O teatro secular surge e se desenvolve na Idade Média simultaneamente ao teatro da igreja. Houve uma interação e influência mútua dos dois tipos de teatro entre si.

Secularização- vem do latim saecularis - mundano, secular. Na Idade Média Ocidental, esta é a transição de uma pessoa de um estado espiritual para um estado secular, bem como a libertação da consciência e cultura humanas da influência religiosa.

Simultaneidade- vem do francês simultane - simultaneo. O princípio central de todas as formas de teatro medieval é que todas as cenas de ação estão localizadas no palco ao mesmo tempo.

Soti- um gênero comédia-sátira do teatro medieval francês dos séculos XV-XVI. O nome vem da palavra francesa sot - tolo, estúpido. O gênero se desenvolveu a partir do festival de paródias “Fools”. Todos os personagens da centena aparecem como tolos, vestidos com roupas apropriadas de bobo da corte. O detalhe ou atributo necessário foi adicionado a cada traje, graças ao qual o espectador entendeu imediatamente quem o personagem estava representando alegoricamente. Centenas foram compostas e tocadas por sindicatos semi-amadores especiais, que criaram enredos que parodiavam grandes eventos políticos ou que ridicularizavam a moral moderna e os vícios dos habitantes da cidade. Entre os escritores e intérpretes de soti, a sociedade parisiense de palhaços “Crianças Despreocupadas” tornou-se especialmente famosa. No final do século XVI, o soti foi proibido pelas autoridades reais.

linguagem de palco- nos estudos de teatro, este conceito significa um conjunto de técnicas artísticas e meios expressivos utilizados pelos diretores do espetáculo para revelar sua intenção artística. A linguagem cênica da performance não é idêntica ao texto da peça, na qual se baseia em parte.

Trovador- Poeta-cantor provençal nos séculos XI-XIII. As letras dos trovadores cantavam o amor cortês, os sentimentos refinados dos amantes.

Trouver- poeta ou cantor da corte medieval, escritor de dramas medievais. A arte dos trovadores experimentou certa influência da arte dos trovadores, mas era mais racional.

Farsa- um tipo de teatro medieval popular. O nome vem do latim farcio - começo. Há muitos pontos de vista sobre a origem da farsa. Duas coisas dominam na ciência teatral: a farsa originada das cenas de comédia que se originam nos mistérios, que “enchiam” sua ação insípida; farsa desenvolveu-se como um gênero independente e originou-se de ritos pagãos agrários que migraram para a cidade. Tendo se desenvolvido como um gênero independente, passou a ser incluído na ação das produções de mistério. A farsa estava cheia de bufonaria, humor áspero. O assunto da imagem na farsa é na maioria das vezes os aspectos domésticos e familiares da vida das pessoas da cidade medieval. As farsas eram representadas em mesas de palco primitivas instaladas nas praças da cidade durante as feiras e feriados da cidade. Os executores de farsas - farsantes - usavam amplamente as técnicas da comédia externa (brigas, batedores, subir em um barril, em uma bolsa, em um baú, brigas, disputas etc.) Nas farsas, formam-se imagens-máscaras estáveis, desprovidas de um começo individual: um médico charlatão, uma esposa briguenta, um marido simplório, um erudito pedante, um monge dissoluto etc. Uma farsa é sempre baseada em trapaça, em engano. Moral da farsa: o ladrão será roubado. A dramaturgia farsa atinge o seu apogeu nos séculos XV-XVI. A dramaturgia do início do Renascimento usou ativamente as tradições farsas. A farsa teve um impacto significativo no desenvolvimento do teatro de comédia na França, Itália, Espanha, Inglaterra, Alemanha no século XVII. Conectada em suas origens com rituais e jogos folclóricos, a farsa teve um caráter nacionalmente único em cada país. Farsas, centenas, moralidade formaram a base do repertório das corporações teatrais semiprofissionais da Idade Média.

Fastnachtspiel- em alemão Fastnachtspiel, literalmente - jogo de entrudo. Isso faz parte das apresentações carnavalescas dos séculos XIV-XV. Farce vem do fastnachtspiel na Alemanha. Inicialmente, o fastnachtspiel foi construído sobre o princípio da paródia do ridículo e era uma cena de conteúdo cotidiano. Nos séculos 15 e 16, o fastnachtspiel foi submetido ao processamento literário, começou a usar as tramas da literatura de cavalaria, schwank. Durante o período da Reforma, o fastnachtspiel refletiu a oposição religiosa moderna. No início do século XVI, as procissões de carnaval foram proibidas na Alemanha, e com elas o fastnachtspiel.

teatro da igreja- uma forma de teatro na Idade Média, que se originou na igreja, nas profundezas do culto da igreja. Os criadores e atores dos dramas da igreja eram os ministros da igreja. No teatro da igreja na Europa Ocidental, dois tipos de drama foram formados: litúrgico e semi-litúrgico.

Shpilman- vem do alemão spielen - jogar e Mann - uma pessoa; nos países de língua alemã, era o nome dos atores-músicos medievais errantes. Eles se apresentavam em feiras da cidade, bem como em tribunais. Eram simultaneamente poetas, atores, cantores, acrobatas, músicos, dançarinos. Simultaneamente com o crescimento e desenvolvimento das cidades, os Spielmans se estabeleceram e fundaram organizações de lojas.

Bobo da corte- um personagem cômico do teatro medieval, bem como apresentações de feiras dos últimos tempos. Provavelmente, o bobo da corte é descendente do Louco (veja "Tolo"), seu traje atesta isso. O bobo da corte está vestido com roupas verde-amareladas, costuradas com tiras de tecido coloridas alternadas, na cabeça ele usa um gorro com longas orelhas de burro, nas extremidades das quais podem ser presos sinos. Na mão do bobo da corte está um chocalho, que é uma estatueta ou cabeça de um bobo da corte. A aparição do bobo da corte é sempre precedida pelo barulho desse chocalho. No teatro medieval, o Bobo da Corte aparece, sempre violando o enredo ou a lógica da ação, sua atuação não está de forma alguma ligada à ação principal da atuação. Seus monólogos, via de regra, são puras improvisações, nas quais ele podia falar em qualquer ocasião. O riso de um bobo da corte na Idade Média não era considerado satírico, derrubando, reduzindo o objeto do ridículo, seu riso era ambivalente. A tradição da risada de um bobo da corte pode ser vista nas comédias renascentistas de Shakespeare. O bobo da corte é um personagem obrigatório em performances de mistério. Como personagem, ele também figurou na moral, às centenas, nas farsas.

Renascença - (Renascença)- do Renascimento francês, que significa renascimento. Este termo foi usado pela primeira vez pelo cientista e escritor italiano G. Vasari em relação às rápidas mudanças que ocorreram na arte da Itália nos séculos XV-XVI. No entanto, o Renascimento foi vivenciado não apenas pela Itália, mas por todos os países da Europa Ocidental e Central. (Se você seguir a idéia de N. Konrad - Konrad N. West and East. M: Nauka, 1963 - todos os países experimentaram seu renascimento.) O Renascimento é um período no desenvolvimento histórico e cultural dos países do Ocidente e Europa Central, transição da Idade Média para a cultura do Novo Tempo. Na Itália nos séculos XIV-XVI, em outros países - no final do XV - no início do século XVI. No Renascimento, há mudanças radicais na consciência e uma mudança de um sistema de atitude e visão de mundo para outro. Isso levou ao surgimento de novas tendências artísticas, tendências, estilos e escolas. A cultura do Renascimento é caracterizada principalmente por características seculares, anticlericais, humanísticas, um apelo à herança cultural da antiguidade. As ideias das possibilidades ilimitadas do homem, a negação da ascese, a escolástica, o sentimento da totalidade e harmonia do universo, a beleza e harmonia da realidade, na qual o lugar central é dado ao homem, são decisivas para todos os tipos de arte desta época. O teatro ocupa um lugar especial entre outras formas de arte. O apogeu do teatro cai nesse período da cultura renascentista, quando o ideal humanista começa a entrar em crise, quando profundas contradições são reveladas na ideia renascentista da igualdade de Deus. A escala do conflito da época tornou-se a base para o florescimento do grande drama do Renascimento. No final do Renascimento, surgiu um grande teatro nos países europeus. Sua formação coincide com o processo mais importante de formação das línguas nacionais, que começou no Renascimento. A arte do teatro, sem romper a princípio com as tradições cênicas medievais, entra em um período de desenvolvimento profissional final. Nos estados europeus, existem teatros públicos da cidade com trupes profissionais que fazem apresentações regularmente.