O Japão sempre se distinguiu por sua atitude reverente à preservação e reprodução de suas antigas tradições, e essa característica marcante faz da Terra do Sol Nascente um lugar único onde as inovações modernas são harmoniosamente combinadas com tradições culturais centenárias na vida das pessoas comuns. Japonês.

Se você já esteve no Japão antes, sem dúvida já se deparou com tigelas de sopa vermelhas e pretas, bandejas, pauzinhos e outros itens lacados (suas contrapartes de baixa qualidade também podem ser encontradas em nosso país). A arte da laca é um dos ofícios tradicionais japoneses que se originou nos tempos antigos - os primeiros produtos foram descobertos no Japão já no período Jomon (14.000-300 aC) - e sobreviveu até hoje. Nos tempos modernos, a laca japonesa foi ativamente exportada e se tornou uma espécie de "marca" do país - não é coincidência que no mundo ocidental a palavra "japão" tenha adquirido um segundo significado - "verniz, laca, aplique verniz".

A laca japonesa é uma substância orgânica feita a partir da seiva da árvore urushi (漆), que é obtida arranhando a madeira. O verniz resultante também é chamado. Acredita-se que esta palavra vem de duas outras palavras japonesas: uruwashii (麗しい), que significa "bonito, bonito", e uruosu (潤す), que significa "hidratar". O próprio hieróglifo urushi, ao contrário de outros nomes de árvores, que são escritos usando a chave "árvore" [木] (桜 - sakura, 梅 - ameixa, 松 - pinheiro, etc.), tem a chave "água" [氵], o que ressalta que essa árvore é mais valorizada por causa da água, ou seja, do suco contido nela. Em japonês, laca é chamada de shikki (漆器:漆"verniz, laca de madeira" +器"ferramenta, acessórios") ou nurimono (塗物:塗る"aplicar, pintar" + 物 "coisa, objeto").

A laca curada forma uma camada protetora que repele a água e evita que a peça apodreça, além de torná-la menos suscetível ao ataque de ácidos, álcalis, sais e álcool. Como material para produtos, são utilizados madeira (o material mais comum), couro, papel, cerâmica, vidro, metal e até plástico. Há muitas maneiras de criar e decorar laca. Vamos falar um pouco hoje sobre os tipos mais famosos desse artesanato japonês.

Louça Ouchi

A arte da laca Ouchi originou-se na província de Yamaguchi (山口県) através dos esforços do senhor da guerra Ouchi Hiroyo (1325-1380). Em um esforço para transformar seu domínio em algo como a capital da época, Kyoto (京都), ele convidou ativamente vários artesãos e artesãos, como resultado da combinação das habilidades e idéias dos artesãos de Kyoto com as tradições locais uma nova cultura única.

artigos de laca Kishu

Aproximadamente nos séculos XIV-XVI. Monges budistas no templo Negoroji (na área da moderna cidade de Iwade (岩出市), Prefeitura de Wakayama (和歌山県) começaram a produção de laca utilitária - pauzinhos, bandejas, tigelas, bem como um religioso culto - objetos para orações e mantras. Como o artesanato não era perfeito, em alguns lugares havia manchas nos objetos acabados. Esse estilo particular de produtos foi chamado de Negoro. No século XVII, com o apoio das autoridades do principado de Kishu, os utensílios de laca dos monges tornaram-se famosos, e o nome da área foi anexado a eles.

Varas de Wakasa Lacadas

Estes utensílios de cozinha lacados são feitos em Obama City (小浜市), Prefeitura de Fukui (福井県). Mais de 80% de todos os pauzinhos lacados no Japão são produzidos aqui. Essas varinhas de extraordinária beleza e graça são um presente de casamento popular na Terra do Sol Nascente.

laca Odawara

Prefeitura de Kanagawa (神奈川県). Este tipo de arte laca remonta ao período Kamakura (1185-1333), quando o forte e influente clã Hojo promoveu ativamente o desenvolvimento do artesanato, transformando a cidade de Odawara (小田原市) em um centro de produção de laca. No período Edo (1603-1868), um grande número desses produtos foi exportado para Edo (hoje Tóquio) - tigelas, bandejas e até armaduras laqueadas.

Laca Kagawa

Prefeitura de Kagawa (香川県). Em 1638, Daimyo Yorishige Matsudaira veio a esses lugares por indicação do xogunato. Ele se distinguiu por seu amor por laca e esculturas, então começou a desenvolver esses tipos de artes e ofícios em seu domínio. Dois séculos depois, graças ao trabalho do mestre Tsukoku Tamakaji (1807-1869), a laca Kagawa tornou-se famosa em todo o país. O uso de métodos especiais de moagem e polimento satura os produtos com brilho extraordinário.

Utensílios de laca Wajima

Prefeitura de Ishikawa (石川県). O exemplo sobrevivente mais antigo desse tipo de arte é o portão laqueado do Templo Shigezo na cidade de Wajima (輪島市), construído por volta de 1397. Durante o período Edo (1603-1868), foi inventado o pó de zinoko, feito de barro cozido triturado, o que tornou esses utensílios de laca incrivelmente duráveis, o que influenciou muito sua demanda entre a população.

Aizu laca

A mercadoria Aizu é uma das artes tradicionais da Prefeitura de Fukushima (福島県). O surgimento deste ofício remonta a 1590, quando o senhor feudal local Gamo Ujisato começou a convocar mestres de suas antigas posses, passando a eles as mais recentes técnicas de artesanato da época. Como resultado, a Aizu tornou-se um dos maiores fabricantes de laca. A expansão da produção levou à possibilidade de exportação de produtos para China e Holanda, que glorificaram a região em outros países.

Artigos de laca Tsugaru

Tsugaru é o nome da parte ocidental da Prefeitura de Aomori (青森県). A arte da laca de Tsugaru se originou nos séculos XVII e XVIII, quando o desenvolvimento industrial foi incentivado nas cidades durante o período Edo. O estilo tsugaru emergiu desse surto, pois os artesãos e artesãos da área receberam o ímpeto e as oportunidades para desenvolver ainda mais suas habilidades. Ao criar produtos, o método usado há mais de 300 anos ainda é usado hoje.

Examinamos vários dos principais estilos da arte em laca japonesa. Sem dúvida, existem muitos mais deles, e muitos são complementados com novas técnicas e aprimorados.

O ofício japonês de criar artigos de laca originou-se nos tempos antigos e sobreviveu até hoje, sendo um dos tipos de artes e ofícios mais elegantes, harmoniosos e espetaculares do mundo. Esta é uma das tradições culturais, sem considerar a qual não poderemos perceber plenamente a visão de mundo, os princípios estéticos e o caráter do povo japonês.

Pode ser difícil para uma pessoa inexperiente entender todos os tipos de laca no início. Portanto, é melhor dar uma volta nas lojas onde são vendidos, vê-los ao vivo, conversar com o vendedor e, se quiser comprar algo para você e seus amigos como presente, escolha um item ao seu gosto.

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Tem uma história muito rica; sua tradição é extensa, com a posição única do Japão no mundo influenciando amplamente os estilos e técnicas dominantes dos artistas japoneses. O fato conhecido de que o Japão está bastante isolado há séculos se deve não apenas à geografia, mas também à propensão cultural japonesa dominante ao isolamento que marcou a história do país. Durante os séculos do que poderíamos chamar de "civilização japonesa", a cultura e a arte se desenvolveram separadamente das do resto do mundo. E isso é até perceptível na prática da pintura japonesa. Por exemplo, as pinturas de Nihonga estão entre os marcos da prática da pintura japonesa. Baseia-se em mais de mil anos de tradição, e as pinturas geralmente são criadas com pincéis no seu (papel japonês) ou egina (seda).

No entanto, a arte e a pintura japonesas foram influenciadas por práticas artísticas estrangeiras. Primeiro, foi a arte chinesa no século XVI e a pintura chinesa e a tradição da arte chinesa que foram particularmente influentes de várias maneiras. A partir do século XVII, a pintura japonesa também foi influenciada pelas tradições ocidentais. Em particular, durante o período pré-guerra, que durou de 1868 a 1945, a pintura japonesa foi influenciada pelo impressionismo e pelo romantismo europeu. Ao mesmo tempo, novos movimentos artísticos europeus também foram significativamente influenciados pelas técnicas de arte japonesas. Na história da arte, essa influência é chamada de "Japanismo", e é especialmente significativa para os impressionistas, cubistas e artistas associados ao modernismo.

A longa história da pintura japonesa pode ser vista como uma síntese de várias tradições que criam partes de uma reconhecida estética japonesa. Em primeiro lugar, a arte budista e os métodos de pintura, assim como a pintura religiosa, deixaram uma marca significativa na estética das pinturas japonesas; a pintura de paisagens com tinta d'água na tradição da pintura literária chinesa é outro elemento importante reconhecido em muitas pinturas japonesas famosas; a pintura de animais e plantas, principalmente pássaros e flores, é algo comumente associado às composições japonesas, assim como paisagens e cenas do cotidiano. Finalmente, ideias antigas sobre beleza da filosofia e cultura do Japão antigo tiveram uma grande influência na pintura japonesa. Wabi, que significa beleza transitória e dura, sabi (a beleza da pátina natural e do envelhecimento) e yugen (graça e sutileza profundas) ainda influenciam os ideais na prática da pintura japonesa.

Por fim, se nos concentrarmos na escolha das dez obras-primas japonesas mais famosas, devemos mencionar o ukiyo-e, que é um dos gêneros de arte mais populares no Japão, embora pertença à gravura. Dominou a arte japonesa do século XVII ao XIX, com artistas pertencentes a este gênero produzindo xilogravuras e pinturas de temas como belas garotas, atores kabuki e lutadores de sumô, além de cenas da história e contos folclóricos, cenas de viagens e paisagens, flora e fauna e até erótica.

É sempre difícil fazer uma lista das melhores pinturas das tradições artísticas. Muitas obras incríveis serão excluídas; no entanto, esta lista apresenta dez das pinturas japonesas mais conhecidas do mundo. Este artigo apresentará apenas pinturas criadas desde o século XIX até os dias atuais.

A pintura japonesa tem uma história extremamente rica. Ao longo dos séculos, os artistas japoneses desenvolveram um grande número de técnicas e estilos únicos que são a contribuição mais valiosa do Japão para o mundo da arte. Uma dessas técnicas é o sumi-e. Sumi-e significa literalmente "desenho a tinta", combinando caligrafia e pintura a tinta para criar uma rara beleza de composições pintadas com pincel. Esta beleza é paradoxal - antiga mas moderna, simples mas complexa, ousada mas subjugada, sem dúvida refletindo a base espiritual da arte no Zen Budismo. Os sacerdotes budistas trouxeram o bloco de tinta dura e o pincel de bambu para o Japão da China no século VI e, nos últimos 14 séculos, o Japão desenvolveu uma rica herança de pintura a tinta.

Role para baixo e veja 10 obras-primas da pintura japonesa

1. Katsushika Hokusai "Sonho da Esposa do Pescador"

Uma das pinturas japonesas mais conhecidas é O Sonho da Mulher do Pescador. Foi pintado em 1814 pelo famoso artista Hokusai. Por definições estritas, esta incrível obra de Hokusai não pode ser considerada uma pintura, pois é uma xilogravura ukiyo-e de Young Pines (Kinoe no Komatsu), que é um livro shunga de três volumes. A composição retrata uma jovem mergulhadora ama entrelaçada sexualmente com um par de polvos. Esta imagem foi altamente influente nos séculos 19 e 20. O trabalho influenciou artistas posteriores como Felicien Rops, Auguste Rodin, Louis Ocock, Fernand Khnopf e Pablo Picasso.

2. Tessai Tomioka "Abe no Nakamaro escreve um poema nostálgico enquanto observa a lua"

Tessai Tomioka é o pseudônimo de um famoso artista e calígrafo japonês. Ele é considerado o último grande artista da tradição Bunjing e um dos primeiros grandes artistas do estilo Nihonga. Bunjinga foi uma escola de pintura japonesa que floresceu durante o final do período Edo entre artistas que se consideravam literatos ou intelectuais. Cada um desses artistas, incluindo Tessaia, desenvolveu seu próprio estilo e técnica, mas todos eram grandes fãs da arte e cultura chinesas.

3. Fujishima Takeji "Nascer do sol sobre o Mar do Leste"

Fujishima Takeji foi um artista japonês conhecido por seu trabalho no desenvolvimento do Romantismo e do Impressionismo no movimento de arte Yoga (estilo ocidental) do final do século XIX e início do século XX. Em 1905 viajou para a França, onde foi influenciado pelos movimentos franceses da época, particularmente o Impressionismo, como pode ser visto em sua pintura Sunrise over the East Sea, de 1932.

4. Kitagawa Utamaro "Dez tipos de rostos femininos, uma coleção de belezas dominantes"

Kitagawa Utamaro foi um proeminente artista japonês que nasceu em 1753 e morreu em 1806. Ele é de longe mais conhecido por uma série chamada Ten Types of Women's Faces. Uma coleção de belezas dominantes, grandes temas de amor da poesia clássica" (às vezes chamado de "Mulheres apaixonadas", contendo gravuras separadas "Amor nu" e "Amor pensativo"). Ele é um dos artistas mais significativos do gênero xilogravura ukiyo-e.

5. Kawanabe Kyosai "Tigre"

Kawanabe Kyosai foi um dos artistas japoneses mais famosos do período Edo. Sua arte foi influenciada por Tohaku, um pintor Kano do século 16 que foi o único pintor de sua época a pintar telas inteiramente em tinta contra um delicado fundo de ouro em pó. Embora Kyosai seja conhecido como cartunista, ele produziu algumas das pinturas mais famosas da história da arte japonesa do século XIX. "Tigre" é uma daquelas pinturas que Kyosai usou aquarela e tinta para criar.

6. Hiroshi Yoshida Fuji do Lago Kawaguchi

Hiroshi Yoshida é conhecido como uma das principais figuras do estilo shin-hanga (shin-hanga é um movimento artístico no Japão no início do século 20, durante os períodos Taisho e Showa, que reviveu a arte tradicional do ukiyo-e , que se enraizou nos períodos Edo e Meiji (séculos XVII - XIX)). Ele foi treinado na tradição da pintura a óleo ocidental, que foi adotada no Japão durante o período Meiji.

7. Takashi Murakami "727"

Takashi Murakami é provavelmente o artista japonês mais popular do nosso tempo. Seu trabalho é vendido por preços astronômicos em grandes leilões, e seu trabalho já está inspirando novas gerações de artistas não apenas no Japão, mas também em outros lugares. A arte de Murakami inclui uma variedade de mídias e geralmente é descrita como superplana. Seu trabalho é conhecido pelo uso da cor, incorporando motivos da cultura tradicional e popular japonesa. O conteúdo de suas pinturas é frequentemente descrito como "fofo", "psicodélico" ou "sátiro".

8. Yayoi Kusama "Abóbora"

Yaoi Kusama também é um dos artistas japoneses mais famosos. Ela trabalha em uma variedade de meios, incluindo pintura, colagem, escultura de scat, arte performática, arte ambiental e instalação, a maioria dos quais demonstra seu interesse temático em cores psicodélicas, repetição e padrão. Uma das séries mais famosas deste grande artista é a série Pumpkin. Uma cabaça regular com bolinhas em amarelo brilhante é mostrada contra uma rede. Juntos, todos esses elementos formam uma linguagem visual que é inconfundível ao estilo do artista, e foi desenvolvida e refinada ao longo de décadas de criação e reprodução meticulosa.

9. Tenmyoya Hisashi "Espírito Japonês #14"

Tenmyoya Hisashi é um artista japonês contemporâneo que é conhecido por suas pinturas neo-nihonga. Ele participou do renascimento da antiga tradição da pintura japonesa, que é exatamente o oposto da pintura japonesa moderna. Em 2000, ele também criou seu novo estilo, butouha, que demonstra uma atitude firme em relação a um sistema de arte autoritário através de suas pinturas. "Japanese Spirit No. 14" foi criado como parte do esquema artístico "BASARA", interpretado na cultura japonesa como o comportamento rebelde da baixa aristocracia durante o período dos Reinos Combatentes, a fim de privar as autoridades da capacidade de alcançar um ideal estilo de vida vestindo roupas exuberantes e luxuosas e agindo livremente, vontade que não correspondia à sua classe social.

10. Katsushika Hokusai "A Grande Onda de Kanagawa"

Finalmente, A Grande Onda de Kanagawa é provavelmente a pintura japonesa mais reconhecível já pintada. Esta é realmente a obra de arte mais famosa criada no Japão. Ela retrata enormes ondas ameaçando barcos na costa da província de Kanagawa. Embora às vezes confundida com um tsunami, a onda, como o nome da pintura sugere, provavelmente simplesmente tem uma altura anormalmente alta. A pintura é feita na tradição ukiyo-e.

O Japão é um estado muito interessante, conhecido por uma grande variedade de tradições e costumes. A posição geográfica da Terra do Sol Nascente tornou-a um tanto isolada de outros estados, graças à qual se desenvolveu sem levar em conta os países europeus. A cultura do Japão é extremamente rica e diversificada. Tradições japonesas peculiares foram formadas sob a influência de eventos historicamente importantes. Aos poucos, o Japão se transformou em um estado poderoso, coeso, com traços característicos e uma certa mentalidade da população.

Principais aspectos da cultura japonesa

A cultura do país se manifesta em muitas esferas da sociedade. No Japão, seus aspectos são;

O processo de beber chá para os japoneses não é uma simples satisfação das necessidades fisiológicas do corpo, mas um verdadeiro culto. A cerimônia do chá no Japão é acompanhada de atributos especiais e contém muitas tradições. Tal atitude reverente, ao que parece, para com o processo cotidiano teve seu desenvolvimento a partir da meditação dos monges budistas. Foram eles que trouxeram tanto significado ao processo de beber chá.

Para os europeus, o conceito de “quimono” caracteriza as roupas nacionais do Japão. No entanto, na própria Terra do Sol Nascente, existem dois significados dessa palavra - nos sentidos estrito e amplo. A palavra "quimono" no Japão refere-se não apenas ao traje nacional, mas também a todas as roupas em geral. Sob o quimono, como regra, um manto especial e sete cintos são usados. Um quimono usado no verão é chamado de yukata. Dependendo da idade da mulher, o modelo do traje também pode variar.

No Japão, dois movimentos religiosos são pregados com sucesso ao mesmo tempo - o xintoísmo e o budismo. O xintoísmo apareceu no Japão antigo, é baseado na adoração de várias criaturas. O budismo, por sua vez, é dividido em diversas variedades. No Japão, existem muitas escolas que promovem uma ou outra tendência do budismo.

Os jardins de pedra são de particular importância na cultura do Japão. Eles não são apenas uma criação arquitetônica que atrai a atenção dos turistas, mas também um local de crescimento espiritual. Aqui os japoneses encontram a iluminação na contemplação de estruturas de pedra localizadas em uma ordem especial. Os jardins de pedra incluem um plano específico, que só uma pessoa iluminada pode desvendar.

Tango no sekku é uma celebração em homenagem aos meninos. É dedicado não apenas a todos os pequenos representantes masculinos, mas também à masculinidade e à força de todo o povo japonês. É costume comemorar o feriado na primavera, quando a natureza acorda e agrada com sua beleza. No dia do tango no sekku, os meninos são cuidados pelos pais. O pai deve contar ao filho sobre todos os guerreiros japoneses e suas façanhas. E sua mãe põe a mesa para ele com comida deliciosa.

A flor de cerejeira é considerada o fenômeno natural mais bonito. Muitos turistas vêm aqui apenas para apreciar a contemplação de uma planta com flores. Na primavera, uma grande multidão de pessoas pode ser observada nos parques do Japão. Muitas famílias fazem piqueniques e observam a beleza da cerejeira japonesa.

Os arcos podem ser atribuídos às tradições peculiares do país. Eles representam as regras de boas maneiras. Não é costume os japoneses se despedirem, em vez disso, eles se curvam tantas vezes quanto o interlocutor fez.

Os samurais representam uma certa classe da sociedade que se desenvolveu sob a influência de tradições e costumes. Tem uma ligação direta com a cultura do país. Samurais são guerreiros que realizam um determinado serviço, que pode ser tanto militar, segurança ou doméstico. Em qualquer um desses casos, o samurai personifica a coragem, a masculinidade e a nobreza do povo japonês.

O processo de formação da cultura do Japão antigo

A cultura do Japão antigo começou a se desenvolver com o nascimento da língua e da escrita japonesas. A terra do sol nascente emprestou a base para isso da China. A escrita japonesa também contém hieróglifos, que um cidadão estrangeiro não será capaz de entender. Com o tempo, novas palavras, sons e frases começaram a ser adicionados à língua japonesa. Então, ele se transformou completamente, mas ainda há características comuns com a China.

A religiosidade do país também tem origem desde os tempos antigos. O xintoísmo foi uma consequência do desenvolvimento de várias mitologias. No momento, este ensinamento promove o culto dos líderes e dos mortos. O budismo, por outro lado, tem raízes tão profundas que as opiniões de cientistas e historiadores sobre o surgimento desse tipo de religião variam muito.

arte japonesa

Quase todos os tipos de arte praticados no Japão carregam uma ideia principal - calma e relaxamento. É justamente a harmonia de uma pessoa consigo mesma que contém a arte, independentemente da forma como a informação é apresentada. Muitas formas de arte conhecidas em todo o mundo começaram seu desenvolvimento no Japão. Entre eles, o origami pode ser distinguido - a capacidade de dobrar várias formas de papel.

Ikebana tornou-se outra parte popular da arte japonesa. Esta é uma habilidade para formar buquês de flores usando uma tecnologia especial. Daqui surgiu uma atividade igualmente popular, que se chama bonsai. Esta é a criação de uma variedade de composições de árvores anãs. Em Omiya, não muito longe de Tóquio, há um parque de Bonsai inteiro. Cada árvore anã apresentada aqui é única e bela à sua maneira.

As pinturas do Japão merecem um significado especial, pois cada pintura carrega um significado oculto. Como regra geral, cores brilhantes, transições contrastantes e linhas claras são usadas. O Japão também tem a arte da caligrafia. Esta é a habilidade de escrever esteticamente belos hieróglifos. A arte aplicada também é difundida no Japão. Há um museu inteiro em Tóquio dedicado a este ofício. Aqui você pode ver produtos feitos de papel, vidro ou metal. E esta não é uma lista completa de materiais utilizados para este fim.

O estilo japonês de design de interiores também merece atenção especial. Inclui funcionalidade e simplicidade, juntamente com originalidade de execução. Além disso, o design de interiores carrega uma filosofia religiosa, como qualquer outra forma de arte japonesa.

arquitetura japonesa

As estruturas arquitetônicas no Japão, de uma forma ou de outra, estão associadas à religião. Os edifícios do templo no início, na maioria das vezes, eram desprovidos de flores. Isto foi devido ao uso de madeira sem pintura na construção. Mais tarde, eles começaram a usar tons de vermelho e azul.

O principal material para edifícios arquitetônicos no Japão é considerado a madeira. Isso se deve ao fato de o estoque desse recurso no país ser bastante grande. Além do fato de a árvore conduzir bem o calor e absorver a umidade, também é prática durante os terremotos, que ocorrem com bastante frequência no Japão. Se uma casa de pedra é muito difícil de recriar após a destruição, uma de madeira é muito mais fácil.

A principal característica da arquitetura do Japão é a presença de formas geométricas. Na maioria das vezes, são triângulos e retângulos. É quase impossível encontrar suavidade e redondeza de linhas em qualquer estrutura. O princípio principal, com base no qual os japoneses equipam suas casas, é a existência inseparável do interior da casa e do exterior. Isso se aplica aos jardins japoneses. Eles devem ser decorados exatamente no mesmo estilo que a própria casa. Caso contrário, é considerado mau gosto e mau gosto completo. Os japoneses dão atenção especial aos seus jardins.

música japonesa

Em termos de desenvolvimento musical, o Japão procurou outros países, utilizando quaisquer instrumentos musicais. Mas depois ela os modernizou sob a influência dos gostos e tradições locais. A primeira influência na formação da música clássica no Japão foi o folclore local Dengaku, misturado com influências estrangeiras e dando origem à música que hoje é familiar ao Japão.

O lado religioso da questão também contribuiu para a origem musical. Graças ao cristianismo, tocar órgão começou a se espalhar. E o budismo promoveu tocar flauta.

Atualmente, a música clássica ganhou popularidade no Japão. Muitos membros desta célula de criatividade viajam para fora do Japão. Estes incluem Goto Midori, Ozawa Seiji e Uchida Mitsuko. Há relativamente pouco tempo, salas projetadas para ouvir música clássica com conforto foram abertas no Japão. Estes incluem Kiyo Hall, Osaka Symphony Hall, Orchard, etc.

Tradições domésticas do Japão

Os japoneses são um povo bem-educado, respeitando suas tradições e costumes. O respeito por si mesmo e pelos outros no Japão é considerado a norma. Desde a infância, as crianças aprendem as normas de boas maneiras, explicam-lhes os valores básicos do povo japonês e as iluminam de todas as maneiras possíveis. E tudo isso em benefício da sociedade. Qualquer turista que venha de outro país para a Terra do Sol Nascente fica surpreso com o quão simpáticos, amigáveis ​​e bem-educados são os japoneses.

Ao contrário dos países europeus, o Japão há muito tempo proíbe fumar em locais públicos. Isso também se aplica à propriedade privada. Fumar perto de outras pessoas só é permitido se elas tiverem dado o seu consentimento.

Entre outras coisas, os japoneses observam rigorosamente todas as regras de higiene que a sociedade lhes dita. Por exemplo, em qualquer sala, incluindo edifícios religiosos, existem tapetes de palha especiais. Você não pode andar com sapatos, eles são considerados não apenas uma decoração de interiores, mas também um verdadeiro sacrilégio. Além disso, os japoneses decidiram se proteger de possíveis bactérias que trazem do banheiro nos pés. Em qualquer local público e em apartamentos existem chinelos especiais para o banheiro, que não permitem a transferência de germes nocivos para outros cômodos.

Comer para os japoneses não é considerado um processo de vida, mas um verdadeiro culto. Antes de comer, os japoneses sempre limpam as mãos com uma toalha especial embebida em água, chamada oshibori. A configuração da tabela não ocorre aleatoriamente, mas de acordo com um esquema especial. Até mesmo cada dispositivo tem seu próprio lugar. Os japoneses os dividem em masculino e feminino, e isso é muito importante para eles. Colheres no Japão são usadas apenas para comer sopa de ozônio, que é preparada para o Ano Novo, os japoneses preferem beber outros primeiros pratos exclusivamente em tigelas especiais. Além disso, estalar os lábios durante uma refeição não é considerado uma má forma. Acredita-se que desta forma o sabor do prato seja melhor revelado.

A relevância da boa forma no Japão é comprovada pela presença das seguintes regras:

• É necessário discutir o local e o horário da reunião com antecedência. Chegar atrasado no Japão é considerado insolente e além dos limites da decência.
• Você não pode interromper o interlocutor, você precisa esperar pacientemente que a pessoa fale e comece a expressar sua opinião.
• Se você ligar para o número errado, você precisa se desculpar.
• Se alguém veio em seu auxílio, então você definitivamente precisa agradecê-lo.
• Alguns convidados dos japoneses podem ser considerados honorários. Para eles, eles até alocam um lugar especial à mesa, que, via de regra, é o mais extremo desde a entrada da sala.
• Ao dar um presente aos japoneses, deve-se pedir desculpas por ser humilde, apesar do que é. Essas são as regras, você não deve quebrá-las.
• Sentados à mesa de jantar, os homens podem cruzar as pernas, enquanto as mulheres são estritamente proibidas de fazer isso. As pernas devem ser dobradas e apontadas em uma direção.

Além disso, as tradições na vida do Japão incluem a veneração de pessoas mais velhas. Não importa qual seja a profissão, os ganhos, a aparência ou os traços de caráter de uma pessoa, se ela for mais velha, ela deve ser tratada com respeito. A velhice no Japão inspira respeito e orgulho. Isso significa que a pessoa percorreu um longo caminho e agora merece homenagens.

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Na primeira metade do século XIX. Ukiyo-e ainda dominava a pintura japonesa. Em 1868, após a revolução Meiji e a abertura das fronteiras, as conquistas da civilização ocidental tornaram-se mais acessíveis no Japão, e o ukiyo-e gradualmente saiu de moda, sendo substituído pela fotografia.
Mas as primeiras coisas primeiro.

Estilo Ukiyo-e

Ukiyo-e(Pinturas japonesas (imagens) do mundo em mudança) - uma tendência nas artes visuais do Japão. Inicialmente, este termo budista foi usado no significado de "mundo mortal, vale de tristeza". Mas no período Edo, com o advento de quarteirões especialmente designados, nos quais o teatro kabuki floresceu e eram as casas de gueixas e cortesãs, o termo foi repensado e passou a ser entendido como "o mundo dos prazeres fugazes, o mundo de amor."
As gravuras Ukiyo-e são o principal tipo de xilogravura no Japão. Esta forma de arte tornou-se popular na cultura urbana na segunda metade do século XVII. O fundador do ukiyo-e é um pintor e artista gráfico japonês. Hisikawa Moronobu.

H. Moronobu “Outono em Asakusa. Flores de cerejeira no Parque Ueno. Pintura em tela. Galeria Freer (Washington)
Inicialmente, as gravuras eram em preto e branco, feitas em tinta. Do início do século XVIII. algumas obras foram pintadas à mão com pincel.
As gravuras Ukiyo-e destinavam-se principalmente aos moradores da cidade que não podiam pagar pinturas pictóricas mais caras.
Os temas Ukiyo-e são imagens da vida cotidiana: belas gueixas, lutadores de sumô, atores populares de teatro kabuki e gravuras posteriores de paisagens.

Katsushika Hokusai "A Grande Onda de Kanagawa" (1823-1831)
Durante o período dos séculos XVIII-XIX. artistas notáveis ​​foram Utamaro, Hokusai, Hiroshige e Toshusai Syaraku.
Em uma época em que o estilo ukiyo-e começou a sair de moda no Japão, ganhou popularidade na Europa Ocidental e na América, os historiadores da arte começaram a comprar gravuras em massa.
As gravuras japonesas inspiraram muitos artistas europeus que trabalharam no estilo do cubismo, do impressionismo, do pós-impressionismo: Vincent van Gogh, Claude Monet, entre outros, essa influência foi chamada de "Japanismo".

Vincent van Gogh "Retrato de Papa Tanguy" (1887-1888). Lona, óleo. Museu Rodin (Paris)

Artistas ukiyo-e notáveis:

Hisikawa Moronobu (século XVII)
Kitagawa Utamaro (século XVIII)
Kawanabe Kyosai (século 19)
Katsushika Hokusai (séculos XVIII-XIX)
Utagawa Hiroshige (século XIX)
Utagawa Kunisada (século XIX)
Utagawa Kuniyoshi (século XIX)
Keisai Eisen (século 19)
Suzuki Harunobu (século XIX)
Toyohara Kunitika (século XIX)
Tsukioka Yoshitoshi (século 19)
Ogata Gekko (séculos XIX-XX)
Hasui Kawase (século XX)

Considere o trabalho de alguns deles.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Katsushika Hokusai. auto-retrato
Famoso artista japonês de ukiyo-e, ilustrador, gravador. Trabalhou sob muitos pseudônimos (pelo menos 30). Nascido em família de artesãos, começou a pintar aos 6 anos. Trabalhando em uma livraria, aprendeu a ler e escrever. Então ele trabalhou na oficina de um gravador - a gravura era muito popular no Japão naquela época.
Em 1793-1794. começa a vida independente do artista, bastante difícil em termos materiais, mas saturada de arte - estuda diferentes escolas de pintura: as escolas Kano (paisagens, imagens de pássaros e animais, cenas cotidianas; decoravam as portas das telas deslizantes com um padronizar); Escola Sotatsu (imagem do cotidiano japonês e paisagens japonesas em portas de correr). O artista gradualmente começa a desenvolver seu próprio estilo.
Em 1796, o artista começou a usar o pseudônimo Hokusai, que mais tarde se tornou amplamente conhecido. Em 1800, aos 41 anos, o artista começou a se chamar Gakejin Hokusai ("Painting Mad Hokusai").
O artista compreende a imagem do mundo através da consciência do significado, do valor especial da vida cotidiana das pessoas, seu trabalho e preocupações. A vida da natureza, seu significado e beleza nas paisagens de Hokusai se tornam claros apenas graças à presença de pessoas envolvidas em seus assuntos habituais. Hokusai passou a maior parte de sua vida viajando pelo país, desenhando tudo o que via. Hokusai era conhecido não apenas como gravador, mas também como escritor, poeta e pintor.
Ele foi o primeiro dos gravuristas japoneses, em cujo trabalho a paisagem adquiriu o significado de um gênero independente. As paisagens de Hokusai capturaram a natureza viva e majestosa do Japão.
Durante sua longa carreira artística, criou cerca de 30 mil desenhos e gravuras e ilustrou cerca de 500 livros.
O auge da criatividade de Hokusai remonta à década de 1820 e início da década de 1830. Nessa época, ele criou sua melhor série de paisagens. Essas séries surpreendem pela profundidade e riqueza da visão artística de Hokusai - a partir de uma ampla compreensão filosófica da visão de mundo na série "36 Vistas do Monte Fuji" (1823-1829), mostrando a grandiosidade épica da natureza na série "Pontes" ( 1823-1829), admirando seu poder elementar em "Cachoeiras" (1827-1830) a uma sutil experiência lírica da natureza na série "Poetas da China e do Japão" (1830).

Katsushika Hokusai Vento Sul. Dia limpo". Xilogravura colorida (1823-1831) da série "Trinta e seis vistas de Fuji"
Uma das obras mais significativas de Hokusai, que revelou mais plenamente a originalidade de seu trabalho como artista-pensador, é a série "36 Views of Fuji". A maioria das folhas desta série representa várias cenas de gênero: um pescador jogando suas redes; serradores trabalhando em um armazém de madeira; um tanoeiro fazendo uma banheira, etc. Todas essas cenas são ambientadas em uma paisagem com o Monte Fuji ao fundo.
Criatividade Hokusai causou inúmeras imitações, o número de seus alunos era muito grande. Mas quase todos os seguidores do artista se caracterizam pela assimilação apenas do lado externo de seu método criativo.

Surimono

Surimono é um tipo de arte tradicional japonesa, xilogravura colorida, que serviu de presente entre a intelectualidade urbana japonesa. Aniversários, o nascimento de um filho, o início da estação das flores de cerejeira, o próximo ano novo, etc., podem ser o motivo de tal presente. Os gêneros do surimono eram diversos: a imagem de figuras, a imagem de animais, flores e pássaros, a paisagem.
A imagem criada por meios visuais, poéticos e técnicos tinha que ter integridade. Surimono é ao mesmo tempo arte, um jogo e uma forma de entretenimento, parte da vida cotidiana das pessoas da cidade.

Katsushika Hokusai "Carpas" (surimono)
O mérito de Hokusai na ascensão da popularidade do surimono é grande: ele o torna o mais importante dos tipos de xilogravuras japonesas.
As pessoas no surimono de Hokusai estão "vivas". Representados contra o fundo da paisagem, eles interagem ativamente com ela: cobrem os olhos do sol com as mãos, apontam para as nuvens, perscrutam as extensões infinitas, às vezes até de costas para o espectador.

Katsushika Hokusai. Surimono

Mangá

"Manga" (japonês literalmente "desenhos de Hokusai") é uma das obras mais importantes do patrimônio criativo do artista, criado por ele no auge da fama. "Manga" é uma expressão da visão de Hokusai sobre criatividade, sua filosofia, revela os segredos do mestre; é valioso não apenas como um marco na vida de Hokusai, mas também como uma importante fonte de informação sobre a cultura e a arte do Japão na era do feudalismo tardio. O mangá de Hokusai é muitas vezes referido como "a enciclopédia do povo japonês". A maioria dos desenhos retratava cenas da vida da cidade; havia muitos esboços de pessoas. A coleção era um diário onde o mestre anotava tudo o que via na vida em forma de desenhos (não de texto).

Katsushika Hokusai "Contemplação do Monte Fuji" (1814) Mangá
Hokusai, como a arte japonesa em geral, teve um impacto significativo na arte europeia do século XIX, incluindo o impressionismo francês. O tema das gravuras de Hokusai está presente nas obras de Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir e outros.
O último representante significativo da gravura japonesa na primeira metade do século XIX. pintor paisagista Ando Hiroshige.

Ando Hiroshige (1797-1858)

Utagawa Hiroshige é um artista gráfico japonês, representante da direção ukiyo-e, mestre em xilogravuras coloridas. Autor de pelo menos 5400 gravuras. Em paisagens líricas com motivos de gênero, ele transmitia os estados instáveis ​​da natureza, os efeitos atmosféricos da neve e da neblina. Trabalhou sob o pseudônimo de Ando Hiroshige.
Perdeu o pai e a mãe cedo. Ele começou a se envolver em artes plásticas depois que viu o trabalho de Hokusai.
Hiroshige foi aluno do gravador Utagawa Toyohiro (1763-1828). O primeiro trabalho que trouxe fama a Hiroshiga foi a série de gravuras "53 Estações Tokaido", impressa em 1834. Dando continuidade ao gênero paisagístico de Hokusai, Hiroshige o desenvolve à sua maneira.
O Tokaido era uma das cinco estradas que ligavam Edo a outras partes do Japão. Corria ao longo da costa leste de Honshu. Ao longo dela foram localizadas 53 estações postais, onde os viajantes foram oferecidos alojamento, alimentação e estábulos.
Em 1832, Hiroshige viajou pelo Tokaido como parte de uma delegação oficial que transportava cavalos para a corte imperial. As paisagens causaram uma forte impressão no artista, e ele fez muitos esboços. Ao voltar para casa, criou um ciclo de 53 obras. O sucesso desta série fez de Hiroshige um dos impressores mais significativos e reconhecidos.

R. Hiroshige. 1ª Estação: Shinogawa

R. Hiroshige. 30ª Estação: Maisaka

R. Hiroshige. 32ª estação: Shirasuka
Na beleza natural da natureza, Hiroshige atrai expressividade.
A obra de Hiroshige completa o período de floração brilhante das xilogravuras em cores japonesas do século XVIII e primeira metade do século XIX. Gravura 1850-1860 não apresentou um único grande artista, a estilização e o ecletismo estão se tornando cada vez mais pronunciados nele.
Em 1868, uma revolução burguesa ocorreu no Japão e, na década de 1880, tornou-se uma monarquia. Esses eventos marcaram o início de uma nova etapa na história da arte japonesa, porque. O Japão entrou no sistema mundial de países capitalistas. Na arte do Japão deste período, surgiram numerosas escolas e agrupamentos. Alguns deles seguiram o caminho de dominar a arte européia, outros artistas japoneses (por exemplo, Kuroda Kiyoteri (1866-1924) partiram para estudar na Europa. Mas também houve aqueles que buscaram preservar a pureza das tradições nacionais.
Final do século 19 e início do século 20 na arte do Japão foi um momento de revisão da velha tradição artística, o desenvolvimento da arte européia, a busca por uma nova, bem como seu próprio modo de desenvolvimento.

Artes Aplicadas do Japão

O auge da arte aplicada japonesa começou no final do século XVI. No século 19 escultura em madeira, escultura em osso, cerâmica e porcelana foram amplamente utilizados.
Deve-se dizer também sobre netsuke- escultura em miniatura, uma obra de artes e ofícios japoneses. Netsuke é um pequeno chaveiro esculpido que foi usado em roupas tradicionais japonesas, quimono e kosode.

Netsuke retratando Hotei (o deus da comunicação, diversão e prosperidade). Marfim, obra contemporânea
O primeiro netsuke apareceu no Japão na segunda metade do século XVI e início do século XVII. Do final do século XIX e ao longo do século XX. netsuke foram feitos para exportação. Eles ainda estão sendo feitos hoje. Este é um produto de lembrança, produzido por um método de transporte, de qualidade não muito alta. Mas a arte do netsuke não desapareceu. E hoje existem mestres cuja especialidade é a escultura em netsuke.

Netsuke com um segredo

Com este artigo, começo uma série de artigos sobre a história das belas artes japonesas. Esses posts se concentrarão principalmente na pintura a partir do período Heian, e este artigo é uma introdução e descreve o desenvolvimento da arte até o século VIII.

Período Jomon
A cultura japonesa tem raízes muito antigas - os primeiros achados datam do 10º milênio aC. e. mas oficialmente o início do período Jomon é considerado 4500 aC. e. Sobre este período nekokit escreveu um post muito bom.
A singularidade da cerâmica Jemon é que geralmente o aparecimento da cerâmica, juntamente com o desenvolvimento da agricultura, indica o início da era neolítica. No entanto, mesmo na era mesolítica, vários milhares de anos antes do advento da agricultura, os caçadores-coletores Jomon criaram cerâmica de forma bastante complexa.

Apesar do aparecimento muito precoce da cerâmica, as pessoas da era Jomon desenvolveram a tecnologia muito lentamente e permaneceram no nível da Idade da Pedra.

Durante o período Jomon Médio (2500-1500 aC), figuras de cerâmica apareceram. Mas nos períodos Médio e Tardio (1000-300 aC) eles permanecem abstratos e altamente estilizados.

De Ebisuda, Tajiri-cho, Miyagi.H. 36,0.
Período Jomon, 1000-400 a.C.
Museu Nacional de Tóquio

By the way, os ufólogos acreditam que estas são imagens de alienígenas. Nessas figuras eles veem trajes espaciais, óculos e máscaras de oxigênio em seus rostos, e as imagens de espirais nos "trajes espaciais" são consideradas mapas de galáxias.

Período Yayoi
Yayoi é um curto período na história japonesa, com duração de 300 aC a 300 dC, durante o qual ocorreram as mudanças culturais mais dramáticas na sociedade japonesa. Nesse período, as tribos que vieram do continente e deslocaram a população indígena das ilhas japonesas trouxeram sua cultura e novas tecnologias, como o cultivo do arroz e o beneficiamento do bronze. Mais uma vez, a maior parte da arte e tecnologia do período Yayoi foi importada da Coréia e da China.

Período Kofun
Entre 300 e 500 anos, os líderes tribais foram enterrados em montes chamados "Kofun". Este período é chamado por este nome.

Coisas que os mortos podem precisar foram colocadas nas sepulturas. Estes são alimentos, ferramentas e armas, jóias, cerâmica, espelhos e o mais interessante - estatuetas de barro chamadas "haniwa".

De Kokai, Oizumi-machi, Gunma.H.68.5.
Período Kofun, século VI.
Museu Nacional de Tóquio

O propósito exato das estatuetas permanece desconhecido, mas elas são encontradas em todos os cemitérios da era Kofun. A partir dessas pequenas figuras pode-se imaginar como as pessoas viviam naquela época, pois as pessoas são retratadas com ferramentas e armas, e às vezes ao lado de casas.

Essas esculturas, influenciadas pelas tradições chinesas, possuem elementos independentes inerentes apenas à arte local.

Dançarina, dinastia Han Ocidental (206 a.C.–9 d.C.), século II a.C.
China
Museu Metropolitano de Arte, NY

Durante o período Kofun, as figuras tornam-se mais refinadas e cada vez mais diferentes. São imagens de soldados, caçadores, cantores, dançarinos e assim por diante.

De Nohara, Konan-machi, Saitama. Presente H. 64.2, 57.3.
Período Kofun, século VI.
Museu Nacional de Tóquio

Há outra característica dessas esculturas. Haniva representa não apenas uma função social, mas também o humor da figura. Um guerreiro, por exemplo, tem uma expressão severa no rosto. e nos rostos dos camponeses sorrisos enormes.

De Iizuka-cho, Ota-shi, Gunma.H. 130,5.
Período Kofun, século VI.
Museu Nacional de Tóquio

período Asuka
Desde o período Yayoi, a arte japonesa é inseparável da arte coreana ou chinesa. Isso se torna mais perceptível nos séculos VII e VIII, quando a arte japonesa começou a se desenvolver rapidamente em uma variedade de gêneros visuais.

No século VI, ocorreram mudanças cardeais na sociedade japonesa: o primeiro estado japonês de Yamato finalmente tomou forma, e também, em 552, o budismo chegou ao Japão, trazendo consigo a escultura budista e o conceito de templo, o que causou o surgimento de templos no Japão - como xintoístas, assim como budistas.
Os santuários xintoístas seguiam a arquitetura dos celeiros (os primeiros santuários xintoístas eram celeiros onde as celebrações da colheita eram realizadas. Durante as festas rituais, as pessoas acreditavam que os deuses estavam festejando com eles.)
Os deuses xintoístas são principalmente forças naturais, então a arquitetura desses santuários é integrada à natureza, como rios e florestas. Isso é importante entender. Na arquitetura xintoísta, as estruturas feitas pelo homem deveriam ser extensões do mundo natural.

O primeiro templo budista, Shitennoji, só foi construído em 593 em Osaka. Esses primeiros templos eram imitações dos templos budistas coreanos, consistindo de um pagode central cercado por três edifícios e um corredor coberto.

A disseminação do budismo facilitou os contatos entre o Japão e a Coréia com a China e a integração da cultura chinesa na cultura japonesa.