A. Kruchenykh, V
A pintura mais cara - "Flores", de N. Goncharova - foi vendida no leilão da Christie's por US$ 10,9 milhões em 2008.
E este é um recorde de obras de arte criadas por mulheres.
Natalia Goncharova "Flores" (1912)
Esta pintura é considerada um marco para a vanguarda russa. Nele, Goncharova misturou as últimas
tendências da arte européia (ela estudou as pinturas de Gauguin, Matisse, Picasso) e sua própria
uma nova direção - Raionismo. Este estilo - uma das primeiras formas de arte abstrata -
Goncharova surgiu com seu marido, o futurista Mikhail Larionov.
Artistas retratavam raios de luz com linhas coloridas e, assim, transmitiam
a imagem dos objetos. Eles acreditavam que os objetos na percepção de uma pessoa são
é "a soma dos raios provenientes da fonte de luz refletida do objeto
e capturados em nosso campo de visão" (do "Manifesto do Raionismo").
Louise Bourgeois "Spider" Preço: US$ 10,7 milhões Leilão: Christie's 2011
Louise Bourgeois, americana de origem francesa, viveu quase cem anos e
tentou-se em quase todas as grandes áreas da arte do século XX -
cubismo, futurismo, surrealismo, construtivismo e arte abstrata.
Mas Bourgeois tornou-se famoso, antes de tudo, como escultor. Todas as suas obras estão unidas por uma
sistema de símbolos.O tema-chave de seu trabalho são as memórias da infância.
Uma aranha, ou melhor, uma aranha, no sistema de signos burguês é um símbolo da mãe.
“Ela era tão inteligente, paciente, pura, razoável e prestativa como uma aranha.
E ela sabia se proteger”, disse a artista sobre a mãe.
Esculturas gigantes de aranha de bronze de Louise Bourgeois estão quebrando recordes em leilão.
O último registro pertence ao "Spider" de quase sete metros de uma coleção particular
no Napa Valley perto de San Francisco: adquirido em 8 de novembro de 2011
na Christie's por US$ 10,7 milhões.
Natalia Goncharova "Spanish Woman" (1916) Preço: $ 10,7 milhões Leilão: Christie's 2010
Esta tela foi pintada por Goncharova durante a Primeira Guerra Mundial. Então, mudanças sérias ocorreram na vida do artista. Ela se mudou da Rússia para Paris, onde fez cenário para os Ballets Russes de Diaghilev. A habilidade de Goncharova como artista teatral se manifestou em O espanhol: a poderosa energia da dança espanhola foi transmitida na composição.
Ao mesmo tempo, ela conseguiu combinar o detalhe do cenário teatral e a simplificação inerente à arte abstrata.
O espanhol mostrou uma técnica radicalmente nova, que mais tarde foi chamada de construtivismo teatral.
Natalia Goncharova Colhendo Maçãs (1909) Preço: US$ 9,8 milhões Leilão: Christie's 2006
De acordo com os resultados do leilão "Impressionistas e Mestres do Século XX" em 2006, "Colhendo Maçãs" estabeleceu um recorde para a pintura russa.
É verdade que não se sabe quem comprou a pintura: o comprador quis permanecer anônimo.
No momento em que esta obra foi escrita, a artista gostava de impressionismo, pós-impressionismo, cubismo e futurismo, mas a influência de Gauguin é especialmente perceptível nela. Goncharova também se inspirou na pintura de ícones russa e na tradição lubok. Como resultado, surgiu todo um ciclo de “Colheita de Frutas”, feito de forma totalmente original.
Joan Mitchell "Sem título" (1959) Preço: US$ 9,3 milhões Leilão: Sotheby's 2011
"Untitled" é um dos primeiros trabalhos de Mitchell em um novo estilo de expressionismo abstrato para ela naquela época. Mitchell, de acordo com a empresa de comércio de Berlim Artnet.com, é o artista de maior sucesso no faturamento do leilão. Para o período
Entre 1985 e 2013, foram vendidas 646 obras suas, pelas quais os compradores pagaram um total de US$ 239,8 milhões.Ao contrário de outros artistas americanos que trabalhavam no estilo do expressionismo abstrato, Mitchell voltou-se para a tradição europeia.
Tamara de Lempicka "Dream" ("Rafaela em um fundo verde") (1927)
Preço: US$ 8,5 milhões Leilão: Sotheby's 2011
Tamara de Lempicka é uma artista americana de raízes polonesas, que
tempo viveu em São Petersburgo. Ela trabalhou no estilo Art Déco que surgiu nas décadas de 1920 e 30.
anos e absorveu o espírito da "Era do Jazz". "Dream" foi escrito por Lempicka em uma frutífera
período parisiense e após o leilão em 2011 acabou por ser a mais cara das criações do artista.
Antes disso, suas obras mais caras foram vendidas em 2009.
"Retrato de Marjorie Ferry" (US$ 4,9 milhões) e "Retrato de Madame M." (US$ 6,1 milhões).
Joan Mitchell Saudação Sally! (1970) Preço: $ 7 milhões Leilão: Chistie's 2012
Esta pintura é dedicada à irmã mais velha de Mitchell, Sally. O trabalho difere nitidamente de suas telas anteriores. Na vida do artista, chegaram tempos brilhantes, que se refletem na tela. "Saudações, Sally!" - imagem brilhante e ensolarada. Em 1970, Mitchell encontrou um lar permanente, estabelecendo-se na pequena cidade de Vetheuil, a 55 km de Paris. Lá ela observava a natureza e pintava constantemente em seu terraço, principalmente girassóis e outras flores brilhantes. Mitchell recebeu o reconhecimento do público parisiense - a primeira exposição individual do artista abstrato foi realizada na capital francesa na mesma década de 1970.
A imagem é pintada em óleo sobre tela. Antes da venda, a pintura estava em uma coleção particular.
Cady Noland "Ozwald" (1989) Preço: US$ 6,6 milhões Leilão: Sotheby's 2011
Cady Noland é uma escultora e artista de instalação americana que trabalha no estilo do pós-modernismo. O auge de sua criatividade veio
para 1980-1990, e Noland criou seu último trabalho há 11 anos. Isso, no entanto, não impede que suas pinturas se tornem mais caras.
Segundo a Bloomberg, Noland é um dos três artistas cujo trabalho mais subiu de preço nos últimos 13 anos (+5,488%). Ela alcançou números tão impressionantes, entre outras coisas, graças ao Ozwald vendido por US$ 6,6 milhões.A escultura retrata Lee Harvey Oswald, o único suspeito do assassinato do presidente norte-americano John F. Kennedy. Noland trabalhou nesta instalação em sua técnica usual. Utiliza imagens da mídia (recortes de jornais, imagens da crônica), amplia-as e
utilizando serigrafia, aplicada em chapas de alumínio e depois recortada. Para dar expressão às figuras, em alguns casos ela faz buracos - vestígios de balas.As obras de Noland estão nas principais galerias. Suas exposições pessoais foram realizadas nos EUA, Japão, Europa e suas obras são vendidas pelas principais casas de leilões do mundo.
Sleeping Tamara de Lempicka (1930) Preço: US$ 6,6 milhões Leilão: Sotheby's Ano: 2011
Os retratos, incluindo os do gênero nu, ocupam um lugar sério na herança criativa de Lempicka. Ela criou a imagem de uma mulher forte e sexy (não surpreendentemente, Madonna se tornou uma das principais colecionadoras das obras de Lempicka). O mundo do artista está cheio de luxo, vestidos caros, corpos perfeitos.
Natalya Goncharova "Árvores em Flor" ("Apple Blossom") (1912)
Preço: US$ 3,96 milhões Leilão: Sotheby's Ano: 2011
Nesta obra, Goncharov, segundo a crítica, está muito mais próximo da tradição pictórica francesa do século XIX do que das obras de Kazimir Malevich e Wassily Kandinsky.
Natalia Goncharova- Artista russo, pintor, artista gráfico, artista de teatro, ilustrador de livros. Um representante da vanguarda russa do início dos anos 1910, um dos mais brilhantes cenógrafos do século XX.
Natalya Sergeevna Goncharova nasceu em 3 de julho de 1881 na vila de Ladyzhino, região de Tula. Ela pertencia à antiga família nobre dos Goncharovs, ela era a esposa de uma tia-avó Alexander Sergeevich Pushkin.
Serguei Mikhailovich, O pai de Natalia era arquiteto, representante da Art Nouveau de Moscou. Mãe Ekaterina Ilyinichna- a filha de um professor de Moscou da academia teológica. A artista passou a infância na província de Tula, onde seu pai possuía várias aldeias e propriedades, o que lhe incutiu o amor pela vida rural. É a isso que os historiadores da arte associam a decoratividade de sua obra madura.
Em 1891, quando a menina tinha 10 anos, a família se mudou para Moscou.
Educação
Em Moscou, Natalya Goncharova entrou no ginásio feminino, que se formou em 1898 com uma medalha de prata.
Apesar de sua propensão ao desenho, em sua juventude Goncharova não considerou seriamente a possibilidade de se tornar uma artista.
Em 1900 ingressou nos cursos de medicina, mas desistiu depois de três dias. No mesmo ano, estudou na Faculdade de História dos Cursos Superiores Femininos durante seis meses.
Então ela se interessou muito pela arte e um ano depois ingressou na Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscou, na classe de escultura de S. Volnukhin e P. Trubetskoy.
Em 1904, ela recebeu uma pequena medalha de prata por seu trabalho, mas logo abandonou os estudos.
Natalya Sergeevna Goncharova Foto: Commons.wikimedia.org
Encontro com o marido
Enquanto estudava na Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscou, Goncharova conheceu seu futuro marido: um pintor Mikhail Larionov. O encontro com ele mudou a vida e as intenções da garota: ela começa a escrever muito e a buscar seu próprio estilo. Foi Larionov quem a aconselhou a não perder tempo com escultura e dedicar-se à pintura. “Abra seus olhos para seus olhos. Você tem talento para cores e está em forma”, disse ele.
Em 1904, Goncharova voltou aos estudos, mas mudou-se para o estúdio de pintura para Konstantin Korovin. Os primeiros trabalhos de Goncharova eram pinturas no espírito do impressionismo. A menina não abandonou a escultura e em 1907 recebeu outra medalha.
Em 1909, Natalia finalmente decide deixar seus estudos. Ela para de pagar as mensalidades e é expulsa da escola.
Tendo conectado sua vida com Mikhail Larionov, ela compartilhou suas aspirações e visões artísticas. Goncharova tenta-se em muitas áreas da pintura: cubismo (“Retrato de M. Larionov”, 1913) e primitivismo (“Lavando a Tela”, 1910).
Neste momento, o artista foi atraído pelo tema da arte camponesa. Ela busca conhecer a essência da criatividade das pessoas. Goncharova volta às artes e ofícios: ela escreve desenhos para papéis de parede, desenha frisos de casas.
Reprodução da pintura "Lavando a Tela" de Natalia Goncharova. 1910 Uma foto: « Notícias da RIA »
De 1908 a 1911 deu aulas particulares no ateliê do pintor. Ilya Mashkov.
ilustração
O artista participou das atividades da Sociedade Futurista, colaborando com Velimir Khlebnikov e Alexey Kruchenykh. A amizade com os futuristas a levou a livros gráficos. Em 1912, Goncharova desenhou os livros de Kruchenykh e Khlebnikov "Mirskonets", "Game in Hell". Ela foi uma das primeiras artistas gráficas de livros na Europa a usar a técnica de colagem.
Exposições
Em 24 de março de 1910, nas dependências do círculo literário e artístico da Sociedade de Estética Livre, Goncharova organizou sua primeira exposição individual, que contou com 22 pinturas. A exposição durou apenas um dia: por causa da pintura apresentada "O Modelo (em um fundo azul)" Goncharova foi acusado de pornografia, várias obras foram confiscadas. O tribunal logo a absolveu.
Em 1911, juntamente com Larionov, organizou a exposição Valete de Ouros e, em 1912, O Rabo do Burro. Próximo - "Alvos", "Nº 4". O artista era membro da Munich Blue Rider Society. Goncharova apoiou ativamente inúmeras ações e empreendimentos da época.
Em 1912, na famosa exposição "Rabo de Burro", Natalya Goncharova exibiu um ciclo de 4 pinturas "Evangelistas". Este trabalho enfureceu os censores com sua representação não trivial dos santos.
Em 1914, foi realizada uma grande exposição pessoal das obras de Goncharova, 762 telas foram exibidas. Mas também houve um escândalo: 22 obras foram removidas, após o que os censores foram ao tribunal, acusando Goncharova de blasfêmia.
Em 1915, ocorreu a última exposição das obras de Goncharova na Rússia. Em junho Diaghilev convida Goncharova e Larionov para um trabalho permanente em suas "estações russas", eles deixam a Rússia.
Emigração
Goncharova e Larionov chegaram à França, onde o casal permaneceu até o fim de suas vidas. A revolução os impediu de retornar à Rússia.
Eles se estabeleceram no Quartier Latin de Paris, onde toda a cor da emigração russa gostava de visitar. Goncharova e Larionov organizaram bailes beneficentes para pintores iniciantes. Frequentemente visitavam sua casa. Nikolai Gumilyov e Marina Tsvetaeva.
Goncharova trabalhou muito em Paris, seus ciclos "Pavões", "Magnólias", "Flores Espinhosas" falam dela como uma pintora madura. Marina Tsvetaeva escreveu: “Como Natalya Goncharova funciona? Em primeiro lugar, sempre, em segundo lugar, em todos os lugares, em terceiro lugar, tudo. Todos os temas, todos os tamanhos, todos os métodos de aplicação (óleo, aquarela, têmpera, pastel, lápis, lápis de cor, carvão - o que mais?), Todas as áreas da pintura, ele pega tudo e dá sempre. O mesmo fenômeno da pintura como fenômeno da natureza.
Natalya Goncharova. Pavão sob o sol brilhante, 1911 Foto: Commons.wikimedia.org
No entanto, Goncharova dedicou a maior parte de sua energia ao trabalho no teatro. Até a morte de Diaghilev em 1929, ela foi uma das principais artistas de sua empresa. Ela desenhou os balés "Spanish Rhapsody" (à música M. Ravel), "The Firebird" (à música I. Stravinsky), "Bogatyrs" (à música A. Borodina), a ópera Koschey, o Imortal (à música N. Rimsky-Korsakov).
Nos anos cinquenta, Natalya Sergeevna pintou inúmeras naturezas-mortas e telas do "ciclo espacial".
Nos anos sessenta, houve um renascimento do amplo interesse pela arte de Larionov e Goncharova, suas exposições foram realizadas em muitos países e cidades da Europa e da América. Em 1961, uma grande retrospectiva das obras de Larionov e Goncharova foi organizada em Londres pelo Arts Council of Great Britain.
Natalya Goncharova morreu em Paris em 17 de outubro de 1962. Ela foi enterrada no cemitério de Ivry-sur-Seine.
Após sua morte, o Museu de Arte Moderna de Paris dedicou uma grande retrospectiva a ela e a Larionov.
24.08.2010 11:15
"Oh você, que sacrilégio
Eu não podia tocar o templo.
Minha desgraça, minha riqueza -
Meu ofício sagrado!"
Karolina Pavlova
Natalya Sergeevna Goncharova (1881-1962) - um famoso pintor russo, artista de teatro e artista gráfico. Natalya Sergeevna contribuiu significativamente para o desenvolvimento da arte de vanguarda russa. Além disso, ela era bisneta da esposa de Alexander Pushkin, Natalia Nikolaevna. A atividade criativa e o destino de Goncharova estavam intimamente ligados ao artista Larionov. Natalya o conheceu quando tinha 9 anos e, posteriormente, o casal trabalhou juntos por cerca de sessenta anos - na Rússia e na França. Goncharova e Larionov não suprimiram o talento um do outro, apesar de ambos serem pessoas temperamentais, obstinadas e incrivelmente talentosas - em vez disso, os cônjuges se complementavam e ajudavam a revelar sua individualidade. Uma vez Natalya admitiu que Larionov tem um gosto artístico ideal e que essa pessoa é sua "consciência" e "diapasão". Além disso, Goncharova estava convencido de que Mikhail Larionov era uma daquelas raras pessoas que "tendo nascido sabendo tudo". A artista admitiu que são muito diferentes, mas isso não impede que Larionov a compreenda.
Natalia sempre procurou tornar sua linguagem artística e imagens compreensíveis para seus admiradores. Além disso, a artista exortou seus amigos a não sucumbir às tendências da era da mecanização, mas a viver em harmonia com as tradições populares. Natalya Goncharova e Mikhail Larionov foram influenciados pelo cubismo e pelo futurismo, mas o casal estava na origem do primitivismo e do raionismo. E em nosso tempo, suas obras brilhantes e expressivas podem ser chamadas de exemplo de um repensar criativo de suas tradições.
Natalia Goncharova nasceu na aldeia de Ladyshino, (província de Tula). De 1899 a 1902, Natalya foi aluna da Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscou. Ela começou seus estudos no departamento de escultura e continuou na aula de pintura de K. Korovin. Goncharova e Larionov estavam entre os organizadores de exposições futuristas - "Jack of Diamonds", "Target", "Donkey's Tail" e outros.
conceito futurismo vem da palavra futurum (lat.), que significa - "futuro". Este foi o nome dos movimentos artísticos de vanguarda que surgiram na Rússia, Itália e alguns outros países europeus no período de 1910 a 1920. O futurismo russo foi mais manifestado entre os escritores, e seus primeiros representantes foram V. Mayakovsky, V. Khlebnikov e D. Burliuk. Esses futuristas promoviam slogans niilistas e também buscavam estetizar a urbanização e democratizar sua criatividade, usando motivos folclóricos e técnicas "arcaicas". Natalya Sergeevna Goncharova não era uma defensora do individualismo, e mais de uma vez enfatizou que ela tinha um “choque com uma sociedade” que não entendia o básico da arte, e esse mal-entendido não se devia ao fato de ela ter algum indivíduo. características. Embora Goncharova tenha observado que ninguém é obrigado a entender esses recursos.
Em 1910, a artista pintou uma de suas obras primitivistas mais famosas, Lavando a Tela.
NATALIA GONCHAROV. Lavando a tela. 1910.
Além disso, as ilustrações litográficas feitas por Goncharova para coleções de futuristas mereceram atenção considerável.
Em 1912, Natalya Sergeevna ilustrou um poema de Khlebnikov e Kruchenykh chamado "Jogo no Inferno". Nas obras do ilustrador, preto e branco colidem, simbolizando dois princípios opostos. Textos manuscritos foram naturalmente incluídos nas composições dinâmicas de Goncharova - por exemplo, um texto foi colocado no meio da cabeça do diabo, o que não parecia intimidador, mas irônico.
Natalia foi uma das primeiras a usar a técnica de colagem no design de livros, à frente da maioria dos artistas europeus. Em 1912, o mundo viu a coleção coletiva "O Mundo do Fim", na capa da qual havia uma flor recortada em papel dourado em relevo. Ao mesmo tempo, a flor variou em todos os exemplares da publicação.
Goncharova também ilustrou a história "Journey Around the World", escrita por Kruchenykh, e o poema de Khlebnikov "Vila and the Goblin". Na visão de Natalia Sergeevna, a imagem da Vila vem da própria natureza. Um de seus contemporâneos observou que Goncharova entende muito sutilmente o texto para o qual faz ilustrações, porque Vila é realmente uma imagem personificada da natureza, e isso é confirmado pelo fato de o poema ter sido originalmente chamado de “A Natureza e o Duende”.
Aconteceu também que, quando um livro era publicado, a personalidade do artista era tão perceptível quanto a personalidade do autor. Em 1913, foi publicado um livro escrito por Kruchenykh chamado “Dois Poemas. Eremitas. Deserto", composto por sete páginas de poesia e duas vezes mais páginas de ilustrações. Podemos dizer que, graças a isso, Goncharova tornou-se praticamente coautora dos Kruchenykhs. De particular interesse é a ilustração que descreve a cena em que o eremita sucumbe à tentação - o velho estende a mão ao demônio tentador e, à esquerda, vemos apenas as asas do anjo da guarda deixando-o.
No mesmo ano, N. Goncharova pintou uma tela futurista, que ficou famosa, “O Ciclista”. A composição dinâmica geral retrata um ciclista que passa por sinais tremeluzentes.
NATALIA GONCHAROV. Ciclista. 1913.
Além disso, Natalya Sergeevna começou a trabalhar como artista de teatro e já em 1914 na França, na famosa empresa de Diaghilev, desenhou a peça "O Galo Dourado", onde combinou cores delicadas e refinadas com o mundo ingênuo da gravura popular russa . De volta à Rússia, o artista projeta a performance de "Fan" de K. Goldoni para o Teatro de Câmara. O inveterado frequentador de teatro K.Somov apreciou muito o esquema de cores "lubok" usado por Natalya Sergeevna para a ação do palco.
Goncharova, junto com seu marido Larionov, emigrou para a França em 1915 e, no meio século seguinte, a família morou em Paris em uma casa antiga incomum.
Uma escada íngreme levava ao apartamento do casal, e seus quartos estavam cheios de pilhas de livros, entre os quais havia desenhos de Soutine e Picasso e muitos outros documentos valiosos.
A famosa poetisa Marina Tsvetaeva visitou repetidamente Natalia Goncharova e seu marido e, ao mesmo tempo, observou que a vida e o trabalho dessa família são muito harmoniosos. Tsvetaeva escreveu o que Natalia faz todos os dias, encontrando tempo para aquarelas, óleos, lápis, carvão, pastéis e, ao mesmo tempo, consegue fazer todo o seu trabalho com perfeição.
Muitos álbuns foram preservados em que Natalya Sergeevna capturou vistas de diferentes cidades, retratos, etc. A artista também ilustrou a edição alemã do Conto da Campanha de Igor e muitas telas interessantes - uma delas foi a pintura "Café da manhã", que retrata homem no café da manhã junto com sua esposa e a mulher com quem ele está traindo sua esposa. O estilo criativo do ilustrador baseou-se na arte do primitivo russo e absorveu as características do expressionismo e do fauvismo de A. Matisse. Muitos concordaram que o último trabalho de Goncharova deveria ser chamado de nada mais do que "cantos", e um revisor observou que as mulheres retratadas na série "Mulher Espanhola" são comparáveis apenas às catedrais.
No entanto, Natalya trabalhou principalmente não com telas, mas no teatro. No período de 1917 a 1940, ela projetou para a empresa de S. Diaghilev balés como The Firebird, The Fox, Sadko, Liturgy (música de I. Stravinsky), Toys, Koschei the Immortal (música de N. Rimsky-Korsakov), "Bogatyrs" (música de A. Borodin), "On Borisfen" (música de S. Prokofiev), "Rapsódia Espanhola" (música de M. Ravel). Mikhail Larionov a ajudou em alguns trabalhos.
O famoso artista V. Khodasevich observou que Goncharova parecia “cheirar a limpeza” e ao mesmo tempo ela era rigorosa, e essa severidade era “como nos ícones”.
As qualidades descritas por V. Khodasevich, Natalya Sergeevna preservada em si mesma durante uma doença grave. Goncharova faleceu em 17 de outubro de 1962. Note-se que a última obra notável do artista foi um festival concebido em 1957 em Monte Carlo, que foi dedicado ao 15º aniversário da morte de M. Fomin. As apresentações de seus balés ao mesmo tempo revelaram Goncharova como uma estenógrafa incrível.
NATALIA GONCHAROVA. Espanhol. OK. 1916. Óleo sobre tela. 130,3 x 81,3
Christie's. 02/02/2010. Lote número 39. Estimativa: 4-6 milhões de libras. Resultado: 6,43 milhões de libras.
Um valor recorde para Natalia Goncharova de 6,43 milhões de libras - esse valor foi estimado pela pintura "Gripe Espanhola", escrita em 1916. A tela foi vendida em fevereiro de 2010 na Christie's. Natalya Sergeevna se interessou pelo tema "espanhol" antes mesmo da revolução, depois o artista voltou a esse tópico até a década de 1930. A pintura "Gripe Espanhola" é um desenho abstrato dinâmico de blocos triangulares. A composição transmite a poderosa energia da dança tradicional espanhola e as cores vivas do traje. A obra foi leiloada em 1971 e seu preço variou de 4 a 6 milhões de libras. Os proprietários anteriores da tela eram negociantes notórios, como Galerie Gmurzynska em Colônia, Galerie Beyeler em Basel, Leonard Hutton em Nova York.
Natalya Goncharova. Flores. 1916.
A pintura "Flores" detinha o recorde anterior para o artista - a tela foi vendida em junho de 2008 por 5,52 milhões de libras na Christie's. Nesta obra, há uma combinação impressionante de energia futurista, técnicas de raionismo e um esquema de cores amarelo-vermelho, que é especialmente característico da pintura de ícones e da arte popular russa. Este trabalho pertence a um dos períodos mais significativos da obra de Goncharova. A pintura foi colocada em leilão com uma proveniência convincente, e a história da obra "Flores" remonta a uma exposição individual em 1914 em Paris - na galeria de P. Guillaume. Esta pintura é amplamente conhecida através de publicações, participou de exposições e também fez parte das coleções dos colecionadores alemães Hochov.
10 obras de arte mais caras criadas por mulheres
Uma extensa coleção de obras de Natalia Goncharova, a famosa artista de vanguarda russa que partiu para Paris no início do século 20, foi trazida para Moscou. Esta é a maior exposição de Goncharova na Rússia nos últimos 100 anos: até 16 de fevereiro de 2014, a Galeria Tretyakov apresentará cerca de 400 exposições, a maioria das quais nunca foi exibida na Rússia antes.
Goncharova recebeu reconhecimento não apenas na Rússia, mas também no mundo. Sua obra mais cara - "Flores" - foi vendida por mais de US$ 10 milhões e este é um recorde de obras de arte criadas por mulheres.
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Natalia Goncharova "Flores" (1912)
Preço: $ 10,9 / Leilão: Christie's / Ano de venda: 2008
Esta pintura é considerada um marco para a vanguarda russa. Nele, Goncharova misturou as últimas tendências da arte européia (ela estudou as pinturas de Gauguin, Matisse, Picasso) e sua própria nova direção - o raionismo. Este estilo - uma das primeiras formas de abstracionismo - foi inventado por Goncharova junto com seu marido, o futurista Mikhail Larionov. Os artistas retratavam os raios de luz com linhas coloridas e, assim, transmitiam a imagem dos objetos. Eles acreditavam que os objetos na percepção de uma pessoa são “a soma dos raios vindos de uma fonte de luz, refletidos de um objeto e capturados em nosso campo de visão” (“Manifesto do Raionismo”).
Louise Bourgeois "Aranha"
Preço: US$ 10,7 milhões / Leilão: Christie's / Ano: 2011
Americana de origem francesa, Louise Bourgeois viveu quase cem anos e experimentou-se em quase todas as principais direções da arte do século XX - cubismo, futurismo, surrealismo, construtivismo e abstracionismo. Mas Bourgeois tornou-se famoso, antes de tudo, como escultor. Todas as suas obras estão unidas por um sistema único de símbolos. O tema central de seu trabalho são as memórias de infância. Uma aranha, ou melhor, uma aranha, no sistema de signos burguês é um símbolo da mãe. “Ela era tão inteligente, paciente, pura, razoável e prestativa como uma aranha. E ela sabia se proteger”, disse a artista sobre a mãe.
Esculturas gigantes de aranha de bronze de Louise Bourgeois estão quebrando recordes em leilão. O último registro pertence ao "Spider" de quase sete metros de uma coleção particular no Vale do Napa, perto de São Francisco: em 8 de novembro de 2011, foi comprado na Christie's por US$ 10,7 milhões.
Natalia Goncharova "Mulher Espanhola" (1916)
Preço: US$ 10,7 milhões / Leilão: Christie's / Ano de venda: 2010
Esta tela foi pintada por Goncharova durante a Primeira Guerra Mundial. Então, mudanças sérias ocorreram na vida do artista. Ela se mudou da Rússia para Paris, onde fez cenário para os Ballets Russes de Diaghilev. A habilidade de Goncharova como artista teatral se manifestou em O espanhol: a poderosa energia da dança espanhola foi transmitida na composição. Ao mesmo tempo, ela conseguiu combinar o detalhe do cenário teatral e a simplificação inerente à arte abstrata. O espanhol mostrou uma técnica radicalmente nova, que mais tarde foi chamada de construtivismo teatral.
Natalia Goncharova "Colhendo maçãs" (1909)
Preço: US$ 9,8 milhões / Leilão: Christie's / Ano de venda: 2006
De acordo com os resultados do leilão "Impressionistas e Mestres do Século XX" em 2006, "Colhendo Maçãs" estabeleceu um recorde para a pintura russa. É verdade que não se sabe quem comprou a pintura: o comprador quis permanecer anônimo.
No momento em que esta obra foi escrita, a artista gostava de impressionismo, pós-impressionismo, cubismo e futurismo, mas a influência de Gauguin é especialmente perceptível nela. Goncharova também se inspirou na pintura de ícones russa e na tradição lubok. Como resultado, surgiu todo um ciclo de “Colheita de Frutas”, feito de forma totalmente original.
Joan Mitchell "Sem título" (1959)
Preço: US$ 9,3 milhões / Leilão: Sotheby's / Ano de venda: 2011
"Untitled" é um dos primeiros trabalhos de Mitchell em um novo estilo de expressionismo abstrato para ela naquela época. Mitchell, de acordo com a empresa de comércio de Berlim Artnet.com, é o artista de maior sucesso no faturamento do leilão. No período de 1985 a 2013, 646 de suas obras foram vendidas, pelas quais os compradores pagaram um total de US$ 239,8 milhões.Ao contrário de outros artistas americanos que trabalhavam no estilo do expressionismo abstrato, Mitchell voltou-se para a tradição europeia.
Tamara de Lempicka "Dream" ("Rafaela em um fundo verde") (1927)
Preço: US$ 8,5 milhões / Leilão: Sotheby's / Ano de venda: 2011
Tamara de Lempicka é uma artista americana de raízes polonesas que viveu por algum tempo em São Petersburgo. Ela trabalhou no estilo Art Deco que surgiu nas décadas de 1920 e 1930 e absorveu o espírito da Era do Jazz. "Dream" foi escrito por Lempicka durante o fecundo período parisiense e após o leilão em 2011, acabou sendo a mais cara das criações do artista. Antes disso, suas obras mais caras foram vendidas em 2009 "Retrato de Marjorie Ferry" (US$ 4,9 milhões) e "Retrato de Madame M". (US$ 6,1 milhões).
Joan Mitchell Saudação Sally! (1970)
Preço: US$ 7 milhões / Leilão: Chistie's / Ano: 2012
Esta pintura é dedicada à irmã mais velha de Mitchell, Sally. O trabalho difere nitidamente de suas telas anteriores. Na vida do artista, chegaram tempos brilhantes, que se refletem na tela. "Saudações, Sally!" - imagem brilhante e ensolarada. Em 1970, Mitchell encontrou um lar permanente, estabelecendo-se na pequena cidade de Vetheuil, a 55 km de Paris. Lá ela observava a natureza e pintava constantemente em seu terraço, principalmente girassóis e outras flores brilhantes. Mitchell recebeu o reconhecimento do público parisiense - a primeira exposição individual do artista abstrato foi realizada na capital francesa na mesma década de 1970.
A imagem é pintada em óleo sobre tela. Antes da venda, a pintura estava em uma coleção particular.
Cady Noland "Ozwald" (1989)
Preço: US$ 6,6 milhões / Leilão: Sotheby's / Ano: 2011
Cady Noland é uma escultora e artista de instalação americana que trabalha no estilo do pós-modernismo. O auge de seu trabalho ocorreu em 1980-1990, e Noland criou seu último trabalho há 11 anos. Isso, no entanto, não impede que suas pinturas se tornem mais caras. Segundo a Bloomberg, Noland é um dos três artistas cujo trabalho mais subiu de preço nos últimos 13 anos (+5,488%). Ela alcançou números tão impressionantes, entre outras coisas, graças ao Ozwald vendido por US$ 6,6 milhões.
A escultura retrata Lee Harvey Oswald, o único suspeito do assassinato do presidente dos EUA, John F. Kennedy. Noland trabalhou nesta instalação em sua técnica usual. Utiliza imagens da mídia (recortes de jornais, imagens da crônica), amplia-as e com a ajuda da serigrafia, coloca-as em folhas de alumínio e depois as recorta. Para dar expressividade às figuras, em alguns casos ela faz furos - vestígios de balas.
As obras de Noland estão nas principais galerias. Suas exposições pessoais foram realizadas nos EUA, Japão, Europa e suas obras são vendidas pelas principais casas de leilões do mundo.
Tamara de Lempicka "Dormindo" (1930)
Preço: US$ 6,6 milhões / Leilão: Sotheby's / Ano: 2011
Os retratos, incluindo os do gênero nu, ocupam um lugar sério na herança criativa de Lempicka. Ela criou a imagem de uma mulher forte e sexy (não surpreendentemente, Madonna se tornou uma das principais colecionadoras das obras de Lempicka). O mundo do artista está cheio de luxo, vestidos caros, corpos perfeitos.
Natalya Goncharova "Árvores em Flor" ("Apple Blossom") (1912)
Preço: US$ 3,96 milhões / Leilão: Sotheby's / Ano: 2011
Nesta obra, Goncharov, segundo a crítica, está muito mais próximo da tradição pictórica francesa do século XIX do que das obras de Kazimir Malevich e Wassily Kandinsky.
Anna Namit
Forbes
Em Moscou, pela primeira vez em cem anos, há uma exposição em grande escala da artista Natalia Goncharova, que reúne mais de 400 obras de museus de todo o mundo. Sonhei em visitar a exposição e visitei.
A exposição acontece nas instalações da Galeria Tretyakov em Krymsky Val. Aqui estão pinturas de Goncharova que datam do início do século passado e pinturas de meados do século, ou seja, pinturas. escrito quase antes da morte do artista. É interessante ver a evolução do artesanato, lançando diferentes estilos, grupos e gêneros, mudando a cor das tintas e temas.
Natalia Goncharova foi chamada de "a Amazônia da vanguarda russa". Representante da antiga família Goncharov, tataraneta da esposa de Alexander Sergeevich Pushkin, seu xará Natalya Goncharova, o artista deixou uma marca brilhante na pintura mundial. Suas pinturas estão em muitos museus ao redor do mundo, coleções particulares e nossos museus nacionais podem se orgulhar de muitas pinturas. A Galeria Tretyakov também possui uma rica coleção de pinturas de Natalia Goncharova, apresentando suas salas para a primeira exposição nos últimos cem anos. Natalya Sergeevna Goncharova nasceu em 4 de junho de 1881 em Ladyshino, não muito longe de Tula, na família do arquiteto de Moscou Sergei Mikhailovich Goncharov e Ekaterina Ilyinichna, nee Belyaeva .. Desde a infância, Natalya mostrou habilidades de desenho, mas começou a estudar como um escultor na Escola de Pintura de Moscou, Arquitetura de escultura na classe de P. Trubetskoy. Como a pintura atraiu mais a garota, ela foi transferida para a classe de Konstantin Korovin, que se formou em 1902. Como todos os jovens artistas da época, Goncharova mudou estilos e gêneros, rejeitando a velha escola - cubismo, raionismo, pintura não objetiva, primitivismo, até gravuras populares, ilustrando livros, criando figurinos e cenários teatrais, participando de desfiles de moda e pintando tecidos , vários ciclos de pintura - tal é a paleta multifacetada do artista.
Naturalmente, todos ficaram nas pinturas que ele gostou especialmente, para mim eram pinturas em estilo primitivo, mais como uma gravura popular comum - mulheres e homens com rostos pouco inteligíveis, em roupas russas nacionais, nosso querido povo familiar para nós , simples e laboriosos: semeiam, colhem, lavam e branqueiam telas, colhem, em geral, tudo está no negócio e no lugar.
Goncharova sempre teve flores, elas são desenhadas de forma realista - lindos buquês em vasos, abstratos e estrelados. mas tudo é brilhante e alegre, você fica perto dos lírios radiantes e adivinha seus contornos, ou tenta distinguir belas orquídeas, e descansa sua alma perto de uma árvore em um canto do jardim, mas não sai indiferente. Uma linda garota com um buquê de lírios é um auto-retrato do artista.
Não apenas flores, mas também animais são de interesse de Natalya Goncharova, aqui estão galos engraçados - franceses e com um menino.
E tente ver nesses cubos radiantes o bichinho universal - um gatinho fofo!
As fotos da cidade também são interessantes - "Ciclista",
"Avião sobre a entrada",
Presente hoje e anjos com ele - "Anjos e Aviões".
"Gripe espanhola" - esse ciclo nos acorrentou a si mesmo por muito tempo, andamos, olhamos, não conseguíamos tirar os olhos. Todos diferentes, coloridos, orgulhosos, em mantilhas e com pentes, é claro que o artista se apaixonou por essas belezas do sul e voltou às suas imagens repetidamente!
Toda a sua vida Natalya Goncharova andou de mãos dadas com Mikhail Larionov. Eles se conheceram em 1900 em uma das exposições no exterior, viveram quase o tempo todo em um casamento civil, principalmente em Paris, formalizando o relacionamento quase no fim da vida. Larionov sobreviveu a sua esposa por apenas dois anos, falecendo em 1964.
Era assim que Larionov era na vida, e era assim que ela via seu amado Goncharov.
São mais de 400 pinturas na exposição, é impossível mostrar tudo, e não há necessidade, você sempre pode ir à galeria de pinturas e ver tudo o que quiser. A fotografia é proibida em nossas exposições. portanto, todos os apresentados são retirados da rede de diferentes sites. Pode ser. Voltarei a esta exposição, colocando separadamente pinturas do ciclo religioso, obras teatrais e grafismos de livros. tudo isso também é muito interessante.
