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A pintura é um dos tipos de artes plásticas. A pintura é dividida nos seguintes tipos:

• monumental;
• cavalete;
• teatral e decorativo;
• decorativo;
• miniatura.

Ao contrário de outros tipos, na pintura, a cor tem o principal significado expressivo, graças ao qual desempenha um papel estético, cognitivo, ideológico e documental.

A pintura é a transferência de uma imagem com tintas líquidas, em oposição aos gráficos. Tinta a óleo, têmpera, guache, esmalte, aquarela, etc. atuam como tintas.

O estilo de pintura é uma direção com ideias gerais, técnicas de execução e técnicas de imagem características. A formação de estilos foi influenciada pela política e economia, ideologia e religião. Portanto, cada estilo pode ser considerado como um representante de seu tempo.

As direções e estilos de pintura não são menos diversos do que os meios de sua representação. Às vezes não há uma divisão clara de estilos. Quando você mistura vários estilos, obtém um novo. Mas com toda a diversidade, existem várias direções principais:

gótico

Este estilo europeu era comum nos séculos 9 a 14. Histórias bíblicas, falta de perspectiva, emotividade e pretensão são as principais características desse estilo. Representantes: Giotto, Traini.

Renascimento

O século 14-16 marca o retorno à antiguidade, a glorificação da beleza do corpo humano, o humanismo. Os principais representantes são Michelangelo Buonarotti, Leonardo da Vinci.

Maneirismo

Direção na pintura do século XVI. O estilo é o oposto do Renascimento. O nome vem da palavra "maneira". Representantes desta tendência Vasari, Duve.

Barroco

Estilo pomposo e luxuoso de pintura dos séculos XVI a XVIII na Europa. Distingue-se pelo brilho das cores, atenção aos detalhes e decorações.

Rococó

século 16 Uma continuação mais refinada, refinada e íntima do estilo barroco. Representantes: Bush, Watteau.

Classicismo

Estilo inerente à cultura europeia dos séculos XVII-XIX. Uma imagem do ponto de vista do classicismo deve ser construída sobre cânones estritos. O estilo do classicismo é herdeiro da antiguidade e do Renascimento. Os principais representantes desse estilo são Raphael, Poussin.

Império

estilo do século XIX. O nome do estilo vem da palavra "império". É uma continuação do desenvolvimento do classicismo em sua majestade, luxo e sofisticação. O principal representante é J. L. David.

Romantismo

Estilo do século XIX, precedido pelo classicismo. Emocionalidade, individualidade, expressividade das imagens. Ele foi distinguido pela imagem de emoções como horror, reverência. Promove tradições folclóricas, lendas, história nacional. Representantes: Goya, Bryullov, Delacroix, Aivazovsky.

Primitivismo

Estilo de pintura do século XIX. Uma imagem estilizada e simplificada resultando em formas primitivas que lembram desenhos primitivos. Um representante proeminente é Pirosmani.

Realismo

Estilo dos séculos XIX e XX. Basicamente reflete com veracidade a realidade objetiva, sem emotividade excessiva. As pessoas eram frequentemente retratadas no trabalho. Artistas: Repin, Shishkin, Savrasov, Manet.

Abstracionismo

Estilo dos séculos XIX e XX. Combinação harmoniosa de cores de formas geométricas, visando obter uma variedade de associações. Representantes: Picasso, Kandinsky.

Impressionismo

Estilo dos séculos XIX e XX. O estilo de pintar ao ar livre, ao ar livre. Os transbordamentos de luz feitos de maneira característica, a técnica de um pequeno golpe, o movimento transmitido pelo mestre. O nome do estilo foi dado pela pintura de Monet "Impression". Os principais representantes desse estilo são Renoir, Monet, Degas.

expressionismo

estilo do século 20. Um retrato exagerado da emoção para maior efeito sobre o espectador. Entre os representantes desse estilo estão Modigliani, Munch.

Cubismo

Estilo vanguardista do século XX. Caracteriza-se por linhas quebradas (cúbicas), uma certa combinação de objetos, vistos simultaneamente de vários pontos de vista. Picasso é considerado o fundador deste estilo.

Modernismo

Estilo dos séculos XIX e XX. É o antípoda das imagens conservadoras do realismo. O estilo de pintura ultrajante e plástico apresenta pinturas originais que refletem o mundo interior do artista. Representantes: Picasso, Matisse.

Arte pop

estilo do século 20. Uma representação irônica de objetos banais, muitas vezes vulgares. Comumente usado em marketing e publicidade. Um representante proeminente desta tendência é Andy Warhol.

Simbolismo

Direção 19-20 séculos. Espiritualidade, sonhos, mitos e lendas. Símbolos, muitas vezes ambíguos, caracterizam esse estilo. É um precursor do expressionismo e do surrealismo. Representantes: Vrubel, Vasnetsov, Nesterov.

Surrealismo

estilo do século 20. Alusões, misturando espaços de realidade e sonho, colagens inusitadas. Causa uma impressão no subconsciente. Uma grande contribuição para este estilo foi feita por Dali, Magritte.

subterrâneo

Uma tendência experimental na arte contemporânea que reflete o comportamento anti-social em violação dos princípios morais e éticos geralmente aceitos. O representante do estilo é Shemyakin.

O que é estilo?

O que exatamente se entende por estilo na arte? Esta é uma espécie de unidade ideológica e artística, graças à qual os artistas preferem certos temas e meios visuais especiais. Eles permanecem individuais, mas olhando para esta ou aquela tela, já é possível determinar com quase precisão a época e o estilo.

A Europa tomou forma na Idade Média. E a pintura desenvolvida a partir da pintura de ícones. Em solo russo, havia até um gênero de transição - parsuna. Isso não é mais um ícone, mas ainda não é um retrato. E somente quando a arte é gradualmente libertada do poder da igreja, torna-se mais mundana e secular, a pintura como forma de arte adquire todos os direitos.

Estilo após estilo

O primeiro estilo pan-europeu na pintura pode ser considerado não o estilo românico e gótico (há principalmente arquitetura), mas o barroco.

Este é o estilo das dicas, omissões, alegorias, o estilo das alegorias e metáforas. Rembrandt e Rubens são seus representantes típicos. O rococó é uma espécie de barroco degenerado. O estilo não está tanto na pintura como na arte aplicada. F. Boucher e A. Watteau deixaram os exemplos mais marcantes da pintura rococó. Esta pintura em si é refinada, com um toque de erotismo, desenhada em tons pastel, cheia de motivos mitológicos. O século XVIII torna-se o século do domínio do classicismo. Esta já é uma pintura heróica, na qual governantes e generais são glorificados. Há um vício dos artistas por assuntos mitológicos e históricos. Proporções estritas, a unidade de conteúdo e forma, a divisão de personagens em positivos e negativos, em principais e secundários - essas são apenas algumas das características do classicismo. Então vem uma era curta, mas brilhante, de sentimentalismo. Na esfera de sua influência, além da pintura, há também a poesia. Os sentimentalistas aprofundam o conteúdo da arte, enchem-no de tensão psicológica. Eles voltam a pintura para as necessidades e demandas das pessoas comuns. A arte é democratizada. Nas telas agora - não deuses e heróis, mas cozinheiros, lavadeiras, trabalhadores. Para o trabalho mais feio. O romantismo substitui o sentimentalismo. Com suas paixões tempestuosas, personagens inusitados, não domésticos, o culto da inspiração. Basta comparar os retratos de Pushkin de Kiprensky e Tropinin para sentir a diferença fundamental entre eles. O romântico Kiprensky também tem Pushkin um romântico, tendo como pano de fundo uma lira. O realista Tropinin desenha o poeta como um homem, com o colarinho da camisa casualmente aberto, mas com uma caneta nas mãos.

Realismo - sério e por muito tempoA arte realista dos anos trinta do século XIX começa a abrir caminho. E muito em breve começa a definir e moldar os gostos artísticos de um número significativo de público. No coração do realismo está o desejo de uma reflexão verdadeira e abrangente da realidade circundante, uma atitude crítica em relação aos valores burgueses e uma forte orientação social. Na Rússia, a pintura realista é, antes de tudo, os Andarilhos. Na virada do século, o realismo está passando por uma certa crise temporária. Mas acaba por ser suficiente para o modernismo aparecer. Este termo é usado para designar uma coleção heterogênea daqueles movimentos artísticos e escolas que buscaram se livrar dos grilhões da arte tradicional, romper com o realismo e sua representação do sujeito.

Brilho alternativo ou falso?

O modernismo é tanto impressionismo quanto fauvismo, simbolismo e futurismo. O público vê cada vez menos nas telas pessoas, natureza, animais. Em vez disso - proporções distorcidas, tons pouco claros. Tudo é colorido pelas emoções e humores momentâneos deste ou daquele autor. Mais para vir, como dizem. Depois do modernismo - abstracionismo. Já são manchas coloridas, linhas curvas, uma combinação bizarra de corpos geométricos. Cubismo, Raionismo, Surrealismo. Salvou apenas talento. É sobre Picasso ou Dali. A mediocridade engoliu o verão. Seu destino é o esquecimento na história. Finalmente, o pós-modernismo, cuja idade se arrastou por um tempo excessivamente longo. Não há mais regras e cânones. Nenhuma confissão ou sermão. Vamos todos. Ecletismo completo, ou seja, uma mistura de estilos e elementos heterogêneos. Aposte no sucesso comercial.

A que chegaram? O desenvolvimento dos estilos de pintura, infelizmente, confirma a conjectura do filósofo espanhol J. Ortega y Gaset sobre o advento da era da "desumanização da arte". Ninguém nega a necessidade de auto-expressão e ninguém limita o artista na escolha dos meios para isso. É triste que muitas pessoas tendam a pensar, como a velha Shapoklyak do desenho animado, “você não pode se tornar famoso por boas ações”. Quanto mais escandaloso, mais alto o sucesso previsto. E não se sabe de tais "artistas" que o tempo ainda eliminará toda a escória e casca, e a verdadeira arte permanecerá. Nenhuma sujeira vai grudar nele.

• PALESTRA. OKSANA RYMARENKO: "LUQUISMO entre os "ismos" da arte abstrata"

Estudantes, estudantes de pós-graduação, jovens cientistas que usam a base de conhecimento em seus estudos e trabalhos ficarão muito gratos a você.

INTRODUÇÃO

1. TIPOS DE PINTURA

2. PINTURA E SEUS GÊNEROS

CONCLUSÃO

BIBLIOGRAFIA

INTRODUÇÃO

A palavra "pintura" é formada pelas palavras "viver" e "escrever". “Pintura”, explica Dahl, “para representar correta e vividamente com um pincel ou com palavras, com uma caneta”. Para o pintor, retratar corretamente significa a transferência exata da aparência externa do que viu, suas características mais importantes. Foi possível transmiti-los corretamente por meios gráficos - linha e tom. Mas é impossível transmitir vividamente com esses meios limitados a multicolorida do mundo circundante, a pulsação da vida em cada centímetro da superfície colorida de um objeto, o encanto desta vida e o constante movimento e mudança. A pintura, um dos tipos de artes plásticas, ajuda a refletir verdadeiramente a cor do mundo real.

A cor - principal meio pictórico e expressivo da pintura - tem tom, saturação e leveza; parece fundir em um todo tudo o que é característico do sujeito: tanto o que pode ser representado por uma linha quanto o que é inacessível a ela.

A pintura, como os gráficos, usa linhas claras e escuras, traços e manchas, mas ao contrário, essas linhas, traços e manchas são coloridas. Eles transmitem a cor da fonte de luz através de superfícies brilhantes e brilhantes, esculpem uma forma tridimensional com a cor do objeto (local) e a cor refletida pelo ambiente, estabelecem relações espaciais e profundidade, retratam a textura e a materialidade dos objetos.

A tarefa da pintura não é apenas mostrar algo, mas também revelar a essência interior do retratado, reproduzir "personagens típicos em circunstâncias típicas". Portanto, uma verdadeira generalização artística dos fenômenos da vida é a base dos fundamentos da pintura realista.

1. TIPOS DE PINTURA

pintura monumental- Este é um tipo especial de pinturas em grande escala, decorando as paredes e tetos das estruturas arquitetônicas. Revela o conteúdo dos grandes fenómenos sociais que tiveram um impacto positivo no desenvolvimento da sociedade, glorifica-os e perpetua-os, ajudando a educar as pessoas no espírito de patriotismo, progresso e humanidade. A grandiosidade do conteúdo da pintura monumental, o tamanho significativo de suas obras, a conexão com a arquitetura exigem grandes massas de cor, simplicidade estrita e laconismo de composição, clareza de contornos e generalização da forma plástica.

pintura decorativaÉ usado para decorar edifícios e interiores na forma de painéis coloridos que, com uma imagem realista, criam a ilusão de uma ruptura na parede, um aumento visual no tamanho da sala ou, pelo contrário, formas deliberadamente achatadas confirmam a planicidade da parede e o isolamento do espaço. Padrões, grinaldas, grinaldas e outros tipos de decoração que adornam obras de pintura e escultura monumentais unem todos os elementos do interior, realçando a sua beleza e coerência com a arquitectura.

Pintura teatral e decorativa(cenário, figurino, maquiagem, adereços, feitos de acordo com os esboços do artista) ajuda a revelar mais profundamente o conteúdo da performance. As condições teatrais especiais para a percepção do cenário exigem que se levem em conta os muitos pontos de vista do público, sua grande distância, o impacto da iluminação artificial e os destaques coloridos. O cenário dá uma ideia do lugar e do tempo da ação, ativa a percepção do espectador sobre o que está acontecendo no palco. O artista de teatro se esforça para expressar nitidamente o caráter individual dos personagens, seu status social, o estilo da época e muito mais em esboços de figurinos e maquiagem.

pintura em miniatura foi muito desenvolvido na Idade Média, antes da invenção da impressão. Livros manuscritos foram decorados com os melhores enfeites de cabeça, finais e ilustrações detalhadas em miniatura. Artistas russos da primeira metade do século XIX usaram habilmente a técnica pictórica da miniatura para criar pequenos retratos (principalmente aquarela). As cores puras e profundas das aquarelas, suas combinações requintadas, a delicadeza da pintura distinguem esses retratos, cheios de graça e nobreza.

pintura de cavalete, realizado em uma máquina-ferramenta - um cavalete, usa madeira, papelão, papel como base material, mas na maioria das vezes uma tela esticada em uma maca. Uma pintura de cavalete, sendo uma obra independente, pode retratar absolutamente tudo: factual e ficcional do artista, objetos e pessoas inanimadas, modernidade e história - em uma palavra, a vida em todas as suas manifestações. Ao contrário dos gráficos, a pintura de cavalete tem uma riqueza de cores, o que ajuda a transmitir emocionalmente, psicologicamente e transmitir sutilmente a beleza do mundo ao redor.

Pela técnica e pelos meios de execução, a pintura é dividida em óleo, têmpera, afresco, cera, mosaico, vitral, aquarela, guache, pastel. Esses nomes foram derivados do aglutinante ou do método de uso de meios materiais e técnicos.

Pintura a óleo feito com tinta apagada em óleos vegetais. Tinta espessa, quando óleo ou diluentes e vernizes especiais são adicionados a ela, liquefaz. A tinta a óleo pode ser usada em tela, madeira, papelão, papel, metal.

Têmpera a pintura é feita com tinta preparada em gema de ovo ou caseína. A tinta de têmpera se dissolve com água e é aplicada pastosa ou líquida na parede, tela, papel, madeira. Têmpera na Rússia criou pinturas de parede, ícones e padrões em utensílios domésticos. Em nosso tempo, a têmpera é usada na pintura e nos gráficos, nas artes e ofícios e na arte e design.

pintura a fresco adorna interiores na forma de composições monumentais e decorativas aplicadas em gesso úmido com tintas à base de água. O afresco tem uma superfície fosca agradável e é durável em condições internas.

pintura a cera(encáustica) foi usado pelos artistas do Egito Antigo, como evidenciado pelos famosos "retratos de Fayum" (século I dC). O aglutinante em encáustica é cera branqueada. As tintas de cera são aplicadas em estado fundido em uma base aquecida, após o que são cauterizadas.

pintura em mosaico, ou mosaico, é montado a partir de peças individuais de pedras esmaltadas ou coloridas e fixadas em um solo de cimento especial. O smalt transparente, inserido no solo em diferentes ângulos, reflete ou refrata a luz, fazendo com que a cor pisque e brilhe. Painéis de mosaico podem ser encontrados no metrô, em interiores de teatros e museus, etc. A pintura de vitrais é uma obra de arte decorativa destinada a decorar aberturas de janelas em qualquer estrutura arquitetônica. O vitral é composto por pedaços de vidro colorido presos com uma estrutura de metal forte. O fluxo luminoso, rompendo a superfície colorida do vitral, desenha padrões decorativos espetaculares e multicoloridos no piso e nas paredes do interior.

2. PINTURA E SEUS GÊNEROS

Gêneros de pintura (gênero francês - gênero, tipo) - a divisão histórica das pinturas de acordo com os temas e objetos da imagem. Na pintura moderna, existem os seguintes gêneros: retrato, histórico, mitológico, batalha, vida cotidiana, paisagem, natureza morta, gênero animalesco.

Embora o conceito de "gênero" tenha surgido na pintura há relativamente pouco tempo, certas diferenças de gênero existem desde os tempos antigos: imagens de animais em cavernas da era paleolítica, retratos do Egito Antigo e da Mesopotâmia de 3000 aC, paisagens e naturezas-mortas nos estilos helenístico e romano mosaicos e afrescos. A formação do gênero como sistema na pintura de cavalete começou na Europa nos séculos XV-XV. e terminou principalmente no século XVII, quando, além da divisão das belas artes em gêneros, surgiu o conceito de gêneros "alto" e "baixo", dependendo do assunto da imagem, tema, enredo.

O gênero "alto" incluiu gêneros históricos e mitológicos, enquanto o gênero "baixo" incluiu retrato, paisagem e natureza morta. Essa gradação de gêneros durou até o século XIX. Assim, na Holanda do século XVII, foram precisamente os gêneros "baixos" que se tornaram líderes na pintura (paisagem, gênero cotidiano, natureza morta), e o retrato cerimonial, que formalmente pertencia ao gênero "baixo" do retrato, fez não lhe pertence.

Tendo se tornado uma forma de reflexão da vida, os gêneros da pintura, com toda a estabilidade dos traços comuns, não são invariáveis, eles se desenvolvem com a vida, mudando à medida que a arte se desenvolve. Alguns gêneros morrem ou adquirem um novo significado (por exemplo, o gênero mitológico), novos surgem, geralmente dentro dos pré-existentes (por exemplo, uma paisagem arquitetônica e uma marina apareceram no gênero paisagem). Há obras que combinam diferentes gêneros (por exemplo, uma combinação do gênero cotidiano com uma paisagem, um retrato de grupo com um gênero histórico).

Um gênero de arte que reflete a aparência externa e interna de uma pessoa ou grupo de pessoas é chamado retrato. Este gênero é difundido não apenas na pintura, mas também na escultura, gráficos, etc. Os principais requisitos para um retrato são a transferência de semelhança externa e a revelação do mundo interior, a essência do caráter de uma pessoa. Pela natureza da imagem, distinguem-se dois grupos principais: retratos cerimoniais e de câmara. O retrato cerimonial mostra uma pessoa em pleno crescimento (a cavalo, em pé ou sentado), contra um fundo arquitetônico ou paisagístico. Em um retrato de câmara, uma imagem de meio comprimento ou peito é usada em um fundo neutro. Um autorretrato se destaca em um grupo especial - a imagem do artista de si mesmo.

O retrato é um dos gêneros mais antigos das belas artes, originalmente tinha um propósito cult, era identificado com a alma do falecido. No mundo antigo, o retrato se desenvolveu mais na escultura, bem como nos retratos pictóricos - retratos Faiyum dos séculos I e III. Na Idade Média, o conceito de retrato foi substituído por imagens generalizadas, embora existam algumas características individuais na representação de figuras históricas em afrescos, mosaicos, ícones e miniaturas. O gótico tardio e o renascimento é um período turbulento no desenvolvimento do retrato, quando o gênero retrato está emergindo, atingindo as alturas da fé humanista no homem e da compreensão de sua vida espiritual.

O gênero de belas artes dedicado a eventos e personagens históricos é chamado gênero histórico. O gênero histórico, caracterizado pela monumentalidade, há muito se desenvolve na pintura de parede. Do Renascimento ao século XIX artistas usavam os enredos da mitologia antiga, lendas cristãs. Muitas vezes, os eventos históricos reais retratados na imagem estavam saturados de personagens alegóricos mitológicos ou bíblicos.

O gênero histórico está entrelaçado com outros - o gênero cotidiano (cenas históricas e cotidianas), retrato (imagem de figuras históricas do passado, composições retrato-históricas), paisagem ("paisagem histórica"), se funde com o gênero batalha.

O gênero histórico se materializa em formas de cavalete e monumental, em miniaturas e ilustrações. Originário da antiguidade, o gênero histórico combinou eventos históricos reais com mitos. Nos países do Oriente Antigo, havia até tipos de composições simbólicas (a apoteose das vitórias militares do monarca, a transferência do poder para ele por uma divindade) e ciclos narrativos de murais e relevos. Na Grécia antiga havia imagens escultóricas de heróis históricos, na Roma antiga foram criados relevos com cenas de campanhas militares e triunfos.

Na Idade Média na Europa, os acontecimentos históricos se refletiam nas miniaturas das crônicas, nos ícones. O gênero histórico na pintura de cavalete começou a tomar forma na Europa durante o Renascimento, nos séculos XVII e XVIII. era considerado um gênero "alto", trazendo à tona (enredos religiosos, mitológicos, alegóricos, na verdade históricos).

As imagens do gênero histórico estavam repletas de conteúdo dramático, altos ideais estéticos e profundidade das relações humanas.

O gênero de belas artes dedicado aos heróis e eventos que contam os mitos dos povos antigos é chamado gênero mitológico(do grego. mythos - tradição). O gênero mitológico entra em contato com o histórico e toma forma no Renascimento, quando as lendas antigas ofereciam as mais ricas oportunidades para a encarnação de histórias e personagens com implicações éticas complexas, muitas vezes alegóricas. No século XVII -- cedo No século XIX, nas obras do gênero mitológico, amplia-se a gama de problemas morais, estéticos, que se encarnam em altos ideais artísticos e ou se aproximam da vida ou criam um espetáculo festivo. Dos séculos XIX-XX. os temas dos mitos germânicos, celtas, indianos e eslavos tornaram-se populares.

gênero de batalha(do francês bataille - batalha) é um gênero de pintura que faz parte do gênero histórico, mitológico e é especializado em retratar batalhas, façanhas militares, operações militares, glorificando as proezas militares, a fúria da batalha, o triunfo da vitória. O gênero de batalha pode incluir elementos de outros gêneros - doméstico, retrato, paisagem, animalesco, natureza morta.

Um gênero de belas artes que mostra cenas do cotidiano, vida pessoal de uma pessoa, vida cotidiana da vida camponesa e urbana, é chamado gênero cotidiano. O apelo à vida e aos costumes do povo já se encontra nas pinturas e relevos do Antigo Oriente, na pintura e escultura em vasos antigos, nos ícones medievais e nos livros de horas. Mas o gênero cotidiano se destacou e adquiriu formas características apenas como fenômeno da arte secular de cavalete. Suas principais características começaram a tomar forma nos séculos XIV - XV. em pinturas de altar, relevos, tapeçarias, miniaturas na Holanda, Alemanha, França. No século 16, na Holanda, o gênero cotidiano começou a se desenvolver rapidamente e ficou isolado. Um de seus fundadores foi Hieronymus Bosch.

O desenvolvimento do gênero cotidiano na Europa foi muito influenciado pela obra de Pieter Brueghel: ele se move para um gênero cotidiano puro, mostra que a vida cotidiana pode ser objeto de estudo e fonte de beleza. O século XVII pode ser chamado de século do gênero cotidiano em todas as escolas de pintura da Europa.

No século XVIII. na França, a pintura de gênero é associada à representação de cenas galantes, "pastorais", torna-se refinada e graciosa, irônica. As obras do gênero cotidiano são diversas: mostravam o calor da vida doméstica e o exotismo de terras distantes, experiências sentimentais e paixões românticas. O gênero cotidiano, focado em mostrar a vida camponesa e a vida de um morador da cidade, desenvolveu-se vividamente na pintura russa do século XIX: por exemplo, nas obras de A.G. Venetsianov, P.A. Fedotov, V.G. Perov, I.E. Repin.

O gênero de belas artes, onde o principal é a imagem da natureza, o meio ambiente, vistas do campo, cidades, monumentos históricos, é chamado paisagem(Pagamento francês). Há paisagem rural, urbana, arquitetônica, industrial, marinha (marinha) e paisagem fluvial.

Na antiguidade e na Idade Média, a paisagem aparece nas pinturas de templos, palácios, ícones e miniaturas. Na arte européia, os pintores venezianos do Renascimento foram os primeiros a se voltar para a imagem da natureza. A partir do século XVI a paisagem torna-se um gênero independente, suas variedades e direções se formam: paisagem lírica, heróica, documental. No século 19 as descobertas criativas dos mestres da paisagem, sua saturação com questões sociais, o desenvolvimento do plein air (imagem do ambiente natural) culminou nas conquistas do impressionismo, que deu novas oportunidades na transmissão pictórica da profundidade espacial, a variabilidade do ambiente de luz e ar, e a complexidade das cores.

Um gênero de arte que mostra utensílios domésticos, trabalho, criatividade, flores, frutas, caça morta, peixes capturados, colocados em um ambiente doméstico real, é chamado natureza morta(fr. nature morte - natureza morta). Uma natureza morta pode ser dotada de um significado simbólico complexo, desempenhar o papel de um painel decorativo, ser um assim chamado. "engano", que dá uma reprodução ilusória de objetos ou figuras reais, causando o efeito da presença da natureza genuína.

A imagem dos objetos é conhecida na arte da antiguidade e da Idade Média. Mas a primeira natureza morta na pintura de cavalete é a pintura do artista veneziano Jacopo de Barbari "Perdiz com flecha e luvas". Já no século XVI, a natureza morta é dividida em vários tipos: o interior de uma cozinha com ou sem pessoas, uma mesa posta em ambiente rural, "vanitas" com objetos simbólicos (um vaso de flores, uma vela apagada, instrumentos musicais ). A natureza morta holandesa era especialmente rica, modesta nas cores e nas coisas representadas, mas requintada na textura expressiva dos objetos, no jogo de cores e luzes.

Um gênero de arte que retrata animais é chamado gênero animal(do lat. animal - animal). O artista animal presta atenção às características artísticas e figurativas do animal, seus hábitos, expressividade decorativa da figura, silhueta. Muitas vezes os animais são dotados de características inerentes às pessoas, ações e experiências. Imagens de animais são frequentemente encontradas em esculturas antigas, pinturas de vasos.

CONCLUSÃO

Em conclusão, vamos resumir o acima:

A pintura é dividida em monumental, decorativa, teatral e decorativa, miniatura e cavalete.

Pela técnica e pelos meios de execução, a pintura é dividida em óleo, têmpera, afresco, cera, mosaico, vitral, aquarela, guache, pastel.

Na pintura moderna, existem os seguintes gêneros: retrato, histórico, mitológico, batalha, vida cotidiana, paisagem, natureza morta, gênero animalesco.

A pintura histórica é uma imagem de certos momentos históricos, bem como figuras da vida pública do passado.

A pintura de batalha visa capturar batalhas, batalhas e guerras. A pintura mitológica retrata eventos descritos em mitos, épicos e lendas.

A pintura cotidiana (gênero) é uma imagem de cenas da vida real, suas realidades e atributos.

A pintura de paisagem (paisagem) é uma imagem da natureza natural ou de qualquer área.

A pintura de retrato é uma representação artística de uma pessoa. Um tipo específico de retrato é o autorretrato.

Uma natureza morta é uma imagem de vários objetos inanimados, por exemplo, frutas, flores, utensílios domésticos, utensílios, colocados em um ambiente doméstico real e organizados composicionalmente em um único grupo.

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A pintura é uma das artes antigas, que ao longo de muitos séculos evoluiu das pinturas rupestres paleolíticas para as últimas tendências do século XX e até do século XXI. Esta arte nasceu quase com o advento da humanidade. Os povos antigos, nem mesmo se realizando plenamente como pessoa, sentiram a necessidade de retratar o mundo ao seu redor na superfície. Desenhavam tudo o que viam: animais, natureza, cenas de caça. Para pintar, eles usaram algo semelhante a tintas feitas de materiais naturais. Eram cores da terra, carvão, fuligem preta. Os pincéis eram feitos de pelos de animais, ou simplesmente pintados com os dedos.

Como resultado das mudanças, surgiram novos tipos e gêneros de pintura. O período antigo foi seguido pelo período da Antiguidade. Havia um desejo de pintores e artistas de reproduzir a vida real ao redor, tal como é vista por uma pessoa. O desejo de precisão de transmissão fez surgir os fundamentos da perspectiva, os fundamentos das construções de luz e sombra de várias imagens e o estudo desta por artistas. E eles, em primeiro lugar, estudaram como representar o espaço tridimensional no plano da parede, na pintura a fresco. Algumas obras de arte, como o espaço tridimensional, claro-escuro, começaram a ser usadas para decorar salas, centros religiosos e sepulturas.

O próximo período importante no passado da pintura é a Idade Média. Nessa época, a pintura era de natureza mais religiosa, e a visão de mundo começou a se refletir na arte. A criatividade dos artistas foi direcionada para a iconografia e outras melodias da religião. Os principais pontos importantes que o artista tinha que enfatizar não eram tanto um reflexo preciso da realidade, mas a transferência de espiritualidade mesmo nas mais diversas pinturas. As telas dos mestres da época eram marcantes em sua expressividade de contornos, coloração e colorido. A pintura medieval nos parece plana. Todos os personagens dos artistas da época estão na mesma linha. E tantas obras nos parecem um tanto estilizadas.

O período da Idade Média cinzenta foi substituído pelo período mais brilhante do Renascimento. O Renascimento novamente marcou um ponto de virada no desenvolvimento histórico dessa arte. Novos humores na sociedade, uma nova visão de mundo começou a ditar ao artista: quais aspectos da pintura deveriam ser revelados de forma mais completa e clara. Gêneros de pintura como retrato e paisagem se tornariam estilos independentes. Artistas expressam as emoções de uma pessoa e seu mundo interior através de novas formas de pintura. Os séculos XVII e XVIII testemunharam um crescimento ainda mais sério na pintura. Durante esse período, a Igreja Católica perde seu significado, e os artistas em suas obras refletem cada vez mais as verdadeiras visões das pessoas, da natureza, da vida doméstica e cotidiana. Durante esse período, também se formam gêneros como barroco, rococó, classicismo, maneirismo. Surge o romantismo, que mais tarde é substituído por um estilo mais espetacular - o impressionismo.

No início do século XX, a pintura muda drasticamente e surge uma nova direção da arte contemporânea - a pintura abstrata. A ideia dessa direção é transmitir harmonia entre o homem e a arte, criar harmonia nas combinações de linhas e destaques de cores. Esta arte não tem objetividade. Não persegue a transmissão exata da imagem real, mas, ao contrário, transmite o que está na alma do artista, suas emoções. Um papel importante para este tipo de arte são as formas e as cores. Sua essência é transmitir objetos anteriormente familiares de uma nova maneira. Aqui, os artistas têm total liberdade de suas fantasias. Isso deu impulso ao surgimento e desenvolvimento de tendências modernas, como a arte de vanguarda, underground, abstrata. Desde o final do século 20 até o presente, a pintura mudou constantemente. Mas, apesar de todas as novas conquistas e tecnologias modernas, os artistas ainda permanecem fiéis à arte clássica - pintura a óleo e aquarela, criam suas obras-primas com a ajuda de tintas e telas.

Natalia Martynenko

História das belas artes

A história da pintura é uma cadeia sem fim que começou com as primeiras pinturas feitas. Cada estilo cresce a partir dos estilos que vieram antes dele. Todo grande artista acrescenta algo às realizações de artistas anteriores e influencia artistas posteriores.

Podemos apreciar a pintura por sua beleza. Suas linhas, formas, cores e composição (arranjo de peças) podem agradar nossos sentidos e perdurar em nossas memórias. Mas o prazer da arte aumenta quando aprendemos quando, por que e como ela foi criada.

Muitos fatores influenciaram a história da pintura. Geografia, religião, características nacionais, eventos históricos, o desenvolvimento de novos materiais - tudo isso ajuda a moldar a visão do artista. Ao longo da história, a pintura refletiu o mundo em mudança e nossa compreensão dele. Em troca, os artistas forneceram alguns dos melhores registros do desenvolvimento da civilização, às vezes revelando mais do que a palavra escrita.

pintura pré-histórica

Os habitantes das cavernas foram os primeiros artistas. Desenhos coloridos de animais que datam de 30.000 a 10.000 aC foram encontrados em paredes de cavernas no sul da França e da Espanha. Muitos desses desenhos estão surpreendentemente bem preservados porque as cavernas foram fechadas por muitos séculos. As primeiras pessoas desenhavam os animais selvagens que viam ao seu redor. Figuras humanas muito grosseiras feitas em posições vitais foram encontradas na África e no leste da Espanha.

Artistas rupestres encheram as paredes da caverna com desenhos em cores ricas e vibrantes. Algumas das mais belas pinturas são encontradas na caverna de Altamira, na Espanha. Um detalhe mostra um búfalo ferido, incapaz de ficar de pé - provavelmente vítima de um caçador. É pintado de marrom avermelhado e delineado de forma simples, mas habilmente, em preto. Os pigmentos usados ​​pelos artistas das cavernas são o ocre (óxidos de ferro que variam de amarelo claro a laranja escuro) e manganês (metal escuro). Eles foram moídos em um pó fino, misturados com um lubrificante (possivelmente óleo gorduroso) e aplicados na superfície com algum tipo de pincel. Às vezes, os pigmentos tomavam a forma de bastões, semelhantes a giz de cera. A gordura, misturada com pigmentos em pó, formava um líquido de tinta e laca, e as partículas de pigmento grudavam. Os habitantes da caverna faziam escovas de pêlos de animais ou plantas e ferramentas afiadas de sílex (para desenhar e arranhar).

Já há 30.000 anos, as pessoas inventaram as ferramentas e materiais básicos para a pintura. Métodos e materiais foram refinados e aprimorados nos séculos seguintes. Mas as descobertas do morador das cavernas continuam sendo as principais para a pintura.

Pintura egípcia e mesopotâmica (3400–332 aC)

Uma das primeiras civilizações surgiu no Egito. Dos registros escritos e da arte deixados pelos egípcios, muito se sabe sobre sua vida. Eles acreditavam que o corpo deve ser preservado para que a alma possa viver após a morte. As Grandes Pirâmides eram túmulos elaborados para governantes egípcios ricos e poderosos. Muita arte egípcia foi criada para as pirâmides e túmulos de reis e outras pessoas importantes. Para ter certeza absoluta de que a alma continuaria a existir, os artistas criaram imagens de um morto em pedra. Eles também reproduziram cenas da vida de uma pessoa em pinturas de parede em câmaras funerárias.

As técnicas de belas artes egípcias permaneceram inalteradas por séculos. Em um método, a tinta aquarela foi aplicada a superfícies de argila ou calcário. Em outro processo, os contornos foram esculpidos em paredes de pedra e pintados com aquarelas. Um material chamado goma arábica provavelmente foi usado para aderir a tinta à superfície. Felizmente, o clima seco e os túmulos selados impediram que algumas dessas pinturas em aquarela fossem erodidas pela umidade. Muitas cenas de caça das paredes dos túmulos em Tebas, datadas de cerca de 1450 aC, estão bem preservadas. Eles mostram como os caçadores perseguem pássaros ou peixes e peixes. Essas cenas ainda podem ser identificadas hoje porque foram cuidadosamente e cuidadosamente pintadas.

A civilização mesopotâmica, que durou de 3200 a 332 aC, estava localizada em um vale entre os rios Tigre e Eufrates, no Oriente Médio. As casas na Mesopotâmia foram construídas principalmente de barro. À medida que o barro é amolecido pela chuva, seus edifícios se desfazem em pó, destruindo quaisquer pinturas de parede que possam ter sido muito interessantes. O que sobrevive são cerâmicas decoradas (pintadas e queimadas) e mosaicos coloridos. Embora os mosaicos não possam ser considerados pinturas, muitas vezes têm influência sobre ela.

Civilização do mar Egeu (3000-1100 aC)

A terceira grande cultura primitiva foi a civilização do Egeu. Os egeus viviam nas ilhas ao largo da costa da Grécia e na península da Ásia Menor mais ou menos na mesma época que os antigos egípcios e mesopotâmios.

Em 1900, os arqueólogos começaram a escavar o palácio do rei Minos em Cnossos, na ilha de Creta. As escavações descobriram obras de arte escritas por volta de 1500 aC. em um estilo extraordinariamente livre e gracioso da época. Obviamente, os cretenses eram um povo despreocupado e amante da natureza. Entre seus temas favoritos na arte estavam a vida marinha, animais, flores, jogos esportivos, procissões em massa. Em Cnossos e outros palácios do mar Egeu, as pinturas foram pintadas em paredes de gesso úmido com tintas minerais, areia e ocre de terra. A tinta embebeu o gesso molhado e tornou-se uma parte permanente da parede. Essas pinturas foram mais tarde chamadas de afrescos (da palavra italiana para "fresco" ou "novo"). Os cretenses gostavam de amarelos brilhantes, vermelhos, azuis e verdes.

Pintura clássica grega e romana (1100 aC - 400 dC)

Os antigos gregos decoravam as paredes dos templos e palácios com afrescos. De fontes literárias antigas e de cópias romanas da arte grega, pode-se dizer que os gregos pintavam pequenos quadros e faziam mosaicos. Os nomes dos mestres gregos e pouco de suas vidas e obras são conhecidos, embora muito pouca pintura grega tenha sobrevivido aos séculos e ao rescaldo das guerras. Os gregos não escreviam muito em túmulos, então seu trabalho não era protegido.

Vasos pintados são tudo o que resta da pintura grega hoje. A fabricação de cerâmica era uma grande indústria na Grécia, especialmente em Atenas. Os contêineres eram muito procurados, eram exportados, além de óleo e mel, e para fins domésticos. A pintura de vaso mais antiga foi em formas geométricas e ornamentos (1100-700 aC). Os vasos também foram decorados com figuras humanas em esmalte marrom sobre barro claro. No século VI, os pintores de vasos costumavam pintar figuras humanas negras em argila vermelha natural. Os detalhes foram esculpidos no barro com um instrumento afiado. Isso permitiu que o vermelho aparecesse nas profundezas do relevo.

O estilo de figura vermelha acabou substituindo o preto. Ou seja, ao contrário: as figuras são vermelhas e o fundo ficou preto. A vantagem desse estilo era que o artista podia usar um pincel para criar contornos. O pincel dá uma linha mais livre do que a ferramenta de metal usada em vasos figurados pretos.

Pinturas murais romanas foram encontradas principalmente em vilas (casas de campo) em Pompéia e Herculano. Em 79 dC, essas duas cidades foram completamente soterradas pela erupção do Monte Vesúvio. Os arqueólogos que escavaram a área puderam aprender muito sobre a vida romana antiga nessas cidades. Quase todas as casas e vilas em Pompeia tinham pinturas nas paredes. Os pintores romanos prepararam cuidadosamente a superfície da parede aplicando uma mistura de pó de mármore e gesso. Eles poliram as superfícies com a qualidade de um acabamento de mármore. Muitas das pinturas são cópias de pinturas gregas do século IV aC. As poses graciosas das figuras pintadas nas paredes da Vila dos Mistérios em Pompeia inspiraram os artistas do século XVIII, quando a cidade foi escavada.

Os gregos e romanos também pintavam retratos. Um pequeno número deles, principalmente retratos de múmias feitos no estilo grego por artistas egípcios, sobrevivem em torno de Alexandria, no norte do Egito. Fundada no século 4 aC por Alexandre, o Grande da Grécia, Alexandria tornou-se um importante centro da cultura grega e romana. Os retratos foram pintados em técnica de encáustica sobre madeira e instalados em forma de múmia após a morte do retratado. As pinturas encáusticas feitas em tinta misturada com cera de abelha derretida têm uma vida útil muito longa. De fato, esses retratos ainda parecem frescos, embora tenham sido feitos já no século II aC.

Pintura cristã e bizantina primitiva (300–1300)

O Império Romano começou a declinar no século 4 dC. Ao mesmo tempo, o cristianismo ganhava força. Em 313, o imperador romano Constantino reconheceu oficialmente a religião e se converteu ao cristianismo.

O surgimento do cristianismo influenciou muito a arte. Artistas foram contratados para decorar as paredes das igrejas com afrescos e mosaicos. Faziam painéis nas capelas das igrejas, ilustravam e decoravam os livros da igreja. Influenciados pela Igreja, os artistas tinham que comunicar os ensinamentos do cristianismo da forma mais clara possível.

Os primeiros cristãos e artistas bizantinos continuaram a técnica do mosaico que aprenderam com os gregos. Pequenos pedaços planos de vidro colorido ou pedra foram colocados em cimento ou gesso molhado. Outros materiais duros às vezes eram usados, como pedaços de barro cozido ou conchas. Nos mosaicos italianos, as cores são especialmente profundas e cheias. Artistas italianos fizeram o fundo com pedaços de vidro dourado. Eles retratavam figuras humanas em cores ricas contra um fundo de ouro cintilante. O efeito geral era plano, decorativo e irreal.

Os mosaicos de artistas bizantinos eram muitas vezes ainda menos realistas e ainda mais decorativos do que os dos primeiros cristãos. "Bizantino" é o nome dado a um estilo de arte que se desenvolveu em torno da antiga cidade de Bizâncio (agora Istambul, Turquia). A técnica do mosaico combinava perfeitamente com o gosto bizantino pelas igrejas magnificamente decoradas. Os famosos mosaicos de Teodora e Justiniano, feitos por volta de 547 d.C., mostram o gosto pela riqueza. As joias nas figuras brilham, e os vestidos de corte coloridos brilham contra o ouro reluzente. Artistas bizantinos também usavam ouro em afrescos e painéis. Ouro e outros materiais preciosos foram usados ​​durante a Idade Média para separar itens espirituais do mundo cotidiano.

Pintura medieval (500-1400)

A primeira parte da Idade Média, do século VI ao século XI, é geralmente chamada de Idade das Trevas. Durante esse período de agitação, a arte foi armazenada principalmente em mosteiros. No século V d.C. Tribos Varran do norte e centro da Europa percorriam o continente. Por centenas de anos eles dominaram a Europa Ocidental. Essas pessoas produziram arte em que o elemento principal é o padrão. Eles gostavam especialmente das estruturas de dragões e pássaros entrelaçados.

O melhor da arte celta e saxônica pode ser encontrado em manuscritos dos séculos VII e VIII. Ilustrações de livros, iluminação e pintura em miniatura, praticadas desde o final da época romana, tornaram-se difundidas na Idade Média. A iluminação é a decoração do texto, letras maiúsculas e margens. Ouro, prata e cores brilhantes foram usadas. Uma miniatura é uma pequena imagem, muitas vezes um retrato. O termo foi originalmente usado para descrever um bloco decorativo em torno de letras iniciais em um manuscrito.

Carlos Magno, que foi coroado imperador do Sacro Império Romano no início do século IX, tentou reviver a arte clássica do final do período romano e do início do cristianismo. Durante seu reinado, os pintores em miniatura imitavam a arte clássica, mas também transmitiam sentimentos pessoais por meio de seus objetos.

Muito pouca pintura de parede sobreviveu desde a Idade Média. As igrejas construídas durante o período românico (séculos 11 a 13) tinham alguns grandes afrescos, mas a maioria deles desapareceu. Nas igrejas do período gótico (séculos XII-XVI) não havia espaço suficiente para pinturas murais. A ilustração de livros foi a principal obra do pintor gótico.

Entre os manuscritos mais bem ilustrados estavam os livros de horas - coleções de calendários, orações e salmos. Uma página de um manuscrito italiano mostra iniciais elaboradas e uma cena marginal minuciosamente detalhada de São Jorge matando um dragão. As cores são brilhantes e semelhantes a pedras preciosas, como nos vitrais, e o ouro brilha acima da página. Texto de borda de desenhos frondosos e florais requintadamente delicados. Os artistas provavelmente usaram lupas para completar um trabalho tão intrincadamente detalhado.

Itália: Cimabue e Giotto

Artistas italianos no final do século 13 ainda trabalhavam no estilo bizantino. As figuras humanas foram feitas planas e decorativas. Os rostos raramente mostravam expressão. Os corpos não tinham peso e pareciam flutuar em vez de ficarem firmes no chão. Em Florença, o pintor Cimabue (1240-1302) tentou modernizar algumas das antigas técnicas bizantinas. Os anjos da Madonna Enthroned são mais ativos do que o habitual nas pinturas da época. Seus gestos e rostos mostram um pouco mais de sentimento humano. Cimabue acrescentou um novo sentido de monumentalidade ou magnificência às suas pinturas. No entanto, ele continuou a seguir muitas tradições bizantinas, como fundos dourados e arranjos padronizados de objetos e figuras.

Foi o grande artista florentino Giotto (1267-1337), que realmente rompeu com a tradição bizantina. Sua série de afrescos na Capela da Arena em Pádua deixa a arte bizantina para trás. Há verdadeira emoção, tensão e naturalismo nessas cenas da vida de Maria e de Cristo. Todas as qualidades do calor humano e da simpatia estão presentes. As pessoas não parecem completamente irreais ou celestiais. Giotto sombreou os contornos das figuras e colocou sombras profundas nas dobras das vestes para dar uma sensação de redondeza e solidez.

Para seus pequenos painéis, Giotto usou têmpera de ovo pura, um meio que foi aperfeiçoado pelos florentinos no século XIV. A clareza e o brilho de suas cores devem ter tido um forte efeito sobre as pessoas acostumadas às cores escuras dos painéis bizantinos. As pinturas de têmpera dão a impressão de que a luz suave do dia está caindo no palco. Eles têm uma aparência quase plana, ao contrário do brilho de uma pintura a óleo. A têmpera do ovo permaneceu a cor principal até que o óleo a substituiu quase completamente no século XVI.

Pintura medieval tardia ao norte dos Alpes

No início do século XV, os artistas do norte da Europa trabalhavam em um estilo completamente diferente da pintura italiana. Artistas do norte alcançaram o realismo adicionando inúmeros detalhes às suas pinturas. Todo o cabelo foi delicadamente definido, e cada detalhe de cortinas ou piso foi definido com precisão. A invenção da pintura a óleo facilitou o detalhamento dos detalhes.

O pintor flamengo Jan van Eyck (1370-1414) deu uma grande contribuição ao desenvolvimento da pintura a óleo. Quando se utiliza têmpera, as cores devem ser aplicadas separadamente. Eles não podem sombrear bem porque a tinta seca rapidamente. Com o óleo que seca lentamente, o artista consegue obter efeitos mais complexos. Seus retratos de 1466-1530 foram executados na técnica flamenga de óleo. Todos os detalhes e até o reflexo do espelho são claros e precisos. A cor é durável e tem uma superfície dura e esmaltada. O painel de madeira com primer foi preparado da mesma forma que Giotto preparou seus painéis para têmpera. Van Eyck criou a pintura em camadas de uma cor sutil chamada esmalte. A têmpera provavelmente foi usada na vegetação rasteira original e para os destaques.

Renascimento italiano

Enquanto van Eyck trabalhava no Norte, os italianos entravam na era de ouro da arte e da literatura. Este período é chamado de Renascimento, que significa renascimento. Artistas italianos foram inspirados pela escultura dos antigos gregos e romanos. Os italianos queriam reviver o espírito da arte clássica, que glorifica a independência e a nobreza humana. Artistas renascentistas continuaram a pintar cenas religiosas. Mas eles também enfatizavam a vida terrena e a realização humana.

Florença

As realizações de Giotto no início do século XIV marcaram o início do Renascimento. Artistas italianos do século 17 continuaram. Masaccio (1401-1428) foi um dos líderes da primeira geração de artistas renascentistas. Ele morava em Florença, uma rica cidade comercial onde a arte renascentista começou. Na época de sua morte, no final dos anos 20, ele havia revolucionado a pintura. Em seu famoso mural "The Tribute Money", ele coloca figuras esculturais sólidas em uma paisagem que parece se estender ao longe. Masaccio pode ter estudado perspectiva com o arquiteto e escultor florentino Brunelleschi (1377-1414).

A técnica do afresco era muito popular durante o Renascimento. Foi especialmente adequado para grandes pinturas, porque as cores do afresco são secas e perfeitamente planas. A imagem pode ser vista de qualquer ângulo sem brilho ou reflexos. Afrescos também estão disponíveis. Normalmente, os artistas tinham vários assistentes. O trabalho foi feito aos poucos porque tinha que ser terminado enquanto o reboco ainda estava molhado.

O estilo "tridimensional" completo de Masaccio era típico do novo movimento progressivo do século XV. O estilo de Fra Angelico (1400-1455) é uma abordagem mais tradicional usada por muitos artistas do início do Renascimento. Ele estava menos preocupado com a perspectiva e mais interessado no design decorativo. Sua "Coroação da Virgem" é um exemplo de têmpera na mais bela performance. Cores alegres e ricas contra o ouro e acentuadas com ouro. A imagem parece uma miniatura ampliada. Figuras longas e estreitas têm pouco em comum com Masaccio. A composição está organizada em grandes linhas de movimento que giram em torno das figuras centrais de Cristo e Maria.

Outro florentino que trabalhou no estilo tradicional foi Sandro Botticelli (1444-1515). Linhas rítmicas fluidas conectam seções da "Primavera" de Botticelli. A figura da Primavera, levada pelo vento ocidental, passa pela direita. As três graças dançam em círculo, as dobras esvoaçantes de seus vestidos e os movimentos graciosos de suas mãos expressam os ritmos da dança.

Leonardo da Vinci (1452-1519) estudou pintura em Florença. Ele é conhecido por suas pesquisas científicas e invenções, bem como por suas pinturas. Muito poucas de suas pinturas sobreviveram, em parte porque ele muitas vezes experimentou diferentes maneiras de criar e aplicar tinta em vez de usar métodos testados e comprovados. A Última Ceia (pintada entre 1495 e 1498) foi feita a óleo, mas infelizmente Leonardo a pintou em uma parede úmida, o que fez a pintura rachar. Mas mesmo em mau estado (antes da restauração), a imagem tinha a capacidade de excitar emoções em todos que a viam.

Uma das características distintivas do estilo de Leonardo era seu método de representar luzes e trevas. Os italianos chamavam sua iluminação semi-escura de "sfumato", que significa fumaça ou neblina. As figuras da Madonna of the Rocks são veladas em uma atmosfera de sfumato. Suas formas e características são suavemente sombreadas. Leonardo conseguiu esses efeitos usando gradações muito sutis de tons claros e escuros.

Roma

A culminação da pintura renascentista ocorreu no século XVI. Ao mesmo tempo, o centro de arte e cultura mudou-se de Florença para Roma. Sob o Papa Sisto IV e seu sucessor, Júlio II, a cidade de Roma foi gloriosamente e ricamente decorada por artistas renascentistas. Alguns dos projetos mais ambiciosos deste período foram iniciados durante o papado de Júlio II. Júlio contratou o grande escultor e pintor Michelangelo (1475-1564) para pintar o teto da Capela Sistina e esculpir a escultura para o túmulo do Papa. Julius também convidou o pintor Rafael (1483-1520) para ajudar a decorar o Vaticano. Com assistentes, Rafael pintou quatro cômodos dos aposentos do Papa no Palácio do Vaticano.

Michelangelo, florentino de nascimento, desenvolveu um estilo monumental de pintura. As figuras em sua pintura são tão sólidas e volumosas que parecem esculturas. O teto da Sistina, que Michelangelo levou 4 anos para ser concluído, é composto por centenas de figuras humanas do Antigo Testamento. Para completar este afresco grandioso, Michelangelo teve que se deitar de costas no andaime. O rosto pensativo de Jeremias entre os profetas que cercam o teto é considerado por alguns especialistas como o auto-retrato de Michelangelo.

Rafael veio de Urbino para Florença ainda muito jovem. Em Florença, absorveu as ideias de Leonardo e Michelangelo. Quando Rafael foi a Roma para trabalhar no Vaticano, seu estilo havia se tornado um dos maiores em beleza. Ele amava especialmente seus belos retratos da Madona e do Menino. Eles foram reproduzidos aos milhares e podem ser vistos em todos os lugares. Sua "Madonna del Granduca" faz sucesso por sua simplicidade. Atemporal em sua tranquilidade e pureza, é tão atraente para nós quanto para os italianos da época de Rafael.

Veneza

Veneza foi a principal cidade do norte da Itália do Renascimento. Foi visitado por artistas da Flandres e de outros lugares que conheciam as experiências flamengas com tinta a óleo. Isso estimulou o uso precoce da técnica do óleo na cidade italiana. Os venezianos aprenderam a pintar em telas bem esticadas, em vez de nos painéis de madeira comumente usados ​​em Florença.

Giovanni Bellini (1430-1515) foi o maior pintor veneziano do século XV. Ele também foi um dos primeiros pintores italianos a usar óleo sobre tela. Giorgione (1478-1151) e Ticiano (1488-1515), que é o mais famoso de todos os pintores venezianos, foram aprendizes no ateliê de Bellini.

O mestre do óleo Ticiano pintou enormes telas em cores quentes e ricas. Em suas pinturas maduras, ele sacrificou detalhes para criar efeitos impressionantes, como em Pesaro Madonna. Ele usava pincéis grandes para fazer traços grandes. Suas cores são especialmente ricas porque ele criou pacientemente esmaltes em cores contrastantes. Normalmente, os esmaltes eram aplicados em uma superfície temperada marrom, o que dava à pintura um tom uniforme.

Outro grande pintor veneziano do século XVI foi Tintoretto (1518-1594). Ao contrário de Ticiano, ele geralmente trabalhava diretamente na tela sem esboços ou esboços preliminares. Ele muitas vezes distorceu suas formas (torceu-as) por causa da composição e drama do enredo. Sua técnica, que inclui traços largos e contrastes dramáticos de claro e escuro, parece muito moderna.

O artista Kyriakos Theotokopoulos (1541-1614) era conhecido como El Greco ("O Grego"). Nascido na ilha de Creta, ocupada pelo exército veneziano, El Greco foi treinado por artistas italianos. Ainda jovem, foi estudar em Veneza. A influência combinada da arte bizantina, que ele viu ao seu redor em Creta, e da arte renascentista italiana, fez com que o trabalho de El Greco se destacasse.

Em suas pinturas, ele distorcia as formas naturais e usava cores ainda mais estranhas e etéreas do que Tintoretto, a quem admirava. Mais tarde, El Greco mudou-se para a Espanha, onde a desolação da arte espanhola influenciou seu trabalho. Em sua visão dramática de Toledo, uma tempestade se abate sobre o silêncio mortal da cidade. Azuis frios, verdes e branco-azulados carregam o frio sobre a paisagem.

Renascimento na Flandres e na Alemanha

A idade de ouro da pintura na Flandres (agora parte da Bélgica e norte da França) foi o século 15, época de van Eyck. No século XVI, muitos artistas flamengos imitaram os artistas renascentistas italianos. No entanto, alguns flamengos continuaram a tradição flamenga de realismo. Então a pintura de gênero se espalhou - cenas da vida cotidiana que às vezes eram encantadoras e às vezes fantásticas. Hieronymus Bosch (1450-1515), que precedeu os pintores de gênero, tinha uma imaginação extraordinariamente vívida. Ele inventou todos os tipos de criaturas estranhas e grotescas para The Temptation of St. Antônio". Pieter Brueghel, o Velho (1525-1569) também trabalhou na tradição flamenga, mas acrescentou perspectiva e outras características renascentistas às suas cenas de gênero.

Albrecht Dürer (1471-1528), Hans Holbein, o Jovem (1497-1543) e Lucas Cranach, o Velho (1472-1553) foram os três pintores alemães mais importantes do século XVI. Eles fizeram muito para suavizar o realismo sombrio da pintura alemã primitiva. Dürer fez pelo menos uma visita à Itália, onde ficou impressionado com as pinturas de Giovanni Bellini e outros italianos do norte. Através dessa experiência, ele incutiu na pintura alemã um conhecimento de perspectiva, um senso de cor e luz e uma nova compreensão da composição. Holbein aprendeu ainda mais conquistas italianas. Seu desenho sensível e capacidade de selecionar apenas os detalhes mais importantes fizeram dele um mestre retratista.

pintura barroca

O século XVII é conhecido na arte como o período barroco. Na Itália, os pintores Caravaggio (1571-1610) e Annibale Carracci (1560-1609) representaram dois pontos de vista contrastantes. Caravaggio (nome verdadeiro Michelangelo Merisi) sempre se inspirou diretamente nas realidades da vida. Um de seus principais problemas era copiar a natureza o mais próximo possível sem glorificá-la de forma alguma. Carracci, por outro lado, seguiu o ideal renascentista de beleza. Ele estudou escultura antiga e o trabalho de Michelangelo, Rafael e Ticiano. O estilo de Caravaggio foi admirado por muitos artistas, especialmente o espanhol Ribera e o jovem Velázquez. Carracci inspirou Nicolas Poussin (1594-1665), um famoso pintor francês do século XVII.

Espanha

Diego Velázquez (1599-1660), pintor da corte do rei espanhol Filipe IV, foi um dos maiores pintores espanhóis. Admirador do trabalho de Ticiano, ele era um mestre no uso de cores ricas e harmoniosas. Nenhum artista poderia ter feito um trabalho melhor ao criar a ilusão de tecidos ricos ou pele humana. O retrato do pequeno príncipe Philip Prosper mostra essa habilidade.

Flandres

As pinturas do pintor flamengo Pieter Paul Rubens (1577-1640) são o epítome do estilo barroco em cores. Eles estão cheios de energia, cor e luz. Rubens rompeu com a tradição flamenga de pintar pequenos quadros. Suas telas são enormes, repletas de figuras humanas. Ele recebeu mais encomendas para pinturas maiores do que ele poderia lidar. Portanto, ele costumava desenhar apenas um pequeno esboço colorido. Em seguida, seus assistentes transferiram o esboço para uma grande tela e terminaram a pintura sob a orientação de Rubens.

Holanda

As realizações do pintor holandês Rembrandt (1606-1669) estão entre as mais marcantes da história. Ele tinha um dom maravilhoso - capturar e transmitir com precisão as emoções humanas. Como Ticiano, ele trabalhou por muito tempo na criação de pinturas em várias camadas. As cores da terra - amarelo ocre, marrom e marrom-vermelho - eram suas favoritas. Suas pinturas são feitas principalmente em cores escuras. A importância das partes escuras em camadas torna sua técnica incomum. O acento é transmitido pela iluminação brilhante em relação às áreas claras.

Jan Vermeer (1632-1675) foi um dos grupos de pintores holandeses que pintaram cenas modestas da vida cotidiana. Ele era um mestre em pintar todos os tipos de texturas - cetim, tapetes persas, migalhas de pão, metal. A impressão geral do interior da Vermeer é a de uma sala ensolarada e alegre, repleta de utensílios domésticos icônicos.

pintura do século 18

No século 18, Veneza produziu alguns excelentes artistas. O mais famoso foi Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770). Ele decorou os interiores de palácios e outros edifícios com afrescos coloridos grandiosos representando cenas de riqueza. Francesco Guardi (1712-1793) era muito habilidoso com o pincel, com apenas algumas manchas de cor ele conseguia evocar a ideia de uma figura minúscula em um barco. As vistas espetaculares de Antonio Canaletto (1697-1768) cantavam a glória passada de Veneza.

França: estilo rococó

Na França, o gosto por cores pastel e decoração intrincada no início do século XVIII levou ao desenvolvimento do estilo rococó. Jean Antoine Watteau (1684-1721), pintor da corte do rei Luís XV, e mais tarde François Boucher (1703-1770) e Jean Honoré Fragonard (1732-1806) foram associados às tendências rococó. Watteau escreveu visões sonhadoras, uma vida em que tudo é divertido. O estilo é baseado em piqueniques em parques, festas na floresta onde cavalheiros alegres e senhoras elegantes se divertem na natureza.

Outros artistas do século 18 retrataram cenas da vida comum da classe média. Como o holandês Vermeer, Jean Baptiste Simeon Chardin (1699-1779) apreciava cenas domésticas simples e naturezas-mortas. Suas cores são sóbrias e calmas em comparação com Watteau.

Inglaterra

No século 18, os britânicos desenvolveram pela primeira vez uma escola separada de pintura. O núcleo consistia principalmente de pintores de retratos que foram influenciados pelos pintores renascentistas venezianos. Sir Joshua Reynolds (1723-1792) e Thomas Gainsborough (1727-1788) são os mais conhecidos. Reynolds, que viajou pela Itália, seguiu os ideais da pintura renascentista. Seus retratos, encantadores e tocantes, não são particularmente interessantes em cores ou texturas. Gainsborough, por outro lado, tinha talento para o brilhantismo. As superfícies de suas pinturas brilham com uma cor radiante.

pintura do século 19

O século 19 é às vezes visto como o período durante o qual a arte moderna começou a tomar forma. Uma razão importante para a chamada revolução na arte nessa época foi a invenção da câmera, que levou os artistas a reconsiderar o propósito da pintura.

Um desenvolvimento mais importante foi o uso generalizado de tintas pré-fabricadas. Até o século 19, a maioria dos artistas ou seus assistentes faziam suas próprias tintas moendo pigmentos. As primeiras tintas comerciais eram inferiores às tintas à mão. Artistas no final do século 19 descobriram que os azuis escuros e marrons de pinturas anteriores ficavam pretos ou cinzas ao longo de vários anos. Eles começaram a usar cores puras novamente para salvar seu trabalho e, às vezes, porque estavam tentando refletir com mais precisão a luz do sol em cenas de rua.

Espanha: Goya

Francisco Goya (1746-1828) foi o primeiro grande pintor espanhol a surgir no século XVII. Como pintor favorito da corte espanhola, fez muitos retratos da família real. Os personagens reais estão vestidos com roupas elegantes e joias finas, mas em alguns de seus rostos, tudo o que se reflete é vaidade e ganância. Além de retratos, Goya pintou cenas dramáticas como o 3 de maio de 1808. Esta pintura retrata um grupo de rebeldes espanhóis sendo executados por soldados franceses. Contrastes ousados ​​de cores claras e escuras e sombrias, salpicados de salpicos vermelhos, evocam um horror sombrio do espetáculo.

Embora a França fosse um grande centro de arte no século XIX, os pintores paisagistas ingleses John Constable (1776-1837) e Joseph Mallord William Turner (1775-1851) fizeram contribuições valiosas para a pintura do século XIX. Ambos estavam interessados ​​em pintar a luz e o ar, dois aspectos da natureza que os artistas do século XIX exploraram plenamente. O policial usou um método conhecido como divisão, ou cor quebrada. Ele usou cores contrastantes sobre a cor de fundo principal. Ele costumava usar uma espátula para aplicar a cor com firmeza. A pintura "Hay Wain" o tornou famoso depois de ser exibido em Paris em 1824. Esta é uma cena de feno simples da aldeia. Nuvens flutuam sobre prados cobertos de manchas de sol. As pinturas de Turner são mais dramáticas do que as de Constable, que pintou as majestosas paisagens da natureza - tempestades, marinhas, pôr-do-sol flamejante, altas montanhas. Muitas vezes, a névoa dourada obscurece parcialmente os objetos em suas pinturas, fazendo com que pareçam flutuar em um espaço infinito.

França

O período do reinado de Napoleão e a Revolução Francesa marcaram o surgimento de duas tendências opostas na arte francesa - classicismo e romantismo. Jacques Louis David (1748-1825) e Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867) foram inspirados pela arte grega e romana antiga e pelo Renascimento. Eles enfatizavam detalhes e usavam cores para criar formas sólidas. Sendo um artista favorito do governo revolucionário, David frequentemente pintou eventos históricos daquele período. Em seus retratos, como Madame Recamier, ele se esforçou para alcançar a simplicidade clássica.

Théodore Guéricault (1791-1824) e o romântico Eugène Delacroix (1798-1863) se rebelaram contra o estilo de David. Para Delacroix, a cor era o elemento mais importante na pintura e ele não tinha paciência para imitar as estátuas clássicas. Em vez disso, ele admirava Ruben e os venezianos. Ele escolheu temas coloridos e exóticos para suas pinturas, que brilham com luz e são cheias de movimento.

Os pintores de Barbizon também fizeram parte do movimento romântico geral que durou de 1820 a 1850. Eles trabalhavam perto da aldeia de Barbizon, na orla da Floresta de Fontainebleau. Eles se inspiraram na natureza e completaram as pinturas em seus estúdios.

Outros artistas experimentaram temas comuns do dia-a-dia. As paisagens de Jean Baptiste Camille Corot (1796-1875) refletem seu amor pela natureza, e seus estudos sobre o corpo humano mostram uma espécie de calma equilibrada. Gustave Courbet (1819-1877) chamava a si mesmo de realista porque retratava o mundo como o via - mesmo seu lado duro e desagradável. Ele limitou sua paleta a apenas algumas cores sombrias. Edouard Manet (1832-1883) também tomou a base para seus súditos do mundo exterior. As pessoas ficaram chocadas com seus contrastes coloridos e técnicas incomuns. As superfícies de suas pinturas geralmente têm uma textura de pincelada plana e padronizada. Os métodos de Manet de aplicar efeitos de luz para formar influenciaram jovens artistas, especialmente os impressionistas.

Trabalhando nas décadas de 1870 e 1880, um grupo de artistas conhecidos como os impressionistas queria retratar a natureza exatamente como ela era. Eles foram muito mais longe do que Constable, Turner e Manet no estudo dos efeitos da luz na cor. Alguns deles desenvolveram teorias científicas da cor. Claude Monet (1840-1926) costumava pintar a mesma vista em diferentes momentos do dia para mostrar como ela muda sob diferentes condições de iluminação. Seja qual for o assunto, suas pinturas são compostas por centenas de pequenos traços colocados um ao lado do outro, muitas vezes em cores contrastantes. À distância, os traços se misturam para dar a impressão de formas sólidas. Pierre Auguste Renoir (1841-1919) usou os métodos do impressionismo para capturar a festa da vida parisiense. Em sua "Dança no Moulin de la Galette", as pessoas em roupas coloridas se aglomeravam e dançavam alegremente. Renoir pintou todo o quadro em pequenos traços. Pontos e traços de tinta criam uma textura na superfície da pintura, o que lhe confere uma aparência especial. Multidões de pessoas parecem se dissolver na luz do sol e cores cintilantes.

pintura do século 20

Vários artistas logo ficaram insatisfeitos com o impressionismo. Artistas como Paul Cezanne (1839-1906) sentiram que o Impressionismo não descrevia a solidez das formas na natureza. Cézanne gostava de pintar naturezas-mortas porque permitiam que ele se concentrasse na forma de frutas ou outros objetos e seu arranjo. Os temas de suas naturezas-mortas parecem sólidos porque ele os reduziu a formas geométricas simples. Sua técnica de colocar respingos de tinta e pinceladas curtas de cores ricas lado a lado mostra que ele aprendeu muito com os impressionistas.

Vincent van Gogh (1853-90) e Paul Gauguin (1848-1903) responderam ao realismo dos impressionistas. Ao contrário dos impressionistas, que diziam ver a natureza objetivamente, Van Gogh se importava pouco com a precisão. Ele muitas vezes distorcia objetos para expressar seus pensamentos de forma mais criativa. Ele usou princípios impressionistas para colocar cores contrastantes umas ao lado das outras. Às vezes ele espremia a tinta dos tubos diretamente na tela, como em "Campo do Milho Amarelo".

Gauguin não se importava com a cor mosqueada dos impressionistas. Ele aplicou cor suavemente em grandes áreas planas, que separou umas das outras com linhas ou bordas escuras. Os coloridos povos tropicais forneceram muito de seu assunto.

O método de Cezanne de criar espaço com formas geométricas simples foi desenvolvido por Pablo Picasso (1881-1973), Georges Braque (1882-1963) e outros. Seu estilo ficou conhecido como cubismo. Os cubistas pintavam objetos como se pudessem ser vistos de vários ângulos ao mesmo tempo, ou como se tivessem sido desmontados e montados novamente em uma tela plana. Muitas vezes, os objetos eram diferentes de tudo o que existe na natureza. Às vezes, os cubistas recortavam figuras de tecido, papelão, papel de parede ou outros materiais e as colavam na tela para fazer uma colagem. As texturas também foram variadas adicionando areia ou outras substâncias à tinta.

As tendências mais recentes têm sido colocar menos ênfase no tema. A composição e a técnica de imagem passaram a receber maior ênfase.

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O número de estilos e tendências é enorme, se não infinito. A principal característica pela qual as obras podem ser agrupadas por estilo são os princípios unificados do pensamento artístico. A mudança de algumas formas de pensamento artístico por outras (alternância de tipos de composição, técnicas de construção espacial, características de cor) não é acidental. Nossa percepção da arte também é historicamente mutável.
Construindo um sistema de estilos em ordem hierárquica, vamos aderir à tradição eurocêntrica. O maior da história da arte é o conceito de uma era. Cada época é caracterizada por uma certa "imagem do mundo", que consiste em idéias filosóficas, religiosas, políticas, idéias científicas, características psicológicas da visão de mundo, normas éticas e morais, critérios estéticos de vida, segundo os quais distinguem uma época de outro. Estas são a Idade Primitiva, a era do Mundo Antigo, a Antiguidade, a Idade Média, o Renascimento, a Nova Era.
Os estilos na arte não têm limites claros, eles passam suavemente um para o outro e estão em contínuo desenvolvimento, mistura e oposição. No quadro de um estilo artístico histórico, sempre nasce um novo, e que, por sua vez, passa para o seguinte. Muitos estilos coexistem ao mesmo tempo e, portanto, não existem “estilos puros”.
Vários estilos podem coexistir na mesma época histórica. Por exemplo, Classicismo, Academicismo e Barroco no século XVII, Rococó e Neoclassicismo no século XVIII, Romantismo e Academicismo no século XIX. Estilos como, por exemplo, o classicismo e o barroco são chamados de grandes estilos, pois se aplicam a todos os tipos de arte: arquitetura, pintura, artes e ofícios, literatura, música.
Deve-se distinguir: estilos artísticos, tendências, tendências, escolas e características dos estilos individuais de mestres individuais. Dentro de um estilo, pode haver várias direções artísticas. A direção artística é composta tanto por signos típicos de uma determinada época quanto por formas peculiares de pensamento artístico. O estilo Art Nouveau, por exemplo, inclui uma série de tendências da virada do século: pós-impressionismo, simbolismo, fauvismo e assim por diante. Por outro lado, o conceito de simbolismo como movimento artístico é bem desenvolvido na literatura, enquanto na pintura é muito vago e une artistas tão diferentes estilisticamente que muitas vezes é interpretado apenas como uma visão de mundo que os une.

Abaixo estão as definições de épocas, estilos e tendências que de alguma forma se refletem nas artes plásticas e decorativas modernas.

	- um estilo artístico que se formou nos países da Europa Ocidental e Central nos séculos XII-XV. Foi o resultado da evolução secular da arte medieval, seu estágio mais alto e, ao mesmo tempo, o primeiro estilo de arte internacional pan-europeu da história. Abrangeu todos os tipos de arte - arquitetura, escultura, pintura, vitrais, design de livros, artes e ofícios. A base do estilo gótico foi a arquitetura, caracterizada por arcos de lanceta direcionados para cima, vitrais multicoloridos, desmaterialização visual da forma. Elementos da arte gótica podem ser encontrados no design de interiores moderno, em particular na pintura de parede, menos frequentemente na pintura de cavalete. Desde o final do século passado, existe uma subcultura gótica, claramente manifestada na música, na poesia e no design de moda.
	(Renascimento) - (Renascimento francês, Rinascimento italiano) Uma era no desenvolvimento cultural e ideológico de vários países da Europa Ocidental e Central, bem como de alguns países da Europa Oriental. As principais características distintivas da cultura do Renascimento: um caráter secular, uma visão de mundo humanista, um apelo à herança cultural antiga, uma espécie de "renascimento" dela (daí o nome). A cultura do Renascimento tem as características específicas da era de transição da Idade Média para o novo tempo, em que o velho e o novo, entrelaçados, formam uma liga peculiar e qualitativamente nova. Difícil é a questão dos limites cronológicos do Renascimento (na Itália - séculos 14-16, em outros países - séculos 15-16), sua distribuição territorial e características nacionais. Elementos desse estilo na arte moderna são frequentemente usados ​​em pinturas de parede, com menos frequência na pintura de cavalete.
	- (da maniera italiana - técnica, maneira) uma tendência na arte européia do século XVI. Os representantes do maneirismo se afastaram da percepção harmoniosa do mundo renascentista, do conceito humanista do homem como uma criação perfeita da natureza. Uma percepção aguda da vida foi combinada com um desejo programático de não seguir a natureza, mas de expressar a "ideia interior" subjetiva da imagem artística que nasceu na alma do artista. Mais claramente manifestado na Itália. Para o maneirismo italiano 1520. (Pontormo, Parmigianino, Giulio Romano) caracterizam-se pela nitidez dramática das imagens, tragédia da percepção do mundo, complexidade e expressão exagerada de posturas e motivos de movimento, alongamento das proporções das figuras, dissonâncias colorísticas e de luz e sombra. Recentemente, tem sido usado por historiadores da arte para se referir a fenômenos na arte contemporânea associados à transformação de estilos históricos.
	- estilo de arte histórica, que foi originalmente distribuído na Itália no meio. séculos XVI-XVII, e depois na França, Espanha, Flandres e Alemanha nos séculos XVII-XVIII. Mais amplamente, esse termo é usado para definir as tendências sempre renovadas de uma visão de mundo inquieta e romântica, pensando em formas expressivas e dinâmicas. Enfim, em todas as épocas, em quase todos os estilos artísticos históricos, pode-se encontrar seu próprio "período barroco" como palco do mais alto surto criativo, tensão das emoções, explosão das formas.
	- estilo artístico na arte da Europa Ocidental XVII - cedo. Século XIX e em russo XVIII - cedo. XIX, referindo-se ao património antigo como um ideal a seguir. Ele se manifestou na arquitetura, escultura, pintura, artes e ofícios. Artistas classicistas consideravam a antiguidade a maior conquista e fizeram dela seu padrão na arte, que eles procuraram imitar. Com o tempo, renasceu no academismo.
	- uma tendência na arte européia e russa das décadas de 1820-1830, que substituiu o classicismo. Os românticos trouxeram a individualidade à tona, opondo a beleza ideal dos classicistas à realidade "imperfeita". Os artistas foram atraídos por fenômenos brilhantes, raros e extraordinários, bem como por imagens de natureza fantástica. Na arte do romantismo, uma percepção e experiência individual afiada desempenha um papel importante. O romantismo libertou a arte dos dogmas abstratos classicistas e a voltou para a história nacional e as imagens do folclore.
	- (de lat. sentimento - sentimento) - uma direção da arte ocidental da segunda metade do século XVIII, expressando a decepção com uma “civilização” baseada nos ideais da “razão” (a ideologia do Iluminismo). S. proclama o sentimento, a reflexão solitária, a simplicidade da vida rural do “homenzinho”. J. J. Rousseau é considerado o ideólogo de S..
	- uma direção na arte que se esforça para exibir tanto a forma externa quanto a essência dos fenômenos e das coisas com a maior verdade e confiabilidade. Como um método criativo combina características individuais e típicas ao criar uma imagem. O maior tempo de direção da existência, desenvolvendo-se desde a era primitiva até os dias atuais.
	- direção na cultura artística européia do final do século XIX e início do XX. Surgindo como uma reação à dominação das normas da "sanidade" burguesa na esfera humanitária (na filosofia, estética - positivismo, na arte - naturalismo), o simbolismo tomou forma antes de tudo na literatura francesa do final dos anos 1860 e 70, e mais tarde tornou-se difundido na Bélgica, Alemanha, Áustria, Noruega, Rússia. Os princípios estéticos do simbolismo em muitos aspectos remontam às ideias do romantismo, bem como a algumas doutrinas da filosofia idealista de A. Schopenhauer, E. Hartmann, parcialmente F. Nietzsche, à obra e teorização do compositor alemão R .Wagner. O simbolismo contrastava a realidade viva com o mundo das visões e dos sonhos. Um símbolo gerado pelo insight poético e expressando o significado sobrenatural dos fenômenos, ocultos da consciência comum, era considerado uma ferramenta universal para compreender os segredos do ser e da consciência individual. O artista-criador era considerado um intermediário entre o real e o supra-sensível, encontrando "sinais" de harmonia do mundo por toda parte, adivinhando profeticamente os sinais do futuro tanto nos fenômenos modernos quanto nos acontecimentos do passado.
	- (da impressão francesa - impressão) uma tendência na arte do último terço do século XIX - início do século XX, que surgiu na França. O nome foi introduzido pelo crítico de arte L. Leroy, que comentou depreciativamente sobre a exposição de artistas em 1874, onde, entre outros, a pintura de C. Monet “Sunrise. Impressão". O impressionismo afirmava a beleza do mundo real, enfatizando o frescor da primeira impressão, a variabilidade do ambiente. A atenção predominante à resolução de problemas puramente pictóricos reduziu a ideia tradicional do desenho como componente principal de uma obra de arte. O impressionismo teve um impacto poderoso na arte dos países europeus e dos Estados Unidos, despertou o interesse por cenas da vida real. (E. Manet, E. Degas, O. Renoir, C. Monet, A. Sisley, etc.)
	- uma tendência na pintura (sinónimo de divisionismo), que se desenvolveu no quadro do neo-impressionismo. O neo-impressionismo originou-se na França em 1885 e também se espalhou para a Bélgica e a Itália. Os neo-impressionistas tentaram aplicar os últimos avanços no campo da ótica na arte, segundo os quais a pintura, feita por pontos separados de cores primárias, na percepção visual dá uma fusão de cores e toda a gama de pintura. (J. Seurat, P. Signac, K. Pissarro).
	pós-impressionismo- nome coletivo condicional das principais direções da pintura francesa para. XIX - 1º quartel. século 20 A arte do pós-impressionismo surgiu como uma reação ao impressionismo, que fixou a atenção na transferência do momento, no sentimento de pitoresco e perdeu o interesse pela forma dos objetos. Entre os pós-impressionistas estão P. Cézanne, P. Gauguin, V. Gogh e outros.
	- estilo na arte européia e americana na virada dos séculos XIX-XX. A Art Nouveau repensou e estilizou as características da arte de diferentes épocas, e desenvolveu suas próprias técnicas artísticas baseadas nos princípios da assimetria, ornamentalidade e decoratividade. As formas naturais também se tornam objeto de estilização da modernidade. Este obyacnyaetcya ne tolko intepec para pactitelnym opnamentam em ppoizvedeniyax modepna, Nr e cama SEU kompozitsionnaya e placticheckaya ctpyktypa - obilie kpivolineynyx ocheptany, oplyvayuschix, nepovnyx kontypov, napominayuschix pactitelnye fopmy. Intimamente ligado à modernidade está o simbolismo, que serviu de base estética e filosófica para a modernidade, apoiando-se na modernidade como implementação plástica de suas ideias. Art Nouveau teve nomes diferentes em diferentes países, que são essencialmente sinônimos: Art Nouveau - na França, Secession - na Áustria, Jugendstil - na Alemanha, Liberty - na Itália.
	- (do francês moderno - moderno) o nome geral de uma série de movimentos artísticos da primeira metade do século XX, que se caracterizam pela negação das formas tradicionais e estéticas do passado. O modernismo aproxima-se do vanguardismo e se opõe ao academicismo.
	- um nome que une o leque de movimentos artísticos que se difundiram nas décadas de 1905-1930. (Fauvismo, Cubismo, Futurismo, Expressionismo, Dadaísmo, Surrealismo). Todas essas áreas estão unidas pelo desejo de renovar a linguagem da arte, repensar suas tarefas, ganhar liberdade de expressão artística.
	- direção no art. XIX - presente. Século XX, baseado nas lições criativas do artista francês Paul Cezanne, que reduziu todas as formas da imagem às formas geométricas mais simples, e a cor - a construções contrastantes de tons quentes e frios. O cezannismo serviu como um dos pontos de partida para o cubismo. Em grande medida, o cezannismo também influenciou a escola de pintura realista doméstica.
	- (de fauve - wild) tendência de vanguarda na arte francesa n. século 20 O nome "selvagem" foi dado pelos críticos modernos a um grupo de artistas que apareceu em 1905 no Salão dos Independentes de Paris, e foi irônico. O grupo incluía A. Matisse, A. Marquet, J. Rouault, M. de Vlaminck, A. Derain, R. Dufy, J. Braque, K. van Dongen e outros. , a busca de impulsos na criatividade primitiva, a arte da Idade Média e do Oriente.
	- simplificação deliberada dos meios visuais, imitação dos estágios primitivos do desenvolvimento da arte. Este termo refere-se ao chamado. arte ingênua de artistas que não receberam educação especial, mas estiveram envolvidos no processo artístico geral do final do século XIX - início do século XIX. Século XX. As obras desses artistas - N. Pirosmani, A. Russo, V. Selivanov e outros são caracterizadas por uma espécie de infantilidade na interpretação da natureza, uma combinação de forma generalizada e literalidade mesquinha em detalhes. O primitivismo da forma de modo algum predetermina o primitivismo do conteúdo. Muitas vezes serve de fonte para profissionais que emprestaram formas, imagens e métodos da arte popular, essencialmente primitiva. N. Goncharova, M. Larionov, P. Picasso, A. Matisse se inspiraram no primitivismo.
	- uma direção na arte que se desenvolveu com base no seguimento dos cânones da antiguidade e do Renascimento. Existiu em muitas escolas de arte europeias dos séculos XVI a XIX. O academismo transformou as tradições clássicas em um sistema de regras e regulamentos "eternos" que agrilhoaram as buscas criativas, tentaram opor a natureza viva imperfeita com formas "altamente" aprimoradas, extranacionais e atemporais de beleza levadas à perfeição. O academicismo caracteriza-se por uma preferência por enredos da mitologia antiga, temas bíblicos ou históricos para enredos da vida contemporânea para o artista.
	- (Cubisme francês, de cubo - cubo) direção na arte do primeiro quartel do século XX. A linguagem plástica do cubismo baseava-se na deformação e decomposição de objetos em planos geométricos, o deslocamento plástico da forma. O nascimento do cubismo cai em 1907-1908 - véspera da Primeira Guerra Mundial. O líder indiscutível dessa tendência foi o poeta e publicitário G. Apollinaire. Essa tendência foi uma das primeiras a incorporar as principais tendências no desenvolvimento da arte do século XX. Uma dessas tendências foi o domínio do conceito sobre o valor artístico da própria pintura. J. Braque e P. Picasso são considerados os pais do cubismo. Fernand Léger, Robert Delaunay, Juan Gris e outros se juntaram à corrente emergente.
	- uma tendência na literatura, pintura e cinema que surgiu em 1924 na França. Contribuiu muito para a formação da consciência do homem moderno. As principais figuras do movimento são André Breton, Louis Aragon, Salvador Dali, Luis Bunuel, Juan Miro e muitos outros artistas de todo o mundo. O surrealismo expressou a ideia de existência além do real, o absurdo, o inconsciente, os sonhos, os devaneios adquirem aqui um papel especialmente importante. Um dos métodos característicos do artista surrealista é a retirada da criatividade consciente, o que o torna uma ferramenta que de várias maneiras extrai imagens bizarras do subconsciente, semelhantes a alucinações. O surrealismo sobreviveu a várias crises, sobreviveu à Segunda Guerra Mundial e aos poucos, fundindo-se com a cultura de massa, cruzando-se com a transavant-garde, entrou no pós-modernismo como parte integrante.
	- (do lat. futurum - futuro) movimento literário e artístico na arte da década de 1910. Otvodya cebe pol ppoobpaza ickycctva bydyschego, fytypizm em kachectve ocnovnoy ppogpammy vydvigal ideyu pazpysheniya kyltypnyx ctepeotipov e ppedlagal vzamen apologiyu texniki e ypbanizma COMO glavnyx ppiznakov nactoyaschego e gpyadyschego. Uma importante ideia artística do futurismo foi a busca de uma expressão plástica da rapidez do movimento como principal sinal do ritmo da vida moderna. A versão russa do futurismo levava o nome de kybofuturism e era baseada em uma combinação dos princípios plásticos do cubismo francês e das instalações estéticas gerais européias do futurismo.

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Características da pintura como um tipo de arte

pintura pertence um lugar especial entre outras artes : talvez nenhuma outra forma de arte seja capaz de transmitir os fenômenos do mundo visto, imagens humanas com tanta completude, especialmente quando se considera que a maioria das informações que recebemos do mundo exterior através da visão, Essa. visualmente. arte pintura retrato paisagem natureza morta

Foi a arte da pintura que conseguiu criar o impossível - parar o momento muito antes da fotografia: obras deste tipo Earte através de um momento retratado transmite anterior posterior, passado e futuro, conjecturado pelo espectador.

Pintura - este espetáculo organizado pelo artista:

Apesar de o pintor encarnar imagens reais em formas visíveis, eles não são uma cópia direta da vida;

Ao criar um quadro, o artista conta com a natureza, mas ao mesmo tempo recria-o no material obtido como resultado de sua experiência social e profissional, habilidades, maestria, pensamento imaginativo.

Pode ser encontrado vários tipos principais de experiência causados ​​por pinturas:

Reconhecimento de objetos familiares compreendidos pela visão - com base nisso, certas associações nascem sobre o retratado;

· Obtenção de um sentimento estético.

Nesse caminho, pintura desempenha funções pictóricas, narrativas e decorativas.

Tipos de pintura e seus meios expressivos

A pintura é dividida nos seguintes tipos:

· Monumental - decorativo - serve para complementar e projetar estruturas arquitetônicas (pinturas murais, plafonds, painéis, mosaicos);

· Decorativo - utilizado em outras artes (cinema ou teatro);

· Cavalete;

· Iconografia;

· Miniatura.

A variedade mais independente é um pintura de cavalete.

Pintura tem meios expressivos especiais:

· Foto;

· Coloração;

· Composição.

Foto - um dos meios expressivos mais importantes: é com a ajuda dele e dos componentes do desenho linhas criado imagens plásticas.Às vezes essas linhas são esquemáticas, apenas esboçam as construções dos volumes.

Cor -o principal meio de expressão na arte da pintura. É na cor que uma pessoa conhece o mundo ao seu redor. Cor:

Alinha Formato objetos representados;

· Modelos espaço Itens;

· Cria humor;

Forma um certo ritmo.

Sistema de organização de cores, proporções de matiz, com a ajuda do qual as tarefas da imagem artística são resolvidas, é chamado cor:

Em sentido estrito, é a única organização verdadeira de esquemas de cores desta imagem;

Em uma ampla - comum à maioria as leis da percepção de cores das pessoas, já que você pode dizer "cor quente", "cor fria", etc.

Em vários períodos da história da pintura, houve sistemas de cores.

Nos primeiros tempos era usado cor local, excluindo o jogo de cores e tons: a cor aqui é como se fosse uniforme e inalterada.

Durante o Renascimento, havia cor do tom, Onde corescondicionadoposição no espaço e sua iluminação. A capacidade de designar a forma do objeto representado com luz é chamada plástico colorido.

Existem dois tipos de cores tonais:

· dramático - contraste de luz e sombra;

· cor - contraste de cores.

Para um artista, a habilidade de usar a técnica é muito importante. claro-escuro, Essa. manter a gradação correta de claro e escuro na imagem, porque é assim que se consegue o volume do objeto representado, cercado por um ambiente de luz-ar.

Composição na pintura no sentido mais geral - colocação das figuras, sua relação no espaço da imagem. A composição combina uma enorme variedade de detalhes e elementos em um único todo. Sua relação causal forma um sistema fechado no qual nada pode ser alterado ou adicionado a ele. Este sistema reflete uma parte do mundo real, que é percebida e sentida pelo artista, destacada por ele de uma variedade de fenômenos.

Ao mesmo tempo, no campo da composição há concentração de ideias ideológicas e criativas, porque se manifesta através dele atitude do criador em relação ao seu modelo. A imagem torna-se um fenômeno artístico apenas quando está sujeito a um desenho ideológico, porque senão você só pode falar de cópia simples.

N.N. Volkov chama a atenção para a diferença entre os conceitos de "estrutura", "construção" e "composição":

· Estrutura determinado um único caráter de conexões entre elementos, uma única lei de modelagem. O conceito de estrutura em relação a uma obra de arte está associado à multifacetada de uma obra de arte, ou seja, no processo de percepção de uma imagem, podemos penetrar nas camadas mais profundas de sua estrutura;

· Construção - é um tipo de estrutura em que os elementos estão relacionados funcionalmente, porque sua integridade depende da unidade de função. Com relação à figura, podemos dizer que a função das conexões construtivas na figura é a criação e fortalecimento das conexões semânticas, pois geralmente o centro construtivo é na maioria das vezes o nó semântico;

· Composição da arte é uma estrutura fechada com elementos fixos, conectados por uma unidade de significado.

Uma das principais leis de composiçãoé uma limitação Imagens, que oferece oportunidades para o mais importante em expressar a intenção da imagem.

Formulário de restrição também desempenha um papel significativo - na prática artística, como formas básicas:

· Retângulo.

A limitação também se aplica a que pode ser representado, ou seja, encontrar semelhança externa em cores, linhas em um plano objetos, pessoas, espaço visível, etc.

Na prática das artes plásticas, são conhecidos os seguintes tipos de composições:

· Estável (estático) - os principais eixos composicionais se cruzam em ângulo reto no centro da obra;

· Dinâmico - com diagonais, círculos e ovais dominantes;

Aberto - as linhas de composição parecem divergir do centro4

· Fechado - há uma contração de linhas para o centro.

Esquemas de composição estáveis ​​e fechados característica da prática artística renascimento,dinâmico e aberto - para a época barroca.

Técnicas e principais gêneros de pintura

A expressividade da imagem e a concretização da intenção artística dependem de qual técnica de pintura é usada pelo artista.

Os principais tipos de técnicas de pintura:

· Pintura a óleo;

· Aquarela;

· Têmpera;

· Pastel;

Fresco.

Pintura a óleo caracterizados pelo fato de poderem ser usados ​​para obter soluções de cores complexas - A viscosidade e o longo tempo de secagem das tintas a óleo permitem misturar tintas e obter suas diversas combinações.

A base usual para a pintura a óleo é uma tela de linho coberta com solo semi-oleoso.

Outras superfícies também são possíveis.

Aquarela diferente de outras técnicas transparência e frescura da cor. Não usa branco e é usado em papel branco sem primer, que cumpre sua função.

Interessante aquarela, feita em papel cru.

Têmpera, preparado com óleo de caseína, ovo ou aglutinante sintético, é uma das mais antigas técnicas de pintura.

A têmpera complica o trabalho do artista pelo fato de secar rápido o suficiente e não pode ser misturado, e também muda de cor quando seca, mas por outro lado cor em têmpera especialmente bonito - calmo, aveludado, até.

Pastel - pintando com giz de cera colorido.

Dá tons suaves e suaves. Realizado em papel cru ou camurça.

Trabalhos feitos em pastel, infelizmente, são difíceis de preservar devido a sua fluidez.

Aquarela, pastel e guache por vezes referido gráficos, uma vez que essas tintas são aplicadas em papel sem primer, no entanto, elas têm em maior medida a principal propriedade específica da pintura - cor.

pintura a fresco é feito da seguinte forma: o pó do pigmento colorido é diluído com água e aplicado no gesso úmido, que segura firmemente a camada de tinta.

Tem uma longa história.

Especialmente frequentemente esta técnica é usada para decorar as paredes dos edifícios.

Apesar de a pintura ser capaz de refletir quase todos os fenômenos da vida real, na maioria das vezes ela representa imagens de pessoas, natureza animada e inanimada.

É por isso Os principais gêneros de pintura podem ser considerados:

· Retrato;

· Cenário;

· Natureza morta.

Retrato

Retrato no sentido mais geral é definido como uma imagem de uma pessoa ou grupo de pessoas que realmente existe ou existiu.

Geralmente são indicados recursos de retrato nas artes visuais:

semelhança com o modelo;

Reflexo das características sociais e éticas através dele.

Mas, claro, o retrato reflete não só isso, mas também atitude especial do artista para com a pessoa que está sendo retratada.

Nunca confunda os retratos de Rembrandt com as obras de Velasquez, Repin com Serov ou Tropinin, pois dois personagens estão representados no retrato - o artista e seu modelo.

Inesgotável o tema principal do retrato -humano. No entanto, dependendo das características da percepção do artista sobre a pessoa retratada, surge uma ideia que o artista procura transmitir.

Dependendo da ideia de um retrato, o seguinte é determinado:

· Solução de composição;

· Técnica de pintura;

· Coloração, etc.

A ideia da obra dá origem à imagem de um retrato:

· Documentário-narrativa;

Emocionalmente sensual;

· Psicológico;

Filosófico.

Para solução documentário-narrativa imagem é caracterizada pela atração especificação precisa do retrato.

O desejo de semelhança documental aqui prevalece sobre a visão do autor.

Solução figurativa emocional alcançou meios pictóricos decorativos e a autenticidade documental não é exigida aqui.

Não é tão importante como as mulheres de Rubens se parecem com seus protótipos. O principal é a admiração por sua beleza, saúde, sensualidade, transmitida do artista para o espectador.

Para variar retrato filosófico pode ser atribuído ao "Retrato de um Velho em Vermelho" de Rembrandt (c. 1654). Durante sua maturidade criativa, eram muito comuns tais retratos-biografias de pessoas mais velhas, que são reflexão filosófica do artista sobre aquele período da vida humana em que se resumem os resultados peculiares de uma existência longa e difícil.

Os artistas costumam escolher como um modelo de si mesmo por isso é tão comum auto-retrato.

Nela, o artista procura avaliar-se de fora como pessoa, determinar seu lugar na sociedade, simplesmente capturar-se para a posteridade.

Durer, Rembrandt, Velázquez, Van Gogh travam uma conversa interna consigo mesmos e ao mesmo tempo com o espectador.

Ocupa um lugar especial na pintura retrato de grupo.

É interessante porque é retrato geral, e não retratos de várias personalidades específicas retratadas em uma tela.

Em tal retrato, é claro, há uma característica separada de cada personagem, mas, ao mesmo tempo, é criada uma impressão de uma semelhança, uma unidade da imagem artística (“The Regents of the Nursing Home in Haarlem” de F. .

Às vezes é muito difícil traçar uma linha entre o retrato de grupo e outros gêneros, já que os antigos mestres retratavam grupos de pessoas muitas vezes em ação.

Cenário

O tema principal da representação do gênero paisagem é a natureza -naturais ou artificiais.

Este gênero muito mais jovem que os outros. Se os retratos escultóricos foram criados já em 3.000 aC, e os retratos pictóricos têm uma história de cerca de 2.000 anos, o início da biografia da paisagem remonta ao século VI. AD, e eram comuns no Oriente, especialmente na China.

O nascimento da paisagem europeia ocorreu no século XVI, e adquiriu a independência do gênero apenas a partir do início do século XVII.

O gênero paisagem se formou, passando de um elemento decorativo e auxiliar na composição de outras obras para um fenômeno artístico independente, retratando o ambiente natural.

Pode ser visões reais ou imaginárias da natureza. Alguns deles têm seus próprios nomes:

A paisagem arquitetônica urbana é chamada reduto ("Opera Drive" de K. Pissarro;

Vista do mar - marina ( paisagens de I. Aivazovsky).

gênero paisagem torna-se não apenas um reflexo da natureza, mas também meio de expressar uma ideia artística particular.

Além disso, pela natureza dos temas favoritos, até certo ponto, pode-se julgar a estrutura emocional do artista e as características estilísticas de seu trabalho.

O significado figurativo da obra depende da escolha das espécies naturais:

· começo épico contido na imagem de distâncias de floresta, panoramas de montanhas, planícies sem fim (“Kama” de A. Vasnetsov).

Mar tempestuoso ou deserto impenetrável encarna algo misteriosoàs vezes grave (J. Michel "Tempestade");

· lírico tipos de caminhos cobertos de neve, bordas de floresta, pequenas lagoas;

Manhã ensolarada ou meio-dia pode transmitir sentimento de alegria e paz"Nenúfares brancos" de C. Monet, "Pátio de Moscou" de V. Polenov).

Uma vez que a natureza primordial é gradualmente submetida à intervenção ativa do homem, a paisagem assume as características de um documento histórico sério.

A paisagem é capaz de incorporar até mesmo alguns sensações sociais da época, o curso do pensamento social: assim, em meados do século XIX, a estética da paisagem romântica e clássica cede gradualmente à paisagem nacional, que muitas vezes adquire um significado social; o início de uma nova era técnica também foi registrado na paisagem (“Nova Moscou por Y. Pimenov”, “Berlin-Potsdam Railway” por A. Menzel).

Cenário não é apenas um objeto de conhecimento da natureza, um monumento de arte, mas também um reflexo do estado da cultura de uma determinada época.

Natureza morta

Uma natureza morta retrata o mundo de coisas que cercam uma pessoa, que são colocadas e organizadas em uma composição integral em um ambiente doméstico real.

Apenas tal organizando coisasé um componente do sistema figurativo do gênero.

Natureza morta pode ter valor independente, e pode se tornar parte de uma composição de outro gênero, para revelar mais plenamente o conteúdo semântico da obra, como, por exemplo, nas pinturas “Merchant” de B. Kustodiev, “Sick” de V. Polenov, “Girl with Peaches” de V. Serov.

Nas pinturas com enredo, a natureza morta, embora importante, é de importância subordinada, porém, como gênero de arte independente, tem grande poder expressivo. Apresenta não apenas a essência externa e material dos objetos, mas de forma figurativa os aspectos essenciais da vida são transmitidos, a época e até eventos históricos importantes são refletidos.

Ainda a vida é boa laboratório criativo, onde o artista aprimora suas habilidades, caligrafia individual,

A natureza morta teve períodos de declínio e desenvolvimento.

teve um papel importante na sua formação Pintores holandeses dos séculos XVI e XVII.

Eles desenvolveram básico, princípios artísticos:

· Realismo;

· Observações sutis da vida;

· Um dom especial de transmitir o valor estético de coisas familiares.

Nos "cafés da manhã" e "lojas" favoritos, o material dos objetos era transferido com grande habilidade; textura da superfície de frutas, legumes, caça, peixe.

É especialmente importante que a natureza morta enfatiza a ligação inseparável do homem com o mundo das coisas.

Pintores impressionistas resolveu o problema criativo de uma natureza morta pitoresca de uma maneira ligeiramente diferente.

Aqui o principal não era um reflexo das propriedades dos objetos, sua tangibilidade. MAS jogo de luz, cor, frescura de cor (naturezas-mortas de K. Monet, mestres do ramo russo do impressionismo francês K. Korovin e I. Grabar).

Nem toda representação do mundo das coisas em papel ou tela será considerada uma natureza morta. Como cada objeto tem seu próprio habitat natural e finalidade, colocá-lo em outras condições pode causar dissonância no som da imagem.

O principal é que as coisas combinadas na composição da natureza morta criam harmoniosa imagem artística emocionalmente rica.

Outros gêneros de pintura

Os gêneros ocupam um lugar significativo na arte da pintura:

· Doméstico;

· Histórico;

· Batalha;

· Animalista.

gênero doméstico retrata vida quotidiana privada e pública, usualmente, artista contemporâneo.

As pinturas deste gênero representam a atividade laboral das pessoas (“The Spinners” de D. Velasquez, “Na Colheita” de A. Venetsianov), feriados (“Dança Camponesa” de P. Brueghel), momentos de descanso, lazer ( “Jovem Casal no Parque” de T. Gaysborough, “Jogadores de Xadrez” de O. Daumier), sabor nacional (“Mulheres argelinas em seus aposentos” de E. Delacroix).

Gênero histórico - capturando eventos históricos importantes. Este gênero inclui histórias lendárias e religiosas.

Entre as pinturas gênero histórico pode ser chamado de "Morte de César" por K.T. von Piloty, “A Rendição de Breda” de D. Velázquez, “Adeus de Heitor a Andrômaca” de A. Losenko, “Sbinyanok” de Zh.L. David, "Liberty Leading the People" de E Delacroix e outros.

Assunto da imagemgênero de batalha está campanhas militares, batalhas gloriosas, feitos de armas, operações militares (“Batalha de Angyari” de Leonardo da Vinci, “Tachanka” de M. Grekov, “Defesa de Sebastopol” de A. Deineka). Às vezes é incluído na composição da pintura histórica.

Em fotosgênero animal exibido mundo animal (" Aves” de M. de Hondekuter, “Cavalos Amarelos” de F. Mark).

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