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O legado da dança de personagens no palco do balé. Ao longo da história da dança, muitas foram as referências dos coreógrafos ao folclore da dança. A dança folclórica serviu para o balé clássico ao mesmo tempo que um reservatório de reserva e um tesouro infinito de variedade de personagens. Ampliou seus meios, fortaleceu suas raízes, renovou suas formas e pintou seu desenho plástico com cores vivas e vivas, por isso recebeu o nome de “dança característica”. A dança de personagens pode ser considerada sinônimo de dança folclórica no palco do balé?

Ao longo da história da dança, muitas foram as referências dos coreógrafos ao folclore da dança. A dança folclórica serviu para o balé clássico ao mesmo tempo que um reservatório de reserva e um tesouro infinito de variedade de personagens. Ampliou seus meios, fortaleceu suas raízes, renovou suas formas e pintou seu desenho plástico com cores vivas e vivas, por isso recebeu o nome de “dança característica”. A dança de personagens pode ser considerada sinônimo de dança folclórica no palco do balé?

O termo "dança característica" no balé é um conceito muito arbitrário. Em diferentes épocas, vários fenômenos de gênero foram explicados por esse nome e suas funções foram definidas de diferentes maneiras. Esse conceito foi estreitado ou expandido de tal forma que os limites que definiam a “dança característica” de outras categorias de dança foram perdidos.

Na história da dança de palco, os elementos da dança folclórica são uma das fontes primárias para a formação de uma infinita variedade de movimentos de balé. Na literatura quase desde o século XV. aparecem descrições de danças domésticas. Nos séculos XVI - XVII. a prática de salão de baile inclui gabarito e galharda, e nos séculos XVII e XVIII eles eram usados ​​pelo balé. No palco real, à maneira e caráter das cortesãs da corte, às vezes mantendo seus nomes, danças folclóricas individuais processadas e estilizadas são demonstradas e “entram na moda”. Naturalmente, nos clássicos aparecem mais como composições coreográficas livres, às vezes sob o nome anterior, mas mantendo apenas algumas das principais características da fonte original. São eles o pandeiro - uma antiga dança country de origem ítalo-francesa, o minueto - uma versão revisada e estilizada da dança bretã (Branle), a musette - uma antiga dança francesa, o farandole - uma dança redonda, a galharda - uma dança masculina em um ritmo animado.

Em conexão incondicional com o folk volta, a estrutura de salão e palco da valsa nasceu na virada dos séculos XVIII e XIX. Ao mesmo tempo, as danças country entraram em uso de salão - uma palavra que é uma distorção da dança country inglesa, ou seja, literalmente - dança folclórica. O processo de domínio dos movimentos da dança folclórica pelo balé vem acontecendo ao longo da história da coreografia. A maioria dos movimentos das danças folclóricas entrou na rotina da dança, mas em sua maioria impessoal e perdeu suas características distintivas.

Desde os primeiros dias de existência de um teatro profissional de ópera e balé, nos deparamos com o termo "dança característica". Qualquer dança que exija um caráter de relevo dos personagens é chamada de dança em caráter, na imagem - danse de caractere (entradas). Nas comédias-ballets de Molière, as entradas características encontram sua forma mais elevada. Eles já estão se tornando uma dança em uma imagem que carrega uma carga dramática (“O comerciante na nobreza”, “O doente imaginário”, etc.). As tendências de Molière não encontram aplicação no trabalho dos coreógrafos da corte. A Academia, por outro lado, afasta o balé de ópera da coreografia eficaz e característica. E quando, cem anos depois, os reformadores burgueses do balé, por assim dizer, retomam a experiência de Molière, colocando as questões da dramaturgia e a imagem de uma performance coreográfica no centro de seu programa principal, isso parece ser uma descoberta completamente nova.

O primeiro ataque ao sistema acadêmico de balé de corte foi feito em 1760 por J.-J. Não. “Você tem que viajar”, ​​conclui. É necessário estudar danças folclóricas e usá-las. Apesar das declarações ousadas, Nover utilizou a dança nacional e seus elementos em suas apresentações para enriquecer a dança clássica. Nunca defina a direção na qual o desenvolvimento da dança do personagem seguiu. Os balés da época se estabelecem em um novo gênero e criam uma nova linguagem de dança – característica. O balé Blache, pai de "The Millers", acusado de vulgaridade e, portanto, não premiado com show em Paris, foi um enorme sucesso nas províncias e até na Rússia. Personagens como um moleiro, um trabalhador rural, uma camponesa, um ceifeiro podem fazer palhaçadas, fazer truques de ginástica e acrobacias, encenar cenas de mímica, dançar danças folclóricas, tudo menos “clássicos”. Até os principais coreógrafos da virada dos séculos 18 e 19 pensavam assim. O representante imortal dessas novas obras é a bisavó dos balés realistas modernos - "Vain Precaution" de Dauberval, encenado pela primeira vez em 1789. No entanto, na década de 1940 No século XIX, o conteúdo dos balés característicos desaparece, as tendências moralizantes ficam em segundo plano, dando lugar a elementos divertidos.

Este processo complexo e espasmódico de morte de grandes balés característicos, cheios de conteúdo efetivo, e sua redução a números separados de danças nacionais, ocupa a primeira metade do século 19. A primeira heroína do balé romântico, Maria Taglioni, dançou tirolesa , danças alemãs, escocesas, hindus, polonesas, ciganas e espanholas. Mas o entusiasmo dos românticos pelas arejadas linhas clássicas não permite trazer para o palco as danças nacionais de forma não estilizada. Podemos reconhecer Fanny Elsler, a rival de Maria Taglioni, como a primeira dançarina característica. Após o kachucha de Lame Demon e Elsler, uma nova qualidade de dança característica tornou-se aparente. O temperamento do bailarino, cativante com o ritmo vitorioso e o andamento da dança característica, são fenômenos inéditos no balé clássico. Nesse ambiente, em particular, prosseguem as atividades do coreógrafo Arthur Saint-Leon. Ele vai ainda mais longe e cria balés característicos: Saltarello, The Wallachian Bride, Markitanka, Stella, parcialmente Graziella e The Little Humpbacked Horse. Saint-Leon propõe um novo método para construir uma dança característica: ele coloca um ou dois movimentos nacionais na base de cada número que compõe, combinando-os com clássicos estilizados como os cotidianos, e isso dá ao número um caráter nacional pronunciado. No último ato de The Little Humpbacked Horse há uma dança Ural, embora sua autenticidade etnográfica seja muito duvidosa, mesmo porque o grupo étnico "Urais" não existe.

Os mestres de balé Petipa e especialmente L. Ivanov apenas dominaram os princípios de Saint-Leon e, buscando uma performance de balé monumental, fazem a dança característica em massa e em grande escala. Albert Zorn em seu livro escreve uma nova conclusão: “A dança característica não é uma verdadeira dança de balé”, porque é “um produto da arte popular”; ele pode "elevar-se ao nível de um balé" apenas organizando, ou seja, fixação."

No início do século XX, inicia-se uma nova etapa. Esta etapa abre com os trabalhos dos coreógrafos M. Fokin e A. Gorsky, bem como uma galáxia de alunos de Fokin, seguidores voluntários e involuntários (B. Romanov, K. Gailizovsky e outros). A reforma de Fokine no balé basicamente se resume à estilização. Fokine desenha meios estilizados em todos os lugares. Isadora Duncan e sua dança plástica equipam Fokine com um slogan em que o cenário natural do corpo, pernas e braços se contrapõe ao cânone do port de bras clássico, corpo reto e pas estabelecidas. Pintura, escultura indiana, figuras estritas do antigo Egito, miniaturas persas, aquarelas japonesas e chinesas, a arte da Grécia arcaica alimentam a imaginação criativa de Fokine. “Para transmitir o êxtase báquico da dança grega, as sapatilhas de ponta não são naturais. Também não é natural realizar danças espanholas em uma túnica grega. As batidas rítmicas do calcanhar, a pausa voluptuosa contida de toda a linha do corpo, os movimentos serpentinos das mãos são naturais neste caso.

A busca por diferenças estilísticas e personagens, o brilho emocional da dança - esses são os principais fatores no trabalho composicional de M. Fokin. A dança característica no balé era apenas um número de inserção para Fokine. Toda a sua força se devia ao fato de ele não estar conectado à ação, incapaz de carregar a carga da trama e não levar a ação adiante. As produções de St. Leon eram, na melhor das hipóteses, semi-clássicas. Fokin cria uma suíte de dança característica, ou seja, um conjunto de danças unidas por uma ideia composicional (Jota de Aragão de Glinka), e constrói performances inteiramente baseadas num género característico (Scheherazade, Islamey, Stenka Razin).

No século XX, a migração de elementos da dança nacional atingiu uma dimensão significativa e mudou gradualmente a forma recente e o lado tecnológico da dança de uma ou outra nacionalidade. Isso confundia a questão da gênese nacional de qualquer movimento, dificultava a determinação do pertencimento de técnicas específicas de dança a uma determinada nacionalidade. A partir daqui deve-se concluir que o coreógrafo deve estudar de perto o material da dança folclórica em estreita ligação com a história de um determinado povo e reproduzi-lo no palco, e não “em geral”, mas dentro do quadro claro de uma época, um período histórico de tempo e uma compreensão da ideia básica de dança.

26.Características do trabalho do coreógrafo Rostislav Zakharov. O desejo no desenvolvimento da dramaturgia de uma performance de balé de revelar o conteúdo ideológico da obra, de mostrar de forma realista as imagens dos personagens, seus personagens, sentimentos. A dança deve expressar um pensamento, cada gesto deve ser justificado - este é o credo do mestre. Coreógrafo, professor, diretor. Doutor em Artes. Ele se formou na escola coreográfica de Leningrado - departamento do diretor. Faculdade de Teatro de Leningrado. 1926 -1929 - solista do balé do teatro de Kyiv. 1934 - 1936. coreógrafo do Teatro Kirov. 1936 - 1956 coreógrafo e diretor do Teatro Bolshoi. Um trabalho notável é A Fonte de Bakhchisarai, que marcou o início da coreografia soviética "Pushkinian", que aprovou um novo método de trabalho em uma performance de balé. Inclui um desenvolvimento aprofundado de exposições de balé, que revelaram as tarefas ideológicas e artísticas do trabalho, trabalho de "mesa", e depois o trabalho independente dos atores nas imagens, também o coreógrafo ajuda o diretor a criar danças que são eficaz, significativo, no qual nasce uma imagem artística realista. As últimas produções de Zakharov são Ilusões Perdidas, O Prisioneiro do Cáucaso, A Jovem Camponesa, Cinderela, O Cavaleiro de Bronze. Fortalecendo os papéis da dramaturgia e da direção em uma apresentação de balé. Ele encenou uma série de óperas combinando trabalho de palco com direção e masterização de balé. "Ruslan e Lyudmila" de Glinka, "Carmen" de Bizet, "Ivan Susanin", "Guerra e Paz" - danças encenadas. 1945 - 1947 diretor e diretor artístico da Escola Coreográfica de Moscou, 1946. - Departamento de coreografia do GITISS. Autor de artigos e resenhas.

A teoria do gesto da dança de Rudolf von Laban. Bailarina, coreógrafa e professora austríaca. Teórico. Estudou pintura e artes decorativas. Passeio com o Teatro Francês no Norte da África, onde conheceu o folclore árabe e negro. Em 1910 fundou uma escola em Munique. "Vitória da Vítima", "Ritmos Cintilantes", "Don Juan", "Terpsícore". Diretor da Associação Estatal de Teatros de Berlim. Dirige a trupe de balé da Ópera Estatal de Berlim. Em sua teoria da dança (coreótica), ele aplicou o método matemático de análise, com a ajuda do qual substanciava as leis universais do movimento do corpo humano. Os movimentos da dança, segundo Laban, são a mudança de atitude do bailarino em relação ao espaço tridimensional, sua manifestação mais característica, que existe na coreografia de vários tipos e culturas nacionais, movimentos de balanço de diferentes amplitudes, desenhando uma figura semelhante a um oito no espaço . Esses movimentos duplamente invertidos (para si mesmo, para longe de si mesmo) são os principais, todas as suas outras variações. Segundo Laban, qualquer tipo de coreografia é determinada pelas peculiaridades da combinação dos movimentos e pela predominância de qualquer uma das três características mais importantes neles: dinâmica, espacial e tempo. Laban descobriu que muitos dos principais princípios da teoria da dança são idênticos aos da teoria musical. Sua característica desenvolve o pensamento espacial do bailarino e coreógrafo, um senso de interdependência das ações de um performer individual e de todo o grupo. O fundador da dança expressiva silenciosa, que influenciou todos os tipos de coreografia moderna. Rodolfo von Labão. gravitou para o construtivismo, a construção geométrica do desenho. Seu sistema de ensino formou a base de muitas escolas de dança.

Métodos teóricos e práticos de François Delsarte e Jacques Dalcroze. François Delsarte é um cantor, professor, compositor e teórico francês do movimento de palco e vocal. Estudou anatomia e medicina. Ele trabalhou em uma clínica para doentes mentais, estudou o comportamento humano, suas reações motoras em situações comuns e excepcionais. Ele sistematizou suas observações e depois as usou para analisar as expressões faciais e os gestos do ator. Ele foi o primeiro a fundamentar cientificamente os movimentos do corpo humano e deu nomes a cada um deles. Ele se esforçou para entender como o movimento serve como material de imagens artísticas. Os movimentos de Ve são divididos em três categorias: centrífugo, centrípeto, neutro. Por sua infinita variedade, combinações, divisões e oposição, ele desenvolveu uma escala semelhante ao sistema de chaves musicais. Mas ele deduziu os padrões de movimentos corporais de sua própria natureza, não relacionada à música. O conceito de beleza é uma plasticidade humana natural, um critério de expressividade. Vi de acordo com a força e a velocidade dos movimentos com seu conteúdo emocional. Ele usou seu método de dominar o controle do aparelho motor para ensinar pessoas de várias profissões - escultores, médicos, padres, músicos, artistas. A teoria foi de grande importância para a dança moderna. Emile Jacques Dalcroze. Músico suíço, figura pública musical, compositor, professor, fundador do ritmo moderno. Tendo criado seu próprio sistema de educação rítmica e ginástica rítmica, ele transmitiu a estrutura mímica das obras musicais mais complexas com incrível precisão. Ele não dançava especificamente, mas desenvolveu um senso de ritmo em seus alunos. As descobertas encontraram aplicação na ginástica rítmica moderna e na dança moderna. Ele estudou a influência do ritmo musical na formação da psique. Desenvolveu um novo método de ensino de música. Domínio completo e rápido do ritmo musical. Deve ser experimentado corporalmente e traduzido em movimento. Organizou uma escola de música e ritmo. O sistema de treinamento proposto contribuiu para o desenvolvimento do ouvido absoluto e da improvisação plástica. Escolas e institutos foram estabelecidos na Europa e na América. Visitou a Rússia.

Desenvolvimento de um novo gênero de arte coreográfica - conjunto de dança. Desde o início da década de 1930, conjuntos de canções e danças folclóricas foram criados nas repúblicas. Eles foram formados principalmente entre os participantes talentosos em apresentações amadoras. No outono de 1936, foi realizado o primeiro festival de dança folclórica, que mostrou toda a riqueza e diversidade da arte da dança das repúblicas do país e contribuiu para o surgimento de conjuntos profissionais de dança folclórica. Em fevereiro de 1937, o Folk Dance Ensemble da URSS foi organizado sob a direção de I. A. Moiseev, e em abril do mesmo ano - o State Dance Ensemble da SSR ucraniana, que agora leva o nome de seu primeiro líder, o maravilhoso coreógrafo P.P. Virsky. Em 1938, um grupo de dança foi criado no State Russian Folk Choir. M.E. Pyatnitsky, o chefe do famoso coreógrafo-folclorista T. A. Ustinova. Na década de 1930, conjuntos de música e dança do Exército Vermelho começaram a se formar. Assim, em 1935, foi criado o Conjunto Central de Canção e Dança do Exército Vermelho, etc. É difícil estabelecer exatamente quando a dança folclórica começou a adquirir as características da teatralidade. Aparentemente ainda na arte dos bufões. 1923 - um dançarino conhecido em danças ucranianas, russas, danças caucasianas (um dos primeiros a receber o título de Artista Homenageado da República) Yegorov - Orlyk, organizou o conjunto de dança ucraniana "Kuren".

31. A influência da música de Tchaikovsky no desenvolvimento da arte coreográfica. Balés sinfônicos de Marius Petipa A Bela Adormecida, Lago dos Cisnes. O teatro preservou as tradições do balé clássico nacional, os compositores tentaram combinar mais estreitamente música e coreografia, criando os princípios da sinfonia do balé. As realizações do balé romântico estavam se desenvolvendo - a integridade do drama, o desenvolvimento sinfônico da música, o interesse em conflitos dramáticos, o destino das pessoas, a atenção estava focada no mundo interior de uma pessoa, em seus sentimentos e experiências. Combinação de coreografia e sinfonia musical. P.I. Tchaikovsky - o criador de uma música de balé completamente nova - o teatro de balé tornou-se um teatro musical. Os balés de Ch. são obras sólidas e rigorosamente pensadas. É impossível mudar a sequência dos números de dança neles, fazer inserções de obras de outros autores. Eles estão conectados por uma única ideia - “ballets-sinfonias”. Conteúdo profundo e dançabilidade. A primeira produção do balé de Ch. "O Lago dos Cisnes" em Moscou falhou. Coreógrafo V. Reisinger. Por muitos anos o balé estava esperando por seu gênio. Somente após a morte de Tchaikovsky no palco do Teatro Mariinsky - o segundo ato do Lago dos Cisnes. Coreógrafo Lev Ivanov. Segundo andar. século 19 a época de Mário Petipa. A principal tarefa de Petipa é o desenvolvimento de formas de dança clássica. Encenação de balés de P.I. Tchaikovsky. Estreia do Lago dos Cisnes. Realização - tornou-se o 1º e 3º atos, especialmente o dueto do príncipe Siegfried e Odile, que é uma obra-prima da coreografia russa. Lev Ivanov estava terminando a produção. O programa de música sinfônica expressava a ideia principal do balé, explicava seu conteúdo, deixando de lado a pantomima e dando à dança o lugar principal na performance. A dramaturgia musical envolvia a dramaturgia da dança. Alguns anos antes disso - a estréia do balé "A Bela Adormecida", "O Quebra-Nozes". "A Bela Adormecida" é uma música verdadeiramente russa, profundamente significativa, imagens multifacetadas e realistas de heróis. Ótima música, realismo na criação das imagens, a progressividade da ideia principal da obra, proclamando a vitória da luz sobre as trevas. Estréia do balé "S. para." tornou-se o triunfo da escola russa de dança clássica, certamente altamente técnica, mas sempre significativa. Roteiro de balé desenvolvido por Petipa. "O Quebra-Nozes", "A Bela Adormecida" - o tema da luta entre o bem e o mal. Encenado por Lev Ivanov de acordo com o roteiro de Petipa. Ele criou um desenho de danças em plena harmonia com a música.

A era de Jeanne Baptiste Luly. Tradições de comédia, forma completa de ária, ópera, comédia-ballet. Criação da Academia de Música. século 17 - comédia de balé. Fundador - dramaturgo, ator e diretor francês Jean Baptiste Molière (Poquelin) - combinações originais de música, dança e ação. Ele introduziu um conteúdo profundo, atualizou as antigas formas de desfile-pastoral. Dança - Pierre Beauchamp: introduziu cinco posições das pernas, desenvolveu seu próprio sistema de dança de palco. Música - Jean Baptiste Lully. Violinista, compositor, dançarino, determinou o estilo da ópera da corte. Na Inglaterra, o teatro também incluiu danças domésticas em suas apresentações. Shakespeare. Lyuli com o balé Beauchamp "Sick Cupid" - uma experiência de comédia recitativa. Árias vocais para balés à música de danças francesas. A forma completa da ária determinou a construção clara do número de dança. Técnica de dança fluente e flexível. A dança do balé obedeceu aos princípios estéticos de toda a performance. Profissionais. Dançarinos profissionais. Balé pastoral de Lully "Triunfo do Amor". Mademoiselle Lafontaine A dança das mulheres é tecnicamente menos complicada que a dos homens. Dança para conquistar o espaço. A amplitude e a altura dos movimentos aumentaram. Eversão. Luís XIV fundou a Real Academia de Dança. Treze mestres de dança. O desenvolvimento da dança de palco, a pureza de sua performance, a canonização de composições coreográficas, movimentos. Luly e Molière. Balé Real de Flora. "Tedioso". Dramatização da dança. "Casamento involuntário." "O comerciante na nobreza". As comédias-ballets de Molière - Lully preparou o gênero da ópera cômica. "Psique". Real Academia de Música. O poeta Pierre Perrin e o compositor Robert Kamber receberam a patente. Pomona. Lully comprou a patente. A Academia, posteriormente transformada no Teatro Nacional de Ópera, deu origem à Escola de Dança da Ópera. Lully lançou as bases para a ópera nacional da França. Da época de L. - a genealogia da escola moderna de dança clássica. Desenvolveu e simplificou a forma da suíte. Dança em massa. O balé tinha um sistema de meios de expressão selecionados e polidos. Ascensão do pensamento teórico.

33. Maurício Bejart. Características da criatividade. Artista francês, coreógrafo, professor. Estuda dança clássica desde 1941. Estreia na Ópera de Marselha. Ele dominou muitas escolas coreográficas, realizado em várias trupes. Estreia na Suécia como hornógrafa - ele encenou fragmentos do balé "The Firebird" - Stravinsky para o filme. Em 1953 fundou a trupe "Ballet de Etoile" em Paris com Laurent. Ele encenou balés e dançou sozinho no papel principal, muitas vezes introduziu o deballet de cartas exclusivamente masculino e desenvolveu o conceito de uma dança masculina universal. Sua característica distintiva é a eletricidade, uma síntese de técnicas retiradas de diferentes sistemas coreográficos. "Um Sonho numa Noite de Inverno" com música de Chopin. "Prometeu". As melhores produções deste período são “Sinfonia para uma pessoa”, etc. Depois de encenar “Sacred Vienna” para o Royal Ballet da Bélgica, fundou sua própria trupe “Ballet of the 20th century”. Criou performances sintéticas onde a dança, a pantomima, o canto (palavra) ocupam um lugar de igual para igual. Como designer de produção, ele propôs uma nova solução de design para a performance. Ele foi o primeiro coreógrafo a usar arenas esportivas, onde a ação poderia acontecer em qualquer lugar e ao mesmo tempo. Essa técnica tornou possível fazer de todos os espectadores participantes da performance. A produção de São Sebastião contou com orquestra sinfônica, coro, solo vocal e dança. Muitos balés foram criados: "Nona Sinfonia" de Beethoven, "Isadora" para sua própria música com o ensino de Plisetskaya. Vasiliev dançou em Petrushka. Uma das figuras complexas e controversas da coreografia moderna. Em afirmações teóricas, ele insistiu no retorno à dança de seu caráter e significado ritual original. Grande interesse pelas culturas coreográficas do Oriente e da África. Cria balés esotéricos cheios de alusões criptografadas. Suas tentativas de renovar a linguagem da dança são de grande importância para os coreógrafos contemporâneos. Há um balé dedicado a Freddy Mercury. Por muito tempo eles não reconheceram isso.

Balés divertidos de Arthur Saint-Leon e balés etnográficos de Sergei Sokolov. Características dos balés O Cavalinho Corcunda e A Samambaia ou Noite em Ivan Kupala. Na França, ocorreu a estréia - o balé "The Marble Beauty", "The Candidate" e "The Enchanted Violin". As apresentações eram divertidas por natureza, tinham muita dança e truques técnicos. Muitos balés, diversões, números de concertos. Bailarino, coreógrafo, roteirista, compositor, maestro, violinista virtuoso. Mestre dos efeitos de palco, truques, apresentações de dança coloridas - entre. Temas - em assuntos literários. O melhor balé é "Coppelia" (com música de L. Delibes). Sua introdução no balé russo de um novo princípio de encenar danças folclóricas destruiu as tradições da arte da dança folclórica russa. The Little Humpbacked Horse, balé baseado no conto de fadas de P. P. Ershov. Não afete a vida russa. O personagem principal do balé é o czar Alexandre II; o conto em si era uma alegoria para a abolição da servidão. Falta de desenvolvimento dramático. Divertimento no "Cavalo Corcunda" - danças de vinte e duas nacionalidades que habitavam a Rússia. O balé é um panegírico à autocracia. Ele contribuiu para a aparição no palco russo de performances de estilo de folha pseudo-russo. Criatividade S. P. Sokolov - o oposto direto da arte cosmopolita de Saint-Leon. Sergei Petrovich Sokolov - escola de Moscou. Ele ficou nas posições do populismo revolucionário e, posteriormente, tentou se tornar o porta-voz dessa tendência no balé. "Fern, ou Night on Ivan - Kupala" - como resposta ao "Cavalo Corcunda" de São Petersburgo. A principal tarefa é opor uma dança verdadeiramente folclórica a uma dança pseudo-folclórica. O conteúdo do balé não inclui nenhum desenvolvimento. ("Acampamento cigano." "O último dia da colheita"). não compreendido pelos contemporâneos. Novidade no campo da dança clássica: o apoio virtuoso é amplamente utilizado.Sokolov combinou habilidades de dança com talento dramático. A atividade pedagógica de Sokolov foi de grande importância para o desenvolvimento do balé russo.

V.I. Ponomarev

Artista Homenageado da RSFSR (1934). Ele se formou na Escola de Teatro de Petrogrado em 1910 e foi admitido no Teatro Mariinsky. No GATOB - Teatro. Kirov interpretou as partes (1917-51): Solor; Arlequim ("Harlequinade"), Juventude ("Chopiniana"), Franz; Pierrot ("Fada Marionete"), Ivan Tsarevich ("O Pássaro de Fogo"), Arlequim ("Carnaval"), Petrushka ("Petrushka"), Khan Aproximado, Gênio das Águas ("Cavalo Corcunda"), Pássaro Azul; Trovador ("Raymonda"), Solista ("Jota de Aragão"), Gafanhoto ("Caprichos de uma Borboleta"), Príncipe, pas de trois ("O Lago dos Cisnes"), Sátiro ("Rei Candaules"), Pescador ("O Filha do Faraó")"), Escravo de Cleópatra ("Noites Egípcias"), pas de deux ("Giselle"), Gringoire ("Esmeralda"), Colin, Marcellina ("Vain Precaução"), Drosselmeyer ("O Quebra-Nozes") , Seid Pasha ("Corsário"), Montecchi ("Romeu e Julieta"). Em 1935-38, assistente do diretor artístico do balé do Teatro. Kirov, em 1941-44 e. cerca de. diretor artístico, em 1944-51 tutor principal, a partir de 1931 ministrou a aula de aperfeiçoamento. Em 1938-39 fino. mãos balé da Maly Opera House. Juntamente com F. Lopukhov e L. Leontiev, ele encenou The Red Poppy (1929), restaurou os balés La Sylphide, Sylvia, L. Delibes' The Stream, The Talisman, Harlequinade para LCU; "Don Quixote", "La Bayadère" (junto com V. Chabukiani), "Vain Precaution" no Teatro. Kirov. Ponomarev era um mestre e conhecedor da dança clássica. Ele brilhou nas partes de Grasshopper, Knee, foi um elegante Ivan Tsarevich. Grande disciplina, amor pela arte o ajudou nos anos pós-revolucionários a lidar com a performance de muitas das primeiras partes dos balés; ele era um bom parceiro, possuindo força, destreza, resistência física. O principal mérito de Ponomarev diante da arte coreográfica soviética é sua atividade pedagógica. Brilhante professor e metodólogo, criador da moderna escola de dança clássica masculina, lecionou na PCU-LHU em 1913-50. Entre seus alunos estão P. Gusev, A. Ermolaev, L. Lavrovsky, V. Chabukiani, K. Sergeev, S. Kaplan, N. Zubkovsky, V. Fidler, A. Pushkin, V. Preobrazhensky, B. Fenster, S. Dubinin, A. Makarov, V. Semenov, V. Ukhov, Yu. Grigorovich. Nos últimos anos, ele ensinou em Budapeste.

36. Reforma do teatro do Iluminismo. O trabalho de John Rich e John Weaver no século 17. O início do Iluminismo impôs aos artistas a tarefa de refletir a realidade circundante em suas obras, proclamando naturalidade e veracidade na arte. As figuras opunham ao balé vazio da corte aristocrática com seu próprio programa estético novo: significado, eficácia, conteúdo. John Rich é um ator inglês de teatro de pantomima. Ele corajosamente introduziu cenas de dança em suas performances, conectou as danças com o enredo da ação da pantomima e selecionou a música para que correspondesse aos eventos da performance. Numerosos truques acrobáticos, "milagres" inventados por ele. Artistas, atores italianos e franceses, passando de teatro em teatro, espalharam as inovações das performances de pantomima de John Rich. Fantástica encenação das Metamorfoses de Ovídio, pantomima com truques e transformações mágicas "O Mágico, ou Arlequim Doutor Fausto". Entre os atos há esquetes cômicos dançantes de Pierrot e Colombina. Eles tinham um conteúdo próprio, uma música brilhante e bem escolhida, que aproximava as performances de John Rich do teatro musical. John Weaver é um coreógrafo e teórico inglês, o primeiro a encenar um balé de ação sem palavras e cantando no palco inglês. Ele defendia a verdade da vida na arte, o significado da ação e a naturalidade das imagens. Ele deu características humanas a deuses e heróis mitológicos, aproximando-os de personagens vivos. Um tratado onde delineou sua classificação de danças, seu sistema de gestos de palco, sua compreensão da harmonia do enredo e plasticidade. Balés "regulares da taverna" - danças de diferentes nações e "Amor de Marte e Vênus". Por meio da coreografia, as emoções, pensamentos e ações humanas podem ser transmitidas. Trabalhos teóricos "Experiência na história da dança", "História da mímica e da pantomima". A dança teatral foi subdividida: séria, grotesca e de palco. Não há fronteiras entre pantomima e dança. Balés reais. "As Aventuras de Amor de Marte e Vênus", "O Mito de Orfeu e Eurídice", cenas e danças nacionais: "O Capitão Holandês", "O Camponês Francês e Sua Esposa", "Dança Irlandesa", "Canções Escocesas". O último balé é O Julgamento de Paris, mas introduziu efeitos de canto e maquinário. João Rico. Pantomima "O Feiticeiro, ou a História do Doutor Fausto". Rich dividiu suas performances em duas partes, séria e burlesca. Pegando os temas de Weaver, Rich compôs versões em quadrinhos deles, às vezes com o mesmo nome. O significado do Rich Theatre - um novo tipo de teatro democrático surgiu e se estabeleceu na Inglaterra, as tradições da comédia italiana retornaram à França e apoiaram a arte que lutou contra os cânones severos da Academia de Música de Paris.

Dança do personagem DANÇA CARACTERÍSTICA(francês danse de caractère, danse caractéristique), uma das expressões. meio da técnica do balé, uma espécie de dança de palco. No início. século 19 o termo serviu como definição de dança em caráter, em imagem. Primeiro usado. em interlúdios, em que os personagens eram artesãos, camponeses, marinheiros, mendigos, ladrões e outros. As danças baseavam-se nos movimentos que caracterizam este personagem, muitas vezes incluíam-se gestos do quotidiano; a composição era menos rigorosa do que no clássico. dança. No início. século 19 K. Blazis começou a chamar H. t. qualquer Nar. dança encenada em uma apresentação de balé. Este significado do termo é preservado no século 20. Na Rússia, o interesse na implementação da dança no palco. folclore aumentou no início. século 19 em conexão com os acontecimentos da Pátria. guerra de 1812. Nos divertissements de I. M. Ablets, I. I. Valberg, A. P. Glushkovsky, I. K. Lobanov Rus. a dança tornou-se o líder. O processo de conversão de Nar. dança na característica intensificada durante o apogeu do romântico. balé nas performances de F. Taglioni, J. Perrot, C. Didelot, onde a estética do romantismo determinou o nat. cor, e H. t. ou recriou a vida, oposta ao mundo irreal dos sílfides e náiades, ou romantizou. No balé deste período, Ch. vai expressar. o grotesco torna-se o meio dos performers do gênero artístico. Nacional personagem, nação a imagem de H. t. no clássico. os balés permaneceram autênticos, autênticos. Amostras de arte em tela, criadas por M. I. Petipa e L. I. Ivanov, mantiveram o clima e a cor necessários para o desenvolvimento do enredo da peça. Coreógrafos e dançarinos da escola clássica. A dança foi construída por Kh. t. com base nesta escola. Em con. século 19 foi criado um exercício de H. t. (posteriormente aprovado como disciplina acadêmica), onde dec. movimentos de pessoas danças foram realizadas dentro do quadro estrito da escola clássica. dança. Isso tornou possível usar as leis da coreografia ao encenar H. t. sinfonismo a criação de certo plástico. temas, contraponto e outros.

A obra de M. M. Fokin tornou-se um palco para o desenvolvimento da arte. meio de performances e que conseguiram estabelecer neles os princípios da sinfonia ("Danças Polovtsianas"; "Jota Aragonês" à música de Glinka). Em "Danças Polovtsianas", baseado na música de A.P. Borodin e seguindo as leis da coreografia. composição, Fokin criou na dança a imagem de um povo há muito desaparecido da face da terra, cuja plasticidade. folclore não sobreviveu. Dança. O folclore também foi estudado por F. V. Lopukhov. Ele introduziu novos movimentos, combinações, nat. dança imagens, especialmente nos balés "The Ice Maiden", "Coppelia"; "Bright Stream" de Shostakovich: A busca por Fokin foi continuada por K. Ya. Goleizovsky, V. I. Vainonen, V. M. Chabukiani.

Na arte do balé dos anos 1930 e 60. houve muitas apresentações no nat. temas, onde cada episódio, resolvido por meio de um clássico. dança, foi permeado com nat. colorido e intercalado com H. T. ("Coração das Montanhas"; "Taras Bulba" de Solovyov-Sedogo, "Spring Tale" de Asafiev com base nos materiais musicais de P. I. Tchaikovsky, "Shurale", "Stone Flower" e outros.). Clássico a dança foi enriquecida graças a H. t., tendo aprendido algumas de suas expressões. fundos. Ao mesmo tempo, o conceito de "H. t." expandido para incluir o significado original de dança na imagem. No balé dos anos 70. H. t. pode ser um episódio, pode se tornar um meio de revelar a imagem, criar toda uma performance, muitas vezes sendo o motor da trama.

Lit.: Lopukhov A., Shiryaev A., Bocharov A., Fundamentos da dança característica, introdução. Arte. Yu. Slonimsky, L.M., 1939; Krasovskaya V., teatro de balé russo do início ao meio. Século XIX, L.M., 1958; seu próprio, o Russian Ballet Theatre do segundo semestre. Século XIX, L.M., 1963; seu próprio, Russian Ballet Theatre do início do século 20, [cap.] 1 Choreographers, L., 1971; Stukolkina N., Quatro exercícios, M., 1972; Dobrovolskaya G., Dance. Pantomima. Balé, L., 1975.

G. N. Dobrovolskaya.

Balé. Enciclopédia. - M.:. Editor-chefe Yu.N. Grigorovich. 1981 .

Veja o que é "Character dance" em outros dicionários:

DANÇA CARACTERÍSTICA- um tipo de dança de palco. É baseado em uma dança folclórica (ou dança doméstica), processada por um coreógrafo para uma apresentação de balé ... Grande Dicionário Enciclopédico

DANÇA CARACTERÍSTICA- Peculiar a qualquer povo, expressando seu caráter. Dicionário de palavras estrangeiras incluído no idioma russo. Chudinov A.N., 1910... Dicionário de palavras estrangeiras da língua russa

dança do personagem- um tipo de dança de palco. É baseado em uma dança folclórica (ou dança doméstica), que foi processada por um coreógrafo para uma apresentação de balé. * * * DANÇA CARACTERÍSTICA DANÇA CARACTERÍSTICA, um tipo de dança de palco. Baseia-se na dança folclórica (ou doméstica), ... ... dicionário enciclopédico

Dança do personagem- uma das variedades de coreografia. vocabulário. Até o século 19 Kh. T., também chamado de cômico, serviu para criar um gênero nacional, ou exótico. personagem. Coexistia características do Nar. dança e movimentos grotescos dos bailarinos do tra areal. Por meio de ... ... Dicionário enciclopédico humanitário russo

Dança do personagem- um dos meios expressivos do teatro de balé, uma espécie de dança de palco. O termo original "H. t." serviu como definição de dança em caráter, em imagem (nos interlúdios, danças de artesãos, camponeses, ladrões). Mais tarde… … Grande Enciclopédia Soviética

dança- s., m., usar. frequentemente Morfologia: (não) o quê? dançar para quê? dançar, (ver) o quê? dançar o que? dançar sobre o que? sobre a dança pl. que? dançando, (não) o quê? dançando para quê? dançando, (ver) o quê? dançando o quê? dançando sobre o quê? sobre a dança 1. A dança é uma espécie de... ... Dicionário de Dmitriev

dança- ta / ntsa, m. 1) Uma forma de arte, a reprodução de imagens artísticas com a ajuda de movimentos expressivos do corpo. teoria da dança. Meios expressivos de dança. Dança teatral. Estudei no estúdio de dança plástica na escola de Isadora Duncan (Panov). ... ... Dicionário popular da língua russa

TÁNETS (polonês taniec, do alemão Tanz), um tipo de reivindicação, em que um meio de criar arte. imagens são os movimentos e posições do corpo humano. T. surgiu a partir de uma variedade de movimentos e gestos associados a processos de parto e emocionais ... ... Balé. Enciclopédia

característica- eu hara / cterny aya, oh; ren, rna, rno. 1) apenas cheio. Nas artes cênicas: peculiar a um determinado povo, época, meio social; expressando um certo tipo psicológico. X papel. Xª figura do gênero. Ator de personagem, artista; ... ... Dicionário de muitas expressões

Dança- (taniec polonês, do alemão Tanz) um tipo de arte em que os meios de criação de uma imagem artística são os movimentos, os gestos do dançarino e a posição de seu corpo. T. surgiu de uma variedade de movimentos e gestos associados a processos de trabalho e ... ... Grande Enciclopédia Soviética

Livros

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