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Os instrumentos musicais de teclado são caracterizados por um sistema de extração de som por meio de alavancas controladas por teclas. Um conjunto de teclas dispostas em uma determinada ordem é chamado de teclado instrumental.

Órgão - o primeiro instrumento de sopro de teclado

A história dos instrumentos de teclado se origina em. Um dos primeiros instrumentos de teclado foi o órgão. Nos primeiros órgãos, o som era obtido pela operação de grandes válvulas. Eles se mostraram bastante inconvenientes e rapidamente as válvulas foram substituídas por alavancas, também de tamanho bastante impressionante. No século 11, as alavancas foram substituídas por teclas largas que podiam ser pressionadas à mão. Chaves estreitas confortáveis, características dos órgãos modernos, apareceram apenas no século XVI. Assim, o órgão se transformou em um instrumento musical de sopro de teclado.

Clavicord - o primeiro instrumento de teclado de cordas

Os primeiros clavicórdios foram inventados no período do século XIV ao XVI, datas mais exatas, infelizmente, não são conhecidas pelos historiadores. O dispositivo do clavicórdio medieval lembrava um piano moderno. É caracterizado por um som calmo e suave, de modo que o clavicórdio raramente era tocado para um grande público. Além disso, é bastante compacto em tamanho e, portanto, era frequentemente usado para tocar música em casa e era muito popular em casas ricas. Especialmente para o clavicórdio, compositores da era barroca criaram obras musicais: Bach, Mozart, Beethoven.

Cravo

O cravo apareceu pela primeira vez na Itália no século 14, até mesmo Boccaccio o mencionou em seu Decameron. Trata-se de um instrumento musical de cordas dedilhadas, uma vez que se caracteriza pela produção de som pela dedicção da corda com uma palheta no momento em que a tecla é pressionada. O papel do mediador é desempenhado por uma palheta feita de pena de pássaro.

Existem cravos manuais simples e duplos. Ao contrário do clavicórdio ou do piano, as cordas do cravo são paralelas às teclas, assim como o piano.

Cravo

O cravo dá um som agudo fraco. Tem sido frequentemente usado na música de câmara como acompanhamento de performances de canções. O corpo do cravo era ricamente decorado e, em geral, esse instrumento era considerado mais como um elemento de decoração.

A espineta, virginel e muselar são variedades do cravo. Eles têm um princípio semelhante de produção de som, mas designs diferentes. São instrumentos pequenos, na maioria das vezes com um teclado e um alcance de quatro oitavas.

piano

Foi projetado pela primeira vez pelo mestre italiano Bartolomeo Christofi no início do século XVIII. Nessa época, os instrumentos de teclado praticamente não aguentavam a competição das cordas, em particular, que era muito mais virtuosa e expressiva. O piano tornou-se o instrumento que poderia fornecer uma gama dinâmica impressionante e conquistar os corações dos músicos da época.

Bartolomeo Christofi chamou seu novo instrumento de teclado "tocando baixinho e alto", que em italiano soava "piano e forte". Variações semelhantes de instrumentos de teclado foram criadas quase ao mesmo tempo por Christopher Gottlieb Schroeter e o francês Jean Marius.

O piano italiano Bartolomeo Christofi foi organizado da seguinte forma: um toque de tecla aciona um martelo de feltro, o martelo, por sua vez, faz a corda vibrar, e um mecanismo especial puxa o martelo para trás, evitando que ele pressione a corda e abafe o som. Este piano não tinha pedais ou amortecedores. Mais tarde, foi adicionada a capacidade de devolver o martelo apenas pela metade, o que se mostrou muito conveniente para realizar vários tipos de melismas, caracterizados pela rápida repetição de notas.

cravo [francês] clavecina, de Late Lat. clavicymbalum, de lat. clavis - chave (daí a chave) e cymbalum - címbalos] - um instrumento musical de teclado dedilhado. Conhecido desde o século XVI. (começou a ser construído já no século XIV), as primeiras informações sobre o cravo datam de 1511; o instrumento mais antigo do trabalho italiano que sobreviveu até hoje data de 1521.

O cravo originou-se do psalterium (como resultado da reconstrução e da adição de um mecanismo de teclado).

Inicialmente, o cravo era de forma quadrangular e lembrava na aparência um clavicórdio “livre”, em contraste com o qual possuía cordas de diferentes comprimentos (cada tecla correspondia a uma corda especial afinada em um determinado tom) e um mecanismo de teclado mais complexo. As cordas do cravo foram postas em vibração por uma pitada com a ajuda de uma pena de pássaro, montada em uma haste - um empurrador. Quando uma tecla era pressionada, o empurrador, localizado em sua extremidade traseira, subia e a pena ficava presa na corda (mais tarde, uma palheta de couro foi usada em vez de uma pena de pássaro).

O dispositivo da parte superior do empurrador: 1 - corda, 2 - eixo do mecanismo de liberação, 3 - languette (do francês languette), 4 - palheta (língua), 5 - amortecedor.

O som do cravo é brilhante, mas não melodioso (jerky) - o que significa que não é passível de mudanças dinâmicas (é mais alto, mas menos expressivo que o de), a mudança na força e no timbre do som não dependem da natureza da batida nas teclas. Para melhorar a sonoridade do cravo, foram usadas cordas duplas, triplas e até quádruplas (para cada tom), que foram afinadas em uníssono, oitava e, às vezes, outros intervalos.

Evolução

Desde o início do século 17, cordas de metal foram usadas em vez de cordas de tripa, aumentando em comprimento (de agudos a graves). O instrumento adquiriu formato pterigóide triangular com arranjo longitudinal (paralelo às teclas) de cordas.

Nos séculos 17-18. para dar ao cravo um som dinamicamente mais diversificado, os instrumentos foram feitos com 2 (às vezes 3) teclados manuais (manuais), que foram dispostos em terraços um sobre o outro (geralmente o manual superior era afinado uma oitava acima), além de interruptores de registro para aumentar os agudos, duplicação de oitavas de baixos e mudanças na coloração do timbre (registro de alaúde, registro de fagote, etc.).

Os registros eram acionados por alavancas localizadas nas laterais do teclado, ou por botões localizados sob o teclado, ou por pedais. Em alguns cravos, para maior variedade de timbres, um 3º teclado foi arranjado com alguma coloração característica do timbre, mais frequentemente reminiscente de um alaúde (o chamado teclado de alaúde).

Aparência

Externamente, os cravos costumavam ter um acabamento muito elegante (o corpo era decorado com desenhos, incrustações, entalhes). O acabamento do instrumento estava de acordo com o mobiliário elegante da era Luís XV. Nos séculos 16-17. Os cravos dos mestres de Antuérpia Ruckers destacaram-se pela qualidade sonora e pelo design artístico.

Cravo em diferentes países

O nome "cravo" (na França; archichord - na Inglaterra, kilflugel - na Alemanha, clavichembalo ou abreviado cembalo - na Itália) foi preservado para grandes instrumentos em forma de asa com alcance de até 5 oitavas. Havia também instrumentos menores, geralmente de formato retangular, com cordas simples e alcance de até 4 oitavas, chamados: epinet (na França), espineta (na Itália), virginel (na Inglaterra).

Cravo com corpo vertical - . O cravo foi usado como instrumento solo, conjunto de câmara e orquestral.

O criador do estilo virtuoso do cravo foi o compositor e cravista italiano D. Scarlatti (possui inúmeras obras para cravo); o fundador da escola francesa de cravistas é J. Chambonnière (suas peças de cravo, 2 livros, 1670, eram populares).

Entre os cravistas franceses do final dos séculos XVII-XVIII. -, J. F. Rameau, L. Daken, F. Daidriyo. A música de cravo francesa é uma arte de gosto refinado, maneiras refinadas, racionalmente clara, sujeita à etiqueta aristocrática. O som delicado e frio do cravo estava em harmonia com o "bom tom" da sociedade escolhida.

O estilo galante (rococó) encontrou sua vívida encarnação entre os cravistas franceses. Os temas favoritos das miniaturas de cravo (a miniatura é uma forma característica da arte rococó) eram as imagens femininas (“Capturando”, “Flirty”, “Gloomy”, “Shy”, “Sister Monica”, “Florentine” de Couperin), um grande o lugar era ocupado por danças galantes (minueto, gavota, etc.), imagens idílicas da vida camponesa (“Ceifeiros”, “Apanhadores de Uvas” de Couperin), miniaturas onomatopaicas (“Galinha”, “Relógio”, “Chorinar” de Couperin, “Cuco” de Daken, etc.). Uma característica típica da música para cravo é a abundância de embelezamentos melódicos.

Até o final do século XVIII as obras dos cravistas franceses começaram a desaparecer do repertório dos intérpretes. Como resultado, o instrumento, que tinha uma história tão longa e uma herança artística tão rica, foi expulso da prática musical e substituído pelo piano. E não apenas forçado, mas completamente esquecido no século 19.

Isso aconteceu como resultado de uma mudança radical nas preferências estéticas. A estética barroca, que se baseia em um conceito claramente formulado ou claramente sentido da teoria dos afetos (brevemente a própria essência: um humor, afeto - uma cor sonora), para o qual o cravo era um meio de expressão ideal, cedeu primeiro para a cosmovisão do sentimentalismo, depois para uma direção mais forte - o Classicismo e, finalmente, o Romantismo. Em todos esses estilos, ao contrário, a ideia de mutabilidade - sentimentos, imagens, humores - tornou-se a mais atraente e cultivada. E o piano foi capaz de expressar isso. O cravo não poderia fazer tudo isso em princípio - devido às peculiaridades de seu design.

Um músico que executa obras musicais tanto no cravo quanto em suas variedades é chamado de cravista.

Origem

A primeira menção de um instrumento do tipo cravo aparece em uma fonte de 1397 de Pádua (Itália), a imagem mais antiga conhecida está em um altar em Minden (1425). Como instrumento solista, o cravo permaneceu em uso até o final do século XVIII. Um pouco mais foi usado para tocar contrabaixo digital, para acompanhar recitativos em óperas. Por volta de 1810, praticamente caiu em desuso. O renascimento da cultura de tocar cravo começou na virada dos séculos XIX-XX.

Cravos do século 15 não sobreviveram. A julgar pelas imagens, eram instrumentos curtos com um corpo pesado. A maioria dos cravos sobreviventes do século XVI foram feitos na Itália, onde Veneza era o principal centro de sua produção.

Eles tinham um registro 8` (menos frequentemente dois registros 8` e 4`), eles se distinguiam por sua elegância. Seu corpo era mais frequentemente feito de cipreste. O ataque a esses cravos era mais distinto e o som mais abrupto do que o dos instrumentos flamengos posteriores.

Antuérpia era o centro de produção de cravos mais importante do norte da Europa, onde os representantes da família Ruckers trabalhavam desde 1579. Seus cravos têm cordas mais longas e corpos mais pesados ​​que os instrumentos italianos. Desde a década de 1590, cravos com dois manuais foram produzidos em Antuérpia. Cravos franceses, ingleses e alemães do século XVII combinam as características dos modelos flamengos e holandeses.

Alguns cravos franceses de dois manuais com corpo de nogueira sobreviveram. Desde a década de 1690, cravos do mesmo tipo dos instrumentos de Rookers foram produzidos na França. Entre os mestres de cravo franceses, destacou-se a dinastia Blanchet. Em 1766, Taskin herdou a oficina de Blanche.

Os fabricantes de cravo ingleses mais importantes no século 18 foram Schudy e a família Kirkman. Seus instrumentos tinham um corpo de carvalho forrado de compensado e se distinguiam por um som forte de rico timbre. Na Alemanha do século XVIII, o principal centro de produção de cravo era Hamburgo; entre os instrumentos feitos nesta cidade com 2` e 16` registros, bem como com 3 manuais. O modelo incomumente longo do cravo foi projetado por J. D. Dülcken, um importante artesão neerlandês do século XVIII.

Na 2ª metade do século XVIII, o cravo começou a ser forçado a sair. Por volta de 1809, a firma Kirkman produziu seu último cravo. O iniciador do renascimento do instrumento foi A. Dolmech. Ele construiu seu primeiro cravo em 1896 em Londres e logo abriu oficinas em Boston, Paris, Heislemere.

O lançamento de cravos também foi estabelecido pelas firmas parisienses Pleyel e Erard. Pleyel começou a produzir um modelo de cravo com uma armação de metal carregando cordas grossas e tensas; Wanda Landowska treinou toda uma geração de cravistas nesse tipo de instrumento. Os artesãos de Boston Frank Hubbard e William Dyde foram os primeiros a copiar cravos antigos.

Dispositivo

Tem a forma de um triângulo oblongo. Suas cordas são dispostas horizontalmente, paralelas às teclas.

No final de cada tecla há um empurrador (ou jumper). Na extremidade superior do empurrador há uma langetta na qual é fixada uma palheta (língua) feita de pena (em muitos instrumentos modernos é feita de plástico), logo acima da palheta há um amortecedor feito de feltro ou couro macio. Quando a tecla é pressionada, o empurrador sobe, a palheta dedilha a corda. Se a chave for solta, o mecanismo de liberação permitirá que a palheta retorne ao seu lugar sob a corda sem ter que puxar a corda novamente. A vibração da corda é amortecida por um amortecedor.

Para registro, ou seja, mudanças na intensidade e timbre do som, são usados ​​interruptores de mão e de pé. Não é possível aumentar e diminuir suavemente o volume no cravo. No século XV, o alcance do cravo era de 3 oitavas (faltam algumas notas cromáticas na oitava inferior); no século XVI expandiu-se para 4 oitavas (C - c"`), no século XVIII para 5 oitavas (F` - f"`).

Um típico cravo alemão ou neerlandês do século XVIII possui 2 manuais (teclados), 2 conjuntos de 8' cordas e um conjunto de 4' cordas (somando uma oitava acima), que podem ser usados ​​individualmente ou em conjunto, bem como um mecanismo de cópula manual . Os shifters de pé e joelho apareceram no final da década de 1750. A maioria dos instrumentos tem um chamado. o registro alaúde de um timbre nasal característico (para obtê-lo, as cordas são levemente abafadas por saliências de couro ou feltro usando um mecanismo especial).

Compositores que compuseram música para cravo

François Couperin, o Grande
Louis Couperin
Louis Marchand
Jean-Philippe Rameau
Johann Sebastian Bach
Johann Pachelbel
Dietrich Buxtehude
Girolamo Frescobaldi
Johann Jakob Froberger
Georg Friedrich Handel
William Bird
Henry Purcell
Johann Adam Reinecke
Domenico Scarlatti
Alessandro Scarlatti
Matthias Weckman
Domenico Zipoli

Vídeo: Cravo em vídeo + som

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artigo sobre a história da antiguidade clavicórdios, cravos e similares instrumentos de teclado. Adiciona interesse que este artigo seja de autoria Evgenia Braudo, foi publicado em forma de brochura em 1916 na série "Musical Contemporary" sob o nº 6. Como sempre, ele reconheceu e traduziu do russo pré-revolucionário para o russo moderno. As fotos, claro, otários em qualidade, mas se você quiser, acho que você pode encontrar os normais na Internet.

Mais recentemente, a ciência da música começou a prestar atenção história dos instrumentos antigos. Vinte anos atrás, essas pessoas da antiguidade distante, evocando uma ideia da beleza sedutora dos séculos passados, de obras-primas musicais esquecidas, interessavam apenas a arqueólogos e guardiões de museus. Nos últimos anos, graças à atividade bem-sucedida de várias "associações para tocar instrumentos antigos", das quais há um número considerável em todos os grandes centros culturais, essa área de pesquisa musical começou a atrair forças científicas notáveis. Pois as primeiras tentativas de apresentar as pérolas da música antiga no quadro de sua sonoridade inerente mostraram que a arte musical dos velhos tempos, tão refinada e frágil, requer uma fusão virtuosa de técnica com conteúdo, e que apenas um esclarecimento preciso de as características de design de todos esses curiosos cravos, clavicórdios, violas torna possível realmente reviver as pérolas desbotadas do antigo artesanato.

As linhas seguintes, dedicadas à história milenar do instrumento musical mais difundido, que em todas as épocas da história foi o guardião dos mais altos valores musicais, pretendem não tanto apresentar a sua evolução externa, mas apontar aquelas características da estrutura dos ancestrais distantes do nosso piano moderno, que indubitavelmente influenciou o desenvolvimento do estilo clavier dos séculos passados.

Genealogia cravo remonta a um tempo muito distante de nós. Seu progenitor é uma pequena caixa de madeira com uma corda esticada sobre ela, que pode ser dividida em duas partes usando um limiar móvel. Este é um monocórdio, um dispositivo físico familiar aos leitores das aulas de física do ginásio. Mesmo nos tempos antigos, essa ferramenta servia para a definição matemática de tons. Reduzindo qualquer corda, por exemplo G, em 1/9 de seu comprimento e vibrando os 8/9 restantes dela, obtemos uma segunda maior, A; 4/5 da mesma corda dá uma terça maior, H; três quartos - um quarto, C; dois terços - quinto, D; três quintos de uma sexta maior, E; meia oitava G.

Mas o primitivo single-string tinha uma desvantagem muito significativa. Sua corda mostrava a proporção do comprimento das partes sonoras para todos os tons da rocha, mas não permitia a sonoridade simultânea dos segmentos comparados, e já em uma época muito antiga surgiu a ideia de fornecer "monocorde" várias cordas para maior visibilidade da consonância dos intervalos. Aristides Quintiliano e Cláudio Ptolomeu, teóricos do século II, descrevem um instrumento equipado com quatro cordas e chamado de helicon.

Na Idade Média, o "monocorde", que seria mais corretamente chamado "poliacorde", passou a ser utilizado não apenas para estudos teóricos, mas também para acompanhamento do canto. Para facilitar o procedimento extremamente complexo de tocar esse instrumento, a mesa de som do monocórdio começou a ser equipada com suportes com nervuras afiadas, colocando-os nos locais das divisões mais importantes da corda. Quando, aproximadamente em meados do século XII, começaram a difundir-se os instrumentos mais antigos com teclas, pequenos órgãos portáteis, insígnias, usados ​​para fins educativos e de culto doméstico, foram feitas as primeiras tentativas de adaptação do teclado ao monocórdio, no forma de um sistema de suportes, dos quais cada um, ao pressionar a tecla correspondente, subia de modo a pressionar firmemente a corda em um determinado lugar. No entanto, não bastava separar, com a ajuda de uma estante, parte da corda, era preciso fazê-la oscilar, e assim, com o tempo, as estantes primitivas do monocórdio foram transformadas em pinos metálicos (tangentes). . Essas tangentes, presas aos braços do teclado, não apenas dividem a corda em duas, mas também a fazem soar ao mesmo tempo.

Um instrumento construído sobre o princípio monocórdio, mas tendo um número maior de cordas, vibradas com a ajuda de teclas e tangentes de metal conectadas a elas, era chamado de clavicórdio.

Cerca de mil anos se passaram, até que, através de um trabalho árduo para melhorar o mecanismo, a antiga corda única foi transformada em um clavicórdio. A história da arte musical tentou teimosamente, ao contrário das evidências, manter o nome monocórdio para o clavicórdio, o que causou dificuldades consideráveis ​​para os teóricos medievais que tentaram em vão encontrar uma explicação para tal discrepância. Não menos teimosamente ao longo dos séculos, os construtores de clavicórdios tentaram preservar intacto o princípio mais monocordal quando aplicado a um novo instrumento. Enquanto o monocórdio servia exclusivamente para fins teóricos, era bastante claro que, para comparar tons individuais entre si na antiguidade, eram tomadas cordas do mesmo comprimento, o que permitia mostrar visualmente uma conexão direta entre o comprimento da parte sonora e a altura do som. Mas devido a uma estranha tradição histórica, o clavicórdio, que tinha um uso completamente diferente na arte musical, manteve o mesmo comprimento das cordas, de modo que a diferença de tons no clavicórdio se deveu apenas à diferença na localização das arquibancadas que trouxeram suas cordas em vibração. Além disso, o número deste último não correspondia ao número de chaves. De acordo com o antigo princípio do monocórdio, cada corda individual tinha uma série de bases que a dividiam em vários pontos, e assim, com a ajuda de uma corda, vários tons de várias alturas podiam ser obtidos. Todas as cordas eram afinadas no tom mais grave do clavicórdio, Sol, ligado à primeira tonalidade, que vibrava por toda a extensão da corda. A próxima chave encurtou a mesma primeira corda com seu pino de metal largo em um nono e assim deu o som A. A terceira chave encurtou a mesma corda em um quinto, dando o tom H. Apenas a quarta chave tocou a segunda corda, separando uma quarto dela com uma parte de alfinete, de modo que com a ajuda de três quartos da corda, foi obtido um tom de C.

Vimos que os tons G, A e H foram obtidos a partir da vibração da mesma corda. Como resultado, eles não podiam ser tomados juntos no velho clavicórdio. G e C formaram a primeira consonância disponível para as teclas deste instrumento. No entanto, com o desenvolvimento do pensamento harmônico e a expansão do conceito de consonância, a discrepância entre o número de cordas e teclas começou a desaparecer. Esta melhoria do instrumento ocorreu muito rapidamente. Mesmo no final do século XV, apenas 7 cordas eram usadas para 22 teclas. No século XVI, o número de cordas quadruplicou imediatamente; Por acaso vi, no museu da Escola Superior de Arte Musical de Berlim, um clavicórdio da segunda metade do século XVI com 30 cordas, com 45 teclas, arranjado da mesma forma que num piano moderno. No entanto, neste caso, algumas strings tinham 3 chaves cada. O clavicórdio "livre", em que cada corda era servida por apenas uma tecla, foi inventado muito mais tarde, em 1723, e chegou a ser considerado a maior raridade.

Como as teclas foram coordenadas com as cordas do clavicórdio ainda não foi esclarecido. Uma rápida olhada na estrutura interna do clavicórdio, com suas bizarras linhas de alavancas do teclado, é suficiente para ver a que truques foi preciso recorrer para alinhar as teclas e as cordas. Normalmente, os suportes com pinos (“trastes”, como são chamados por analogia com o alaúde) eram dispostos de tal forma que cada corda passava por três suportes montados no tampo ressonante do instrumento. Ao tocar o clavicórdio, o músico tinha que cobrir a parte que não soava da corda com uma mão. A partir do final do século XV, esse inconveniente foi eliminado pelo uso de uma estreita faixa de pano, presa no local da divisão do cordão. No século 18, foram feitas tentativas de anexar um teclado de pé ao clavicórdio, modelado no órgão. Aconteceu de eu ver um dos espécimes extremamente raros desse tipo no Museu Bach, local de nascimento do grande mestre.

Os antigos clavicórdios tinham uma forma quadrada plana muito característica, resultante do mesmo comprimento de todas as cordas do instrumento. Em geral, sua aparência lembrava os pianos ingleses retangulares, muito comuns nos anos vinte do século passado entre os amadores pobres em nosso país.

Os primeiros instrumentos do tipo clavicórdio eram caixas oblongas que serviam não apenas para música, mas também para todos os tipos de entretenimento doméstico: para jogar dados, xadrez (daí o antigo nome francês do clavicórdio "eschi quier" - um tabuleiro de xadrez), bordado de senhora (exemplo semelhante, com uma pequena almofada para agulhas, há uma barra de Stieglitz no Museu de Petrogrado), etc. Inicialmente, o volume do instrumento era tão modesto que o clavicórdio foi colocado sobre a mesa para jogando. Posteriormente, quando seu teclado cresceu para quatro oitavas e meia, o "avô do piano moderno" teve que ser colocado em seus próprios pés. Mas mesmo nessa forma mais pesada, o clavicórdio ainda era tão leve e portátil que os virtuosos que encantavam os ouvidos de nossos ancestrais podiam viajar com seu clavicórdio, que cabia em uma carruagem de viagem.

Os sons do clavicórdio, quietos e frágeis, foram absorvidos em grande parte pelo tecido utilizado na construção dos instrumentos. Portanto, no sentido da sonoridade, o clavicórdio foi completamente obscurecido não apenas diante do órgão, mas antes mesmo do alaúde. Seus sons languidamente trêmulos estão cheios de algum tipo de charme misterioso. O fato é que o clavicórdio era caracterizado por uma vibração suave especial das cordas, que tornava os tons individuais obscuros, vagos. Essa característica estava enraizada no próprio mecanismo do instrumento, pois quanto mais forte o instrumentista pressionava a tecla, mais alto o pino de metal elevava a própria corda, e o som produzido por ele aumentava, embora em pequena medida. Os clavicórdios eram muito bons em usar esse som trêmulo (Bebung) para várias decorações melismáticas. O piano moderno, mais perfeito em seu desenho, é certamente estranho a tais formações sonoras indefinidas; com o progresso da tecnologia, essa fonte de prazeres musicais desapareceu sem deixar vestígios; entretanto, apenas o aroma da sonoridade do antigo clavicórdio pode dar-nos uma verdadeira ideia dos encantos cativantes da música refinada dos séculos XVII e XVIII.

No entanto, a lógica da história, que colocou o cravo à frente do desenvolvimento musical da Europa, já em meados do século XV exigia a substituição de um clavicórdio íntimo e autocontido por outro instrumento com uma voz uniforme, clara e forte. som. Junto com o clavicórdio, pela primeira vez na Itália, e depois nos países do norte, um novo instrumento de teclado, conhecido nos anais da música sob o nome de clavicimbala, se apresenta pela primeira vez. Esse nome, desagradável aos nossos ouvidos, mostra que seu protótipo são os címbalos vulgares, que têm um som estrondoso e agudo obtido quando um martelo bate em cordas de aço de vários comprimentos e afinações.

Pratos ainda hoje fazem parte das orquestras folclóricas romenas e húngaras, e aqui, no sul da Rússia, têm a sua própria história centenária e curiosa. Instrumentos desse tipo eram familiares aos egípcios na mais profunda antiguidade e passaram deles para os gregos. Na Europa, eles se espalharam em meados do século VII. Nem um único festival folclórico estava completo sem dançar ao som de címbalos.

Inicialmente, os pratos eram uma pequena caixa triangular, sobre a qual foram esticadas 10 cordas de metal. Mais tarde, o número deste último cresceu para quatro oitavas. Devido ao grande volume do instrumento, tornou-se possível melhorar sua sonoridade - utilizando complexos de cordas de dois e três coros de diferentes materiais. Essas cordas passavam por dois sistemas de suportes e eram reforçadas com estacas de metal e madeira. O convés foi equipado com dois orifícios redondos. Uma desvantagem significativa dos pratos era a falta de um dispositivo para abafar o som, e o toque mais habilidoso era impotente para superar o pecado original do instrumento - seu tom vago e zumbido.

No entanto, a história da música preservou vários nomes de virtuosos neste instrumento, que tentaram levar a técnica de tocá-lo à perfeição.

Destes, ele foi o mais famoso em seu tempo. Pantaleone Gebenshtreit(1669 - 1750), inventor do "pantaleão" que leva seu nome, um prato extremamente aprimorado, que desempenhou um papel importante na invenção de um novo mecanismo de cravo, um piano com martelos. Que grande sensação no mundo musical o virtuosismo deste tocador de prato produziu é demonstrado pelo fato de que mesmo grandes mestres como Telemann consideraram possível entrar em uma competição pública com Gobenshtreit. Um de seus alunos, um bávaro com um sobrenome muito característico Gumpenguber, ganhou grande fama na corte. Imperatriz Isabel Petrovna. "Na alegria do soberano" tocadores de saltério já tocavam no Mikhail Fedorovich durante as saídas mais altas... para o balneário. Os címbalos até certo ponto se assemelhavam à "harpa harpa", o que explica sua adaptação à vida cotidiana da vida russa antiga.

Principal diferença clavicimbala(ou seja, um prato com teclas) do clavicórdio era que, no primeiro, cada tecla correspondia, como em um piano moderno, a uma corda especial afinada em um determinado tom, pelo que não havia mais necessidade de um sistema de suportes separando-os da parte do som das cordas. Além disso, o clavicimbal exigia, é claro, um golpe completamente diferente. Em vez das tangentes de clavicórdio, que evocavam os sons sonhadores das cordas com seu toque suave, aqui foram usadas varas de madeira, nas extremidades superiores das quais foram plantados pequenos pedaços pontiagudos de asa de corvo, couro duro ou juncos de metal enganchados nas cordas . Para realçar a sonoridade dos clavicimbals, como os clavicórdios, eles foram construídos com dois e três refrões, com cada corda individual vibrando com um bastão especial com língua. A partir da próxima apresentação veremos quão importante este recurso de design do clavicimbal foi para a obtenção de vários tons de som.

Quando nasceu a ideia de aplicar o teclado nos pratos, é muito difícil dizer. O famoso filólogo Scaliger (1484 - 1556) conta em seu ensaio "Poetices Libri VII" (Lyon, 1561) que em sua infância, saltérios (um antigo tipo de instrumento de percussão semelhante a címbalos), equipados com chaves, eram encontrados em quase todos os casas.

Nas pessoas comuns, eles eram chamados de "monocordes" ou "manicordes". Desta forma, podemos estabelecer que em meados do século XV, os clavicimbals já eram difundidos.

Os clavicimbals foram os primeiros a adquirir direitos de cidadania na vida musical da Inglaterra, e pequenos instrumentos desse tipo tornaram-se objeto de especial amadorismo musical. A própria rainha Elizabeth era uma excelente cravista, e por muito tempo os historiadores acreditavam que o nome inglês para o instrumento "virginela" (virginal), 20 anos antes de seu nascimento, para manter a memória da rainha virgem (virgem) para nossas gerações. Apresentamos uma fotografia de um instrumento ricamente decorado com carmim, ouro e brasões de meados do século XVI. As encantadoras composições dos antigos mestres ingleses são ressuscitadas na memória; longas cordas silenciosas farfalham suavemente; graciosas variações de um tema folclórico, um majestoso chapéu, um alegre galhardo encantam nossos ouvidos... Este clavicimbal, construído em madeira de cedro - trabalho veneziano. No Fiodor Ioannovitch o embaixador de Elizabeth trouxe ao rei da Moscóvia como presente um virginal semelhante com os jogadores correspondentes. O cronista inglês da Rússia conta que a czarina Irina Feodorovna, examinando o presente, ficou especialmente impressionada com a aparência do virginal, dourado e decorado com esmalte, e "admirou a harmonia desses instrumentos musicais, nunca antes vistos e inéditos. Milhares de pessoas se aglomeraram ao redor do palácio para ouvi-los".

No entanto, os primeiros virginais deixaram muito a desejar em termos de beleza de som, e sua desvantagem mais importante foi a fragmentação, aspereza e secura do tom. Portanto, toda a diligência dos mestres que trabalharam no aprimoramento desse tipo de instrumento foi introduzir uma certa variedade nas nuances do som dos clavicimbals. No final do século XVI. famoso mestre de Amsterdã, Hans Ruckers, fez uma melhoria extremamente importante mecanismos de cravo. Ele foi o primeiro a fabricar virgens com dois teclados. Quando tocado no teclado superior, apenas uma corda era dada; ao pressionar a tecla inferior, duas cordas vibravam, e o virginel soava com força e brilho redobrados. Para dar ao som uma plenitude especial, Ruckers adicionou uma terceira corda mais fina e afinada em oitava acima às duas cordas do coro. Assim, os dois teclados dos virginels de Ruckers possibilitavam tocar três cordas ao mesmo tempo, ou apenas uma delas. Uma de nossas ilustrações mostra uma foto de uma virgem por Rookers. A capa retrata em cores a disputa entre Apolo e Marte, um motivo favorito para as decorações artísticas dos cravos. De Hans Ruckers, a arte de fazer virgens passou para seus quatro filhos, que honrosamente guardaram os preceitos de seu pai. Já no início do século XVIII, os clavicimbals de Ruckers eram muito famosos e amplamente vendidos. Os melhores artistas holandeses de animais e natureza morta - Frank, Jan van Heysum - os decoraram com seu pincel habilidoso, de modo que o preço das ferramentas chegou a 3.000 libras. Mas - infelizmente! - os compradores muitas vezes desmontavam o próprio clavicimbal para preservar a pintura.

O leitor vê uma das melhores ferramentas do trabalho do filho de Ruckers na ilustração que acompanha. isto "cravo"(grande virgem) de Handel, que outrora despertou a admiração dos contemporâneos do compositor com sua beleza e suavidade de som. O instrumento de três coros está equipado com dois teclados com teclas cuidadosamente ajustadas e uma mesa de ressonância ressonante excelentemente trabalhada. Pequenas alças de madeira colocadas no canto esquerdo serviam para conectar e desconectar os teclados. No entanto, apesar de seu volume relativamente grande, este cravo ainda não estava equipado com pernas ou pedais (inventados no século XV pelo organista veneziano Bernardino), que serviam para duplicação de oitavas de tons graves.

Vemos todas essas adaptações no grande cravo feito em Londres, que representava a última palavra em construção com cravo. Este instrumento saiu em 1773 da famosa oficina de Bradwood, que ainda conserva a glória da melhor fábrica de pianos da Inglaterra. Na aparência, quase não difere de um piano de cauda moderno (com exceção, é claro, de dois teclados). Curioso é a sua moldura de madeira com nervuras transversais, usada pela primeira vez por Bradwood. Graças a uma série de registros para amplificação e várias modificações de sonoridade, este cravo deu um tom muito uniforme e forte.

Enquanto os britânicos mostraram preferência por instrumentos em sonoridade aproximada piano, na França, os amantes da música valorizavam sobretudo pequenos clavicimbals com um teclado, "espinhas", em homenagem ao mestre veneziano Giovanni Spinetti, que viveu no início do século 16 (a outra etimologia desta palavra de "spina" (agulha) é agora deixada). Segundo Praetoriycy, autor da mais completa descrição científica de instrumentos musicais do século XVI, a "espinha" é um pequeno instrumento quadrangular afinado uma quinta acima ou abaixo do tom real. Geralmente era colocado acima do "cravo". Tais instrumentos, do final do século XVI, ligando o cravo ordinário à espineta (para realçar a sonoridade), tive que encontrar mais de uma vez em antigas coleções alemãs e italianas. Uma variedade extremamente interessante de espinetas era o instrumento "clavicytherium". Tal "espinha vertical", foi fornecido com cordas intestinais. O uso deste último pode ser considerado apenas uma experiência malsucedida, pois as cordas intestinais não se mantinham afinadas, sucumbindo facilmente às influências atmosféricas. O clavicitherium sobreviveu até o século XVII, aparentemente com cordas intestinais impraticáveis. Mas a própria ideia do arranjo vertical das cordas chegou ao nosso tempo e é realizada no piano, cuja terra natal é a Itália. O instrumento que fotografamos no início do século XVI pertence aos espécimes mais antigos do claviciterium e é extremamente raro.

No século XVII, o nome "espineta" foi estendido a todos os clavicimbales de coro único em geral.

O aperfeiçoamento deste tipo de instrumentos de teclado é um grande mérito dos mestres parisienses, cujos produtos em meados do século XVIII eram considerados os melhores da Europa. Particularmente famoso por seus cravos (os chamados grandes espinetas na França) Pascal toscano, tendo construído em 1768 o instrumento "en peau de buffle". A essência de sua invenção foi que, junto com penas e palhetas elásticas, ele usava palhetas de búfalo em seus instrumentos de três coros, que, segundo sua própria garantia, não puxavam, mas acariciavam a corda com o toque. O chamado "jeu de buffle" poderia ser usado sozinho ou ao mesmo tempo que as penas. De facto, segundo os conhecedores da época, estes instrumentos ultrapassaram tudo o que até então se tinha feito no campo da construção do cravo. Seu som doce, suave e aveludado deu, com a ajuda de registros, vários acúmulos de força, e os tons graves se distinguiam por grande densidade e conteúdo.

A invenção da Toscana, é claro, se espalhou rapidamente na França e no exterior e, com o tempo, surgiu o "clavecin en peau de buffle" A crônica musical foi enriquecida quase todos os anos com novas descobertas no campo dos mecanismos do cravo. Assim, por exemplo, línguas de búfalo foram usadas pelo mestre de Dresden J. G. Wagner para a invenção que ele inventou em 1775 "clavecina real", que tinha quatro pedais, com os quais era possível imitar tocar harpa, alaúde e címbalos.

O próprio nome "clavecin royal" tem algumas semelhanças com a designação russa de cravos. "piano". Cravos melhorados começaram a ser construídos pela primeira vez na Rússia sob Catarina II, e entre suas damas da corte havia muitos cravistas habilidosos.

Ao mesmo tempo, o "cembalo angelico" foi lançado em Roma, com tangentes de couro, cobertos com veludo para obter os sons mais suaves possíveis. Outros inventores, ao contrário, tentaram interessar conhecedores e amadores com novos efeitos sonoros que pudessem ser extraídos de seus instrumentos.

Excelente Johann Sebastian Bach inventou o chamado alaúde clavicimbal. Sua invenção foi aprimorada por um mestre de Hamburgo I. Fleisher, que construiu clavicimbals especialmente teórbicos (teorba - alaúde baixo), que davam sons uma oitava abaixo do que um cravo comum. Esta contra-asa estava equipada com três registos, que faziam vibrar as cordas metálicas deste último. Os clavicimbals teóricos de Fleischer eram muito caros - até 2000 rublos para o nosso dinheiro.

Muito interessantes foram as tentativas de obter a sonoridade de um conjunto de cordas com a ajuda de um instrumento de teclado. Esta descoberta foi feita em 1600 pelo organista Joseph Haydn de Nuremberg. Tais instrumentos eram muito comuns no século 18. As principais características de seu mecanismo se resumiam ao fato de que, com a ajuda das teclas, uma série de arcos adjacentes às cordas intestinais eram acionadas. Os pedais do instrumento permitiam regular a força de pressão.

Este tipo de asas de arco deve incluir a "maravilha musical" do tempo de Catarina, a Grande - a orquestra de Strasser, agora mantida em l'Hermitage. Sobre um cravo semelhante construído em 1729 por um certo Sr. de Virbes, diz o famoso historiador I. H. Forkel. Este clavicimbal tinha a capacidade de imitar 18 instrumentos diferentes, e "a ilusão era tão completa que era possível tocar nele uma sinfonia inteira, que soava igual à execução de uma orquestra".

No entanto, o reinado do cravo estava chegando ao fim. Em 1711 Bartolomeo Cristofori, erroneamente também chamado de Christofali, um novo instrumento de teclado foi inventado, que ao longo do tempo substituiu os tipos antigos existentes. Cristofori substituiu o sistema de tangentes e asas no cravo por martelos que batiam nas cordas e assim as faziam soar. Enquanto no clavicimbale mais perfeito era possível obter apenas escassas tonalidades de sonoridade por um procedimento de registro complexo, um simples toque dos dedos nas teclas de um novo instrumento tornava possível aprimorar a sonoridade do pianíssimo mais delicado ao fortíssimo estrondoso. . Já no início do século XVIII, um mestre italiano finalmente projetou um mecanismo que continha todas as características essenciais de nossos modernos pianos de cauda. Graças ao mecanismo de percussão, a força do som agora dependia apenas da força de pressionar a tecla, o que imediatamente abriu uma área completamente nova de jogo infinitamente variado com tons dinâmicos ao tocar uma composição para o cravo. Cristofori nomeou seu instrumento, que podia ser tocado baixinho ou alto à vontade, "Gravicembalo (distorted clavicembalo) col piano e forte".

A invenção de Cristofori passou despercebida por seus contemporâneos, e o modesto curador do Museu do Príncipe Médici provavelmente nunca sonhou que o piano que ele construiu (cuja foto é colocada neste artigo) seria cuidadosamente guardado como um tesouro nacional no melhor italiano museu. Sua prole teve que suportar uma luta feroz com os restos da antiguidade musical, que terminou apenas nos anos 20 do século XIX.

Apesar do fato de que de fora a história do cravo antigo foi estudada em todos os detalhes, existem muitas questões que ainda não foram adequadamente cobertas pela pesquisa científica. Essas questões dizem respeito à natureza da sonoridade e ao uso de ambos os instrumentos na execução da música antiga.

De ambos os tipos de cravo, o clavicimbal desempenhou um papel incomparavelmente mais significativo na história da arte musical. Desde o advento do canto solo, ele ocupou uma posição de liderança como baixo geral, instrumento de acompanhamento. Além disso, a música solo de cravo, que deve seu desenvolvimento ao gênio musical dos povos românicos, cresceu exclusivamente com base na sonoridade do cravo.

Como já apontamos, o clavicimbalo (ou "chembalo", segundo a nomenclatura italiana) tinha o poder da sonoridade independentemente do próprio instrumentista. Nesse aspecto, assemelhava-se a um órgão. O sistema de registros apenas até certo ponto eliminou essa principal desvantagem do instrumento, e cravos caseiros baratos geralmente tinham apenas um registro. Sendo, por um lado, relacionado ao órgão, o clavicimbal, por outro, parecia um alaúde como instrumento de percussão. É bastante notável que originalmente o alaúde e o órgão desempenhassem o mesmo papel na execução do baixo geral, assim como o clavicimbal em uma época posterior. Este último, graças aos seus méritos especiais, finalmente conquistou uma vitória sobre seus rivais. Comparado ao alaúde, distinguia-se pela maior facilidade de tocar acordes, enquanto o órgão era superior em sua mobilidade, bem como pela capacidade de se fundir com os timbres de outros instrumentos, geralmente suprimidos pela sonoridade massiva do órgão. O tom delicado do clavicimbal é, por assim dizer, criado para a parte geral do baixo de uma velha orquestra, e isso se torna imediatamente perceptível quando o som duro e agudo do piano toma seu lugar.

Os teóricos do século XVIII reconheceram unanimemente que nenhuma música de conjunto é possível sem a participação de um cembalo. "A sonoridade universal do clavicimbal", escreve Matheson, "cria a base inevitável para todos os tipos de igreja, teatro e música de câmara". Até meados do século XVIII, o cravo era também o único instrumento de cravo solo, e esta circunstância obriga-nos a ter em conta as suas características sonoras na execução da música de cravo do período pré-piano. Chr. Schubart, autor de um tratado de estética musical: "O tom do clavitimbal tem um caráter linear simples, mas é tão claro quanto os desenhos de Kneller ou Chodovetsky, desprovidos de qualquer sombra. tocar este instrumento com clareza, o que equivale a estudar desenho musical musical". Esta comparação define de forma inusitada a essência da sonoridade clavicimbal. A rica tecelagem polifônica do século XVIII sobressai de forma extremamente clara em tal instrumento, e isso, em certa medida, explica a escrita primorosamente polifônica dos antigos mestres do cravo.

A dificuldade inerente ao piano de tocar várias vozes musicalmente iguais com a mesma distinção não é familiar ao clavicimbalo. Como as teclas são tocadas uniformemente, as cordas dão exatamente o mesmo efeito. Ao mesmo tempo, em contraste com o piano, no qual a polifonia facilmente se transforma em um caos incompreensível de sons, os sons do clavicimbal são percebidos pelo ouvido de forma completamente separada e clara.

Não é difícil estabelecer quais qualidades eram especialmente valiosas aos olhos dos músicos dos séculos passados. Deve-se levar em conta que a literatura de cravo desenvolvida em um período da história musical em que tocar o cravo servia apenas como um passatempo agradável nas horas livres. Tudo de profundo e sublime que a música de cravo continha foi emprestado do tesouro das composições de órgão.

Os autores franceses admiravam principalmente sua mobilidade e leveza sonora. Historiadores e poetas alemães glorificaram o timbre prateado do instrumento. Mas todos concordaram que o clavicímbal sem alma não era adequado para expressar emoções ternas, melancolia e sensibilidade do coração humano e, portanto, na era do sentimentalismo, o clavicórdio injustamente esquecido voltou à tona, capaz de transmitir os mais sutis tons de expressão musical.

Clavicórdio, como já é do conhecimento dos leitores, possui um mecanismo de percussão muito primitivo. Mas é justamente essa simplicidade em transferir o golpe para a tecla que cria uma proximidade especial entre o intérprete e o instrumento em que ele toca. O som do clavicórdio é fraco e muito mais próximo do prateado do cravo do que do piano moderno. Mas a identidade musical do clavicórdio ainda é tão pouco explorada que os indícios históricos mais significativos são as descrições do mesmo, como encontramos nos romances da época de Werther e Charlotte.

O “clavicórdio”, como escreve Schubart, já citado por nós, “o clavicórdio solitário e melancólico tem uma enorme vantagem sobre o piano. , portamentos, ou vibração suave, em uma palavra, todas essas características básicas a partir das quais nosso sentimento é criado.

Qual era a "vibração necessária", que era usada com muita habilidade pelos tocadores de clavicórdio, sabemos pela descrição de Burney "a, o famoso crítico inglês, um fervoroso admirador de F. E. Bach, que já foi considerado o maior virtuoso da o clavicórdio.

"Quando Bach precisou extrair o tom certo de seu cravo, ele tentou dar um tom de tristeza e sofrimento profundo, o que só era possível em um clavicórdio."

No livro de Bach, também encontramos instruções detalhadas sobre como tocar com uma vibração tão necessária. Foi obtido pela leve vibração do dedo na tecla (como os violinistas fazem em um caso semelhante em seu instrumento).

O clavicórdio tornou-se um instrumento favorito da era do sentimentalismo. Mas a "era do clavicórdio" também não durou muito. Já no final do século XVIII, o piano começou a conquistar o direito de cidadania no cotidiano musical. Mozart foi o primeiro virtuoso a tocar o "cravo martelado" em público, e seu gênio consagrou este novo instrumento. O rápido crescimento das melhorias técnicas no mecanismo do piano finalmente suplantou as formas mais imperfeitas do cravo, e já no início do século 19, a própria memória dos sons suaves e cativantes do clavicórdio entrou no reino da antiguidade distante, em o reino das lendas musicais meio esquecidas.

Cravo(do francês clavecin; italiano cembalo, clavicembalo; cravo inglês) é um instrumento musical de cordas de teclado com um método de extração de som dedilhado. Um músico que executa obras no cravo e suas variedades é chamado de cravista.

Dispositivo

Inicialmente, o cravo tinha uma forma quadrangular, no século XVII adquiriu uma forma triangular oblonga em forma de asa, cordas de metal começaram a ser usadas em vez de veias. Suas cordas são dispostas horizontalmente, paralelas às teclas, geralmente na forma de vários coros, e os grupos de cordas de diferentes manuais estão em diferentes níveis de altura. Externamente, os cravos eram geralmente elegantemente acabados: o corpo era decorado com desenhos, incrustações e entalhes. Na época de Luís XV, o acabamento do cravo combinava com os móveis elegantes da época. Nos séculos XVI-XVII, os cravos dos mestres de Antuérpia Ruckers destacaram-se pela qualidade sonora e pelo design artístico.

História

A primeira menção de um instrumento do tipo cravo (clavicembalum, do latim clavis - "chave" e cymbalum - "címbalo") aparece em uma fonte de 1397 de Pádua (Itália). A imagem mais antiga está no altar da catedral na cidade alemã de Minden, datada de 1425. A primeira descrição prática de um instrumento semelhante ao cravo (um clavicórdio dedilhado) com desenhos foi dada pelo holandês Arno de Zwolle por volta de 1445.

Cravos do século 15 não sobreviveram. A julgar pelas imagens, eram instrumentos curtos com um corpo pesado. A maioria dos cravos sobreviventes do século XVI foram feitos na Itália, onde Veneza era o principal centro de sua produção. Eles tinham um registro 8` (menos frequentemente dois registros 8` e 4`), eles se distinguiam por sua elegância. Seu corpo era mais frequentemente feito de cipreste. O ataque a esses cravos era mais distinto e o som mais abrupto do que o dos instrumentos flamengos posteriores. O mais importante centro de produção de cravo no norte da Europa era Antuérpia, onde os representantes da família Ruckers trabalhavam desde 1579. Seus cravos têm cordas mais longas e corpos mais pesados ​​que os instrumentos italianos. Desde a década de 1590, cravos com dois manuais foram produzidos em Antuérpia.