Ajuda na Tele2, tarifas, dúvidas

Como qualquer outro gênero de fotografia, a natureza morta é impossível sem composição. Além disso, a natureza morta é exatamente o gênero em que a composição desempenha um papel primordial e requer a atenção mais próxima do fotógrafo. Afinal, um quadro de reportagem pode ser muito perdoado se o autor capturou um momento realmente bom. E fotos de casa - você já reparou como as mães se emocionam quando veem seu filho em uma fotografia, ainda que medíocre? É improvável que esperemos a mesma indulgência do público ao fotografar uma laranja com uma garrafa. Para ter um efeito positivo, você tem que tentar. E, claro, você deve começar com a composição do quadro pretendido.

Relativamente falando, a composição em uma natureza morta é uma combinação harmoniosa e interação de objetos no quadro. Por meio da composição, você pode mostrar consistentemente ao espectador tudo o que deseja, criar um clima, transmitir uma ideia e até contar uma história.

A composição na natureza morta pode ser condicionalmente dividida em vários tipos:

• geométrico
  
• espacial
  
• cor

composição geométrica

Não é nenhum segredo que todos os objetos têm uma forma geométrica (ou quase geométrica). Também não é segredo que é comum uma pessoa associar cada figura a algo característico dela. Assim, por exemplo, os cantos estão subconscientemente associados a ponteiros. Quando você olha para um quadrado ou retângulo por muito tempo, há uma sensação de estabilidade (talvez porque nossa mente subconsciente desenha um edifício estável). E o círculo cria uma sensação de conforto e acalma. Vale lembrar que as linhas horizontais (uma pessoa deitada) são muito mais calmas do que as verticais (uma pessoa em pé). Quanto às diagonais, as linhas ascendentes - que vão do canto inferior esquerdo ao canto superior direito - parecem mais intensas do que as descendentes: ainda lemos da esquerda para a direita, e nossos olhos precisam “subir” a imagem para chegar ao muito top. Mas há uma certa sensação de vitória escondida nisso, não é?! Linhas descendentes, indo do canto superior esquerdo ao canto inferior direito, ao contrário, são tradicionalmente associadas ao relaxamento, tristeza ou mesmo declínio.

Todos esses pequenos truques podem e devem ser usados ​​para seus próprios propósitos - para transmitir o conceito, a ideia da imagem.

Alocação de espaço

Se houver a necessidade de destacar determinado objeto em uma natureza morta, atribuindo-lhe o papel de protagonista, aqui você também pode jogar em uma composição espacial. Por exemplo, coloque o objeto principal em primeiro plano, na frente de todos os outros. Ou ajuste a luz para que o elemento principal fique mais brilhante, e os objetos que estão atrás e na frente dele fiquem mais fracos. E você pode fazê-lo de forma mais inteligente - acenda um incenso ou solte fumaça de cigarro, desenhando assim uma perspectiva aérea no quadro: a atenção principal será focada nos objetos da frente, já que os distantes se afogarão em uma névoa romântica.

Você também pode jogar com os aspectos técnicos da câmera: se você quiser mostrar cada objeto em detalhes, incluindo o pano de fundo ou cortinas, a filmagem deve ser feita com a abertura fechada. Mas se for importante destacar qualquer objeto, a abertura deve ser aberta o máximo possível. As possibilidades da ótica também não devem ser ignoradas: em quadros feitos com lentes grande angulares, os objetos são fortemente distorcidos, e quanto mais próximo um objeto estiver da câmera, maior ele aparecerá em relação aos distantes. Por outro lado, distâncias focais mais longas "reúnem" a perspectiva, o espaço se torna muito mais plano.

Composição de cores

Se a fotografia for feita em p/b, o conhecimento sobre as propriedades da exposição da cor não nos será útil. Mas se o trabalho fotográfico for planejado em cores, essa área de pesquisa não deve ser ignorada. Voltando nossos olhos para a psicologia da cor, veremos que cada uma das cores tem, além de sua cor original, sua própria carga semântica. As cores quentes (laranja, amarelo, vermelho, terracota) lembram-nos o verão, o sol, o calor. Esta é a primeira associação que surge ao olhar para uma fotografia resolvida nestes tons. Além disso, ao longo da pintura, você pode aprender que esses objetos parecem visualmente mais próximos. O que não pode ser dito sobre cores frias: azul, verde, rosa, roxo - essas cores afastam levemente o objeto do espectador e geralmente são associadas ao inverno, frio e água.

É importante lembrar sobre o contraste, às vezes você pode brincar com ele, mas muitas vezes combinações de cores mal concebidas repelem ou distorcem o significado de toda a produção. Se você decidir fotografar um pepino contra um fundo laranja, considere se o fundo chamará a atenção para si mesmo. E é isso que você realmente queria alcançar? Você também precisa lembrar que qualquer objeto tem a capacidade de refletir ou absorver os tons de cores de objetos próximos, e mesmo dois objetos da mesma cor no mesmo plano de fundo podem parecer diferentes precisamente devido à diferença em suas texturas.

A saturação de cores também afeta o espectador: composições em tons pastéis suaves criam uma sensação de paz e nostalgia, enquanto cores brilhantes e chamativas, pelo contrário, são adequadas para atrair atenção, transmitir expressão, assertividade. É por isso que as cores brilhantes são tão amadas pelos fotógrafos publicitários, enquanto a fotografia de arte geralmente gravita em direção a um tom suave e calmo.

É claro que qualquer composição como um todo deve obedecer à cor geral, à lei dentro da imagem - caso contrário, ela desmoronará. É por isso que você deve ter cuidado com os contrastes de cores, eles podem ter um impacto sério - tanto para tornar o trabalho mais interessante quanto para destruí-lo colocando acentos desnecessários.

Preto e branco

Apesar da ausência de cor, a natureza morta em preto e branco tem suas próprias leis, e o contraste também desempenha um papel importante aqui. A própria cor neste caso é substituída por um tom - um jogo diferente, mas também tem regras!

Certamente você já notou que as mulheres com excesso de peso raramente usam branco. O fato é que a cor branca parece ser mais volumosa que a preta. Em uma fotografia em preto e branco, o olho primeiro capta os pontos mais claros e só depois passa para os mais escuros. Muitos truques visuais são construídos sobre esse efeito: se você olhar para uma folha com uma faixa preta e branca uniforme, certamente parecerá que as faixas brancas são mais largas. Você deve sempre levar em conta essa regra ao encenar uma composição, e também levar em conta que um objeto branco brilhante, seja em primeiro plano ou em segundo plano, certamente parecerá o principal nessa composição, e o olho cairá primeiro sobre ele.

contrastes

Como já mencionado, os contrastes desempenham um papel especial. Existindo dentro da mesma composição na imagem, eles podem destacar objetos ou, inversamente, ocultá-los. A obra, construída sobre flutuações de luz e sombra quase imperceptíveis, sem pontos que focalizem a atenção do espectador, parece monótona, monótona, inexpressiva. Contrastes nítidos criam tensão, dinâmica.

Regra dos terços

Claro que, quando se fala em composição, não se pode deixar de mencionar a regra dos terços. Ao desenhar quatro linhas em sua mente através do quadro - duas dividindo-o em três partes iguais horizontalmente e duas desenhadas verticalmente - você pode calcular as áreas mais eficazes do quadro: elas estão nos pontos de interseção das quatro linhas entre si. Nessas zonas é melhor colocar o objeto principal da composição.

Na verdade, a regra dos terços é uma regra simplificada da proporção áurea, que será um pouco mais difícil de obter. Para fazer isso, o quadro deve ser dividido em oito partes na horizontal e na vertical. E então desenhe da direita e da esquerda, bem como de baixo e de cima, linhas a uma distância de 3/8. Na interseção dessas linhas, haverá pontos da seção áurea. Mas a divisão em três partes é muito mais conveniente do que em oito partes, por isso é usada com mais frequência na composição: a diferença não é tão perceptível ao espectador, e a harmonia no quadro, sujeita a qualquer uma dessas regras, é óbvio.

Ritmo

O ritmo, ou seja, a repetição de linhas iguais ou semelhantes, é uma ferramenta de composição muito poderosa que permite manipular o olhar do espectador. No "caminho" de objetos alternados pode ser levado muito longe. Mas não exagere - o ritmo pode matar toda a composição, privando-a de dinâmica e tornando-a monótona.

Comunicações internas

Ao criar uma produção para fotografia, é necessário garantir que haja uma conexão entre os objetos no quadro. Os objetos podem ser conectados pela forma (ovo e cebola), pela cor (tomate e pimentão), pelo significado (maçã e paus de canela). Os objetos devem necessariamente comunicar, cativar o espectador, deslocando seu olhar de um objeto em uma natureza morta para outro. Essa abordagem confere integridade à composição, a torna interessante, compreensível e ao mesmo tempo misteriosa - não é necessário revelar todas as conexões internas de uma só vez, as mais interessantes podem estar escondidas dentro da composição ou escondidas brevemente do espectador , por exemplo, com luz.

Pode-se falar infinitamente sobre composição, mas a principal coisa sobre a qual uma natureza morta é construída (como, de fato, a fotografia em qualquer outro gênero) é a ideia, o enredo e a alma da imagem. E a composição é a mesma ferramenta nas mãos do fotógrafo que a própria câmera. Lembre-se do que você deseja transmitir ao espectador! E use todas as técnicas de composição disponíveis para seus próprios propósitos.

A palavra "natureza morta" vem da frase francesa "nature morte" e significa natureza mortificada ou morta. Mas parece-me que a essência desta forma de arte é melhor transmitida pela expressão inglesa "still life" - "still, frozen life". De fato, em sua essência, uma natureza morta nada mais é do que um pedaço de vida capturado.

Coletando material para este artigo, encontrei algumas dificuldades. À primeira vista, fotografar uma natureza morta é fácil. Coloque uma xícara na mesa, adicione alguns detalhes a ela, acenda a luz e clique no obturador você mesmo. Modelos fotográficos estão sempre à mão, tempo ilimitado para fotografar. Custo conveniente e mínimo. É por isso que os fotógrafos iniciantes amam tanto esse gênero. E alguns alcançam resultados muito interessantes. Vá a qualquer site fotográfico, selecione a seção apropriada e admire fotos realmente chiques. Mas o tempo passa e surgem muitas perguntas: "Por que fotografar isso? Quem precisa? O que vou ganhar com isso?" Incapaz de encontrar respostas para essas perguntas, muitos mudam para a fotografia de casamento, bebê ou animal, que fornece alguma renda. A natureza morta não goza de respeito especial entre os mestres da fotografia. Este não é um negócio lucrativo. Se alguma coisa pode trazer, é apenas satisfação estética. E eles fotografam naturezas-mortas de vez em quando, por assim dizer, para aprimorar suas habilidades.

Mas há alguns que vêem em uma natureza morta, algo mais do que apenas uma bela imagem. É a esses mestres da natureza morta que dedico meu artigo.

Confesso que, num primeiro momento, quis fazer uma seleção de trabalhos de fotógrafos de que gosto e que, com razão, ocupam os primeiros lugares nas classificações em vários sites de fotografia. E então surgiu a pergunta: "por quê?" Todos sabem usar a Internet, a maioria já estudou sites de fotos mais de uma vez, conhece os melhores trabalhos, e as informações sobre o fotógrafo de seu interesse sempre podem ser encontradas por meio de um mecanismo de busca. Resolvi falar sobre Fotógrafos Especiais, aqueles cujo trabalho vira os cânones reconhecidos de cabeça para baixo, que realmente trouxeram algo novo à fotografia de natureza morta, que conseguiram ver algo extraordinário nas coisas comuns. Você pode se relacionar com o trabalho deles de diferentes maneiras: admirar ou, inversamente, não aceitar. Mas, definitivamente, o trabalho deles não pode deixar ninguém indiferente.

1. Cara Barer

Kara Barer (1956), uma fotógrafa dos EUA, escolheu um assunto para fotografar - um livro. Transformando-o, ela cria incríveis esculturas de livros, que ela fotografa. Você pode olhar para as fotos dela infinitamente. Afinal, cada uma dessas esculturas de livros tem um significado certo e ambíguo.

2. Guido Mocafico

O fotógrafo suíço Guido Mocafico (1962) não se limita a um tema em sua obra. Ele está interessado em coisas diferentes.

Mas mesmo pegando um único item, ele consegue um trabalho incrível. Famoso por sua série "Movement" ("Movimento"). Parece que os mecanismos do relógio são simplesmente tomados, mas cada um, se você olhar de perto, tem seu próprio caráter.

Nas naturezas-mortas, como você sabe, a "natureza inanimada" é removida. Na série "Serpentes", Guido Mocafico quebrou essa regra e tomou uma criatura viva como tema de uma natureza morta. Cobras enroladas criam uma imagem incrível, brilhante e única.

Mas o fotógrafo também cria naturezas-mortas tradicionais, fotografando-as no estilo holandês e usando verdadeiramente "objetos inanimados" como adereços.

3. Carl Kleiner

O fotógrafo sueco Karl Kleiner (1983) usa os objetos mais comuns para suas naturezas mortas, compondo-as em imagens bizarras. As fotografias de Karl Kleiner são coloridas, gráficas e experimentais. Sua imaginação não tem limites, ele usa materiais completamente diferentes, de papel a ovos. Tudo, como dizem, vai para o trabalho.

4. Charles Grogg

As naturezas-mortas do americano Charles Grogg são feitas em preto e branco. O fotógrafo para fotografar também usa utensílios domésticos comuns que estão disponíveis em todas as casas. Mas experimentando seu arranjo e combinando-os em combinações inusitadas, o fotógrafo cria fotos verdadeiramente fantásticas.

5. Chema Madoz

Tenho certeza de que o trabalho de Chem Madoz (1958), fotógrafo da Espanha, é familiar para muitos. As suas naturezas-mortas a preto e branco, executadas num estilo surrealista, não deixam ninguém indiferente. A visão única do fotógrafo sobre as coisas comuns é admirável. As obras de Madoza estão cheias não apenas de humor, mas também de profundo significado filosófico.
O próprio fotógrafo diz que suas fotografias são feitas sem nenhum processamento digital.

6. Martin Klimas

Nas obras de Martin Klimas (1971), fotógrafo da Alemanha, também não há photoshop. Apenas uma velocidade do obturador curta, ou melhor, super curta. Sua técnica especialmente desenvolvida permite capturar um momento único que o olho humano nem consegue ver. Martin Klimas filma suas naturezas mortas na escuridão total. Com a ajuda de um dispositivo especial, no momento de quebrar um objeto, um flash é ativado por uma fração de segundo. E a câmera captura o Milagre. Aqui você tem apenas um vaso com flores!

7. John Chervinsky

Americano John Chervinsky (1961) - um cientista que trabalha no campo da física aplicada. E suas naturezas-mortas são uma mistura de ciência e arte. Aqui você não vai entender: ou uma natureza morta ou um livro de física. Ao criar suas naturezas mortas, John Chervinsky usa as leis da física, obtendo um resultado incrivelmente interessante.

8. Daniel Gordon

Daniel Gordon (1980), fotógrafo americano, não preocupado com questões científicas. Ao fotografar naturezas-mortas, ele escolheu um caminho diferente. Ele imprime imagens coloridas baixadas da Internet em uma impressora, amassa esses pedaços de papel e, em seguida, envolve vários objetos neles. Acontece algo como esculturas de papel. Brilhante, bonito, original.

9. André B. Myers

As naturezas-mortas de Andrew Myers (1987), fotógrafo do Canadá, não podem ser confundidas com outras - são sempre reconhecíveis. Um fundo simples, suave e calmo, muito espaço vazio, que cria uma sensação de plenitude da imagem com luz e ar. Na maioria das vezes, para criar naturezas-mortas, ele usa objetos dos anos 70 e 80. Suas obras são gráficas, elegantes e evocam uma certa nostalgia.

10. Regina DeLuiseRegina DeLuise

Regina DeLuise (1959), fotógrafa norte-americana, não usa SLR para criar seu trabalho. Ela escolheu outra maneira - ela imprime negativos de filme em papel de trapo especial. Seu imaginário poético contém uma ampla gama de tons e muitas texturas. As naturezas-mortas são muito ternas e poéticas. Incrível jogo de luz e sombras.

11. Bohchang Koo

Bohchang Koo (1953), fotógrafo sul-coreano, prefere o branco. As naturezas-mortas que ele criou - branco no branco - são simplesmente incríveis. Eles não são apenas bonitos, mas também carregam um certo significado - a preservação da antiga cultura coreana. Afinal, o fotógrafo viaja especialmente pelo mundo, em busca de objetos do patrimônio cultural de seu país em museus.

12. Chen Wei

Chen Wei (1980), uma fotógrafa chinesa, por outro lado, encontra inspiração para seu trabalho perto de casa. Apresentando espaços, cenas e objetos estranhos, ele usa adereços jogados em aterros por outros.

13. Alejandra Laviada

Alejandra Laviada, fotógrafa do México, usa prédios em ruínas e abandonados para sua fotografia, criando naturezas-mortas a partir de objetos encontrados lá. Suas naturezas-mortas contam histórias reais sobre as pessoas que moravam nesses prédios e usavam coisas deixadas como desnecessárias.

Nas nossas aulas de pintura é dada especial atenção às naturezas-mortas, feitas em técnica de pintura decorativa.

A pintura decorativa é um tema diversificado e extenso. No desenvolvido por nossos professores, há uma série de aulas sobre o estudo de técnicas decorativas para trabalhar com tintas. Por exemplo, foram preparadas naturezas-mortas especiais, nas quais você pode mostrar claramente várias técnicas e características do estilo decorativo.

O objetivo da tarefa é uma natureza morta decorativa.

• Aprenda a retratar objetos usando os meios da pintura decorativa.
• Domine as habilidades de transformar, dividir e organizar flores em forma.
• Experimente diferentes técnicas de pintura decorativa.

Existe uma crença generalizada de que os estilos pictóricos decorativos não se encaixam no currículo acadêmico e são contrários às regras pictóricas básicas. Na verdade, este é um equívoco profundo. Todos os métodos e princípios do estilo decorativo fluem diretamente do programa acadêmico e são seu desenvolvimento e a evolução contínua de toda a arte acadêmica.

À primeira vista, a modelagem simplista e a falta de uma imagem realista podem apresentar uma imagem incorreta. A execução decorativa da obra impõe muitas outras tarefas mais complexas.

A pintura decorativa envolve um estudo profundo da cor local, a composição de manchas de cor, a busca de acentos expressivos e soluções espaciais espetaculares.

O artista é obrigado a transmitir a imagem, a impressão de um modelo real da forma mais clara possível, usando o mínimo de meios. É necessário mostrar o volume do objeto, material, textura, sem recorrer à modelagem clássica. O valor de analisar a forma de um objeto aumenta, é necessário selecionar e modelar uma imagem estilizada que transfira o objeto de uma imagem realista para o plano de cores.

Na pintura decorativa, a linha adquire mais importância, que se torna participante de pleno direito da imagem e, junto com a cor e o tom, participa da formação da composição geral. Alterar a espessura e a expressividade da linha enfatiza mais claramente o volume e a plasticidade do objeto.

Além disso, uma grande variedade pode trazer uma mudança na forma e na frequência de aplicação de um traço, que transforma imediatamente a superfície da tela em um painel decorativo ou mosaico.

Na primeira fase de conhecimento das possibilidades da pintura decorativa, recomendamos pintar uma série de naturezas-mortas, pois na natureza morta é possível escolher combinações de objetos e tecidos para demonstrar vividamente as técnicas do estilo decorativo.

Tipos de natureza morta decorativa.

Existem várias técnicas comuns que se provaram na prática e no processo de aprendizagem. Os nomes são escolhidos condicionalmente, pois na pintura moderna não há uma classificação internacional clara de estilos e nomes uniformes.

Pintura a partir de sucatas. Todas as combinações de cores nesta tecnologia são representadas como segmentos separados, enfatizando a estrutura dos objetos e mostrando suas propriedades mais expressivas. Cores puras e mapeamento de espaço planar são frequentemente usados.

Pintura com um contorno claramente definido. Para aprimorar as relações de forma e cor, é utilizado o chamado “método do vitral”, quando todos os objetos e pontos de refração da forma são contornados com linhas pretas ou escuras, criando contornos e limites claros entre as cores. Os trabalhos feitos nesta técnica são muito espetaculares e brilhantes.

Outras técnicas decorativas baseiam-se em combinações de cores puras, vários tipos de mudanças de traçado, uso de espátula, pincéis largos e outras ferramentas. O formato do artigo não permite descrever todas as técnicas e métodos de aplicação de tinta. Você pode aprender mais acessando nossas aulas.

Uma natureza morta em preto e branco pode ser pintada de várias maneiras. Pode parecer um esboço a lápis padrão ou uma ilustração interessante de manchas ou letras. Hoje vamos falar sobre diferentes técnicas que você pode repetir facilmente em casa.

Padrão manchado

A natureza morta em preto e branco é mais frequentemente decorativa. Por quê? Sim, porque ele parece tão bom. Uma imagem realista, desprovida de cor, pode parecer apropriada se for um retrato, ilustração ou algo semelhante, com muitos detalhes. Uma natureza morta realista não é muito interessante de se considerar. Portanto, muitos artistas preferem obras decorativas. A natureza morta em preto e branco é desenhada de forma muito simples. Primeiro você precisa construir uma composição. Você pode desenhar na natureza, o que será mais fácil, ou criar um cenário em sua imaginação. No nosso caso, há um jarro e uma tigela de maçãs sobre a mesa. Um arco e cortinas estão pendurados na parede. Quando tudo isso tiver encontrado um local adequado na folha e os detalhes tiverem sido resolvidos, você poderá dividir os objetos em partes. Além disso, isso deve ser feito não de maneira caótica, mas pensando claramente para que as partes brancas fiquem adjacentes às pretas e nenhum dos objetos se perca.

desenho de linha

Natureza morta em preto e branco pode ser pintada em várias técnicas. Uma delas é a imagem de um desenho usando linhas. Para desenhar essa imagem, você precisa pegar objetos que tenham uma textura claramente definida. Se este não for o caso, então o alívio terá que ser inventado. Você precisa começar a desenhar uma natureza morta em preto e branco construindo uma composição. Primeiro, descrevemos todos os itens. No nosso caso, esta é uma caneca com flores, maçãs e uma mesa de madeira. Depois que todos os itens tomaram seus lugares, começamos a trabalhar a forma e depois os detalhes. A ação final é a imagem da textura. A caneca adquire listras horizontais, flores e maçãs - uma borda recortada. Certifique-se de mostrar a textura da mesa. É aconselhável combinar linhas horizontais e verticais em uma natureza morta para que os objetos não se fundam, mas se destaquem uns contra os outros.

Desenho de letras

Esta imagem será semelhante a um gráfico em preto e branco. A natureza morta consiste em letras que suavemente se transformam em palavras e até frases. Como desenhar uma composição decorativa tão original? Primeiro você precisa desenhar um esboço. Trace o copo e o jornal que ficará no fundo. Depois disso, você precisa dividir o desenho por tons. Por exemplo, o café em uma caneca deve ser o tom mais saturado, o segundo lugar é ocupado por uma sombra caindo e o terceiro é o seu. Assim, é possível dividir todo o esboço com linhas. Depois disso, se você estiver confiante em suas habilidades, poderá pintar o desenho com uma caneta gel e, se estiver preocupado que algo não dê certo, primeiro faça uma pintura por baixo das letras com um lápis. É verdade que, neste caso, as letras terão que ser circuladas com tinta. A caneta gel não desenha bem com um lápis. As letras devem ser sobrepostas de acordo com a forma dos objetos. E não se esqueça de jogar com altura e largura. Uma palavra pode ser muito estreita e outra duas ou três vezes maior. Você pode criptografar algumas frases em tal imagem ou escrever palavras arbitrárias.