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A hora mais recente também inclui o dia da era artística: vanguarda e realismo. originalidade dessas épocas reside no fato de que elas não se desenvolvem sequencialmente, mas historicamente em paralelo.

grupos de arte de vanguarda n ei ( pré-modernismo, modernismo, neomodernismo, pós-modernismo) desenvolver em paralelo com o grupo realista (realismo crítico do século XIX, realismo socialista, prosa rural, neorrealismo, realismo mágico, realismo psicológico, realismo intelectual). Neste desenvolvimento paralelo de épocas parece aceleração geral do movimento da história.

Uma das principais disposições do conceito artístico de tendências de vanguarda: caos, desordem "A lei da vida moderna da sociedade humana. A arte torna-se caosologia, estudando as leis da desordem mundial.

Todas as tendências de vanguarda cerceiam o consciente e aumentam o inconsciente, começando tanto no processo criativo quanto no de recepção. Essas áreas dão grande atenção à arte de massa e aos problemas da formação da consciência do indivíduo.

Características que unem movimentos artísticos de vanguarda: um novo olhar sobre a posição e propósito do homem no universo, a rejeição de regras e normas previamente estabelecidas, de tradições e

destreza, experiências no campo da forma e do estilo, a procura de novos meios e técnicas artísticas.

Pré-modernismo - o primeiro período (inicial) de desenvolvimento artístico da era de vanguarda; um conjunto de tendências artísticas na cultura da segunda metade do século XIX, abrindo todo um palco (o palco das ilusões perdidas) do desenvolvimento artístico mais recente.

O naturalismo é uma direção artística, cuja invariante da concepção artística era a afirmação de um homem da carne no mundo material-material; uma pessoa, mesmo tomada apenas como um indivíduo biológico altamente organizado, merece atenção em todas as manifestações; apesar de todas as suas imperfeições, o mundo é estável e todos os detalhes sobre ele são de interesse geral. No conceito artístico do naturalismo, desejos e possibilidades, ideais e realidade são equilibrados, uma certa complacência da sociedade é sentida, sua satisfação com sua posição e relutância em mudar qualquer coisa no mundo.

O naturalismo afirma que todo o mundo visível é parte da natureza e pode ser explicado por suas leis, e não por causas sobrenaturais ou paranormais. O naturalismo nasceu da absolutização do realismo e sob a influência das teorias biológicas darwinianas, dos métodos científicos de estudo da sociedade e das ideias deterministas de Taine e outros positivistas.

Impressionismo - direção artística (segunda metade do século XIX - início do século XX), cuja invariante do conceito artístico era a afirmação de uma personalidade refinada, liricamente responsiva, impressionável, admirando a beleza do mundo. O impressionismo abriu um novo tipo de percepção da realidade. Diferentemente do realismo, que é voltado para a transmissão do típico, o impressionismo é voltado para o especial, individual e sua visão subjetiva por parte do artista.

O impressionismo é o domínio da cor, o claro-escuro, a capacidade de transmitir a diversidade, a vida multicolorida, a alegria de ser, capturar momentos fugazes de iluminação e o estado geral do mundo em mudança ao redor, transmitir o ar livre - o jogo de luz e sombras ao redor de uma pessoa e coisas, o ambiente aéreo, a iluminação natural, dando uma aparência estética ao objeto que está sendo retratado.

O impressionismo manifestou-se na pintura (C. Monet, O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, V. Van Gogh, P. Gauguin, A. Matisse, Utrillo, K. Korovin) e na música (C. Debussy e M Ravel, A. Scriabin), e na literatura (parcialmente G. Maupassant, K. Hamsun, G. Kellermann, Hofmannsthal, A. Schnitzler, O. Wilde, A. Simone).

Ecletismo- uma direção artística (que se manifestou principalmente na arquitetura), que envolve, na criação de obras, qualquer combinação de quaisquer formas do passado, quaisquer tradições nacionais, decorativoismo franco, intercambialidade e equivalência de elementos em uma obra, violação da hierarquia na sistema artístico e enfraquecendo o sistema e a integridade.

O ecletismo caracteriza-se por: 1) superabundância de decorações; 2) igual importância de vários elementos, todas as formas de estilo; 3) perda de distinção entre um edifício maciço e único em um conjunto urbano ou uma obra de literatura e outras obras do processo literário; 4) falta de unidade: a fachada rompe com o corpo do edifício, o detalhe - do todo, o estilo da fachada - do estilo do interior, os estilos dos vários espaços do interior - um do outro ; 5) composição axial simétrica opcional (desvio da regra de número ímpar de janelas na fachada), uniformidade da fachada; 6) o princípio do "não finito" (incompletude da obra, abertura da composição); 7) fortalecimento

pensamento associativo do autor (artista, escritor la, arquiteto) e espectador; 8) libertação da antiga tradição e confiança nas culturas de diferentes épocas e diferentes povos; desejo pelo exótico; 9) multiestilo; 10) personalidade desregulada (ao contrário do classicismo), subjetivismo, livre manifestação de elementos pessoais; 11) democratismo: a tendência de criar um tipo de habitação urbana universal e não classista.

Funcionalmente, o ecletismo na literatura, arquitetura e outras artes visa servir o "terceiro estado". O edifício-chave do barroco é uma igreja ou um palácio, o edifício-chave do classicismo é um edifício estatal, o edifício-chave do ecletismo é um prédio de apartamentos (“para todos”). O decorativismo eclético é um fator de mercado que surgiu para atrair uma ampla clientela para um prédio de apartamentos onde os apartamentos são alugados. Casa lucrativa - um tipo de habitação em massa.

Modernismo- uma era artística que une movimentos artísticos cujo conceito artístico reflete a aceleração da história e o fortalecimento de sua pressão sobre uma pessoa (simbolismo, raionismo, fauvismo, primitivismo, cubismo, acmeísmo, futurismo); o período da mais completa encarnação da vanguarda. Durante o período do modernismo, o desenvolvimento e a mudança das tendências artísticas ocorreram rapidamente.

As tendências artísticas modernistas são construídas pela desconstrução da estrutura tipológica de uma obra clássica - alguns de seus elementos tornam-se objetos de experimentos artísticos. Na arte clássica, esses elementos são equilibrados. O modernismo perturbou esse equilíbrio ao fortalecer alguns elementos e enfraquecer outros.

Simbolismo- a direção artística da época do modernismo, que afirma o conceito artístico: o sonho do poeta é o cavalheirismo e a bela dama. Sonhos de

cavalheirismo, adoração de uma bela dama encher poesia simbolismo.

O simbolismo surgiu na França. Seus mestres foram Baudelaire, Mallarmé, Verlaine e Rimbaud.

Acmeísmo é uma direção artística da literatura russa do início do século 20, que surgiu na "Idade de Prata", existiu principalmente na poesia e reivindicou: o poeta- um feiticeiro e orgulhoso governante do mundo, desvendando seus mistérios e superando seu caos.

Ao acmeísmo pertenciam: N. Gumilyov, O. Mandelstam, A. Akhmatova, S. Gorodetsky, M. Lozinsky, M. Zenkevich, V. Narbug, G. Ivanov, G. Adamovich e outros Futurismo- a direção artística da era do modernismo, afirmando uma personalidade agressivamente militante no caos urbano organizado do mundo.

Definindo artístico fator de futurismo - dinâmica. Os futuristas implementaram o princípio da experimentação ilimitada e alcançaram soluções inovadoras na literatura, pintura, música e teatro.

Primitivismo- uma direção artística que simplifica o homem e o mundo, procurando ver o mundo com os olhos das crianças, com alegria e simplicidade, fora do "adulto» dificuldades. Esse desejo dá origem aos pontos fortes e fracos do primitivismo.

O primitivismo é uma nostalgia atávica do passado, ansiando por um modo de vida pré-civilizado.

O primitivismo procura captar os principais contornos de um mundo complexo, procurando nele cores e linhas alegres e compreensíveis. O primitivismo é uma oposição à realidade: o mundo se torna mais complexo e o artista o simplifica. No entanto, o artista então simplifica o mundo para lidar com sua complexidade.

Cubismo - uma variedade geometrizada de primitivismo que simplifica a realidade, percebendo-a com olhos infantis ou "selvagens".

o antigo caráter da primitivização: a visão do mundo através das formas de figuras geometricamente regulares.

O cubismo na pintura e na escultura foi desenvolvido pelos artistas italianos D. Severini, U. Boccione, K. Kappa; Alemão - E. L. Kirchner, G. Richter; Americano - J. Pollock, I. Rey, M. Weber, mexicano Diego Rivera, argentino E. Pettoruti, etc.

No cubismo, as construções arquitetônicas são sentidas; as massas são acasaladas mecanicamente umas com as outras, e cada massa mantém sua independência. O cubismo abriu uma direção fundamentalmente nova na arte figurativa. As obras condicionais do cubismo (Braque, Gris, Picasso, Léger) mantêm sua ligação com o modelo. Os retratos correspondem aos originais e são reconhecíveis (um crítico americano em um café parisiense reconheceu um homem conhecido por ele apenas por um retrato de Picasso, composto por figuras geométricas).

Os cubistas não retratam a realidade, mas criam uma “realidade diferente” e transmitem não a aparência de um objeto, mas seu design, arquitetura, estrutura, essência. Eles não reproduzem um "fato narrativo", mas incorporam visualmente seu conhecimento sobre o assunto retratado.

Abstracionismo- direção artística da arte do século XX, cuja concepção artística afirma a necessidade de o indivíduo escapar da realidade banal e ilusória.

As obras de arte abstrata se desprendem das próprias formas de vida e incorporam as impressões subjetivas de cores e as fantasias do artista.

Existem duas correntes no abstracionismo. Primeira corrente lírico-emocional, abstracionismo psicológico - uma sinfonia de cores, harmonização de combinações de cores disformes. Essa tendência nasceu da diversidade impressionista de impressões sobre o mundo, encarnada nas telas de Henri Matisse.

O criador da primeira obra do abstracionismo psicológico foi V. Kandinsky, que pintou a pintura "Montanha".

A segunda corrente o abstracionismo geométrico (lógico, intelectual) ("neoplasticismo") é o cubismo não figurativo. P. Cézanne e os cubistas tiveram um papel significativo no nascimento desta tendência, criando um novo tipo de espaço artístico combinando várias formas geométricas, planos coloridos, linhas retas e quebradas.

Suprematismo(o autor do termo e o fenômeno artístico correspondente Kazimir Malevich) - para o abstracionismo, aguçando e aprofundando suas características. Malevich abriu a tendência do “Suprematismo” em 1913 com a pintura “Quadrado Negro”. Mais tarde, Malevich formulou seus princípios estéticos: a arte é duradoura devido ao seu valor atemporal; pura sensibilidade plástica - "a dignidade das obras de arte". A estética e a poética do suprematismo afirmam fórmulas e composições pictóricas universais (suprematistas) - construções ideais de elementos geometricamente regulares.

O raionismo é uma das correntes quase abstracionistas que afirmaram a dificuldade e a alegria da existência humana e a incerteza do mundo, em que todos os objetos iluminados por diferentes fontes de luz acabam sendo dissecados pelos raios dessa luz e perdem sua clara figuratividade .

O luquismo teve origem 1908 - 1910 gg. no trabalho dos artistas russos Mikhail Larionov e sua esposa Natalia Goncharova.

Durante o período neomodernismo, todos os movimentos artísticos de vanguarda vêm de a partir de tal compreensão da realidade: uma pessoa não pode suportar a pressão do mundo e se torna um neo-humano. Nesse período, o desenvolvimento

Há movimentos artísticos de vanguarda que afirmam conceitos artísticos sem alegria e pessimistas do mundo e da personalidade. Entre eles Dadaísmo, construtivismo, surrealismo, existencialismo, neo-abstracionismo, etc.

O dadaísmo é um movimento artístico que afirma um conceito artístico; mundo- loucura sem sentido, revisando a razão e a fé.

Os princípios do dadaísmo eram; romper com as tradições da cultura mundial, incluindo as tradições da língua; fugir da cultura e da realidade, a ideia do mundo como um caos de loucura, no qual uma pessoa indefesa é jogada; pessimismo, descrença, negação de valores, sentimento de perda geral e falta de sentido do ser, destruição dos ideais e do propósito da vida. O dadaísmo é uma expressão da crise dos valores clássicos da cultura, a busca por uma nova linguagem e novos valores.

O surrealismo é um movimento artístico que se concentra em uma pessoa confusa em um mundo misterioso e incognoscível. O conceito de personalidade no surrealismo pode ser resumido na fórmula do agnosticismo: “Sou um homem, mas os limites da minha personalidade e do mundo se confundiram. Não sei onde começa e onde termina meu "eu", onde está o mundo e o que é?

O surrealismo como direção artística foi desenvolvido por: Paul Eluard, Robert Desnos, Max Ernst, Roger Vitran, Antonin Artaud, Rene Char, Salvador Dali, Raymond Quenot, Jacques Prevert.

O surrealismo surgiu com base no dadaísmo, inicialmente como um movimento literário, que mais tarde encontrou sua expressão na pintura, bem como no cinema, teatro e, em parte, na música.

Para o surrealismo, o homem e o mundo, o espaço e o tempo são fluidos e relativos. Eles perdem seus limites. O relativismo estético é proclamado: tudo flui, tudo é

parece estar misturado, borrado; Nada é certo. O surrealismo afirma a relatividade do mundo e seu valores. Não há fronteiras entre felicidade e infelicidade, indivíduo e sociedade. Caos do mundo causa o caos do pensamento artístico- este é o princípio da estética do surrealismo.

O conceito artístico do surrealismo afirma o mistério e a incognoscibilidade do mundo, no qual o tempo e a história desaparecem, e uma pessoa vive no subconsciente e é impotente diante das dificuldades.

expressionismo- uma direção artística que afirma: alienada, uma pessoa vive em um mundo hostil. Como herói da época, o expressionismo apresentava uma personalidade inquieta, dominada pelas emoções, [não capaz de trazer harmonia a um mundo dilacerado pelas paixões. -

O expressionismo como direção artística surgiu a partir de relações com diversas áreas da atividade científica: com a psicanálise de Freud, a fenomenologia de Husserl, a epistemologia neokantiana, a filosofia do Círculo de Viena e a psicologia da Gestalt.

O expressionismo se manifestou em diferentes tipos de arte: M. Chagall, O. Kokotka, E. Munch - na pintura; A. Rimbaud, A. Yu. Strindberg, R. M. Rilke, E. Toller, F. Kafka - na literatura; I. Stravinsky, B. Bartok, A. Schoenberg - na música.

Expressionismo com base na cultura do século XX. revive o romantismo. expressionismo medo inerente do mundo e contradição entre o dinamismo externo e a ideia da essência imutável do mundo (descrença na possibilidade de sua melhoria). De acordo com a arte conceitos do expressionismo, as forças essenciais da personalidade são alienadas em oposição homem e instituições públicas hostis: tudo é inútil. Ek expressionismo é uma expressão da dor de um artista humanista,

causado a ele pela imperfeição do mundo. Conceito expressionista de personalidade: humano- um ser emocional, “natural”, alheio ao mundo industrial e racional, urbano em que é forçado a viver.

Construtivismo- direção artística (anos 20 do século XX), cuja invariante conceitual é a ideia- a existência do homem ocorre em um ambiente de forças industriais alienadas dele; e o herói do tempo- racionalista da sociedade industrial.

Os princípios neopositivistas do cubismo, nascidos na pintura, estenderam-se de forma transformada à literatura e outras artes e consolidaram-se numa nova direção, convergindo com as ideias do tecnicismo - o construtivismo. Esta considerava os produtos da indústria independentes, alienados do indivíduo e contrários aos seus valores. O construtivismo surgiu no alvorecer da revolução científica e tecnológica e idealizou as ideias do tecnismo; ele valorizava as máquinas e seus produtos acima do indivíduo. Mesmo nas obras mais talentosas e humanistas do construtivismo, os fatores alienantes do progresso tecnológico são tidos como garantidos. O construtivismo está cheio de pathos de progresso industrial, conveniência econômica; é tecnocrático.

A estética do construtivismo desenvolveu-se entre extremos (às vezes caindo em um deles) - o utilitarismo, exigindo a destruição da estética, e o esteticismo. Nas artes visuais e na arquitetura, os princípios criativos do construtivismo estão tão próximos quanto possível da engenharia e incluem: cálculo matemático, laconicismo de meios artísticos, esquematismo de composição, logicização.

Na literatura, o construtivismo como direção artística desenvolvida (1923 - 1930) na obra do grupo

LCC (Centro Literário Construtivista): I.L. Selvinsky, B. N. Ágapov, V. M. Inber, H. A. Aduev, E. Kh. Bagritsky, B. I. Gabrielovich, K.L. Zelinsky (teórico de grupo) e outros. O construtivismo também influenciou o teatro (o trabalho de direção de Vsevolod Meyerhold, que desenvolveu os princípios da biomecânica, engenharia teatral e introduziu elementos de um espetáculo circense na ação do palco. As idéias do construtivismo abrangeram vários tipos da arte, mas teve a maior influência na arquitetura Isso afetou especialmente o trabalho de Le Corbusier, I. Leonidov, VA Shchuko e VG Gelfreich.

Existencialismo- o conceito de existência humana, seu lugar e papel neste mundo, relacionamento com Deus. A essência do existencialismo- a primazia da existência sobre a essência (o próprio homem forma sua existência e, escolhendo o que fazer e o que não fazer, traz a essência à existência). O existencialismo afirma uma personalidade egoísta e auto-valorizada solitária no mundo do absurdo. Para o existencialismo, o indivíduo está acima da história.

Em sua concepção artística, o existencialismo (J.P. Sartre, A. Camus) afirma que os próprios fundamentos da existência humana são absurdos, mesmo porque o homem é mortal; a história vai de mal a pior e de volta a mal novamente. Não há movimento para cima, há apenas esquilo roda história em que a vida da humanidade gira sem sentido.

A solidão fundamental, afirmada pelo conceito artístico do existencialismo, tem a consequência lógica oposta: a vida não é absurda onde uma pessoa continua-se na humanidade. Mas se uma pessoa é solitária, se ela é o único valor no mundo, então ela é desvalorizada socialmente, ela não tem futuro, e então a morte é absoluta. Ele risca uma pessoa, e a vida se torna sem sentido.

Neo-abstracionismo(abstracionismo de segunda onda) - auto-expressão espontânea-impulsiva; uma rejeição fundamental da figuratividade, da representação da realidade, em nome da pura expressividade; fluxo de consciência capturado em cores.

O neo-abstracionismo foi criado por uma nova geração de abstracionistas: J. Paul Lak, De Kuhn e Yig, A. Manisirer e outros, dominando a técnica surrealista e os princípios do "automatismo mental". Paul Lak enfatiza no ato criativo não a obra, mas o próprio processo de sua criação. Este processo torna-se um fim em si mesmo e aqui se formam as origens da “pintura-ação”.

Os princípios do neo-abstracionismo foram substanciados por M. Brion, G. Reid, Sh.-P. Brew, M. Raton. O teórico italiano D. Severini instou a esquecer a realidade, pois ela não afeta a expressão plástica. Outro teórico, M. Zefor, considera que o mérito da pintura abstrata é que ela não carrega nada do ambiente normal da vida humana. A fotografia tirou a figuratividade da pintura, deixando a esta apenas possibilidades expressivas para revelar o mundo subjetivo do artista.

O elo fraco na teoria do abstracionismo e do neo-abstracionismo é a ausência de critérios claros de valor para distinguir criatividade de especulação, seriedade de uma piada, talento de mediocridade, habilidade de trapaça.

Soluções artísticas de abstracionismo e neo-abstracionismo (harmonização de cor e forma, criação de "equilíbrio" de planos de diferentes tamanhos devido à intensidade de sua cor) são usadas na arquitetura, design, artes decorativas, teatro, cinema e televisão.

Pós-modernismo como uma era artística carrega um paradigma artístico que afirma que uma pessoa não pode suportar a pressão do mundo e se torna um pós-humano. Todas as direções artísticas deste

período permeados por esse paradigma, manifestando-o e refratando-o por meio de seus conceitos invariantes de mundo e personalidade: pop art, sonopucmuka, aleatórios, pontilhismo musical, hiper-realismo, happenings, etc.

Arte pop- nova arte figurativa. A pop art opôs a rejeição abstracionista da realidade com o mundo bruto das coisas materiais, às quais se atribui um status artístico e estético.

Os teóricos da pop art argumentam que, em um determinado contexto, cada objeto perde seu significado original e se torna uma obra de arte. Portanto, a tarefa do artista é entendida não como a criação de um objeto artístico, mas como dar qualidades artísticas a um objeto ordinário organizando um determinado contexto para sua percepção. A estetização do mundo material torna-se o princípio da pop art. Artistas se esforçam para alcançar cativação, visibilidade e inteligibilidade de suas criações, usando a poética dos rótulos e da publicidade para isso. A arte pop é uma composição de objetos do cotidiano, às vezes combinados com um modelo ou escultura.

Carros amassados, fotografias desbotadas, pedaços de jornais e cartazes colados em caixas, uma galinha recheada debaixo de uma jarra de vidro, um sapato esfarrapado pintado com tinta a óleo branca, motores elétricos, pneus velhos ou fogões a gás - essas são as exposições de arte da pop art.

Entre os artistas da pop art podem ser identificados: E. Warhol, D, Chamberlain, J. Dine e outros.

A arte pop como direção de arte tem várias variedades (tendências): arte op (artística efeitos ópticos organizados, combinações geometrizadas de linhas e manchas), env-apm(composições, organização artística do ambiente que envolve o espectador), o email(objetos em movimento com a ajuda de motores elétricos

e construções, essa tendência da pop art destacou-se como uma direção artística independente - o cinetismo).

A arte pop apresentou o conceito de identidade do consumidor da sociedade de "consumo de massa". A personalidade ideal da pop art é um consumidor humano, para quem as naturezas-mortas estetizadas das composições de mercadorias devem substituir a cultura espiritual. Palavras substituídas por mercadorias, literatura substituída por coisas, beleza substituída por utilidade, ganância por material, consumo de mercadorias, substituindo necessidades espirituais, são características da pop art. Essa direção é fundamentalmente orientada para uma pessoa de massa, não criativa, privada de pensamento independente e emprestando "seus" pensamentos da publicidade e da mídia de massa, uma pessoa manipulada pela televisão e outras mídias. Essa personalidade é programada pela arte pop para cumprir os papéis dados de comprador e consumidor, demolindo obedientemente a influência alienante da civilização moderna. Personalidade da arte pop - zumbi da cultura de massa.

O hiperrealismo é um movimento artístico cuja concepção artística é invariável: um sistema vivo despersonalizado em um mundo cruel e rude.

Hiperrealismo - cria obras sobrenaturais pitorescas que transmitem os menores detalhes do objeto representado. As tramas do hiper-realismo são deliberadamente banais, as imagens são enfaticamente “objetivas”. Essa direção devolve os artistas às formas e meios usuais da arte, em particular à tela de pintura, rejeitada pela pop art. O hiper-realismo faz da natureza morta, feita pelo homem, "segunda" do ambiente urbano os principais temas de suas pinturas: postos de gasolina, carros, vitrines, prédios residenciais, cabines telefônicas, que se apresentam como alienados dos humanos.

O hiper-realismo mostra as consequências da urbanização excessiva, a destruição da ecologia do meio ambiente, prova que a metrópole cria um ambiente desumano. O tema principal do hiper-realismo é a vida mecanizada impessoal da cidade moderna.

A base teórica do hiper-realismo são as ideias filosóficas da escola de Frankfurt, que afirma a necessidade de se afastar das formas ideologizadas do pensamento figurativo.

Obras de arte fotorrealismo são baseados em uma fotografia altamente ampliada e são frequentemente identificados com hiper-realismo. No entanto, tanto em termos da tecnologia de criação de uma imagem como, sobretudo, em termos da invariante da concepção artística do mundo e da personalidade, estas são, embora próximas, mas diferentes direções artísticas. Os hiper-realistas imitaram fotos com meios pictóricos em tela, os fotorrealistas imitam pinturas processando (com tintas, colagens) fotografias.

O fotorrealismo afirma a prioridade da concepção documental e artística: uma pessoa confiável e comum em um mundo confiável e comum.

O objetivo do fotorrealismo é a imagem da vida cotidiana moderna. Ruas, transeuntes, vitrines, carros, semáforos, casas, utensílios domésticos são reproduzidos nas obras de fotorrealismo de forma autêntica, objetiva e super semelhante.

As principais características do fotorrealismo: 1) figuratividade, opondo-se às tradições do abstracionismo; 2) atração pelo enredo; 3) o desejo de evitar "clichês realistas" e documentários; 4) confiança nas realizações artísticas da tecnologia fotográfica.

Sonorística- direção na música: o jogo de timbres, expressando o "eu" do autor. Para seus representantes, não é o tom que importa, mas o timbre. Eles estão procurando por novos musical cores, som não convencional: eles tocam em uma bengala, em

serra, pauzinhos nas cordas do piano, tapa no convés, na controle remoto, o som é produzido limpando o bocal com um lenço.

Na música sonora pura, melodia, harmonia e ritmo não desempenham um papel especial, apenas a sonoridade do timbre importa. A necessidade de corrigi-lo deu vida a formas gráficas especiais de gravação de timbres em forma de linhas finas, ousadas, onduladas, em forma de cone. Às vezes, a faixa em que o intérprete precisa tocar também é indicada.

O fundador da música sonora foi o compositor polonês K. Penderecki, e sua iniciativa foi continuada por K. Serocki, S. Bussotti e outros.

Pontilhismo musical- direção na mira * uma característica que é a ruptura do tecido musical, sua dispersão em registros, a complexidade de ritmos e compassos, a abundância de pausas.

O pontilhismo musical se recusa a criar uma realidade artística inteligível (a partir de uma realidade que pudesse ser compreendida a partir da tradição musical e artística mundial e usando códigos semióticos musicais tradicionais). O pontilhismo orienta o indivíduo para a emigração para o mundo de sua alma e afirma a fragmentação do mundo circundante.

Aleatorica- direção artística da literatura e da música, partindo da noção filosófica de que o acaso reina na vida, e afirmando o conceito artístico: o homem- jogador no mundo de situações aleatórias.

Representantes de aleatorics: K. Stockhausen, P. Boulez, S. Bussotti, J. Cage, A. Pusser, K. Serotsky e outros. O acaso se intromete em obras literárias ou musicais mecanicamente: jogando fichas (dados), jogando xadrez, embaralhando páginas ou fragmentos variados, e também através

improvisação: o texto musical é escrito em “sinais-símbolos” e depois interpretado livremente.

acontecendo- este é um dos tipos de cultura artística moderna no Ocidente. A. Keprou foi o autor das primeiras produções do acontecimento "Pátio", "Criações". As performances happening envolvem ações misteriosas, às vezes ilógicas dos performers e são caracterizadas por uma abundância de adereços feitos de coisas que estavam em uso e até mesmo retiradas de um aterro sanitário. Os participantes do happening vestem fantasias brilhantes e exageradamente ridículas, enfatizando a inanimação dos artistas, sua semelhança com caixas ou baldes. Algumas performances consistem, por exemplo, em uma dolorosa libertação debaixo de uma lona. Ao mesmo tempo, o comportamento individual dos atores é improvisado. Às vezes, os atores se voltam para o público com um pedido para ajudá-los. Essa inclusão do espectador na ação corresponde ao espírito do acontecimento.

O conceito de mundo e de personalidade proposto pelo acontecimento pode ser formulado da seguinte forma: o mundo- uma cadeia de eventos aleatórios, uma pessoa deve sentir subjetivamente completa liberdade, mas na verdade obedecer a uma única ação, ser manipulada.

Happening usa light painting: a luz muda continuamente de cor e intensidade, é direcionada diretamente ao ator ou brilha através de telas feitas de diferentes materiais. Muitas vezes é acompanhado por efeitos sonoros (vozes humanas, música, tilintar, crepitar, ranger). O som às vezes é muito forte, inesperado, projetado para um efeito de choque. A apresentação inclui transparências e molduras de filme. Laura também usa substâncias aromáticas. O performer recebe uma tarefa do diretor, mas a duração das ações dos participantes não é determinada. Todos podem sair do jogo quando quiserem.

Happening é organizado em diferentes lugares: em estacionamentos, em pátios cercados por arranha-céus, no subsolo. muralhas, sótãos. O espaço do acontecimento, segundo os princípios desta ação, não deve limitar a imaginação do artista e do espectador.

O teórico do happening M. Kerby refere este tipo de espetáculo ao campo do teatro, embora ressalte que o happening difere do teatro pela ausência da estrutura tradicional do espetáculo: enredo, personagens e conflito. Outros pesquisadores associam a natureza do acontecimento à pintura e à escultura, e não ao teatro.

Com suas origens, o happening remonta às buscas artísticas do início do século XX, às tentativas de alguns pintores e escultores de deslocar o foco de uma pintura ou escultura para o próprio processo de sua criação. origens na “action painting”: no “droplet splashing” de J. Pollock, nos traços “cortantes” de De Kooning, nas performances pictóricas fantasiadas de J. Mathieu.

arte autodestrutiva- este é um dos estranhos fenômenos do pós-modernismo. Pinturas pintadas com tinta desbotada na frente do público. O livro "Nothing", publicado nos EUA em 1975 e reimpresso na Inglaterra. Tem 192 páginas, e nenhuma delas tem uma única linha. O autor afirma que expressou o pensamento: Não tenho nada para lhe dizer. Todos esses são exemplos de arte autodestrutiva. Também tem sua expressão na música: a execução de uma peça em um piano em ruínas ou em um violino decadente, e assim por diante.

Conceitualismo- esta é uma tendência artística na arte ocidental, que em seu conceito artístico afirma uma pessoa que está desvinculada do sentido direto (imediato) da cultura e que está cercada por produtos estetizados da atividade intelectual.

As obras do conceitualismo são imprevisivelmente diferentes em sua textura e aparência: fotos, fotocópias de textos, telegramas, reproduções, gráficos, colunas de números, diagramas. O conceitualismo não usa o produto intelectual da atividade humana para o propósito pretendido: o destinatário não deve ler e interpretar o significado do texto, mas percebê-lo como um produto puramente estético, interessante em sua aparência.

Representantes do conceitualismo; Artistas americanos T. Atkinson, D. Bainbridge, M. Baldwin, X. Harrell, Joseph Kossuth, Lawrence Weiner, Robert Berry, Douglas Huebler e outros.

O realismo crítico do século XIX,- direção artística” que propõe o conceito: o mundo e o homem são imperfeitos; saída- não resistência ao mal pela violência e pelo auto-aperfeiçoamento.

O realismo socialista é uma direção de arte que afirma o conceito artístico: o indivíduo é socialmente ativo e é incluído na criação da história por meios violentos"

realismo camponês- uma direção artística que afirma que o camponês é o principal portador da moralidade e o suporte da vida nacional.

Realismo camponês (prosa da aldeia) - a direção literária da prosa russa (anos 60 - 80); o tema central é a aldeia moderna, o personagem principal é um camponês - o único verdadeiro representante do povo e portador de ideais.

neorrealismo- a direção artística do realismo do século XX, que se manifestou no cinema italiano do pós-guerra e em parte na literatura. Características: o neorrealismo mostrou um grande interesse em um homem do povo, na vida das pessoas comuns: atenção aos detalhes, observação e fixação dos elementos que entraram na vida após a Segunda Guerra Mundial. Pro-

Os ensinamentos do neorrealismo afirmam as ideias do humanismo, a importância dos valores simples da vida, bondade e justiça nas relações humanas, a igualdade das pessoas e sua dignidade, independentemente de sua condição de propriedade.

realismo mágico- a direção artística do realismo, que afirma o conceito: uma pessoa vive em uma realidade que combina modernidade e história, o sobrenatural e o natural, o paranormal e o ordinário.

Uma característica do realismo mágico é que os episódios fantásticos se desenvolvem de acordo com as leis da lógica cotidiana como uma realidade cotidiana.

realismo psicológico- movimento artístico do século XX, apresentando o conceito: o indivíduo é responsável; o mundo espiritual deve ser preenchido com uma cultura que promova a fraternidade das pessoas e supere seu egocentrismo e solidão.

realismo intelectual- Essa é a direção artística do realismo, em cujas obras se desenrola um drama de ideias e os personagens nos rostos “encenam” os pensamentos do autor, expressam vários aspectos de sua concepção artística. O realismo intelectual pressupõe uma mentalidade conceitual e filosófica do artista. Se o realismo psicológico procura transmitir a plasticidade do movimento dos pensamentos, revela a dialética da alma humana, a interação do mundo e da consciência, então o realismo intelectual procura resolver problemas reais de forma artística e convincente, analisar o estado do mundo.

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Fundamentos racionalistas da cultura.É impossível traçar uma fronteira perfeitamente precisa entre as culturas dos séculos XVI e XVII. Já no século XVI, novas ideias sobre o mundo começaram a tomar forma nos ensinamentos dos filósofos naturais italianos. Mas a verdadeira virada na ciência do universo ocorre na virada dos séculos XVI e XVII, quando Giordano Bruno, Galileu Galilei e Kepler, desenvolvendo a teoria heliocêntrica de Copérnico, chegam à conclusão sobre a pluralidade dos mundos, sobre o infinito do universo, no qual a terra não é o centro, mas uma pequena partícula quando a invenção do telescópio e do microscópio revelou ao homem a existência do infinitamente distante e do infinitamente pequeno.

No século XVII, a compreensão do homem, seu lugar no mundo, a relação entre o indivíduo e a sociedade mudou. A personalidade do homem renascentista é caracterizada pela unidade e integridade absolutas, é desprovida de complexidade e desenvolvimento. A personalidade - do Renascimento - afirma-se de acordo com a natureza, que é uma boa força. A energia de uma pessoa, assim como a fortuna, determinam seu caminho de vida. No entanto, esse humanismo "idílico" não era mais adequado para a nova era, quando o homem deixou de se reconhecer como o centro do universo, quando sentiu a complexidade e as contradições da vida, quando teve que travar uma luta feroz contra os católicos feudais. reação.

A personalidade do século XVII não é intrinsecamente valiosa, como a personalidade do Renascimento, depende sempre do ambiente, da natureza e da massa de pessoas, a quem quer mostrar-se, impressioná-la e convencê-la. Essa tendência, por um lado, de atingir a imaginação das massas e, por outro, de convencê-las, é uma das principais características da arte do século XVII.

A arte do século XVII, como a arte do Renascimento, é caracterizada pelo culto ao herói. Mas este é um herói que se caracteriza não por ações, mas por sentimentos, experiências. Isso é evidenciado não apenas pela arte, mas também pela filosofia do século XVII. Descartes cria a doutrina das paixões, enquanto Spinoza considera os desejos humanos "como se fossem linhas, planos e corpos".

Essa nova percepção do mundo e do homem pode tomar uma dupla direção no século XVII, dependendo de como foi utilizada. Nesse mundo complexo, contraditório e multifacetado da natureza e da psique humana, seu lado caótico, irracional, dinâmico e emocional, sua natureza ilusória, suas qualidades sensuais poderiam ser enfatizadas. Este caminho levou ao estilo barroco.

Mas a ênfase também poderia ser colocada em ideias claras e distintas que enxergam através da verdade e da ordem nesse caos, no pensamento lutando com seus conflitos, na razão superando as paixões. Esse caminho levou ao classicismo.

Barroco e classicismo, tendo recebido seu desenho clássico na Itália e na França, respectivamente, espalharam-se de uma forma ou de outra por todos os países europeus e foram as tendências dominantes na cultura artística do século XVII.

Fundamentos racionalistas da cultura

É impossível traçar uma fronteira perfeitamente precisa entre as culturas dos séculos XVI e XVII. Já no século XVI, novas ideias sobre o mundo começaram a tomar forma nos ensinamentos dos filósofos naturais italianos. Mas a verdadeira virada na ciência do universo ocorre na virada dos séculos XVI e XVII, quando Giordano Bruno, Galileu Galilei e Kepler, desenvolvendo a teoria heliocêntrica de Copérnico, chegam à conclusão sobre a pluralidade dos mundos, sobre o infinito do universo, no qual a terra não é o centro, mas uma pequena partícula quando a invenção do telescópio e do microscópio revelou ao homem a existência do infinitamente distante e do infinitamente pequeno.

No século XVII, a compreensão do homem, seu lugar no mundo, a relação entre o indivíduo e a sociedade mudou. A personalidade do homem renascentista é caracterizada pela unidade e integridade absolutas, é desprovida de complexidade e desenvolvimento. A personalidade - do Renascimento - afirma-se em harmonia com a natureza, que é uma boa força. A energia de uma pessoa, assim como a fortuna, determinam seu caminho de vida. No entanto, esse humanismo "idílico" não era mais adequado para a nova era, quando o homem deixou de se reconhecer como o centro do universo, quando sentiu a complexidade e as contradições da vida, quando teve que travar uma luta feroz contra os católicos feudais. reação.

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A arte do século XVII, como a arte do Renascimento, caracteriza-se pelo culto ao herói. Mas este é um herói que se caracteriza não por ações, mas por sentimentos, experiências. Isso é evidenciado não apenas pela arte, mas também pela filosofia do século XVII. Descartes cria a doutrina das paixões, enquanto Spinoza considera os desejos humanos "como se fossem linhas, planos e corpos".

Essa nova percepção do mundo e do homem pode tomar uma dupla direção no século XVII, dependendo de como foi utilizada. Nesse mundo complexo, contraditório e multifacetado da natureza e da psique humana, seu lado caótico, irracional, dinâmico e emocional, sua natureza ilusória, suas qualidades sensuais poderiam ser enfatizadas. Este caminho levou ao estilo barroco.

Mas a ênfase também poderia ser colocada em ideias claras e distintas que enxergam através da verdade e da ordem nesse caos, no pensamento lutando com seus conflitos, na razão superando as paixões. Esse caminho levou ao classicismo.

Barroco e classicismo, tendo recebido seu desenho clássico na Itália e na França, respectivamente, espalharam-se de uma forma ou de outra por todos os países europeus e foram as tendências dominantes na cultura artística do século XVII.

Princípios estéticos do Barroco

O estilo barroco tem origem na Itália, em um país fragmentado em pequenos estados, em um país que experimentou a contrarreforma e uma forte reação feudal, onde os cidadãos ricos se transformaram em uma aristocracia latifundiária, em um país onde floresceu a teoria e a prática do maneirismo, e onde, ao mesmo tempo, em todo o seu esplendor foram preservadas as mais ricas tradições da cultura artística do Renascimento. O barroco tirou sua subjetividade do Maneirismo, sua paixão pela realidade do Renascimento, mas ambas em uma nova refração estilística. E embora os resquícios do maneirismo continuem a afetar a primeira e até a segunda década do século XVII, em essência, a superação do maneirismo na Itália pode ser considerada concluída em 1600.

Um dos problemas característicos da estética barroca é o problema da persuasão, que se origina na retórica. A retórica não distingue a verdade da plausibilidade; como meio de persuasão, eles parecem ser equivalentes - e daí segue o subjetivismo ilusório, fantástico, da arte barroca, combinado com a classificação da técnica "arte" de produzir um efeito que cria uma impressão subjetiva e enganosa de plausibilidade.

Com base no fato de que o conceito principal da estética barroca é a capacidade de persuadir, ela é entendida como a capacidade de convencer o espectador com a ajuda de uma ferramenta específica de influência, que é uma obra de arte. A retórica decora o discurso, dá formas a conceitos e objetos mais facilmente perceptíveis. A retórica está inextricavelmente ligada à literatura e à poesia, que muitas vezes se identifica com a retórica. A capacidade de persuasão deve convencer, tocar, surpreender aquele a quem se destina. O autor, portanto, deve conhecer nos mínimos detalhes a quem seu trabalho se destina, deve estudá-los e se guiar por esse conhecimento ao criar suas obras.

Existem métodos reconhecidos e obrigatórios de persuadir o espectador, leitor, ouvinte devido à sua eficácia? Todos os métodos são adequados, desde que atinjam seu objetivo principal - convencer aquele a quem se destinam. Nesse sentido, o problema da veracidade ou falsidade de uma obra de arte é relegado a segundo plano, torna-se insignificante. O ilusório torna-se um princípio. O leitor e o espectador devem, antes de tudo, ficar atordoados, surpresos, e isso pode ser feito com a ajuda de uma seleção habilidosa de imagens estranhas e inusitadamente compostas.

A maioria dos teóricos barrocos eram escritores, mas em suas declarações pode-se sentir claramente a principal tendência da era barroca - para a convergência de vários tipos de arte. Todas as artes estão interligadas e possuem uma única essência. Eles diferem apenas na forma de expressão.

Racionalismo e normativismo da estética do classicismo

O classicismo é uma das áreas mais importantes da arte. Tendo se estabelecido nas obras e na criatividade de muitas gerações, apresentando uma galáxia brilhante de poetas e escritores, pintores e músicos, arquitetos, escultores e atores, o classicismo deixou marcos no caminho do desenvolvimento artístico da humanidade como tragédias Corneille, Racine, Milton, Voltaire, comédia Molière música calmaria, poesia La Fontaine, parque e conjunto arquitetônico de Versalhes, pinturas de Poussin.

O classicismo começa o seu acerto a partir do século XVI, domina no século XVII, afirma-se com força e persistência nos séculos XVIII e início do XIX. A própria história confirma a viabilidade das tradições do sistema artístico classicista e o valor dos conceitos de mundo e de pessoa humana subjacentes a ele, principalmente o imperativo moral característico do classicismo.

A palavra "classicismo" (do latim classicus - exemplar) incorporou a orientação constante da nova arte para a antiga "amostra". No entanto, a fidelidade ao espírito da antiguidade não significou para os classicistas nem uma simples repetição desses modelos antigos, nem uma cópia direta de teorias antigas. O classicismo era um reflexo da era da monarquia absoluta e da nobreza e burocracia em que a monarquia se baseava. O apelo à arte da Grécia e de Roma, que também foi um traço característico do Renascimento, por si só ainda não pode ser chamado de classicismo, embora já contivesse muitos traços dessa tendência.

A monarquia absoluta desempenhou um duplo papel na história da França. A política cultural da monarquia absoluta e sua doutrina estética - o classicismo - se distinguiam pela mesma dualidade. As cortes monárquicas caracterizavam-se pelo desejo de subordinar todas as forças artísticas a uma organização centralizadora. O Cardeal Richelieu criou o centro oficial no campo da literatura e da língua - a Academia Francesa. Sob Luís XIV, foi criada a Academia de Belas Artes. Nesses centros de cultura artística, muito se trabalhou para criar uma linguagem literária única, libertá-la de traços provincianos e resquícios da antiguidade, desenvolver um discurso literário correto, classificar gêneros etc. A Academia de Artes, que reunia os mais proeminentes pintores e teóricos da arte, estava envolvida em atividades semelhantes. Em geral, toda essa atividade foi de significância progressiva.

De acordo com os códigos da arte, o artista era obrigado principalmente a ter "nobreza de design". O enredo do quadro deve ter tido valor instrutivo. Portanto, todos os tipos de alegorias eram especialmente altamente valorizados, nas quais imagens da vida mais ou menos convencionais expressavam diretamente ideias gerais. O gênero mais alto era considerado "histórico", que incluía mitologia antiga, enredos de obras literárias famosas, da Bíblia e afins. Retrato, paisagem, cenas da vida real foram considerados "gênero pequeno". O gênero mais insignificante foi a natureza morta.

Na poesia, o classicismo trouxe à tona o desenvolvimento racional do tema de acordo com certas regras. O exemplo mais marcante disso é "Arte Poética" bual- um tratado escrito em belos versos e contendo muitas idéias interessantes. Boileau expôs a exigência da primazia do conteúdo na arte poética, embora este princípio se exprima nele de uma forma muito unilateral - na forma de uma subordinação abstrata do sentimento à razão.

Estética do Iluminismo Europeu

As teorias estéticas do Iluminismo foram formadas durante as primeiras revoluções burguesas dos séculos XVII-XVIII e fazem parte da ideologia e da cultura de seu tempo. Os iluministas acreditavam que a reorganização de um sistema social obsoleto deveria ser realizada através da disseminação de ideias avançadas, através da luta contra a ignorância, a droga religiosa, a escolástica medieval, a moral feudal desumana, a arte e a estética, que atendessem às necessidades das camadas superiores da o estado feudal-absolutista.

Apesar de toda a sua progressividade, os iluministas não podiam ir além dos limites de sua época. Nas intrigas de uma sociedade harmoniosa, os iluministas confiaram em algum "cidadão" abstrato, em sua consciência política e moral, e não naquela pessoa real que foi realmente formada sob o capitalismo.

Os iluministas através da educação moral, política e estética tentaram alcançar a transformação da sociedade nos princípios da igualdade e da justiça. Eles estavam claramente cientes do fato de que existem contradições entre interesses privados e públicos, entre aspirações pessoais e deveres, entre o indivíduo e a sociedade. Eles esperavam resolver essas contradições em grande parte por meio da educação estética. Assim, eles tinham a convicção de que o princípio estético é capaz de mitigar o egoísmo inato das pessoas, de transformar uma pessoa em um "indivíduo".

Do ponto de vista de formar um “cidadão”, uma nova pessoa, os iluministas consideravam os conceitos básicos: belo, sublime, harmonia, graça, gosto ( Burke, Diderot ); os problemas da essência e das funções sociais da arte, conflito artístico, caráter, verdade na arte e assim por diante foram tratados com o mesmo espírito. O leitmotiv dos conceitos estéticos do Iluminismo era a defesa da arte do alto pathos cívico, os princípios do realismo e do humanismo. Ele falou sobre a relação entre o belo e o moral Shaftesbury .

Ao interpretar as categorias da estética, os iluministas partiram dos princípios do sensacionalismo, que é tal direção na teoria do conhecimento, segundo a qual a sensualidade é a principal forma de conhecimento confiável. A fórmula clássica que caracteriza o sensacionalismo pertence aos estóicos: "Não há nada na mente que não estivesse anteriormente nos sentidos".

Projeto teórico da disciplina de estética

O fundador da estética alemã do Iluminismo e o "padrinho" de uma seção independente do conhecimento filosófico foi Baumgarten . Seu sistema epistemológico foi dividido em duas seções: estética e lógica. A primeira era uma teoria do conhecimento sensorial "inferior", a segunda - superior, "intelectual". Para designar o conhecimento inferior, ele escolheu o termo "estética", que foi interpretado simultaneamente como sensação, sentimento e conhecimento. Portanto, se a lógica é a ciência do conhecimento intelectual, isto é, as leis e formas de pensar, então a estética é a ciência do conhecimento sensorial. Assim, existem dois tipos de julgamentos: "lógico" e "sensível" (sensorial). Os primeiros repousam em ideias distintas, os segundos em ideias vagas. Aqueles baseados em ideias claras ele chama de julgamentos da razão, e aqueles baseados em ideias vagas ele chama de julgamentos de gosto. Os julgamentos da razão nos dão a verdade, os julgamentos do gosto nos dão a beleza. A base objetiva do juízo da mente e do juízo do gosto é a perfeição, isto é, a correspondência dos objetos com seu conceito.

A Essência e o Propósito Público da Arte na Era do Iluminismo

A essência da arte foi vista na imitação da natureza pelo iluminista alemão Winkelman. A imitação do belo na natureza pode ser direcionada a um único objeto ou reunir observações sobre vários objetos únicos. No primeiro caso, uma cópia semelhante, um retrato, é obtida, no segundo - uma imagem ideal. Winkelman considera a segunda forma mais frutífera. Aqui o artista não atua como copista, mas como verdadeiro criador, pois antes de criar uma imagem traça um conceito geral de beleza e depois segue seu protótipo. A beleza ideal transcende as formas comuns da matéria, supera suas limitações.

Na primeira metade do século XX, formou-se uma das escolas culturais e estéticas mais populares do nosso século, o freudismo. Seu fundador, o filósofo e psiquiatra austríaco Sigmund Freud (1856-1939), introduziu uma explicação do subconsciente do ponto de vista da vida sexual de uma pessoa nas teorias intuicionistas de seus colegas. E embora não haja uma apresentação sistematizada da teoria estética nas obras do filósofo, julgamentos separados sobre questões de estética e cultura artística estão contidos em suas Conferências de Introdução à Psicanálise (1918), no livro Insatisfação com a Cultura (1930), como bem como nos artigos Leonardo da Vinci. Um Estudo da Psicossexualidade" (1910), "Dostoiévski e Parricídio" (1928), "Poeta e Fantasia" (1911). A doutrina de Freud das estruturas-instintos inconscientes inatos teve um enorme impacto na prática da chamada "cultura de massa" que se formou no início do século XX. De fato, em sua teoria do inconsciente, o filósofo partiu do fato de que a essência do homem se expressa na liberdade dos instintos. A principal influência do freudismo na "cultura de massa" está no uso de seus instintos de medo, sexo e agressividade. A psicanálise de Freud criou uma escola altamente representativa que existe até hoje. Um papel especial no desenvolvimento da doutrina freudiana pertence a O. Rank, G. Sachs e especialmente K.G. Jung. No século XX, as ideias dos pensadores do século passado A. Schopenhauer e F. Nietzsche foram sintetizadas no conceito estético de elite do filósofo espanhol José Ortega y Gasset (1883-1955). Em 1925, sua obra mais famosa, intitulada "A Desumanização da Arte", dedicada ao problema da diferença entre arte antiga e nova, foi publicada na Europa. A principal diferença entre a arte nova e a antiga, segundo Ortega y Gasset, é que ela se dirige à elite da sociedade, e não à sua massa.

O livro de Ortega y Gasset "A Desumanização da Arte" tornou-se, com razão, um verdadeiro manifesto de vanguarda. O filósofo fica do lado daquela parte da intelectualidade criativa europeia do início do século, que tentou criar uma nova arte. Nesse sentido, é necessário analisar as tendências, tendências e estilos artísticos mais marcantes que se declararam neste período histórico.

Avant-garde (do francês avant-garde forward detachment) é um conceito que uniu várias escolas e tendências da arte europeia dos anos 10-20 do século XX sobre os princípios de uma renovação radical da prática artística. O termo "avant-garde" se estabeleceu na estética da crítica de arte na década de 1920. O principal grupo de escolas de vanguarda (futurismo, dadaísmo, cubismo, expressionismo, suprematismo) declarou-se com extremo niilismo, grau máximo de negação da tradição cultural anterior da experiência artística clássica. A implementação prática da vanguarda era característica de vários tipos de arte: literatura (L. Aragon, V. Khlebnikov, V. Mayakovsky), teatro (V. Meyerhold, B. Brecht, G. Kaiser), música (M. Čiurlionis, A. Schoenberg, A. Scriabin). No entanto, a vanguarda mais óbvia foi realizada nas artes visuais. Pinturas de várias tendências de vanguarda foram caracterizadas pela rejeição da vida artística. A arte de vanguarda, com raras exceções (o cubismo, que geometriza condicionalmente a natureza, o abstracionismo, com sua geometria puramente fantástica), é não figurativa. A rejeição da objetividade e a transformação em fim em si de meios artísticos como cor, composição, textura foi ditada por um sentimento de crise da civilização moderna.

Na segunda metade do século 20, pesquisas criativas e experimentos ousados ​​continuaram na estética e arte européias, ideias influentes, novas escolas de arte e descobertas promissoras significativas apareceram. Tendências estéticas existencialistas, estruturalistas, socioculturais, representadas pelos nomes de J.-P. Sartre, A. Camus, K. Levi-Strauss, R. Bart, T. Adorno e outros. A escola estética mais significativa, que se formou na França nas décadas de 1940 e 1950, pertencia à corrente existencialista e se manifestou com especial clareza na obra de J.P. Sartre e A. Camus. Recorde-se que o fundador do existencialismo filosófico, Soren Kierkegaard (1813-1855), considerava a filosofia como uma reflexão sobre o ser a partir da existência humana pessoal - "existência". O conceito estético do existencialismo também reconhecia como verdadeira apenas a existência individual de uma pessoa e a possibilidade de conhecer a "existência" com a ajuda da imaginação e das emoções humanas, que por sua vez são o lado mais importante da criatividade artística.

O filósofo e escritor francês Jean-Paul Sartre (1905-1980) em seus escritos "Imaginação" (1936), "Ensaio sobre a Teoria das Emoções" (1939), "O Imaginário" (1940) discute com suficiente propriedades da consciência humana. Sartre interpreta a consciência humana como transcendental, ou seja, ultrapassando os limites de qualquer experiência e sendo a fonte, base vital, incluindo a atividade criadora do homem. Na visão do filósofo, as obras de arte não são um reflexo direto da realidade, portanto a chamada “consciência imaginante” de qualquer artista tem caráter criativo, pois surge por si só e é livre de todas as manifestações da realidade. A expressão das visões estéticas de Albert Camus (1913-1960) é o capítulo final de sua obra filosófica O Mito de Sísifo (1942), na qual desenvolve a ideia principal de sua obra - o absurdo da existência humana no mundo. "Absurdo", sentimento de solidão e alienação do mundo exterior, a onipotência da morte tornam-se constantes na dramaturgia, na prosa e na estética de Camus. O absurdo, segundo Camus, também pertence a uma obra de arte. No entanto, o próprio ato de criatividade artística permite que uma pessoa mantenha a consciência no mundo do caos. Posteriormente, a “Estética do Absurdo” desenvolve-se com o filósofo na “estética da rebelião”. Em 1951, foi publicado o ensaio político "O Homem Rebelde", no qual Camus se opõe a extremos na arte, tanto ideológicos quanto puramente formalistas. Tanto em O homem rebelde quanto em seus discursos no Prêmio Nobel (1957), Camus enfatiza que a verdadeira arte reflete a sorte humana e busca dominar o destino.

Na década de 1950, conceitos intuitivos e existencialistas na estética da Europa Ocidental desaparecem em segundo plano, dando lugar ao estruturalismo. A essência do estruturalismo foi expressa por seu principal teórico Claude Lévi-Strauss (nascido em 1908). Formulou as principais etapas da análise estruturalista da pesquisa: "leitura" do texto, sua microanálise, interpretação, decodificação e modelagem final. O estruturalismo tornou-se a base de um movimento literário e estético muito popular nos anos 60, chamado de Nova Crítica, liderado pelo professor parisiense Roland Barthes (1915-1980). No livro Crítica e Verdade (1966), ele defende a posição de que a ciência da literatura não deve se preocupar em esclarecer o sentido das obras, mas deve criar leis universais para a construção da forma literária.

Nas décadas de 1960 e 1970, conceitos sociológicos representados pelos nomes de T. Adorno, G. Marcuse, E. Fromm foram amplamente difundidos na Europa Ocidental e nos EUA. Esses nomes são explicados pelo desejo de explorar a correspondência das estruturas imanentes internas das obras de arte a certos tipos de relações sociais estabelecidas.

ESTÉTICA a ciência da cognição sensorial que compreende e cria a beleza e se expressa nas imagens da arte.

O conceito de "estética" foi introduzido no uso científico em meados do século XVIII. Filósofo iluminista alemão Alexander Gottlieb Baumgarten Estética, 1750). O termo vem da palavra grega

aisthetikos sentimento, relativo à percepção sensorial. Baumgarten destacou a estética como uma disciplina filosófica independente. ASSUNTO DE ESTÉTICA A arte e a beleza têm sido objeto de estudo há muito tempo. Por mais de dois milênios, a estética se desenvolveu no âmbito da filosofia, teologia, prática artística e crítica de arte.

No processo de desenvolvimento, o assunto tornou-se mais complexo e enriquecido estética. No período da antiguidade, a estética tocava nas questões filosóficas gerais da natureza da beleza e da arte; a teologia teve um impacto significativo na estética medieval, que serviu como uma das ferramentas para conhecer a Deus; no Renascimento, o pensamento estético desenvolveu-se principalmente no campo da prática artística, e a criatividade artística e sua conexão com a natureza tornaram-se seu tema. No início da Nova Era, a estética procurou moldar as normas da arte. A política teve um enorme impacto na estética do Iluminismo, concentrando-se na finalidade social da criatividade artística, seu significado moral e cognitivo.

O clássico da filosofia alemã, Immanuel Kant, tradicionalmente considerava o tema da estética como belo na arte. Mas a estética, segundo Kant, não estuda objetos de beleza, mas apenas julgamentos sobre beleza, ou seja, é uma crítica da faculdade estética de julgamento. Georg Hegel definiu o tema da estética como a filosofia da arte ou a filosofia da atividade artística e acreditava que a estética se preocupava em determinar o lugar da arte no sistema do espírito do mundo.

No futuro, o assunto da estética foi reduzido a uma justificativa teórica para uma certa direção na arte, uma análise do estilo artístico, por exemplo, romantismo (Novalis), realismo (V. Belinsky, N. Dobrolyubov), existencialismo ( A. Camus, J.-P. Sartre). Os marxistas definiram a estética como a ciência da natureza e das leis da assimilação estética da realidade e da cultura artística da sociedade.

A.F. Losev considerava o tema da estética como um mundo de formas expressivas criadas pelo homem e pela natureza. Ele acreditava que a estética estuda não apenas o belo, mas também o feio, o trágico, o cômico etc., portanto, é a ciência da expressão em geral. Com base nisso, a estética pode ser definida como a ciência da percepção sensorial das formas expressivas do mundo circundante. Nesse sentido, o conceito de forma de arte é sinônimo de obra de arte. De tudo o que foi dito, podemos concluir que o tema da estética é móvel e mutável e, na perspectiva histórica, esse problema permanece em aberto.

ATIVIDADE ESTÉTICA As obras de arte são criadas como resultado da atividade artística, que é a forma mais elevada da atividade estética humana. Mas a esfera da exploração estética do mundo é muito mais ampla do que a própria arte. Também aborda aspectos de natureza prática: design, cultura de jardins e parques, cultura da vida cotidiana, etc. Esses fenômenos estão envolvidos na estética técnica e prática. A estética técnica é a teoria do design, a exploração do mundo de acordo com as leis da beleza por meios industriais. As ideias da estética técnica surgiram em meados do século XIX. na Inglaterra. John Ruskin em suas obras Pré-rafaelismo(1851) e A economia política da arte(1857) introduziu o conceito de produtos esteticamente valiosos. William Morris sobre Teórico (Obras Artes decorativas, sua relação com a vida moderna, 1878;Notícias do nada, ou a era da felicidade, 1891 etc.) e os níveis práticos (criação de uma empresa arte-industrial) desenvolveram os problemas da estética do trabalho, o status da indústria da arte, o design, as artes e os ofícios e a organização estética do ambiente. O arquiteto e teórico da arte alemão Gottfried Semper em 1863 publicou "An Experience in Practical Aesthetics", um ensaio Estilo nas artes técnicas e tectônicas, onde ele, em contraste com o idealismo filosófico de seu tempo, enfatizou o valor básico de formação de estilo de materiais e tecnologia.

Estética da vida cotidiana, comportamento humano, criatividade científica, esportes, etc. está no campo da estética prática. Essa área do conhecimento estético ainda é pouco desenvolvida, mas tem um grande futuro, pois seu escopo de interesses é amplo e diversificado.

Assim, a atividade estética é parte integrante da assimilação prático-espiritual da realidade de uma pessoa.

A atividade estética contém importantes princípios criativos e lúdicos e está associada a elementos inconscientes da psique. Veja também INCONSCIENTE). O conceito de "jogo" como uma das características essenciais da atividade estética foi introduzido na estética por I. Kant e desenvolvido por F. Schiller. Kant formulou dois conceitos estéticos mais importantes: "aparência estética" e "jogo livre". Sob o primeiro ele entendeu a esfera de existência da beleza, sob o segundo - sua existência simultaneamente em planos reais e condicionais. Desenvolvendo essa ideia, Schiller Cartas sobre educação estética homem(1794) escreveu que a beleza, existente no mundo objetivo, pode ser recriada, pode tornar-se "o objeto do impulso de brincar". Um homem, de acordo com Schiller, só é plenamente humano quando joga. O jogo não é limitado pela necessidade natural ou obrigação social, é a personificação da liberdade. Durante o jogo, é criada uma "aparência estética" que ultrapassa a realidade, é mais perfeita, elegante e emocional do que o mundo circundante. Mas, enquanto aprecia a arte, a pessoa torna-se cúmplice do jogo e nunca esquece a natureza dual da situação. Veja também O JOGO.

atividade artística . O tipo mais elevado e concentrado de atividade estética, livre do princípio utilitário, é a atividade artística. O objetivo da criação artística é a criação de uma obra de arte específica. É criado por uma personalidade especial um criador com habilidades artísticas ( Veja também CRIATIVO DE PERSONALIDADE). Na estética, é reconhecida uma hierarquia de habilidades artísticas, que se parece com isso: superdotação, talento, gênio.

Gênio. Na antiguidade, o gênio era entendido como um fenômeno irracional. Por exemplo, Plotino explicou o gênio do artista como um fluxo de energia criativa proveniente das idéias subjacentes do mundo. No Renascimento, havia um culto ao gênio como indivíduo criativo. O racionalismo afirmou a ideia de combinar o gênio natural do artista com a disciplina da mente. Uma interpretação peculiar do gênio é apresentada em um tratado do Abbé Jean-Baptiste Dubos (16701742) Reflexões Críticas sobre Poesia e Pintura(1719). O autor do tratado considerou o problema nos níveis estético, psicológico e biológico. Um gênio, em sua mente, não só tem um espírito vivaz e uma imaginação clara, mas também uma composição sanguínea favorável. Antecipando as principais disposições da escola histórico-cultural de Hippolyte Taine, Dubos escreveu que o tempo e o lugar, assim como o clima, são de grande importância para o surgimento do gênio. Kant colocou um conteúdo especial no conceito de "gênio". O gênio de Kant é exclusividade espiritual, é um talento artístico através do qual a natureza influencia a arte, mostrando sua sabedoria. Genius não adere a nenhuma regra, mas cria padrões a partir dos quais certas regras podem ser deduzidas. Kant define o gênio como a capacidade de perceber ideias estéticas, ou seja, imagens inacessíveis ao pensamento.

Inspiração. As visões históricas sobre a natureza do gênio se desenvolveram constantemente de acordo com o desenvolvimento da compreensão do próprio processo criativo e de um de seus principais elementos - a inspiração. Mais Platão em diálogo E ele Ele falou sobre o fato de que no momento do ato criativo o poeta está em estado de frenesi, ele é movido pelo poder divino. O aspecto irracional da criatividade foi enfatizado por Kant. Ele notou a incognoscibilidade do ato criativo. O método de trabalho do artista, ele escreveu em Críticas à capacidade de julgamento, incompreensível, é um mistério para a maioria das pessoas e, às vezes, para o próprio artista.

Se as teorias irracionais da criatividade estavam cientes da natureza do ato criativo como uma manifestação especial do espírito, então a tradição estética de orientação positivista considerava a inspiração como um fenômeno cognoscível que não contém nada de místico e sobrenatural. A inspiração é fruto de um intenso trabalho anterior, de uma longa busca criativa. No ato da inspiração, combinam-se o talento e a habilidade do artista, sua experiência de vida e seus conhecimentos.

Intuição artística. A intuição artística é um elemento particularmente importante para a inspiração. Este problema foi desenvolvido pelo cientista francês Henri Bergson. Ele acreditava que a intuição artística é uma contemplação mística desinteressada e completamente desprovida de um começo utilitário. Baseia-se no inconsciente em uma pessoa. No trabalho evolução criativa(tradução russa, 1914) Bergson escreveu que a arte, por meio da intuição artística, contempla o mundo como um todo, em seu desenvolvimento contínuo na singularidade única dos fenômenos. A intuição criativa permite ao artista colocar o máximo de expressividade em seu trabalho. O imediatismo da percepção o ajuda a transmitir seus sentimentos. A criatividade, como o nascimento contínuo do novo, é, segundo Bergson, a essência da vida, em oposição à atividade do intelecto, que não é capaz de criar o novo, mas apenas combinar o antigo.

Na estética intuitiva de Benedetto Croce, mais plenamente representada na obra A estética como ciência da expressão e como linguística geral(1902) a arte nada mais é do que intuição lírica. Enfatiza a natureza criativa e formativa da intuição ilógica, apreensão (em oposição a conceitos), única, irrepetível. A arte em Croce é indiferente ao conhecimento intelectual, e a arte não depende da ideia da obra.

Imagem artística. No processo de criatividade artística, em que participam o pensamento, a imaginação, a fantasia, a experiência, a inspiração, a intuição do artista, nasce uma imagem artística. Ao criar uma imagem artística, o criador, consciente ou inconscientemente, assume o seu impacto no público. Um dos elementos de tal impacto pode ser considerado a ambiguidade e o eufemismo da imagem artística.

A insinuação estimula o pensamento do observador, dá margem para a imaginação criativa. Um julgamento semelhante foi expresso por Schelling no curso de palestras Filosofia da arte(1802-1805), onde é introduzido o conceito de "infinito do inconsciente". Em sua opinião, o artista coloca em sua obra, além da ideia, “uma espécie de infinito”, inacessível a qualquer “mente finita”. Qualquer obra de arte permite um número infinito de interpretações. Assim, a existência plena de uma imagem artística não é apenas a realização de um conceito artístico em uma obra acabada, mas também sua percepção estética, que é um processo complexo de cumplicidade e cocriação do sujeito que percebe.

Percepção. As questões da recepção (percepção) estavam no campo de visão dos teóricos da “escola de Constanz” (H.R. Jauss, V. Iser e outros), surgida na Alemanha no final da década de 1960. Graças a seus esforços, foram formulados os princípios da estética receptiva, cujas ideias principais são a consciência da variabilidade histórica do sentido da obra, que é resultado da interação do sujeito perceptor (destinatário) e do autor.

imaginação criativa. Uma condição necessária tanto para a criação quanto para a percepção de uma obra de arte é a imaginação criativa. F. Schiller enfatizou que a arte só pode ser criada pelo poder livre da imaginação e, portanto, a arte é o caminho para superar a passividade.

Além das formas práticas e artísticas de atividade estética, existem suas formas internas, espirituais: emocional-intelectual, produzindo impressões e ideias estéticas, gostos e ideais estéticos, bem como teóricas, desenvolvendo conceitos e visões estéticas. Essas formas de atividade estética estão diretamente relacionadas ao conceito de "consciência estética".

consciência estética. A especificidade da consciência estética é que ela é a percepção do ser e de todas as suas formas e tipos em termos de estética através do prisma ideal estético. A consciência estética de cada época absorve todas as reflexões sobre beleza e arte que nela existem. Inclui ideias predominantes sobre a natureza da arte e sua linguagem, gostos artísticos, necessidades, ideais, conceitos estéticos, avaliações artísticas e critérios formados pelo pensamento estético.

O elemento primário da consciência estética é senso estético. Pode ser considerada como a capacidade e reação emocional de um indivíduo associada à experiência de perceber um objeto estético. O desenvolvimento de um sentido estético leva a necessidade estética, ou seja à necessidade de perceber e aumentar o belo na vida. Os sentimentos e necessidades estéticas são expressos em gosto estético a capacidade de notar o valor estético de algo. O problema do gosto é central para a estética do Iluminismo. Diderot, negando uma das mais importantes disposições da estética cartesiana sobre o gosto inato, acreditava que o gosto é adquirido na prática cotidiana. O gosto como categoria estética também é considerado em detalhes por Voltaire. Ele a define como a capacidade de reconhecer o belo e o feio. O ideal de um artista é um homem cujo gênio combina com bom gosto. O gosto não é uma qualidade exclusivamente subjetiva. Julgamentos de gosto são geralmente válidos. Mas se o gosto tem um conteúdo objetivo, então, consequentemente, ele se presta à educação. Voltaire viu a resolução da antinomia do bom e do mau gosto no esclarecimento da sociedade.

As características psicológicas dos juízos de gosto foram estudadas pelo filósofo inglês David Hume. Na maioria de seus escritos Sobre a norma do gosto,Sobre a tragédia,No refinamento do sabor e do afeto etc.), ele argumentou que o gosto depende da parte natural e emocional de um organismo vivo. Ele contrastou razão e gosto, acreditando que a razão dá o conhecimento da verdade e da falsidade, o gosto dá uma compreensão da beleza e da feiura, do pecado e da virtude. Hume sugeriu que a beleza de uma obra não está em si mesma, mas no sentimento ou gosto de quem a percebe. E quando uma pessoa é privada desse sentimento, ela não é capaz de entender a beleza, mesmo que tenha sido educada de forma abrangente. O gosto se distingue por uma certa regularidade, que pode ser estudada e modificada com a ajuda de argumentos e reflexões. A beleza requer a atividade das faculdades intelectuais de uma pessoa que deve "abrir o caminho" para o sentimento correto.

O problema do gosto ocupou um lugar especial na reflexão estética de Kant. Percebeu a antinomia do gosto, contradição que, em sua opinião, é inerente a qualquer avaliação estética. Por um lado, não há disputa sobre gostos, pois o juízo de gosto é muito individual, e nenhuma evidência pode refutá-lo. Por outro lado, aponta para algo em comum que existe entre os gostos e permite que sejam discutidos. Assim, ele expressou a contradição entre gosto individual e público, que é fundamentalmente insolúvel. Em sua opinião, julgamentos separados e contraditórios sobre gosto podem existir juntos e ser igualmente verdadeiros.

No século 20 o problema do gosto estético foi desenvolvido por H.-G. Gadamer. No trabalho Verdade e método(1960) relaciona o conceito de "gosto" com o conceito de "moda". Na moda, segundo Gadamer, o momento de generalização social contido no conceito de gosto torna-se uma certa realidade. A moda cria um vício social que é quase impossível de evitar. Aqui reside a diferença entre moda e gosto. Embora o gosto opere na mesma esfera social que a moda, não está sujeito a ela. Comparado com a tirania da moda, o gosto mantém a contenção e a liberdade.

O gosto estético é uma generalização da experiência estética. Mas isso é em grande parte capacidade subjetiva. Generaliza mais profundamente a prática estética ideal estético. O problema do ideal como um problema teórico da estética foi colocado pela primeira vez por Hegel. NO Palestras de estética ele definiu a arte como a manifestação de um ideal. O ideal estético é o absoluto encarnado na arte, ao qual a arte aspira e gradualmente ascende. O valor do ideal estético no processo criativo é muito grande, pois a partir dele se forma o gosto do artista, o gosto do público.

CATEGORIAS ESTÉTICAS A categoria fundamental da estética é a categoria "estética". A estética atua como um conceito universal genérico abrangente para a ciência estética, como uma "metacategoria" em relação a todas as suas outras categorias.

Mais próximo da categoria de "estética" é a categoria de "belo". O belo é um exemplo de forma sensualmente contemplada, um ideal segundo o qual outros fenômenos estéticos são considerados. Ao considerar o sublime, o trágico, o cômico etc., o belo atua como medida. Sublime que esta medida exceda. trágico algo que indica uma discrepância entre o ideal e a realidade, muitas vezes levando ao sofrimento, decepção, morte. quadrinho algo que também atesta a discrepância entre o ideal e a realidade, só que essa discrepância é resolvida pelo riso. Na teoria estética moderna, juntamente com categorias positivas, seus antípodas são distinguidos - feios, baixos, terríveis. Isso é feito com base em que destacar o valor positivo de quaisquer qualidades implica a existência de outras opostas. Consequentemente, a pesquisa científica deve considerar os conceitos estéticos em sua correlação.

PRINCIPAIS ETAPAS DO DESENVOLVIMENTO DO PENSAMENTO ESTÉTICO. Elementos de reflexão estética são encontrados nas culturas do Antigo Egito, Babilônia, Suméria e outros povos do Antigo Oriente. O pensamento estético recebeu desenvolvimento sistemático apenas entre os antigos gregos.

Os primeiros exemplos de doutrina estética foram criados pelos pitagóricos (século VI aC). Suas visões estéticas se desenvolveram na tradição da filosofia cosmológica, baseada na estreita relação da pessoa humana com o universo. Pitágoras introduz o conceito do cosmos como uma unidade ordenada. Sua principal propriedade é a harmonia. Dos pitagóricos vem a ideia de harmonia como a unidade do múltiplo, a harmonia dos opostos.

Pitágoras e seus seguidores criaram a chamada doutrina da "harmonia das esferas", ou seja, música criada pelas estrelas e planetas. Eles também desenvolveram a doutrina da alma, que é a harmonia, ou melhor, a consonância, baseada em uma proporção digital.

A doutrina dos sofistas, que contribuiu para o nascimento da estética, surgiu no século V. BC. Finalmente formulado por Sócrates e exposto por seus discípulos, era de natureza antropológica.

Baseado na convicção de que o conhecimento é virtuoso, ele entende a beleza como a beleza do sentido, da consciência, da razão. Os pré-requisitos mais importantes para a beleza dos objetos são sua conveniência e justificação funcional.

Ele é dono da ideia de que o belo em si difere dos belos objetos individuais. Sócrates pela primeira vez distingue o belo como o ideal universal de sua manifestação na vida real. Ele tocou primeiro no problema da epistemologia científica na estética e formulou a questão: o que o conceito de "belo" significa em si mesmo.

Sócrates propõe a imitação como o princípio da criatividade artística. mimese), que é pensado como uma imitação da vida humana.

A estética antropológica colocou questões à filosofia, cujas respostas encontramos em Platão e Aristóteles. O ensino estético detalhado de Platão é apresentado em obras como Celebração,Fedro,E ele, Hípias, o Maior,Estado etc. Um aspecto importante da estética platônica é a compreensão da beleza. A beleza em seu entendimento é um tipo especial de essência espiritual, uma ideia. A ideia absoluta e supersensível do belo está fora do tempo, do espaço, fora da mudança. Como o belo é uma ideia (eidos), não pode ser compreendido pelo sentimento. O belo é compreendido através da mente, da intuição intelectual. NO Pira Platão fala de uma espécie de escada da beleza. Com a ajuda da energia de eros, a pessoa ascende da beleza corporal à espiritual, da espiritual à beleza da moral e das leis, depois à beleza do ensino e da ciência. A beleza revelada no final desta jornada é uma beleza absoluta que não pode ser expressa em palavras comuns. Está além de ser e saber. Expandindo a hierarquia da beleza dessa maneira, Platão chega à conclusão de que a beleza é uma manifestação do princípio divino no homem. A peculiaridade do belo em Platão reside no fato de que ele é retirado dos limites da arte. A arte, do seu ponto de vista, é uma imitação do mundo das coisas sensíveis, e não o verdadeiro mundo das ideias. Como as coisas reais são elas próprias cópias de ideias, a arte, imitando o mundo sensível, é uma cópia de cópias, uma sombra de sombras. Platão provou a fraqueza e a imperfeição da arte no caminho da beleza.

Aristóteles, apesar da continuidade das visões estéticas, criou sua própria teoria estética, diferente do platonismo. Em seus tratados Sobre a arte da poesia (Poético),Retórica,Política,Metafísica são apresentados textos que estão de certa forma relacionados à estética. Neles, ele define a beleza, cujas características universais são tamanho e ordem. Mas a beleza de Aristóteles não se limita a essas características. Eles não são belos em si mesmos, mas apenas em relação à percepção humana, quando são proporcionais ao olho e à audição humanos. Dividindo a atividade humana em estudo, ação e criação, ele refere a arte à criação baseada em regras. Comparado com Platão, ele expandiu significativamente a doutrina da imitação (mimesis), que ele entende como uma imagem do geral.

Catarse(gr.

catarse limpeza). Remonta ao antigo pitagorismo, que preconizava a música para a purificação da alma. Heráclito, segundo o testemunho dos estóicos, falava da purificação pelo fogo. Platão apresentou a doutrina da catarse como a libertação da alma do corpo, das paixões, dos prazeres. Aristóteles desenvolve a doutrina da catarse como base da experiência estética. A criatividade artística, segundo Aristóteles, com a ajuda da imitação chega ao seu destino nas belas formas que cria. A forma criada pelo criador torna-se objeto de prazer para o espectador receptivo. A energia investida em um trabalho que satisfaça todos os requisitos do verdadeiro artesanato e da bela forma gera uma nova energia - a atividade emocional da alma receptiva. O problema do prazer é uma parte importante da estética de Aristóteles. O prazer na arte corresponde a uma ideia razoável e tem fundamentos razoáveis. Prazer e limpeza emocional é o objetivo final da arte, a catarse.

Kalokagatiya. Aristóteles também desenvolve a doutrina da kalokagatia, característica da antiguidade (do grego.

kalos linda e agathos bom, moralmente perfeito) a unidade do eticamente “bom” e esteticamente “belo”. Kalokagatiya é concebido como algo inteiro e independente. O filósofo entende “bom” como benefícios externos da vida (poder, riqueza, fama, honra), e “belo” como virtudes internas (justiça, coragem etc.), então não há distinção entre eles. Kalokagatiya, segundo Aristóteles, é uma união interna de moralidade e beleza baseada na criação, uso e aprimoramento da riqueza material.

Enteléquia(do grego.

entelecheia concluído, concluído). Enteléquia é o processo de transformar a matéria informe em algo inteiro e ordenado. Tudo o que cerca uma pessoa, acreditava o filósofo, está em estado de caos. O mecanismo da enteléquia permite no processo de atividade criativa transformar a desordenada "substância da vida" em uma ordenada "substância da forma". A arte realiza esse processo através da forma artística, ordem e harmonia, equilibrando paixões, catarse. Muitas das ideias expressas por Aristóteles encontraram seu desenvolvimento posterior nas teorias estéticas européias subsequentes.

No final da antiguidade, um novo conceito de beleza e arte foi proposto por Plotino. Seu neoplatonismo na estética da antiguidade tardia foi o elo entre a antiguidade e o cristianismo. Obras coletadas do filósofo foi chamado Enéade. A estética de Plotino em suas obras nem sempre é expressa abertamente. Revela-se no conceito filosófico geral do pensador. Para Plotino, a beleza está contida nas percepções visuais e auditivas, na combinação de palavras, melodias e ritmos, em ações, conhecimentos e virtudes humanas. Mas alguns objetos são belos em si mesmos, enquanto outros são apenas devido à sua participação em outra coisa. A beleza não surge na matéria em si, mas existe algum tipo de essência não material, ou eidos (idéia). Este eidos conecta partes díspares e as traz à unidade, não externa e mecânica, mas interna. A Eidos é o critério de todas as avaliações estéticas.

Plotino ensinou que o homem se originou da fonte primária de todo ser, o bem absoluto, o primeiro. Desta fonte vem uma emanação (fluxo) da energia ilimitada do primeiro para a individualidade, que gradualmente se enfraquece, à medida que encontra em seu caminho a resistência da matéria inerte escura, inexistência informe. O homem individual é um ser separado de seu lugar próprio no original. Portanto, ele sente constantemente o desejo de voltar para casa, onde a energia é mais forte. Esse caminho metafísico do andarilho serve na filosofia de Plotino como explicação da experiência moral e estética. O amor pela beleza é entendido como o anseio metafísico da alma por seu antigo lar. Ela anseia por sua antiga morada para o bem, para Deus e para a verdade. Assim, a ideia principal do ensino estético de Plotino é ir na compreensão da beleza dos prazeres sensuais à fusão com a unidade primordial incompreensível. A beleza é alcançada apenas como resultado da luta do espírito com a matéria sensual. Sua ideia da errância de uma alma inquieta deixando sua morada e seu retorno teve grande influência nas obras de Agostinho, Tomás de Aquino, na obra de Dante e em todo o pensamento filosófico e estético da Idade Média.

Estética de Bizâncio. A formação da estética bizantina ocorre nos séculos IV e VI. Baseia-se nos ensinamentos de representantes da patrística oriental Gregório de Nazianzo, Atanásio de Alexandria, Gregório de Nissa, Basílio, o Grande, João Crisóstomo, bem como as obras de Pseudo-Dionísio, o Areopagita Areopagia, que teve um enorme impacto na estética medieval do Oriente e do Ocidente. A beleza transcendental absoluta nesses ensinamentos estéticos era Deus, que atrai para si, evoca o amor. O conhecimento de Deus é realizado pelo amor. Pseudo-Dionísio escreveu que o belo como causa última é o limite de tudo e o objeto do amor. É também um modelo, porque de acordo com ele tudo recebe certeza. Os pensadores bizantinos compartilhavam o conceito de beleza transcendental e terrena, correlacionando-o com a hierarquia dos seres celestiais e terrenos. De acordo com Pseudo-Dionísio, a beleza divina absoluta está em primeiro lugar, a beleza dos seres celestiais está em segundo e a beleza dos objetos do mundo material está em terceiro. A atitude dos bizantinos em relação à beleza material percebida sensualmente era ambivalente. Por um lado, ela era reverenciada como resultado da criação divina, por outro, era condenada como fonte de prazer sensual.

Um dos problemas centrais da estética bizantina era o problema da imagem. Adquiriu particular urgência em relação às disputas iconoclastas (séculos VIII-IX). Os iconoclastas acreditavam que a imagem deve ser consubstancial ao protótipo, ou seja, ser uma réplica perfeita. Mas como o protótipo representa a ideia do princípio divino, ele não pode ser representado com a ajuda de imagens antropomórficas.

João de Damasco em um sermão Contra aqueles que rejeitam ícones sagrados e Fedor Studit (759826) em Negações iconoclastas insistiu na distinção entre a imagem e o protótipo, argumentando que a imagem do arquétipo divino deveria ser idêntica a ele não “em essência”, mas apenas “no nome”. Ícone é uma imagem da aparência visível ideal (eidos internos) do protótipo. Essa interpretação da relação entre a imagem e o protótipo foi baseada na compreensão da natureza condicional da imagem. A imagem foi entendida como uma estrutura artística complexa, como uma "semelhança desigual".

Leve. Uma das categorias mais importantes da estética bizantina é a categoria da luz. Em nenhuma outra cultura foi dada tanta importância à luz. O problema da luz foi desenvolvido principalmente no âmbito da estética ascética que se desenvolveu entre o monaquismo bizantino. Esta estética interior (de lat.

interior interno) tinha uma orientação ética e mística e pregava a rejeição dos prazeres sensuais, um sistema de exercícios espirituais especiais destinados a contemplar a luz e outras visões. Seus principais representantes foram Macário do Egito, Nilo de Ancira, João da Escada, Isaac, o Sírio. De acordo com seus ensinamentos, a luz é uma bênção. Existem dois tipos de luz: visível e espiritual. A luz visível contribui para a vida orgânica, a luz espiritual une as forças espirituais, transforma as almas no verdadeiro ser. A luz espiritual não é visível por si mesma, está escondida sob várias imagens. É percebido pelos olhos da mente, o olho da mente. A luz na tradição bizantina aparece como uma categoria mais geral e mais espiritual do que a beleza.

Cor. Outra modificação da beleza na estética bizantina é a cor. A cultura da cor foi o resultado da estrita canonicidade da arte bizantina. Na pintura da igreja, um rico simbolismo de cores foi desenvolvido e uma hierarquia estrita de cores foi observada. Cada cor tem um profundo significado religioso.

A estética bizantina está revendo o sistema de categorias estéticas, de forma diferente da antiga, dando ênfase a esta área. Ela presta menos atenção a categorias como harmonia, medida, beleza. Ao mesmo tempo, no sistema de ideias que se difundiu em Bizâncio, um grande lugar é ocupado pela categoria do sublime, bem como pelos conceitos de "imagem" e "símbolo".

Simbolismoé um dos fenômenos mais característicos da cultura medieval, tanto no Oriente como no Ocidente. Os símbolos foram pensados ​​na teologia, na literatura, na arte. Cada objeto era considerado como uma imagem de algo que lhe correspondia em uma esfera superior, tornando-se um símbolo dessa esfera superior. Na Idade Média, o simbolismo era universal. Pensar era descobrir significados ocultos para sempre. De acordo com o conceito patrístico, Deus é transcendente, e o Universo é um sistema de símbolos e sinais (sinais) apontando para Deus e a esfera espiritual do ser. Na consciência estética medieval, o mundo sensorial foi substituído por um mundo ideal, simbólico. O simbolismo medieval atribui ao mundo vivo a propriedade de refletividade, natureza ilusória. É daí que vem o simbolismo total da arte cristã.

Estética tradicional do Oriente. Índia. A base das ideias estéticas da Índia Antiga foi a tradição mitopoética, que encontrou expressão no sistema figurativo do bramanismo. A doutrina de Brahman, o ideal universal, foi desenvolvida nos Upanishads, os mais antigos dos quais datam dos séculos VIII-VI. antes da. DE ANÚNCIOS “Conhecer” Brahman só é possível através da experiência mais forte do ser (contemplação estética). Essa contemplação supra-sensível parece ser a mais alta bem-aventurança e está diretamente relacionada ao prazer estético. A estética e o simbolismo dos Upanishads tiveram uma grande influência nas imagens e na estética dos poemas épicos indianos. Mahabharata e Ramayana e, em geral, um maior desenvolvimento do pensamento estético da Índia.

Uma característica da reflexão estética da Índia medieval é a falta de interesse em questões sobre a estética na natureza e na vida. O objeto de reflexão é apenas arte, principalmente literatura e teatro. O objetivo principal de uma obra de arte é a emoção. O estético é derivado do emocional. O conceito central de todos os ensinamentos estéticos é o conceito de “raça” (literalmente “gosto”), denotando emoção artística na história da arte. Especialmente esta doutrina da raça foi desenvolvida pelos teóricos da escola da Caxemira, entre os quais os mais famosos são Anandavardhana (século IX), Shankuka (século X), Bhatta Nayaka (século X) e Abhinavagupta (século X-XI). Eles estavam interessados ​​na especificidade da emoção estética, que não deve ser confundida com o sentimento comum. Rasa, não sendo um sentimento específico, é uma experiência que surge no sujeito que percebe e é acessível apenas ao conhecimento interno. O estágio mais alto da experiência estética é o gosto da raça, ou seja, o apaziguamento de sua consciência, ou seja, o prazer estético.

China.O desenvolvimento do pensamento estético tradicional chinês foi diretamente influenciado por duas correntes principais da filosofia chinesa: o confucionismo e o taoísmo. O ensino estético de Confúcio (552/551479 aC) e seus seguidores desenvolveu-se no âmbito de sua teoria sócio-política. O lugar central nele foi ocupado pelos conceitos de "humanidade" e "ritual", consubstanciados no comportamento de uma "pessoa nobre". O objetivo dessas categorias morais era manter os fundamentos éticos na sociedade e organizar uma ordem mundial harmoniosa. Deu-se grande importância à arte, que era vista como meio de aperfeiçoamento moral e educação da harmonia do espírito. O confucionismo subordinava os requisitos estéticos aos éticos. O próprio "belo" em Confúcio é sinônimo de "bom", e o ideal estético era visto como a unidade do belo, do bom e do útil. A partir daqui vem um forte começo didático na estética tradicional da China. Essa tradição estética defendia a autenticidade e o colorido da arte. Ela considerava a criatividade como o ápice da habilidade profissional e o artista como o criador da arte.

Outra linha está ligada aos ensinamentos taoístas. Lao Tzu (século VI aC) e Chuang Tzu (século 43 aC) são considerados seus fundadores. Se os confucionistas prestaram a maior atenção em seus ensinamentos ao princípio ético, então os taoístas prestaram a maior atenção ao princípio estético. O lugar central no taoísmo foi ocupado pela teoria do "Tao" - o caminho, ou a eterna variabilidade do mundo. Um dos atributos do Tao, que tem um significado estético, era o conceito de naturalidade "tszyran", espontaneidade. A tradição taoísta afirmava a espontaneidade da criatividade artística, a naturalidade da forma artística e sua correspondência com a natureza. Daí vem a inseparabilidade do estético e do natural na estética tradicional da China. A criatividade no taoísmo era vista como revelação e influxo, e o artista como ferramenta para a "autocriação" da arte.

Japão. O desenvolvimento da estética tradicional do Japão ocorreu sob a influência do Zen Budismo. Este credo atribui grande importância à meditação e outros métodos de psicotreinamento que servem para alcançar satori um estado de iluminação interior, paz de espírito e equilíbrio. O Zen Budismo é caracterizado por uma visão da vida e do mundo material como algo de curta duração, mutável e triste por natureza. A estética tradicional japonesa, combinando influências confucionistas da China e da escola japonesa de Zen Budismo, desenvolveu princípios especiais que são fundamentais para a arte japonesa. Entre eles, o mais importante é o "wabi" o princípio estético e moral de desfrutar de uma vida calma e sem pressa, livre de preocupações mundanas. Significa beleza simples e pura e um estado de espírito claro e contemplativo. A cerimônia do chá, a arte de arranjar flores e a arte da jardinagem são baseadas nesse princípio. Outro princípio da estética japonesa, o “sabi”, que está associado à solidão existencial de uma pessoa em um universo infinito, remonta ao zen-budismo. Segundo a tradição budista, o estado de solidão humana deve ser aceito com serena humildade e encontrar nele uma fonte de inspiração. O conceito de "yugen" (a beleza da tristeza solitária) no budismo está associado a uma verdade profundamente oculta que não pode ser compreendida intelectualmente. É repensado como um princípio estético, significando uma misteriosa beleza "sobrenatural" cheia de mistério, ambiguidade, tranquilidade e inspiração.

Estética da Idade Média da Europa Ocidental profundamente teológica. Todos os conceitos estéticos básicos encontram sua realização em Deus. Na estética do início da Idade Média, a teoria estética mais holística é representada por Agostinho Aurélio. Sob a influência do neoplatonismo, Agostinho compartilhou a ideia de Plotino sobre a beleza do mundo. O mundo é belo porque foi criado por Deus, que é a mais alta beleza e é a fonte de toda beleza. A arte não cria imagens reais dessa beleza, mas apenas suas formas materiais. Portanto, acredita Agostinho, não é a obra de arte em si que deve ser apreciada, mas a ideia divina contida nela. Seguindo a antiguidade, S. Agostinho deu uma definição de beleza, a partir dos sinais de harmonia formal. No ensaio Sobre a cidade de Deus ele fala de beleza como a proporcionalidade das partes combinada com o prazer da cor. Ao conceito de beleza associou também os conceitos de proporcionalidade, forma e ordem.

A nova interpretação medieval da beleza era que a harmonia, a harmonia, a ordem dos objetos são belas não em si mesmas, mas como reflexo de uma unidade divina mais elevada. O conceito de "unidade" é um dos centrais na estética de Agostinho. Ele escreve que a forma de toda beleza é a unidade. Quanto mais perfeita uma coisa, mais unidade ela tem. O belo é um, porque o próprio ser é um. O conceito de unidade estética não pode surgir de percepções sensoriais. Pelo contrário, ela mesma determina a percepção da beleza. A partir de uma avaliação estética, uma pessoa já tem no fundo de sua alma o conceito de unidade, que busca então nas coisas.

A doutrina de contrastes e opostos de Agostinho teve uma grande influência na estética medieval. No tratado Sobre a cidade de Deus ele escreveu que o mundo foi criado como um poema embelezado com antíteses. A diferença e a variedade dão beleza a cada coisa, e o contraste dá uma expressividade especial à harmonia. Para que a percepção da beleza seja completa e perfeita, a relação correta deve conectar o contemplador da beleza com o próprio espetáculo. A alma está aberta às sensações que estão em harmonia com ela e rejeita as sensações que são inadequadas para ela. Para a percepção da beleza, é necessário concordar entre os objetos belos e a alma. É necessário que uma pessoa tenha um amor altruísta pela beleza.

Tomás de Aquino em sua principal obra Soma de teologias na verdade resumia a estética medieval ocidental. Ele sistematizou as visões de Aristóteles, neoplatônicos, Agostinho, Dionísio, o Areopagita. O primeiro sinal característico da beleza, Tomás de Aquino ecoa depois de seus predecessores, é a forma percebida pelos altos sentimentos humanos (visão, audição). A beleza afeta o sentimento de uma pessoa com sua organização. Ele fundamenta completamente tais conceitos relacionados às características objetivas da beleza como "clareza", "integridade", "proporção", "consistência". Proporção, em sua opinião, é a proporção de espiritual e material, interno e externo, idéias e formas. Por clareza, ele entendia tanto o brilho visível, o brilho de uma coisa, quanto seu brilho interior, espiritual. Perfeição significava a ausência de falhas. A cosmovisão cristã invariavelmente inclui o conceito de bondade no conceito de beleza. Novo na estética de Tomás de Aquino foi a introdução de uma distinção entre eles. Ele viu essa diferença no fato de que o bem é o objeto e a meta das constantes aspirações humanas, a beleza é a meta alcançada quando o intelecto humano se liberta de todas as aspirações da vontade, quando começa a sentir prazer. A meta característica do bem, já na beleza, por assim dizer, deixa de ser uma meta, mas é uma forma pura, tomada em si mesma, desinteressadamente. Tal compreensão do belo por Tomás de Aquino permite a F. Losev concluir que tal definição do tema da estética é o ponto de partida para toda a estética do Renascimento.

Estética do Renascimento estética individualista. A sua especificidade reside na auto-afirmação espontânea de uma pessoa que pensa e age artisticamente, entende a natureza que o rodeia e o ambiente histórico como objecto de fruição e imitação. A doutrina estética do Renascimento está imbuída de motivos de afirmação da vida e de um pathos heróico. É dominado por uma tendência antropocêntrica. Na estética do Renascimento, a compreensão do belo, do sublime, do heróico também está associada ao antropocentrismo. Uma pessoa, seu corpo torna-se um modelo de beleza. O homem é visto como uma manifestação do titânico, do divino. Ele tem possibilidades ilimitadas de conhecimento e ocupa uma posição excepcional no mundo. A obra programática, que teve grande influência no pensamento artístico da época, foi o tratado Pico dela Mirandola Sobre a dignidade do homem(1487). O autor formula um conceito completamente novo da personalidade humana. Ele diz que a própria pessoa é um criador, um mestre de sua própria imagem. Isso substancia uma nova atitude em relação ao artista. Este não é mais um artesão medieval, mas uma pessoa amplamente educada, uma expressão concreta do ideal de uma pessoa universal.

No Renascimento, estabeleceu-se uma visão da arte como criatividade. A estética antiga e medieval considerava a arte como uma aplicação à matéria de uma forma pronta que já estava na alma do artista. Na estética do Renascimento, nasce a ideia de que o próprio artista cria, recria essa própria forma. Um dos primeiros a formular essa ideia foi Nicolau de Cusa (1401-1464) em seu tratado Sobre a mente. Ele escreveu que a arte não apenas imita a natureza, mas é criativa, criando as formas de todas as coisas, complementando e corrigindo a natureza.

A rica prática artística do Renascimento deu origem a numerosos tratados de arte. Estes são os escritos Sobre pintura, 1435; Sobre esculpir, 1464; Sobre arquitetura, 1452 Leona Batista Alberti; Na Proporção Divina Luca Pacioli (14451514); livro sobre pintura Leonardo da Vinci. Neles, a arte era reconhecida como expressão da mente do poeta e do artista. Uma característica importante desses tratados é o desenvolvimento da teoria da arte, os problemas da perspectiva linear e aérea, claro-escuro, proporcionalidade, simetria e composição. Tudo isso ajudou a tornar a visão do artista estereoscópica, e os objetos por ele retratados, em relevo e tangíveis. O desenvolvimento intensivo da teoria da arte foi estimulado pela ideia de criar uma ilusão de vida real em uma obra de arte.

Séculos XVII-XVIII, Iluminismo. Para o século XVII o domínio da estética filosófica sobre a prática é característico. Nesse período, surgiram os ensinamentos filosóficos de Francis Bacon, Thomas Hobbes, René Descartes, John Locke, Gottfried Leibniz, que tiveram grande influência na reflexão estética da Nova Era. O sistema estético mais holístico foi representado pelo classicismo, cuja base ideológica era o racionalismo de Descartes, que defendia que a base do conhecimento é a mente. O classicismo é, antes de tudo, o domínio da razão. Uma das características da estética do classicismo pode ser chamada de estabelecimento de regras estritas para a criatividade. Uma obra de arte era entendida não como um organismo natural, mas como um fenômeno artificial criado pelo homem de acordo com um plano, com uma tarefa e propósito específicos. O código de normas e cânones do classicismo é um tratado em verso de Nicolas Boileau arte poética(1674). Ele acreditava que, para alcançar o ideal na arte, é preciso usar regras rígidas. Essas regras são baseadas nos antigos princípios da beleza, da harmonia, do sublime, do trágico. O principal valor de uma obra de arte é a clareza da ideia, a nobreza da ideia e a forma precisamente calibrada. No tratado de Boileau, a teoria da hierarquia dos gêneros desenvolvida pela estética do classicismo, a regra das "três unidades" (lugar, tempo e ação), orientação para uma tarefa moral ( Veja também UNIDADES (TRÊS): TEMPOS, LUGARES, AÇÕES).

No pensamento estético do século XVII. destaca-se a direção barroca, não formalizada em um sistema coerente. A estética barroca é representada por nomes como Baltasar Gracian y Marales (16011658), Emmanuele Tesauro (15921675) e Matteo Peregrini. Em seus escritos Wit, ou a arte de uma mente rápida(1642) Graciana; A luneta de Aristóteles(1654) Tesauro; Tratado de inteligência(1639) Peregrini) desenvolve um dos conceitos mais importantes da estética barroca - "wit", ou "mente rápida". É percebido como a principal força criativa. A sagacidade barroca é a capacidade de reunir o diferente. A base da sagacidade é uma metáfora que conecta objetos ou ideias que parecem infinitamente distantes. A estética barroca enfatiza que a arte não é uma ciência, não se baseia nas leis do pensamento lógico. A sagacidade é um sinal de gênio, que é dado por Deus, e nenhuma teoria pode ajudar a encontrá-la.

Estética do barroco cria um sistema de categorias em que o conceito de beleza é ignorado e, em vez de harmonia, é colocado o conceito de desarmonia e dissonância. Rejeitando a ideia de uma estrutura harmoniosa do Universo, o Barroco reflete a visão de mundo de um homem do início da Nova Era, que compreendia a inconsistência do ser. Essa atitude é especialmente representada pelo pensador francês Blaise Pascal. A reflexão filosófica de Pascal, suas obras literárias ocupam um lugar importante na estética do século XVII. Ele não compartilhava o pragmatismo e a racionalidade da sociedade moderna. Sua visão do mundo adquiriu um colorido profundamente trágico. Está ligado às ideias de "Deus oculto" e "silêncio do mundo". Entre essas duas manifestações está o homem em sua solidão, cuja natureza é tragicamente dual. Por um lado é grande em sua racionalidade e comunhão com Deus, por outro é insignificante em sua fragilidade física e moral. Essa ideia é expressa em sua famosa definição: "o homem é uma cana pensante". Pascal nesta fórmula refletia não apenas sua visão do mundo, mas transmitia o clima geral do século. Sua filosofia permeia a arte barroca, que gravita em torno de tramas dramáticas que recriam uma imagem caótica do mundo.

estética inglesa dos séculos XVII-XVIII defendia princípios sensualistas, baseando-se nos ensinamentos de John Locke sobre a base sensual do pensamento. O empirismo e o sensacionalismo de Locke contribuíram para o desenvolvimento de ideias sobre "sensação interna", sentimento, paixão, intuição. A ideia de uma ligação fundamental e estreita entre arte e moral, que se tornou dominante na estética do Iluminismo, também foi substanciada. Ele escreveu sobre a relação entre beleza e bondade em seu trabalho Características das pessoas, costumes, opiniões e tempos(1711) representante da chamada "estética moralizante" A.E.K. Shaftesbury. Em sua filosofia moral, Shaftesbury se baseou no sensacionalismo de Locke. Ele acreditava que as ideias de bondade e beleza têm uma base sensual, advindas de um sentimento moral inerente à própria pessoa.

Idéias do Iluminismo Inglês teve uma grande influência sobre o pensador francês Denis Diderot. Assim como seus antecessores, ele liga a beleza à moralidade. Diderot é o autor da teoria do realismo iluminista, que foi fundamentada em seu tratado Estudo filosófico da origem e natureza da beleza(1751). Ele entendia a criatividade artística como uma atividade consciente que tem um objetivo razoável e se baseia nas regras gerais da arte. Diderot viu o propósito da arte em suavizar e melhorar a moral, na educação da virtude. Um traço característico da teoria estética de Diderot é sua unidade com a crítica de arte.

O desenvolvimento da estética do Iluminismo alemão está associado aos nomes de Alexander Baumgarten, Johann Winckelmann, Gotthold Lessing, Johann Herder. Nas suas obras, pela primeira vez, a estética é definida como uma ciência, forma-se o princípio de uma abordagem histórica das obras de arte, chama-se a atenção para o estudo da identidade nacional da cultura artística e do folclore (I. Herder Nos bosques da crítica, 1769;Sobre a influência da poesia nos costumes dos povos nos tempos antigos e modernos, 1778;Calligone, 1800), há uma tendência para um estudo comparativo de vários tipos de arte (G. Lessing Laocoonte, ou nos limites da pintura e da poesia, 1766;Dramaturgia de Hamburgo, 17671769), estão sendo criados os fundamentos da história teórica da arte (I. Winkelman História da arte antiga, 1764).

Estética na filosofia clássica alemã. Os iluministas alemães tiveram grande influência no desenvolvimento posterior do pensamento estético na Alemanha, especialmente em seu período clássico. A estética clássica alemã (final do século XVIII - início do século XIX) é representada por Immanuel Kant, Johann Gottlieb Fichte, Friedrich Schiller, Friedrich Wilhelm Schelling, Georg Hegel.

Visões estéticas I. Kant delineado em Crítica da capacidade de julgamento, onde considerava a estética como parte da filosofia. Ele desenvolveu em detalhes os problemas mais importantes da estética: a doutrina do gosto, as principais categorias estéticas, a doutrina do gênio, o conceito de arte e sua relação com a natureza, a classificação das formas de arte. Kant explica a natureza do juízo estético, que é distinto do juízo lógico. Um juízo estético é um juízo de gosto, um juízo lógico tem como objetivo a busca da verdade. A beleza é um tipo especial de julgamento estético do gosto. O filósofo destaca vários pontos na percepção da beleza. Em primeiro lugar, é o desinteresse do sentimento estético, que se resume à pura admiração do objeto. A segunda característica do belo é que ele é objeto de admiração universal sem a ajuda da categoria da razão. Ele também introduz a noção de "conveniência sem propósito" em sua estética. Em sua opinião, a beleza, sendo uma forma de conveniência de um objeto, deve ser percebida sem qualquer ideia de finalidade.

Um dos primeiros Kant deu uma classificação das formas de arte. Ele divide as artes em verbal (a arte da eloquência e poesia), pictórica (escultura, arquitetura, pintura) e a arte do jogo gracioso de sensações (música).

Os problemas da estética ocuparam um lugar importante na filosofia de G. Hegel. Uma exposição sistemática da teoria estética hegeliana está contida em seu Palestras de estética(publicado em 18351836). A estética de Hegel é a teoria da arte. Ele define a arte como um estágio no desenvolvimento do espírito absoluto junto com a religião e a filosofia. Na arte, o espírito absoluto se conhece na forma de contemplação; na religião, na forma de representação; na filosofia, o conceito. A beleza da arte é superior à beleza natural, porque o espírito é superior à natureza. Hegel observou que a atitude estética é sempre antropomórfica, a beleza é sempre humana. Hegel apresentou sua teoria da arte na forma de um sistema. Ele escreve sobre três formas de arte: simbólica (Oriente), clássica (antiguidade), romântica (Cristianismo). Com várias formas de arte, ele conecta um sistema de artes diferentes, diferindo no material. Hegel considerou o início da arte como sendo a arquitetura, correspondendo ao estágio simbólico no desenvolvimento da criatividade artística. A escultura é característica da arte clássica, enquanto a pintura, a música e a poesia são características da arte romântica.

Baseado nos ensinamentos filosóficos e estéticos de Kant, F.W. Schelling cria sua própria teoria estética. É destaque em seus escritos. Filosofia da arte, ed. 1859 e Sobre a relação das artes plásticas com a natureza, 1807. Arte, no entendimento de Schelling, são ideias que, como "conceitos eternos", habitam em Deus. Portanto, o início imediato de toda arte é Deus. Schelling vê na arte uma emanação do absoluto. O artista deve sua obra à ideia eterna do homem, encarnado em Deus, que se liga à alma e com ela forma um todo único. Essa presença do princípio divino em uma pessoa é o "gênio" que permite ao indivíduo materializar o mundo ideal. Ele afirmou a ideia da superioridade da arte sobre a natureza. Na arte, ele viu a conclusão do espírito do mundo, a unificação do espírito e da natureza, objetivo e subjetivo, externo e interno, consciente e inconsciente, necessidade e liberdade. A arte para ele é parte da verdade filosófica. Ele levanta a questão da criação de um novo campo da estética - a filosofia da arte e a coloca entre o absoluto divino e a mente filosofa.

Schelling foi um dos principais teóricos da estética do Romantismo. A origem do romantismo está associada à escola de Jena, cujos representantes foram os irmãos August Schlegel e Friedrich Schlegel, Friedrich von Hardenberg (Novalis), Wilhelm Heinrich Wackenroder (17731798), Ludwig Tieck.

As origens da filosofia do romantismo estão no idealismo subjetivo de Fichte, que proclamou o "eu" subjetivo como o começo. Com base no conceito de atividade criativa livre e irrestrita de Fichte, os românticos fundamentam a autonomia do artista em relação ao mundo exterior. Seu mundo exterior é substituído pelo mundo interior do gênio poético. Na estética do romantismo, desenvolveu-se a ideia de criatividade, segundo a qual o artista em seu trabalho não reflete o mundo como ele é, mas o cria como deveria ser em sua mente. Assim, o papel do próprio artista aumentou. Assim, em Novalis, o poeta atua como adivinho e mágico, revivendo a natureza inanimada. O romantismo caracteriza-se pela negação da normatividade da criatividade artística, pela renovação das formas artísticas. A arte romântica é metafórica, associativa, ambígua, gravita para a síntese, para a interação de gêneros, tipos de arte, para a conexão com a filosofia e a religião.

1920 séculos A partir de meados do século XIX O pensamento estético da Europa Ocidental desenvolveu-se em duas direções. A primeira delas está ligada à filosofia positivista de Auguste Comte, autor Curso de Filosofia Positiva(18301842). O positivismo proclamou a prioridade do conhecimento científico concreto sobre a filosofia, procurou explicar os fenômenos estéticos por meio de categorias e ideias emprestadas da ciência natural. No quadro do positivismo, formam-se tendências estéticas como a estética do naturalismo e a análise social.

A segunda direção da estética de orientação positivista é apresentada nas obras de Hippolyte Taine, que se tornou um dos primeiros especialistas no campo da sociologia da arte. Desenvolveu questões da relação entre arte e sociedade, a influência do meio ambiente, raça, momento na criatividade artística. A arte, no entendimento de Taine, é produto de condições históricas específicas, e ele define uma obra de arte como um produto do meio ambiente.

A estética marxista também sai do ponto de vista do positivismo. O marxismo considerava a arte como parte integrante do processo histórico geral, cuja base eles viam no desenvolvimento do modo de produção. Correlacionando o desenvolvimento da arte com o desenvolvimento da economia, Marx e Engels a viam como algo secundário à base econômica. As principais disposições da teoria estética do marxismo são o princípio da concretude histórica, o papel cognitivo da arte e seu caráter de classe. Uma manifestação do caráter de classe da arte é, como acreditava a estética marxista, sua tendenciosidade. O marxismo estabeleceu os princípios básicos que encontraram seu desenvolvimento posterior na estética soviética.

Oposição ao positivismo no pensamento estético europeu na segunda metade do século XIX. Houve um movimento de artistas que propuseram o slogan “arte pela arte”. A estética da "arte pura" desenvolvida sob forte influência do conceito filosófico Arthur Schopenhauer. No trabalho O mundo como vontade e representação (1844) ele delineou os elementos básicos do conceito elitista de cultura. O ensino de Schopenhauer é baseado na ideia de contemplação estética. Ele dividiu a humanidade em "pessoas de gênio", capazes de contemplação estética e criatividade artística, e "pessoas de uso", orientadas para a atividade utilitária. O gênio implica uma notável capacidade de contemplar ideias. Os desejos são sempre inerentes a uma pessoa prática, um artista-gênio é um observador calmo. Substituindo a razão pela contemplação, o filósofo substitui assim o conceito de vida espiritual pelo conceito de prazer estético refinado e atua como precursor da doutrina estética da "arte pura".

As ideias de "arte pela arte" são formadas nas obras de Edgar Allan Poe, Gustave Flaubert, Charles Baudelaire, Oscar Wilde. Continuando a tradição romântica, representantes do esteticismo argumentaram que a arte existe por si mesma e cumpre seu propósito sendo bela.

No final do século XIX no pensamento filosófico e estético europeu, há processos de revisão radical das formas clássicas de filosofar. A rejeição e revisão dos valores estéticos clássicos foi feita por Friedrich Nietzsche. Ele preparou o colapso do conceito estético transcendental tradicional e influenciou em grande parte a formação da filosofia e da estética pós-clássicas. Na estética de Nietzsche, desenvolveu-se uma teoria arte apolínea e dionisíaca. No ensaio O nascimento da tragédia do espírito da música (1872) ele resolve a antinomia do apolíneo e do dionisíaco como dois primórdios opostos, mas inseparavelmente ligados um ao outro, subjacentes a todo fenômeno cultural. A arte apolínea procura dinamizar o mundo, torná-lo harmoniosamente equilibrado, claro e equilibrado. Mas o princípio apolíneo diz respeito apenas ao lado externo do ser. Isso é uma ilusão e um auto-engano constante. A estruturação apolínea do caos se opõe à embriaguez dionisíaca do êxtase. O princípio dionisíaco da arte não é a criação de novas ilusões, mas a arte dos elementos vivos, do excesso, da alegria espontânea. O frenesi dionisíaco na interpretação de Nietzsche acaba sendo um caminho para superar a alienação do homem no mundo. Ultrapassar os limites do isolamento individualista é a verdadeira criatividade. As formas de arte mais verdadeiras não são aquelas que criam uma ilusão, mas aquelas que permitem olhar para o abismo do universo.

Os conceitos estéticos e filosóficos de Nietzsche encontraram ampla aplicação na teoria e na prática da estética do modernismo no final do século XIX e início do século XX. O desenvolvimento original dessas idéias é observado na estética russa da Idade da Prata. Em primeiro lugar em Vladimir Solovyov, em sua filosofia de "unidade universal", baseada no triunfo calmo da eterna vitória do princípio brilhante sobre a confusão caótica. e a estética nietzschiana atraiu simbolistas russos. Seguindo Nietzsche, eles perceberam o mundo como um fenômeno estético criado pelo artista teurgo.

Teorias estéticas do século XX. Problemas estéticos do século 20 É desenvolvido não tanto em estudos especiais como no contexto de outras ciências: psicologia, sociologia, semiótica, linguística.

Entre os conceitos estéticos mais influentes destaca-se a estética fenomenológica, baseada na doutrina filosófica Edmundo Husserl. O filósofo polonês Roman Ingarden (1893-1970) pode ser considerado o fundador da estética fenomenológica. O conceito-chave da fenomenologia é a intencionalidade (do latim intentio aspiração, intenção, direção), que é entendida como a construção de um objeto de cognição pela consciência.

A fenomenologia considera a obra de arte como um fenômeno autossuficiente de contemplação intencional sem qualquer contexto, procedente de si mesma. Tudo o que pode ser descoberto sobre uma obra está contido nela mesma, tem seu próprio valor independente, existência autônoma e é construído de acordo com suas próprias leis.

Nikolai Hartmann (1882-1950) falou de uma posição fenomenológica. A categoria principal da estética bela é compreendida em estado de êxtase e de devaneio. A razão, ao contrário, não permite ingressar na esfera da beleza. Portanto, o ato cognitivo é incompatível com a contemplação estética.

Michel Dufrenne (1910-1995) criticou a civilização ocidental moderna, alienando o homem da natureza, de sua própria essência e dos valores mais elevados do ser. Ele procura identificar os fundamentos fundamentais da cultura, que permitiriam estabelecer relações harmoniosas entre o homem e o mundo. Tendo percebido o pathos do conceito de arte de Heidegger como a "verdade do ser", Dufrenne busca tais fundamentos na riqueza da experiência estética, interpretada do ponto de vista da ontologia fenomenológica.

O método fenomenológico de pesquisa fundamenta a metodologia do formalismo russo, do estruturalismo francês e da “nova crítica” anglo-americana que surgiu como oposição ao positivismo. Nas obras de J. K. Resgate ( Nova crítica, 1941), A. Tate ( ensaios reacionários, 1936), C. Brooks e R.P. Warren ( Entendendo a poesia, 1938; Entendendo a prosa, 1943) estabeleceu os princípios básicos da teoria neocrítica: o estudo se baseia em um texto isolado que existe como objeto independentemente do artista-criador. Este texto tem uma estrutura orgânica e integral que pode existir como uma organização especial de imagens, símbolos, mitos. Com a ajuda de tal forma orgânica, realiza-se a cognição da realidade (o conceito neocrítico de "poesia como conhecimento").

A outras áreas importantes do pensamento estético do século XX. incluem os conceitos psicanalíticos de Z. Freud e G. Jung, a estética do existencialismo (J.-P. Sartre, A. Camus, M. Heideger), a estética do personalismo (S. Peguy, E. Munier, P. Ricoeur ), a estética do estruturalismo e do pós-estruturalismo (K. Levi Strauss, R. Barth, J. Derrida), conceitos estéticos sociológicos de T. Adorno e G. Marcuse.

O pensamento estético moderno também está se desenvolvendo de acordo com o pós-modernismo (I. Hassan, J.F. Lyotard). A estética do pós-modernismo é caracterizada por um desrespeito consciente por quaisquer regras e restrições desenvolvidas pela tradição cultural anterior e, como resultado, uma atitude irônica em relação a essa tradição.

O aparato conceitual da estética está passando por mudanças significativas, as principais categorias da estética estão passando por uma reavaliação significativa, por exemplo, o sublime está sendo substituído pelo incrível, o feio recebeu seu status de categoria estética junto com o belo etc. O que tradicionalmente era considerado não estético torna-se estético ou definido esteticamente. Isso também determina duas linhas de desenvolvimento da cultura moderna: uma linha visa a continuidade da estética tradicional (a estetização da vida cotidiana é considerada sua manifestação extrema, daí, por exemplo, o hiper-realismo, a arte pop etc.), o surrealismo, a arte conceitual ).

Um lugar especial na estética moderna é dado à tradição de violação, indo “fora das normas estéticas e artísticas”, ou seja, criatividade marginal ou ingênua, que muitas vezes adquire o status de estética depois de muito tempo (a história da cultura está repleta de exemplos dessa criatividade de artistas, músicos e escritores).

A variedade de teorias e conceitos estéticos da ciência estética moderna atesta um desenvolvimento qualitativamente novo, em comparação com o período clássico, do pensamento estético. O uso da experiência de muitas humanidades na estética moderna atesta as grandes perspectivas dessa ciência.

Ludmila Tsarkova

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