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No final do século XVI, surgiu um novo estilo - o barroco. É sobre ele que será discutido neste artigo.

Barroco (barroco italiano - “bizarro”, “estranho”, “excessivo”, porto. perola barroca - literalmente "pérola com vício")é um estilo na arte em geral e na arquitetura em particular.

época barroca

Considera-se condicionalmente (como todos os períodos históricos) que a era barroca continuou durante os séculos XVI-XVIII. Curiosamente, tudo começou com, que no século XVI começou a enfraquecer visivelmente no cenário internacional em termos econômicos e políticos.

Os franceses e espanhóis perseguiram ativamente suas políticas na Europa, embora a Itália ainda permanecesse o centro cultural da sociedade europeia. E a força da cultura, como você sabe, é determinada por sua capacidade de se adaptar a novas realidades.

Assim, a nobreza italiana, sem dinheiro para construir palácios ricos que demonstram seu poder e grandeza, recorreu à arte para criar a aparência de riqueza, força e prosperidade com sua ajuda.

Assim começou a era barroca, que se tornou uma etapa importante no desenvolvimento da arte mundial.

É importante enfatizar que a vida das pessoas neste momento começou a mudar fundamentalmente. A era barroca é caracterizada por muito tempo livre. Os cidadãos preferem torneios de cavalaria (ver) cavalgadas ("carrosséis") e jogar cartas, peregrinações - caminhadas no parque, mistérios - teatros.

Velhas tradições baseadas em superstição e preconceito estão caindo. Um notável matemático e filósofo deriva a fórmula: "Penso, logo existo". Ou seja, a sociedade está sendo reconstruída para uma forma diferente de pensar, onde é saudável não o que alguma autoridade disse, mas o que pode ser explicado matematicamente com precisão a qualquer ser racional.

Um fato interessante é que no meio profissional em torno da própria palavra "Barroco" há mais polêmica do que sobre a época em si. Do espanhol, barroco é traduzido como uma pérola de formato irregular, mas do italiano, barroco significa uma falsa conclusão lógica.

Essa segunda opção parece ser a versão mais plausível da origem da polêmica palavra, pois foi na época barroca que se observou algum tipo de engenhoso absurdo na arte, e até mesmo estranheza, atingindo a imaginação com sua pompa e grandeza.

estilo barroco

O estilo barroco é caracterizado pelo contraste, dinamismo e tensão, bem como um claro desejo de pompa e grandeza exterior.

É interessante que representantes dessa tendência combinaram muito organicamente diferentes estilos de arte. Em suma, a Reforma e o ensino desempenharam um papel fundamental na fundação do estilo barroco.

Se era típico do Renascimento perceber uma pessoa como a medida de todas as coisas e a mais razoável das criaturas, então ele já se entende de forma diferente: “algo entre tudo e nada”.

arte barroca

A arte barroca distingue-se, antes de mais, pelo extraordinário esplendor das formas, originalidade dos enredos e dinamismo. Na arte, a extravagância chamativa prevalece. Na pintura, os representantes mais proeminentes desse estilo foram Rubens e.

Olhando para algumas das pinturas de Caravaggio, involuntariamente se maravilha com o dinamismo de seus temas. O jogo de luz e sombra enfatiza incrivelmente sutilmente as várias emoções e experiências dos personagens. Um fato interessante é que a influência desse artista na arte foi tão grande que surgiu um novo estilo - o caravaggismo.

Alguns seguidores conseguiram adotar o naturalismo de seu professor na transferência de pessoas e eventos para a tela. Peter Rubens, estudando na Itália, tornou-se seguidor de Caravaggio e Carraci, dominando sua técnica e adotando o estilo.

O pintor flamengo Van Dyck e o holandês Rembrandt também foram representantes proeminentes da arte barroca. Este estilo foi seguido pelo excelente artista Diego Velasquez, e em - Nicolas Poussin.

A propósito, foi Poussin quem começou a lançar as bases para um novo estilo de arte - o classicismo.

Barroco na arquitetura

A arquitetura barroca se distingue por seu alcance espacial e formas complexas e curvilíneas. Inúmeras esculturas nas fachadas e nos interiores, várias colunatas e muitas vigas criam esplendor e uma vista majestosa.

Conjunto arquitetônico "Zwinger" em Dresden

As cúpulas adquirem formas complexas e geralmente têm várias camadas. Um exemplo é a cúpula da Basílica de São Pedro, em Roma, cujo arquiteto foi.

As obras mais significativas do barroco na arquitetura são o Palácio de Versalhes e o prédio da Academia Francesa em. Os maiores conjuntos barrocos do mundo incluem Versalhes, Peterhof, Zwinger, Aranhues e Schönbrunn.

Em geral, deve-se dizer que a arquitetura desse estilo se espalhou por muitos países europeus, inclusive, sob a influência de Pedro, o Grande.

música barroca

Falando da época barroca, é impossível ignorar a música, pois ela também sofreu mudanças significativas nesse período. Os compositores combinavam formas musicais de grande escala, ao mesmo tempo em que tentavam contrastar canto coral e solo, vozes e instrumentos.

Vários gêneros instrumentais estão surgindo. Os representantes mais proeminentes da música barroca são Bach, Handel e.

Resumindo, podemos dizer com confiança que esta época deu origem a gênios de importância mundial que para sempre inscreveram seu nome na história. As obras de muitos deles ainda estão decoradas com os melhores museus de diferentes países.

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O pintor barroco italiano mais famoso e significativo foi Giovanni Lorenzo Bernini (1598-1680). Ele glorificou tanto o absolutismo quanto o catolicismo. Ele era um homem de grande energia criativa, que impressionou com uma variedade de talentos: arquiteto, escultor, decorador, pintor, desenhista. Ele é um daqueles raros artistas que viveu uma vida longa e confortável. De fato, ao longo de sua vida, Bernini foi o ditador da vida artística romana.

Por um lado, seu trabalho é reflexo das exigências da igreja (não é por acaso que a igreja sempre apadrinhou seu talento); por outro lado, ampliou as possibilidades de formas de arte espacial (plástica). Por um lado, ele fez a glória da arte católica, por outro lado, ele também “corrompeu” o plástico da igreja, criou um tipo de estátuas religiosas escandalosas, inquietas e indecentemente coquetes, que se tornaram um cânone por um século inteiro.

Uma das esculturas famosas de Bernini é David. É apresentado de uma maneira completamente diferente da de Michelangelo. Lá - paz, aqui - expressão, sentimento, movimento impetuoso. O mesmo pode ser visto no rosto. É distorcido com uma careta de raiva e raiva. As imagens bíblicas e sua interpretação são verdadeiramente inesgotáveis. Em contraste com a monumentalidade dos revivalistas, Bernini busca a concretude da imagem do evento.

Ação, dinâmica - o núcleo da solução das composições de Bernini ("O Rapto de Proserpina", "Apolo e Dafne"). Este magnífico artista foi um dos primeiros (depois dos antigos escultores) a abordar o problema de transmitir movimento com uma forma de arte espacial.

Isso foi especialmente expressivo em sua escultura “Apolo e Dafne” (a história de Apolo e Dafne é contada por Ovídio. Apolo persegue Dafne, a filha da terra de Gaia e o deus dos rios Peneu (ou Ladon), que lhe deu palavra para permanecer casto e permanecer celibatário, como Ártemis. Ela pediu ajuda aos deuses, e os deuses a transformaram em um loureiro. Em vão Apolo o abraçou, não se transformou novamente em Dafne. E o loureiro desde então se tornou um planta sagrada favorita de Apolo). Bernini transmitiu surpreendentemente com precisão o momento da metamorfose do corpo da ninfa nas raízes, folhas, galhos de uma árvore. A pedra transmite tanto a ternura da pele de Daphne, a leveza de seus cabelos e a superfície da árvore emergente. Provavelmente pela primeira vez a escultura era tão franca e autêntica.

Bernini conseguiu se aproximar do gênero do retrato escultórico.

O retrato do cardeal Scipione Borghese transmite tanto a flacidez da pele, quanto o atlas do manto, e o movimento característico, sente-se uma pessoa autoconfiante, inteligente, sensual e imperiosa.

Bernini criou uma série de maravilhosos retratos cerimoniais (às vezes eles dizem cerimonial - romântico).

Por exemplo, o retrato de Francesco d'Este retrata o verdadeiro governante, o soberano. Uma das obras mais características de Bernini nesse gênero é o retrato de Luís XIV. Mesmo sem saber de quem é o retrato à nossa frente, você pode adivinhar que este é o rei. Bernini mostra junto com grandeza e arrogância aristocrática, arrogância vazia, egoísmo.

E. Fuchs na "História Ilustrada da Moral" escreve sobre a época barroca apenas como "um reflexo artístico do absolutismo principesco, uma fórmula artística de grandeza, postura, representatividade... ou na prática... Na face, marcha o soberano absoluto na terra, a própria divindade. Daí o esplendor, daí o esplendor dourado e cintilante com que se veste o monarca absoluto...

Luís XIV não sabia ler nem escrever. Mas, no entanto, observa E. Fuchs, quando o famoso J. B. Colbert (ministro das Finanças desde 1665) descobriu que seu filho estava entre os cortesãos de Luís XIV, viu nisso a maior felicidade. Ele se dirigiu a Louis assim: "Senhor, nosso dever é reverentemente calar e agradecer a Deus diariamente por nos permitir nascer sob o cetro de um soberano que não reconhece outros limites além de sua própria vontade". A arte de Bernini, revelada no retrato de Luís XIV, reflete perfeitamente a psicologia e a linguagem da era do absolutismo.

Nas obras escultóricas, Bernini captura o pathos dos sentimentos, a magnificência espetacular, os efeitos pictóricos, a combinação de materiais de diferentes texturas e cores e o uso da luz. As lápides papais são na verdade mise en scenes teatrais, tudo nelas é criado de forma a evocar uma enxurrada de emoções (em particular, as lápides do Papa Alexandre VII e do Papa Urbano VIII são distinguidas por isso).

Bernini não deixou de lado as cenas de culto favoritas do século XVII. - martírios, êxtases, visões e apoteoses. Assim, o enredo de sua famosa composição escultórica “O Êxtase de Santa Teresa” foi uma das cartas de uma freira espanhola do século XVI, na qual ela conta como viu um anjo enviado a ela por Deus. Bernini conseguiu transmitir o estado interior dessa freira, o que ainda não foi feito por nenhum dos artistas.

Os personagens da composição aparecem diante do espectador inesperadamente. A parede do altar, por assim dizer, se abre, as colunas partem. Feitas em mármore branco, as figuras de Teresa e do anjo lembram uma visão. Mas para Teresa, um anjo é uma realidade. Um momento de excitação emocional suprema é lindamente capturado. A cabeça foi jogada para trás, a mão pendurada impotente. As dobras quebradas das roupas só aumentam a paixão da experiência. Diante de nós é realmente doloroso e doce êxtase. (Há uma orientação muito definida da arte católica ocidental para a experiência, e não para um sentimento místico. Na escultura, que recria um sentimento religioso completamente acurado, há, é claro, um forte toque de erotismo, que nunca existiu, por exemplo, em um ícone russo.) desempenha um papel especial na composição da luz refletida pelos raios de latão, o que também aprimora a experiência. A composição escultórica está localizada na Capela Cornaro.

O trabalho de Bernini também se distingue pelo fato de buscar novas técnicas para aumentar a expressividade, ele se volta para a síntese das artes (escultura e arquitetura). Por exemplo, o dossel e o púlpito da Catedral de St. Peter. Bernini extrai efeitos plásticos sem precedentes de materiais tradicionais.

Entre as mais belas criações de Bernini estão as fontes cheias de um tremendo poder dinâmico. A união da escultura e da água é interessante aqui. Por exemplo, a famosa Fonte Triton, a Fonte dos Quatro Rios. As fontes de Bernini tornaram-se parte integrante da arquitetura de Roma.

Bernini permaneceu na história como um arquiteto famoso. Na arquitetura do Barroco, desaparece a harmonia das formas inerentes à arquitetura do Renascimento. Em vez de equilíbrio de partes - sua luta, contrastes, interação dinâmica.

O relevo da parede torna-se mais complexo, as formas são mais plásticas, como se fossem móveis, elas “geram” e continuam umas às outras. A arquitetura barroca, por assim dizer, atrai uma pessoa para seu espaço.

As criações de Bernini incluem a igreja de Sant'Andrea al Quirinale (a fachada parece dobrar, a cerca côncava, degraus semicirculares, o contorno da igreja é baseado no contorno de uma elipse, o interior gira em torno das capelas - nichos; nichos, colunas, pilastras, esculturas são visíveis em ângulos complexos, o que cria a impressão de sua infinita variedade; a solução da cúpula também é interessante: os caixotões estão localizados diminuindo de tamanho em direção ao centro, o que cria a ilusão de uma leveza da cúpula e sua aspiração especial para cima.

A decisão da "Escadaria Real" no Vaticano também é muito interessante. Com várias técnicas de perspectiva, Bernini cria a ilusão de sua enorme escala e extensão.

No Palácio Barberini, as salas localizam-se numa enfileirada, ao longo de um eixo, e esta abertura gradual, uma espécie de “movimento” do espaço, imprimiu um ritmo majestoso às cerimónias festivas.

A praça em frente à Basílica de São Pedro é uma das grandes criações de Bernini.

Duas galerias, transformando-se em colunata, cobrem o espaço da praça, “como braços abertos”, nas palavras de Bernini. O centro da praça (sua profundidade total é de 280 m) é marcado por um obelisco, as fontes de cada lado definem seu eixo transversal. A área em frente à catedral revela de forma especialmente clara o gênio arquitetônico de Bernini, sua capacidade de modelar o espaço. Indo à catedral, a pessoa deve caminhar sob a colunata ou ao longo dela, para que perceba o edifício de diferentes pontos de vista e em unidade com a colunata e as fontes.

Bernini conseguiu a impressão da unidade composicional da catedral - um edifício construído por vários mestres ao longo de dois séculos. A fachada da catedral se ergue diante do caminhante no momento da aproximação direta a ela, mas a grandiosa praça já prepara psicologicamente a pessoa para essa percepção (um dos princípios do barroco é a surpresa, o desejo de surpreender a imaginação, tudo isso está presente em Bernini). A praça em frente à catedral é considerada o melhor conjunto arquitetônico da Itália no século XVII. (I. Pruss).

Tudo isso, em conjunto, fortaleceu o clima de pathos religioso.

A obra arquitetônica de Bernini confirma o início emocional.

A igreja de Sant'Charla do famoso Francesco Borromini é um organismo verdadeiramente vivo do lado da fachada, há um ritmo inquieto de formas arquitetônicas nela. Aparece como um espetáculo decorativo eficaz.

O pintor Caravaggio (1573-1610) é a personificação do temperamento desenfreado na pintura. Uma característica de seu trabalho é o tipo. Imagens populares são apresentadas em sua obra (“O Martírio do Apóstolo Pedro”).

Um lugar especial na direção barroca é ocupado por Peter Paul Rubens. Este artista flamengo é atribuído por muitos historiadores da arte à tendência barroca na arte.

Rubens é o representante mais brilhante da época barroca. O desejo de um "grande estilo" solene (consequência do estabelecimento das monarquias européias) foi combinado no barroco com uma atitude em relação ao mundo como um todo complexo e mutável. Daí - tudo o que é considerado o signo "assinatura" do Barroco: contraste, tensão, dinamismo das imagens, afetação, desejo de grandeza e esplendor, pela combinação de realidade e ilusão.

Peter Paul Rubens nasceu em 28 de junho de 1577 em Siegen, Westphalia (agora parte da Alemanha). Era o sétimo filho da família do advogado Jan Rubens. Por muito tempo a família Rubens viveu em Antuérpia, mas em 1568 mudou-se para Colônia. O fato é que nessa época Jan começou a se inclinar para o protestantismo, o que causou forte descontentamento por parte da comunidade católica local. Em Colônia, recebeu o cargo de secretário de Ana da Saxônia, esposa de Guilherme I de Orange.Em 1591, Rubens começou a estudar pintura. Por algum tempo trabalhou como aprendiz de Tobias Verhacht; cerca de quatro anos com Adam van Noort; mais dois anos com Otto van Ven. Em 1598 ele foi finalmente aceito no St. Lucas. Os primeiros professores de Rubens eram pintores muito medíocres, mas estudar com van Ven beneficiou Rubens. Em maio de 1600, Pedro Paulo foi para a terra prometida dos artistas. Ele viveu na Itália por oito anos, o que determinou seu futuro. É improvável que qualquer um dos pintores do norte da Europa que vieram para a Itália naqueles anos tenha mergulhado na cultura italiana tão profundamente quanto Rubens. Em outubro de 1608, Rubens recebeu um aviso de que sua mãe estava gravemente doente. Ele correu para Antuérpia, mas não conseguiu mais ver sua mãe viva. Em 23 de setembro de 1609, Rubens conseguiu um emprego como pintor da corte na corte do arquiduque Albert e sua esposa Isabella, que então governava Flandres em nome da coroa espanhola, e dez dias depois se casou com Isabella Brant, de 17 anos. No ano seguinte, Rubens finalmente se instalou em Flandres, comprando uma grande casa em Antuérpia.Na década seguinte, Rubens participou ativamente desse trabalho, criando retábulos incríveis um após o outro. Entre eles, destacam-se os trípticos “O Içar da Cruz” e “Descida da Cruz”, escritos para a Catedral de Antuérpia. O destino lhe deu o primeiro golpe cruel em 1623, quando a filha de Rubens morreu (ele teve mais dois filhos), e o segundo em 1626, quando sua esposa morreu ("uma amiga e assistente indispensável", como o próprio Rubens escreveu em um dos suas cartas) A felicidade acompanhou o artista em sua vida pessoal. Em 1630, Rubens casou-se com Helena Fourman, de 16 anos, sobrinha de sua primeira esposa. Este casamento, como o primeiro, foi muito bem sucedido. Rubens e Elena tiveram cinco filhos (sua última filha nasceu oito meses após a morte do artista). Em 1635, Rubens comprou o Castelo Steen, localizado a cerca de 32 quilômetros ao sul de Antuérpia. Vivendo no castelo, gostava muito de pintar paisagens locais. Em 30 de maio de 1640, enquanto em Antuérpia, Rubens morreu inesperadamente de um ataque cardíaco. A artista, que completou 62 anos, foi lamentada por toda a cidade.

Barroco como estilo

Os artistas barrocos trabalharam conscientemente para se separarem dos artistas do Renascimento e do período maneirista posterior. Eles usaram cores intensas e quentes em sua paleta, e em particular as cores primárias vermelho, azul e amarelo, muitas vezes colocando as três próximas. A pintura barroca abrange uma ampla gama de estilos, como a pintura mais importante e dominante no período que começa por volta de 1600 e continua até o século XVII e início do século XVIII é identificada hoje como pintura barroca. As manifestações mais típicas do barroco na arte são: grande dramatismo, cores ricas e profundas e luz intensa e sombras escuras. A arte barroca pretendia evocar emoção e paixão, em vez da calma racionalidade que era valorizada durante o Renascimento. Ao contrário dos rostos calmos das pinturas renascentistas, os rostos das pinturas barrocas expressavam claramente suas emoções. Os artistas costumavam usar a assimetria, onde a ação ocorria longe do centro da imagem, e criavam eixos que não eram nem verticais nem horizontais, mas inclinados para a esquerda ou para a direita, criando uma sensação de instabilidade e movimento. Eles reforçaram essa impressão de movimento à medida que os trajes dos personagens eram levados pelo vento ou movidos ao longo de seu próprio caminho. As impressões gerais eram do movimento. A alegoria foi outro elemento importante da pintura barroca. Cada pintura contava uma história e tinha uma mensagem, muitas vezes codificada em símbolos alegóricos, que um espectador educado precisaria conhecer e ler.

Teoria da Arte na Era Barroca

Uma teoria artística desenvolvida do período barroco não foi criada nem na Itália, nem em sua terra natal, nem em outros países. Apenas alguns traços característicos do barroco foram descritos nos escritos de seus contemporâneos: Marco Boschini (Italiano) russo, Pietro da Cortona , Bernini , Roger de Pil (fr.) russo. Nas histórias de Boschini sobre os méritos da pintura veneziana, os princípios do barroco não foram claramente articulados, mas a própria natureza das comparações e a forma de descrição testemunham as preferências do autor, expressas por ele não à escultura antiga e Rafael, mas a Ticiano, Veronese, Velázquez e Rembrandt. Boschini enfatizou o papel dominante da cor barroca, bem como a discrepância entre a forma pictórica e a plástica. Nos comentários sobre a expressividade da possibilidade de pintar com mancha e sobre a ilusão de ótica da fusão dos traços, Boschini mostrou uma visão de mundo próxima ao barroco.

Pietro da Cortona compara as pinturas da época barroca não com a tragédia, típica das pinturas do classicismo, mas com um poema épico e sua inerente amplitude narrativa, tramas diversas, colorido e composição livre. Em disputas acadêmicas com Andrea Sacchi, os seguidores de Pietro da Cortona defendiam as vantagens da imagem barroca, que não exigia que o espectador analisasse cuidadosamente cada figura e “leia” com atenção o enredo para revelar todos os matizes de significado, mas se desdobrou diante do espectador "um efeito global radiante, harmonioso e vivo capaz de suscitar admiração e espanto" .

Na Itália

Na pintura barroca italiana, desenvolveram-se diferentes gêneros, mas principalmente alegorias, um gênero mitológico. Pietro da Cortona, Andrea del Pozzo, Giovanni Battista Tiepolo, os irmãos Carracci (Agostino e Lodovico) sucederam nessa direção. A escola veneziana ficou famosa, onde o gênero de veduta, ou paisagem urbana, ganhou grande popularidade. O autor mais célebre de tais obras é D. A. Canaletto. Não menos famosos são Francesco Guardi e Bernardo Bellotto. Canaletto e Guardi pintaram vistas de Veneza, enquanto Bellotto (um aluno de Canaletto) trabalhou na Alemanha. Ele possui muitas vistas de Dresden e outros lugares. Salvator Rosa (escola napolitana) e Alessandro Magnasco pintaram paisagens fantásticas. Este último pertence a vistas arquitetônicas, e o artista francês Hubert Robert, que trabalhou em uma época em que o interesse pela antiguidade, pelas ruínas romanas, estava muito próximo dele. Em suas obras apresentam-se ruínas, arcos, colunatas, templos antigos, mas de uma forma um tanto fantástica, com exageros. Telas heróicas foram pintadas por Domenichino e parábolas pitorescas por Domenico Fetti.

Na França

Na França, as características barrocas são inerentes aos retratos cerimoniais de Iasent Rigaud. Sua obra mais famosa é o retrato de Luís XIV. A obra de Simon Vouet e Charles Lebrun, pintores da corte que trabalharam no gênero do retrato cerimonial, caracteriza-se como "classicismo barroco". A verdadeira transformação do barroco em classicismo é observada nas telas de Nicolas Poussin.

Na Espanha

Uma encarnação mais rígida e estrita foi dada ao estilo barroco na Espanha, encarnado nas obras de mestres como Velasquez, Ribera e Zurbaran. Eles aderiram aos princípios do realismo. Naquela época, a Espanha vivia sua "Idade de Ouro" na arte, enquanto estava em declínio econômico e político.

A arte da Espanha caracteriza-se pela decoratividade, capricho, sofisticação das formas, dualismo do ideal e do real, do corporal e do ascético, do empilhamento e da mesquinhez, do sublime e do ridículo. Os representantes incluem:

1. Francisco Zurbaran (1598-1664) - "A Infância de Nossa Senhora", "Menino Cristo". O principal em suas pinturas é o sentimento de santidade, pureza; solução de composição simples, linhas suaves, esquema de cores denso, materialidade, materialidade, riqueza de cores, majestade, contenção, a realidade da vida, combinada com o misticismo da fé, alta espiritualidade, intensidade emocional.
2. Jusepe Ribera (1591-1652). Os principais temas de suas pinturas são o martírio dos santos, retratos de pessoas que viveram uma vida longa. Mas seu trabalho não é sentimental. Acima de tudo, ele não queria que seus modelos evocassem pena. Eles são um verdadeiro orgulho nacional espanhol. Por exemplo, "Lame", "Santa Inês", "Apóstolo Jacob Sr.".

Parecia que a pintura espanhola nunca sairia das "paredes" dos templos. Mas isso foi feito por Diego Velazquez (1599-1660) - um magnífico mestre do retrato psicológico, pintor de personagens. Suas pinturas se distinguem pela complexidade multifigura das composições, multi-quadro, detalhes extremos e excelente domínio da cor. Velasquez é um grande polifonista da pintura. "Café da manhã", "Retrato de Olivares", "Jester", "Rendição de Breda" ("Lanças"), "Spinners".

O artista que completou a "idade de ouro" da pintura espanhola foi

O termo vem de uma palavra italiana usada durante a Idade Média para descrever a rejeição da lógica esquemática. Posteriormente, a palavra passou a significar qualquer ideia distorcida ou um processo especial de pensamento. Outra possível fonte é a palavra portuguesa "Barroco" (espanhol "Barrueco"), usada para descrever a forma imperfeita de uma pérola. A história das obras no estilo tem cerca de 200 anos - o desenvolvimento da época durou de 1600 a 1700.

Na história da arte, a palavra barroco é usada para descrever tudo caprichoso, assimétrico, incomum, brilhante, simbolizando a rejeição de regras e proporções estabelecidas. Essa ideia surgiu graças aos críticos do século XVII. Até o final do século XIX, esse termo sempre carregava a conotação do grotesco, do exagero, do excesso de cenário, da pompa. Somente em 1888, o termo passou a ser usado como designação de uma direção estilística, e não como um conceito que critica a redundância, o excesso na pintura.

O estilo barroco de escrever uma imagem emocionalmente rica teve um impacto profundo em todas as formas de arte, incluindo arquitetura e escultura. É na pintura que essa direção da arte é mais pronunciada.

História do desenvolvimento do estilo

Parte do esforço para reformar a igreja era educar seus membros, ajudando-os a entender mais sobre a fé. Esta não foi uma tarefa fácil, pois a maioria das pessoas era analfabeta na época.

Decidiu-se tornar a arte mais compreensível para as pessoas comuns - é necessário usar a criação da pintura para explicar os princípios profundos da fé a todos, e não apenas aos instruídos. Para atingir seu objetivo, as pinturas com temas religiosos tinham que ser inequívocas, emocionalmente atraentes, poderosas, para inspirar o espectador a uma maior piedade.

As novas denominações, como os calvinistas, acreditavam que as igrejas e os cultos deveriam ser simples. No entanto, a igreja oficial e os padres decidiram que a arte e sua beleza podem transmitir mais do que sua palavra.

Ele fundou o estilo de Caravaggio - o artista mais influente do início do período barroco. Ele é dono da descoberta da principal característica - a iluminação brilhante do palco da escuridão das obras barrocas. No futuro, essa característica se tornará uma característica comum da pintura barroca.

Caravaggio causou críticas ao seu trabalho. Suas pinturas com temas religiosos geraram polêmica em relação ao seu desejo de retratar pessoas sem idealização. O pintor procurou transmitir sua imperfeição. Graças a Caravaggio, houve uma ruptura com a tradição renascentista de idealismo, especialmente assuntos religiosos.

Estágios de desenvolvimento

Média

O principal representante é Caravaggio. Período de desenvolvimento: 1600 - 1625 anos.

Alto

Desenvolvido em 1625 - 1675. Dentro desta fase, existem várias áreas:

Mais tarde

1675-1725 anos. O estilo foi criado pelos sucessores dos representantes dos estágios iniciais e altos.

Principais características

A arte barroca na pintura é caracterizada pelo dinamismo (sensação de movimento), que é complementado por efeitos extravagantes (linhas curvas, acabamentos ricos, iluminação brilhante).

O barroco em grande escala ou o barroco completo foi desenvolvido na parte sul da Europa Ocidental, enquanto o norte da Europa Ocidental criou uma direção clássica ou restrita.
O barroco é caracterizado por uma sobreposição contínua, a intersecção de figuras e elementos.

Características de estilo:

Os principais temas das telas são: transformações, martírio e morte, batalhas, momentos psicológicos intensos, quaisquer formas de manifestação da ação, suas consequências. A pintura barroca pode ser chamada de pináculo do realismo na arte europeia. Durante o Renascimento, os artistas europeus perceberam a importância da forma e da anatomia na representação realista de figuras humanas. Os criadores barrocos conseguiram transmitir realisticamente imagens de pessoas - seus retratos tornaram-se mais pretensiosos, vívidos e emocionais. Os pintores barrocos eram obcecados pela luz, as pinturas retratam com precisão a paisagem ou o interior de uma cena.

A pintura barroca pode ser dividida em barroca dinâmica e realista. O primeiro pode ser visto como uma continuação do Renascimento italiano, o segundo como a arte de países com um nível diferente de desenvolvimento da pintura, em que a atenção principal se fixa na componente física.

As pinturas de paisagem são representadas pelas obras de Jacob Isaacs van Ruysdael da Holanda, as naturezas-mortas foram pintadas por Jean Baptiste Simeon Chardin da França e o gênero retrato é de Frans Hals. Suas obras são conhecidas por sua apresentação especial e percepção da realidade.

Trabalhos notáveis

Crucificação de São Pedro por Caravaggio

Em contraste com as formas humanas idealizadas, nobres e clássicas, os artistas renascentistas preferiam pintar cenas e pessoas com seus defeitos naturais.

Peter Paul Rubens "Quatro Continentes"

O artista trouxe energia, sensualidade e drama ao barroco, não apenas às obras religiosas. Em sua representação pode-se ver características barrocas de cores vivas, fisicalidade e figuras sobrepostas.

"Descida da Cruz" Rembrandt

O pintor procurou uma transmissão natural do movimento. Em seu trabalho, as características das obras no estilo barroco são transmitidas: a emotividade da cena, o aumento do drama, o uso ativo de luz e sombra.

Significado

O estilo brilhante e reconhecível do início da era moderna teve um enorme impacto nas artes da Europa. Ele trouxe realismo, saturação, emotividade, dinâmica à pintura - é precisamente graças a essas qualidades que se pode reconhecer as telas dos artistas barrocos sem dificuldade. A maior influência está no rococó.

O Renascimento chegou ao fim. Chegou o século XVII, que se tornou uma nova etapa na história da arte da Europa Ocidental. Os estados nacionais da Europa foram fortalecidos, o sistema feudal moribundo foi substituído pelo capitalismo. A insatisfação das massas com sua posição cresceu. A crescente burguesia ansiava pelo poder político. Nos países com indústria e comércio desenvolvidos (Inglaterra e Holanda), as revoluções burguesas terminaram com a vitória de um novo sistema social. A luta contra o feudalismo também foi dirigida contra a Igreja Católica, que estava à frente das forças reacionárias.

Nesta época difícil, uma nova cultura estava tomando forma que deu ao mundo grandes cientistas - Galileu, Leibniz, Newton, filósofos - Bacon, Spinoza, Descartes, escritores - Shakespeare, Cervantes, Molière.

As artes plásticas também se desenvolveram, cujas maiores realizações estão associadas principalmente a países como Itália, Espanha, Holanda, Flandres e França.

A principal direção estilística na arte desta época foi o barroco, nascido na Itália no final do século XVI. O nome "barroco" significa literalmente "estranho", "bizarro". São esses epítetos que surpreendentemente correspondem às peculiaridades do novo estilo, que manteve sua popularidade na arte da Europa Ocidental até meados do século XVIII. O barroco é caracterizado por características como paixão e brilho de sentimentos, excitação, chegando ao exagero, solenidade cerimonial e pompa.

Os governantes e a Igreja Católica procuraram usá-la a seu favor, promovendo sua força e poder com a ajuda da arte e fortalecendo a fé entre o povo. É por isso que a arte barroca foi mais desenvolvida em países de religião católica.

Ao mesmo tempo, idéias progressivas sobre a diversidade e variabilidade do mundo foram expressas nesse estilo, e uma pessoa aparece como uma personalidade complexa com seu próprio mundo de sentimentos e experiências profundas.

A pintura na arte barroca ocupou um lugar especial. Em sua época, novos gêneros e temas apareceram. Agora os artistas usavam para suas obras não apenas motivos religiosos e mitológicos, mas também temas relacionados às realidades da vida circundante.

Alguns pesquisadores dividem a pintura barroca em três partes, dependendo de quem era seu cliente: igreja, corte, burguesia. A pintura da igreja é característica da Espanha, a pintura da corte é característica da Flandres e a pintura burguesa é característica da Holanda, que na época tinha o sistema social mais progressista.

Os mestres barrocos usaram em suas obras principalmente tons quentes e transições de cores suaves, efeitos de luz e sombra aplicados com habilidade e contrastes de tons claros e escuros. Suas pinturas se distinguem pelo drama intenso; as poses dos personagens são instáveis, os gestos e movimentos são nítidos e exageradamente expressivos. Os olhos de santos e mártires elevados ao céu, os corpos incrivelmente curvados dos personagens em composições mitológicas deveriam realçar a impressão do retratado na tela e fazer o espectador simpatizar com os heróis.

Pintura da Itália

Na Itália, berço do barroco, no século XVII. florescente pintura a fresco. A família de artistas Carracci gozava de grande fama, tendo criado muitas pinturas murais sobre motivos antigos em Roma e Bolonha. Lodovico Carracci e seus primos Annibale e Agostino Carracci fundaram uma academia em Bolonha em 1585, onde treinaram jovens artistas de acordo com seu próprio programa, que visava criar arte monumental e solene. Entre os alunos da academia, destacaram-se principalmente Guido Reni e Domenichino, que trabalhavam em Roma no início do século XVII.

Michelangelo da Caravaggio

Um lugar significativo na pintura italiana na virada dos séculos XVI-XVII. ocupa a obra de Michelangelo da Caravaggio. Nasceu em 1573 na Lombardia. Ele recebeu sua educação artística em Milão. Instalado em Roma no início da década de 1590. O pintor contou com o patrocínio do Cardeal del Monte. Em 1606, durante um jogo de bola, Caravaggio brigou com um dos participantes da festa e o matou em um duelo. Escondendo-se do governo, o artista é forçado a fugir para Nápoles e depois para a ilha de Malta. Depois de uma briga com um dos representantes da nobreza local, ele teve que partir para a Sicília. Em 1608-1609. Caravaggio estava se escondendo de assassinos na Sicília e no sul da Itália. Em Nápoles, o artista não conseguiu escapar do ataque, durante o qual foi ferido. Em 1610, Caravaggio foi por mar para Roma, esperando o perdão do Papa, mas, não chegando ao destino final, roubado por transportadores, morreu de malária.

O espírito rebelde de Caravaggio se manifestou em sua obra. Em busca da verdade, o artista retrata pessoas do povo em composições religiosas e mitológicas. Tais são os heróis de seus primeiros trabalhos (“Little Sick Bacchus”, c. 1591; “Bacchus”, 1592-1593), em que os heróis açucarados da arte acadêmica dão lugar a imagens de italianos comuns com traços faciais característicos ( olhos fendidos amendoados, lábios carnudos, cachos escuros e sedosos). A realidade dos personagens é enfatizada pelos detalhes da natureza morta: flores, frutas, instrumentos musicais. O interesse pela natureza morta é perceptível em muitas obras de Caravaggio. Em 1596, o artista realizou uma das primeiras composições deste gênero na história da pintura europeia - "Cesta de Frutas".

Buscando a autenticidade, Caravaggio sempre retrata a vida real em suas obras, por mais rude e impiedosa que seja (“O Sacrifício de Abraão”, 1594-1596; “Judite e Holofernes”, 1595-1596). Segundo os contemporâneos, o pintor, convidado para a exposição de estátuas antigas, manteve-se indiferente à sua beleza fria e, apontando para a multidão ao redor, disse que eles, simples contemporâneos, o inspiram. Para provar suas palavras, o artista parou uma cigana que passava e a pintou prevendo o destino de um jovem. Foi assim que surgiu o famoso "Adivinho" (1595).

Caravaggio está procurando seus heróis nas ruas, em pequenas tabernas, em um ambiente boêmio. Ele escreve jogadores, músicos ("Players", 1594-1595; "Lute Player", 1595).

Em seus anos de maturidade, Caravaggio se volta para a arte monumental. Ele retrata os eventos da História Sagrada para as igrejas de San Luigi dei Francesi e Santa Maria del Popolo de forma tão realista e verdadeira quanto as cenas de gênero. Os clientes ficaram descontentes com isso: a igreja não aceitou a pintura “O Apóstolo Mateus com um Anjo”, porque a aparência do santo lhe parecia rude e indecente. O artista teve que pintar outro quadro.

Duas composições monumentais de Caravaggio tornaram-se verdadeiras obras-primas: “O Sepultamento” (1602) e “A Assunção de Maria” (1605-1606). A última obra, devido à representação realista da morte da Mãe de Deus, foi rejeitada pelo cliente - a igreja romana de Santa Maria della Scala. A artista interpreta o tema da ascensão de Maria como um simples drama de vida: a morte de uma mulher comum é lamentada por seus parentes e amigos.

A pintura “O Sepultamento” é marcada por profunda tragédia, mas ao mesmo tempo que se distingue pela contenção e veracidade, não há nela expressão exagerada e exaltação, característica da pintura de muitos artistas da época barroca. Retratando o Cristo morto e as pessoas tristemente congeladas ao seu redor, o artista procura transmitir a ideia de morte heróica e o faz de forma convincente e realista.

As dificuldades da vida e os constantes confrontos com a Igreja levam a um aumento do som trágico nas obras de Caravaggio nos últimos anos de sua vida (A Flagelação de Cristo, 1607; Sete Atos de Misericórdia, 1607).

O mestre italiano presta muita atenção à transmissão da iluminação: a ação em suas obras geralmente ocorre na semi-escuridão, um feixe de luz vindo das profundezas atravessa o espaço da tela (a chamada iluminação do porão). Muitos artistas do século XVII usaram em seus trabalhos esta técnica, que dá dramatismo à imagem.

A obra de Caravaggio teve uma grande influência não só nos artistas italianos, mas também nos estrangeiros que trabalharam em Roma. Os seguidores do pintor espalharam seu estilo, chamado "caravagismo", para outros países europeus.

A maioria dos caravagistas italianos não atingiu o ápice da glória do grande mestre. Entre eles estão aqueles que trabalharam na primeira metade do século XVII. Bartolomeo Manfredi, Orazio Gentileschi, Giovanni Serodine, Giovanni Battista Caracciollo, apelidado de Battistello. No início de sua carreira, Rubens, Rembrandt, Vermeer, Velázquez, Ribera gostavam de caravagismo.

Grande popularidade no século XVII. em Nápoles, utilizou-se Salvator Rosa, cujo nome está associado ao aparecimento de uma paisagem romântica na pintura.

Salvador Rosa

Em 1615, um menino nasceu na casa do agrimensor e arquiteto Vitantonio Rosa na pequena cidade de Arenella, perto de Nápoles. Deram-lhe o nome de Salvatore. Das janelas da dilapidada propriedade de Casaccio, abria-se uma vista maravilhosa de Nápoles e do Monte Vesúvio. Havia muitos lugares ao redor da aldeia que encantavam com sua beleza: o alto rochedo de San Elmo, a fortaleza de Borgo di Arenella, construída durante o reinado de Carlos V, as colinas de Vomero e Posilippo, a ilha de Capri, a costa de o Golfo de Nápoles com águas azuis transparentes. Todas essas imagens serão posteriormente refletidas integralmente nas pinturas de Salvator Rosa. Desde cedo, o futuro artista tentou capturar as imagens da natureza que o excitavam em pequenos pedaços de papel.

Percebendo no filho o desejo de conhecimento, ciência e arte, os pais decidiram atribuí-lo ao colégio jesuíta da congregação Somasca, localizado em Nápoles. Lá, Salvator Rosa recebeu uma educação versátil: estudou literatura clássica, estudou gramática, retórica e lógica. Entre outras coisas, ele recebeu uma educação musical, aprendeu a tocar harpa, flauta, violão e até tentou compor pequenas peças de música (as serenatas de doncella que ele escreveu são conhecidas). Algumas serenatas eram tão populares entre os napolitanos que as cantavam dia e noite sob as janelas de seus amados.

Depois de algum tempo, Salvator Rosa deixa a faculdade e volta para sua cidade natal de Arenella, onde conhece o artista local Francesco Fracanzano, ex-aluno do mestre espanhol de pintura Jusepe Ribera, que era extremamente popular na época. Vendo as pinturas de Francesco, Salvator faz várias cópias delas, pelas quais merece elogios de Fracanzano, que conseguiu discernir no jovem o talento de um verdadeiro artista e o aconselhou a se dedicar seriamente à pintura.

A partir desse momento, Rosa desenha muito. Em busca de novas imagens, parte para uma viagem pelas montanhas dos Abruzos. Neste momento surgem paisagens com imagens dos vales do Monte Sarchio com um vulcão extinto, as grutas de Palignano, as grutas de Otranto, assim como as ruínas das antigas cidades de Canusia e Brundisia, as ruínas do arco e o anfiteatro de Benevento.

Lá, nas montanhas de Abruzzi e na Calábria, o jovem artista conheceu ladrões vagabundos, entre os quais aqueles que foram expulsos da sociedade por pessoas "respeitáveis" por pensamentos ousados ​​e amantes da liberdade. A aparição desses bandidos chocou tanto Salvator que ele decidiu capturá-los em seu álbum. Suas imagens foram então utilizadas nas composições posteriores de um mestre já maduro (aqui convém relembrar a gravura da suíte Capricci, que mostra o cativeiro de um jovem por ladrões liderados por um ataman), e também chegaram à pinturas que retratam cenas de batalha.

A viagem foi profícua e significativa para o desenvolvimento da arte paisagista do jovem pintor. Durante suas viagens, ele fez muitos esboços com vistas da natureza italiana. Transferidas então para as pinturas, essas paisagens são extraordinariamente realistas, vivas, naturais. Parece que a natureza só adormeceu por um momento. Parece que em um segundo tudo vai ganhar vida, uma leve brisa soprará, as árvores balançarão, os pássaros cantarão. As paisagens de Rosa contêm um grande poder, uma expressão especial. As figuras de pessoas e edifícios, fazendo parte de um todo único, estão em harmonia com as imagens da natureza.

A primeira exposição de Salvator Rosa foi realizada em Nápoles. Um dos que notaram e apreciaram o trabalho do jovem artista foi o famoso mestre da pintura monumental Giovanni Lanfranco, que comprou várias paisagens para si na exposição.

Em meados dos anos 30. século 17 Salvator Rosa muda-se para Roma - a capital mundial das belas artes, onde reinam o barroco e o classicismo. Foi em Roma que Rosa conheceu a obra de grandes mestres da pintura como Michelangelo, Rafael, Ticiano, Claude Lorrain. Sua maneira de escrever influenciou em grande parte a formação do método criativo e da técnica artística e visual de Rosa. Isso é mais perceptível em pinturas com paisagens marinhas. Assim, "Seaport" é escrito nas melhores tradições de K. Lorrain. No entanto, o jovem artista vai além do professor. Sua paisagem é natural e concreta: as imagens ideais e até abstratas de Lorrain são substituídas aqui pelas figuras de pescadores comuns de Nápoles.

Alguns meses depois, Rosa, gravemente doente, deixa a magnífica e bela capital da Itália. Ele voltou apenas em 1639. Neste verão, um carnaval foi realizado em Roma, no qual Rosa atuou como um ator errante sob o disfarce de Coviello (um plebeu que não aceitou seu destino). E se outros Coviello tentavam ser o mais parecidos com os verdadeiros camponeses, então Rosa batia perfeitamente sua máscara, compondo toda uma performance e mostrando cantando e tocando violão, um jovem alegre que não desanima em nenhuma circunstância e vida adversidades. A ação carnavalesca aconteceu na Piazza Navona. Salvator Rosa, com um pequeno grupo de atores, saiu em uma carroça ricamente decorada com flores e galhos verdes. O sucesso de Rosa foi enorme.

Após o término do carnaval, todos tiraram suas máscaras. Qual foi a surpresa dos que estavam ao redor quando se descobriu que ninguém menos que Salvator Rosa estava escondido sob o disfarce de um camponês.

Depois disso, Rosa decidiu começar a atuar. Não muito longe da Porta del Popolo, em uma das vilas vazias, ele abre seu teatro. O conteúdo das peças encenadas sob a direção de Rosa não é conhecido por críticos de arte e historiadores. No entanto, há fatos que falam por si: após a estreia da peça, em que os atores ridicularizavam o teatro da corte sob a direção do famoso arquiteto e escultor Lorenzo Bernini na época, alguém contratou assassinos para Rosa. Esperaram por ele perto da casa.

Felizmente, a tentativa não ocorreu - o jovem sobreviveu. No entanto, devido a essas circunstâncias, ele foi forçado a deixar Roma novamente.

Atendendo ao convite do Cardeal Giovanni Carlo Medici, Rosa vai a Florença. Aqui o artista cria
famoso autorretrato.

A tela distingue-se pela originalidade de execução. O jovem mostrado no retrato parece um tanto anguloso. No entanto, pode-se sentir uma energia fervente, extraordinária força de vontade e determinação nele. Na foto, um jovem se apoia em uma prancha com uma inscrição em latim: “Avt tace, Avt Loqver meliora silentio” (“Ou fique calado, ou diga o que é melhor que o silêncio”). Esta inscrição soa como um pensamento transversal de toda a obra de arte e ao mesmo tempo como o credo do jovem retratado na tela (e, portanto, do próprio pintor).

O artista domina com maestria o jogo de luz e sombra. A expressividade da imagem é alcançada precisamente pelo efeito da sombra, que se transforma de forma acentuada e às vezes até inesperada em pontos de luz.

Não é por acaso que a figura de um jovem está localizada no fundo do céu noturno: a imagem de um jovem orgulhoso e independente em roupas escuras se destaca contra um fundo claro e, portanto, torna-se mais próxima e mais compreensível para o espectador .

As conhecidas sátiras de Rosa foram criadas na mesma linha, entre as quais um lugar especial é ocupado por "Poesia", "Música", "Inveja", "Guerra", "Pintura", que se tornou uma espécie de hino à o jovem escritor e artista. Aqui o autor diz que os pintores, sendo servos de uma das irmãs da arte - belas artes, devem ser bem versados ​​em história, etnografia e ciências exatas. O estilo de Rosa na poesia, assim como na pintura, se manifestou em sua totalidade. Seus poemas são enérgicos, impetuosos, emocionais e em alguns lugares muito ásperos e ásperos. São uma espécie de oposição à maneira bonitinha e artificialmente teatral de construir e soar formas poéticas que se desenvolvia na literatura naquela época.

Salvator Rosa permaneceu em Florença até 1654. Sua casa, segundo as memórias de seus contemporâneos, era o lugar onde as pessoas mais famosas se reuniam constantemente: o poeta R. Giambastisti, o pintor e escritor F. Baldinucci, o cientista E. Torricelli, Professor da Universidade de Pisa J. B. Ricciardi.

Uma das ideias centrais da arte barroca da vida cotidiana é “ensinar o espectador ou leitor discretamente, ensinar através da beleza”. Seguindo essa regra tácita, os artistas criavam telas, ao olhar para as quais o espectador tinha associações bem definidas, evocando as imagens de heróis literários. E vice-versa, segundo os escritores do período barroco, uma obra poética deve ser tal que, após a leitura, imagens pitorescas, brilhantes e coloridas apareçam diante dos olhos do leitor.

Quase todo o trabalho artístico e visual de Rosa é baseado nas imagens literárias que ele criou. É assim que muitas pinturas foram escritas em contos de fadas e telas com cenas de batalha que surgiram após a criação das sátiras "A Bruxa" e "Guerra".

A tela chamada “Lie” é uma boa ilustração para o poema “Removo meu blush e pinto do meu rosto”. Notável aqui é a semelhança do protagonista da imagem com o próprio autor. Salvator Rosa demonstra excelente domínio da técnica de pintura na transferência de expressões faciais e gestos. A trama é baseada em um episódio em que dois atores conversam nos bastidores do teatro após a apresentação. O tom de todo o trabalho é dado por transições inusitadas de luz em sombra e o uso de tintas de uma determinada cor (um fundo marrom escuro, as roupas amareladas do ator simbolizam mentiras e enganos). De particular importância é o olhar de um dos atores, direcionado não para o interlocutor, mas para algum lugar ao lado. A pessoa parece estar tentando esconder seus pensamentos de um amigo.

A ideia principal da tela pode ser determinada pelas palavras de W. Shakespeare, que se tornaram uma espécie de lema da arte barroca, que dizia que as pessoas são atores no palco teatral da vida. O principal método de representação artística da realidade e de uma pessoa em uma produção teatral é o engano. É daí que vem a conexão entre o conceito de mentira e a imagem de um ator dramático, que coloca uma máscara durante a performance, na imagem de Rosa.

A ideia da possibilidade da existência de um super-homem dotado de muitas habilidades é mais claramente manifestada nos retratos de Salvator Rosa. Assim é o “Retrato de um Homem” (“Retrato de um Bandido”), no qual vemos um homem com um olhar afiado, penetrante, penetrante e um sorriso pungente congelado em seus lábios. Esta imagem não pode ser chamada definitivamente inequívoca. Há algo alarmante nos olhos do vagabundo e nos alertando, o público, sobre o caráter forte, resoluto e orgulhoso dessa pessoa, cujas emoções podem irromper e sair a qualquer momento. O retrato de um bandido acaba sendo mais complicado do que o jovem franco e um tanto romântico da tela do Auto-Retrato. A ambiguidade na interpretação da imagem surge devido à especial combinação e disposição de luz e sombra na tela. A expressividade incomumente vívida do retrato é alcançada pelo domínio da técnica de pintura e pelo uso de cores contrastantes (chapéu escuro e fundo claro, camisa branca e casaco de pele preto).

Os críticos de arte dizem que o "Retrato de um Homem" é o mesmo autorretrato. Aqui o autor, como ator profissional, tenta o papel de bandido, pronto para lutar contra seus inimigos a cada segundo. Contemporâneos escreveram que aqui (assim como no Auto-Retrato) o caráter do próprio artista é amplamente manifestado - um rebelde com um caráter decisivo e forte. O herói do quadro não é mais um personagem abstrato, mas uma pessoa real, em cuja alma fervem paixões violentas.

A obra de Salvator Rosa é a etapa inicial na formação e desenvolvimento de uma nova forma pictórica - a paisagem-imagem. As obras assim construídas combinam elementos que realmente existem na vida cotidiana e ficcionais.

Particularmente interessante e reveladora é a obra de Rosa intitulada "Paisagem com uma ponte", atualmente guardada na Galeria Pitti em Florença. A tela apresenta uma pequena paisagem com uma ponte e uma pedra alta que se ergue imediatamente atrás dela em forma de arco. Dois viajantes estão na estrada. Eles parecem ter se perdido em um lugar desconhecido. Eles perguntam o caminho de algum maltrapilho. Duas figuras estão escondidas atrás de uma pedra ao longe. O sol se escondeu atrás de uma nuvem. Está escuro perto da ponte, por causa de cada arbusto ou pedra, ladrões que se escondem da justiça e sozinhos procuram a verdade podem atacar um transeunte.

Talvez esta possa ser a interpretação do enredo da imagem. A impressão de ansiedade, uma certa ambiguidade é criada graças ao domínio do artista na técnica de combinar pontos de luz e sombras. A luz do sol, claramente visível à distância, no fundo da composição, é gradualmente substituída na tela por uma sombra, escuridão, fazendo com que o espectador experimente sentimentos dolorosos e uma premonição de perigo.

A ponte retratada na imagem, assim como o arco-rocha subindo, a mudança de luz e sombra - tudo dá à paisagem um dinamismo extraordinário, dá vida a ela.

Os contemporâneos da artista falaram mais de uma vez sobre a presença e predominância de elementos românticos na obra de Rosa. Eles também estão na “Paisagem com uma Ponte”: um vale brilhante afogado nos raios do sol e rochas escuras e sombrias perto da ponte, cheias de expectativa ansiosa.

Muitas vezes a natureza é dominante na composição geral. Além disso, esse elemento é significativo para animar a imagem e criar um certo clima e associações no espectador. Na pintura "Fright" a expressividade especial é alcançada pela fusão das figuras humanas e da natureza em um único todo. As pessoas agem aqui como parte integrante do mundo da vida selvagem.

Um clima especial na paisagem é criado pelo contraste de luz e sombra, como resultado dos lugares que aparecem na imagem, como se fossem arrancados da escuridão por um feixe de luz. O sentimento de ansiedade também é causado por uma certa posição das figuras. A virada de corpos, expressões faciais e gestos de pessoas usados ​​pelo artista, cores expressivas e densas evocam uma sensação de ansiedade e perigo iminente no espectador.

Esta pintura é atualmente mantida na Galeria Pitti em Florença.

Salvator Rosa é também o criador de uma paisagem tão filosófica. Um exemplo marcante é a famosa Paisagem da Floresta com Três Filósofos. A natureza aqui não apenas dá o tom para a composição geral, mas também expressa os sentimentos, emoções, estado de espírito de três homens discutindo, talvez, sobre o significado da vida terrena e a agitação humana diária. Expressão extraordinária é expressa por árvores poderosas se curvando sob o vento, nuvens avançando rapidamente, cobrindo quase completamente o céu transparente, pessoas gesticulando tentando provar algo umas às outras. Dinâmica e emocionalidade especial são definidas na imagem por uma mudança acentuada de pontos claros e escuros.

A maneira ousada, às vezes até um tanto dura, excitante de escrever Rosa (o contraste de luz e sombra, os detalhes da paisagem, a expressão vívida da composição geral) foi posteriormente continuada na arte por artistas românticos.

Quase todas as naturezas-mortas criadas por Rosa se distinguem pelo mesmo caráter perturbador e rebelde. Na Itália da época, as pinturas de natureza morta de Paolo Porpora e Giuseppe Recco eram muito populares. Suas telas atraíam os espectadores com a realidade quase tangível das imagens que desenhavam. Parecia que as flores, peixes, frutas não eram pintadas, mas simplesmente transferidas para a parede, coladas nela, pareciam tão vivas.

Seguindo o princípio da arte barroca (literarização das obras de arte), Salvator Rosa criou naturezas-mortas repletas de conteúdo filosófico. Os objetos constantes de sua atenção eram livros antigos em encadernações dilapidadas, vários instrumentos musicais, coleções de música, instrumentos para observação de estrelas e quase sempre uma caveira simbolizando a vaidade vã da vida terrena - Vanitas (do latim "vaidade das vaidades").

Salvator Rosa é considerado um mestre na representação de cenas de batalha. Aprendeu a escrever batalhas na oficina de Aniello Falcone (1607-1656). Nas telas de Falcone é impossível encontrar os heróis principais e secundários. Todas as imagens formam um todo único e estão sujeitas a uma tarefa: criar uma imagem real que transmita sem exagero a natureza de uma determinada batalha.

A mesma maneira é característica de Rosa. Seu apelo ao tema das cenas de batalha está ligado à condução da guerra pelos países da Europa Ocidental, mais tarde chamada de Guerra dos Trinta Anos.

O teatro de operações militares de Salvator Rosa é imensamente expressivo e, via de regra, situa-se no próprio horizonte contra o fundo de construções arquitetônicas destruídas, congeladas em silêncio (torres, palácios, templos) e um céu azul transparente, em lugares cobertos com nuvens brancas pouco visíveis. O contraste do céu claro e do campo, no qual se desenrolam acontecimentos dramáticos com a participação de pessoas abraçadas pelo ódio umas às outras com rostos distorcidos de dor ou raiva, aprofunda e aguça ainda mais o tema da insensatez e da tragédia da guerra, eterna para a humanidade.

E aqui o artista atua como um mestre maravilhoso, fluente na arte de combinar luz e sombra. Raios de luz, figuras humanas individuais e rostos arrancados da escuridão, tornam a composição geral expressiva, incrivelmente emocional e dinâmica.

Uma das pinturas mais interessantes é a “Batalha”, retratando a batalha entre os destacamentos rebeldes e o exército regular espanhol durante a revolta liderada por T. Masaniello. Há uma opinião de que Salvator Rosa participou desta revolta. A suposição surgiu devido ao fato de o próprio artista ser retratado na tela, no canto esquerdo. O palpite, além da comparação visual, também é confirmado pela inscrição na armadura desse guerreiro: “Saro” (Salvator Rosa).

No entanto, os críticos de arte ainda não conseguem afirmar categoricamente a participação de Rosa no levante. Segundo os biógrafos, Salvator Rosa estava ausente neste momento em Nápoles. Ele estava em Florença e de lá seguiam os terríveis acontecimentos que aconteciam na cidade grande. Deve-se notar também que o artista compartilhava plena e completamente os pontos de vista dos rebeldes. E para de alguma forma expressar sua atitude em relação aos eventos e aos rebeldes, ele decidiu se retratar em uma cena de batalha.

Em 1649, Salvator Rosa deixou Florença e foi para Roma, onde se estabeleceu no Monte Pincio, localizado na Piazza della Trinita del Monte. Das janelas da casa havia uma vista maravilhosa da Catedral de São Pedro e do Monte Quirinal. No bairro do Rosa viviam naquela época os famosos artistas Nicolas Poussin e Claude Lorrain, e não muito longe da casa do pintor ficava a vila dos Médici.

Desde o aparecimento de Salvator Rosa em Florença, os habitantes de Monte Pincio foram divididos em dois campos. Um grupo era liderado por um jovem de aparência ascética, Nicolas Poussin. Outra, que incluía músicos, cantores e poetas famosos, foi liderada por Rosa.

Salvator Rosa transformou um dos cômodos de sua casa em oficina. Suas paredes foram decoradas com obras do autor do pintor. O mestre trabalhava constantemente, criando telas de diversos conteúdos: sobre temas religiosos, mitológicos e históricos. Seu credo era - trabalho constante, aprimoramento da tecnologia. Ele disse a todos que a "doença das estrelas" (como diriam nossos contemporâneos agora) pode arruinar até o talento mais forte e brilhante. E, portanto, mesmo depois que a fama e o reconhecimento universal chegaram ao mestre, é necessário continuar trabalhando em si mesmo e em suas obras.

No período posterior de sua obra, Salvator Rosa muitas vezes se volta para assuntos bíblicos e antigos. Para o artista, acaba por ser o mais importante aqui transmitir o próprio espírito da época e as suas características. O mestre está tentando, por assim dizer, reviver, trazer de volta à vida tudo o que existia muito antes daqueles cujas vidas serviram como fonte de histórias fabulosamente belas e instrutivas.

São as conhecidas telas “A Justiça Descendo aos Pastores” (1651), “Odisseu e Nausicaa”, “Demócrito e Protágoras” (1664), “Filho Pródigo”.

A pintura “Justiça Descendo aos Pastores” é baseada no conhecido enredo das “Metamorfoses” de Ovídio. Na tela, o espectador vê a deusa Justiça, dando aos pastores uma espada e balança da justiça. A ideia principal da tela pode ser definida da seguinte forma: a verdadeira justiça só é possível entre pessoas comuns.

“Odisseu e Nausicaa”, “Demócrito e Protágoras” foram escritos por Salvator Rosa após sua chegada de Veneza, onde conheceu as telas de pintores venezianos (incluindo Paolo Veronese, em cujas melhores tradições foram criadas as obras acima mencionadas).

No filme “O Filho Pródigo”, o enredo, em comparação com a parábola evangélica, acaba sendo um tanto simplificado e mundano. Assim, o herói é apresentado como um simples camponês napolitano. Também não há ambiente magnífico aqui: o filho pródigo se volta para Deus cercado de carneiros e uma vaca. O enorme tamanho da tela representando uma cena levemente modificada evoca uma sensação de zombaria e sarcasmo sobre o que é considerado bom gosto na sociedade. Rosa atua aqui como sucessora das ideias do realismo, cuja formação começa com a obra de Michelangelo da Caravaggio.

Desde 1656, Salvator Rosa começou a trabalhar num ciclo de 72 gravuras, denominado "Capricci". As imagens retratadas nestas folhas são camponeses, ladrões, vagabundos, soldados. Alguns detalhes das gravuras são característicos dos primeiros trabalhos de Rosa. Isso nos permite dizer que, muito possivelmente, o ciclo incluiu esboços feitos na infância, bem como durante uma viagem pelas montanhas de Abruzzo e Calábria.

O grande mestre da pintura, poeta, ator maravilhoso e diretor de espetáculos dramáticos faleceu em 1673.

Um representante proeminente da tendência romântica na pintura italiana do século XVII. foi Alessandro Magnasco, que trabalhou em Milão e Florença. Pintou retratos, composições sobre temas mitológicos e religiosos, mas seus gêneros favoritos eram paisagens e cenas domésticas.

O artista é atraído pelas imagens de músicos errantes, soldados, ciganos e comediantes. De grande interesse é uma série de pinturas sobre o tema da vida monástica ("A refeição das freiras", "O funeral de um monge"). A vida comum e normal do mosteiro se transforma em uma comédia sombria para Magnasco. As figuras grotescas de monges e monjas são exageradamente alongadas, deformadas, e seus gestos e posturas são exageradamente expressivos. O vazio da realidade monástica cinzenta é enfatizado pela coloração, sustentada em tons de marrom escuro e esverdeado.

Um grande lugar na pintura do mestre é ocupado pela paisagem. O artista retrata ruínas sombrias, tigelas de floresta escura e tempestades marítimas. Figuras humanas grotescas parecem dissolver-se nos elementos naturais, dando às paisagens um aspecto fantástico (“Paisagem com lavadeiras”; “Paisagem de montanha”, década de 1720; “Sermão de Santo António de Brescia”; “Paisagem do mar”, década de 1730). Apesar da ironia presente nas imagens das pessoas, ao olhar as pinturas, o espectador sente pena dos monges, músicos, vagabundos que habitam o mundo bizarro da pintura de Magnasco.