Pinturas de artistas europeus do século XIX. Artistas estrangeiros do século 19: as figuras mais brilhantes das artes plásticas e seu legado
O século XIX deixou marcas indeléveis em todas as formas de arte. Este é um momento de mudanças nas normas e requisitos sociais, um tremendo progresso na arquitetura, construção e indústria. Reformas e revoluções estão sendo realizadas ativamente na Europa, organizações bancárias e governamentais estão sendo criadas, e todas essas mudanças tiveram um impacto direto nos artistas. Artistas estrangeiros do século XIX levaram a pintura a um novo patamar, mais moderno, introduzindo gradualmente tendências como o impressionismo e o romantismo, que tiveram que passar por muitas provações antes de serem reconhecidos pela sociedade. Os artistas dos séculos passados não tinham pressa em dotar seus personagens de emoções violentas, mas os retratavam como mais ou menos contidos. Mas o impressionismo tinha em suas características um mundo de fantasia desenfreado e ousado, que se combinava vividamente com o mistério romântico. No século 19, os artistas começaram a pensar fora da caixa, rejeitando completamente os padrões aceitos, e essa coragem é transmitida no clima de suas obras. Durante este período, trabalharam muitos artistas, cujos nomes ainda consideramos grandes, e suas obras - inimitáveis.
França
Espanha
A Península Ibérica também nos deu muitos nomes famosos, incluindo:
Holanda
Vincent van Gogh é um dos holandeses mais famosos. Como todos sabem, Van Gogh sofria de um grave distúrbio mental, mas isso não afetou seu gênio interior. Feitas em uma técnica incomum, suas pinturas se tornaram populares somente após a morte do artista. Os mais famosos: "Noite Estrelada", "Íris", "Girassóis" estão incluídos na lista das obras de arte mais caras do mundo, embora Van Gogh não tenha nenhuma educação artística especial.
Noruega
Edvard Munch é natural da Noruega, famoso por sua pintura. A obra de Edvard Munch distingue-se nitidamente pela melancolia e uma certa imprudência. A morte de sua mãe e irmã na infância e relacionamentos disfuncionais com mulheres influenciaram muito o estilo de pintura do artista. Por exemplo, a conhecida obra "Scream" e não menos popular - "Sick Girl" carrega dor, sofrimento e opressão.
EUA
Kent Rockwell é um dos famosos pintores de paisagens americanos. Suas obras combinam realismo e romantismo, o que transmite com muita precisão o humor do retratado. Você pode olhar para suas paisagens por horas e interpretar os símbolos de forma diferente a cada vez. Poucos artistas conseguiram retratar a natureza do inverno de tal forma que as pessoas que a observam realmente experimentam o frio. Saturação e contraste de cores são uma assinatura reconhecível da Rockwell.
O século 19 é rico em criadores brilhantes que deram uma enorme contribuição à arte. Artistas estrangeiros do século XIX abriram as portas para várias novas tendências, como o pós-impressionismo e o romantismo, o que, de fato, acabou sendo uma tarefa difícil. A maioria deles provou incansavelmente à sociedade que seu trabalho tem o direito de existir, mas muitos conseguiram, infelizmente, apenas após a morte. Seu caráter desenfreado, coragem e vontade de lutar são combinados com talento excepcional e facilidade de percepção, o que lhes dá todo o direito de ocupar uma célula significativa e significativa.
A multiplicidade de movimentos artísticos no século XIX foi consequência do processo de modernização. A vida artística da sociedade agora era determinada não apenas pelos ditames da igreja e pela moda dos círculos da corte. A mudança na estrutura social levou a uma mudança na percepção da arte na sociedade: estão surgindo novos estratos sociais de pessoas ricas e educadas que são capazes de avaliar obras de arte de forma independente, concentrando-se apenas na exigência de gosto. Foi no século 19 que a cultura de massa começou a tomar forma; jornais e revistas de edição a edição, que imprimiam longos romances com um enredo divertido, tornaram-se o protótipo dos seriados de televisão na arte do século XX.
Na primeira metade do século XIX, um planejamento urbano em escala sem precedentes se desenvolveu na Europa. A maioria das capitais europeias - Paris, São Petersburgo, Berlim - adquiriu sua aparência característica; em seus conjuntos arquitetônicos, o papel dos edifícios públicos aumentou. A famosa Torre Eiffel, construída em 1889 para a abertura da Exposição Mundial, tornou-se o símbolo de Paris. A Torre Eiffel demonstrou as capacidades técnicas de um novo material - metal. No entanto, a solução artística original não foi imediatamente reconhecida, a torre foi chamada para ser demolida, chamada de monstruosa.
Neoclassicismo na primeira metade do século XIX. experimentou um apogeu tardio, agora recebe o nome de Império (do francês "império"), este estilo expressava a grandeza do império criado por Napoleão. Em meados do século, o principal problema da arquitetura européia era a busca pelo estilo. Devido à paixão romântica pela antiguidade, muitos mestres tentaram reviver as tradições da arquitetura do passado - foi assim que surgiu o neo-gótico, neo-renascentista, neo-barroco. Os esforços dos arquitetos muitas vezes levaram ao ecletismo - uma combinação mecânica de elementos de diferentes estilos, antigos com novos.
Na vida artística da primeira metade do século XIX, prevaleceu o romantismo, refletindo a decepção com a ideologia do Iluminismo. O romantismo tornou-se uma visão de mundo e um modo de vida especial. O ideal romântico de uma pessoa que não é compreendida pela sociedade forma o comportamento de seus estratos superiores. O romantismo caracteriza-se pela oposição de dois mundos: o real e o imaginário. A realidade é considerada sem alma, desumana, indigna do homem e oposta a ele. A "prosa da vida" do mundo real se opõe ao mundo da "realidade poética", o mundo do ideal, dos sonhos e das esperanças. Vendo o mundo dos vícios na realidade contemporânea, o romantismo tenta encontrar uma saída para o homem. Essa saída é ao mesmo tempo uma saída da sociedade de diferentes maneiras: o herói entra em seu próprio mundo interior, além dos limites do espaço real e uma saída para outro tempo. O romantismo passa a idealizar o passado, principalmente a Idade Média, vendo nele a realidade, a cultura e os valores como geada.
Eugene Delacroix (1798-1863) estava destinado a se tornar o chefe do romantismo francês na pintura. A imaginação inesgotável deste artista criou todo um mundo de imagens que ainda vivem na tela com sua vida intensa, cheia de lutas e paixões. Delacroix muitas vezes extraiu motivos das obras de William Shakespeare, Johann Wolfgang Goethe, George Byron, Walter Scott, voltou-se para os eventos da Revolução Francesa, outros episódios da história nacional ("Batalha de Poitiers"). Delacroix capturou inúmeras imagens do povo do Oriente, principalmente argelinos e marroquinos, que viu durante sua viagem à África. Em O Massacre na Ilha de Quios (1824), Delacroix refletia a luta dos gregos contra o domínio turco, que então preocupava toda a Europa. Um grupo de gregos cativos sofredores no primeiro plano da imagem, incluindo uma mulher perturbada pela dor e uma criança rastejando até o peito de uma mãe morta, o artista contrastava as figuras arrogantes e cruéis dos punidores; uma cidade em chamas em ruínas é vista à distância. A imagem impressionou os contemporâneos com o poder de tirar o fôlego do sofrimento humano e com sua coloração incomumente ousada e sonora.
Os eventos da Revolução de Julho de 1830, que terminou com a derrota da revolução e a restauração da monarquia, inspiraram Delacroix a criar a conhecida pintura Liberdade nas Barricadas (1830). A mulher que levantou a bandeira tricolor da República Francesa representa a liberdade. A imagem da liberdade nas barricadas 0 personificação da luta.
O artista espanhol Francisco Goya (1746-1828) foi um representante mundialmente famoso do romantismo, Goya tornou-se um grande artista relativamente tarde. O primeiro sucesso significativo trouxe-lhe duas séries (1776-1791) de numerosas tapeçarias criadas para o Real Manufactory de Santa Bárbara em Madrid ("Umbrella", "Blind Guitarist", "Vendedor de Pratos", "Blind Man's Bluff", "Wedding "). Nos anos 90. Século XVIII na obra de Goya, as características da tragédia, a hostilidade à Espanha feudal-clerical da "velha ordem" estão crescendo. A feiúra de seus fundamentos morais, espirituais e políticos Goya revela-se de forma grotesco-trágica, alimentando-se de fontes folclóricas, em uma grande série de gravuras "Caprichos" (80 folhas com comentários do artista); a ousada novidade da linguagem artística, a acentuada expressividade de linhas e traços, os contrastes de luz e sombra, a combinação do grotesco e da realidade, alegoria e fantasia, sátira social e uma análise sóbria da realidade abriram novos caminhos para o desenvolvimento da gravura europeia. Na década de 1790 - início de 1800, o retrato de Goya atingiu um florescimento excepcional, em que um sentimento ansioso de solidão (retrato de Señora Bermudez), confronto corajoso e desafio ao meio ambiente (retrato de F. Guimardet), o aroma de mistério e sensualidade escondida ("Maja vestida "e" Nude Maha "). Com incrível força de convicção, o artista capturou a arrogância, a miséria física e espiritual da família real no retrato de grupo "A Família de Carlos IV". Profundo historicismo, protesto apaixonado imbuído de grandes pinturas de Goya dedicadas à luta contra a intervenção francesa ("Revolta em 2 de maio de 1808 em Madri", "Tiro dos rebeldes na noite de 3 de maio de 1808"), uma série de gravuras compreendendo filosoficamente o destino do povo "Desastres de Guerra" (82 folhas, 1810-1820).
Francisco Goya "Caprichos"
Se na literatura a subjetividade da percepção do artista é descoberta pelo simbolismo, então na pintura uma descoberta semelhante é feita pelo impressionismo. O impressionismo (da impressão francesa - impressão) é uma tendência na pintura européia que se originou na França em meados do século XIX. Os impressionistas evitavam qualquer detalhe no desenho e tentavam capturar a impressão geral do que o olho vê em um determinado momento. Eles conseguiram esse efeito com a ajuda de cor e textura. O conceito artístico do impressionismo foi baseado no desejo de capturar natural e naturalmente o mundo ao seu redor em sua variabilidade, transmitindo suas impressões fugazes. Um terreno fértil para o desenvolvimento do impressionismo foi preparado pelos artistas da escola de Barbizon: eles foram os primeiros a pintar esboços da natureza. O princípio de “pintar o que você vê no meio da luz e do ar” formou a base da pintura ao ar livre dos impressionistas.
Na década de 1860, os jovens pintores de gênero E. Manet, O. Renoir, E. Degas tentaram inspirar a pintura francesa com frescor e imediatismo de observar a vida, retratando situações instantâneas, instabilidade e desequilíbrio de formas e composições, ângulos e pontos de vista inusitados . Trabalhar ao ar livre ajudou a criar nas telas a sensação de neve cintilante, a riqueza das cores naturais, a dissolução dos objetos no ambiente, a vibração da luz e do ar. Os artistas impressionistas deram atenção especial à relação de um objeto com seu ambiente, aos estudos da mudança de cor e tom de um objeto em um ambiente em mudança. Ao contrário dos românticos e realistas, eles não estavam mais inclinados a retratar o passado histórico. A modernidade era a sua área de interesse. A vida dos pequenos cafés parisienses, ruas barulhentas, margens pitorescas do Sena, estações ferroviárias, pontes, a beleza imperceptível das paisagens rurais. Os artistas não estão mais dispostos a tocar em problemas sociais agudos.
A obra de Edouard Manet (1832-1883) antecipou uma nova direção na pintura - o impressionismo, mas o próprio artista não aderiu a esse movimento, embora tenha mudado um pouco seu estilo criativo sob a influência dos impressionistas. Manet declarou seu programa: “Viva seu tempo e descreva o que você vê à sua frente, descobrindo a verdadeira beleza e poesia no curso diário da vida”. Ao mesmo tempo, na maioria das obras de Manet não havia ação, nem mesmo uma trama mínima. Paris torna-se um motivo constante para o trabalho de Manet: a multidão da cidade, cafés e teatros, as ruas da capital.
Édouard Manet "Bar no Folies Bergère"
Edourd Manet "Música nas Tulherias"
O próprio nome Impressionismo deve sua origem à paisagem de Claude Monet (1840-1926) “Impression. Nascer do sol".
Na obra de Monet, o elemento da luz adquiriu um papel de liderança. Por volta dos anos 70. século 19 Um deles é o incrível Boulevard des Capucines, onde as pinceladas jogadas na tela transmitem tanto a perspectiva distante de uma rua movimentada, um fluxo interminável de carruagens passando por ela, quanto uma multidão alegre e festiva. Ele pintou muitas pinturas com o mesmo assunto de observação, mas iluminado de forma diferente. Por exemplo, um palheiro de manhã, ao meio-dia, à noite, ao luar, à chuva e assim por diante.
Muitas das conquistas do impressionismo estão associadas à obra de Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), que entrou para a história da arte como "pintor da felicidade". Ele realmente criou em suas pinturas um mundo especial de mulheres cativantes e crianças serenas, natureza alegre e belas flores. Ao longo de sua vida, Renoir pintou paisagens, mas sua vocação permaneceu a imagem de um homem. Adorava pintar quadros de gênero, onde com incrível vivacidade recriava a agitação das ruas e bulevares parisienses, a ociosidade dos cafés e teatros, a animação dos passeios no campo e das férias ao ar livre. Todas estas pinturas, pintadas ao ar livre, distinguem-se pela sonoridade da cor. A pintura "Moulin de la Galette" (bola folclórica no jardim do salão de dança de Montmartre) é uma obra-prima do impressionismo de Renoir. Adivinha o ritmo animado da dança, o piscar de rostos jovens. Não há movimentos bruscos na composição, e uma sensação de dinâmica é criada pelo ritmo das manchas de cor. A organização espacial do quadro é interessante: o primeiro plano é dado de cima, as figuras sentadas não obscurecem os dançarinos. Numerosos retratos são dominados por crianças e jovens, nestes retratos a sua habilidade foi revelada: “Menino com gato”, “Menina com leque”.
Participante ativo em todas as exposições, Edgar Degas (1834 - 1917), estava longe de todos os princípios dos impressionistas: era um oponente do plein air, não pintava da natureza, não buscava capturar a natureza de vários estados da natureza. Um lugar significativo na obra de Degas é ocupado por uma série de pinturas que retratam um corpo feminino nu. Muitas de suas pinturas dos últimos anos são dedicadas à "mulher no banheiro". Em muitas obras, Degas mostra o comportamento e a aparência característicos das pessoas, gerados pelas peculiaridades de sua vida, revela o mecanismo de um gesto profissional, postura, movimento humano, sua beleza plástica (“Engomadeiras”, “Lavadeiras com linho”). Na afirmação do significado estético da vida das pessoas, de suas atividades cotidianas, reflete-se o humanismo peculiar da obra de Degas. A arte de Degas é inerente à combinação do belo, às vezes fantástico, e do prosaico: transmitir o espírito festivo do teatro em muitas cenas de balé (“Ballet Star”, “Ballet School”, “Dance Lesson”).
O pós-impressionismo abrange o período de 1886, quando foi realizada a última exposição impressionista, que apresentou as primeiras obras dos neo-impressionistas, até a década de 1910, que anunciou o nascimento de uma arte completamente nova nas formas do cubismo e do fauvismo. O termo "Pós-Impressionismo" foi introduzido pelo crítico inglês Roger Fry, expressando a impressão geral da exposição de arte moderna francesa que organizou em Londres em 1910, que apresentou obras de Van Gogh, Toulouse-Lautrec, Seurat, Cézanne e outros artistas.
Os pós-impressionistas, muitos dos quais já haviam se juntado ao impressionismo, começaram a procurar métodos de expressar não apenas o momentâneo e o transitório - a cada momento, eles começaram a compreender os estados de longo prazo do mundo ao seu redor. O pós-impressionismo é caracterizado por diferentes sistemas e técnicas criativas que influenciaram o desenvolvimento posterior das artes plásticas. A obra de Van Gogh antecipou o advento do expressionismo, Gauguin abriu o caminho para a Art Nouveau.
Vincent van Gogh (1853-1890) criou as imagens artísticas mais vívidas sintetizando (combinando) desenho e cor. A técnica de Van Gogh é pontos, vírgulas, linhas verticais, pontos sólidos. Suas estradas, canteiros e sulcos realmente se estendem ao longe, e os arbustos queimam no chão como fogo. Ele retratou não um momento apreendido, mas a continuidade dos momentos. Ele retratou não esse efeito de uma árvore dobrada pelo vento, mas o próprio crescimento de uma árvore do chão .. Van Gogh sabia como transformar tudo aleatório em cósmico. A alma de Van Gogh exigia cores brilhantes, ele constantemente reclamava com seu irmão sobre a falta de força até mesmo de sua cor amarela brilhante favorita.
Starry Night não foi a primeira tentativa de Van Gogh de retratar o céu noturno. Em 1888, em Arles, pintou Noite estrelada sobre o Ródano. Van Gogh queria retratar a noite estrelada como um exemplo do poder da imaginação, que pode criar uma natureza mais incrível do que podemos perceber ao olhar para o mundo real.
Uma percepção aumentada da realidade e o desequilíbrio mental levam Van Gogh à doença mental. Gauguin vem para ficar em Arles, mas as diferenças criativas causam uma briga. Van Gogh joga um copo na cabeça do artista, então, após a declaração de Gauguin de sua intenção de sair, ele se joga nele com uma navalha. Em um ataque de loucura na noite do mesmo dia, o artista corta sua orelha (“Auto-Retrato com Orelha Enfaixada”).
A obra de Paul Gauguin (1848-1903) é inseparável de seu destino trágico. A coisa mais importante na concepção estilística de Gauguin era sua compreensão da cor. Sobre. Tahiti, para onde o artista partiu em 1891, sob a influência de formas primitivas da arte polinésia, pintou quadros que se distinguem pela decoração, formas planas e cores excepcionalmente puras. A pintura "exótica" de Gauguin - "Você está com ciúmes?", "O nome dela é Vairaumati", "Mulher segurando um feto" - reflete não tanto as qualidades naturais dos objetos quanto o estado emocional do artista e o significado simbólico do imagens que ele concebeu. A peculiaridade do estilo de pintura de Gauguin é um efeito decorativo pronunciado, o desejo de pintar sobre grandes planos da tela com uma cor, apaixonado pela ornamentação, presente nos tecidos das roupas, nos tapetes e no fundo da paisagem.
Paul Gauguin "Quando se casar" "Mulher segurando um feto"
A conquista mais importante da cultura do século XIX. é o surgimento da arte da fotografia e do design. A primeira câmera do mundo foi feita em 1839 por Louis Jacques Mande Daguerre.
As primeiras tentativas de Daguerre de fazer uma câmera viável não tiveram sucesso. Em 1827, ele conheceu Joseph Niépce, que também estava tentando (e já tinha um pouco mais de sucesso) inventar a câmera. Dois anos depois tornaram-se sócios. Niépce morreu em 1833, mas Daguerre continuou trabalhando duro. Em 1837, ele finalmente conseguiu desenvolver um sistema prático de fotografia chamado daguerreótipo. A imagem (daguerreótipo) foi obtida em uma placa de prata tratada com vapor de iodo. Após exposição por 3-4 horas, a placa foi revelada em vapor de mercúrio e fixada com solução quente de sal comum ou hiposulfito. Os daguerreótipos tinham uma qualidade de imagem muito alta, mas apenas uma foto podia ser tirada.
Em 1839 Daguerre publicou sua invenção, mas não registrou uma patente. Em resposta, o governo francês concedeu a ele e ao filho de Niépce pensões vitalícias. O anúncio da invenção de Daguerre causou grande sensação. Daguerre tornou-se o herói do dia, a fama caiu sobre ele e o método daguerreótipo rapidamente encontrou ampla aplicação.
O desenvolvimento da fotografia levou a uma revisão dos princípios artísticos de grafismo, pintura, escultura, arte combinada e documentário, o que não é possível em outras formas de arte. A base para o design foi lançada pela Exposição Industrial Internacional em Londres em 1850. Seu design marcou a convergência de arte e tecnologia e lançou as bases para um novo tipo de criatividade.
Louis Daguerre, Nicéphore Niepce e Camera Obscura de Niepce
Joseph Nicephore Niepce. A primeira fotografia do mundo tirada em uma liga de estanho e chumbo, 1826.
"Estúdio do Artista" de Daguerre, 1837
Na década de 1870, dois inventores, Elisha Gray e Alexander Graham Bell, desenvolveram de forma independente dispositivos que podiam transmitir a fala via eletricidade, que mais tarde chamaram de telefone. Ambos enviaram suas respectivas patentes para os escritórios de patentes, a diferença nos depósitos foi de apenas algumas horas. No entanto, Alexander Graham Bell) recebeu a patente primeiro.
Telefone e telégrafo são sistemas elétricos baseados em fios. O sucesso de Alexander Bell, ou melhor, de sua invenção, foi bastante natural, pois, ao inventar o telefone, tentou aperfeiçoar o telégrafo. Quando Bell começou a fazer experiências com sinais elétricos, o telégrafo já era usado como meio de comunicação há cerca de 30 anos. Embora o telégrafo fosse um sistema de transmissão de informações bastante bem-sucedido baseado em código Morse com sua exibição de letras usando pontos e traços, no entanto, a grande desvantagem do telégrafo era que a informação se limitava a receber e enviar uma mensagem por vez.
Alexander Bell fala no primeiro modelo de telefone
O primeiro telefone, criado por Alexander Graham Bell, era um dispositivo através do qual os sons da fala humana eram transmitidos usando eletricidade (1875). Em 2 de junho de 1875, Alexander Graham Bell, enquanto experimentava sua técnica, que chamou de “telégrafo harmônico”, descobriu que podia ouvir o som por um fio. Era o som de um relógio.
O maior sucesso de Bell foi alcançado em 10 de março de 1876. Falando através de um tubo para seu assistente, Thomas Watson, que estava na sala ao lado, Bell pronunciou as palavras que são conhecidas por todos hoje “Sr. Watson - venha aqui - eu quero ver você ”(Sr. Watson - venha aqui - eu quero ver você). Nessa época, não só nasceu o telefone, mas também morreu o telégrafo múltiplo. O potencial da comunicação em demonstrar que era possível falar pela eletricidade era muito diferente do que o telégrafo podia oferecer com seu sistema de transmissão de informações por meio de pontos e traços.
O conceito de cinema apareceu pela primeira vez em sua versão francesa - "cinema", denotando um sistema de criação e exibição de um filme, desenvolvido pelos irmãos Louis Jean e Auguste Lumiere. O primeiro filme foi filmado com uma câmera de vídeo pelo francês Louis Aimé Augustin Le Prinecy (1842-1890) em novembro de 1888 na Grã-Bretanha e consistia em dois fragmentos: o primeiro tinha 10-12 fotos por segundo, o segundo tinha 20 fotos por segundo. Mas oficialmente acredita-se que o cinema se originou em 28 de dezembro de 1895. Neste dia, no salão indiano "Grand Café" no Boulevard des Capucines (Paris, França), ocorreu uma exibição pública do "Cinematógrafo dos Irmãos Lumière". Em 1896, os irmãos fizeram uma turnê mundial com sua invenção, visitando Londres, Nova York, Bombaim.
Louis Jean Lumiere formou-se em uma escola industrial, foi fotógrafo e trabalhou em uma fábrica fotográfica de seu pai. Em 1895, Lumière inventou a câmera cinematográfica para fotografar e projetar "fotografias em movimento". Seu irmão Auguste Lumiere participou ativamente de seu trabalho sobre a invenção do cinema. O dispositivo foi patenteado e foi chamado de cinema. Os primeiros programas de cinema de Lumiere mostravam cenas filmadas no local: “Saída de trabalhadores da fábrica de Lumiere”, “Chegada de um trem”, “Café da manhã infantil”, “Regar aspergido” e outros. Curiosamente, a palavra lumiere em francês significa "luz". Talvez seja um acidente, ou talvez o destino dos criadores do cinema tenha sido decidido antecipadamente.
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O pintor alemão Franz Xaver Winterhalter é mais conhecido por seus retratos de belas damas do século XIX. Ele nasceu em 1805 na Alemanha, mas depois de receber uma educação profissional mudou-se para Paris, onde foi nomeado pintor da corte real. Toda uma série de retratos de uma família da alta sociedade tornou o artista incrivelmente popular. E ele se tornou especialmente popular entre as senhoras seculares, porque combinava habilmente a semelhança do retrato com a capacidade de “apresentar” o objeto de seu trabalho. No entanto, os críticos o trataram muito, muito legal, o que, no entanto, não o impediu de se tornar cada vez mais popular entre as senhoras da alta sociedade, não apenas na França, mas em todo o mundo. Alexandre Dumas disse isso sobre ele
As senhoras da Rússia não escaparam de tal destino. |
Entre suas obras mais famosas estão os retratos da Imperatriz Eugênia (este é seu modelo favorito).
e Imperatriz Elisabeth da Baviera (1865).
É aqui que você precisa parar e fazer uma pausa...
Como tudo está conectado neste mundo! Os Habsburgos e a vida de Elizabeth, sua relação com a sogra, o destino de seu filho Rudolf e o filme "Mayerling", a história da Áustria-Hungria e o papel de Ava Gardner, e eu, uma pequena provinciana mulher colecionando retratos de Franz e olhando atentamente para um monitor de computador...
Li na enciclopédia sobre a vida de Sissi, sobre seus filhos, lembrei do filme e olhei retratos e fotografias...
De fato, a pintura é uma janela para o mundo terreno e para o mundo do conhecimento...
Franz Xaver Winterhalter nasceu em 20 de abril de 1805 na pequena aldeia de Mensenschwad na Floresta Negra, Baden. Ele era o sexto filho da família de Fidel Winterhalter, agricultor e produtor de resina, e sua esposa Eva Meyer, que vinha da antiga família Menzenschwand. Dos oito irmãos de Franz, apenas quatro sobreviveram.
Seu pai, embora fosse de origem camponesa, teve um impacto significativo na vida do artista.
Ao longo de sua vida, Winterhalter esteve em estreito contato com sua família, especialmente com seu irmão Herman (1808-1891), que também era artista.
Depois de frequentar uma escola no mosteiro beneditino de Blasin em 1818, Winterhalter, de treze anos, deixou Menzenschwand para estudar desenho e gravura.
Estudou litografia e desenho em Freiburg no ateliê de Karl Ludwig Schuler (1785-1852). Em 1823, aos dezoito anos, com o apoio do industrial Barão von Eichtal, partiu para Munique.
Em 1825, recebeu uma bolsa do Grão-Duque de Baden e iniciou um curso na Academia de Artes de Munique sob a direção de Peter Cornelius, mas o jovem artista não gostou de seus métodos de ensino, e Winterhalter teria que encontrar outro professor que poderia ensinar-lhe retratos seculares, e este era Joseph Stieler.
Ao mesmo tempo, Winterhalter ganha a vida como litógrafo.
A entrada de Winterhalter nos círculos da corte ocorreu em 1828 em Karlsruhe, quando se tornou professor de desenho da Condessa Sofia de Baden. Uma oportunidade propícia para se declarar afastado do sul da Alemanha chegou ao artista em 1832, quando ele, com o apoio do Grão-Duque Leopoldo de Baden, teve a oportunidade de viajar para a Itália (1833-1834).
Em Roma, pinta pinturas do gênero romântico no estilo de Louis-Leopold Robert e se aproxima do diretor da Academia Francesa, Horace Vernet.
Após seu retorno a Karlsruhe, Winterhalter pinta retratos do Grão-Duque Leopoldo de Baden e sua esposa e se torna o pintor da corte ducal.
No entanto, ele deixou Baden e mudou-se para a França,
onde, na exposição de 1836, sua pintura de gênero "Il dolce Farniente" chamou a atenção,
e um ano depois "Il Decameron" também foi elogiado. Ambas as obras são pinturas acadêmicas no estilo de Rafael.
No Salão de 1838, eles foram presenteados com um retrato do Príncipe de Wagram com sua filha.
As pinturas foram bem sucedidas, a carreira de um retratista Franz foi garantida.
Em um ano, ele escreve para Louise-Marie de Orleans, rainha da Bélgica com seu filho.
Talvez graças a esta foto, Winterhalter ficou conhecido por Maria Amália de Nápoles, rainha da França, mãe da rainha belga.
Assim, em Paris, Winterhalter rapidamente se tornou moda. Ele foi nomeado pintor da corte de Louis Philippe, rei da França, que lhe confiou a criação de retratos individuais de sua família. Winterhalter teve que completar mais de trinta pedidos para ele.
Esse sucesso trouxe ao artista a reputação de conhecedor de retratos dinásticos e aristocráticos: combinando habilmente a precisão do retrato com lisonja sutil, ele retratou a pompa do estado de uma maneira moderna e viva. Ordens seguidas uma atrás da outra...
No entanto, nos círculos artísticos, Winterhalter foi tratado de forma diferente.
Os críticos que elogiaram sua estreia na exposição de 1936 no Salon viraram as costas para ele como um artista que não deveria ser levado a sério. Essa atitude persistiu ao longo da carreira de Winterhalter e destacou sua obra na hierarquia da pintura.
O próprio Winterhalter via suas primeiras encomendas do governo como um estágio temporário antes de retornar à pintura temática e recuperar o prestígio acadêmico; ele foi vítima de seu próprio sucesso e, para sua própria tranquilidade, teve que trabalhar quase exclusivamente no gênero retrato. Esta foi uma área em que ele não só era um especialista e teve sucesso, mas também conseguiu ficar rico.
Mas Winterhalter recebeu fama internacional e o patrocínio da realeza.
Entre seus muitos modelos reais estava a rainha Vitória. Winterhalter visitou a Inglaterra pela primeira vez em 1842 e retornou várias vezes para pintar retratos de Victoria, Príncipe Albert e sua família em crescimento, produzindo um total de cerca de 120 obras para eles. A maioria das pinturas está na Coleção Real, aberta para exibição no Palácio de Buckingham e em outros museus.
Winterhalter também pintou vários retratos de representantes da aristocracia inglesa, a maioria dos quais eram membros do círculo da corte.
A queda de Louis Philippe em 1848 não afetou a reputação do artista. Winterhalter mudou-se para a Suíça e trabalhou em comissões na Bélgica e na Inglaterra.
Paris continua sendo a cidade natal do artista: uma interrupção no recebimento de encomendas de retratos na França permitiu que ele voltasse à pintura temática e se voltasse para as lendas espanholas.
Assim surgiu a pintura "Florinda" (1852, Metropolitan Museum of Art, Nova York), que é uma alegre celebração da beleza feminina.
Neste mesmo ano ele propôs casamento, mas foi rejeitado; Winterhalter permaneceu um solteiro dedicado ao seu trabalho.
Após a ascensão ao trono de Napoleão III, a popularidade do artista aumentou acentuadamente. A partir desse momento, Winterhalter tornou-se o principal pintor de retratos da família imperial e da corte francesa.
A bela imperatriz francesa Eugenia tornou-se sua modelo favorita e tratou o artista favoravelmente.
Em 1855, Winterhalter pintou sua obra-prima Imperatriz Eugênia cercada por damas de companhia, retratando-a em um ambiente rural colhendo flores com suas damas de companhia. A pintura foi bem recebida, exposta ao público e até hoje permanece, talvez, a obra mais famosa do mestre.
Em 1852 viaja para Espanha para escrever à rainha Isabel II, trabalhando para a família real portuguesa. Representantes da aristocracia russa que vieram a Paris também ficaram felizes em receber seu retrato do famoso mestre.
Como artista real, Winterhalter estava em constante demanda nas cortes da Grã-Bretanha (desde 1841), Espanha, Bélgica, Rússia, México, Alemanha e França.
O classicismo do século XVIII - início do século XIX (na história da arte estrangeira é muitas vezes referido como neoclassicismo), que se tornou um estilo pan-europeu, também se formou principalmente no seio da cultura francesa, sob forte influência das ideias do Iluminação. Na arquitetura, foram determinados novos tipos de uma mansão requintada, um edifício público frontal, uma praça aberta (Gabriel Jacques Ange e Souflo Jacques Germain), a busca por novas formas de arquitetura desordenadas, o desejo de simplicidade dura no trabalho de Ledoux Claude Nicolas antecipou a arquitetura do estágio tardio do classicismo - Império. Pathos cívico e lirismo combinados em plástico (Pigalle Jean Baptiste e Houdon Jean Antoine), paisagens decorativas (Robert Hubert). O drama corajoso das imagens históricas e do retrato é inerente às obras do chefe do classicismo francês, o pintor Jacques Louis David. No século XIX, a pintura do classicismo, apesar das atividades de grandes mestres individuais, como Jean Auguste Dominique Ingres, degenera em uma arte de salão apologética oficial ou pretensamente erótica. Roma tornou-se o centro internacional do classicismo europeu nos séculos XVIII e XIX, onde predominavam as tradições do academismo, com sua característica combinação de nobreza de formas e idealização fria (pintor alemão Anton Raphael Mengs, escultores: italiano Canova Antonio e Dane Thorvaldsen Bertel ). A arquitetura do classicismo alemão é caracterizada pela severa monumentalidade dos edifícios de Karl Friedrich Schinkel, pelo clima contemplativo-elegíaco da pintura e das artes plásticas – retratos de August e Wilhelm Tischbein, escultura de Johann Gottfried Schadow. No classicismo inglês, destacam-se as antiguidades de Robert Adam, os parques palladianos de William Chambers, os desenhos primorosamente austeros de J. Flaxman e a cerâmica de J. Wedgwood. Variantes próprias do classicismo desenvolvidas na cultura artística da Itália, Espanha, Bélgica, países escandinavos, EUA; um lugar de destaque na história da arte mundial é ocupado pelo classicismo russo das décadas de 1760-1840.
No final do primeiro terço do século XIX, o protagonismo do classicismo estava quase universalmente desaparecendo, sendo substituído por várias formas de ecletismo arquitetônico. A tradição artística do classicismo ganha vida no neoclassicismo do final do século XIX e início do século XX.
Jean Auguste Dominique Ingres, (1780-1867) - artista francês, líder geralmente reconhecido do academicismo europeu do século XIX.
Na obra de Ingres - a busca da pura harmonia.
Estudou na Academia de Belas Artes de Toulouse. Depois de se formar na academia, mudou-se para Paris, onde em 1797 se tornou aluno de Jacques-Louis David. Em 1806-1820 estudou e trabalhou em Roma, depois mudou-se para Florença, onde passou mais quatro anos. Em 1824 voltou a Paris e abriu uma escola de pintura. Em 1835 voltou a Roma novamente como diretor da Academia Francesa. De 1841 até o fim de sua vida viveu em Paris.
Academismo (fr. academisme) é uma tendência na pintura europeia dos séculos XVII-XIX. A pintura acadêmica surgiu durante o desenvolvimento das academias de arte na Europa. A base estilística da pintura acadêmica no início do século XIX foi o classicismo, na segunda metade do século XIX - o ecletismo.
O academicismo cresceu seguindo as formas externas da arte clássica. Os seguidores caracterizaram este estilo como uma reflexão sobre a forma de arte da antiguidade antiga e do Renascimento.
Entradas Retratos da família Riviere. 1804-05
Romantismo
Romantismo- um fenômeno gerado pelo sistema burguês. Como visão de mundo e estilo de criatividade artística, reflete suas contradições: a lacuna entre o próprio e o real, o ideal e a realidade. A consciência da irrealização dos ideais e valores humanistas do Iluminismo deu origem a duas posições alternativas de visão de mundo. A essência do primeiro é desprezar a realidade básica e fechar-se na casca dos ideais puros. A essência da segunda é reconhecer a realidade empírica, descartar todo raciocínio sobre o ideal. O ponto de partida da cosmovisão romântica é uma rejeição aberta da realidade, o reconhecimento de um abismo intransponível entre os ideais e o ser real, a irracionalidade do mundo das coisas.Caracteriza-se por uma atitude negativa em relação à realidade, pessimismo, interpretação das forças históricas como estando fora da realidade cotidiana real, mistificação e mitologização. Tudo isso levou à busca de resolução de contradições não no mundo real, mas no mundo da fantasia.
A cosmovisão romântica abrangeu todas as esferas da vida espiritual - ciência, filosofia, arte, religião. Ele veio em duas versões:
O primeiro - nele o mundo apareceu como uma subjetividade cósmica infinita, sem rosto. A energia criativa do espírito atua aqui como o começo que cria a harmonia mundial. Esta versão da cosmovisão romântica é caracterizada por uma imagem panteísta do mundo, otimismo e sentimentos elevados.
A segunda é que nela a subjetividade humana é considerada individual e pessoalmente, é entendida como o mundo interior autoprofundo de uma pessoa que está em conflito com o mundo exterior. Essa atitude é caracterizada pelo pessimismo, uma atitude liricamente triste em relação ao mundo.
O princípio inicial do romantismo era "dois mundos": comparação e oposição dos mundos real e imaginário. O simbolismo era a maneira de expressar esse mundo dual.
O simbolismo romântico representava uma combinação orgânica do mundo ilusório e real, que se manifestava no aparecimento de metáforas, hipérboles e comparações poéticas. O romantismo, apesar de sua estreita ligação com a religião, caracterizou-se pelo humor, ironia, devaneio. O romantismo declarou que a música era o modelo e a norma para todas as áreas da arte, nas quais, segundo os românticos, soava o próprio elemento da vida, o elemento da liberdade e o triunfo dos sentimentos.
O surgimento do romantismo foi devido a uma série de fatores. Primeiro, sócio-político: a Revolução Francesa de 1769-1793, as guerras napoleônicas, a guerra pela independência da América Latina. Em segundo lugar, econômico: a revolução industrial, o desenvolvimento do capitalismo. Em terceiro lugar, foi formado sob a influência da filosofia clássica alemã. Em quarto lugar, foi formado com base e no quadro dos estilos literários existentes: iluminismo, sentimentalismo.
O auge do romantismo cai no período 1795-1830. - o período das revoluções europeias e movimentos de libertação nacional, e o romantismo foi especialmente pronunciado na cultura da Alemanha, Inglaterra, Rússia, Itália, França, Espanha.
A corrente romântica teve grande influência no campo humanitário, e a positivista nas ciências naturais, técnicas e práticas.
Jean Louis André Theodore Géricault (1791-1824).
Um estudante por um curto período de tempo de C. Vernet (1808-1810), e depois P. Guerin (1810-1811), que estava chateado por seus métodos de transferência da natureza não de acordo com os princípios da escola de Jacques-Louis David e vício em Rubens, mas depois reconheceu a racionalidade das aspirações de Géricault.
Servindo nos mosqueteiros reais, Géricault escreveu principalmente cenas de batalha, mas depois de viajar para a Itália em 1817-19. ele executou uma grande e complexa pintura "A Jangada da Medusa" (localizada no Louvre, Paris), que se tornou uma negação completa da tendência davídica e um sermão eloquente de realismo. A novidade do enredo, o drama profundo da composição e a verdade da vida desta obra magistralmente escrita não foram imediatamente apreciados, mas logo foi reconhecido até pelos adeptos do estilo acadêmico e trouxe ao artista fama como um inovador talentoso e corajoso .
Trágica tensão e drama Em 1818, Géricault trabalhou na pintura A Balsa da Medusa, que marcou o início do romantismo francês. Delacroix, que posou para o amigo, assistiu ao nascimento de uma composição que rompe com todas as ideias usuais sobre a pintura. Delacroix lembrou mais tarde que, quando viu a pintura finalizada, "deleitado correu para correr como um louco e não conseguiu parar até chegar à casa".
O enredo da imagem é baseado em um incidente real que aconteceu em 2 de julho de 1816 na costa do Senegal. Então, nas águas rasas de Argen, a 40 léguas da costa africana, naufragou a fragata Medusa. 140 passageiros e tripulantes tentaram escapar embarcando na jangada. Apenas 15 deles sobreviveram e no décimo segundo dia de suas andanças foram apanhados pelo brigue Argus. Os detalhes da viagem dos sobreviventes chocaram a opinião pública moderna, e o próprio naufrágio se transformou em um escândalo no governo francês devido à incompetência do capitão do navio e à insuficiência das tentativas de resgate das vítimas.
solução figurativa
A tela gigantesca impressiona com seu poder expressivo. Géricault conseguiu criar uma imagem vívida, combinando os mortos e os vivos, a esperança e o desespero em uma imagem. O quadro foi precedido por um enorme trabalho preparatório. Géricault fez numerosos esboços dos moribundos nos hospitais e dos cadáveres dos executados. A Balsa da Medusa foi a última das obras concluídas de Géricault.
Em 1818, quando Géricault trabalhava na pintura “A Balsa da Medusa”, que marcou o início do romantismo francês, Eugene Delacroix, posando para o amigo, assistiu ao nascimento de uma composição que rompe com todas as ideias usuais sobre a pintura. Delacroix lembrou mais tarde que, quando viu a pintura finalizada, "deleitado correu para correr como um louco e não conseguiu parar até chegar à casa".
Reação do público
Quando Géricault expôs A Balsa da Medusa no Salão em 1819, a pintura despertou a indignação do público, pois o artista, contrariando as normas acadêmicas da época, não utilizou um formato tão grande para retratar uma trama heróica, moralista ou clássica.
A pintura foi adquirida em 1824 e atualmente está na Sala 77 do 1º andar da Galeria Denon no Louvre.
Eugene Delacroix(1798 - 1863) - Pintor e artista gráfico francês, chefe da corrente romântica na pintura europeia.
Mas o Louvre e a comunicação com o jovem pintor Theodore Géricault tornaram-se as verdadeiras universidades de Delacroix. No Louvre, ficou fascinado com as obras dos antigos mestres. Naquela época, era possível ver muitas telas capturadas durante as Guerras Napoleônicas e ainda não devolvidas aos seus donos. Acima de tudo, o artista iniciante foi atraído pelos grandes coloristas - Rubens, Veronese e Ticiano. Mas a maior influência sobre Delacroix foi Theodore Géricault.
Em julho de 1830, Paris se rebelou contra a monarquia Bourbon. Delacroix simpatizava com os rebeldes, e isso se refletiu em sua "Liberdade guiando o povo" (também conhecemos essa obra como "Liberdade nas barricadas"). Exposta no Salão de 1831, a tela causou uma tempestade de aprovação do público. O novo governo comprou a pintura, mas ao mesmo tempo ordenou imediatamente a sua remoção, seu pathos parecia muito perigoso.
Sobre a arte da primeira metade do século XIX. influenciado pela Revolução Francesa (1789-1799), a guerra com Napoleão, a guerra com a Espanha. Durante este período, grande progresso na ciência. Principais estilos: Império, Romantismo, realismo francês.
Na arquitetura da primeira metade do século XIX, o neoclassicismo experimentou seu último florescimento. Em meados do século, o principal problema da arquitetura européia era a busca pelo estilo. Devido ao fascínio romântico pela antiguidade, muitos mestres tentaram reviver as tradições da arquitetura do passado - foi assim que surgiram o neogótico, o neo-renascentista, o neobarroco. Os esforços dos arquitetos muitas vezes levaram ao ecletismo - uma combinação mecânica de elementos de diferentes estilos, antigos com novos. A arquitetura é dominada pela construção de fábricas, escritórios, edifícios residenciais, lojas de departamentos, salas de exposições, bibliotecas, estações, mercados cobertos, bancos, etc. Os bancos são decorados com pórticos gregos antigos, lojas de departamento - com janelas e torres góticas. As fábricas têm a aparência de castelos.
19.1.1 Arte da França
Arquitetura. Durante os anos da Revolução Francesa, nem uma única estrutura durável foi construída na França. Esta foi a era das construções temporárias, geralmente de madeira. No início da revolução, a Bastilha foi destruída, monumentos aos reis foram demolidos. Em 1793 foram encerradas as academias reais, incluindo a academia de arquitetura. Em vez disso, surgiram o Júri Nacional de Artes e o Clube Republicano de Artes, cujas principais tarefas eram organizar feriados em massa e decorar ruas e praças parisienses.
Um pavilhão foi erguido na Place de la Bastille com a inscrição: "Aqui eles dançam". A Place Louis XV foi nomeada Place de la Révolution e acrescentou arcos triunfais, estátuas da liberdade, fontes com emblemas. O Campo de Marte tornou-se um local de reuniões públicas com o altar da Pátria no centro. Les Invalides e sua Catedral tornaram-se um templo da humanidade. As ruas de Paris foram decoradas com novos monumentos.
Também durante os anos da Revolução Francesa, foi formada a Comissão de Artistas, que se dedicava à melhoria da cidade, planejava mudanças em sua aparência. Ele desempenhou um papel significativo na história da arquitetura.
A arte da França napoleônica foi dominada pelo estilo Império. O principal evento de Napoleão no campo da arquitetura foi a reconstrução de Paris: deveria conectar os bairros medievais com um sistema de avenidas que atravessam a cidade ao longo do eixo leste-oeste. As seguintes foram construídas: Avenida Champs Eisées, Rue Rivoli, a coluna triunfal na Place Vendôme (1806–1810, arquitetos Jean-Baptiste Leper, Jacques Gonduin), o portão de entrada do Palácio das Tulherias (1806–1807, arquitetos Ch. Persier, P. F. L. Fontaine), o arco triunfal do Grande Exército (1806-1837, arquitetos Jean-François Chalien e outros).
Quadro. Na primeira metade do século XIX. a escola francesa de pintura fortaleceu sua primazia na arte da Europa Ocidental. A França estava à frente de outros países europeus na democratização da vida artística. Desde 1791, todos os autores têm o direito de participar das exposições do Salão do Louvre, independentemente de serem membros das academias. Desde 1793, os salões do Louvre estão abertos ao público em geral. A educação acadêmica estatal foi suplantada pela formação em oficinas privadas. As autoridades recorreram a métodos mais flexíveis de política artística: a distribuição de grandes encomendas para a decoração de edifícios públicos adquiriu um alcance especial.
Representantes da pintura do romantismo francês - David, Ingres, Géricault, Delacroix, Gros.
Jaques Louis David (1748-1825) - o representante mais consistente do neoclassicismo na pintura. Estudou na Real Academia de Pintura e Escultura, em 1775-1779. visitou a Itália. Em 1781, David foi aceito como membro da Royal Academy e recebeu o direito de participar de suas exposições - os Salões do Louvre. Em 1792, David foi eleito deputado à Convenção, o mais alto órgão legislativo e executivo da Primeira República.
Já em 1776, foi desenvolvido um programa governamental que incentivava a criação de grandes pinturas. David recebeu um pedido para uma pintura sobre a façanha de três irmãos da nobre família de Horatii - "Juramento dos Horácios" (1784). A ação da imagem se passa no pátio de uma antiga casa romana: um fluxo de luz se derrama sobre os heróis da imagem de cima, um crepúsculo cinza-oliva ao redor deles. Toda a composição é baseada no número três: três arcos (uma ou mais figuras estão inscritas em cada um dos arcos), três grupos de personagens, três filhos, um campo de tiro de uma espada, três mulheres. Os contornos suaves do grupo feminino contrastam com as linhas cinzeladas das figuras das guerreiras.
Em 1795-1799 David e seus alunos trabalharam em uma pintura "Os sabinos parando a batalha entre os romanos e os sabinos". A artista novamente escolheu um enredo em sintonia com a modernidade: a história das mulheres que pararam a guerra entre os romanos (seus maridos) e os sabinos (seus pais e irmãos) soava na França da época como um apelo à paz civil. No entanto, a enorme imagem, sobrecarregada de figuras, causou apenas ridículo da platéia.
Em 1812 partiu para Bruxelas, onde viveu até à sua morte. Pintou retratos e trabalha com temas antigos - "Morte de Marat" (1793), "Retrato de Madame Recamier" (1800). A pintura "A Morte de Marat" foi concluída pelo artista em menos de três meses e pendurada na sala de reuniões da Convenção. Marat foi esfaqueado até a morte em seu apartamento por uma nobre chamada Charlotte Corday. No momento de sua morte, Marat estava sentado no banho: devido a uma doença de pele, ele foi forçado a trabalhar dessa maneira e receber visitas. As folhas remendadas e a simples caixa de madeira que substituiu a mesa não são uma invenção do artista. No entanto, o próprio Marat, cujo corpo foi desfigurado pela doença, sob o pincel de David se transformou em um nobre atleta, como um herói antigo. A simplicidade do cenário confere ao espetáculo uma solenidade trágica especial.
Em uma grande foto "Coroação de Napoleão I e Imperatriz Josephine na Catedral de Notre Dame em 2 de dezembro de 1804" (1807) David criou outro mito - o brilho do altar e o esplendor das roupas dos cortesãos afetam o espectador não pior do que os móveis miseráveis e os velhos lençóis de Marat.
Jean Auguste Dominique Ingres(1780-1867) foi um adepto dos ideais clássicos, um artista original, alheio a qualquer falsidade, tédio e rotina. Em 1802 recebeu o Prêmio de Roma e recebeu o direito de viajar para a Itália. Em 1834 tornou-se diretor da Academia Francesa em Roma. Alcançou a habilidade mais alta no gênero retrato - "Retrato da Riviera".
Ingres tentou transmitir na pintura as possibilidades decorativas de vários tipos de arte antiga, por exemplo, a expressividade das silhuetas da pintura de vasos gregos antigos, - "Édipo e a Esfinge" (1808) e "Júpiter e Thetis" (1811).
Em uma tela monumental "Voto de Luís XIII pedindo o patrocínio de Nossa Senhora para o Reino da França" (1824), ele imitou o estilo pictórico de Rafael. A imagem trouxe a Ingres o primeiro grande sucesso. na foto "Odalisca e Escravo" (1839) Escolhi uma composição próxima de "Mulheres de Argel em seus aposentos" de Delacroix e resolvi-a à sua maneira. A coloração heterogênea e multicolorida da tela surgiu como resultado da paixão do artista por miniaturas orientais. Em 1856 Ingres completou a pintura "Fonte" concebido por ele na década de 1920. Na Itália. O corpo feminino gracioso e florido incorpora a pureza e a generosidade do mundo natural.
Theodore Géricault(1791-1824) - fundador do romantismo revolucionário na pintura francesa. A primeira obra exposta no Salão - “Oficial dos cavaleiros da guarda imperial, indo ao ataque” (“Retrato do Tenente R. Dieudonné”, 1812). O cavaleiro arrojado na tela não posa, mas luta: a diagonal rápida da composição o leva para o fundo da imagem, para o calor roxo-azulado da batalha. Neste momento, ficou conhecido sobre a derrota do exército de Napoleão Bonaparte na Rússia. Os sentimentos dos franceses, que conheciam a amargura da derrota, foram refletidos em uma nova pintura de um jovem artista - "Cuirassier ferido deixando o campo de batalha" (1814).
Em 1816-1817 Géricault viveu na Itália. O artista ficou especialmente fascinado pelas corridas de cavalos sem sela em Roma. Em uma série de pinturas "A Corrida dos Cavalos Livres" (1817) precisão disponível e expressiva da reportagem e heroísmo contido no espírito neoclássico. Nestas obras, seu estilo individual foi finalmente formado: formas poderosas e ásperas são transmitidas por grandes pontos de luz em movimento.
De volta a Paris, o artista criou um quadro "A jangada da Medusa" (1818-1819). Em julho de 1816, perto das ilhas de Cabo Verde, encalhou o navio Meduza, comandado por um capitão inexperiente que recebeu um cargo sob patrocínio. Em seguida, o capitão e sua comitiva partiram em barcos, deixando à mercê do destino uma jangada com cento e cinquenta marinheiros e passageiros, dos quais apenas quinze sobreviveram. Na foto, Géricault buscava o máximo de credibilidade. Durante dois anos ele procurou pessoas que sobreviveram à tragédia no oceano, fez esboços em hospitais e necrotérios e pintou estudos sobre o mar em Le Havre. A jangada em sua foto é levantada por uma onda, o espectador vê imediatamente todas as pessoas amontoadas nela. Em primeiro plano - as figuras dos mortos e perturbados; eles são escritos em tamanho real. Os olhos daqueles que ainda não se desesperaram estão voltados para a extremidade da balsa, onde um africano, de pé sobre um barril frágil, acena com um lenço vermelho para a tripulação do Argus. Ou desespero ou esperança enchem as almas dos passageiros da balsa da Medusa.
Em 1820-1821 Géricault visitou a Inglaterra. Influenciado pelos escritos de Constable, escreveu "Corrida em Epsom" (1821). A imagem é permeada de movimento: os cavalos estão correndo, mal tocando o chão, suas figuras se fundiram em uma linha rápida; as nuvens baixas são móveis, suas sombras são móveis, deslizando pelo campo úmido. Todos os contornos da paisagem estão borrados, as cores estão borradas. Géricault mostrou o mundo como é visto por um jóquei em um cavalo a galope.
Eugene Deacroix(1798-1863) - pintor francês. A base da pintura de Delacroix são manchas coloridas que formam uma unidade harmoniosa; cada mancha, além de sua cor, inclui tons de vizinhos.
Delacroix pintou sua primeira pintura no enredo da Divina Comédia de Dante - "Dante e Virgílio" ("Barco de Dante") (1822). Delacroix criou a pintura "Massacre de Quios" (1824) sob a influência dos acontecimentos da revolução de libertação na Grécia 1821-1829. Em setembro de 1821, os punidores turcos massacraram a população civil de Chios. No primeiro plano da imagem estão as figuras dos condenados Chians em trapos coloridos; o fundo são as silhuetas escuras de turcos armados. A maioria dos cativos é indiferente ao seu destino, apenas as crianças imploram em vão a seus pais para protegê-los. O cavaleiro turco, que arrasta uma garota grega atrás de si, parece uma espécie de símbolo de escravização. Outras figuras não são menos simbólicas: um grego ferido nu - seu sangue cai no chão seco, e uma adaga quebrada e uma bolsa esvaziada por ladrões estão nas proximidades.
Após os acontecimentos de julho de 1830 em Paris, Delacroix criou uma pintura "Liberdade guiando o povo (28 de julho de 1830)". O artista deu uma sonoridade épica e atemporal a um simples episódio de brigas de rua. Os rebeldes sobem à barricada recapturada das tropas reais, e a própria Liberdade os lidera. Os críticos viram nela "um cruzamento entre um comerciante e uma antiga deusa grega". O estilo romântico é sentido aqui: a liberdade é retratada como a deusa da vitória, ela levanta a bandeira tricolor da República Francesa; seguido por uma multidão armada. Agora são todos soldados da Liberdade.
Em 1832 Delacroix acompanhou uma missão diplomática a Argel e Marrocos. Ao retornar a Paris, o artista criou uma pintura "As mulheres da Argélia em suas câmaras" (1833). As figuras das mulheres são surpreendentemente plásticas. Os rostos de pele dourada são delineados suavemente, os braços são suavemente curvados, as roupas coloridas se destacam no fundo de sombras aveludadas.
Antoine Gros (1771-1835) - pintor francês, pintor de retratos. Gro abandonou assuntos clássicos - ele foi atraído pela história moderna. Criou uma série de pinturas dedicadas à expedição egípcio-síria do exército napoleônico (1798-1799) - "Bonaparte visitando as vítimas da peste em Jaffa" (1804). Outras pinturas dedicadas a Napoleão - "Napoleão na Ponte Arcole" (1797), "Napoleão no Campo de Batalha de Eyau" (1808). Gros em 1825 terminou de pintar a cúpula do Panteão em Paris, substituindo a imagem de Napoleão pela figura de Luís XVIII.
