Prelúdios do poema sinfônico de Liszt. Sinfonismo programático na obra de Franz Liszt

poema sinfônico

gênero de música de programa sinfônico. Uma obra orquestral de um movimento, de acordo com a ideia romântica da síntese das artes, permitindo uma variedade de fontes de programas (literatura, pintura, menos frequentemente filosofia ou história). O criador do gênero é F. Liszt.

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Poema sinfônico

Poema sinfônico- um gênero de música sinfônica que expressa a ideia romântica da síntese das artes. Um poema sinfônico é uma obra orquestral de uma parte que permite várias fontes de programa (literatura e pintura, menos frequentemente filosofia ou história; imagens da natureza). Um poema sinfônico é caracterizado pelo desenvolvimento livre de material musical, combinando vários princípios de formação, na maioria das vezes sonata e monotematismo com ciclicidade e variação.

O surgimento do poema sinfônico como gênero está associado principalmente ao nome de Franz Liszt, que criou 12 obras dessa forma em 1848-1881. Alguns pesquisadores, no entanto, apontam para o ensaio de Cesar Franck de 1846 "O que se ouve na montanha", baseado em um poema de Victor Hugo e precedendo a composição de Liszt na mesma base; O poema de Frank, no entanto, permaneceu inacabado e inédito, e o compositor voltou-se para esse gênero muito mais tarde. O predecessor imediato de Liszt é Felix Mendelssohn, mais notavelmente sua abertura Hébridas (1830-1832).

Depois de Liszt, muitos outros compositores trabalharam nesse gênero - M. A. Balakirev, H. von Bülow, J. Gershwin, A. K. Glazunov, A. Dvorak, V. S. Kalinnikov, M. Karlovich, S. M. Lyapunov , S. S. Prokofiev, S. V. Rachmaninov, A. G. Rubinshtein, C Saint-Saens, J. Sibelius, A. N. Skryabin, B. Smetana, J. Suk, Z. Fibich, S. Frank, P. I. Tchaikovsky, M. K. Ciurlionis, A. Schoenberg, E. Chausson, D. D. Shostakovich, R. Strauss, J .Enescu e outros.

"Poema" para violino e orquestra de E. Chausson também foi escrito sob a influência do gênero poema sinfônico.

"Poema coreográfico" "Valsa" de M. Ravel é um poema sinfônico, sugerindo a possibilidade de encarnação cênica.

O repensar mais radical do gênero poema sinfônico foi proposto por D. Ligeti em seu Poema Sinfônico para 100 metrônomos.

Outros gêneros também foram influenciados pelo poema sinfônico em seu desenvolvimento -

Poema sinfônico

(Alemão symphonische Dichtung, Francês poime symphonique, Inglês symphonic poema, Italiano poema sinfonica) é uma sinfonia de software de uma parte. trabalhar. O gênero de S. p. foi plenamente desenvolvido na obra de F. Liszt. O próprio nome vem dele. "S.p." Pela primeira vez, Liszt deu em 1854 com sua abertura Tasso, escrita em 1849, após a qual ele ficou conhecido como. S. p. todas as suas sinfonias de programa de uma parte. ensaios. Nome "S.p." indica uma conexão neste tipo de produto. música e poesia - como no sentido da execução do enredo de um ou outro iluminado. composições, e no sentido da semelhança de S. p. com o mesmo nome. gênero de poesia. ação judicial. S.p. é o principal. tipo de símbolo. música do programa. Obras como S. p. às vezes recebem outros nomes - fantasia sinfônica, sinfonia. lendas, baladas, etc. Fechar S. p., mas possuindo um específico. características da variedade de música do programa - abertura e imagem sinfônica. Dr. o tipo mais importante de sinfonia. música de programa é uma sinfonia de programa, que é um ciclo de 4 (e às vezes 5 ou mais) partes.
13 S. p. são escritos em uma folha. Os mais famosos deles são Prelúdios (segundo A. Lamartine, c. 1848, última edição 1854), Tasso (segundo I. V. Goethe), Orfeu (1854), "Batalha de os Hunos" (baseado na pintura de W. Kaulbach, 1857), "Ideais" (baseado em F. Schiller, 1857), "Hamlet" (baseado em W. Shakespeare, 1858). Em Lisztian S., os itens são combinados livremente decomp. estruturas, características decomp. instr. gêneros. Especialmente característica para eles é a combinação em características de uma parte de sonata allegro e sonata-sinfonia. ciclo. Principal parte do símbolo poema geralmente consiste em uma série de diversos episódios, to-rye do ponto de vista da sonata allegro corresponde ao Ch. parte, parte lateral e desenvolvimento, e do ponto de vista do ciclo - a primeira (rápida), a segunda (lírica) e a terceira (scherzo). Finaliza a produção. o retorno em forma comprimida e transformada figurativamente dos episódios anteriores, semelhantes em sua expressividade, que corresponde à reprise do ponto de vista da sonata allegro, e ao final do ponto de vista do ciclo. Em comparação com a sonata allegro usual, os episódios de S. p. são mais independentes e internamente completados. O retorno comprimido no final do mesmo material prova ser um poderoso agente de fixação de forma. Em S. p., o contraste entre os episódios pode ser mais nítido do que na sonata allegro, e pode haver mais de três episódios em si. Isso dá ao compositor maior liberdade para implementar ideias de programas, exibir várias. tipos de histórias. Em conjunto com este tipo de "sintético". lista de estruturas muitas vezes aplicou o princípio do monotematismo - tudo DOS. temas nestes casos acabam por ser variantes livres do mesmo tema principal ou temática. Educação. O princípio do monotematismo fornece complementaridade. fixação da forma, porém, com sucessão. aplicação pode levar à entonação. empobrecimento do todo, pois a transformação é primordialmente rítmica. desenho, harmonização, textura de vozes acompanhantes, mas não entonação. contornos do tema.
Os pré-requisitos para o surgimento do gênero de S. p. podem ser traçados ao longo de muitas décadas anteriores. Tenta combinar estruturalmente as partes da sonata-sinfonia. os ciclos foram realizados mesmo antes de Liszt, embora muitas vezes eles recorressem a métodos "externos" de unificação (por exemplo, a introdução de construções de conexão entre partes separadas do ciclo ou a transição de attaca de uma parte para outra). O próprio incentivo para tal união está associado ao desenvolvimento da música do programa, com a divulgação na produção. parcela única. Muito antes de Liszt, sonatas e sinfonias também apareceram. ciclos que tinham características de monotematismo, por exemplo. sinfonias, os. os temas de todas as partes to-rykh revelaram entonação, rítmica. etc. unidade. Um dos primeiros exemplos de tal sinfonia foi a 5ª sinfonia de Beethoven. O gênero com base no qual a formação de S. p. ocorreu é a abertura. Ampliação de seu escopo, associado a ideias de programas, ext. temático o enriquecimento gradualmente transformou a abertura em um S. p. Marcos importantes neste caminho são muitos. aberturas de F. Mendelssohn. É significativo que Liszt também tenha criado seus primeiros S.p. como aberturas para c.-l. aceso. prod., e inicialmente eles ainda tinham o nome. aberturas ("Tasso", "Prometheus").
Seguindo Liszt, outros artistas da Europa Ocidental também se voltam para o gênero de S. p. compositores, representantes de vários nat. escolas. Entre eles - B. Smetana ("Richard III", 1858; "Camp Wallenstein", 1859; "Gekon Jarl", 1861; consistindo em 6 S. p. ciclo "My Motherland", 1874-70), K. Sen - Sane ("Omphala's Distaff", 1871; "Phaeton", 1873; "Dance of Death", 1874; "Juventude de Hércules", 1877), S. Frank ("Zolides", 1876; "Genies", 1885; "Psyche" " , 1886, com coro), X. Wolf ("Pentesilea", 1883-85).
A fase mais importante no desenvolvimento do gênero de S. p. na Europa Ocidental. a arte está associada à obra de R. Strauss, autor de 7 S. p. Os mais significativos deles são Don Juan (1888), Morte e Iluminação (1889), Til Ulenspiegel (1895), Assim falou Zaratustra "( 1896), "Dom Quixote" (1897). Ao lado da arte. sinais de S. e. tem também a sua sinfonia. fantasias "From Italy" (1886), "Home Symphony" (1903) e "Alpine Symphony" (1915). Criado por R. Strauss S. e. distingue-se pelo brilho, "exibição" das imagens, uso magistral das possibilidades da orquestra - tanto expressivas quanto pictóricas. R. Strauss nem sempre adere ao esquema estrutural típico das composições musicais de Liszt. Assim, seu Don Giovanni é baseado no esquema de sonata allegro; o subtítulo da obra é chamado de "variações sinfônicas sobre um tema de caráter cavalheiresco").
Depois de R. Strauss, representantes de outros nat. escolas. J. Sibelius criou uma série de S. p. mas os motivos de Nar. barbatana. épico "Kalevala" ("Saga", 1892; "Kullervo", 1892; o último - "Tapiola" refere-se a 1925). 5 S. p. foi escrito em 1896 por A. Dvorak (Água, Meio-dia, Roda Girar Dourada, Pomba, Canção Heroica).
No século 20 no exterior, além de J. Sibelius, prod. Poucos compositores criaram o gênero de composição musical: B. Bartok (Kossuth, 1903), A. Schoenberg (Pelleas et Melisande, 1903), E. Elgar (Falstaff, 1913), e M. Reger (4 S. item baseado no pinturas de Böcklin, 1913), O. Respighi (trilogia: As Fontes de Roma, 1916; Os Pinheiros de Roma, 1924; Férias de Roma, 1929). S.p. na Europa Ocidental. a música é modificada internamente; perdendo as características do enredo, aproxima-se gradualmente do sinfônico. foto. Muitas vezes, a este respeito, os compositores dão seu programa sinfonia. prod. nomes mais neutros (prelúdio "Afternoon of a Faun", 1895, e 3 esboços sinfônicos "The Sea", 1903, Debussy; "movimentos sinfônicos" "Pacific 231", 1922 e "Rugby", 1928, Honegger, etc.) .
Rus. compositores criaram muitos obras do tipo S. p., embora nem sempre utilizassem esse termo para definir seu gênero. Entre eles estão M. A. Balakirev (S. p. "Rus", 1887, na 1ª edição de 1862 chamada de abertura "A Thousand Years"; "Tamara", 1882), P. I. Tchaikovsky (S. p. "Fatum", 1868 ; abertura-fantasia "Romeu e Julieta", 1869, 3ª edição 1880; abertura-fantasia "Francesca da Rimini", 1870; abertura-fantasia "A Tempestade", 1873; abertura-fantasia "Hamlet", 1885; balada sinfônica "Voevoda ", 1891), N. A. Rimsky-Korsakov ("Conto de Fadas", 1880), A. K. Glazunov ("Stenka Razin", 1885), A. N. Scriabin ("Sonhos", 1898; "Poema de Êxtase", 1907; "Poema de Fogo" ", ou "Prometheus", com piano e coro, 1910). Entre as corujas compositores que se voltaram para o gênero de composição musical - A. I. Khachaturian (sinfonia-poema, 1947), K. Karaev ("Leyli e Majnun", 1947), A. A. Muravlev ("Azov-mountain", 1949 ), A. G. Svechnikov ("Shchors ", 1949), G. G. Galynin ("Poema Épico", 1950), A. D. Gadzhiev ("Pela Paz", 1951), V. Mukhatov ("Minha Pátria", 1951).
Literatura: Popova T., Poema sinfônico, M.-L., 1952, M., 1963; Wagner R., Ober Pe. Liszt "s Symphonische Dichtungen, Brief an M. Wittgenstein vom 17. Fevereiro 1837, no livro: Wagner R., Gesammelte Schriften und Dichtungen, Bd 5, Lpz., 1898; Raabe P., Entstehungsgeschichte der ersten Orchesterwerke Fr. Liszts, Jena, 1916 (Diss.); Hcinrichs J., Bber den Sinn der Lisztschen Programmusik, Bonn, 1929 (Diss.); Bergfeld J., Die formale Struktur der symphonischen Dichtungen Fr. Liszts, Eisenach, 1931; Mendl R., Art do poema sinfônico, "MQ", 1932, v. 18, nº 3; Wachten E., Das Formproblem in der sinfonischen Dichtungen von R. Strauss, B., 1933 (Diss.); Chantavoine J., Le poème symphonique, P .. 1950; ver também referências nos artigos Program music, Liszt F., Strauss G.

Enciclopédia musical. - M.: enciclopédia soviética, compositor soviético. Ed. Yu. V. Keldysha. 1973-1982 .

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Na visão comum, Liszt aparece principalmente como autor de obras para piano e como pianista virtuoso. No entanto, na realidade, ele escreveu pouco menos música para a orquestra do que para o piano. Nas obras orquestrais, o compositor sentia-se tão confiante quanto nas obras para piano. A liberdade da orientação de Liszt em partituras orquestrais complexas é "coberta" de lendas. Ele as leu à primeira vista como se fossem peças de piano cuidadosamente aprendidas. A habilidade de ler partituras veio a Liszt ao longo de muitos anos de trabalho como maestro de sinfonia e ópera. Ele conduziu muitas estreias de composições orquestrais criadas por seus contemporâneos, ie. dominou as partituras, nas quais, se posso dizer, "a tinta do autor ainda não secou". Além disso, o compositor transcreveu para o piano muita música orquestral, incluindo versões para piano dos textos completos de todas as nove sinfonias de Beethoven.

Liszt entrou na história da música sinfônica como o criador de um novo gênero - poema sinfônico de um movimento . Seu nome evoca associações instantâneas com a atmosfera da poesia e reflete claramente a conexão entre música e literatura que subjaz à estética de Liszt (como você sabe, Liszt foi um dos mais ferrenhos defensores da criatividade programática e da síntese de várias artes). Como o poema sinfônico incorpora um conteúdo programático específico, às vezes muito complexo, sua conformação é desprovida da estabilidade inerente aos seus parentes mais antigos - a sinfonia e a abertura. A maioria dos poemas sinfônicos de Liszt são baseados na forma livre ou mista, muito comum na época do romantismo. Este é o nome das formas que combinam as características essenciais de duas ou mais formas clássicas. O fator unificador, via de regra, é o princípio do monotematismo (a criação de imagens contrastantes com base no mesmo tema ou motivo).

12 dos 13 poemas sinfônicos de Liszt pertencem ao auge de sua obra - os chamados. o período de Weimar (1848-186I, ou seja, os anos 50), quando o compositor era o diretor e maestro do teatro da corte de Weimar. Ao mesmo tempo, foram criadas as duas sinfonias de Liszt, Fausto e Dante. O compositor voltou-se para eles de forma cíclica. A sinfonia "Dante" é de duas partes ("Inferno" e "Purgatório"), a sinfonia "Fausto" é de três partes ("Fausto", "Margarita", "Mefistófeles". poemas sinfônicos).

A gama de imagens incorporadas nos poemas sinfônicos de Liszt é muito ampla. Apresenta literatura mundial de todas as idades, desde mitos antigos até o trabalho de românticos modernos. Mas entre a variedade heterogênea de enredos, um problema filosófico muito específico para List se destaca claramente:

o problema do sentido da vida humana - "Prelúdios", "Hamlet", "Prometeu", "Lamento dos Heróis";
o destino do artista e o propósito da arte - "Tasso", "Orpheus", "Mazepa";
o destino dos povos e de toda a humanidade - "Hungria", "Batalha dos Hunos", "O que se ouve na montanha".

Os mais conhecidos dos poemas de Liszt foram dois - "Tasso" (onde o compositor se voltou para a personalidade do notável poeta renascentista italiano Torquato Tasso) e "Prelúdios".

Prelúdios é o terceiro poema sinfônico de Liszt. Seu nome e programa foram emprestados pelo compositor do poema de mesmo nome do poeta francês Lamartine(Impressionado pela poesia de Lamartine, o compositor criou também o ciclo de piano “Harmonias Poéticas e Religiosas”). No entanto, Liszt afastou-se significativamente da ideia principal do poema, dedicada a reflexões sobre a fragilidade da existência humana. Ele criou uma música cheia de pathos heróico e afirmativo da vida.

A composição musical dos "Prelúdios" é baseada em princípios de sonata allegro livremente interpretados com conexões monotemáticas entre os temas mais importantes. Em termos mais gerais, a forma pode ser definida como sonata-concêntrico(sonata allegro com introdução, um episódio em desenvolvimento e uma reprise espelhada de um personagem dinamizado).

O início do poema é muito característico de Liszt, que geralmente recusa apresentações solenes e começa muitas obras silenciosamente, como se secretamente. Nos Prelúdios, os sons abruptos e calmos dos primeiros compassos dão a impressão de mistério, enigma. Então surge um motivo tipicamente romântico da pergunta - do-si-mi (m.2 abaixo - ch.4 acima), expressando a frase inicial "chave" do programa: “Nossa vida não é uma série de prelúdios para um hino desconhecido, cuja primeira nota solene será tomada pela morte?”), ou seja, a questão do sentido da vida. Este motivo desempenha o papel de núcleo temático para todas as músicas subsequentes da composição.

Crescendo fora do motivo da pergunta, mas adquirindo a certeza de auto-afirmação, heroísmo tópico principal (C-dur) soa poderoso e solene com trombones, fagotes e cordas baixas. Os temas de ligação e secundários contrastam fortemente com o principal, desenhando a imagem de um herói do outro lado do sonho de felicidade, de amor. Ao mesmo tempo, o fichário é uma versão “lírica” do tema principal, exposto pelos violoncelos de forma muito melodiosa. No futuro, ela adquire um sentido direto no poema, aparecendo à beira de trechos importantes e, por sua vez, passando por transformações variantes.

lado(E-dur), de acordo com o desenho do programa, é o tema do amor. Sua conexão com o motivo principal é mais indireta. Com o tema principal, o tema secundário acaba por ser uma relação terçã colorida e “romântica”. Um calor e sinceridade especiais são dados pelo som lateral das trompas, duplicado pelas violas divizi.

O idílio amoroso da parte lateral no desenvolvimento é substituído por tempestades de vida, cenas de batalha e, finalmente, um grande episódio de cunho pastoral: o “herói” busca descanso das ansiedades da vida no seio da natureza (um dos motivos ideológicos e de enredo mais típicos da arte romântica). Em todas essas seções há transformações do motivo principal. NO episódio de tempestade (primeira seção do desenvolvimento) torna-se mais instável, devido ao aparecimento da mente nele.4. Toda a harmonia, baseada principalmente em acordes de sétima reduzidos, seus movimentos paralelos ao longo dos tons da escala cromática, também se torna instável. Tudo isso evoca associações com violentas rajadas de vento. O episódio da tempestade, reminiscente de muitas características de um desenvolvimento de sonata, distingue-se por sua representação pictórica vívida. Ele continua a longa tradição de "trovoadas musicais" (Vivaldi, Haydn, Beethoven, Rossini) e tem uma clara semelhança com o scherzo tempestuoso e dramático do ciclo sinfônico.

A próxima seção é pastoral – assemelha-se à parte lenta. Seu tema, tocado alternadamente por vários instrumentos de metal, é geralmente novo (este é o "episódio" em desenvolvimento). No entanto, mesmo aqui, no som transparente das melodias pastorais, a “entonação da pergunta” lampeja, como se mesmo no seio da natureza o herói não pudesse se livrar de suas dúvidas. Mais tarde, após ecos do tema de ligação, um tema secundário é incluído no desenvolvimento, continuando a música do episódio lírico com muita naturalidade. Aqui a reprise espelhada do poema começa formalmente, mas a chave é nova - As-dur.

O desenvolvimento posterior do tema paralelo visa a sua glorificação: torna-se cada vez mais ativo, enérgico e em reprise dinâmica transforma-se numa marcha vitoriosa num ritmo pontilhado. Esta versão em marcha do tema paralelo é novamente precedida por um tema de conexão, que também perde seu caráter sonhador e se transforma em um apelo jubiloso. A glorificação de imagens líricas logicamente leva ao auge de toda a obra - uma poderosa implementação do tema principal, que se torna a apoteose heróica do poema.

Diferentes tipos de arte não existem em absoluto isolamento - eles emprestam uns dos outros não apenas temas e enredos, mas também conceitos. Na música, um termo que veio da literatura se enraizou - um poema. O que são poemas musicais e quando surgiu esse gênero?

Poemas na música são diferentes - e o primeiro a ocorrer é um poema sinfônico. Seu "pai" é considerado um compositor romântico húngaro, mas, é claro, ele não criou um novo gênero do zero. O antecessor imediato do poema sinfônico pode ser considerado a abertura, que no século XIX deu um passo importante em seu desenvolvimento, separando-se das performances. É claro que as aberturas para espetáculos de ópera e drama ainda foram criadas, mas junto com elas - com a mão leve de Felix Mendelssohn-Bartholdy - surgiram aberturas de concerto, das quais havia realmente um passo para um poema sinfônico, e esse passo foi feito por Franz Liszt... Como aconteceu? É muito simples - ele chamou a abertura de Tasso escrita em 1849 de um poema sinfônico e, posteriormente, chamou todas as suas obras sinfônicas de um movimento, das quais ele criou algumas - apenas treze obras.

Os poemas sinfônicos de Franz Liszt nos ajudarão a entender como um poema difere de uma abertura e o que impediu Liszt de continuar chamando suas composições de aberturas. Ambos pertencem ao campo da música de programa, ou seja, essa música, cujo conteúdo é concretizado na forma verbal. Mas o próprio conceito de abertura reflete seu "passado" - sua conexão com a obra cênica que ela pode (ou em princípio poderia) abrir - afinal, mesmo "Tasso" Liszt originalmente criado como uma introdução orquestral à produção da tragédia "Torquato Tasso" de Johann Wolfgang Goethe. Mas vejamos mais de perto outros poemas de Liszt: "Prelúdios" a partir de um poema do poeta francês Alphonse de Lamartine, "Mazeppa" a partir de um poema de Victor Hugo - essas obras literárias não são encenadas, apenas lidas e eles certamente não podem ser "abertos" por uma introdução orquestral! Além disso, isso é impossível para o afresco que inspirou Liszt a criar a Batalha dos Hunos. Assim, o poema sinfônico, tendo um programa literário, desde o início de sua existência assumiu apenas uma performance de concerto. Ao mesmo tempo, a presença de um programa era obrigatória - não foi por acaso que List tomou emprestado o termo do arsenal da literatura.

Assim, os traços característicos de um poema sinfônico são a performance programática, de uma parte e de concerto (fora de contato com o teatro). Mas ela - começando pelos poemas - também adquiriu características específicas da forma. Podemos dizer que em sua forma as características da sonata e da ciclicidade se fundiram - como se a forma sonata "crescesse" e "absorvesse" outras partes do ciclo da sonata-sinfonia (movimento lento, scherzo, finale). A proporção de seções de um poema sinfônico se assemelha a uma comparação de temas e seções de uma forma sonata - mas cada uma delas é mais completa e autossuficiente, o que aproxima as seções de partes de uma sinfonia. Se na forma de sonata há sempre três seções - exposição, desenvolvimento e reprise - então em um poema sinfônico pode haver mais seções e, a esse respeito, o compositor é mais livre, e essa forma é muito mais conveniente para a incorporação de qualquer enredo específico .

Liszt lançou as bases para o gênero do poema sinfônico, a iniciativa foi tomada por outros compositores românticos. criou os poemas "Richard III", "Camp Wallenstein", mas em particular glorificou seu ciclo de poemas "My Homeland". Poemas sinfônicos foram criados por Camille Saint-Saens: "The Distaff of Omala", "Phaeton", "Youth of Hercules" e o mais famoso - "Dance of Death". Um lugar importante é ocupado pelo gênero do poema sinfônico em sua obra: "Don Juan", "Assim falou Zaratustra", "Til Ulenspiegel" - estes são apenas alguns de seus poemas. Vale ressaltar que em Strauss não encontraremos mais aqueles sinais de forma associados ao poema desde a época de Liszt - o compositor escolhe a forma mais adequada ao enredo correspondente: sonata allegro em Don Giovanni, variações de Don Quixote, combinação de rondó e variações em "Thiel Ulenspiegel".

Os compositores russos também criaram poemas sinfônicos e, em primeiro lugar, Alexander Nikolaevich Scriabin é lembrado com seu "Poema do Êxtase" e "Prometeu" ("Poema do Fogo"). No entanto, Scriabin também tem outros poemas - pianoforte ("O Poema Satânico", o poema "À Chama"). O poema para instrumento solista pode ser considerado um descendente direto do poema sinfônico.

Finalmente, a definição de "poema" no século XX começou a ser aplicada a algumas obras corais - como, por exemplo, "Dez poemas corais" ou o poema coral "Ladoga". Vale ressaltar que uma de suas cantatas Sviridov deu o título de "Poema em memória de Sergei Yesenin".

As características da abstração idealista, da retórica, do pathos exteriormente oratório irrompem. Ao mesmo tempo, o significado fundamental da obra sinfônica de Liszt é grande: perseguindo consistentemente sua ideia de "renovar a música através de sua conexão com a poesia", ele alcançou notável perfeição artística em várias composições.

A programação é a base da grande maioria das obras sinfônicas de Liszt. O enredo escolhido suscitou novos meios expressivos, inspirou pesquisas arrojadas no campo da forma e da orquestração, que Liszt sempre marcou com brilhante sonoridade e brilho. O compositor geralmente distinguia claramente os três grupos principais da orquestra - cordas, sopros e metais - e usava vozes solistas de maneira inventiva. No tutti, a orquestra soa harmoniosa e equilibrada, e nos momentos de clímax, como Wagner, ele costumava usar poderosos uníssonos de metais contra o fundo de figurações de cordas.

Liszt entrou na história da música como o criador de um novo gênero romântico - "poema sinfônico": pela primeira vez ele nomeou nove obras concluídas em 1854 e publicadas em 1856-1857; mais quatro poemas foram escritos mais tarde.

Os poemas sinfônicos de Liszt são grandes obras de programa em forma livre de movimento único. (Apenas o último poema sinfônico - From the Cradle to the Grave (1882) - é dividido em três pequenas partes que seguem sem interrupção.), onde muitas vezes se combinam diferentes princípios de modelagem (sonata, variação, rondó); às vezes essa parte única "absorve" os elementos de um ciclo sinfônico de quatro partes. O surgimento desse gênero foi preparado por todo o curso do desenvolvimento do sinfonismo romântico.

Por um lado, havia uma tendência para a unidade do ciclo multi-partes, sua unificação por temas transversais, a fusão de partes (Sinfonia Escocesa de Mendelssohn, Sinfonia de Schumann em d-moll e outras). Por outro lado, o antecessor do poema sinfônico foi a abertura de concerto do programa, interpretando livremente a forma sonata (as aberturas de Mendelssohn e as anteriores Leonore nº 2 e Coriolano de Beethoven). Enfatizando essa relação, Liszt chamou muitos de seus futuros poemas sinfônicos nas primeiras versões de aberturas de concerto. Preparou o nascimento de um novo gênero e grandes obras de um único movimento para piano, desprovidas de um programa detalhado - fantasias, baladas, etc. (Schubert, Schumann, Chopin).

O círculo de imagens encarnado por Liszt em poemas sinfônicos é muito amplo. Ele foi inspirado pela literatura mundial de todas as idades e povos - do mito antigo (“Orfeu”, “Prometeu”), tragédias inglesas e alemãs dos séculos XVII-XVIII (“Hamlet” de Shakespeare, “Tasso” de Goethe) até o poemas de contemporâneos franceses e húngaros (“O que ouvi na montanha” e “Mazeppa” de Hugo, “Prelúdios” de Lamartine, “Para Franz Liszt” de Vöröshmarty). Como no trabalho para piano, Liszt frequentemente incorporava imagens de pintura em seus poemas (“Batalha dos Hunos” baseado em uma pintura do artista alemão Kaulbach, “Do berço ao túmulo” baseado em um desenho do artista húngaro Zichy), etc.

Mas entre a variedade heterogênea de enredos, a atração pelo tema heróico emerge claramente. Liszt foi atraído por temas que retratavam pessoas de força de vontade, imagens de grandes movimentos populares, batalhas e vitórias. Ele incorporou em sua música a imagem do antigo herói Prometeu, que se tornou um símbolo de coragem e vontade inflexível. Como os poetas românticos de diferentes países (Byron, Hugo, Eslovaco), Liszt estava preocupado com o destino do jovem Mazepa, um homem que superou sofrimentos inéditos e alcançou grande fama. (Tanta atenção à juventude de Mazepa (segundo a lenda, ele estava amarrado à garupa de um cavalo que correu pela estepe por muitos dias e noites), e não ao destino histórico do hetman da Ucrânia - um traidor da pátria - é típico, ao contrário de Pushkin, para românticos estrangeiros.). Em "Hamlet", "Tasso", "Preludes" o compositor glorificou a façanha humana da vida, seus eternos impulsos em direção à luz, felicidade, liberdade; em "Hungria" cantou o passado glorioso de seu país, sua heróica luta pela libertação; "Lament for Heroes" dedicado aos combatentes revolucionários que se apaixonaram pela liberdade de sua pátria; na “Batalha dos Hunos” pintou um quadro de um gigantesco confronto de povos (a batalha do exército cristão com as hordas de Átila em 451).

Liszt tem uma abordagem peculiar das obras literárias que formaram a base do programa do poema sinfônico. Como Berlioz, ele geralmente inicia a partitura com uma apresentação detalhada da trama (muitas vezes muito extensa, incluindo tanto a história da origem da ideia quanto o raciocínio filosófico abstrato); às vezes - trechos de um poema e muito raramente limitado a apenas um título geral ("Hamlet", "sinos festivos"). Mas, ao contrário de Berlioz, Liszt interpreta o programa detalhado de forma generalizada, não transmitindo o desenvolvimento consistente do enredo através da música. Ele geralmente se esforça para criar uma imagem brilhante e convexa do personagem central e concentrar toda a atenção do ouvinte em suas experiências. Essa imagem central também é interpretada não em um cotidiano concreto, mas de forma generalizada e elevada, como portadora de uma grande ideia filosófica.

Nos melhores poemas sinfônicos, Liszt conseguiu criar imagens musicais memoráveis e mostrá-las em várias situações da vida. E quanto mais multifacetadas as circunstâncias em que o herói luta e sob a influência das quais se delineiam diferentes aspectos de seu personagem, quanto mais brilhante sua aparência é revelada, mais rico é o conteúdo da obra como um todo.

As características dessas condições de vida são criadas por uma série de meios expressivos musicais. A generalização pelo gênero desempenha um papel importante: Liszt utiliza certos gêneros historicamente estabelecidos de marcha, coral, minueto, pastoral e outros, que contribuem para a concretização das imagens musicais e facilitam sua percepção. Muitas vezes ele também usa técnicas visuais para criar imagens de tempestades, batalhas, corridas, etc.

A primazia da imagem central dá origem ao princípio do monotematismo - todo o trabalho é baseado na modificação de um tema principal. É assim que muitos dos poemas heróicos de List são construídos (“Tasso”, “Prelúdios”, “Mazeppa”). -away, muitas vezes variantes contrastantes são dadas. Graças a isso, é criada uma imagem única e ao mesmo tempo multifacetada e mutável do herói. A transformação do tema principal é percebida como mostrando vários aspectos de seu personagem - como mudanças que surgem em decorrência de determinadas circunstâncias da vida. Dependendo da situação específica em que o herói atua, a estrutura de seu tema também muda.