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Detalhes Categoria: Belas artes e arquitetura do final dos séculos XVI-XVIII Publicado em 04/07/2017 15:31 Visualizações: 3113

Na arte da Europa Ocidental dos séculos XVII-XVIII. as principais tendências e tendências artísticas foram o barroco e o classicismo. Academias de artes e arquitetura foram criadas em muitos países europeus. Mas nenhum desses estilos existia na arte da Inglaterra nos séculos XVII e XVIII. na sua forma mais pura, porque chegaram ao solo inglês muito mais tarde do que a outros países.

A arte inglesa deste período é caracterizada pela atenção à vida emocional das pessoas, especialmente o retrato. Além disso, o Iluminismo inglês deu atenção especial às ideias da educação moral do indivíduo, aos problemas da ética e da moral. Outro gênero principal da pintura inglesa desse período foi o gênero cotidiano. Falamos sobre os artistas mais famosos (T. Gainsborough, D. Reynolds, W. Hogarth) em nosso site.

Arquitetura

Nos séculos XVII e XVIII A Inglaterra foi um dos maiores centros da arquitetura europeia. Mas diferentes estilos e tendências arquitetônicas às vezes existiam aqui ao mesmo tempo.
Nas origens da tradição arquitetônica britânica estava Inigo Jones(1573-1652), arquiteto, designer e artista inglês.

Retrato póstumo de Inigo Jones por William Hogarth (pintado de um retrato vitalício de Van Dyck)

Inigo Jones nasceu em 1573 em Londres na família de um costureiro. Em 1603-1605. Jones estudou desenho e artes decorativas na Itália. Retornando à sua terra natal, dedicou-se à criação de cenários para apresentações teatrais, desempenhou um papel significativo no desenvolvimento do teatro europeu.
Em 1613-1615. Jones está de volta à Itália, estudando a obra de Andrea Palladio, arquitetura antiga e renascentista. Em 1615, Jones tornou-se o principal zelador dos edifícios reais, em Greenwich ele logo começou a construir a mansão rural da rainha Anne, esposa de James I.

casa das rainhas

A Casa das Rainhas, de dois andares, é um cubo monolítico, completamente branco e quase sem decorações arquitetônicas. Há uma loggia no centro da fachada do parque. A Queens House foi o primeiro edifício inglês no estilo do classicismo.

Tulip Staircase of Queens House, Greenwich

A próxima obra do arquiteto é a Banqueting House em Londres (1619-1622). Sua fachada de dois andares é quase inteiramente coberta com decoração arquitetônica. No interior, uma colunata de duas camadas reproduz a aparência de um antigo templo. Os edifícios de Jones se adequavam aos gostos da corte inglesa da época. Mas a obra de Jones só foi apreciada no século XVIII: foi redescoberta pelos fãs de Palladio, e suas obras tornaram-se modelos para as construções do Palladianismo inglês.

Casa de banquetes

No final do XVI-início do século XVII. performances teatrais (“máscaras”) desempenharam um papel importante na história do palácio. Particularmente famosos foram os cenários e figurinos criados por Inigo Jones, um talentoso designer de teatro.
A casa de banquetes tem 34 metros de comprimento, 17 metros de largura e a mesma altura. Acima da base alta erguem-se dois andares. Amplas janelas são dispostas ritmicamente ao longo da fachada. O centro do edifício é destacado por 8 colunas jônicas na linha inferior, coríntias - na parte superior. Um friso em forma de guirlandas esculpidas em pedra foi criado acima das janelas do andar superior. Uma elegante balaustrada completa toda a composição. O único salão deste prédio foi decorado por Rubens.
No final do século XIX. O prédio abrigava uma exposição do museu de história militar.

Uma nova etapa na história da arquitetura inglesa começou na segunda metade do século XVII, quando surgiram os primeiros edifícios. Sir Christopher Wren(1632-1723), um dos mais famosos e reverenciados arquitetos ingleses.

Gottfried Kneller "Retrato de Christopher Wren" (1711)

Sir Christopher Wren, arquiteto e matemático, reconstruiu o centro de Londres após o grande incêndio de 1666. Ele criou o estilo nacional da arquitetura inglesa, o classicismo de Wren.
Wren era um cientista, estudou matemática e astronomia, virou-se para a arquitetura quando já tinha mais de trinta anos. Ao longo de uma longa e frutífera atividade, conseguiu concretizar quase todas as suas ideias. Ele construiu palácios e templos, bibliotecas e teatros, hospitais e prefeituras, equipou as áreas residenciais de Londres. Juntos, os muitos prédios de Wren dariam uma cidade de tamanho médio. Após o "grande incêndio" de 1666, Wren participou ativamente da restauração de Londres: ele reconstruiu mais de 50 das 87 igrejas queimadas. A grandiosa e majestosa Catedral de St. Paulo, que se tornou o maior edifício religioso do mundo protestante.

Situado às margens do Tâmisa, o Royal Hospital em Greenwich é o último grande edifício de Christopher Wren. O grande complexo hospitalar é composto por 4 edifícios, formando pátios rectangulares com uma área ampla entre os edifícios frontais, virados para o rio com pórticos de fachadas. Degraus largos, em ambos os lados dos quais são majestosos edifícios abobadados, levam à segunda praça entre o segundo par de pátios. As colunatas de duas colunas que emolduram a praça formam uma perspectiva muito espetacular, terminando com a Queens House of Inigo Jones. O arquiteto também participou da construção do Hospital de Greenwich Nicholas Hawksmoor(1661-1736). Ele começou a trabalhar durante a vida de Wren e continuou após a morte do arquiteto.
Wren seguiu o caminho de Inigo Jones. Mas Jones absorveu o espírito do Renascimento italiano e Wren trabalhou no estilo do classicismo.
A tradição de Christopher Wren continuou James Gibbs(1682-1754) - a figura mais marcante e original da arquitetura inglesa na primeira metade do século XVIII, um dos poucos representantes do estilo barroco na arquitetura britânica. Ele também construiu no estilo palladiano, emprestando certos elementos dele.

A. Soldi "Retrato de James Gibbs"

A maior influência de Gibbs foi o trabalho de Christopher Wren, mas Gibbs desenvolveu gradualmente seu próprio estilo. Sua famosa Biblioteca Radcliffe em Oxford, austera e monumental, ocupa um dos primeiros lugares entre os melhores monumentos da arquitetura inglesa.

A biblioteca é o mais significativo dos edifícios de Gibbs em termos de escala e mérito artístico. Este tipo de estrutura cêntrica é constituído por um plinto de 16 lados, uma parte principal cilíndrica e uma cúpula. O plinto é cortado por grandes aberturas de portas e janelas em arco; a parte principal redonda é dividida por colunas emparelhadas em 16 pilares, nos quais se alternam janelas e nichos dispostos em duas camadas. Uma cúpula coroada com uma lanterna se eleva acima da balaustrada.
A biblioteca é um dos melhores monumentos da arquitetura inglesa.
Outra obra-prima de Gibbs é a Igreja de São Martinho nos Campos.

Igreja de São Martinho nos Campos

Ela adorna a Trafalgar Square, em Londres. Em St. Martin in the Fields, a influência de Christopher Wren pode ser rastreada, mas a torre do sino não é apontada como um edifício separado, ela forma um todo único com o edifício da igreja. Inicialmente, os contemporâneos criticaram essa decisão do arquiteto, mas depois a igreja se tornou um modelo para inúmeras igrejas anglicanas na própria Inglaterra e além.

Palladianismo Inglês

Palladianismo Inglês associado com o nome William Kent(c. 1684-1748), arquitecto, arqueólogo, pintor e editor.

Villa em Chiswick (1723-1729)

A vila foi erguida por Lord Burlington com a participação direta de William Kent. Este é o edifício mais famoso do Palladianismo Inglês. Quase literalmente repete a Villa "Rotonda" de Andrea Palladio, com exceção das fachadas.

Villa Park em Chiswick

A fachada do parque é decorada com um pórtico com frontão; uma escadaria complexa e refinada leva ao pórtico. A vila não era para ser habitada, sem quartos ou cozinhas, apenas salas para as coleções de arte de Burlington.
Graças ao patrocínio de Lord Burlington, Kent recebeu comissões para a construção de edifícios públicos em Londres, como o Horse Guards.

guardas de cavalos

Horse Guards é o quartel dos Horse Guards em Londres. Este é o trabalho mais maduro de William Kent.
William Kent construiu vários palácios em Londres. Encomendas cumpridas para design de interiores de residências de campo da nobreza inglesa. A principal obra de Kent foi a propriedade de Holkem Hall no condado de Norfolk.

Holkeme Hall em Norfolk

Destinava-se à coleção de arte de Lord Leicester. Especialmente famosos são os interiores do Holkeme Hall, cheios de seda, veludo e dourado. Os móveis também foram feitos de acordo com os desenhos de Kent.

parque inglês

O parque paisagístico inglês é uma importante conquista da arquitetura inglesa do século XVIII. No parque paisagístico criou-se a ilusão de uma natureza real e intocada, aqui não se fez sentir a presença do homem e da civilização moderna.
O primeiro parque paisagístico foi organizado na era palladiana na propriedade do poeta Alexander Pope em Twicknam (um subúrbio de Londres). O parque regular francês lhe parecia a personificação da tirania estatal, que subjugava até a natureza (o parque de Versalhes). O poeta considerava a Inglaterra um país livre. Um inovador na arte de jardinagem da Inglaterra foi William Kent. Ele criou os melhores parques paisagísticos da época: o parque da Villa Chiswick House, o parque Champs Elysees em Stowe, no centro da Inglaterra.

Parque "Champs Elysees"

Particularmente impressionantes foram as ruínas artificiais, construídas especificamente, chamadas de Templo da Virtude Moderna. Aparentemente, as ruínas simbolizavam o declínio da moral na sociedade moderna e se opunham ao luxuoso Templo da antiga virtude, construído por W. Kent no estilo antigo.

O Templo da Virtude Antiga, construído por W. Kent no estilo antigo, é um edifício de cúpula redonda cercado por uma colunata de 16 colunas jônicas lisas montadas em um pódio baixo. O templo tem duas entradas em forma de aberturas em arco, cada uma das quais leva a uma escada de 12 degraus. Existem 4 nichos dentro do templo, nos quais estão instaladas estátuas em tamanho humano de celebridades gregas antigas.
Já em meados do século XVIII. parques paisagísticos eram comuns na Inglaterra, França, Alemanha, Rússia.

O último grande representante do Palladianismo na arquitetura inglesa foi William Chambers(1723-1796) - Arquiteto escocês, representante do classicismo na arquitetura.

F. Kotes "Retrato de W. Chambers"

Chambers fez uma contribuição significativa para o desenvolvimento da arte da paisagem. Graças a Chambers, motivos exóticos (chineses) apareceram no tradicional parque paisagístico inglês.

grande pagode- o primeiro edifício no espírito da arquitetura chinesa na Europa. Foi construído em Richmond Gardens, Kew em 1761-1762. projetado pelo arquiteto da corte William Chambers de acordo com os desejos da mãe do rei George III, Augusta. A altura é de 50 m, o diâmetro da camada inferior é de 15 m. Dentro do pagode há uma escada de 243 degraus, o telhado é de telhas.
Imitações do pagode de Kew apareceram no Jardim Inglês em Munique e em outras partes da Europa. Por capricho de Catarina II, o compatriota de Chambers, Charles Cameron, projetou uma estrutura semelhante no centro da vila chinesa de Tsarskoe Selo, mas o projeto não foi implementado. Mas as casas chinesas ainda foram construídas.

casas chinesas. Aldeia chinesa no Parque Alexander de Tsarskoe Selo

Arquitetura neoclássica

Quando em meados do século XVIII. na Itália, começaram as primeiras escavações arqueológicas de monumentos antigos, todos os maiores representantes do neoclassicismo inglês foram a Roma para ver as ruínas de estruturas antigas. Outros arquitetos ingleses foram para a Grécia para estudar edifícios gregos antigos. Na Inglaterra, o neoclassicismo diferia na medida em que assumiu leveza e elegância da antiguidade, especialmente nos interiores neoclássicos ingleses. pelo contrário, todos os edifícios eram mais leves e elegantes.

G. Wilson "Retrato de Robert Adam"

Ele desempenhou um papel especial na arquitetura do neoclassicismo inglês. Robert Adam(1728-1792), arquiteto escocês da dinastia Palladian Adam, o maior representante do classicismo britânico do século XVIII. Adam confiou no estudo da arquitetura antiga e usou formas clássicas estritas. A atividade arquitetônica de Adam era muito ampla. Junto com seus irmãos James, John e William, construiu mansões e prédios públicos, construiu ruas inteiras, praças, quarteirões de Londres. Seu método criativo é o racionalismo, vestido com as formas da antiguidade grega.

Casa na Sion House em Londres. Arco. R. Adam (1762-1764). Recepção. Londres, Grã-Bretanha)

A sala de recepção da Syon House é um dos interiores mais famosos de Adam. A sala é decorada com doze colunas de mármore azul com capitéis dourados e esculturas no topo. Os troncos dessas colunas são realmente antigos - foram encontrados no fundo do rio Tibre, em Roma, enquanto os capitéis e as esculturas foram feitos de acordo com os desenhos do próprio Adão. As colunas aqui não suportam o teto, mas são simplesmente presas à parede, mas dão à sala uma aparência majestosa.

Durante a vida do mestre, os interiores de Adam foram considerados por muitos como a maior conquista da arquitetura inglesa. As tradições de sua arte há muito mantêm seu significado na arquitetura inglesa.
Mas no neoclassicismo do século XVIII. havia dois arquitetos cuja maneira diferia do "estilo de Adão": Jorge Dança Jr.(1741-1825) e Sir John Soane(1753-1837). O edifício mais famoso da dança foi a prisão de Newgate em Londres (não preservada). John Soane seguiu largamente o estilo da Dança, foi o arquitecto principal do edifício do Banco de Inglaterra (1795-1827) e dedicou uma parte significativa da sua vida à sua construção.

"Revival Gótico" (Neo-Gótico)

Em meados do século XVIII. na Inglaterra, surgiram edifícios que usavam os motivos da arquitetura gótica: arcos de lanceta, telhados altos com encostas íngremes, vitrais. Este período de entusiasmo pelo gótico é comumente chamado de "renascimento gótico" (neo-gótico). Permaneceu até o início do século XX. e tornou-se um estilo popular até hoje: na Inglaterra, edifícios em estilo gótico são frequentemente construídos).
O fundador do "renascimento gótico" foi o Conde Horácio Walpole(1717-1797) - escritor, autor do primeiro romance de terror "O Castelo de Otranto". Em 1746-1790. ele reconstruiu em estilo gótico sua vila na propriedade de Strawberry Hill (Twicknam, um subúrbio de Londres).

Vila

A Abadia de Font Hill, no centro da Inglaterra, foi construída em 1796-1807. arquiteto James Wyeth (1746-1813).

Font Hill Abbey (não existe mais)

Já no século XIX. O estilo gótico tornou-se estado. Neste estilo em meados do século XIX. as Casas do Parlamento em Londres estavam em construção (arquiteto Charles Barry) - uma das principais estruturas da arquitetura inglesa da época.

A.V. Chekmarev

Catedral da Trindade

Alexander Nevsky Lavra

como exemplo iconográfico

Parte 2. O novo santuário da capital

O artigo foi publicado na coleção "São Petersburgo e a arquitetura da Rússia. Arquitetura na história da cultura russa". Questão. 7. M., 2007. S. 317-362.

Catedral da Trindade de Alexander Nevsky Lavra. Fachada ocidental. Foto do início do século 20

A era elisabetana trouxe novos ideais de arquitetura do templo. Sob o disfarce da Catedral da Transfiguração na capital, que tinha o significado de um monumento à ascensão da imperatriz ao trono, a ideia da tradicional estrutura russa de cinco cúpulas foi revivida. A combinação do tipo de templo nacional "grego" com os princípios do barroco deu origem a todo um conjunto de estruturas na obra de P.A. Trezzini e F.B. Rastrelli, erguidas por ordem da própria Imperatriz e de pessoas da sua comitiva. Contra esse pano de fundo do Renascimento ortodoxo, a estranheza da inacabada Catedral de Schwertfeger foi mais claramente manifestada. O radicalismo de Petrovsky em relação aos símbolos ortodoxos primordiais claramente não encontrou apoio na corte de Elizabeth, que honrava as tradições religiosas. No entanto, a ideia de abandonar completamente a Catedral da Trindade em sua forma anterior tomou forma, provavelmente, não imediatamente. O desmantelamento foi inicialmente considerado uma medida técnica forçada. Há razões para acreditar que mais tarde foi planejado reconstruir a catedral novamente nas mesmas formas, com algumas pequenas alterações. Caso contrário, é difícil explicar o aparecimento em 1748 de uma gravura de G. Kachalov (baseada em um desenho de M. Makhaev) com vista para o Mosteiro Alexander Nevsky, encomendado pelo Arquimandrita Teodósio.

Vista do Mosteiro Alexander Nevsky. Desenho de M.I. Makhaev. 1747

St. Alexander Nevsky (com um panorama do Mosteiro Alexander Nevsky). ícone da década de 1740 OIRK GE

É um tanto inesperado ver uma réplica direta da Catedral da Trindade nas ordens da própria Imperatriz Elizabeth. 1752 remonta ao projeto ainda não realizado da Igreja da Ressurreição da Palavra para a propriedade real em Pokrovsky-Rubtsovo, perto de Moscou.

A sua autoria está associada a F.-B. Rastrelli, que realizou outros trabalhos para esta residência, e o desenho em si pertence ao "aluno de arquiteto do Gabinete do Chefe de Polícia" Vasily Zabolotsky.

O projeto da Igreja da Ressurreição da Palavra na vila palaciana de Pokrovskoye-Rubtsovo. Desenho de V. Zabolotsky. 1752 GNIMA eles. AV Shchusev

O templo proposto repete o modelo de Schwertfeger tanto no planejamento quanto na solução volumétrica, apenas de forma reduzida e simplificada. A raridade deste projeto no contexto da arquitetura do templo elizabetano pode ser explicada por apenas uma circunstância - a veneração da personalidade do pai pela filha e, como resultado, os símbolos associados a ele. Um deles, sem dúvida, foi a Catedral da Trindade do Mosteiro Alexander Nevsky. Tudo isso prova que o condenado no início da década de 1740. e, além disso, o templo, enfaticamente inovador na arquitetura, manteve sua relevância por bastante tempo. O culto de homenagem ao primeiro imperador, mesmo então, deu à estrutura, estranha para a percepção russa, um caráter memorial. No entanto, em 1755 a catedral foi desmantelada. Sob Elizabeth, o assunto nunca chegou a sua renovação.

Além dos exemplos considerados, apenas um projeto de uma igreja de dois sinos na arquitetura russa do período pré-catarino é conhecido. Executado por P.A. Trezzini em 1751 para o complexo da Trindade-Sergius Lavra em São Petersburgo, procurou comprometer o tipo de igreja de dois sinos, proveniente da igreja romana de Sant'Agnese C.Borromini, com o russo de cinco volume principal abobadado.

O projeto de uma igreja de dois sinos para o Complexo da Fonte da Trindade-Sergius Lavra em São Petersburgo. Desenho de P. A. Trezzini. 1751

Este e, possivelmente, outros planos que existiam fora da linha principal de construção do templo russo e não tiveram apoio nas iniciativas ideologicamente significativas de Pedro, o Grande, não deixaram uma tradição estável na arquitetura russa, nem mesmo os próprios monumentos. Deve-se notar também que o enxerto da tipologia de duas torres no edifício da igreja ortodoxa, realizado duas vezes nas catedrais da capital pelo próprio Pedro, respondeu apenas com um leve eco. A ausência de projetos e edifícios semelhantes após 1752 confirma o desaparecimento quase completo desse tema arquitetônico na Rússia. No entanto, o poder de S. Alexandre Nevsky e Pedro, o Grande, multiplicados pelas ideias políticas da imperatriz Catarina II , tornou possível reviver o tipo de igreja ortodoxa de dois sinos, além disso, novamente sob o disfarce da Catedral da Trindade do principal mosteiro metropolitano. E esta terceira vacinação foi a mais bem sucedida.

A ideia de concluir a construção do Mosteiro Alexander Nevsky veio de Catarina II já em 1763. No início de 1764, o reitor, arcebispo Gabriel, apresentou à mais alta consideração uma nota “sobre a estrutura do Mosteiro de Alexandre Nevsky, o que, na opinião dos bispos, deveria ser reconstruído nele, e o que deve ser corrigido da estrutura anterior para força e conveniência para viver.” Em primeiro lugar, Gabriel colocou a questão da construção de uma igreja catedral. O desenvolvimento do projeto para a nova catedral foi confiado a quase todos os principais arquitetos de São Petersburgo - J.-B. Vallin-Delamote, Yu. M. Felten, A. F. Whist e outros. Infelizmente, os desenhos apresentados naquela época são desconhecidos, nenhum recebeu aprovação e a construção do templo foi adiada por muito tempo. Que catedral a imperatriz queria ver permanece um mistério. No entanto, um pormenor nas condições da ordem permite-nos falar da sua pertença à tipologia dos dois sinos. O edifício deveria ser erguido sobre fundações antigas (com seu reforço), ou seja, repetir o tamanho e a estrutura do templo de Schwertfeger desmantelado.

A reconstrução da catedral significou simbolicamente a sucessão do novo governo aos empreendimentos de Pedro, expresso mais tarde na significativa tese de Catarina: "O que foi iniciado se completa". O regresso à aparência do santuário da capital, aprovado pessoalmente por Pedro no contexto da iminente interrupção da construção do Mosteiro de Smolny (o principal projeto da igreja do reinado anterior) também pode ser interpretado como uma repreensão à falecida Isabel, sob onde a conexão dos tempos parecia “se partir” e houve uma reversão aos princípios pré-petrinos. CatarinaII em virtude de sua origem e educação, eles eram estranhos, e a era petrina (expressa, inclusive em símbolos arquitetônicos) tornou-se para ela o principal marco da história russa. A restauração na década de 1760 é significativa. em sua antiga forma da Catedral de Pedro e Paulo, que ardeu após ser atingida por um raio em 1756. Apesar da presença de vários projetos que preservam a composição geral do edifício, mas modernizam suas formas arquitetônicas, a aparência da catedral foi trazida o mais próximo possível do original. Em consonância com a "herança arquitetônica" do primeiro imperador está o plano de Catarina para a Catedral da Trindade do Mosteiro de Alexandre Nevsky. Em meados da década de 1770, quando se decidiu implementá-lo novamente, o conceito foi enriquecido por uma série de novas ideias relevantes que surgiram no âmbito do chamado. "projeto grego".

Em 1774, o projeto da Catedral da Trindade foi confiado a I.E. Starov, conhecido da Imperatriz por seu trabalho nas propriedades de seu filho ilegítimo A.G. Bobrinsky. Dois anos depois, em 26 de fevereiro de 1776, o projeto e a estimativa foram aprovados pelo mais alto e, dois anos depois, o templo foi solenemente colocado. A cerimônia ocorreu em 30 de agosto de 1778, no dia da celebração da transferência das relíquias de Alexandre Nevsky por Pedro, o Grande. Além da imperatriz, estiveram presentes o grão-duque Pavel Petrovich e sua esposa e uma grande comitiva. O telhado do pavilhão erguido na ocasião foi decorado com o monograma de Alexander Nevsky com um brilho e uma coroa. Na fundação do templo, a imperatriz colocou em um relicário de prata uma partícula das relíquias do apóstolo André, o Primeiro Chamado, o patrono celestial do Império Russo. Sob a liderança de Starov, foi feito um modelo de madeira, o que possibilitou imaginar o futuro edifício em detalhes.

Vista do Alexander Nevsky Lavra. Gravura colorida por I.A. Ivanova. início do século 19

Modelo da Catedral da Trindade. NIMRAH

A própria catedral foi construída em bruto por volta de 1786. Sua consagração ocorreu em 30 de agosto de 1790 na presença de Catarina e toda a família imperial.

Vale ressaltar que Starov não foi restringido pela necessidade de se encaixar no tamanho do edifício anterior, seu templo fica em novas fundações. Isso novamente confirma a natureza nada utilitária da repetição do projeto de duas torres. A imperatriz reproduziu o esquema da basílica com alpendre da igreja de dois sinos, vindo de Pedro, enchendo a imagem arquitetônica de novo conteúdo. A adesão direta aos preceitos de Pedro é combinada aqui com uma sonoridade qualitativamente nova do tema romano.

Os planos geopolíticos para a conquista do Império Otomano e a libertação dos povos ortodoxos dos Balcãs visavam recriar Bizâncio - a segunda Roma. A ideia grandiosa ressoou na arquitetura de Catarina com uma série de projetos e edifícios que expressavam figurativamente a nova missão da coroa russa. Alusões transparentes (não apenas semânticas, mas também puramente arquitetônicas), apontando para a continuidade da Rússia a partir da segunda Roma - Tsargrad (e mais adiante - da Antiga Hélade), formaram a base de talvez o conjunto didático do "projeto grego" - o cidade de Sofia em Tsarskoye Selo com sua catedral de mesmo nome. Uma estreita conexão com esse programa ideológico também é encontrada na Catedral de São José em Mogilev, a nova residência rural de Pell, os Banhos Tsarskoe Selo com a Galeria Cameron e outros planos da Imperatriz. A Catedral da Trindade do Mosteiro Alexander Nevsky se encaixa organicamente aqui, cuja imagem apelou diretamente para a primeira Roma, que esteve nas origens da ideia imperial e do cristianismo europeu.

As associações com a Catedral Romana de São Pedro, indiretamente presente no primeiro projeto de Schwertfeger, são agora intensificadas. O classicismo, com sua dependência da herança da antiguidade e do renascimento, deu mais especificidade à semelhança - na silhueta geral da cúpula, no uso da ordem e do design de interiores. Isso levou a uma mudança notável na ênfase na composição do edifício - o domínio dos campanários barrocos de várias camadas foi substituído no plano de Starov pelo domínio da cúpula com torres relativamente baixas. A dica para o famoso protótipo romano é óbvia aqui, especialmente porque em São Petersburgo, que afirma ser a capital da Europa esclarecida, o tema da cúpula monumental que ofusca a cidade não foi apresentado antes. Com isso, ele perdeu não apenas para a "cidade eterna", mas também para outras capitais - Londres com a Catedral de São Paulo, Paris com a Catedral dos Inválidos, Viena com a Karlskirche. A basílica abobadada, elevando-se acima do Mosteiro Nevsky, organizando um panorama do complexo a partir do rio, enfatizou novamente o envolvimento da Rússia no curso da história europeia, incluindo a história da arquitetura. A cidade adquiriu um símbolo icônico, importante para a ideologia imperial e o estabelecimento de um estilo arquitetônico clássico. Segundo os pesquisadores do trabalho de Starov, a catedral "era o edifício religioso mais monumental da capital, e antes da construção da Catedral de Kazan por Voronikhin e da Catedral de Santo Isaac por Montferrand não tinha rivais". É importante que ambos os templos aqui mencionados tenham desenvolvido significativamente o tema romano em São Petersburgo, iniciado tão claramente pela Catedral da Trindade Lavra.

Veja: T.P. Fedotova. Sobre o problema das cinco cúpulas na arquitetura barroca da primeira metade do século XVIII // Arte barroca russa. Materiais e pesquisas. Ed. T.V. Alekseeva. M., 1977. S.70-87.

Ao decidir sobre o desmantelamento da Catedral da Trindade, o Senado instruiu “para construir a igreja da catedral no mesmo local e de acordo com o plano anterior e fachada conforme o modelo, apresentar um relatório a Sua Majestade Imperial do Senado, e quando o decreto for recebido, então que todo o valor será necessário para aquele prédio, apresentar ao Senado um relatório da Chancelaria dos prédios, segundo o qual será tomada uma decisão sobre a liberação do dinheiro ”(Santíssima Trindade Alexandre Nevsky Lavra. Livro 2. P. 86).

Uma ordem para a Academia de Ciências para a produção de gravuras foi recebida do Arcebispo Teodósio em abril de 1747. Primeiro, E. Grimmel executou um desenho representando a catedral de acordo com o projeto de D. Trezzini. Teodósio foi instruído a "fazer a igreja catedral de acordo com a estrutura atual". Em julho de 1747, M. Makhaev executou uma nova versão já com vista para a Catedral da Trindade de T. Schwertfeger. Em 1748, G.A. Kachalov fez uma gravura representando S. Alexander Nevsky e seu irmão Fyodor com o panorama do Mosteiro Alexander Nevsky a seus pés. Veja: M.A. Alekseeva. Mikhailo Makhaev. Mestre do desenho de espécies do século XVIII. SPb., 2003. S.64-67.

A. G. Pobedinskaya. Características barrocas na pintura de ícones russos dos séculos XVIII-XIX (com base em materiais da coleção OIRK) // Arte barroca russa. Novos materiais e pesquisas. Resumo de artigos. SPb., 1998. S.111-126. Arquitetos de Moscou durante o Barroco e Classicismo. (1700-1820). Comp. A.V. Krasheninnikov. M., 2004. S. 95.

No escudo sul, encomendado por Elizabeth Petrovna, os santuários de St. Alexander Nevsky há uma inscrição: “A soberana Isabel, uma imitadora da veneração paterna aos santos, zelosa por ele com piedade, essa coragem e santidade por seus atos adornou o câncer da prata adquirida pela primeira vez sob seu abençoado poder, ela foi prazer de construir no verão de 1750” (Santíssima Trindade Alexander Nevsky Lavra. Livro 2. P.195.

As suposições iniciais de que essas são variantes do projeto da Igreja Católica na Nevsky Prospekt são refutadas no livro: A.N. Petrov. Arquitetura de S.I. Chevakinsky e Petersburgo de meados do século XVIII // Arquitetura russa da primeira metade do século XVIII. Pesquisa e materiais. Por vermelho. I. E. Grabar. M., 1954. S.362-363; G. I. Vzdornov. Arquiteto Pietro Antonio Trezzini e seus edifícios // Arte russa do século XVIII. Materiais e pesquisas. Ed. T.V. Alekseeva. M., 1968. S.81-82.

A torre do sino da catedral foi danificada por uma tempestade em 30 de abril de 1756. Até a morte de Elizabeth Petrovna, a restauração da catedral não começou. Em 1765, Catarina II ordenou a reconstrução da catedral de acordo com o novo projeto. Chevakinsky, Wallen-Delamot, Rinaldi, Felten, Volkov, Vist apresentaram suas propostas. No entanto, nenhum dos projetos foi aprovado e, em 21 de agosto de 1766, a imperatriz ordenou a restauração da torre sineira "exatamente como era antes". O trabalho foi concluído em 1780. Veja: E.N. Elkin. Restauro da Catedral de Pedro e Paulo após o incêndio de 1756 // Notas de História Local. Pesquisa e materiais. Edição 2… P.87-112.

Veja: D.O.Shvidkovsky. Arquitetura e política na época de Catarina II // Arquitetura na história da cultura russa. Edição 3. desejado e real. M., 2001. S.99-108; E.I. Kirichenko. "Projeto grego" de Catarina II no espaço arquitetônico do Império Russo // Século XVIII - montagem artística ... P.244-260; E.I. Kirichenko. O projeto grego de Catarina II no espaço das capitais russas e seus arredores //Arquitetura na história da cultura russa. Edição 3. desejado e real. pp.109-123.

Neste artigo falarei sobre as obras-primas da arquitetura estrangeira do século XVIII.

Você provavelmente conhece os nomes de mestres notáveis ​​como V.I. Bazhenov, M.F. Kazakov, A.F. Kokorinov. Bazhenov, F.I.

O século 18 é o século do Iluminismo, o século de Voltaire e D. Diderot, J.-J. Rousseau e Ch. Montesquieu. No século 18, dois estilos completamente novos apareceram na arte, rococó e barroco. O estilo ROCOCO Originado na França, no início do século 18. Traduzido do francês Rococó significa "PEDRA" ou "CASCO". As características do rococó incluem sofisticação, um grande número de ornamentos diferentes, evitação do mundo real, imersão na fantasia, uma tendência a retratar temas mitológicos.

A ITÁLIA é considerada o berço do estilo BARROCO. Este estilo surgiu no final do século XVII e início do século XVIII. Traduzido do italiano, barroco significa "ESTRANHO", "FANTÁSTICO". O barroco é caracterizado por uma tendência ao excesso, ao contraste , um desejo de pompa e grandeza, uma combinação de realidade e ilusão. Barroco se opõe ao classicismo e ao racionalismo.

A. Rinaldi, C. I. Rossi, B. F. Rastrelli, D. Trezzini são considerados os maiores arquitetos do século XVIII.

ARQUITETURA ITALIANA e INGLESA do século XVIII.

O barroco surgiu na Itália após o Renascimento. O barroco italiano foi caracterizado pela fluidez das formas complexas, abundância de esculturas nas fachadas dos edifícios, a complexidade das formas abobadadas. O barroco prevaleceu na arte apenas até meados do século XVIII. F . Yuvara é considerado um arquiteto, representante do barroco tardio. Foi ele quem criou a famosa Igreja Superga e o Palácio da Madama em Turim. Mais tarde foi convidado para trabalhar em Portugal. F. Yuvara construiu o Palácio da Ajuda em Lisboa. residência dos reis espanhóis) e a residência de verão do rei espanhol Filipe V-Palácio de La Granja. Outro arquiteto italiano L. Vanvitelli criou o famoso palácio em Caserta. Este palácio foi construído em 1752 em estilo neoclássico. O arquiteto N. Salvi criou a famosa fonte di Trevi, a maior de Roma. A fonte foi construída de 1732 a 1762. Estilo da fonte Ana-Barroco O arquiteto italiano A. Galilei construiu a igreja da Catedral de San Giovanni Lateran em Roma.

Na Inglaterra, o barroco não era tão difundido como na Itália.As figuras-chave da arquitetura barroca da Inglaterra foram J. Vanbrugh e N. Hawksmoor.

ARQUITECTURA FRANCESA E PORTUGUESA DO SÉCULO XVIII.

O estilo rococó surgiu na França durante a época de Filipe de Orleans, mas o rococó floresceu mais durante o reinado do rei Luís XV. Os arquitetos mais proeminentes da época foram J.-A. Gabriel e J.-J. Soufflot. A famosa criação do Primeiro Arquiteto Real Gabriel é a Praça Concords em Paris. A mesma praça recebeu o nome de Luís XV. J.-J. Soufflot construiu a Ópera de Lyon, o Panteão de Paris e o tesouro da Catedral de Notre Dame. Um exemplo impressionante do Rococó é o Soubise Hotel em Paris 1705. Na década de 1780. na França, o CLASSICISMO generalizou-se.Em meados do século XVIII, a mania do teatro varreu Paris. em Paris, o teatro "ODEON" foi construído de acordo com o projeto dos arquitetos Ch. de Vailly e M.-J. Peyra.

O rococó surgiu em Portugal por volta de 1726. Um dos edifícios mais significativos do estilo rococó português é o Palácio de Queluz, o chamado "Versalhes Português".

ARQUITETURA ALEMÃ E AUSTRÍACA DO SÉCULO XVIII.

O barroco na arquitetura alemã começou a se desenvolver cem anos depois do que na Itália e na França. Desde 1725, o arquiteto francês F. Cuvillier trabalhou em Munique. O arquiteto trabalhou no estilo de um rococó florescente, suculento e exuberante. , um representante do Barroco e rococó J.B. Neumann criou obras-primas como a Basílica de Gosweinstein, o palácio da residência em Würzburg, a Igreja Católica em Gaibach. O fundador do Barroco de Dresden, M.D. Palácio Zwinger ("Cidadela") O mestre dos interiores rococó, o arquiteto alemão do século XVIII G. Knobelsdorf construiu o edifício da Ópera de Berlim (1750) Jardim de Potsdam (1745-1747)

O arquiteto austríaco I.B. Fischer von Erlach, fundador do Barroco dos Habsburgo, trabalhou para dois países: Alemanha e Áustria. Os projetos de destaque de Fischer são o Palácio de Schönbrunn, a Igreja Católica de Karlskirche e o Palácio de Inverno de Eugênio de Saboia. O contemporâneo mais jovem de Fischer foi o arquiteto austríaco I.L. von Hildebrandt, que trabalhou em Viena e Salzburgo. Seus principais edifícios são o Castelo Mirabell, o Palácio Belvedere, o Palácio de Viena de Eugênio de Saboia.

A cultura artística mundial e a arte são belas e multifacetadas, sempre fascinam e surpreendem, com a mesma força e em todos os tempos, seja na antiguidade ou na pop art.

Tatyana Ponka

Arquitetura. A direção principal na arquitetura da segunda metade do século XVIII. foi o classicismo, caracterizado pelo apelo às imagens e formas da arquitetura antiga (sistema de ordem com colunas) como padrão estético ideal.

Um evento arquitetônico significativo dos anos 60-80. foi o desenho dos aterros do Neva. Uma das atrações de São Petersburgo era o Jardim de Verão. Em 1771-1786 O jardim de verão do lado do aterro de Neva foi cercado com uma treliça, cujo autor é Yu.M. Felten (1730-1801) e seu assistente P. Egorov. A treliça do Jardim de Verão é feita no estilo do classicismo: a vertical domina aqui: picos verticalmente erguidos cruzam molduras retangulares, pilares maciços uniformemente distribuídos sustentam essas molduras, enfatizando com seu ritmo o sentimento geral de majestade e paz. Em 1780-1789 projetado pelo arquiteto A.A. Kvasov construiu aterros e encostas de granito e entradas para o rio.

Como muitos contemporâneos, Yu.M. Felten estava envolvido na reformulação dos interiores do Grande Palácio de Peterhof (Sala de Jantar Branca, Sala do Trono). Em homenagem à gloriosa vitória da frota russa sobre os turcos na Baía de Chesma em 1770, um dos salões do Grande Palácio de Peterhof foi o Yu.M. Felten convertido no Chesme Hall. A decoração principal do salão era de 12 telas, executadas em 1771-1772. do pintor alemão F. Hackert, dedicado às batalhas da frota russa com a turca. Em homenagem à Batalha de Chesma, Yu.M. Felten construiu o Palácio Chesme (1774-1777) e a Igreja Chesme (1777-1780) a 7 verstas de Petersburgo a caminho de Tsarskoye Selo. O palácio e a igreja, construídos em estilo gótico, formam um único conjunto arquitetônico.

O maior mestre do classicismo russo foi V. I. Bazhenov (1737/38-1799). Ele cresceu no Kremlin de Moscou, onde seu pai era diácono em uma das igrejas, e estudou no ginásio da Universidade de Moscou. Depois de se formar na Academia de Artes em 1760, V.I. Bazhenov foi como pensionista para a França e a Itália. Vivendo no exterior, ele gozou de tal fama que foi eleito professor de Roma, membro das academias de Florença e Bolonha. Em 1762, ao retornar à Rússia, recebeu o título de acadêmico. Mas na Rússia, o destino criativo do arquiteto foi trágico.

Durante este período, Catarina concebeu a construção do Grande Palácio do Kremlin no Kremlin, e V.I. Bazhenov foi nomeado seu arquiteto-chefe. Projeto V. I. Bazhenov significou a reconstrução de todo o Kremlin. Era, de fato, um projeto para um novo centro de Moscou. Incluía o palácio real, o Collegia, o Arsenal, o Teatro, a praça, concebida como um antigo fórum, com stands para reuniões públicas. O próprio Kremlin, graças ao fato de Bazhenov ter decidido continuar três ruas com passagens para o território do palácio, conectadas às ruas de Moscou. Por 7 anos V. I. Bazhenov desenvolve projetos, prepara-se para a construção, mas em 1775 Catherine ordena a redução de todo o trabalho (oficialmente - devido à falta de fundos, não oficialmente - devido à atitude negativa do público em relação ao projeto).

Vários meses se passam e V.I. Bazhenov é encarregado da criação de um complexo de edifícios de palácio e parque na vila de Chernaya Dirt (Tsaritsyno), perto de Moscou, onde Catarina II decidiu construir sua residência no campo. Dez anos depois, todo o trabalho principal foi concluído. Em junho de 1785, Catarina chegou a Moscou e inspecionou os edifícios de Tsaritsyn, então em janeiro de 1786 emitiu um decreto: o palácio e todos os edifícios deveriam ser demolidos, e V.I. Bazhenov demitido sem salário e pensão. "Esta é uma prisão, não um palácio" - essa é a conclusão da imperatriz. A lenda liga a demolição do palácio à sua aparência opressiva. A construção do novo palácio Catarina instruiu M.F. Kazakov. Mas este palácio também não foi concluído.

Em 1784-1786. DENTRO E. Bazhenov construiu uma mansão para o rico proprietário de terras Pashkov, conhecido como a casa de P.E. Pashkov. A Casa Pashkov está localizada na encosta de uma colina alta, em frente ao Kremlin, na confluência do Neglinka com o rio Moskva e é uma obra-prima arquitetônica da era do classicismo. A propriedade consistia em um edifício residencial, uma arena, estábulos, serviços e dependências e uma igreja. O edifício é notável pela antiga austeridade e solenidade com padrões puramente de Moscou.

Outro talentoso arquiteto russo que trabalhou no estilo do classicismo foi M. F. Kazakov (1738-1812). Kazakov não era aposentado e estudou monumentos antigos e renascentistas a partir de desenhos e modelos. Uma grande escola para ele foi o trabalho conjunto com Bazhenov, que o convidou, no projeto do Palácio do Kremlin. Em 1776, Catarina instruiu M.F. Kazakov elaborando um prédio do governo no Kremlin - o Senado. O local destinado ao prédio do Senado era uma forma triangular oblonga desconfortável, cercada por todos os lados por prédios antigos. Assim, o prédio do Senado recebeu um plano geral triangular. O edifício tem três andares e é feito de tijolos. O centro da composição era o pátio, para o qual conduzia o arco de entrada encimado por uma cúpula. Passado o arco de entrada, quem entrava encontrava-se diante de uma majestosa rotunda coroada por uma imponente cúpula. O Senado deveria sentar-se neste edifício redondo e brilhante. Os cantos do edifício triangular são cortados. Devido a isso, o edifício é percebido não como um triângulo plano, mas como um volume maciço maciço.

M.F. Kazakov também é dono do prédio da Assembleia da Nobreza (1784-1787). A peculiaridade deste edifício foi que no centro do edifício o arquiteto colocou o Salão das Colunas, e em torno dele havia inúmeras salas de estar e salões. O espaço central da Sala das Colunas, destinado a cerimónias solenes, é realçado por uma colunata coríntia, e o estado de festividade é realçado pelo brilho dos inúmeros candelabros e iluminação do tecto. Após a revolução, o edifício foi dado aos sindicatos e rebatizado de Casa dos Sindicatos. Começando com o funeral de V.I. Lenin, o Salão da Coluna da Casa dos Sindicatos foi usado como sala de luto para despedida de estadistas e pessoas famosas. Atualmente, as reuniões públicas e os concertos são realizados no Salão das Colunas.

O terceiro maior arquiteto da segunda metade do século XVIII é I. E. Starov (1744-1808). Ele estudou primeiro no ginásio da Universidade de Moscou, depois na Academia de Artes. O edifício mais significativo de Starov é o Palácio Tauride (1782-1789) - uma enorme propriedade urbana de G.A. Potemkin, que recebeu o título de Tauride pelo desenvolvimento da Crimeia. A base da composição do palácio é o salão-galeria, dividindo todo o complexo de interiores em duas partes. Ao lado da entrada principal, há uma série de salas adjacentes ao salão abobadado octogonal. No lado oposto, há um grande jardim de inverno. O exterior do edifício é muito modesto, mas esconde o luxo deslumbrante dos interiores.

Desde 1780, o italiano Giacomo Quarenghi (1744–1817) trabalha em São Petersburgo. Sua carreira na Rússia foi muito bem sucedida. As criações arquitetônicas na Rússia são uma combinação brilhante das tradições arquitetônicas russas e italianas. Sua contribuição para a arquitetura russa foi que ele, junto com o escocês C. Cameron, estabeleceu os padrões para a arquitetura de São Petersburgo na época. A obra-prima de Quarenghi foi o prédio da Academia de Ciências, construída em 1783-1789. O centro principal é destacado por um pórtico jônico de oito colunas, cujo esplendor é realçado por um típico alpendre de São Petersburgo com uma escada para dois "brotos". Em 1792-1796. Quarenghi constrói o Palácio de Alexandre em Tsarskoye Selo, que se tornou sua próxima obra-prima. No Palácio de Alexandre, o motivo principal é a poderosa colunata da ordem coríntia. Um dos edifícios notáveis ​​de Quarenghi foi o edifício do Instituto Smolny (1806-1808), que tem um layout racional claro de acordo com os requisitos da instituição educacional. Sua planta é típica de Quarenghi: o centro da fachada é decorado com um majestoso pórtico de oito colunas, o pátio frontal é limitado pelas alas do edifício e uma cerca.

No final dos anos 70, o arquiteto C. Cameron (1743-1812), escocês de nascimento, veio para a Rússia. Educado no classicismo europeu, ele conseguiu sentir toda a originalidade da arquitetura russa e se apaixonar por ela. O talento de Cameron se manifestou principalmente nos requintados conjuntos suburbanos de palácios e parques.

Em 1777, o filho de Ekaterina, Pavel Petrovich, teve um filho - o futuro imperador Alexandre I. A imperatriz encantada deu a Pavel Petrovich 362 acres de terra ao longo do rio Slavyanka - o futuro Pavlovsk. Em 1780, C. Cameron assumiu a criação do conjunto de palácios e parques de Pavlovsk. Arquitetos, escultores e artistas de destaque participaram da construção do parque, palácio e estruturas do parque, mas o primeiro período da formação do parque sob a liderança de Cameron foi muito significativo. Cameron lançou as bases para o maior e melhor parque paisagístico da Europa no estilo inglês então em moda - um parque enfaticamente natural, paisagístico. Após medições cuidadosas, ele colocou as principais artérias de estradas, becos, caminhos, lugares alocados para bosques e prados. Cantos pitorescos e acolhedores convivem aqui com pequenas construções leves que não violam a harmonia do conjunto. A verdadeira pérola da obra de C. Cameron é o Palácio de Pavlovsk, construído sobre uma colina alta. Seguindo as tradições russas, o arquiteto conseguiu “encaixar” estruturas arquitetônicas em uma área pitoresca, para combinar beleza artificial com magnificência natural. O Palácio de Pavlovsk é desprovido de pretensão, suas janelas de uma colina alta olham calmamente para o rio Slavyanka que flui lentamente.

O último arquiteto do século XVIII. V. Brenna (1747-1818) é justamente considerado o arquiteto favorito de Pavel e Maria Feodorovna. Após a ascensão ao trono em 1796, Paulo I removeu C. Cameron do cargo de arquiteto-chefe de Pavlovsk e nomeou V. Brenna em seu lugar. A partir de agora, Brenna dirige todos os edifícios em Pavlovsk, participa de todos os edifícios significativos da época pavloviana.

Brenne, Paul I confiou a gestão do trabalho em sua segunda residência rural - Gatchina. O Palácio Gatchina de Brenna tem uma aparência espartana modesta, até mesmo ascética, mas a decoração interior é majestosa e luxuosa. Ao mesmo tempo, começou o trabalho no parque Gatchina. Nas margens de lagos e ilhas há um grande número de pavilhões que parecem muito simples por fora, mas seus interiores são magníficos: o Pavilhão de Vênus, a Casa de Bétula (parecendo um tronco de lenha de bétula na aparência), a Porta Masca e o Pavilhão do Agricultor.

Paulo I decidiu construir um palácio em São Petersburgo em seu próprio estilo - no espírito da estética militar. O projeto do palácio foi desenvolvido por V.I. Bazhenov, mas em conexão com sua morte, Paulo I confiou a construção do palácio a V. Brenna. Paul sempre quis viver onde nasceu. Em 1797, na Fontanka, no local do Palácio de Verão de Elizaveta Petrovna (onde nasceu Pavel), a colocação do palácio ocorreu em homenagem ao Arcanjo Miguel - o santo padroeiro da hoste celestial - Castelo Mikhailovsky. O Castelo Mikhailovsky tornou-se a melhor criação de Brenna, ao qual deu a aparência de uma fortaleza. A aparência do castelo é um quadrilátero cercado por um muro de pedra, valas foram cavadas em ambos os lados ao redor do palácio. Era possível entrar no palácio através de pontes levadiças, e canhões foram colocados ao redor do palácio em diferentes lugares. Inicialmente, o exterior do castelo estava cheio de decorações: estátuas de mármore, vasos e figuras estavam por toda parte. O palácio tinha um vasto jardim e praça de desfiles, onde se realizavam revistas e desfiles em qualquer clima. Mas em seu amado castelo, Pavel conseguiu viver apenas 40 dias. Na noite de 11 para 12 de março, ele foi estrangulado. Após a morte de Paulo I, tudo o que dava ao palácio o caráter de fortaleza foi destruído. Todas as estátuas foram transferidas para o Palácio de Inverno, as valas foram cobertas com terra. Em 1819, o castelo abandonado foi transferido para a Escola Principal de Engenharia, surgindo o seu segundo nome - Castelo de Engenharia.

Escultura. Na segunda metade do século XVIII. começa o verdadeiro florescimento da escultura russa, que está associada principalmente ao nome de F.I. Shubin (1740-1805), compatriota M.V. Lomonossov. Depois de se formar na Academia com uma grande medalha de ouro, Shubin fez uma viagem de aposentadoria, primeiro para Paris (1767-1770) e depois para Roma (1770-1772). No exterior em 1771, não da vida, Shubin criou um busto de Catarina II, pelo qual, ao retornar à sua terra natal em 1774, recebeu o título de acadêmico.

O primeiro trabalho de F.I. Shubin depois de retornar - um busto de A.M. Golitsyn (1773, Museu Russo) é uma das obras mais brilhantes do mestre. Na roupagem de um nobre educado, lêem-se inteligência, autoridade, arrogância, mas, ao mesmo tempo, condescendência e o hábito de "nadar" cauteloso nas ondas da mutável fortuna política. Na imagem do famoso comandante A. Rumyantsev-Zadunasky, por trás da aparência nada heróica de um rosto redondo com um nariz ridiculamente arrebitado, são transmitidas as características de uma personalidade forte e significativa (1778, State Art Museum, Minsk).

Com o tempo, o interesse em Shubin desaparece. Executados sem embelezamento, seus retratos eram cada vez menos apreciados pelos clientes. Em 1792, de memória, Shubin criou um busto de M.V. Lomonosov (Museu Estatal Russo, Academia de Ciências). No rosto do grande cientista russo não há rigidez, nem nobre arrogância, nem orgulho excessivo. Uma pessoa ligeiramente zombeteira está olhando para nós, mais sábia com experiência mundana, que viveu a vida brilhantemente e com dificuldade. Vivacidade da mente, espiritualidade, nobreza, ao mesmo tempo - tristeza, decepção e até ceticismo - essas são as principais qualidades inerentes ao grande cientista russo, a quem F.I. Shubin sabia muito bem.

Uma obra-prima da arte do retrato de F.I. Shubin é um busto de Paulo I (1798, RM; 1800, Galeria Tretyakov). O escultor conseguiu transmitir toda a complexidade da imagem: arrogância, frieza, doença, sigilo, mas ao mesmo tempo, o sofrimento de uma pessoa que desde a infância experimentou toda a crueldade de uma mãe coroada. Paulo gostei do trabalho. Mas quase não havia encomendas. Em 1801, a casa de F.I. Shubin e oficina com obras. Em 1805, o escultor morreu na pobreza, sua morte passou despercebida.

Ao mesmo tempo, o escultor francês E.-M. Falcone (1716-1791; na Rússia - de 1766 a 1778). Falcone trabalhou na corte do rei francês Luís XV, depois na Academia de Paris. Em suas obras, Falcone seguiu a moda rococó que imperava na corte. Uma verdadeira obra-prima foi sua obra "Inverno" (1771). A imagem de uma garota sentada, personificando o inverno e cobrindo as flores a seus pés com dobras de roupas que caem suavemente, como uma cobertura de neve, é cheia de tristeza silenciosa.

Mas Falcone sempre sonhou em criar uma obra monumental, ele conseguiu realizar esse sonho na Rússia. A conselho de Diderot, Catarina encomendou ao escultor a criação de um monumento equestre a Pedro I. Em 1766, Falcone chegou a São Petersburgo e começou a trabalhar. Ele retratou Pedro I a cavalo. A cabeça do imperador é coroada com uma coroa de louros - um símbolo de sua glória e vitórias. A mão do rei, apontando para o Neva, a Academia de Ciências e a Fortaleza de Pedro e Paulo, denota simbolicamente os principais objetivos de seu reinado: educação, comércio e poder militar. A escultura ergue-se sobre um pedestal em forma de rocha de granito pesando 275 toneladas e, por sugestão de Falcone, está gravada no pedestal uma inscrição lacônica: "A Pedro, o Grande, Catarina II". A inauguração do monumento ocorreu em 1782, quando Falcone não estava mais na Rússia. Quatro anos antes da inauguração do monumento na E.-M. Falcone discordou da imperatriz e o escultor deixou a Rússia.

Na obra do notável escultor russo M.I. Kozlovsky (1753-1802) combinou características do barroco e do classicismo. Ele também se aposentou em Roma, Paris. Em meados dos anos 90, ao retornar à sua terra natal, inicia-se o período mais frutífero da obra de Kozlovsky. O tema principal de suas obras é da antiguidade. De suas obras, jovens deuses, cupidos, belas pastoras vieram para a escultura russa. Tais são o seu "Pastor com uma Lebre" (1789, Museu do Palácio de Pavlovsk), "Cupido Adormecido" (1792, Museu Russo), "Cupido com uma Flecha" (1797, Galeria Tretyakov). Na estátua "A Vigília de Alexandre, o Grande" (segunda metade dos anos 80, Museu Russo), o escultor captou um dos episódios da educação da vontade do futuro comandante. A obra mais significativa e maior do artista foi o monumento ao grande comandante russo A.V. Suvorov (1799-1801, Petersburgo). O monumento não tem semelhança direta com o retrato. É antes uma imagem generalizada de um guerreiro, um herói, em cujo traje militar se combinam elementos das armas de um antigo romano e de um cavaleiro medieval. Energia, coragem, nobreza emana de toda a aparência do comandante, de seu orgulhoso virar de cabeça, do gesto gracioso com que ergue a espada. Mais um excelente trabalho de M.I. Kozlovsky tornou-se a estátua "Sansão rasgando a boca de um leão" - a central na Grande Cascata das Fontes de Peterhof (1800-1802). A estátua foi dedicada à vitória da Rússia sobre a Suécia na Grande Guerra do Norte. Sansão personificou a Rússia e o leão - derrotou a Suécia. A figura poderosa de Sansão é dada pelo artista em uma virada complexa, em movimento intenso.

Durante a Grande Guerra Patriótica, o monumento foi roubado pelos nazistas. Em 1947, o escultor V.L. Simonov o recriou com base em documentos fotográficos sobreviventes.

Quadro. Na segunda metade do século XVIII. o gênero histórico aparece na pintura russa. Sua aparência está associada ao nome de A.P. Losenko. Graduou-se na Academia de Artes e, como pensionista, foi enviado para Paris. P.A. Losenko possui o primeiro trabalho da história russa - "Vladimir e Rogneda". Nele, o artista escolheu o momento em que o príncipe Vladimir de Novgorod "implora perdão" a Rogneda, filha do príncipe de Polotsk, em cuja terra ele foi com fogo e espada, matou seu pai e irmãos e a tomou à força como esposa . Rogneda sofre teatralmente, levantando os olhos; Vladimir também é teatral. Mas o próprio apelo à história russa era muito característico da era de alta ascensão nacional na segunda metade do século XVIII.

O tema histórico na pintura foi desenvolvido por G.I. Ugriumov (1764-1823). O tema principal de suas obras foi a luta do povo russo: com os nômades ("O Teste de Força de Jan Usmar", 1796-1797, Museu Russo); com cavaleiros alemães ("A entrada solene em Pskov de Alexander Nevsky após sua vitória sobre os cavaleiros alemães", 1793, Museu Russo); para a segurança de suas fronteiras ("A Captura de Kazan", 1797-1799, Museu Russo), etc.

O maior sucesso foi a pintura na segunda metade do século XVIII. atinge no gênero retrato. Aos fenômenos mais notáveis ​​da cultura russa da segunda metade do século XVIII. pertence à obra do pintor F.S. Rokotov (1735/36-1808). Ele veio de servos, mas recebeu sua liberdade de seu proprietário de terras. Dominou a arte da pintura nas obras de P. Rotary. O jovem artista teve sorte, seu patrono foi o primeiro presidente da Academia de Artes I.I. Shuvalov. Por recomendação de I.I. Shuvalova F.S. Rokotov em 1757 recebeu um pedido para um retrato em mosaico de Elizaveta Petrovna (do original de L. Tokke) para a Universidade de Moscou. O retrato fez tanto sucesso que F.S. Rokotov recebe uma encomenda de retratos do grão-duque Pavel Petrovich (1761), imperador Pedro III (1762). Quando Catarina II subiu ao trono, F.S. Rokotov já era um artista conhecido. Em 1763, o artista pintou a Imperatriz em pleno crescimento, de perfil, em meio a um belo cenário. Rokotov também pintou outro retrato da Imperatriz, com metade do comprimento. A imperatriz gostava muito dele, ela acreditava que ele era "um dos mais parecidos". Catherine apresentou o retrato à Academia de Ciências, onde permanece até hoje. Seguindo as pessoas reinantes, os retratos de F.S. Rokotov desejava ter os Orlovs, os Shuvalovs. Às vezes, ele criava galerias inteiras de retratos de representantes da mesma família em suas várias gerações: os Baryatinskys, os Golitsyns, os Rumyantsevs, os Vorontsovs. Rokotov não procura enfatizar os méritos externos de seus modelos, o principal para ele é o mundo interior de uma pessoa. Entre as obras do artista, destaca-se o retrato de Maykov (1765). Sob o disfarce de um importante funcionário do governo por trás da lânguida efeminação, discernimento, uma mente irônica são adivinhadas. A cor do retrato, construída sobre uma combinação de verde e vermelho, cria a impressão de sangue puro, vitalidade da imagem.

Em 1765 o artista mudou-se para Moscou. Moscou se distingue pela maior liberdade de criatividade do que a oficial de São Petersburgo. Em Moscou, um estilo especial de pintura "Rokotov" está tomando forma. A artista cria toda uma galeria de belas imagens femininas, entre as quais a mais notável é o retrato de A.P. Stuyskaya (1772, Galeria Estatal Tretyakov). Uma figura esbelta em um vestido cinza-prateado claro, cabelos empoados altamente esvoaçantes, um longo cacho caindo sobre o peito, um rosto oval refinado com olhos amendoados escuros - tudo adiciona mistério e poesia à imagem de uma jovem. A coloração requintada do retrato - pântano esverdeado e marrom dourado, rosa desbotado e cinza pérola - aumenta a impressão de mistério. No século XX. o poeta N. Zabolotsky dedicou versos maravilhosos a este retrato:

Seus olhos são como duas nuvens

Meio sorriso, meio choro

Seus olhos são como duas mentiras

Coberto em névoa de falhas.

A incorporação bem-sucedida da imagem de A. Struyskaya no retrato serviu de base para a lenda, segundo a qual o artista não era indiferente ao modelo. De fato, o nome do escolhido S.F. Rokotov é bem conhecido, e A.P. Struiskaya era casada e feliz com o marido e era uma proprietária de terras comum.

Outro grande artista do século XVIII foi D.G. Levitsky (1735-1822) - o criador do retrato formal e o grande mestre do retrato de câmara. Ele nasceu na Ucrânia, mas na virada das décadas de 1950 e 1960, a vida de Levitsky em São Petersburgo começou, para sempre associada a esta cidade e à Academia de Artes, na qual liderou a aula de retratos por muitos anos.

Em seus modelos, ele procurou enfatizar a originalidade, as características mais marcantes. Uma das obras mais famosas do artista é o retrato cerimonial de P.A. Demidov (1773, Galeria Estatal Tretyakov). Um representante de uma conhecida família mineira, P.A. Demidov era um homem fabulosamente rico, um estranho excêntrico. No retrato formal, original em design, Demidov é retratado em uma pose relaxada contra o pano de fundo de uma colunata e cortinas. Ele está no salão cerimonial deserto, em casa, com uma touca de dormir e um roupão escarlate, gesticulando para suas diversões - um regador e um vaso de flores, de que era amante. Em sua roupa, em sua pose - um desafio ao tempo e à sociedade. Tudo está misturado nesta pessoa - bondade, originalidade, o desejo de ser realizado na ciência. Levitsky foi capaz de combinar características de extravagância com elementos de um retrato cerimonial: colunas, cortinas, uma paisagem com vista para o orfanato em Moscou, para a manutenção da qual Demidov doou quantias enormes.

No início da década de 1770. Levitsky realiza sete retratos de alunos do Instituto Smolny para Nobres Donzelas - "Smolyanka" (todos no tempo), famosos por sua musicalidade. Esses retratos se tornaram a maior conquista do artista. Neles, a habilidade do artista se manifestava com particular perfeição. E. N. Khovanskaya, E. N. Khrushchova, E.I. Nelidov são retratados em trajes teatrais durante a apresentação de uma elegante pastoral. Nos retratos de G.I. Alymova e E.I. Molchanova, uma das heroínas toca harpa, a outra é mostrada sentada ao lado de um instrumento científico com um livro na mão. Colocados lado a lado, esses retratos personificavam os benefícios das "ciências e artes" para uma pessoa racional e pensante.

O ponto alto da obra madura do mestre foi seu famoso retrato alológico de Catarina II, a legisladora do Templo da Justiça, repetido pelo artista em várias versões. Este trabalho ocupa um lugar especial na arte russa. Ele incorporava as altas idéias da época sobre cidadania e patriotismo, sobre o governante ideal - um monarca iluminado, incansavelmente cuidando do bem-estar de seus súditos. O próprio Levitsky descreveu seu trabalho da seguinte forma: “O meio da imagem representa o interior do templo da deusa da justiça, em frente ao qual, na forma do legislador, HIV, queimando flores de papoula no altar, sacrifica seu precioso paz pela paz geral”.

Em 1787 Levitsky deixou o ensino e deixou a Academia de Artes. Uma das razões para isso foi a paixão do artista pelas correntes místicas, que se tornou bastante difundida na Rússia no final do século XVIII. e sua entrada na loja maçônica. Não sem a influência de novas ideias na sociedade, por volta de 1792, um retrato de um amigo de Levitsky e seu mentor na Maçonaria, N.I. Novikov (TG). A incrível vivacidade e expressividade do gesto e do olhar de Novikov, que não é característica dos heróis dos retratos de Levitsky, um fragmento da paisagem ao fundo - tudo isso trai a tentativa do artista de dominar uma nova linguagem pictórica mais moderna, já inerente à outros sistemas artísticos.

Outro artista notável dessa época foi V. L. Borovikovsky (1757-1825). Ele nasceu na Ucrânia, em Mirgorod, estudou pintura de ícones com seu pai. Em 1788 V. L. Borovikovsky foi trazido para São Petersburgo. Ele estudou muito, aprimorando seu gosto e habilidade, e logo se tornou um mestre reconhecido. Na década de 1990, ele cria retratos que expressam plenamente as características de uma nova tendência da arte - o sentimentalismo. Todos os retratos "sentimentais" de Borovikovsky são imagens de pessoas em um ambiente de câmara, em trajes simples com uma maçã ou uma flor na mão. O melhor deles é o retrato de M.I. Lopukhina. Muitas vezes é chamado de a maior conquista do sentimentalismo na pintura russa. Uma jovem olha para baixo do retrato. Sua postura é irrestrita, um vestido simples se ajusta livremente ao corpo, seu rosto fresco é cheio de charme e charme. No retrato, tudo está em harmonia, em harmonia entre si: um canto sombreado do parque, centáureas entre as espigas de centeio maduro, rosas desbotadas, o olhar lânguido e levemente zombeteiro da menina. No retrato de Lopukhina, o artista conseguiu mostrar a verdadeira beleza - espiritual e lírica, inerente às mulheres russas. Características do sentimentalismo apareceram em V.L. Borovikovsky mesmo à imagem da Imperatriz. Agora, este não é um retrato representativo do "legislador" com todas as regalias imperiais, mas uma imagem de uma mulher comum em um roupão e boné em um passeio no parque Tsarskoye Selo com seu amado cachorro.

No final do século XVIII. um novo gênero aparece na pintura russa - paisagem. Uma nova classe de paisagem foi aberta na Academia de Artes, e S. F. Shchedrin tornou-se o primeiro professor da classe de paisagem. Ele se tornou o fundador da paisagem russa. Foi Shchedrin quem primeiro elaborou o esquema composicional da paisagem, que por muito tempo se tornou exemplar. E nele S. F. Shchedrin ensinou mais de uma geração de artistas. O auge do trabalho de Shchedrin caiu na década de 1790. Entre suas obras, as mais famosas são a série de vistas dos parques Pavlovsky, Gatchina e Peterhof, vistas da Ilha Kamenny. Shchedrin capturou tipos específicos de estruturas arquitetônicas, mas atribuiu o papel principal não a elas, mas à natureza circundante, com a qual o homem e suas criações estão em fusão harmoniosa.

F. Alekseev (1753/54-1824) lançou as bases para a paisagem da cidade. Entre suas obras da década de 1790. especialmente conhecidas são "Vista da Fortaleza de Pedro e Paulo e do Aterro do Palácio" (1793) e "Vista do Aterro do Palácio da Fortaleza de Pedro e Paulo" (1794). Alekseev cria uma imagem sublime e ao mesmo tempo viva de uma cidade grande, majestosa e individual em sua beleza, na qual uma pessoa se sente feliz e livre.

Em 1800, o imperador Paulo I deu a Alekseev a tarefa de pintar vistas de Moscou. O artista se interessou pela arquitetura russa antiga. Ele ficou em Moscou por mais de um ano e trouxe de volta uma série de pinturas e muitas aquarelas com vistas das ruas de Moscou, mosteiros, subúrbios, mas principalmente várias imagens do Kremlin. Estas espécies são altamente confiáveis.

O trabalho em Moscou enriqueceu o mundo do artista, permitiu-lhe dar uma nova olhada na vida da capital quando voltou para lá. Em suas paisagens de São Petersburgo, o personagem do gênero é aprimorado. Aterros, avenidas, barcaças, veleiros estão cheios de gente. Uma das melhores obras deste período é "Vista do aterro inglês da ilha Vasilevsky" (1810, Museu Russo). Encontrou uma medida, uma proporção harmoniosa entre a própria paisagem e a arquitetura. A escrita deste quadro completou a dobragem da chamada paisagem urbana.

Gravação. Na segunda metade do século, maravilhosos gravadores trabalharam. "O verdadeiro gênio da gravura" foi E. P. Chemesov. O artista viveu apenas 27 anos, restando dele cerca de 12 obras. Chemesov trabalhou principalmente no gênero retrato. O retrato gravado desenvolveu-se muito ativamente no final do século. Além de Chemesov, pode-se citar G.I. Skorodumov, conhecido pela gravura pontilhada, que criou oportunidades especiais para a interpretação "pitoresca" (I. Selivanov. Retrato do Grão-Duque Alexandra Pavlovna do original de V.P. Borovikovsky, mezzotint; G.I. Skorodumov. auto-retrato, desenho a caneta).

Artes e Ofícios. Na segunda metade do século XVIII, a cerâmica Gzhel atingiu um alto nível artístico - produtos de artesanato em cerâmica na região de Moscou, cujo centro era o antigo volost Gzhel. No início do século XVII. os camponeses das aldeias de Gzhel começaram a fazer tijolos, pratos simples esmaltados de cor clara e brinquedos de barro local. No final do século XVII. os camponeses dominaram a fabricação de "formiga", ou seja, coberto com um esmalte esverdeado ou marrom. As argilas Gzhel tornaram-se conhecidas em Moscou e, em 1663, o czar Alexei Mikhailovich ordenou que o estudo das argilas Gzhel começasse. Uma comissão especial foi enviada a Gzhel, que incluía Afanasy Grebenshchikov, proprietário de uma fábrica de cerâmica em Moscou, e D.I. Vinogradov. Vinogradov ficou em Gzhel por 8 meses. Misturando argila de Orenburg com argila Gzhel (chernozem), ele obteve uma porcelana branca e pura (porcelana). Ao mesmo tempo, artesãos Gzhel trabalhavam nas fábricas de A. Grebenshchikov em Moscou. Rapidamente dominaram a produção de majólica e começaram a fazer fermentados potes, jarros, canecas, xícaras, pratos, decorados com pinturas ornamentais e narrativas, preenchidos com as cores verde, amarelo, azul e marrom-violeta em um campo branco. Do final do século XVIII. em Gzhel há uma transição de majólica para semi-faiança. A pintura dos produtos também está mudando - de multicolorida, característica da majólica, para pintura monocromática com azul (cobalto). A louça Gzhel foi amplamente distribuída em toda a Rússia, Ásia Central e Oriente Médio. Durante o auge da indústria Gzhel, havia cerca de 30 fábricas para a produção de pratos. Entre os fabricantes conhecidos estavam os irmãos Barmin, Khrapunov-novy, Fomin, Tadin, Rachkins, Guslins, Gusyatnikovs e outros.

Mas os mais bem sucedidos foram os irmãos Terenty e Anisim Kuznetsov. A sua fábrica surgiu no início do século XIX. na aldeia de Novo-Kharitonovo. A partir deles, a dinastia continuou os negócios da família até a revolução, comprando cada vez mais fábricas e fábricas. Na segunda metade do século XIX. há um desaparecimento gradual do artesanato Gzhel com moldagem e pintura à mão, restam apenas grandes fábricas. A partir do início de 1920, surgiram oficinas de cerâmica separadas, artels. Um genuíno renascimento da produção de Gzhel começa em 1945. A pintura de uma cor azul sob o esmalte (cobalto) foi adotada.

Em 1766, na aldeia de Verbilki, perto de Dmitrov, perto de Moscou, o inglês russificado Frans Gardner fundou a melhor fábrica de porcelana privada. Estabeleceu o seu prestígio como o primeiro entre os fabricantes privados de porcelana, criando em 1778-1785, por encomenda de Catarina II, quatro magníficos serviços de encomenda, distinguidos pela pureza e austeridade da decoração. A fábrica também produziu figuras de personagens de ópera italiana. início do século 19 marcou uma nova etapa no desenvolvimento da porcelana Gardner. Os artistas da fábrica abandonaram a imitação direta dos modelos europeus e tentaram encontrar seu próprio estilo. As xícaras de Gardner com retratos dos heróis da Guerra Patriótica de 1812 ganharam imensa popularidade. Zelentsov da revista "Lanterna Mágica". Eram homens e mulheres engajados no trabalho camponês habitual, crianças camponesas, trabalhadores urbanos - sapateiros, zeladores, mascates. As figuras dos povos que habitam a Rússia foram feitas etnograficamente com precisão. As figuras de Gardner tornaram-se uma ilustração visível da história da Rússia. F.Ya. Gardner encontrou seu próprio estilo de produtos, no qual as formas do Império eram combinadas com o gênero de motivos e a saturação de cores da decoração como um todo. Desde 1891, a fábrica pertencia a M.S. Kuznetsov. Após a Revolução de Outubro, a fábrica ficou conhecida como Fábrica de Porcelana Dmitrovsky, e desde 1993 - "Porcelana Verbilok".

miniatura Fedoskino . No final do século XVIII. na aldeia de Fedoskino, perto de Moscou, desenvolveu-se um tipo de pintura em miniatura em laca russa com tintas a óleo sobre papel machê. A miniatura de Fedoskino surgiu graças a um mau hábito que era comum no século XVIII. Naqueles tempos antigos, estava muito na moda cheirar tabaco, e todos o faziam: a nobreza, plebeus, homens, mulheres. O tabaco era armazenado em caixas de rapé feitas de ouro, prata, tartaruga, porcelana e outros materiais. E na Europa eles começaram a fazer caixas de rapé de papelão prensado embebido em óleo vegetal e seco a temperaturas de até 100 ° C. Esse material passou a ser chamado de papier-mâché (papel mastigado). Caixas de rapé foram cobertas com primer preto e laca preta, e cenas clássicas foram usadas na pintura. Essas caixas de rapé eram muito populares na Rússia, então, em 1796, na vila de Danilkovo, a 30 km de Moscou, o comerciante P.I. Korobov iniciou a produção de caixas de rapé redondas, decoradas com gravuras coladas em suas tampas. As gravuras foram cobertas com verniz transparente. Desde 1819, o genro de Korobov, P.V., era dono da fábrica. Lukutin. Junto com seu filho A.P. Lukutin, ele expandiu a produção, organizou o treinamento de mestres russos, sob ele a produção foi transferida para a vila de Fedoskino. Os mestres Fedoskino começaram a decorar caixas de rapé, miçangas, caixões e outros produtos com miniaturas pictóricas feitas com tintas a óleo de maneira pictórica clássica. Os itens de Lukutin do século 19 retratam vistas do Kremlin de Moscou e outros monumentos arquitetônicos, cenas da vida popular na técnica de pintura a óleo. Passeios de troika, festividades ou danças camponesas, beber chá no samovar eram especialmente populares. Graças à criatividade dos mestres russos, os vernizes da Lukutin adquiriram originalidade e sabor nacional, tanto em tramas quanto em tecnologia. A miniatura de Fedoskino é pintada com tintas a óleo em três a quatro camadas - a pintura é realizada sucessivamente (um esboço geral da composição), escrita ou repintura (estudo mais detalhado), vitrificação (modelagem da imagem com tintas transparentes) e brilho (finalização do trabalho). com cores claras que transmitem brilho nos objetos). A técnica original de Fedoskino é "escrever através": um material refletivo é aplicado à superfície antes da pintura - pó de metal, folha de ouro ou madrepérola. Brilhando através de camadas transparentes de tintas vitrificadas, esses revestimentos conferem profundidade à imagem, um efeito de brilho incrível. Além de caixas de rapé, a fábrica produzia caixões, estojos para olhos, estojos para agulhas, capas para álbuns de família, caixas de chá, ovos de Páscoa, bandejas e muito mais. Os produtos dos miniaturistas Fedoskino eram muito populares não apenas na Rússia, mas também no exterior.

Assim, na segunda metade do século 18, na era da "Razão e Iluminismo", uma cultura artística única, em muitos aspectos, única foi criada na Rússia. Essa cultura era alheia à estreiteza e ao isolamento nacionais. Com uma facilidade incrível, ela absorveu e reelaborou criativamente tudo de valioso que foi criado pelo trabalho de artistas de outros países. Novos tipos e gêneros de arte, novas tendências artísticas, nomes criativos brilhantes nasceram.

A.I. Venediktov

Os maiores fenômenos da arquitetura inglesa do período considerado pertencem aos últimos trinta anos do século XVII. O sucessor do clássico da arquitetura inglesa Inigo Jones foi Christopher Wren (1632-1723), que permaneceu o principal mestre da arquitetura inglesa também ao longo do primeiro quartel do século XVIII.

Wren recebeu uma educação muito ampla: antes de se dedicar inteiramente à arquitetura, estudou matemática e astronomia. Tendo feito uma viagem à França em 1665, conheceu Jules Hardouin-Mansart e outros arquitetos franceses e suas obras, além de Bernini, que trouxe o projeto do Louvre para Paris.

Após o "Grande Incêndio" de 1666, que destruiu a maior parte de Londres, Wren criou um projeto de reurbanização radical da cidade, que foi rejeitado, no entanto, pelas autoridades reacionárias. Ao mesmo tempo, Wren recebeu a maior comissão para a construção do novo St. Paulo e para redigir uma centena de igrejas paroquiais incendiadas, das quais construiu mais de cinquenta.

Catedral de S. Paul em Londres, construído por Wren por trinta e seis anos (1675-1710), tornou-se o maior edifício religioso do mundo protestante (é mais longo que a Catedral de Colônia, a altura da parte abobadada é a Catedral Florentina de Sanga Maria del Fiore). Catedral Católica Romana de St. Peter, construído por muitos arquitetos ao longo de mais de um século e meio, foi, por assim dizer, deliberadamente oposto à Catedral Protestante de Londres, construída por um mestre em um período de construção, em apenas três décadas e meia. O primeiro projeto de Wren com um plano centrado na forma de uma cruz equilátero com um vestíbulo foi rejeitado pelo clero conservador. O segundo projeto, implementado, tinha uma forma alongada mais tradicional com a sala principal dividida por pilares e arcos em três naves e com um amplo espaço abobadado na intersecção das naves com o transepto.

O conhecimento matemático de Ren foi útil para ele na difícil tarefa de erguer uma cúpula, que ele resolveu de forma brilhante, com um cálculo sutil e profundo. O desenho da cúpula tripla assente em oito pilares é complexo e inusitado: acima da casca interna de tijolos de forma hemisférica há um cone truncado de tijolos, que carrega a lanterna e a cruz que coroa a catedral, bem como o terceiro, de madeira, chumbo -coberta exterior da cúpula.

Aparência espetacular da catedral. Dois lances de largos degraus conduzem do poente a seis pares de colunas coríntias do pórtico de entrada, sobre os quais se erguem mais quatro pares de colunas com capitéis compostos, levando frontão com grupo escultórico em tímpano. Pórticos semicirculares mais modestos são colocados em ambas as extremidades do transepto. Esbeltas torres foram erguidas nas laterais da fachada principal (uma para sinos, outra para relógios), atrás delas, acima do cruzamento da catedral, ergue-se uma enorme e majestosa cúpula. O tambor da cúpula, cercado por colunas, parece especialmente poderoso porque cada quarta intercoluna da colunata (a chamada Galeria de Pedra) é revestida de pedra. Acima do hemisfério da própria cúpula, a segunda, chamada Galeria Dourada, forma um desvio em torno de uma lanterna com uma cruz. O conjunto de cúpulas e torres que se elevam sobre Londres é sem dúvida a parte mais bem sucedida da catedral, cujo corpo principal era difícil de perceber na sua totalidade, uma vez que permaneceu escondido pelo desenvolvimento urbano desordenado (fortemente destruído pelos bombardeios durante a Segunda Guerra Mundial ).

A individualidade criativa de Ren é revelada não menos vividamente nele. obras como as igrejas paroquiais de Londres. A variedade e engenhosidade das plantas quadradas, retangulares e ovais desses edifícios, geralmente de pequeno porte, cuja própria configuração era muitas vezes explicada pelo uso habilidoso das áreas apertadas e inconvenientes destinadas à sua construção, é surpreendente. A arquitetura das próprias igrejas e suas torres sineiras são excepcionalmente diversificadas, às vezes próximas ao gótico, às vezes estritamente clássicas. Basta nomear a igreja abobadada de Santo Estêvão (1672-1679) ou a igreja de Santa Maria le Bow (1671-1680) com sua notável beleza da silhueta de uma esbelta torre sineira.

Das obras civis de Wren, uma das mais brilhantes são as novas partes do Palácio de Hampton Court. Em 1689-1694. ele construiu edifícios ao redor do chamado pátio com uma fonte e uma fachada com vista para o parque. Nesta obra original, o arquiteto mostrou alta habilidade, gosto estrito e capacidade de usar com eficiência os materiais - tijolo e pedra Portland branca.

Um artesão prolífico, Ren construiu mais do que apenas palácios e igrejas. Eles finalmente desenvolveram o plano para o Hospital de Greenwich (cuja ideia original pertence, aparentemente, a Inigo Jones), e também construíram outro hospital em Chelsea. Ele construiu a área do Templo em Londres, construiu a prefeitura em Windsor. Em Cambridge, ele é dono do prédio da Trinity College Library (Trinity College), cujo protótipo era a biblioteca de St. Marco em Veneza. Em Oxford, onde Wren ensinou astronomia em sua juventude, construiu o chamado Teatro Sheldon - uma grande sala redonda para palestras e relatórios, na qual são utilizados os motivos da arquitetura do antigo teatro romano de Marcelo; lá ele construiu uma biblioteca no Queens College e um pátio no Trinity College. Os motivos da arquitetura veneziana e romana usados ​​nesses edifícios receberam uma interpretação original de Wren e entraram na história da arquitetura inglesa como criação de um gênio nacional.

Nas casas residenciais do campo e da cidade desta época, foi criado um tipo de edifício de tijolos com guarnição de pedra branca, que se tornou um modelo para a construção inglesa posterior. Exemplos são as propriedades atribuídas a Wren em Groombridge Place em Kent e a House with Swans (Swan House) em Chichester.

Ao contrário de Inigo Jones, Wren conseguiu realizar quase todos os seus planos durante sua longa e frutífera carreira. Como um verdadeiro humanista, Ren trabalhou pela educação e pelo povo, construiu não apenas igrejas, mas também hospitais, bibliotecas, não apenas palácios, mas também modestos edifícios residenciais. Wren seguiu o caminho indicado por Jones, mas, diferentemente de Jones, que absorveu o espírito do Renascimento na Itália, no classicismo de Wren, que sobreviveu à era do puritanismo, o princípio racional é expresso com mais clareza.

Na arquitetura inglesa do século XVIII. de grande importância foi a paixão recém-despertada pela obra de Palladio. Em 1742, já havia três edições do tratado de arquitetura de Palladio. A partir de meados do século, começou a publicação de estudos independentes sobre arquitetura antiga. Robert Wood em 1753-1757 publicou um uvrazh dedicado às ruínas de Palmyra e Baalbek, Robert Adam publicou em 1764 esboços e medidas do palácio de Diocleciano em Split na Dalmácia. Todas essas publicações contribuíram para o desenvolvimento da teoria da arquitetura e influenciaram a prática arquitetônica da época. Novas ideias foram refletidas em grandes desenvolvimentos urbanos, por exemplo, no planejamento e construção da cidade de Bath (1725-1780), cujas praças são os conjuntos classicistas mais completos da Inglaterra. Os arquitetos do século XVIII eram, na maioria dos casos, profissionais e teóricos.

John Vanbrugh (1664-1726) ocupa uma posição intermediária entre os multitalentosos e educados artesãos do século XVII e os estreitos especialistas do século XVIII. Oficial brilhante, sagaz da corte, dramaturgo da moda, ele permaneceu um diletante talentoso também em arquitetura.

Suas principais e maiores obras são aquelas construídas nos primeiros anos do século XVIII. palácios Howard (1699-1712) e Blenheim (1705-1724).

Já no primeiro deles, ele, tentando combinar a escala de Versalhes com o conforto inglês, impressionou seus contemporâneos principalmente com o tamanho de seu edifício, cujo comprimento era de 200 m, a profundidade era de quase 130 m, a altura do centro a cúpula ultrapassou os 70 m.Em um ainda mais grandioso Palácio de Blenheim, construído para o famoso comandante o duque de Marlborough (259 x 155 m), o arquiteto tentou melhorar o plano um tanto desajeitado do primeiro edifício. Observando estrita simetria, ele colocou mais dois pátios em ambos os lados do enorme pátio de honra, que estão ligados ao edifício principal por galerias decoradas com uma colunata. Na arquitetura externa do Palácio de Blenheim, nem o pesado pórtico da entrada principal, nem o arco triunfal da fachada do parque, nem as torres de esquina que parecem ser construídas são agradáveis ​​aos olhos: as formas aqui são pesadas e rudes . O interior do palácio é desconfortável e desconfortável. A tendência de Vanbrugh ao esplendor estrito, característica do classicismo, combina-se mecanicamente com o esplendor superficial que ascende ao barroco. Em sua arquitetura, nas palavras de um de seus contemporâneos, “pesada na forma e leve na essência”, não é difícil detectar sinais claros de ecletismo.

Nicholas Hawksmoor (1661-1736) foi um sucessor mais modesto, mas mais digno de Wren. Ele liderou a construção de igrejas em Londres, das quais a mais interessante é a igreja de St. Mary Vulnos (1716-1719) com uma fachada decorada com rústica e uma torre sineira retangular cercada por colunas, completada com dois torreões com balaustrada. Hawksmoor trabalhou depois de seu professor em Oxford, onde construiu um novo prédio do Queens College com uma fachada de pátio monumental e uma entrada peculiar (1710-1719). Finalmente, durante a vida de Wren e após sua morte, Hawksmoor em 1705-1715. continuou construindo o Hospital de Greenwich. Localizado nas margens do Tamisa, este um dos monumentos mais significativos da arquitetura inglesa, tanto em tamanho quanto em mérito artístico, tomou sua forma final sob Hawksmoor.

O grande complexo hospitalar, onde hoje se encontra a escola naval, é composto por quatro edifícios, formando pátios rectangulares com uma área ampla entre os edifícios frontais, virados para o rio com pórticos de fachadas. Degraus largos, em ambos os lados dos quais são majestosos edifícios abobadados, levam à segunda praça entre o segundo par de pátios. Hawksmoor completou adequadamente a construção iniciada por Jones e continuada por Wren.

William Kent (1684-1748) foi o palladiano inglês mais proeminente da primeira metade do século XVIII. Juntamente com Lord Burlington, que se considerava um arquiteto, ele projetou e construiu a villa em Chiswick (1729), a mais bem-sucedida das muitas versões inglesas da villa palladiana Rotunda. Kent sentiu-se mais à vontade durante a construção do Holkham Hall Castle (1734), onde quatro dependências (com uma capela, uma biblioteca, uma cozinha e quartos de hóspedes) organicamente conectadas com o edifício central se abrem para o parque circundante. O mérito de Kent é especialmente grande na arte da paisagem, onde ele é conhecido como o "pai do jardim moderno".

A obra mais madura do arquiteto é a fachada mesquinha e desordenada do quartel do Horse Guards Regiment (Horse Guards, 1742-1751) em Londres.

O arquiteto e teórico da arquitetura James Gibbs (1682-1765) é a personalidade mais proeminente da arquitetura inglesa na primeira metade do século XVIII. Depois de estudar com Philippe Yuvara em Turim, ele também aprendeu a ordem e o sistema proporcional de Palladio. O mais significativo de seus edifícios, tanto em escala quanto em mérito artístico, é a chamada Biblioteca Redcliffe em Oxford (1737-1749), uma estrutura central de excepcional originalidade, composta por uma base de dezesseis lados, uma parte principal cilíndrica e uma cúpula. O maciço pedestal rústico é cortado por grandes aberturas de portas e janelas em arco; a parte redonda é dividida por colunas de três quartos emparelhadas em dezesseis pilares com duas camadas de janelas e nichos alternados. Acima da balaustrada, que completa o volume cilíndrico principal, ergue-se uma cúpula coroada por uma lanterna. Expressando plenamente o seu propósito, a rigorosa e monumental biblioteca universitária ocupa sem dúvida um dos primeiros lugares entre os melhores monumentos da arquitetura inglesa.

As igrejas londrinas de Gibbs, cuja construção ele continuou depois de Wren e Hawksmoor, também são peculiares - a igreja de dois andares de St. Mary le Strand (1714-1717) com um pórtico semicircular da entrada e uma esbelta torre sineira e a igreja do pórtico de São Corinto.

William Chambers (1723-1796) foi um representante consistente do Palladianismo na Inglaterra na segunda metade do século XVIII, quando arquitetos ingleses menores já haviam abandonado suas tentativas frustradas de adaptar os planos das vilas palladianas às condições do clima inglês e da exigências do conforto inglês.

Chambers resumiu o estágio passado da arquitetura inglesa em seu tratado de arquitetura e em seu maior edifício, conhecido como Somerset House em Londres (1776-1786). Este edifício monumental, construído sobre as arcadas das infra-estruturas, está virado para o Strand e o Tamisa com as suas fachadas rústicas (a fachada virada para o rio foi concluída mais tarde, no século XIX). As instalações da Somerset House em 1780 abrigavam a Royal Academy.

O último palladiano, Chambers foi o primeiro representante da tendência acadêmica na arquitetura inglesa.

Mas Somerset House, especialmente a fachada com a entrada de três arcos do Strand e o imponente pátio do edifício, completa adequadamente uma grande e brilhante era na história da arquitetura inglesa.

Os méritos de Chambers também são indiscutíveis no campo da arquitetura paisagista, onde promoveu o parque paisagístico inglês. Depois de Kent, trabalhou no Kew Park, onde, além dos pavilhões clássicos, construiu um pagode chinês como homenagem à moda européia para os "chineses" e como memória de sua viagem juvenil ao Extremo Oriente.

Robert Adam (1728-1792), outro dos mais proeminentes arquitetos ingleses da segunda metade do século XVIII, é frequentemente contrastado com Chambers. Enquanto o conservador Chambers era um guardião estrito das tradições palladianas na arquitetura, Adam, um pregador de "novos gostos", foi até certo ponto um inovador na arte inglesa. Percebendo a antiguidade de uma nova forma, dando atenção especial aos motivos decorativos, ele, em suas próprias palavras, "revolucionou o ornamento". Os principais arquitetos ingleses da época chefiados por ele fizeram muito para garantir que as novas tendências artísticas que ele perseguia se espalhassem a partir da decoração de interiores (o vestíbulo do Wardor Castle em Wiltshire, criado pelo arquiteto James Payne, ver ilustração) pode servir de modelo) para móveis, tecidos, porcelanas.

Um exemplo característico da obra de Adam é o Kedleston Hall (1765-1770), construído e decorado por ele dentro de um plano palladiano elaborado por outros arquitetos (com asas semicirculares adjacentes ao edifício central). Mas as maiores salas frontais do castelo, localizadas ao longo do eixo principal, sem dúvida pertencem a Adão. A ideia de um grande salão, onde por trás das colunas coríntias feitas de mármore artificial com teto de estuque, estátuas antigas se erguem nos nichos das paredes, e o salão coberto por uma cúpula, cujas paredes são dissecadas por nichos e tabernáculos, provavelmente foi inspirado em monumentos antigos que Adão conheceu durante uma viagem à Dalmácia, onde estudou o palácio de Diocleciano em Split. Em uma medida ainda maior, os métodos de decoração de outras salas menores - molduras de estuque de tetos e paredes, decorações para lareiras - responderam aos novos gostos refinados. A graciosa fachada do Boodle Club em Londres (1765) dá uma ideia de como Adam decidiu a aparência do edifício.

A atividade arquitetônica de Robert Adam foi excepcionalmente ampla. Junto com os irmãos James, John e William, seus funcionários permanentes, construiu ruas inteiras, praças, quarteirões de Londres. Tendo superado o antigo isolamento palladiano, o isolamento do volume arquitetônico, os irmãos Adam desenvolveram métodos para a formação de quarteirões integrais (principalmente edifícios residenciais) com base em um único conjunto arquitetônico. Tal é a Praça Fitzroy, o bairro Adelphi, em homenagem aos próprios irmãos Adam (“adelfos” é grego para “irmão”). Como resultado do redesenvolvimento e reconstrução posteriores da cidade (assim como após os bombardeios aéreos durante a Segunda Guerra Mundial), pouco sobreviveu da extensa atividade de construção dos irmãos Adam. Mas as tradições de sua arte há muito mantêm seu significado na arquitetura inglesa. O estilo já fortemente helenizado dos irmãos Adam encontrou sua continuação no chamado "renascimento grego", cujo início remonta ao final do século XVIII - uma direção não criativa o suficiente e em grande parte eclética. Essa tendência atingiu seu pleno desenvolvimento na arquitetura inglesa nas primeiras décadas do século XIX seguinte.