Capítulo “A Arte da Rússia. Escultura". Seção "Arte do século XVIII". História geral das artes. Volume IV. Arte dos séculos XVII-XVIII. Autor: I. M. Schmidt; sob a direção geral de Yu.D. Kolpinsky e E.I. Rotenberg (Moscou, Art State Publishing House, 1963)

Comparado com a arquitetura, o desenvolvimento da escultura russa no século XVIII foi mais desigual. As conquistas que marcaram a segunda metade do século XVIII são incomensuravelmente mais significativas e variadas. O desenvolvimento relativamente fraco das artes plásticas russas na primeira metade do século se deveu principalmente ao fato de que aqui, ao contrário da arquitetura, não havia tradições e escolas tão significativas. O desenvolvimento da antiga escultura russa, limitada pelas proibições da Igreja Cristã Ortodoxa, teve efeito.

Conquistas das artes plásticas russas no início do século XVIII. quase inteiramente associada à escultura decorativa. Em primeiro lugar, a decoração escultórica extraordinariamente rica da Igreja Dubrovitskaya (1690-1704), a Torre Menshikov em Moscou (1705-1707) e os relevos nas paredes do Palácio de Verão de Pedro I em São Petersburgo (1714) devem ser notado. Executado em 1722-1726. a famosa iconóstase da Catedral de Pedro e Paulo, projetada pelo arquiteto I. P. Zarudny pelos escultores I. Telegin e T. Ivanov, pode ser considerada, em essência, como resultado do desenvolvimento desse tipo de arte. A enorme iconóstase esculpida da Catedral de Pedro e Paulo impressiona pelo seu solene esplendor, virtuosismo da marcenaria, riqueza e variedade de motivos decorativos.

Ao longo do século XVIII a escultura de madeira popular continuou a se desenvolver com sucesso, especialmente no norte da Rússia. Contrariamente às proibições do sínodo, continuaram a ser criadas obras de escultura de culto para as igrejas russas do norte; Inúmeros escultores de madeira e pedra, em direção à construção de grandes cidades, trouxeram consigo as tradições e técnicas criativas da arte popular.

As mais importantes transformações estatais e culturais que ocorreram sob Pedro I abriram oportunidades para a escultura russa desenvolvê-la fora da esfera das ordens eclesiásticas. Há um grande interesse pela escultura de cavalete redondo e pelo busto-retrato. Uma das primeiras obras da nova arte plástica russa foi a estátua de Netuno, instalada no parque Peterhof. Fundido em bronze em 1715-1716, ainda está próximo do estilo da escultura em madeira russa dos séculos XVII-XVIII.

Sem esperar que os quadros de seus mestres russos tomassem forma gradualmente, Peter deu instruções para comprar estátuas antigas e obras de escultura moderna no exterior. Com sua ajuda ativa, em particular, uma estátua maravilhosa foi adquirida, conhecida como a Vênus Táurica (agora em l'Hermitage); várias estátuas e composições escultóricas foram encomendadas para os palácios e parques de São Petersburgo, o Jardim de Verão; escultores estrangeiros foram convidados.

O mais destacado deles foi Carlo Bartolomeo Rastrelli (1675-1744), que chegou à Rússia em 1716 e aqui permaneceu até o fim de sua vida. Ele é especialmente conhecido como o autor de um notável busto de Pedro I, executado e fundido em bronze em 1723-1729. (Eremitério).

A imagem de Pedro I criada por Rastrelli distingue-se pelo realismo na transferência das características do retrato e ao mesmo tempo pela extraordinária solenidade. O rosto de Pedro expressa a força de vontade indomável, a determinação de um grande estadista. Ainda durante a vida de Pedro I, Rastrelli removeu a máscara de seu rosto, que lhe serviu tanto para criar uma estátua de cera vestida, a chamada "pessoa de cera", quanto para um busto. Rastrelli foi um típico mestre da Europa Ocidental do Barroco tardio. No entanto, nas condições da Rússia de Pedro, os aspectos realistas de seu trabalho foram mais desenvolvidos. Das obras posteriores de Rastrelli, a estátua da imperatriz Anna Ioannovna com uma criança negra (1741, bronze; Leningrado, Museu Russo) é amplamente conhecida. Nesta obra, por um lado, é marcante a veracidade imparcial do retratista, por outro, o esplendor magnífico da decisão e da monumentalização da imagem. Avassaladora com seu peso solene, vestida com as mais preciosas túnicas e mantos, a figura da imperatriz é percebida ainda mais impressionante e formidável ao lado da pequena figura de um garotinho negro, cujos movimentos com sua leveza realçam ainda mais seu peso e representatividade. .

O alto talento de Rastrelli se manifestou não apenas em retratos, mas também em plásticos monumentais e decorativos. Participou, em particular, na criação da escultura decorativa de Peterhof, trabalhou no monumento equestre de Pedro I (1723-1729), que foi instalado em frente ao Castelo Mikhailovsky apenas em 1800.

No monumento equestre de Pedro I, Rastrelli, à sua maneira, implementou numerosos desenhos de estátuas equestres, desde o antigo "Marcus Aurelius" ao típico monumento barroco de Berlim ao grande Eleitor Andreas Schlüter. A peculiaridade da decisão de Rastrelli é sentida no estilo reservadamente severo do monumento, no significado da imagem do próprio Pedro, enfatizada sem pompa excessiva, e também na orientação espacial soberbamente encontrada do monumento.

Se a primeira metade do séc. marcada por um desenvolvimento relativamente menos extenso da escultura russa, a segunda metade deste século é o momento do surgimento da arte da escultura. Não é por acaso que a segunda metade do século XVIII. e o primeiro terço do século XIX. chamou de "idade de ouro" da escultura russa. Uma brilhante constelação de mestres na pessoa de Shubin, Kozlovsky, Martos e outros está sendo promovido às fileiras dos maiores representantes da escultura mundial. Sucessos particularmente notáveis ​​foram alcançados no campo do retrato escultórico, das artes plásticas monumentais e monumentais-decorativas. Este último estava inextricavelmente ligado à ascensão da arquitetura russa, da construção senhorial e da cidade.

Um papel inestimável no desenvolvimento das artes plásticas russas foi desempenhado pela formação da Academia de Artes de São Petersburgo.

Segunda metade do século XVIII na arte europeia - uma época de alto desenvolvimento da arte do retrato. No campo da escultura, os maiores mestres do busto-retrato psicológico foram Houdon e F. I. Shubin.

Fedot Ivanovich Shubin (1740-1805) nasceu em uma família de camponeses perto de Kholmogory, na costa do Mar Branco. Sua habilidade para a escultura se manifestou pela primeira vez na escultura de ossos, um artesanato popular amplamente desenvolvido no norte. Como seu grande compatriota - M. V. Lomonosov, Shubin foi para São Petersburgo (1759), onde sua capacidade de escultura atraiu a atenção de Lomonosov. Em 1761, com a ajuda de Lomonosov e Shuvalov, Shubin conseguiu entrar na Academia de Artes. Após a formatura (1766), Shubin recebeu o direito de viajar para o exterior, onde viveu principalmente em Paris e Roma. Na França, Shubin conhece J. Pigalle e usa seu conselho.

Retornando a São Petersburgo em 1773, Shubin criou um busto de gesso de A. M. Golitsyn no mesmo ano (uma cópia em mármore, localizada na Galeria Tretyakov, foi feita em 1775; veja a ilustração). O busto de A. M. Golitsyn imediatamente glorificou o nome do jovem mestre. O retrato recria uma imagem típica de um representante da mais alta aristocracia do tempo de Catarina. Em um leve sorriso deslizando em seus lábios, em um enérgico giro de cabeça, na expressão inteligente, embora um tanto fria, de Golitsyn, pode-se sentir a sofisticação secular e, ao mesmo tempo, a saciedade interior de uma pessoa mimada pelo destino.

Em 1774, para o busto completo de Catarina II, Shubin foi eleito para a Academia. Ele é literalmente bombardeado com ordens. Começa um dos períodos mais frutíferos do trabalho do mestre.

Por volta de 1770 refere-se a um dos melhores retratos femininos de Shubin - o busto de M. R. Panina (mármore; Galeria Tretyakov), que fica bem próximo do busto de A. M. Golitsyn: também temos a imagem de um homem de refinamento aristocrático e ao mesmo tempo cansado e exausto. No entanto, Shubin interpretou Panin com um pouco mais de simpatia: a expressão de ceticismo um tanto fingido, perceptível no rosto de Golitsyn, é substituída no retrato de Panina por um toque de reflexão lírica e até tristeza.

Shubin foi capaz de revelar a imagem de uma pessoa não em um, mas em vários aspectos, multifacetados, o que possibilitou penetrar mais profundamente na essência do modelo e compreender a psicologia da pessoa retratada. Ele sabia como capturar com nitidez e precisão a expressão do rosto de uma pessoa, transmitir expressões faciais, olhar, virar e aterrissar a cabeça. É impossível não prestar atenção aos vários tons de expressão facial que o mestre revela de diferentes pontos de vista, quão habilmente ele faz você se sentir bem ou fria crueldade, rigidez ou simplicidade, conteúdo interior ou vazio auto-satisfeito de uma pessoa.

Segunda metade do século XVIII foi uma época de vitórias brilhantes para o exército e a marinha russos. Em vários bustos de Shubin, os comandantes mais proeminentes de seu tempo são imortalizados. Busto 3. G. Chernyshev (mármore, 1774; Galeria Tretyakov) é marcado pelo grande realismo e simplicidade despretensiosa da imagem. Sem se esforçar para a ostentação da solução do busto, recusando-se a usar cortinas, Shubin concentrou toda a atenção do espectador no rosto do herói - corajosamente aberto, com traços grandes e levemente ásperos, porém, não desprovidos de espiritualidade e nobreza interior. O retrato de P. A. Rumyantsev-Zadunaisky foi resolvido de uma maneira diferente (mármore, 1778; Museu Russo). É verdade que mesmo aqui Shubin não recorre à idealização do rosto do herói. No entanto, a solução geral do busto é incomparavelmente mais impressionante: a cabeça orgulhosamente erguida do marechal-de-campo, seu olhar voltado para cima, a larga fita que chama a atenção e o drapeado esplendorosamente renderizado conferem ao retrato características de esplendor solene.

Não foi à toa que Shubin foi considerado na Academia o especialista mais experiente no processamento de mármore - sua técnica é surpreendentemente gratuita. “Seus bustos estão vivos; o corpo neles é um corpo perfeito...”, escreveu um dos primeiros críticos de arte russos V. I. Grigorovich em 1826. Sabendo transmitir com perfeição a vivacidade e o calor de um rosto humano, Shubin retratou acessórios com a mesma habilidade e convicção: perucas, tecidos leves ou pesados ​​de roupas, rendas finas, peles macias, joias e encomendas dos retratados. No entanto, rostos humanos, imagens e personagens sempre foram o principal para ele.

Ao longo dos anos, Shubin fornece uma descrição psicológica mais profunda, e às vezes mais severa, das imagens, por exemplo, no busto de mármore do famoso diplomata A. A. Bezborodko (a maioria dos pesquisadores se refere a este trabalho em 1797; Museu Russo) e especialmente o St. O chefe de polícia de São Petersburgo, E. M. Chulkov (mármore, 1792; Museu Russo), em cuja imagem Shubin recriou uma pessoa rude e internamente limitada. A obra mais marcante de Shubin a esse respeito é o busto de Paulo I (mármore no Museu Russo; il., marés de bronze no Museu Russo e na Galeria Tretyakov), criado no final da década de 1790. Nele, a veracidade ousada beira o grotesco. O busto de M. V. Lomonosov é percebido como imbuído de grande calor humano (sobreviveu em gesso - Museu Russo, mármore - Moscou, Academia de Ciências e também em uma maré de bronze, datada de 1793 - Galeria Cameron).

Sendo principalmente retratista, Shubin também trabalhou em outras áreas da escultura, criando estátuas alegóricas, relevos monumentais e decorativos destinados a estruturas arquitetônicas (principalmente para o interior), bem como para parques rurais. As mais conhecidas são as suas estátuas e relevos para o Palácio de Mármore em São Petersburgo, bem como a estátua de bronze de Pandora, instalada no conjunto da Grande Cascata das Fontes em Peterhof (1801).

Na segunda metade do século XVIII Etienne Maurice Falconet (1716-1791), que viveu em São Petersburgo de 1766 a 1778, trabalhou na Rússia, muito estimado por Diderot. O objetivo da visita de Falcone à Rússia era criar um monumento a Pedro I, no qual trabalhou por doze anos. O resultado de muitos anos de trabalho foi um dos monumentos mais famosos do mundo. Se Rastrelli no monumento a Pedro I mencionado acima apresentou seu herói como um imperador - formidável e poderoso, então Falcone se concentra em recriar a imagem de Pedro como o maior reformador de seu tempo, um estadista ousado e corajoso.

Essa ideia fundamenta a ideia de Falcone, que escreveu em uma de suas cartas: “... vou me limitar à estátua do herói e descrevê-lo não como um grande comandante e vencedor, embora, é claro, ele tenha sido Ambas. A personalidade do criador, o legislador é muito maior ... ”A profunda consciência do escultor do significado histórico de Pedro I predeterminou em grande parte tanto a ideia quanto a solução bem-sucedida do monumento.

Peter é apresentado no momento de uma rápida subida a uma rocha - um bloco natural de pedra, talhado como uma enorme onda do mar subindo. Parando o cavalo a todo galope, ele estende a mão direita para a frente. Dependendo do ponto de vista do monumento, a mão estendida de Pedro encarna ou inflexibilidade dura, ou um comando sábio, ou, finalmente, paz calma. Notável integridade e perfeição plástica são alcançadas pelo escultor na figura de um cavaleiro e seu poderoso cavalo. Ambos estão inextricavelmente fundidos em um único todo, correspondem a um certo ritmo, a dinâmica geral da composição. Sob as patas de um cavalo galopando, uma cobra pisoteada por ele se contorce, personificando as forças do mal e do engano.

A frescura e originalidade da ideia do monumento, a expressividade e o conteúdo da imagem (seu aluno M.-A. Kollo ajudou na criação da imagem do retrato de Pyotr Falcone), a forte ligação orgânica entre a figura equestre e o pedestal, a consideração da visibilidade e uma excelente compreensão da configuração espacial do monumento em uma vasta praça - toda essa dignidade faz da criação de Falcone uma verdadeira obra-prima da escultura monumental.

Após a saída de Falcone da Rússia, a conclusão dos trabalhos (1782) para a construção do monumento a Pedro I foi liderada por Fedor Gordeevich Gordeev (1744-1810).

Em 1780, Gordeev criou uma lápide para N. M. Golitsyna (mármore; Moscou, Museu de Arquitetura da Academia de Construção e Arquitetura da URSS). Este pequeno baixo-relevo acabou por ser uma obra de referência na escultura memorial russa - do relevo de Gordeev, bem como das primeiras lápides de Martos, desenvolve-se o tipo de escultura memorial clássica russa do final do século XVIII - início do século XIX. (obras de Kozlovsky, Demut-Malinovsky, Pimenov, Vitali). As lápides de Gordeev diferem das obras de Martos pela menor ligação com os princípios do classicismo, pelo esplendor e "magnificência" das composições e pela disposição menos clara e expressiva das figuras. Como escultor monumental, Gordeev prestou atenção principalmente ao relevo escultórico, dos quais os relevos do Palácio Ostankino em Moscou, bem como os relevos dos pórticos da Catedral de Kazan em São Petersburgo, são os mais famosos. Neles, Gordeev aderiu a um estilo muito mais rigoroso do que nas lápides.

Brilhante e de sangue puro é o trabalho de Mikhail Ivanovich Kozlovsky (1753-1802), que, como Shubin e Martos (o trabalho de I.P. Martos é considerado no quinto volume desta publicação.), é um notável mestre da escultura russa.

Na obra de Kozlovsky, duas linhas são delineadas com bastante clareza: por um lado, são suas obras como “O pastor com uma lebre” (conhecido como “Apollo”, 1789; Museu Russo e Galeria Tretyakov), “Cupido adormecido” ” (mármore, 1792; Museu Russo), Cupido com uma Flecha (mármore, 1797; Galeria Tretyakov). A elegância e sofisticação da forma plástica se manifestam neles. Outra linha são obras de plano heróico-dramático (“Polycrates”, gesso, 1790, il., e outros).

No final do século XVIII, quando começou um grande trabalho de reconstrução do conjunto das fontes de Peterhof e a substituição de estátuas de chumbo dilapidadas por novas, M. I. Kozlovsky recebeu a tarefa mais responsável e honrosa: esculpir a composição escultórica central da Grand Cascade em Peterhof - a figura de Sansão rasgando sua boca de leão.

Instalada na primeira metade do século XVIII, a estátua de Sansão foi diretamente dedicada às vitórias de Pedro I sobre as tropas suecas. O recém-executado "Sansão" de Kozlovsky, em princípio repetindo a composição antiga, já está resolvido em um plano mais sublimemente heróico e figurativamente significativo. A constituição titânica de Sansão, a forte virada espacial de sua figura, projetada para ser vista de diferentes pontos de vista, a tensão da luta e ao mesmo tempo a clareza de seu desfecho - tudo isso foi transmitido por Kozlovsky com genuína maestria da solução composicional. A modelagem temperamental, excepcionalmente enérgica, característica do mestre, foi a mais indicada para este trabalho.

"Samson" de Kozlovsky é uma das obras mais notáveis ​​da escultura monumental e decorativa do parque. Elevando-se a vinte metros de altura, caiu um jato de água que jorrava da boca do leão, ora sendo carregado para o lado, ora rompendo com milhares de respingos na superfície dourada da figura de bronze. "Samson" de longe chamou a atenção do público, sendo um marco importante e o ponto central da composição dos materiais Grand Cascade pelo escultor de Leningrado V. Simonov.).

Como obra imediatamente anterior à criação do monumento a A. V. Suvorov, deve-se considerar “Hércules a cavalo” (bronze, 1799; Museu Russo). Na imagem de Hércules - um jovem cavaleiro nu, sob cujos pés são retratados rochas, um riacho e uma cobra (símbolo de um inimigo derrotado), Kozlovsky incorporou a idéia da passagem imortal de A.V. Suvorov os Alpes.

A criação mais notável de Kozlovsky foi um monumento ao grande comandante russo A. V. Suvorov em São Petersburgo (1799-1801). Trabalhando neste monumento, o escultor se propôs a criar não uma estátua-retrato, mas uma imagem generalizadora do comandante mundialmente famoso. Inicialmente, Kozlovsky pretendia apresentar Suvorov na forma de Marte ou Hércules. No entanto, na decisão final, ainda não vemos um deus ou um herói antigo. Cheio de movimento e energia, a figura rápida e leve de um guerreiro de armadura avança com aquela velocidade indomável e destemor que distinguiu os feitos heróicos e façanhas dos exércitos russos liderados por Suvorov. O escultor conseguiu criar um monumento inspirado à glória militar imperecível do povo russo.

Como quase todas as obras de Kozlovsky, a estátua de Suvorov é notável por sua construção espacial soberbamente encontrada. Em um esforço para caracterizar mais completamente o comandante, Kozlovsky deu à sua figura compostura e dinamismo; a força medida dos passos do herói é combinada com a coragem e determinação do movimento da mão direita segurando a espada. A figura do comandante, no entanto, não é desprovida de escultura característica do século XVIII. graça e facilidade de movimento. A estátua está excelentemente ligada a um alto pedestal de granito em forma de cilindro. A composição em baixo-relevo em bronze, representando os gênios da Glória e da Paz com os atributos apropriados, foi feita pelo escultor F. G. Gordeev. Inicialmente, o monumento a A. V. Suvorov foi erguido nas profundezas do Campo de Marte, mais próximo do Castelo Mikhailovsky. Em 1818-1819. O monumento a Suvorov foi movido e ocupou seu lugar perto do Palácio de Mármore.

Kozlovsky também trabalhou no campo da escultura memorial (lápides de P. I. Melissino, bronze, 1800 e S. A. Stroganova, mármore, 1801-1802).

No final do século XVIII uma série de grandes escultores rapidamente vieram à tona, cuja atividade criativa também continuou ao longo de quase todo o primeiro terço do século XIX. Esses mestres incluem F. F. Shchedrin e I. P. Prokofiev.

Theodosius Fedorovich Shchedrin (1751-1825), irmão do pintor Semyon Shchedrin e pai do famoso pintor de paisagens Sylvester Shchedrin, foi admitido na Academia em 1764 ao mesmo tempo que Kozlovsky e Martos. Com eles, após a formatura, foi enviado à Itália e à França (1773).

Os primeiros trabalhos de F. Shchedrin incluem as pequenas estatuetas Marsyas (1776) e Sleeping Endymion (1779), que ele fez em Paris (as peças de bronze disponíveis no Museu Russo e na Galeria Tretyakov foram feitas no início do século XX, de acordo com o modelos autênticos sobreviventes de F. . Shchedrin). Tanto no conteúdo quanto na natureza da execução, são obras completamente diferentes. A figura de Marsyas, que está inquieto em tormentos mortais, é executada com grande drama. A extrema tensão do corpo, os tubérculos musculares salientes, o dinamismo de toda a composição transmitem o tema do sofrimento humano e o seu impulso apaixonado de libertação. Ao contrário, a figura de Endymion, imersa em um sonho, respira calma e serenidade idílicas. O corpo do jovem é moldado de forma relativamente generalizada, com leve elaboração de luz e sombra, os contornos da figura são suaves e melódicos. Em geral, o desenvolvimento do trabalho de F. Shchedrin coincidiu com o desenvolvimento de toda a escultura russa na segunda metade do século XVIII e início do século XIX. Isso pode ser visto em obras de mestres como a estátua "Vênus" (1792; Museu Russo), a figura alegórica "Neva" para as fontes Peterhof (bronze, 1804) e, finalmente, os grupos monumentais de cariátides para o Almirantado em St. .Petersburgo (1812). Se a primeira dessas obras de Shchedrin, sua estátua de mármore de Vênus, é uma obra típica de um escultor do século XVIII, tanto em termos de requintada graça de movimento quanto refinamento da imagem, então em um trabalho posterior criado no início do século XIX XIX, na estátua do Neva, vemos sem dúvida grande simplicidade na resolução e interpretação da imagem, clareza e rigor na modelação da figura e nas suas proporções.

Ivan Prokofievich Prokofiev (1758-1828) foi um mestre original e interessante. Depois de se formar na Academia de Artes (1778), IP Prokofiev foi enviado para Paris, onde viveu até 1784. Pelas obras submetidas à Academia de Artes de Paris, recebeu vários prêmios, em particular uma medalha de ouro pelo relevo "A Ressurreição do Morto Lançado sobre os Ossos do Profeta Eliseu" (1783). No ano anterior, em 1782, Prokofiev havia executado a estátua de Morfeu (terracota; Museu Russo). Prokofiev dá a figura de Morfeu em pequena escala. Neste trabalho inicial do escultor, destacam-se claramente suas aspirações realistas, um estilo simples, não tão refinado (comparado, por exemplo, com o primeiro Kozlovsky). Sente-se que em "Morpheus" Prokofiev procurou recriar a imagem real de uma pessoa adormecida em vez de uma imagem mitológica.

No ano de seu retorno a São Petersburgo, IP Prokofiev, em muito pouco tempo, realiza uma de suas melhores obras em escultura redonda - a composição "Akteon" (bronze, 1784; Museu Russo e Galeria Tretyakov). A figura de um jovem correndo veloz perseguido por cães é executada pelo escultor com magnífica dinâmica e extraordinária facilidade de solução espacial.

Prokofiev era um excelente mestre de desenho e composição. E não é por acaso que ele prestou tanta atenção ao relevo escultórico - nesta área de criatividade, o conhecimento de composição e desenho adquire um significado especial. Em 1785-1786. Prokofiev cria um extenso ciclo de relevos (gesso) destinado à escadaria principal da Academia de Artes. Os relevos de Prokofiev para a construção da Academia de Artes são todo um sistema de obras temáticas nas quais são realizadas as ideias do valor educativo das "ciências e belas artes". Tais são as composições alegóricas “Pintura e Escultura”, “Desenho”, “Kifared e as Três Mais Nobres Artes”, “Misericórdia” e outras. Pela natureza da performance, são obras típicas do classicismo russo primitivo. O desejo de clareza e harmonia calmas é combinado neles com uma interpretação suave e lírica das imagens. A glorificação de uma pessoa ainda não adquiriu aquele pathos e rigor sócio-civil, como foi durante o período do classicismo maduro do primeiro terço do século XIX.

Ao criar seus relevos, o escultor levava sutilmente em conta as peculiaridades de sua localização, diferentes formatos e condições de visibilidade. Como regra, Prokofiev preferia o baixo relevo, mas nos casos em que era necessário criar uma composição monumental com uma distância significativa do espectador, ele usava ousadamente o método de representação em alto relevo, aumentando nitidamente os contrastes de luz e sombra. Tal é o seu colossal relevo "A Serpente de Bronze", colocado sobre a passagem da colunata da Catedral de Kazan (pedra Pudozh, 1806-1807).

Junto com os principais mestres da escultura russa do final do século 18 - início do século 19. Prokofiev participou da criação de obras para o Peterhof Fountain Ensemble (estátuas de Alkid, Volkhov, um grupo de tritões). Ele também se voltou para a escultura de retratos; em particular, ele possui dois bustos de terracota meritórios de A. F. e A. E. Labzin (Museu Russo). Realizados no início de 1800, ambos estão ainda mais próximos em suas tradições das obras de Shubin do que dos retratos do classicismo russo do primeiro terço do século XIX.

Após as décadas de 1720-1730, o "tempo dos golpes palacianos" e a era do "bironismo", inicia-se uma nova ascensão da autoconsciência nacional, agravada pela luta contra a dominação estrangeira. A ascensão de Elizabeth Petrovna, filha de Pedro I, foi percebida pela sociedade russa como o início do renascimento da Rússia e a continuação das tradições de Pedro. Sob seu governo, a Universidade de Moscou e a Academia das Três Mais Nobres Artes foram fundadas, que no futuro desempenharão um papel importante no treinamento de pessoal doméstico no campo da ciência e da arte.

Um dos primeiros professores da recém-inaugurada Academia de Artes foi o escultor francês Nicolas François Gillet, representante do barroco tardio, que ensinou aos alunos o domínio profissional de vários tipos de arte plástica e professor de muitos mestres famosos posteriormente.

Andreas Schlüter (1660/1665-1714)

Conrado Osner (1669-1747)

Bartolomeo Carlo Rastrelli (1675-1744)

O mestre mais significativo da escultura russa na primeira metade do século XVIII foi o conde Bartolomeo Carlo Rastrelli, italiano de nascimento. Não tendo feito nada significativo na Itália e na França, em 1716 ele chegou a São Petersburgo, onde começou a executar grandes encomendas estatais, primeiro para Pedro I, depois para Anna Ioannovna e Elizabeth Petrovna.

Trabalhando na Rússia até sua morte, o escultor criou uma série de obras notáveis ​​de escultura monumental, decorativa e de cavalete.

Com o advento do século 18, a Rússia começou a mudar drasticamente. As reformas do imperador Pedro afetaram todas as esferas da vida, incluindo a arte. A construção de uma nova capital, parques, propriedades exigia novas habilidades de construtores e arquitetos. Todas as mudanças ocorreram no auge da popularidade do estilo barroco na Europa. As tradições da escultura russa, ainda focadas na igreja, acabaram não sendo reivindicadas nas novas condições. Portanto, as principais obras-primas da Rússia na primeira metade do século XVIII foram criadas por estrangeiros. Destes, apenas Ivan Zarudny pode ser nomeado, que criou o altar da Catedral de Pedro e Paulo em São Petersburgo. No entanto, sua contribuição é mais tangível na arquitetura do que na escultura.

A superioridade indiscutível da arte plástica russa da primeira metade do século XVIII pertence a Carlo Rastrelli. Entre suas obras, pode-se destacar especialmente o retrato escultórico de Pedro, o Grande. O autor é extraordinariamente preciso na transferência de semelhança de retrato, escrupuloso em detalhes. Seu retrato acabou sendo uma das imagens mais realistas do primeiro imperador russo. O espectador obtém uma imagem completa do personagem de Peter, sua energia interior e determinação.

O monumento cerimonial a Pedro, instalado perto do Castelo Mikhailovsky em São Petersburgo, foi criado de acordo com as tradições europeias de estátuas equestres reais. Ajuste majestoso, roupas estilizadas, sandálias antigas - tudo neste trabalho é projetado para enfatizar a origem divina do poder do governante, sua conexão com a história antiga do estado. Diante do espectador está a imagem não de uma pessoa viva comum, mas de um governante, ideal, poderoso e justo.

O sucesso indubitável do autor pode ser chamado de retrato escultural em mármore de Alexander Menshikov. O estadista e fiel companheiro do imperador é um tanto idealizado. Mas Rastrelli conseguiu insinuar o amor ao luxo de seu herói. Basta prestar atenção à abundância de prêmios e à peruca de herói cuidadosamente feita.

A composição escultórica "Anna Ioannovna com uma criança negra", decorando um dos salões, é um exemplo de magnífica escultura barroca, exuberante e emocional.

A segunda metade do século XVIII faz alguns ajustes nas ideias estéticas, nomes russos aparecem entre artistas famosos. A essa altura, a Academia Imperial de Artes estava formando mestres famosos como Shubin, Shchedrin, Gordeev, Martos, Kozlovsky. No entanto, os estrangeiros continuam a dominar.

Os retratos escultóricos de Shubin se distinguem pelo realismo, temperamento e plasticidade especial. Retratos de Golitsyn, Lomonosov, Orlov, Pavel o Primeiro são obras-primas não apenas da escultura russa, mas também mundial.

O final do século XVIII trouxe consigo um novo estilo de arte - o classicismo. Os escultores Kozlovsky (Polycrates, Yakov Dolgoruky, Volkhov e Neva, etc.), Shchedrin (Vênus, Diana) e Prokofiev (Morpheus, Acteon the Persecuted) trabalharam na nova estética. A nova estética exigia dos artistas a glorificação da razão e das virtudes cívicas. A emotividade e a decoratividade do barroco não eram mais exigidas.

E. Falcone. Pedro I

Ao contrário de outras formas de arte, a escultura não tinha uma tradição tão longa e forte na Rússia. A escultura dos primeiros passos combina um retrato, uma estátua monumental, um baixo-relevo decorativo e um trabalho de medalha. Naquela época, a fundição de cera e bronze era usada principalmente, com menos frequência - pedra branca e mármore. Moldagem de estuque de alabastro e escultura em madeira foram amplamente utilizados. Um grande papel no desenvolvimento da arte da escultura russa foi desempenhado por pessoas que viajavam para o exterior. Eles se familiarizaram com a escultura antiga e até a trouxeram para a Rússia. O uso da escultura para fins decorativos começou já no tempo de Pedro, o Grande, em particular, edifícios triunfais, fachadas do Palácio de Verão, etc. eram decorados com baixos-relevos.

Na 2ª metade do século XVIII houve um aumento notável na escultura russa. Os brilhantes mestres deste período - F. Shubin, F. Gordeev, I. Prokofiev, F. Shchedrin, I. Martos - não são de forma alguma inferiores aos escultores estrangeiros de seu tempo e, em alguns aspectos, os superam. Embora os mestres russos sejam individuais à sua maneira, todos eles se baseiam em princípios criativos comuns. Isso se explica pelo fato de que todos os escultores se formaram na Academia de Artes de São Petersburgo e estudaram com um excelente professor, o francês Nicolas Gillet. Um grande papel foi desempenhado pelo classicismo, que envolveu um profundo estudo dos monumentos da antiguidade. Tramas relacionadas à mitologia antiga, tradições bíblicas e eventos históricos se espalharam amplamente. Torna-se importante seguir as elevadas ideias de cidadania e patriotismo. Sob a influência da antiguidade, os escultores glorificam a beleza heróica e masculina de um corpo humano nu, mais frequentemente masculino, menos feminino.

BARTOLOMEO - CARLO RASTRELLI (1675 - 1744)

Ele foi o escultor mais importante deste período. Rastrelli veio para a Rússia em 1716 e trabalhou aqui até o fim de sua vida. Rastrelli criou uma magnífica escultura de Pedro I.

Retrato de Pedro I (1723 -1729)

Em uma complexa virada de cabeça, em uma ousada decolagem do manto, o escultor transmitiu a impulsividade, a emotividade do personagem de Pedro, o significado, a imponência de sua personalidade. Isso deixou uma marca ao mesmo tempo nos estilos do barroco e do classicismo, que não podiam deixar de influenciar a obra de Rastrelli. Aqui se fundem o esplendor da aparência do rei e a inflexibilidade do caráter do estadista.

B.-K. Rastrelli. Retrato de Anna Ioannovna com um menino negro

A imperatriz Anna Ioannovna estará em um magnífico traje de coroação, acompanhada por uma mulher negra, oferecendo-lhe um orbe. Diante de nós não está uma estátua, mas um grupo inteiro, onde cada figura tem um pedestal separado. A escultura é projetada para uma visão circular. Rastrelli executou a escultura no estilo barroco, então há um princípio de oposição aqui: uma Anna Ioannovna muito grande e uma criancinha preta pequena, uma imperatriz muito estática e majestosa e um menino vivo e ágil, o contraste da superfície radiante de o rosto, ombros, braços e brilho fosco, pontilhado com pedras preciosas e vestidos de imperatriz de superfície de costura. Alta e gorda, com um rosto, como diziam os contemporâneos, “mais masculino do que feminino”, Anna Ioannovna causa uma impressão forte, quase assustadora. Mas este não é o efeito da denúncia, mas uma elevação apontada ao posto de esplendor, majestade.

FEDOT IVANOVICH SHUBIN (1740 - 1805)

Um nativo da mesma vila de pescadores de Lomonosov. Ele estudou na Academia de Artes, seu principal professor foi o escultor Nicola Gillet. Aprimorou seu ensino no exterior, na França e na Itália, estudou os monumentos da antiguidade. Shubin criou muitas imagens esculturais maravilhosas no estilo do classicismo, tentando revelar diferentes facetas de sua personalidade em uma pessoa, tentando ser extremamente objetivo, delicado e condescendente. No entanto, às vezes ele conseguia suavizar e enobrecer as características peculiares do modelo.

Retrato de I. S. Baryshnikov

Este é um oficial de alto escalão - um conselheiro secreto. O escultor enfatizou no rosto elegante de Baryshnikov um olhar arrogante, mas inteligente, uma dignidade senhorial. Sente-se que essa pessoa conhece seu próprio valor, sabe como e se esforça para enfatizar a aristocracia de sua aparência.

Catarina II é legisladora. Mármore. 1789

Retrato de M.V. Lomonosov. Mármore. até 1793

Retrato da Imperatriz Catarina II

E. Falcone. Pedro I ("O Cavaleiro de Bronze")

ETIENNE FALCONET (1716 - 1791)

E. M. Falcone está diretamente relacionado ao florescimento da escultura monumental russa. Na França, ele era conhecido como um mestre da escultura de cavalete e câmara. O já idoso Falcone foi convidado para a Rússia em 1765, especificamente para cumprir a ordem imperial - um monumento a Pedro I. Aqui, na atmosfera do emergente classicismo russo, ele completou esta obra monumental. O famoso monumento a Pedro I na Praça do Senado em São Petersburgo é legitimamente considerado a criação da cultura russa.

Esta é uma imagem heróica, na qual o principal é a energia indomável e destruidora de tudo e o propósito da vontade. Um poderoso cavalo voa rapidamente para uma enorme rocha de pedra e congela com as patas dianteiras levantadas. Pedro estende a mão imperiosamente para a frente, como se afirmasse sua vontade, afirmando a nova Rússia, transformada por ele. Nas feições do rosto de Pedro, a energia indestrutível, o fogo interior são enfatizados. Lindamente emoldurada por anéis de cabelo, a cabeça é coroada de louros. A figura do imperador é muito majestosa. Ele está vestindo roupas largas, sobre as quais uma capa é jogada, caindo em grandes e belas dobras na garupa do cavalo.

Um símbolo importante aqui é uma cobra pisoteada por um cavalo. A cobra há muito é considerada pelos povos europeus como a personificação do mal, do engano. Falcone expressou a ideia de pessoas invejosas, traidoras insidiosas, inimigas de tudo que é novo, que interferiam em Peter em suas atividades transformadoras.

Inscrição na estátua de Pedro, o Grande.

Esta imagem é esculpida por um herói sábio, que, por causa de seus súditos, privando-se da paz,
Este último assumiu o posto e reinou servido, ele mesmo aprovou suas leis pelo exemplo,
Nasceu para o cetro, estendeu as mãos para trabalhar, escondeu o poder do monarca, para que pudéssemos descobrir as ciências.
Quando ele construiu uma cidade, suportou trabalhos em guerras, esteve em terras distantes e vagou nos mares,
Artistas reuniram e treinaram soldados, derrotaram adversários internos e externos;
E numa palavra, este é Pedro, Pai da Pátria; divindade terrena, a Rússia reverencia,
E tantos altares estão queimando diante desta visão, enquanto houver muitos corações em dívida com ele.

Mikhail Lomonosov.1743 - 1747

M. Kozlovsky. Monumento a A. V. Suvorov em São Petersburgo. (1799 - 1801)

MIKHAIL IVANOVICH KOZLOVSKY (1753 - 1802)

Um escultor muito talentoso, ele se formou na Academia de Artes, como Shubin, visitou a Itália e a França. Criou muitas obras de escultura de vários gêneros. Ele trabalhou no gênero do classicismo. Ele gostava de retratar heróis antigos, quase não esculpe modelos femininos.

Acima de tudo aprecia a natureza masculina e jovem. As proporções alongadas do corpo delicado, o relevo dos músculos, a superfície fosca do mármore; o andar gracioso da figura, as cabeças primorosamente curvadas; cachos grossos ofuscando rostos abertos e ousados.

Mas há outras obras: heróis guerreiros, a personificação da beleza masculina madura; ainda não esfriou da batalha Ajax com o corpo sem vida de Pátroclo; Hércules, decolando facilmente a cavalo; Sansão rasgando a boca do leão.

O monumento a Suvorov foi criado no final da vida de Kozlovsky. Neste monumento, o escultor transmite uma imagem generalizada de todos os heróis antigos, introduzindo alguma semelhança retratista ao comandante. O monumento reflete não tanto a personalidade do famoso comandante quanto a ideia do triunfo militar da Rússia.
A graça corajosa de Suvorov encarna vividamente a compreensão do belo século XVIII. A figura é elevada a uma plataforma baixa de um pedestal cilíndrico esbelto em uma posição elegante, quase dançante.

Suvorov é mostrado como um defensor da justiça. Ele está com uma espada desembainhada na mão direita e, com a esquerda, cobre o altar sagrado com os emblemas dos estados, para cujo resgate o exército russo correu para a Europa em 1799, com um escudo. O herói está vestindo uma armadura com elementos de armas romanas antigas e de cavalaria, o rosto mantém apenas uma remota semelhança com o original, mas isso não nos impede de perceber as características de um gênio militar nacional na imagem de um comandante.

A principal coisa que chama a atenção na estátua é um passo claro e forte para a frente e um irresistível balanço da espada. O ataque rápido, revivido sob a forma de um herói, lembra o glorioso apelido de Suvorov - "General Forward!".

A. M. Opekushin. Monumento a A.S. Pushkin em Moscou

Alexander Mikhailovich Opekushin

(1838 - 1923)

Escultor, recebeu a sua educação sob a orientação do Professor Jensen, após o que estudou na Academia das Artes, que em 1874 lhe concedeu o título de académico.

De suas obras, várias obras são mais conhecidas, a mais famosa é o monumento a A.S. Pushkin em Moscou.

Localizado na Praça Pushkinskaya da capital. Já à distância, a figura do poeta é claramente visível em um pedestal alto, em quatro lados do qual há lanternas, que lembram os tempos de Pushkin em sua forma. Após um exame minucioso, o poeta aparece como se estivesse vivo. Ele fica quieto em pensamentos profundos. Inclinando levemente a cabeça para baixo, ele parece estar olhando para as pessoas que passam, e é por isso que a imagem de Pushkin adquire calor, sinceridade.

Diante de nós está um poeta-pensador, um poeta lírico. A simplicidade natural, a suavidade lírica, mesmo as notas de intimidade inerentes à imagem do poeta, não reduzem sua significação, necessária em um monumento-monumento.

Os traços faciais do poeta são trabalhados com algum detalhe e ao mesmo tempo de forma generalizada, para que possam ser vistos claramente à distância. As roupas habilmente criam um volume expressivo - o manto cai dos ombros e cobre as costas com dobras leves e pesadas de comprimento irregular, generalizando a forma e dando à silhueta pitoresca e beleza.

A. S. Pushkin

Milênio da Rússia (fragmento)

Pedro I

Na antiga Rússia A escultura, ao contrário da pintura, encontrou relativamente pouco uso., principalmente como decoração de estruturas arquitetônicas. No século XVIII, a atividade dos escultores tornou-se incomensuravelmente versátil, expressando mais livremente os novos ideais seculares da sociedade. Em primeiro lugar, começa a desenvolver-se a arte plástica monumental-decorativa, intimamente ligada à arquitetura e dando continuidade às antigas tradições. Peculiaridades da escultura decorativa foram mais claramente manifestadas nas decorações do Palácio de Peterhof. Na era petrina, surgiram também os primeiros monumentos monumentais.

Na verdade, o primeiro mestre da escultura na Rússia foi B. Rastrelli. Ele e seu filho vieram da França em 1746 a convite de Pedro I e encontraram seu novo lar na Rússia, pois receberam grandes oportunidades de criatividade. A melhor coisa que ele fez foi um retrato escultural de Pedro I e uma estátua da imperatriz Anna Ioannovna quando criança negra. O busto de bronze de Pedro imortalizou o rosto de um reformador feroz. Enorme energia explosiva é incorporada em uma aparência indomável. A estátua de Anna também é espetacular de uma maneira barroca, sua aparência também é assustadora, mas assustadora de uma maneira diferente: um ídolo elegante, de muitos poods, com um rosto repulsivo de uma velha que se move importante sem ver nada ao seu redor. Um raro exemplo de retrato cerimonial revelador.

Na segunda metade do século XVIII, a escultura alcançou grande sucesso. Todos os tipos e gêneros estão se desenvolvendo. Os escultores russos criam monumentos monumentais e retratos e esculturas de jardins e parques, e trabalham na decoração de inúmeras estruturas arquitetônicas. O primeiro escultor russo que falou depois de B. Rastrelli foi M. Pavlov. Pavlov possui os baixos-relevos de 1778 no interior da Kunstkamera. Um evento marcante na vida social e cultural da Rússia foi a abertura em 1782 de um monumento a Pedro I, o chamado "Cavaleiro de Bronze". Ao contrário de B, Rastrelli E. Falcone esculpiu uma imagem muito mais profunda de Pedro, mostrando-o como legislador e reformador do Estado. O escultor transmitia o movimento irresistivelmente rápido do cavaleiro, a força enorme e imperiosa do gesto afirmativo da mão direita. O monumento expressou metaforicamente de forma sucinta o significado político das atividades de Pedro, que abriu uma “janela para a Europa” para a Rússia. A Academia Russa de Artes produziu muitos escultores russos talentosos de suas paredes - F. Shubin, F. Gordeev, M. Kozlovsky, I. Shchedrin.

F. Shubin nasceu no norte em uma família de camponeses Kholmogory. Quando criança, ele se familiarizou com a escultura em ossos, e então nasceu seu amor pela arte. A obra de Shubin, predominantemente retratista, desenvolveu-se, permanecendo invulgarmente inteira e unida. Ele conhecia a plasticidade do barroco, mas acima de tudo para ele era a arte antiga. Ele abraçou criativamente esse legado, permanecendo um artista original. Shubin executou com maestria o busto do príncipe A. Golitsyn. Para o busto de Golitsyn, Catarina II premiou o escultor com uma caixa de rapé dourada. A nobreza russa considerou uma honra ser retratada por Shubin. Shubin escreveu uma página brilhante na história da escultura russa. M. Kozlovsky entrou na Academia de Artes aos trinta anos. Aqui destacou-se pelo seu talento não só na escultura mas também no desenho. Para o alívio "Príncipe Izyaslav Mstislavovich no campo de batalha", ele foi premiado com a Grande Medalha de Ouro e enviado como pensionista para a Itália. Em 1801, Kozlovsky executou sua famosa estátua "Sansão rasgando a boca do leão". Essa imagem do herói bíblico foi percebida como um monumento à glória imperecível dos russos em sua luta por sua independência e liberdade. No final de sua vida, Kozlovsky se mostrou mais claramente no monumento a A. Suvorov. A impulsividade do movimento, o giro energético da cabeça no capacete antigo - tudo enfatiza o caráter heróico da imagem do grande comandante. As últimas obras de Kozlovsky completam a busca por escultores russos do século XVIII. O caráter heroico das imagens plásticas, o desejo de nobreza e equilíbrio, por assim dizer, antecipam as características da arte russa no primeiro quartel do século XIX.