A consolidação nacional, intensificada pelo surto patriótico da Guerra Patriótica de 1812, manifestou-se no aumento do interesse pela arte e no aguçamento do interesse pela vida das pessoas em geral. A popularidade das exposições da Academia de Artes está crescendo. Desde 1824, eles começaram a ser realizados regularmente - a cada três anos. A Revista Belas Artes começa a aparecer. Shire se declara colecionador. Além do museu da Academia de Artes em 1825, a "Galeria Russa" foi criada no Hermitage. Na década de 1810 O "Museu Russo" de P. Svinin foi aberto.

A vitória na Guerra Patriótica de 1812 serviu como uma das razões para o surgimento de um novo ideal, que se baseava na ideia de uma personalidade independente, orgulhosa, dominada por fortes paixões. Na pintura, um novo estilo está se estabelecendo - o romantismo, que aos poucos substituiu o classicismo, que era considerado o estilo oficial, no qual prevaleciam os temas religiosos e mitológicos.

Já nas primeiras pinturas de K. L. Bryullov (1799-1852) "meio-dia italiano", "Bathsheba" manifestou não apenas a habilidade e o brilho da imaginação do artista, mas também o romantismo da visão de mundo. A principal obra de K. P. Bryullov “O Último Dia de Pompeia” está imbuída do espírito do historicismo, seu conteúdo principal não é a façanha de um herói individual, mas o destino trágico de uma massa de pessoas. Esse quadro refletiu indiretamente a atmosfera trágica do despotismo do regime de Nicolau I, tornou-se um evento na vida pública do estado.

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O romantismo se manifestou no retrato de O. A. Kiprensky (1782-1836). Desde 1812, o artista criava retratos gráficos de participantes da Guerra Patriótica, que eram seus amigos. Uma das melhores criações de O. A. Kiprensky é o retrato de A. S. Pushkin, depois de ver o que o grande poeta escreveu: “Eu me vejo como em um espelho, mas esse espelho me lisonjeia”.

As tradições do romantismo foram desenvolvidas pelo pintor marinho I.K. Aivazovsky (1817-1900). A fama geral trouxe-lhe obras que recriam a grandeza e o poder do elemento mar ("A Nona Onda", "O Mar Negro"). Ele dedicou muitas pinturas às façanhas dos marinheiros russos ("Chesme Battle", "Navarin Battle"). Durante a Guerra da Crimeia de 1853-1856. na sitiada Sebastopol, ele organizou uma exposição de suas pinturas de batalha. Posteriormente, com base em esboços de campo, ele exibiu em várias pinturas a defesa heróica de Sebastopol.

VA Tropinin (1776-1857), criado na tradição sentimentalista do final do século XVIII, foi muito influenciado pela nova onda romântica. Servo no passado, o artista criou uma galeria de imagens de artesãos, servos e camponeses, dando-lhes características de nobreza espiritual (“A Rendeira”, “A Costureira”). Detalhes da vida cotidiana e da atividade laboral aproximam esses retratos da pintura de gênero.

A arte do período do romantismo no cerne de sua ideia tem o valor espiritual e criativo do indivíduo, como tema principal para filosofia e reflexão. Surgiu no final do século XVIII e caracteriza-se por motivos românticos associados a várias estranhezas e eventos ou paisagens pitorescas. Em sua essência, a aparência dessa tendência foi uma oposição ao classicismo, e o prenúncio de sua aparência foi o sentimentalismo, que foi expresso com bastante clareza na literatura da época.

No início do século XIX, o romantismo floresceu e mergulhou completamente em imagens sensuais e emocionais. Além disso, um fato muito importante foi o repensar da atitude em relação à religião nessa época, bem como o surgimento do ateísmo expresso na obra. Os valores dos sentimentos e experiências sinceras são colocados à frente, e também há um reconhecimento público gradual da intuição de uma pessoa.

Romantismo na pintura

A direção é caracterizada pela alocação de temas sublimes, que é o principal para este estilo em qualquer atividade criativa. A sensualidade se expressa de todas as formas possíveis e aceitáveis, e essa é a diferença mais importante nessa direção.

(Christiano Banti "Galileu antes da Inquisição Romana")

Entre os fundadores do romantismo filosófico, destacam-se Novalis e Schleiermacher, mas na pintura, Theodore Géricault se destacou nesse aspecto. Na literatura, pode-se notar escritores particularmente brilhantes do período do romantismo - os irmãos Grimm, Hoffmann e Heine. Em muitos países europeus, esse estilo se desenvolveu sob forte influência alemã.

As principais características podem ser chamadas:

• notas românticas claramente expressas na criatividade;
• notas fabulosas e mitológicas mesmo em prosa completamente não-conto de fadas;
• reflexões filosóficas sobre o sentido da vida humana;
• aprofundamento no tema do desenvolvimento da personalidade.

(Friedrich Caspar David "Nascer da lua sobre o mar")

Pode-se dizer que o romantismo é caracterizado por notas do cultivo da natureza e da naturalidade da natureza humana, e da sensualidade natural. A unidade do homem com a natureza também é glorificada, e imagens da época da cavalaria, cercadas por uma aura de nobreza e honra, bem como viajantes que embarcam facilmente em viagens românticas, também são muito populares.

(John Martin "Macbeth")

Os acontecimentos na literatura ou na pintura desenvolvem-se em torno das paixões mais fortes vividas pelos personagens. Os heróis sempre foram personalidades propensas ao aventureirismo, brincando com o destino e a predeterminação do destino. Na pintura, o romantismo é perfeitamente caracterizado por fenômenos fantásticos que demonstram o processo de tornar-se uma pessoa e o desenvolvimento espiritual de uma pessoa.

Romantismo na arte russa

Na cultura russa, o romantismo foi especialmente pronunciado na literatura, e acredita-se que as primeiras manifestações dessa tendência sejam expressas na poesia romântica de Zhukovsky, embora alguns especialistas acreditem que suas obras estejam próximas do sentimentalismo clássico.

(V. M. Vasnetsov "Alyonushka")

O romantismo russo é caracterizado pela liberdade das convenções clássicas, e essa tendência é caracterizada por tramas dramáticas românticas e longas baladas. Na verdade, esta é a mais recente compreensão da essência do homem, bem como o significado da poesia e da criatividade na vida das pessoas. Nesse sentido, a mesma poesia adquire um significado mais sério e significativo, embora a poesia escrita anterior fosse considerada uma diversão vazia comum.

(Fedor Alexandrovich Vasiliev "Descongelar")

Na maioria das vezes, no romantismo russo, a imagem do protagonista é criada como uma pessoa solitária e profundamente sofredora. São o sofrimento e as experiências emocionais que recebem mais atenção dos autores tanto na literatura quanto na pintura. Na verdade, este é um movimento eterno junto com vários pensamentos e reflexões, e a luta de uma pessoa com constantes mudanças no mundo que a cerca.

(Orest Kiprensky "Retrato da Vida Hussars Coronel E.V. Davydov")

O herói geralmente é bastante egocêntrico e constantemente se rebela contra os objetivos e valores vulgares e materiais das pessoas. Promove a eliminação de valores materiais em favor de valores espirituais e pessoais. Entre os personagens russos mais populares e marcantes criados no âmbito dessa direção criativa, pode-se destacar o personagem principal do romance "Um herói do nosso tempo". É este romance que demonstra com muita clareza os motivos e as notas do romantismo daquele período.

(Ivan Konstantinovich Aivazovsky "Pescadores à beira-mar")

A pintura é caracterizada por motivos de contos de fadas e folclore, românticos e cheios de vários sonhos. Todas as obras são o mais estéticas possíveis e têm construções e formas corretas e bonitas. Nessa direção, não há lugar para linhas duras e formas geométricas, assim como tons excessivamente brilhantes e contrastantes. Nesse caso, são usadas estruturas complexas e muitos detalhes pequenos e muito importantes na imagem.

Romantismo na arquitetura

A arquitetura da era romântica é semelhante em si mesma aos castelos de contos de fadas e se distingue pelo incrível luxo.

(Palácio de Blenheim, Inglaterra)

Os edifícios mais marcantes e famosos desta época são caracterizados por:

• o uso de estruturas metálicas, que foi uma nova invenção neste período, e representou uma inovação bastante singular;
• silhuetas e desenhos complexos que envolvem combinações incríveis de belos elementos, incluindo torres e janelas salientes;
• a riqueza e variedade de formas arquitetônicas, a abundância de várias combinações de tecnologias para o uso de ligas de ferro com pedra e vidro;
• o edifício adquire leveza visual, formas finas permitem criar até edifícios muito grandes com volume mínimo.

A ponte mais famosa desse período foi criada em 1779 na Inglaterra, e foi lançada sobre o rio Severn. Tem um comprimento bastante curto, pouco mais de 30 metros, mas foi a primeira estrutura desse tipo. Mais tarde, foram criadas pontes com mais de 70 metros e, após alguns anos, estruturas de ferro fundido começaram a ser usadas na construção de edifícios.

Os edifícios tinham até 4-5 andares, e os layouts internos eram caracterizados por formas assimétricas. A assimetria também pode ser vista nas fachadas desta época, e treliças forjadas nas janelas permitem enfatizar o clima apropriado. Você também pode usar vitrais, o que é especialmente verdadeiro para igrejas e catedrais.

Romantismo.

Romantismo (romantismo francês), um movimento ideológico e artístico na cultura europeia e americana do final do século XVIII - primeira metade do século XIX. Nascido como uma reação ao racionalismo e mecanismo da estética do classicismo e da filosofia do Iluminismo, estabelecido na era do colapso revolucionário da sociedade feudal, a primeira ordem mundial aparentemente inabalável, o romantismo (tanto como um tipo especial de visão de mundo e como direção artística) tornou-se um dos fenômenos mais complexos e internamente contraditórios da história cultural. A decepção com os ideais do Iluminismo, com os resultados da Grande Revolução Francesa, a negação do utilitarismo da realidade moderna, os princípios da praticidade burguesa, cuja vítima foi a individualidade humana, uma visão pessimista das perspectivas de desenvolvimento social, o clima de "tristeza mundial" foi combinado no romantismo com o desejo de harmonia na ordem mundial, a integridade espiritual do indivíduo, com uma inclinação para o "infinito", com a busca de ideais novos, absolutos e incondicionais. A aguda discórdia entre os ideais e a realidade opressora evocava nas mentes de muitos românticos um sentimento de dualidade dolorosamente fatalista ou indignado, uma zombaria amarga da discrepância entre sonhos e realidade, elevada na literatura e na arte ao princípio da "ironia romântica". Uma espécie de autoproteção contra o nivelamento crescente da personalidade era o interesse mais profundo inerente ao romantismo na personalidade humana, entendida pelos românticos como uma unidade de característica externa individual e conteúdo interno único. Penetrando nas profundezas da vida espiritual de uma pessoa, a literatura e a arte do romantismo transferiam simultaneamente esse sentido aguçado do característico, original e único dos destinos das nações e dos povos, para a própria realidade histórica. As enormes mudanças sociais que ocorreram diante dos olhos dos românticos tornaram visualmente visível o curso progressivo da história. Em suas melhores obras, o romantismo eleva-se à criação de imagens simbólicas e ao mesmo tempo vitais ligadas à história moderna. Mas as imagens do passado, extraídas da mitologia, da história antiga e medieval, foram encarnadas por muitos românticos como reflexo dos conflitos reais do nosso tempo.

O romantismo tornou-se a primeira tendência artística em que se manifestou claramente a consciência da pessoa criativa como sujeito da atividade artística. Os românticos proclamavam abertamente o triunfo do gosto individual, a total liberdade de criatividade. Dando importância decisiva ao próprio ato criativo, destruindo os obstáculos que impediam a liberdade do artista, eles equacionavam ousadamente o alto e o baixo, o trágico e o cômico, o ordinário e o inusitado. O romantismo capturou todas as esferas da cultura espiritual: literatura, música, teatro, filosofia, estética, filologia e outras humanidades, artes plásticas. Mas, ao mesmo tempo, não era mais o estilo universal que era o classicismo. Ao contrário deste último, o romantismo quase não teve formas estatais de expressão (portanto, não afetou significativamente a arquitetura, influenciando principalmente a arquitetura de jardins e parques, a arquitetura de pequenas formas e a direção do chamado pseudo-gótico). Sendo não tanto um estilo como um movimento artístico social, o romantismo abriu caminho para o desenvolvimento da arte no século XIX, que ocorreu não na forma de estilos abrangentes, mas na forma de correntes e direções separadas. Além disso, pela primeira vez no romantismo, a linguagem das formas artísticas não foi completamente repensada: até certo ponto, os fundamentos estilísticos do classicismo foram preservados, significativamente modificados e repensados ​​em países individuais (por exemplo, na França). Ao mesmo tempo, dentro da estrutura de uma única direção estilística, o estilo individual do artista recebeu maior liberdade de desenvolvimento.

Desenvolvendo-se em muitos países, o romantismo em todos os lugares adquiriu uma identidade nacional vívida, devido às condições históricas reais e às tradições nacionais. Os primeiros sinais de romantismo apareceram quase simultaneamente em diferentes países. No final do século XVIII - início do século XIX. as características do romantismo já são inerentes em vários graus: na Grã-Bretanha - nas pinturas e obras gráficas do suíço J. G. Fuseli, em que um grotesco sombrio e sofisticado rompe a clareza classicista das imagens, e na obra do poeta e o artista W. Blake, imbuído de visionário místico; na Espanha - as obras tardias de F. Goya, cheias de fantasia desenfreada e pathos trágico, um protesto apaixonado contra a humilhação nacional; na França - os retratos heroicamente excitados de J. L. David criados nos anos revolucionários, as primeiras composições dramáticas tensas e os retratos de A. J. Gros, as obras de P. P. Prudhon imbuídas de um lirismo sonhador, um tanto exaltado, e também combinando contraditoriamente tendências românticas com métodos acadêmicos para as obras de F. Gerard.

A escola de romantismo mais consistente desenvolveu-se na França durante a Restauração e a Monarquia de Julho em uma luta obstinada contra o dogmatismo e o racionalismo abstrato do classicismo acadêmico tardio. Protestando contra a opressão e a reação, muitos representantes do romantismo francês estavam direta ou indiretamente ligados aos movimentos sociais da primeira metade do século XIX. e muitas vezes ascendeu ao revolucionarismo genuíno, que determinou a natureza efetiva e jornalística do romantismo na França. Os artistas franceses estão reformando meios pictóricos e expressivos: dinamizam a composição, combinando formas com movimento rápido, usam cores brilhantes e saturadas baseadas em contrastes de luz e sombra, tons quentes e frios, recorrem a uma maneira de pintar brilhante e leve, muitas vezes generalizada. Na obra do fundador da escola romântica, T. Géricault, que ainda mantinha uma gravitação em torno de imagens classicistas heroicas generalizadas, pela primeira vez na arte francesa, um protesto contra a realidade circundante e um desejo de responder aos eventos excepcionais de nosso tempo, que em suas obras encarnam o trágico destino da França moderna, são expressos. Na década de 1820 E. Delacroix tornou-se o chefe reconhecido da escola romântica. O sentimento de pertencimento aos grandes eventos históricos que estão mudando a face do mundo, o apelo a temas dramáticos climáticos deram origem ao pathos e à intensidade dramática de suas melhores obras. No retrato, o principal para os românticos era a identificação de personagens vívidos, a tensão da vida espiritual, o movimento fugaz dos sentimentos humanos; na paisagem - admiração pela força da natureza, inspirada nos elementos do universo. Para os gráficos do romantismo francês, a criação de novas formas de massa em litografia e xilogravuras de livros (N. T. Charlet, A. Deveria, J. Gigoux, mais tarde Granville, G. Dore) é indicativa. As tendências românticas também são inerentes ao trabalho do maior artista gráfico O. Daumier, mas se manifestaram de forma especialmente forte em sua pintura. Os mestres da escultura romântica (P. J. David d "Angers, A. L. Bari, F. Ryud) passaram de composições estritamente tectônicas para uma interpretação livre das formas, da impassibilidade e grandeza calma da plasticidade clássica ao movimento violento.

Na obra de muitos românticos franceses, as tendências conservadoras do romantismo também apareceram (idealização, individualismo da percepção, transformando-se em desesperança trágica, apologia à Idade Média etc.), o que levou à afetação religiosa e à glorificação aberta da monarquia ( E. Deveria, A. Schaeffer, etc.). Princípios formais separados do romantismo também foram amplamente utilizados por representantes da arte oficial, que os combinaram ecleticamente com os métodos do academismo (as pinturas históricas melodramáticas de P. Delaroche, as obras cerimoniais e de batalha superficialmente espetaculares de O. Vernet, E. Meissonier, e outros).

O destino histórico do romantismo na França foi complexo e ambíguo. Nas obras tardias de seus principais representantes, as tendências realistas se manifestam claramente, em parte já embutidas no próprio conceito romântico da especificidade do real. Por outro lado, os primeiros trabalhos dos representantes do realismo na arte francesa, C. Corot, os mestres da escola de Barbizon, G. Courbet, J. F. Millet, E. Manet, foram capturados em graus variados por tendências românticas. O misticismo e o alegorismo complexo, às vezes inerentes ao romantismo, encontraram continuidade no simbolismo (G. Moreau e outros); alguns traços característicos da estética do romantismo reapareceram na arte do "moderno" e do pós-impressionismo.

Ainda mais complexo e controverso foi o desenvolvimento do romantismo na Alemanha e na Áustria. O romantismo alemão primitivo, que se caracteriza pela atenção atenta a tudo nitidamente individual, tom melancólico-contemplativo da estrutura figurativo-emocional, humores místico-panteístas, está associado principalmente a pesquisas no campo do retrato e das composições alegóricas (F. O. Runge), como bem como paisagem (K (D. Friedrich, I. A. Kokh). Idéias religioso-patriarcais, o desejo de reviver o espírito religioso e as características estilísticas da pintura italiana e alemã do século XV. alimentou a criatividade dos nazarenos (F. Overbeck, J. Schnorr von Karolsfeld, P. Cornelius e outros), cuja posição se tornou especialmente conservadora em meados do século XIX. Os artistas da escola de Düsseldorf, até certo ponto próximos do romantismo, foram caracterizados, além de cantar o idílio medieval no espírito da poesia romântica moderna, sentimentalismo e enredo divertido. Uma espécie de fusão dos princípios do romantismo alemão, muitas vezes propenso a poetizar o realismo "burguês" ordinário e específico, foi o trabalho de representantes do Biedermeier (F. Waldmüller, I. P. Hasenklewer, F. Kruger), bem como K. Blechen . A partir do segundo terço do século XIX. a linha do romantismo alemão continuou, por um lado, na pomposa pintura de salão-acadêmica de W. Kaulbach e K. Piloty, e por outro lado, nas obras épicas e alegóricas de L. Richter e gênero-narrativa, câmara -obras sonoras de K. Spitzweg e M. von Schwind. A estética romântica determinou em grande parte a formação da obra de A. von Menzel, mais tarde o maior representante do realismo alemão no século XIX. Assim como na França, o romantismo alemão tardio (em maior medida que o francês, que absorveu as características do naturalismo, e depois "moderno") até o final do século XIX. juntou-se ao simbolismo (H. Thoma, F. von Stuck e M. Klinger, suíço A. Böcklin).

na Grã-Bretanha na primeira metade do século XIX. alguma proximidade com o romantismo francês e ao mesmo tempo originalidade, uma acentuada tendência realista marcou as paisagens de J. Constable e R. Bonington, a ficção romântica e a busca de novos meios expressivos - as paisagens de W. Turner. Aspirações religiosas e místicas, apego à cultura da Idade Média e do Renascimento, bem como esperanças de renascimento do trabalho artesanal, distinguiram o movimento pré-rafaelita romântico tardio (D. G. Rossetti, J. E. Milles, X. Hunt, E. Burne-Jones, etc.).

nos Estados Unidos ao longo do século XIX. a direção romântica foi representada principalmente pela paisagem (T. Kohl, J. Inness, A. P. Ryder). A paisagem romântica também se desenvolveu em outros países, mas o principal conteúdo do romantismo naqueles países da Europa onde a autoconsciência nacional estava despertando era o interesse pelo patrimônio cultural e artístico local, temas da vida popular, história nacional e luta de libertação. Tal é o trabalho de G. Wappers, L. Galle, X. Leys e A. Wirtz na Bélgica, F. Ayes, D. e J. Induno, J. Carnevali e D. Morelli na Itália, D. A. Siqueira em Portugal, representantes costumbrismo na América Latina, I. Manes e I. Navratil na República Tcheca, M. Barabash e V. Madaras na Hungria, A. O. Orlovsky, P. Michalovsky, X. Rodakovsky e o falecido romântico J. Matejko na Polônia. O movimento romântico nacional nos países eslavos, Escandinávia e Estados Bálticos contribuiu para a formação e fortalecimento das escolas de arte locais.

Na Rússia, o romantismo se manifestou em vários graus no trabalho de muitos mestres - na pintura e nos gráficos de A. O. Orlovsky, que se mudou para São Petersburgo, nos retratos de O. A. Kiprensky e, até certo ponto, V. A. Tropinin. O romantismo teve uma influência significativa na formação da paisagem russa (o trabalho de Sylv. F. Shchedrin, Vorobyov M. N., M. I. Lebedev; obras do jovem I. K. Aivazovsky). As características do romantismo foram combinadas de forma inconsistente com o classicismo nas obras de K. P. Bryullov, F. A. Bruni, F. P. Tolstoy; ao mesmo tempo, os retratos de Bryullov são uma das expressões mais vívidas dos princípios do romantismo na arte russa. Até certo ponto, o romantismo afetou a pintura de P. A. Fedotov e A. A. Ivanov.

Romantismo na Arquitetura.

Um dos maiores eventos da história mundial - Excelente francês revolução- tornou-se um momento decisivo não só na vida política, mas também na vida cultural de todo o mundo. No final do século XVIII - primeira metade do século XIX na América e na Europa, o romantismo tornou-se a tendência estilística dominante na arte.

A Era do Iluminismo terminou com a Grande Revolução Burguesa. Junto com isso, a sensação de estabilidade, ordem e calma desapareceu. As idéias recém-proclamadas de fraternidade, igualdade e liberdade instilaram otimismo e fé sem limites no futuro, e uma reviravolta tão aguda - medo e uma sensação de insegurança. O passado parecia ser aquela ilha salvadora onde reinavam a bondade, a decência, a sinceridade e, mais importante, a constância. Assim, na idealização do passado e na busca pelo lugar da pessoa no vasto mundo, nasce o romantismo.

O florescimento do romantismo na arquitetura está associado ao uso de novos desenhos, métodos e materiais de construção. Várias estruturas metálicas aparecem, pontes são construídas. Tecnologias para a produção barata de ferro e aço foram desenvolvidas.

O romantismo nega a simplicidade das formas arquitetônicas, oferecendo diversidade, liberdade e silhuetas complexas. A simetria perde sua importância primordial.

O estilo atualiza a camada cultural mais rica dos países estrangeiros, que por muito tempo esteve longe dos europeus. Não apenas a arquitetura grega e romana antiga, mas também outras culturas são reconhecidas como valiosas. A arquitetura gótica torna-se a base do romantismo. É dada especial atenção à arquitetura oriental. Há uma consciência da necessidade de proteger e reviver os monumentos culturais de épocas passadas.

O romantismo é caracterizado por borrar as fronteiras entre natural e artificial: parques, reservatórios artificiais e cachoeiras são projetados. Os prédios são cercados por arcos, mirantes, imitações de torres antigas. O romantismo prefere cores pastel.

O romantismo nega regras e cânones; não tem tabus estritos ou elementos estritamente obrigatórios. Os principais critérios são a liberdade de expressão, maior atenção à personalidade humana, liberdade criativa.

Em um interior moderno, o romantismo é entendido como um apelo às formas folclóricas e materiais naturais - forjamento, pedra selvagem, madeira bruta, mas tal estilização não tem nada a ver com a direção arquitetônica da virada dos séculos XVIII para XIX.

Romantismo na Pintura.

Se a França foi o ancestral do classicismo, então “para encontrar as raízes da escola romântica”, escreveu um de seus contemporâneos, “deveríamos ir à Alemanha. Ela nasceu lá, e lá os românticos italianos e franceses modernos formaram seus gostos.

A Alemanha fragmentada não conhecia o levante revolucionário. Muitos dos românticos alemães eram estranhos ao pathos das ideias sociais avançadas. Eles idealizaram a Idade Média. Eles se renderam a impulsos espirituais inexplicáveis, falaram sobre o abandono da vida humana. A arte de muitos deles era passiva e contemplativa. Eles criaram seus melhores trabalhos no campo da pintura de retratos e paisagens.

Foi um excelente retratista Otto Runge(1777-1810). Retratos deste mestre, com calma exterior, surpreendem com uma vida interior intensa e intensa.

A imagem do poeta romântico é vista por Runge em " auto-retrato". Ele se examina cuidadosamente e vê um jovem de cabelos escuros, olhos escuros, sério, cheio de energia, pensativo e de força de vontade. O artista romântico quer conhecer a si mesmo. A forma de execução do retrato é rápida e arrebatadora, como se a energia espiritual do criador já devesse ser transmitida na textura da obra; em uma faixa colorida escura, aparecem contrastes de claro e escuro. O contraste é uma técnica pictórica característica dos mestres românticos.

Para captar o jogo mutável dos humores de uma pessoa, para examinar sua alma, um artista de um armazém romântico sempre tentará. E, a esse respeito, os retratos infantis servirão de material fértil para ele. NO " Retrato crianças Huelsenbeck” (1805) Runge não apenas transmite a vivacidade e o imediatismo do caráter de uma criança, mas também encontra uma recepção especial para um humor brilhante. O fundo da imagem é uma paisagem, que atesta não apenas o dom colorístico do artista, atitude admiradora em relação à natureza, mas também o surgimento de novos problemas na reprodução magistral das relações espaciais, tons claros de objetos ao ar livre. Um mestre romântico, desejando fundir seu “eu” com as extensões do Universo, se esforça para capturar a aparência sensualmente tangível da natureza. Mas com essa sensualidade da imagem, ele prefere ver o símbolo do grande mundo, “a ideia do artista”.

Runge, um dos primeiros artistas românticos, se propôs a sintetizar as artes: pintura, escultura, arquitetura, música. O artista fantasia, reforçando seu conceito filosófico com as ideias do famoso pensador alemão da primeira metade do século XVII. Jacob Boehme. O mundo é uma espécie de todo místico, cada partícula do qual expressa o todo. Essa ideia está relacionada aos românticos de todo o continente europeu.

Outro proeminente pintor romântico alemão Gaspar Davi Frederico(1774-1840) preferiu a paisagem a todos os outros gêneros e pintou ao longo de sua vida apenas quadros da natureza. O principal motivo do trabalho de Friedrich é a ideia da unidade do homem e da natureza.

“Ouça a voz da natureza que fala dentro de nós”, o artista instrui seus alunos. O mundo interior de uma pessoa personifica a infinidade do Universo, portanto, tendo ouvido a si mesmo, uma pessoa é capaz de compreender as profundezas espirituais do mundo.

A posição de escuta determina a principal forma de “comunicação” de uma pessoa com a natureza e sua imagem. Esta é a grandeza, mistério ou iluminação da natureza e o estado consciente do observador. É verdade que muitas vezes Friedrich não permite que a figura “entre” no espaço paisagístico de suas pinturas, mas na sutil penetração da estrutura figurativa das extensas extensões, a presença de um sentimento, a experiência de uma pessoa é sentida. O subjetivismo na representação da paisagem chega à arte apenas com a obra dos românticos, prenunciando a revelação lírica da natureza pelos mestres da segunda metade do século 19. Pesquisadores notam nas obras de Friedrich a “expansão do repertório” de motivos paisagísticos. O autor está interessado no mar, nas montanhas, nas florestas e nas várias tonalidades do estado da natureza em diferentes épocas do ano e do dia.

1811-1812 marcada pela criação de uma série de paisagens de montanha como resultado da viagem do artista à serra. ” Manhã dentro montanhas” representa pitorescamente uma nova realidade natural, nascida nos raios do sol nascente. Tons roxo-rosados ​​os envolvem e os privam de volume e gravidade material. Os anos da batalha com Napoleão (1812-1813) transformam Friedrich em temas patrióticos. Ilustrando, inspirado no drama de Kleist, escreve “ Cova Arminia” - uma paisagem com os túmulos de antigos heróis germânicos.

Friedrich era um mestre sutil de marinhas: “ Idades” , “ Nascer do sol lua acima de pelo mar” , ” Ruína “ esperanças” dentro gelo” .

As últimas obras do artista - “ Relaxamento no campo” , “ grande pântano” e “ Memória cerca de gigantesco montanhas” , ” gigantesco as montanhas” - uma série de cadeias de montanhas e pedras em primeiro plano escurecido. Isso, aparentemente, é um retorno ao sentimento experimentado da vitória de uma pessoa sobre si mesma, a alegria da ascensão ao “topo do mundo”, o desejo de alturas brilhantes e inconquistadas. Os sentimentos do artista compõem de maneira especial essas massas montanhosas, e novamente se lê o movimento da escuridão dos primeiros passos para a luz futura. O pico da montanha ao fundo é destacado como o centro das aspirações espirituais do mestre. A imagem é muito associativa, como qualquer obra dos românticos, e envolve diferentes níveis de leitura e interpretação.

Friedrich é muito preciso no desenho, musicalmente harmonioso na construção rítmica de suas pinturas, nas quais tenta falar através das emoções da cor e dos efeitos de luz. “Muitos recebem pouco, poucos recebem muito. Cada um abre a alma da natureza de uma maneira diferente. Portanto, ninguém ousa transferir sua experiência e suas regras para outro como uma lei incondicional obrigatória. Ninguém é a medida de todos. Todo mundo carrega dentro de si uma medida apenas para si e para naturezas mais ou menos afins a si mesmo ”, esta reflexão do mestre prova a incrível integridade de sua vida interior e criatividade. A singularidade do artista é palpável apenas na liberdade de seu trabalho - o romântico Friedrich se apoia nisso.

Mais formal parece ser o afastamento dos artistas - "clássicos" - representantes do classicismo de outro ramo da pintura romântica na Alemanha - Nazarenos. Fundada em Viena e radicada em Roma (1809-1810), a “União de São Lucas” uniu os mestres com a ideia de reviver a arte monumental das questões religiosas. A Idade Média foi um período favorito da história para os românticos. Mas em sua busca artística, os nazarenos se voltaram para as tradições da pintura do início da Renascença na Itália e na Alemanha. Overbeck e Geforr foram os iniciadores de uma nova aliança, que mais tarde se juntou a Cornelius, Schnoff von Karolsfeld, Veit Fürich.

O movimento dos nazarenos correspondia às suas próprias formas de oposição aos acadêmicos classicistas na França, Itália e Inglaterra. Por exemplo, na França, os chamados artistas “primitivos” surgiram da oficina de David, e na Inglaterra, os pré-rafaelitas. No espírito da tradição romântica, eles consideravam a arte “uma expressão do tempo”, “o espírito do povo”, mas suas preferências temáticas ou formais, que a princípio soavam como um slogan de unificação, depois de um tempo se tornaram nos mesmos princípios doutrinários que os da Academia, que eles negaram.

A arte do romantismo na França desenvolveu-se de maneira especial. A primeira coisa que o distinguiu de movimentos semelhantes em outros países foi seu caráter ativo, ofensivo ("revolucionário"). Poetas, escritores, músicos, artistas defenderam suas posições não apenas criando novas obras, mas também participando de polêmicas em revistas e jornais, o que é caracterizado pelos pesquisadores como uma “batalha romântica”. Os famosos V. Hugo, Stendhal, George Sand, Berlioz e muitos outros escritores, compositores e jornalistas franceses “afiaram suas penas” em controvérsias românticas.

A pintura romântica na França surge como uma oposição à escola classicista de David, a arte acadêmica, referida como a “escola” em geral. Mas isso deve ser entendido em um sentido mais amplo: foi uma oposição à ideologia oficial da época reacionária, um protesto contra suas limitações pequeno-burguesas. Daí a patética natureza das obras românticas, a sua excitação nervosa, a atração por motivos exóticos, por tramas históricas e literárias, por tudo o que possa afastar a “obscuridade do quotidiano”, daí este jogo de imaginação e, por vezes, pelo contrário, devaneios e uma completa falta de atividade.

Os representantes da “escola”, os acadêmicos, rebelaram-se, em primeiro lugar, contra a linguagem dos românticos: sua excitada coloração quente, sua modelagem da forma, não aquela familiar aos “clássicos”, estatuária-plástica, mas construído em fortes contrastes de manchas de cor; seu desenho expressivo, recusando-se deliberadamente a ser preciso; sua composição ousada, às vezes caótica, desprovida de majestade e calma inabalável. Ingres, o inimigo implacável dos românticos, até o fim de sua vida disse que Delacroix "escreve com uma vassoura louca", e Delacroix acusou Ingres e todos os artistas da "escola" de frieza, racionalidade, falta de movimento, que eles não escrevem, mas "pintam" suas pinturas. Mas este não foi um simples choque de duas personalidades brilhantes e completamente diferentes, foi uma luta entre duas visões de mundo artísticas diferentes.

Essa luta durou quase meio século, o romantismo na arte não venceu fácil e não imediatamente, e o primeiro artista dessa tendência foi Teodoro geral(1791-1824) - um mestre das formas monumentais heróicas, que combinou em sua obra tanto características classicistas quanto características do próprio romantismo e, finalmente, um poderoso começo realista que teve um enorme impacto na arte do realismo em meados do século XX. século 19. Mas durante sua vida ele foi apreciado apenas por alguns amigos íntimos.

O nome de Theodore Zhariko está associado aos primeiros sucessos brilhantes do romantismo. Já em suas primeiras pinturas (retratos de militares, imagens de cavalos), os ideais antigos retrocederam diante da percepção direta da vida.

No salão em 1812 Géricault mostra uma foto “ Policial imperial equestre guardas dentro Tempo ataques”. Era o ano do apogeu da glória de Napoleão e do poder militar da França.

A composição da imagem apresenta o cavaleiro em uma perspectiva inusitada do momento “súbito” em que o cavalo empinou, e o cavaleiro, segurando a posição quase vertical do cavalo, virou-se para o espectador. A imagem de tal momento de instabilidade, a impossibilidade de postura potencializa o efeito do movimento. O cavalo tem um ponto de apoio, ele deve cair no chão, ferrar na luta que o trouxe a tal estado. Muita coisa convergiu neste trabalho: a fé incondicional de Géricault na possibilidade de uma pessoa possuir seus próprios poderes, o amor apaixonado por representar cavalos e a coragem de um mestre noviço em mostrar o que só a música ou a linguagem da poesia podiam transmitir - a emoção de uma batalha, o início de um ataque, a tensão final de um ser vivo. O jovem autor construiu sua imagem na transmissão da dinâmica do movimento, e era importante para ele colocar o espectador para “adivinhar” o que ele queria retratar.

A França praticamente não tinha tradições dessa dinâmica da narrativa pictórica do romance, exceto talvez nos relevos dos templos góticos, porque quando Géricault chegou à Itália pela primeira vez, ficou impressionado com o poder oculto das composições de Michelangelo. “Eu tremi”, escreve ele, “duvidei de mim mesmo e por muito tempo não consegui me recuperar dessa experiência”. Mas Stendhal apontou Michelangelo como o precursor de uma nova tendência estilística na arte ainda mais cedo em seus artigos polêmicos.

A pintura de Géricault anunciava não apenas o nascimento de um novo talento artístico, mas também prestava homenagem à paixão e decepção do autor com as ideias de Napoleão. Existem vários outros trabalhos relacionados a este tema: Policial carabinieri”, “ Policial couraceiro antes da ataque”, “ Retrato carabinieri”, “ Ferido couraceiro”.

No tratado “Reflexão sobre o estado da pintura na França”, ele escreve que “o luxo e as artes se tornaram... uma necessidade e, por assim dizer, alimento para a imaginação, que é a segunda vida de uma pessoa civilizada. .. Não sendo uma questão de primeira necessidade, as artes só aparecem quando as necessidades essenciais são satisfeitas e quando a abundância vem. Um homem, livre das preocupações cotidianas, começou a buscar prazeres para se livrar do tédio, que inevitavelmente o ultrapassaria em meio ao contentamento.

Tal compreensão do papel educacional e humanístico da arte foi demonstrada por Géricault após retornar da Itália em 1818 - ele começa a se dedicar à litografia, replicando uma variedade de tópicos, incluindo a derrota de Napoleão ( “ Retornar a partir de Rússia” ).

Ao mesmo tempo, o artista se volta para a imagem da morte da fragata "Medusa" na costa da África, que agitou muito a sociedade. O desastre ocorreu por culpa de um capitão inexperiente, nomeado para o cargo sob patrocínio. Os passageiros sobreviventes do navio, o cirurgião Savigny e o engenheiro Correar, falaram detalhadamente sobre o acidente.

O navio moribundo conseguiu jogar fora a jangada, na qual um punhado de pessoas resgatadas chegou. Por doze dias eles foram carregados ao longo do mar revolto, até encontrarem a salvação - o navio "Argus".

Géricault estava interessado na situação de tensão máxima da força espiritual e física humana. A pintura mostrava 15 passageiros sobreviventes em uma balsa quando viram o Argus no horizonte. “ Jangada “ Medusa” foi o resultado de um longo trabalho preparatório do artista. Ele fez muitos esboços do mar revolto, retratos de pessoas resgatadas no hospital. A princípio, Géricault queria mostrar a luta das pessoas em uma jangada umas com as outras, mas depois se estabeleceu no comportamento heróico dos vencedores do elemento mar e da negligência do estado. As pessoas suportaram corajosamente o infortúnio, e a esperança da salvação não os deixou: cada grupo na jangada tem suas próprias características. Na construção da composição, Géricault elege um ponto de vista de cima, que lhe permitiu combinar a cobertura panorâmica do espaço (distâncias marítimas) e retratar, aproximando todos os habitantes da jangada do primeiro plano. A clareza do ritmo do crescimento da dinâmica de grupo para grupo, a beleza dos corpos nus, a cor escura da imagem dão uma certa nota de convencionalidade da imagem. Mas esse não é o ponto para o espectador perceptivo, para quem a convencionalidade da linguagem ajuda até mesmo a entender e sentir o principal: a capacidade de uma pessoa lutar e vencer.

A inovação de Géricault abriu novas oportunidades para transmitir o movimento que preocupava os românticos, os sentimentos subjacentes de uma pessoa, a expressividade textural colorida da imagem.

O herdeiro de Géricault em sua busca foi Eugênio Delacroix. É verdade que Delacroix teve o dobro de sua vida útil e conseguiu não apenas provar a correção do romantismo, mas também abençoar a nova direção da pintura da segunda metade do século XIX. - impressionismo.

Antes de começar a escrever por conta própria, Eugene estudou na escola Lerain: pintou da vida, copiou os grandes Rubens, Rembrandt, Veronese, Ticiano no Louvre ... O jovem artista trabalhava de 10 a 12 horas por dia. Lembrou-se das palavras do grande Michelangelo: “A pintura é uma amante ciumenta, exige a pessoa inteira…”

Delacroix, após as performances de demonstração de Géricault, estava bem ciente de que o tempo de fortes convulsões emocionais havia chegado na arte. Primeiro, ele tenta compreender uma nova era para ele por meio de tramas literárias conhecidas. Sua pintura “ Dante e Virgílio” , apresentado no salão de 1822, é uma tentativa através das imagens associativas históricas de dois poetas: a antiguidade - Virgílio e o Renascimento - Dante - de olhar para um caldeirão fervente, o "inferno" da era moderna. Uma vez em sua "Divina Comédia", Dante tomou as terras de Virgílio como escolta em todas as esferas (céu, inferno, purgatório). Na obra de Dante, um novo mundo renascentista surgiu ao vivenciar a memória da antiguidade na Idade Média. Símbolo do romântico como síntese da antiguidade, o Renascimento e a Idade Média surgiram no “horror” das visões de Dante e Virgílio. Mas a complexa alegoria filosófica acabou sendo uma boa ilustração emocional da era pré-renascentista e uma obra-prima literária imortal.

Delacroix tentará encontrar uma resposta direta no coração de seus contemporâneos através de sua própria dor. Os jovens daquela época, ardendo de liberdade e ódio pelos opressores, simpatizam com a guerra de libertação da Grécia. O romântico bardo da Inglaterra, Byron, vai lá lutar. Delacroix vê o significado da nova era na representação de um evento histórico mais específico - a luta e o sofrimento da Grécia amante da liberdade. Ele se detém na trama da morte da população da ilha grega de Quios, capturada pelos turcos. No Salão de 1824, Delacroix mostra uma pintura “ Massacre no ilha Escolha”. Contra o pano de fundo da interminável extensão de terreno montanhoso, que ainda grita com a fumaça de conflagrações e batalhas incessantes, o artista mostra vários grupos de mulheres e crianças feridas e exaustas. Eles tiveram os últimos minutos de liberdade antes da aproximação dos inimigos. O turco em um cavalo empinado à direita parece pairar sobre todo o primeiro plano e a multidão de sofredores que estão lá. Corpos lindos, rostos de gente cativada. A propósito, Delacroix escreverá mais tarde que a escultura grega foi transformada por artistas em hieróglifos que escondiam a verdadeira beleza grega do rosto e da figura. Mas, revelando a “beleza da alma” nos rostos dos gregos derrotados, o pintor dramatiza tanto os acontecimentos que, para manter um único ritmo dinâmico de tensão, vai à deformação dos ângulos das figuras. Esses "erros" já foram "resolvidos" pela obra de Géricault, mas Delacroix mais uma vez demonstra o credo romântico de que a pintura "não é a verdade de uma situação, mas a verdade de um sentimento".

Em 1824, Delacroix perdeu seu amigo e professor, Géricault. E ele se tornou o líder da nova pintura.

Anos se passaram. Uma a uma, as fotos foram aparecendo: “ Grécia no ruínas Missalungi”, “ Morte Sardanapal” e outros.O artista tornou-se um pária nos círculos dos pintores. Mas a Revolução de Julho de 1830 mudou a situação. Ela inflama o artista com o romance de vitórias e realizações. Ele pinta um quadro “ liberdade no barricadas”.

Em 1831, no Salão de Paris, os franceses viram pela primeira vez esta pintura, dedicada aos "três dias gloriosos" da Revolução de Julho de 1830. A tela impressionou os contemporâneos com o poder, a democracia e a coragem da decisão artística. Segundo a lenda, um respeitável burguês exclamou: “Você diz - o chefe da escola? Diga-me melhor - o chefe da rebelião! Após o fechamento do Salão, o governo, assustado com o apelo ameaçador e inspirador que emanava do quadro, apressou-se em devolvê-lo ao autor. Durante a revolução de 1848, foi novamente exposto ao público no Palácio de Luxemburgo. E novamente voltou para o artista. Somente depois que a tela foi exibida na Exposição Mundial de Paris em 1855, ela foi parar no Louvre. Uma das melhores criações do romantismo francês é mantida aqui até hoje - um relato inspirado de testemunha ocular e um monumento eterno à luta do povo por sua liberdade.

Que linguagem artística o jovem romântico francês encontrou para fundir esses dois princípios aparentemente opostos - uma generalização ampla e abrangente e uma realidade concreta cruel em sua nudez?

Paris dos famosos dias de julho de 1830. Ao longe, quase imperceptíveis, mas orgulhosamente erguem-se as torres da Catedral de Notre Dame - um símbolo da história, da cultura e do espírito do povo francês. Dali, da cidade enfumaçada, sobre as ruínas das barricadas, sobre os cadáveres dos camaradas mortos, os insurgentes teimosa e resolutamente avançam. Cada um deles pode morrer, mas o passo dos rebeldes é inabalável - eles são inspirados pela vontade de vencer, de liberdade.

Essa força inspiradora está encarnada na imagem de uma bela jovem, em uma explosão apaixonada que a chama. Com energia inesgotável, rapidez de movimento livre e juvenil, ela é como a deusa grega da vitória, Nike. Sua figura forte está vestida com um vestido de chiton, seu rosto com traços perfeitos, com olhos ardentes, está voltado para os rebeldes. Em uma mão ela segura a bandeira tricolor da França, na outra - uma arma. Na cabeça há um boné frígio - um antigo símbolo de libertação da escravidão. Seu passo é rápido e leve - é assim que as deusas andam. Ao mesmo tempo, a imagem de uma mulher é real - ela é filha do povo francês. Ela é a força orientadora por trás do movimento do grupo nas barricadas. Dele, como de uma fonte de luz no centro da energia, irradiam raios, carregados de sede e vontade de vencer. Aqueles que estão próximos a ela, cada um à sua maneira, expressam seu envolvimento neste chamado inspirador.

À direita está um menino, um gamen parisiense, brandindo pistolas. Ele está mais próximo da Liberdade e, por assim dizer, inflamado por seu entusiasmo e alegria de livre impulso. Em um movimento rápido e impaciente de menino, ele está até um pouco à frente de seu inspirador. Este é o antecessor do lendário Gavroche, retratado vinte anos depois por Victor Hugo em Os Miseráveis: “Gavroche, cheio de inspiração, radiante, assumiu a tarefa de colocar tudo em movimento. Ele correu para frente e para trás, levantou-se, caiu, levantou-se novamente, fez barulho, brilhou de alegria. Parece que ele veio aqui para animar a todos. Ele tinha algum motivo para isso? Sim, claro, sua pobreza. Ele tinha asas? Sim, claro, sua alegria. Foi uma espécie de turbilhão. Parecia encher o ar consigo mesmo, estando presente em todos os lugares ao mesmo tempo... Enormes barricadas o sentiam em sua espinha dorsal.

Gavroche na pintura de Delacroix é a personificação da juventude, um "belo impulso", uma aceitação alegre da brilhante ideia de Liberdade. Duas imagens - Gavroche e Liberty - parecem se complementar: uma é um fogo, a outra é uma tocha acesa. Heinrich Heine contou que resposta animada a figura de Gavroche evocou entre os parisienses. "Inferno! exclamou um merceeiro. "Aqueles meninos lutaram como gigantes!"

À esquerda está um estudante com uma arma. Anteriormente, era visto como um autorretrato do artista. Este rebelde não é tão rápido quanto Gavroche. Seu movimento é mais contido, mais concentrado, significativo. As mãos apertam com confiança o cano da arma, o rosto expressa coragem, firme determinação de permanecer até o fim. Esta é uma imagem profundamente trágica. O estudante está ciente da inevitabilidade das perdas que os rebeldes sofrerão, mas as vítimas não o assustam - a vontade de liberdade é mais forte. Atrás dele está um trabalhador igualmente corajoso e resoluto com um sabre. Ferido aos pés da Liberdade. Ele se levanta com dificuldade para olhar novamente para a Liberdade, para ver e sentir com todo o coração aquela beleza pela qual está morrendo. Esta figura traz um início dramático ao som da tela de Delacroix. Se as imagens de Gavroche, Liberty, o estudante, o trabalhador - quase símbolos, a encarnação da vontade inexorável dos combatentes da liberdade - inspiram e chamam o espectador, então o homem ferido clama por compaixão. O homem se despede da Liberdade, se despede da vida. Ele ainda é um impulso, um movimento, mas já um impulso desvanecido.

Sua figura é transitória. O olhar do espectador, ainda fascinado e arrebatado pela determinação revolucionária dos rebeldes, desce ao pé da barricada, coberto com os corpos dos gloriosos soldados mortos. A morte é apresentada pelo artista em toda a nudez e evidência do fato. Vemos os rostos azuis dos mortos, seus corpos nus: a luta é impiedosa, e a morte é uma companheira tão inevitável dos rebeldes quanto a bela inspiradora Liberdade.

Da terrível visão na borda inferior da imagem, novamente levantamos nossos olhos e vemos uma bela figura jovem - não! a vida vence! A ideia de liberdade, encarnada de forma tão visível e tangível, é tão focada no futuro que a morte em seu nome não é terrível.

O artista retrata apenas um pequeno grupo de rebeldes, vivos e mortos. Mas os defensores da barricada parecem extraordinariamente numerosos. A composição é construída de tal forma que o grupo de lutadores não é limitado, não fechado em si mesmo. Ela é apenas parte de uma avalanche interminável de pessoas. O artista dá, por assim dizer, um fragmento do grupo: a moldura do quadro corta as figuras da esquerda, da direita e de baixo.

Normalmente a cor nas obras de Delacroix adquire um som emocional, desempenha um papel dominante na criação de um efeito dramático. As cores, às vezes furiosas, às vezes desbotadas, abafadas, criam uma atmosfera tensa. NO « Liberdade no barricadas» A Delacroix parte deste princípio. Com muita precisão, escolhendo inconfundivelmente a tinta, aplicando-a com traços largos, o artista transmite a atmosfera da batalha.

Mas a gama de cores é restrita. Delacroix se concentra na modelagem em relevo da forma. Isso foi exigido pela solução figurativa da imagem. Afinal, retratando um evento específico de ontem, o artista também criou um monumento a esse evento. Portanto, as figuras são quase esculturais. Portanto, cada personagem, fazendo parte de um todo único da imagem, também constitui algo fechado em si mesmo, representa um símbolo lançado em uma forma completa. Portanto, a cor não afeta apenas emocionalmente os sentimentos do espectador, mas carrega uma carga simbólica. Aqui e ali, uma tríade solene de vermelho, azul e branco pisca no espaço marrom-acinzentado - as cores da bandeira da Revolução Francesa de 1789. A repetição repetida dessas cores sustenta o poderoso acorde da bandeira tricolor sobre as barricadas.

Pintura de Delacroix « liberdade no barricadas» - uma obra complexa e grandiosa em seu escopo. Aqui se combinam a autenticidade do fato visto diretamente e o simbolismo das imagens; realismo, chegando ao naturalismo brutal e beleza ideal; áspero, terrível e sublime, puro.

Quadro “ liberdade no barricadas” consolidou a vitória do romantismo na pintura francesa. Nos anos 30, mais duas pinturas históricas foram pintadas: “ Batalha no Poitiers” e “ Assassinato bispo Liege”.

Em 1822 o artista visitou o norte da África, Marrocos, Argélia. A viagem causou-lhe uma impressão indelével. Nos anos 50, aparecem pinturas em sua obra, inspiradas nas lembranças dessa jornada: ” Caçando no leões”, “ marroquino, selar cavalo” e outras cores contrastantes brilhantes criam um som romântico para essas pinturas. Neles, aparece a técnica do traço largo.

Delacroix, como romântico, registrou o estado de sua alma não apenas na linguagem das imagens pictóricas, mas também na forma literária de seus pensamentos. Descreveu bem o processo de criação do artista romântico, seus experimentos em cores, reflexões sobre a relação entre música e outras formas de arte. Seus diários tornaram-se a leitura favorita dos artistas das gerações subsequentes.

A escola romântica francesa fez progressos significativos no campo da escultura (Rud e seu relevo Marselhesa), pintura de paisagem (Camille Corot com suas imagens da natureza da França ao ar livre).

Graças ao romantismo, a visão subjetiva do artista toma a forma de uma lei. O impressionismo destruirá completamente a barreira entre o artista e a natureza, declarando a arte uma impressão. Os românticos falam da fantasia do artista, "a voz de seus sentimentos", que lhe permite interromper o trabalho quando o mestre o considera necessário, e não conforme exigido pelos padrões acadêmicos de completude.

Se as fantasias de Géricault se concentravam na transferência do movimento, Delacroix - no poder mágico da cor, e os alemães acrescentavam a isso um certo “espírito da pintura”, então os românticos espanhóis no rosto Francisco Goya(1746-1828) mostrou as origens folclóricas do estilo, seu caráter fantasmagórico e grotesco. O próprio Goya e seu trabalho parecem longe de qualquer estrutura estilística, especialmente porque o artista muitas vezes teve que seguir as leis do material da performance (quando, por exemplo, ele fez pinturas para tapetes de treliça) ou as exigências do cliente.

Sua fantasmagoria apareceu na série de gravuras “ caprichos” (1797-1799), “ desastres guerras” (1810-1820), “ Disparantes (“ Loucuras”) (1815-1820), os murais da "Casa dos Surdos" e a Igreja de San Antonio de la Florida em Madrid (1798). Uma doença grave em 1792 levou à surdez completa do artista. A arte do mestre após sofrer um trauma físico e espiritual torna-se mais concentrada, pensativa, internamente dinâmica. O mundo exterior, fechado devido à surdez, ativou a vida espiritual interior de Goya.

Em gravuras “ caprichos” Goya alcança força excepcional na transferência de reações instantâneas, sentimentos impetuosos. O desempenho em preto e branco, graças à combinação ousada de grandes manchas, a ausência de linearidade característica dos gráficos, adquire todas as propriedades de uma pintura.

Murais da Igreja de Santo Antônio em Madri Goya cria, ao que parece, em um só fôlego. O temperamento do traço, o laconismo da composição, a expressividade das características dos personagens, cujo tipo é tomado por Goya diretamente da multidão, são surpreendentes. O artista retrata o milagre de Anthony da Flórida, que fez o homem assassinado ressuscitar e falar, que nomeou o assassino e, assim, salvou da execução o inocente condenado. O dinamismo da multidão que reage brilhantemente é transmitido tanto nos gestos quanto nas expressões faciais dos rostos retratados. No esquema composicional da distribuição das pinturas no espaço da igreja, o pintor segue Tiepolo, mas a reação que ele evoca no espectador não é barroca, mas puramente romântica, afetando o sentimento de cada espectador, chamando-o a voltar-se para ele mesmo.

Acima de tudo, esse objetivo é alcançado na pintura do Conto del Sordo (“Casa dos Surdos”), em que Goya viveu desde 1819. As paredes dos quartos são cobertas com quinze composições de natureza fantástica e alegórica. Percebê-los requer profunda empatia. As imagens surgem como uma espécie de visões de cidades, mulheres, homens, etc. A cor, piscando, puxa uma figura, depois outra. A pintura como um todo é escura, é dominada por manchas brancas, amarelas, vermelho-rosadas, flashes de sentimentos perturbadores. As gravuras da série “ Disparantes” .

Goya passou os últimos 4 anos na França. É improvável que ele soubesse que Delacroix não se separava de seus "Caprichos". E não podia prever como Hugo e Baudelaire se deixariam levar por essas gravuras, que grande influência teria sua pintura sobre Manet, e como nos anos 80 do século XIX. V. Stasov convidará artistas russos para estudar seus "Desastres da Guerra"

Mas nós, diante disso, sabemos o enorme impacto que essa arte “sem estilo” de um ousado realista e inspirado romântico teve na cultura artística dos séculos XIX e XX.

O fantástico mundo dos sonhos é realizado em suas obras do artista romântico inglês William Blake(1757-1827). A Inglaterra era a terra clássica da literatura romântica. Byron, Shelley se tornou a bandeira desse movimento muito além da "nebulosa Albion". Na França, na crítica da revista à época das “batalhas românticas”, os românticos eram chamados de “shakespearianos”. A principal característica da pintura inglesa sempre foi o interesse pela personalidade humana, o que permitiu o desenvolvimento do gênero retrato. O romantismo na pintura está intimamente relacionado ao sentimentalismo. O interesse dos românticos na Idade Média deu origem a uma vasta literatura histórica, cujo mestre reconhecido é W. Scott. Na pintura, o tema da Idade Média determinou o aparecimento dos chamados Pré-Rafaelitas.

William Blake é um tipo incrível de romântico na cena cultural inglesa. Ele escreve poesia, ilustra seus próprios e outros livros. Seu talento procurou abraçar e expressar o mundo em uma unidade holística. Suas obras mais famosas são ilustrações para o bíblico "Livro de Jó", "A Divina Comédia" de Dante, "Paraíso Perdido" de Milton. Ele povoa suas composições com figuras titânicas de heróis, que correspondem ao seu entorno de um mundo irreal iluminado ou fantasmagórico. Uma sensação de orgulho rebelde ou harmonia, difícil de criar a partir de dissonâncias, domina suas ilustrações.

O romantismo de Blake está tentando encontrar sua própria fórmula artística e forma de existência do mundo.

William Blake, tendo vivido uma vida de extrema pobreza e obscuridade, após sua morte foi classificado entre os clássicos da arte inglesa.

Na obra de pintores paisagistas ingleses do início do século XIX. hobbies românticos são combinados com uma visão mais objetiva e sóbria da natureza.

Cria paisagens romanticamente elevadas William torneiro(1775-1851). Ele gostava de retratar tempestades, aguaceiros, tempestades no mar, pôr do sol brilhante e ardente. Turner muitas vezes exagerava os efeitos da iluminação e intensificava o som da cor mesmo quando pintava o estado calmo da natureza. Para maior efeito, utilizou a técnica de aquarela e aplicou tinta a óleo em camada bem fina e pintou diretamente no chão, conseguindo transbordamentos iridescentes. Um exemplo é a imagem “ Chuva, vapor e Rapidez” (1844). Mas mesmo o conhecido crítico da época, Thackeray, não conseguiu entender corretamente, talvez, uma imagem inovadora tanto no design quanto na execução. “A chuva é indicada por manchas de massa de vidraceiro sujas”, escreveu ele, “espalhados na tela com uma espátula, a luz do sol com uma cintilação opaca rompe pedaços muito grossos de cromo amarelo sujo. As sombras são transmitidas por tons frios de kraplak escarlate e manchas de cinábrio de tons suaves. E embora o fogo na fornalha da locomotiva pareça vermelho, não pretendo afirmar que não seja desenhado em cor de cobalto ou ervilha. Outro crítico encontrou na coloração de Turner a cor de "ovos mexidos e espinafre". As cores do falecido Turner geralmente pareciam completamente impensáveis ​​e fantásticas para os contemporâneos. Levou mais de um século para ver neles o grão de observações reais. Mas, como em outros casos, foi aqui. Um curioso relato de uma testemunha ocular, ou melhor, uma testemunha do nascimento de

Arte inglesa de meados do século XIX. desenvolvido em uma direção completamente diferente da pintura de Turner. Embora sua habilidade fosse geralmente reconhecida, nenhum dos jovens o seguiu.

II. Romantismo na pintura russa

O romantismo na Rússia diferia do europeu ocidental em favor de um cenário histórico diferente e uma tradição cultural diferente. A Revolução Francesa não pode ser contada como uma das causas de sua ocorrência; um círculo muito restrito de pessoas tinha esperanças de transformações em seu curso. E os resultados da revolução foram completamente decepcionantes. A questão do capitalismo na Rússia no início do século XIX. não ficou. Portanto, não havia tal motivo. O verdadeiro motivo foi a Guerra Patriótica de 1812, na qual se manifestou todo o poder da iniciativa popular. Mas depois da guerra, o povo não conseguiu o testamento. Os melhores da nobreza, insatisfeitos com a realidade, foram para a Praça do Senado em dezembro de 1825. Esse ato também deixou sua marca na intelectualidade criativa. Os turbulentos anos do pós-guerra tornaram-se o ambiente em que se formou o romantismo russo.

Em suas telas, os pintores românticos russos expressaram o espírito de amor à liberdade, ação ativa, apelou apaixonada e temperamentalmente à manifestação do humanismo. As telas cotidianas dos pintores russos se distinguem pela relevância e psicologismo, expressão inédita. As paisagens espiritualizadas e melancólicas são novamente a mesma tentativa dos românticos de penetrar no mundo humano, de mostrar como uma pessoa vive e sonha no mundo sublunar. A pintura romântica russa era diferente da estrangeira. Isso foi determinado pela situação histórica e pela tradição.

Características da pintura romântica russa:

Ÿ A ideologia iluminista enfraqueceu, mas não entrou em colapso, como na Europa. Portanto, o romantismo não foi pronunciado;

Ÿ o romantismo desenvolveu-se paralelamente ao classicismo, muitas vezes entrelaçando-se com ele;

Ÿ a pintura acadêmica na Rússia ainda não se esgotou;

Ÿ o romantismo na Rússia não era um fenômeno estável, os românticos eram atraídos pelo academicismo. Em meados do século XIX. a tradição romântica quase se extinguiu.

Obras relacionadas ao romantismo começaram a aparecer na Rússia já na década de 1790 (as obras de Feodosy Yanenko " Viajantes, ultrapassado tempestade" (1796), " auto-retrato dentro capacete" (1792). O protótipo é óbvio neles - Salvator Rosa, muito popular na virada dos séculos XVIII e XIX. Mais tarde, a influência desse artista proto-romântico seria perceptível na obra de Alexander Orlovsky. Ladrões, cenas de fogueira, batalhas acompanharam toda a sua carreira. Como em outros países, os artistas pertencentes ao romantismo russo introduziram um clima emocional completamente novo nos gêneros clássicos de retratos, paisagens e cenas de gênero.

Na Rússia, o romantismo começou a se manifestar primeiro no retrato. No primeiro terço do século XIX, em grande parte, ela perdeu contato com a alta aristocracia. Um lugar significativo começou a ser ocupado por retratos de poetas, artistas, patronos da arte, a imagem de camponeses comuns. Esta tendência foi especialmente pronunciada no trabalho de O.A. Kiprensky (1782-1836) e V.A. Tropinina (1776-1857).

Manjericão Andreevich Tropinina esforçou-se por uma caracterização animada e descontraída de uma pessoa, expressa através de seu retrato. « Retrato filho» (1818), « Retrato MAS. A PARTIR DE. Pushkin» (1827), « auto-retrato» (1846) surpreende não com uma semelhança de retrato com os originais, mas com uma penetração extraordinariamente sutil no mundo interior de uma pessoa.

Extraordinariamente interessante história da criação “ Retrato Pushkin”. Como de costume, para o primeiro contato com Pushkin, Tropinin foi à casa de Sobolevsky, onde o poeta morava. O artista o encontrou em seu escritório brincando com cachorrinhos. Ao mesmo tempo, aparentemente, foi escrito de acordo com a primeira impressão, que Tropinin tanto apreciou, um pequeno estudo. Por muito tempo ele permaneceu fora da vista de seus perseguidores. Apenas quase cem anos depois, em 1914, foi publicado por P.M. Shchekotov, que escreveu que de todos os retratos de Alexander Sergeevich, ele “mais transmite suas características ... os olhos azuis do poeta são preenchidos com um brilho especial aqui, a virada da cabeça é rápida e as características faciais são expressivas e móveis . Sem dúvida, aqui são capturados os verdadeiros traços do rosto de Pushkin, que encontramos individualmente em um ou outro dos retratos que chegaram até nós. Resta ficar intrigado - acrescenta Shchekotov - por que esse encantador estudo não recebeu a devida atenção dos editores e conhecedores do poeta. Isso se explica pelas próprias qualidades do pequeno esboço: não havia o brilho das cores, nem a beleza da pincelada, nem “rotundas” magistralmente escritas nele. E Pushkin aqui não é uma "vitia" popular, nem um "gênio", mas, acima de tudo, um homem. E dificilmente é passível de análise por que um conteúdo humano tão grande está contido na escala monocromática verde-acinzentada, verde-oliva, nas precipitadas, como se pinceladas aleatórias de um estudo de aparência quase indescritível.

No início do século 19, Tver era um importante centro cultural da Rússia. Aqui é jovem Orestes Kiprensky conheceu A.S. Pushkin, cujo retrato, pintado mais tarde, tornou-se a pérola da arte do retrato mundial. " Retrato Pushkin» os pincéis de O. Kiprensky são a personificação viva de um gênio poético. Na virada resoluta da cabeça, nos braços cruzados vigorosamente sobre o peito, toda a aparência do poeta revela uma sensação de independência e liberdade. Foi sobre ele que Pushkin disse: “Eu me vejo como em um espelho, mas esse espelho me lisonjeia”. No trabalho sobre o retrato de Pushkin, Tropinin e Kiprensky se encontram pela última vez, embora esse encontro não ocorra pessoalmente, mas muitos anos depois na história da arte, onde, via de regra, dois retratos do maior poeta russo são comparados, criados simultaneamente, mas em lugares diferentes - um em Moscou, o outro - em São Petersburgo. Agora este é um encontro de mestres igualmente grandes em seu significado para a arte russa. Embora os admiradores de Kiprensky afirmem que as vantagens artísticas estão do lado de seu retrato romântico, onde o poeta se apresenta imerso em seus próprios pensamentos, sozinho com sua musa, a nacionalidade e a democracia da imagem estão definitivamente do lado do "Pushkin" de Tropinin .

Assim, os dois retratos refletiam duas áreas da arte russa, concentradas em duas capitais. E críticos posteriores escreverão que Tropinin foi para Moscou o que Kiprensky foi para São Petersburgo.

Uma característica distintiva dos retratos de Kiprensky é que eles mostram o charme espiritual e a nobreza interior de uma pessoa. O retrato de um herói, corajoso e de forte sentimento, deveria encarnar o pathos dos humores patrióticos e amante da liberdade de uma pessoa russa avançada.

em frente “ Retrato E. NO. Davydov” (1809) mostra a figura de um oficial, que manifestava diretamente a expressão daquele culto de personalidade forte e corajosa, tão típico do romantismo daqueles anos. A paisagem fragmentada, onde um raio de luz luta com a escuridão, sugere as ansiedades espirituais do herói, mas em seu rosto há um reflexo de sensibilidade sonhadora. Kiprensky estava procurando o "humano" em uma pessoa, e o ideal não obscurecia dele os traços pessoais do personagem do modelo.

Retratos de Kiprensky, se você os olhar com os olhos da mente, mostram a riqueza espiritual e natural de uma pessoa, sua força intelectual. Sim, ele tinha um ideal de personalidade harmoniosa, como falavam seus contemporâneos, mas Kiprensky não procurou literalmente projetar esse ideal em uma imagem artística. Ao criar uma imagem artística, ele partiu da natureza, como se medisse o quão longe ou perto ela está de tal ideal. De fato, muitos daqueles retratados por ele estão às vésperas do ideal, lutando por ele, enquanto o próprio ideal, de acordo com as ideias da estética romântica, é dificilmente alcançável, e toda arte romântica é apenas um caminho para ele.

Observando as contradições na alma de seus heróis, mostrando-as nos momentos ansiosos da vida, quando o destino muda, velhas ideias se desfazem, a juventude vai embora, etc., Kiprensky parece estar vivenciando junto com seus modelos. Daí o especial envolvimento do retratista na interpretação das imagens artísticas, o que confere ao retrato um tom “sincero”.

No período inicial da criatividade em Kiprensky você não verá rostos infectados com ceticismo, análise que corrói a alma. Isso virá mais tarde, quando o tempo romântico sobreviver ao seu outono, dando lugar a outros humores e sentimentos, quando as esperanças do triunfo do ideal de uma personalidade harmoniosa desmoronar. Em todos os retratos de 1800 e nos retratos executados em Tver, Kiprensky mostra um pincel arrojado, construindo uma forma fácil e livremente. A complexidade das técnicas, a natureza da figura mudou de trabalho para trabalho.

Vale ressaltar que você não verá exaltação heróica nos rostos de seus heróis, pelo contrário, a maioria dos rostos é bastante triste, eles se entregam a reflexões. Parece que essas pessoas estão preocupadas com o destino da Rússia, pensam mais no futuro do que no presente. Nas imagens femininas representando esposas, irmãs de participantes de eventos significativos, Kiprensky também não se esforçou por uma exaltação heróica deliberada. A sensação de facilidade, naturalidade prevalece. Ao mesmo tempo, em todos os retratos há tanta verdadeira nobreza da alma. As imagens das mulheres atraem com sua dignidade modesta, integridade da natureza; nos rostos dos homens pode-se adivinhar um pensamento inquisitivo, uma prontidão para o ascetismo. Essas imagens coincidiam com o amadurecimento das ideias éticas e estéticas dos dezembristas. Seus pensamentos e aspirações foram então compartilhados por muitos, o artista os conhecia e, portanto, pode-se dizer que seus retratos de participantes dos eventos de 1812-1814, as imagens de camponeses criadas nos mesmos anos são uma espécie de paralelo artístico aos conceitos emergentes do Decembrismo.

Estrangeiros chamado Kiprensky o russo Van Dyck, seus retratos estão em muitos museus ao redor do mundo. O sucessor do trabalho de Levitsky e Borovikovsky, o antecessor de L. Ivanov e K. Bryullov, Kiprensky, com seu trabalho, deu fama europeia à escola de arte russa. Nas palavras de Alexander Ivanov, "ele foi o primeiro a trazer o nome russo para a Europa ...".

O crescente interesse pela personalidade de uma pessoa, característico do romantismo, predeterminou o florescimento do gênero retrato na primeira metade do século XIX, onde o autorretrato se tornou a característica dominante. Via de regra, a criação de um autorretrato não era um episódio aleatório. Os artistas repetidamente escreviam e desenhavam, e essas obras se tornaram uma espécie de diário que refletia vários estados de espírito e fases da vida, e ao mesmo tempo eram um manifesto dirigido aos contemporâneos. O autorretrato não era um gênero de costume, o artista pintava para si mesmo, e aqui, como nunca antes, ele era livre para se expressar. No século XVIII, os artistas russos raramente pintavam imagens originais, apenas o romantismo, com seu culto ao indivíduo, ao excepcional, contribuiu para o surgimento desse gênero. A variedade de tipos de autorretrato reflete a percepção dos artistas de si mesmos como uma personalidade rica e multifacetada. Eles então aparecem no papel usual e natural do criador ( " auto-retrato dentro veludo leva" A. G. Varneka, década de 1810), então eles mergulham no passado, como se tentassem em si mesmos ( " auto-retrato dentro capacete e dorsais" F. I. Yanenko, 1792), ou, na maioria das vezes, aparecem sem quaisquer atributos profissionais, afirmando o significado e o valor de cada pessoa, liberada e aberta ao mundo, como, por exemplo, F. A. Bruni e O. A. Orlovsky em autorretratos da década de 1810 . A prontidão para o diálogo e a abertura, características da solução figurativa das obras dos anos 1810-1820, são gradualmente substituídas por cansaço e decepção, imersão, recolhimento em si mesmo ( " auto-retrato" M.I. Terebeneva). Essa tendência se refletiu no desenvolvimento do gênero retrato como um todo.

Auto-retratos de Kiprensky apareceram, o que vale a pena notar, em momentos críticos da vida, eles testemunharam a ascensão ou queda da força mental. Através de sua arte, o artista olhou para si mesmo. No entanto, ele não usava, como a maioria dos pintores, um espelho; ele se pintava principalmente de acordo com sua ideia, queria expressar seu espírito, mas não sua aparência.

“auto-retrato Com escovas por orelha” construída sobre uma recusa, e claramente demonstrativa, da glorificação externa da imagem, sua normatividade clássica e construção ideal. As características faciais são aproximadas. Reflexos separados de luz incidem sobre a figura do artista, extinta em uma cortina pouco visível, representando o fundo do retrato. Tudo aqui está subordinado à expressão da vida, sentimentos, humores. Este é um olhar sobre a arte romântica através da arte do autorretrato.

Quase simultaneamente com este autorretrato, e escrito “ auto-retrato dentro rosa pescoço cachecol” , onde outra imagem é incorporada. Sem indicação direta da profissão de pintor. A imagem de um jovem é recriada, sentindo-se à vontade, naturalmente, livremente. A superfície pictórica da tela é finamente construída. O pincel do artista aplica tinta com confiança, deixando traços grandes e pequenos. A coloração é soberbamente desenvolvida, as cores não são brilhantes, combinam harmoniosamente entre si, a iluminação é calma: a luz se derrama suavemente no rosto do jovem, delineando suas feições, sem expressão e deformação desnecessárias.

Outro notável pintor de retratos foi O. MAS. Orlovsky. Em 1809, uma folha de retrato tão emocionalmente rica como “ auto-retrato” . Executado com um suculento golpe livre de sangue e carvão (com destaques de giz), “ auto-retrato” Orlovsky atrai com sua integridade artística, caracterização da imagem, arte da performance. Ao mesmo tempo, permite discernir alguns aspectos peculiares da arte de Orlovsky. “ auto-retrato” Orlovsky, é claro, não tem o objetivo de reproduzir com precisão a aparência típica do artista daqueles anos. Diante de nós está uma imagem amplamente deliberada e exagerada de um “artista”, opondo seu próprio “eu” à realidade circundante. Ele não está preocupado com a “decência” de sua aparência: pente e escova não tocaram seus cabelos exuberantes, em seu ombro - a borda de uma capa de chuva xadrez bem sobre uma camisa de gola aberta. Uma virada acentuada da cabeça com um olhar "sombrio" sob as sobrancelhas deslocadas, um corte rente do retrato, no qual o rosto é retratado de perto, contrastes de luz - tudo isso visa alcançar o efeito principal de oposição a pessoa retratada para o ambiente (e, portanto, para o espectador).

O pathos da afirmação da individualidade - uma das características mais progressistas da arte da época - forma o principal tom ideológico e emocional do retrato, mas aparece em um aspecto peculiar que quase nunca é encontrado na arte russa daquele período. A afirmação do indivíduo passa não tanto pela revelação da riqueza de seu mundo interior, mas pela rejeição de tudo ao seu redor. A imagem ao mesmo tempo, é claro, parece esgotada, limitada.

Tais soluções são difíceis de encontrar na arte de retrato russa da época, onde já em meados do século XVIII os motivos cívicos e humanísticos soavam alto e a personalidade da pessoa nunca rompeu fortes laços com o meio ambiente. Sonhando com uma estrutura social-democrata melhor, as pessoas na Rússia daquela época não estavam de forma alguma desligadas da realidade, eles rejeitaram deliberadamente o culto individualista da “liberdade pessoal” que floresceu na Europa Ocidental, afrouxado pela revolução burguesa. Isso foi claramente manifestado na arte do retrato russo. Só precisa ser comparado “ auto-retrato” Orlovsky com “ auto-retrato” Kiprensky, de modo que a séria diferença interna entre os dois retratistas imediatamente chama a atenção.

Kiprensky também "heroica" a personalidade de uma pessoa, mas mostra seus verdadeiros valores internos. No rosto do artista, o espectador distingue as características de uma mente forte, caráter, pureza moral.

Toda a aparência de Kiprensky é coberta com incrível nobreza e humanidade. Ele é capaz de distinguir entre “bem” e “mal” no mundo circundante e, rejeitando o segundo, ama e aprecia o primeiro, ama e aprecia pessoas que pensam da mesma forma. Ao mesmo tempo, temos diante de nós, sem dúvida, uma forte individualidade, orgulhosa da consciência do valor de suas qualidades pessoais. Exatamente o mesmo conceito da imagem do retrato está subjacente ao conhecido retrato heróico de D. Davydov por Kiprensky.

Orlovsky, em comparação com Kiprensky, resolve de forma mais limitada, direta e externa a imagem de uma “personalidade forte”, enquanto se concentra claramente na arte da França burguesa. Quando você olha para ele “ auto-retrato” , os retratos de A. Gro, Géricault vêm involuntariamente à mente. O perfil “ auto-retrato” Orlovsky em 1810, com seu culto à “força interior” individualista, porém, já desprovida de uma forma nítida de “contorno” “ auto-retrato” 1809 ou “ Retrato Duport”. Neste último, Orlovsky, assim como no Autorretrato, usa uma pose espetacular, “heróica”, com um movimento brusco, quase cruzado, da cabeça e dos ombros. Ele enfatiza a estrutura irregular do rosto de Duport, seu cabelo desgrenhado, com o objetivo de criar uma imagem de retrato que seja auto-suficiente em seu caráter único e aleatório.

"A paisagem deve ser um retrato", escreveu K. N. Batyushkov. A maioria dos artistas que se voltaram para o gênero da paisagem aderiu a essa configuração em seus trabalhos. Entre as exceções óbvias que gravitaram em torno da paisagem fantástica estavam A. O. Orlovsky ( " Náutico Visão" , 1809); A. G. Varnek ( " Visão dentro arredores Roma" , 1809); Bacia P.V. (" Céu no pôr do sol dentro arredores Roma" , " Tarde paisagem" , ambos - 1820). Criando tipos específicos, eles mantiveram o imediatismo da sensação, a riqueza emocional, alcançando um som monumental com técnicas de composição.

O jovem Orlovsky via na natureza apenas forças titânicas, não sujeitas à vontade do homem, capazes de causar uma catástrofe, um desastre. A luta de um homem com um elemento marinho revolto é um dos temas favoritos do artista de seu período romântico “rebelde”. Tornou-se o conteúdo de seus desenhos, aquarelas e pinturas a óleo de 1809-1810. a cena trágica é mostrada na imagem “ Naufrágio” (1809(?)). Na escuridão que caiu no chão, entre as ondas furiosas, pescadores afogados escalam freneticamente as rochas costeiras nas quais seu navio caiu. Sustentada em tons avermelhados severos, a cor potencializa a sensação de ansiedade. Terríveis são os ataques de ondas poderosas, prenunciando uma tempestade e em outra foto - “ No costa mares” (1809). Também desempenha um grande papel emocional no céu tempestuoso, que ocupa a maior parte da composição. Embora Orlovsky não dominasse a arte da perspectiva aérea, as transições graduais dos planos são resolvidas aqui de forma harmoniosa e suave. A cor ficou mais clara. Brinque lindamente em um fundo marrom-avermelhado, as manchas vermelhas das roupas dos pescadores. Elemento do mar inquieto e ansioso em aquarela “ Navegando barco” (c.1812). E mesmo quando o vento não sacode a vela e não ondula a superfície da água, como na aquarela “ Náutico paisagem Com navios” (c. 1810), o espectador não deixa a premonição de que uma tempestade seguirá a calmaria.

As paisagens eram diferentes A PARTIR DE. F. Shchedrin. Eles são preenchidos com a harmonia da coexistência do homem e da natureza. (" Terraço no costa mares. cappuccini aproximar Sorrento" , 1827). Numerosas vistas de Nápoles por seu pincel tiveram um sucesso extraordinário.

Em fotos brilhantes E. Para. Aivazovsky os ideais românticos de embriaguez com a luta e o poder das forças naturais, a resistência do espírito humano e a capacidade de lutar até o fim foram brilhantemente incorporados. No entanto, um grande lugar na herança do mestre é ocupado por marinhas noturnas dedicadas a lugares específicos onde a tempestade dá lugar à magia da noite, um tempo que, segundo a visão dos românticos, é preenchido com uma misteriosa vida interior, e onde a busca pictórica do artista é direcionada para a extração de extraordinários efeitos de iluminação. ( " Visão Odessa dentro lunar noite" , " Visão Constantinopla no lunar iluminação" , ambos - 1846).

O tema dos elementos naturais e do homem pego de surpresa, tema favorito da arte romântica, foi interpretado de forma diferente pelos artistas dos anos 1800-1850. As obras foram baseadas em fatos reais, mas o significado das imagens não estava em sua recontagem objetiva. Um exemplo típico é a pintura de Pyotr Basin " Terremoto dentro Rocca di Pai aproximar Roma" (1830). É dedicado não tanto à descrição de um evento específico quanto à representação do medo e horror de uma pessoa que se depara com uma manifestação dos elementos.

O romantismo como visão de mundo existiu na Rússia em sua primeira onda desde o final do século XVIII até a década de 1850. A linha do romântico na arte russa não parou na década de 1850. O tema do estado de ser, descoberto pelos românticos para a arte, foi posteriormente desenvolvido pelos artistas da Rosa Azul. Os herdeiros diretos dos românticos foram, sem dúvida, os simbolistas. Temas românticos, motivos, dispositivos expressivos entraram na arte de diferentes estilos, direções, associações criativas. A visão de mundo romântica ou visão de mundo acabou sendo uma das mais vivas, tenazes e frutíferas.

O romantismo como tendência na literatura

O romantismo é, antes de tudo, uma visão de mundo especial baseada na crença na superioridade do "espírito" sobre a "matéria". O princípio criativo, segundo os românticos, tem tudo o que é verdadeiramente espiritual, que eles identificam com o verdadeiramente humano. E, pelo contrário, tudo o que é material, na opinião deles, vem à tona, desfigura a verdadeira natureza de uma pessoa, não permite que sua essência se manifeste, nas condições da realidade burguesa divide as pessoas, torna-se fonte de inimizade entre eles, leva a situações trágicas. Um herói positivo no romantismo, como regra, eleva-se em termos de nível de consciência acima do mundo de interesse próprio ao seu redor, é incompatível com ele, ele vê o objetivo da vida não em fazer carreira, não em acumular riqueza , mas servindo aos altos ideais da humanidade - humanidade, liberdade, fraternidade. Personagens românticos negativos, em contraste com os positivos, estão em harmonia com a sociedade, sua negatividade reside principalmente no fato de viverem de acordo com as leis do ambiente burguês que os cerca. Portanto (e isso é muito importante), o romantismo não é apenas lutar pelo ideal e poetizar tudo o que é espiritualmente belo, é ao mesmo tempo uma denúncia do feio em sua forma sócio-histórica específica. Além disso, a crítica da falta de espiritualidade foi dada à arte romântica desde o início, decorre da própria essência da atitude romântica em relação à vida pública. Claro que nem em todos os escritores e nem em todos os gêneros ela se manifesta com a devida amplitude e intensidade. Mas o pathos crítico é evidente não apenas nos dramas de Lermontov ou nas "histórias seculares" de V. Odoevsky, também é sentido nas elegias de Jukovsky, revelando as tristezas e tristezas de uma pessoa espiritualmente rica nas condições da Rússia feudal .

A cosmovisão romântica, por sua dualidade (a abertura do “espírito” e da “mãe”), determina a imagem da vida em nítidos contrastes. A presença do contraste é um dos traços característicos da criatividade do tipo romântico e, consequentemente, do estilo. Espiritual e material nas obras dos românticos são fortemente opostos um ao outro. Um herói romântico positivo é geralmente descrito como um ser solitário, além disso, condenado ao sofrimento na sociedade contemporânea (Gyaur, Corsair de Byron, Chernets de Kozlov, Voynarovsky de Ryleev, Mtsyri de Lermontov e outros). Ao retratar o feio, os românticos muitas vezes alcançam tal concretude cotidiana que é difícil distinguir seu trabalho do realista. Com base em uma visão de mundo romântica, é possível criar não apenas imagens individuais, mas também obras inteiras que sejam realistas em termos de criatividade.

O romantismo é implacável com aqueles que, lutando por sua própria exaltação, pensando em enriquecimento ou definhando com sede de prazer, violam as leis morais universais em nome disso, violam os valores humanos universais (humanidade, amor à liberdade e outros) .

Na literatura romântica, existem muitas imagens de heróis infectados pelo individualismo (Manfred, Lara em Byron, Pechorin, Demon em Lermontov e outros), mas parecem criaturas profundamente trágicas, sofrendo de solidão, desejando se fundir com o mundo das pessoas comuns . Revelando a tragédia de uma pessoa - um individualista, o romantismo mostrou a essência do verdadeiro heroísmo, manifestando-se no serviço altruísta aos ideais da humanidade. A personalidade na estética romântica não tem valor em si mesma. Seu valor aumenta à medida que aumenta o benefício que traz para as pessoas. A afirmação de uma pessoa no romantismo consiste, antes de tudo, em sua libertação do individualismo, dos efeitos nocivos da psicologia da propriedade privada.

No centro da arte romântica está a personalidade humana, seu mundo espiritual, seus ideais, ansiedades e tristezas nas condições do sistema de vida burguês, a sede de liberdade, independência. O herói romântico sofre de alienação, da incapacidade de mudar de posição. Portanto, os gêneros populares da literatura romântica, que refletem mais plenamente a essência da visão de mundo romântica, são tragédias, dramas, poemas lírico-épicos e líricos, contos, elegias. O romantismo revelou a incompatibilidade de tudo o que é verdadeiramente humano com o princípio da propriedade privada da vida, e este é o seu grande significado histórico. Ele introduziu na literatura um homem-lutador que, apesar de seu destino, age livremente, pois percebe que é preciso lutar para atingir o objetivo.

Os românticos são caracterizados pela amplitude e escala do pensamento artístico. Para incorporar ideias de significado humano universal, eles usam lendas cristãs, contos bíblicos, mitologia antiga e tradições folclóricas. Os poetas românticos recorrem à fantasia, ao simbolismo e a outros métodos convencionais de representação artística, o que lhes dá a oportunidade de mostrar a realidade de forma tão ampla, o que era completamente impensável na arte realista. É improvável, por exemplo, que seja possível transmitir todo o conteúdo de O Demônio de Lermontov, aderindo ao princípio da tipificação realista. O poeta abraça todo o universo com seu olhar, esboça paisagens cósmicas, em cuja reprodução a concretude realista, familiar nas condições da realidade terrena, seria inadequada:

No oceano de ar

Sem leme e sem velas

Silenciosamente flutuando no nevoeiro

Coros de luminárias esbeltas.

Nesse caso, a natureza do poema era mais consistente não com a precisão, mas, ao contrário, com a indefinição do desenho, que transmite em maior medida não as ideias de uma pessoa sobre o universo, mas seus sentimentos. Da mesma forma, o “aterramento”, a concretização da imagem do Demônio levaria a uma certa diminuição da compreensão dele como um ser titânico, dotado de poder sobre-humano.

O interesse pelos métodos convencionais de representação artística é explicado pelo fato de que os românticos muitas vezes levantam questões filosóficas e de visão de mundo para resolução, embora, como já observado, eles não se esquivem de retratar o cotidiano, prosaico e cotidiano, tudo o que é incompatível com o espiritual, humano. Na literatura romântica (em um poema dramático), o conflito geralmente é construído em um confronto não de personagens, mas de ideias, conceitos de visão de mundo inteiras (“Manfred”, “Cain” Byron, “Prometheus Unbound” Shelley), que naturalmente levaram a arte além dos limites da concretude realista.

A intelectualidade do herói romântico, sua propensão à reflexão se deve em grande parte ao fato de atuar em condições diferentes das personagens de um romance iluminista ou do drama “pequeno-burguês” do século XVIII. Estes últimos atuaram na esfera fechada das relações domésticas, o tema do amor ocupou um dos lugares centrais em suas vidas. Os românticos trouxeram a arte para as vastas extensões da história. Eles viram que o destino das pessoas, a natureza de sua consciência é determinada não tanto pelo ambiente social, mas pela época como um todo, os processos políticos, sociais e espirituais que ocorrem nela, que afetam mais decisivamente o futuro de todos. humanidade. Assim, a ideia de valor próprio do indivíduo, sua dependência de si mesmo, sua vontade, desmoronou, sua condicionalidade foi revelada pelo complexo mundo das circunstâncias sócio-históricas.

O romantismo como certa visão de mundo e tipo de criatividade não deve ser confundido com romance, ou seja, um sonho de um belo objetivo, com aspiração ao ideal e um desejo apaixonado de vê-lo realizado. O romance, dependendo do ponto de vista de uma pessoa, pode ser revolucionário, apelando para o futuro, e conservador, poetizando o passado. Pode crescer de forma realista e ser utópica.

Com base na posição sobre a variabilidade da história e dos conceitos humanos, os românticos se opõem à imitação da antiguidade, defendem os princípios da arte original baseados na reprodução fiel de sua vida nacional, seu modo de vida, costumes, crenças etc.

Os românticos russos defendem a ideia de "cor local", que envolve a representação da vida na originalidade histórico-nacional. Este foi o início da penetração na arte da concretude histórico-nacional, que acabou levando à vitória do método realista na literatura russa.

O romantismo como tendência na pintura foi formado na Europa Ocidental no final do século XVIII. O romantismo atingiu seu auge na arte da maioria dos países da Europa Ocidental nas décadas de 1920 e 1930. século 19.

O próprio termo "romantismo" se origina da palavra "romance" (no século XVII, obras literárias escritas não em latim, mas em idiomas derivados dele - francês, inglês etc.) eram chamadas de romances. Mais tarde, tudo o que era incompreensível e misterioso passou a ser chamado de romântico.

Como fenômeno cultural, o romantismo se formou a partir de uma visão de mundo especial gerada pelos resultados da Revolução Francesa. Desiludidos com os ideais do Iluminismo, os românticos, buscando harmonia e integridade, criaram novos ideais estéticos e valores artísticos. O principal objeto de sua atenção eram os personagens marcantes com todas as suas experiências e desejo de liberdade. O herói das obras românticas é uma pessoa notável que, pela vontade do destino, se viu em circunstâncias difíceis da vida.

Embora o romantismo tenha surgido como um protesto contra a arte do classicismo, em muitos aspectos esteve próximo desta. Os românticos eram em parte representantes do classicismo como N. Poussin, C. Lorrain, J. O. D. Ingres.

Os românticos introduziram na pintura traços nacionais originais, ou seja, algo que faltava na arte dos classicistas.
O maior representante do romantismo francês foi T. Géricault.

Theodore Géricault

Theodore Géricault, o grande pintor, escultor e artista gráfico francês, nasceu em 1791 em Rouen em uma família rica. O talento do artista se manifestou nele muito cedo. Muitas vezes, em vez de frequentar as aulas na escola, Géricault sentava-se no estábulo e desenhava cavalos. Mesmo assim, ele procurou não apenas transferir as características externas dos animais para o papel, mas também transmitir seu temperamento e caráter.

Depois de se formar no Lyceum em 1808, Géricault tornou-se aluno do então famoso pintor Carl Vernet, que era famoso por sua capacidade de retratar cavalos na tela. No entanto, o jovem artista não gostou do estilo de Vernet. Logo ele sai da oficina e vai estudar com outro pintor não menos talentoso que Vernet, P. N. Guerin. Enquanto estudava com dois artistas famosos, Géricault, no entanto, não continuou suas tradições na pintura. J. A. Gros e J. L. David provavelmente deveriam ser considerados seus verdadeiros professores.

As primeiras obras de Géricault se distinguem pelo fato de serem o mais próximo possível da vida. Tais pinturas são extraordinariamente expressivas e patéticas. Eles mostram o humor entusiasmado do autor ao avaliar o mundo ao seu redor. Um exemplo é uma pintura chamada “Oficial dos Cavaleiros Imperiais durante um Ataque”, criada em 1812. Esta tela foi vista pela primeira vez pelos visitantes do Salão de Paris. Aceitaram com admiração o trabalho do jovem artista, apreciando o talento do jovem mestre.

A obra foi criada durante esse período da história francesa, quando Napoleão estava no auge de sua glória. Os contemporâneos o idolatravam, o grande imperador, que conseguiu conquistar a maior parte da Europa. Foi com tal humor, sob a impressão das vitórias do exército de Napoleão, que o quadro foi pintado. A tela mostra um soldado galopando a cavalo. Seu rosto expressa determinação, coragem e destemor diante da morte. Composição inteira
incomumente dinâmico e emocional. O espectador tem a sensação de que ele mesmo se torna um participante real dos eventos retratados na tela.

A figura de um bravo soldado aparecerá mais de uma vez na obra de Géricault. Entre essas imagens, de particular interesse estão os heróis das pinturas "Oficial dos Carabinieri", "Oficial do Cuirassier antes do ataque", "Retrato de um Carabinieri", "Cuirassier ferido", criado em 1812-1814. O último trabalho é notável por ter sido apresentado na próxima exposição realizada no Salão no mesmo ano. No entanto, esta não é a principal vantagem da composição. Mais importante, mostrou as mudanças ocorridas no estilo criativo do artista. Se sentimentos patrióticos sinceros foram refletidos em suas primeiras telas, nas obras que datam de 1814, o pathos na representação de heróis é substituído pelo drama.

Uma mudança semelhante no humor do artista foi novamente associada aos eventos que aconteciam naquela época na França. Em 1812, Napoleão foi derrotado na Rússia, em conexão com a qual ele, que já foi um herói brilhante, adquire de seus contemporâneos a glória de um líder militar malsucedido e um homem orgulhoso e arrogante. Géricault encarna sua decepção com o ideal na pintura "The Wounded Cuirassier". A tela mostra um guerreiro ferido tentando deixar o campo de batalha o mais rápido possível. Ele se apoia em um sabre - uma arma que, talvez, apenas alguns minutos atrás, ele estava segurando, segurando-a no alto.

Foi a insatisfação de Géricault com a política de Napoleão que ditou sua entrada ao serviço de Luís XVIII, que assumiu o trono francês em 1814. O fato de que após a segunda tomada do poder na França por Napoleão (o período dos Cem Dias) o jovem artista deixa seu país natal juntamente com Bourbons. Mas aqui também a decepção o esperava. O jovem não podia ver com calma como o rei destrói tudo o que foi alcançado durante o reinado de Napoleão. Além disso, sob Luís XVIII houve uma intensificação da reação feudal-católica, o país recuou cada vez mais rápido, retornando ao antigo sistema estatal. Isso não poderia ser aceito por uma pessoa jovem e progressista. Muito em breve, o jovem, que perdeu a fé em seus ideais, deixa o exército liderado por Luís XVIII e retoma pincéis e tintas. Esses anos não podem ser chamados de brilhantes e nada marcantes na obra do artista.

Em 1816, Géricault fez uma viagem à Itália. Tendo visitado Roma e Florença e tendo estudado as obras-primas de mestres famosos, o artista gosta de pintura monumental. Os afrescos de Michelangelo, que adornavam a Capela Sistina, ocupam especialmente sua atenção. Nessa época, as obras foram criadas por Géricault, em sua escala e majestade, em muitos aspectos que lembram as telas dos pintores do Alto Renascimento. Entre eles, os mais interessantes são "O Rapto da Ninfa pelo Centauro" e "O Homem que Lança o Touro".

As mesmas características do estilo dos antigos mestres também são visíveis na pintura “Corrida de cavalos livres em Roma”, pintada por volta de 1817 e representando as competições de cavaleiros em um dos carnavais que acontecem em Roma. Uma característica desta composição é que ela foi compilada pelo artista a partir de desenhos naturais feitos anteriormente. Além disso, a natureza dos esboços difere marcadamente do estilo de todo o trabalho. Se os primeiros são cenas que descrevem a vida dos romanos - contemporâneos do artista, então na composição geral há imagens de heróis antigos corajosos, como se tivessem saído de narrativas antigas. Nisto, Géricault segue o caminho de J. L. David, que, para dar a imagem do pathos heróico, vestiu seus heróis de formas antigas.

Logo após a pintura desse quadro, Géricault retorna à França, onde se torna membro do círculo de oposição formado em torno do pintor Horace Vernet. Ao chegar a Paris, o artista estava especialmente interessado em gráficos. Em 1818, ele criou uma série de litografias sobre um tema militar, entre as quais a mais significativa foi "Retorno da Rússia". A litografia representa os soldados derrotados do exército francês vagando por um campo coberto de neve. As figuras de pessoas aleijadas e cansadas da guerra são retratadas de maneira realista e verdadeira. Não há pathos e pathos heróico na composição, o que era típico dos primeiros trabalhos de Géricault. O artista procura refletir o estado real das coisas, todos os desastres que os soldados franceses abandonados por seu comandante tiveram que suportar em uma terra estrangeira.

Na obra "Retorno da Rússia" pela primeira vez foi ouvido o tema da luta do homem com a morte. No entanto, aqui esse motivo ainda não é expresso com tanta clareza quanto nas obras posteriores de Géricault. Um exemplo de tais telas pode ser uma pintura chamada "A Jangada da Medusa". Foi escrito em 1819 e exibido no Salão de Paris no mesmo ano. A tela retrata pessoas lutando com o elemento água em fúria. A artista mostra não apenas seu sofrimento e tormento, mas também o desejo de sair vitorioso na luta contra a morte a todo custo.

O enredo da composição é ditado por um acontecimento ocorrido no verão de 1816 e que emocionou toda a França. A então famosa fragata "Medusa" colidiu com recifes e afundou na costa da África. Das 149 pessoas que estavam no navio, apenas 15 conseguiram escapar, entre as quais o cirurgião Savigny e o engenheiro Correard. Ao chegar em sua terra natal, eles publicaram um pequeno livro contando sobre suas aventuras e feliz resgate. Foi dessas lembranças que os franceses souberam que o infortúnio aconteceu por culpa do inexperiente capitão do navio, que embarcou graças ao patrocínio de um nobre amigo.

As imagens criadas por Géricault são inusitadamente dinâmicas, plásticas e expressivas, o que foi alcançado pelo artista através de um trabalho longo e minucioso. Para retratar verdadeiramente eventos terríveis na tela, para transmitir os sentimentos das pessoas que morrem no mar, o artista se encontra com testemunhas oculares da tragédia, por muito tempo ele estuda os rostos de pacientes emaciados em tratamento em um dos hospitais de Paris , bem como marinheiros que conseguiram escapar de naufrágios. Neste momento, o pintor criou um grande número de obras de retrato.

O mar revolto também está cheio de significados profundos, como se tentasse engolir uma frágil jangada de madeira com pessoas. Esta imagem é extraordinariamente expressiva e dinâmica. Ele, como as figuras de pessoas, foi desenhado na natureza: o artista fez vários esboços representando o mar durante uma tempestade. Trabalhando em uma composição monumental, Géricault recorreu repetidamente a esboços previamente preparados para refletir plenamente a natureza dos elementos. É por isso que a imagem causa uma grande impressão no espectador, convence-o do realismo e da veracidade do que está acontecendo.

"A Balsa da Medusa" apresenta Géricault como um notável mestre da composição. Por muito tempo, o artista pensou em como organizar as figuras na imagem para expressar mais plenamente a intenção do autor. Várias mudanças foram feitas ao longo do trabalho. Os esboços que antecedem a pintura indicam que inicialmente Géricault queria retratar a luta das pessoas na jangada entre si, mas depois abandonou tal interpretação do evento. Na versão final, a tela representa o momento em que pessoas já desesperadas veem o navio Argus no horizonte e estendem as mãos para ele. A última adição à imagem foi a figura humana colocada abaixo, do lado direito da tela. Foi ela quem deu o toque final da composição, que depois disso adquiriu um caráter profundamente trágico. Vale ressaltar que essa mudança foi feita quando a pintura já estava em exposição no Salão.

Com sua monumentalidade e emotividade elevada, a pintura de Géricault lembra em muitos aspectos o trabalho dos mestres da Alta Renascença (principalmente O Juízo Final de Michelangelo), que o artista conheceu enquanto viajava pela Itália.

A pintura "A Balsa da Medusa", que se tornou uma obra-prima da pintura francesa, foi um enorme sucesso nos círculos da oposição, que a viam como um reflexo dos ideais revolucionários. Pelas mesmas razões, a obra não foi aceita entre a mais alta nobreza e representantes oficiais das belas artes da França. É por isso que naquela época a tela não foi comprada pelo estado do autor.

Decepcionado com a recepção da sua criação em casa, Géricault vai para a Inglaterra, onde apresenta sua obra favorita à corte dos ingleses. Em Londres, os conhecedores de arte receberam a famosa tela com grande entusiasmo.

Géricault aproxima-se de artistas ingleses, que o conquistam pela capacidade de retratar a realidade com sinceridade e veracidade. Géricault dedica um ciclo de litografias à vida e vida da capital da Inglaterra, entre as quais as obras que receberam os títulos “The Great English Suite” (1821) e “The Old Beggar Dying at the Doors of the Bakery” (1821) são do maior interesse. Neste último, o artista retratou um vagabundo londrino, que refletia as impressões recebidas pelo pintor no processo de estudar a vida das pessoas nos bairros operários da cidade.

O mesmo ciclo incluiu litografias como "The Flanders Smith" e "At the Gates of the Adelphin Shipyard", apresentando ao espectador uma imagem da vida das pessoas comuns em Londres. De interesse nessas obras são imagens de cavalos, pesados ​​e com excesso de peso. Eles são visivelmente diferentes daqueles animais graciosos e graciosos que foram pintados por outros artistas - contemporâneos de Géricault.

Estando na capital da Inglaterra, Géricault dedica-se à criação não apenas de litografias, mas também de pinturas. Uma das obras mais marcantes desse período foi a tela "Race at Epsom", criada em 1821. Na imagem, o artista retrata cavalos correndo a toda velocidade, e suas pernas não tocam o chão. Essa técnica astuta (a fotografia provou que os cavalos não podem ter essa posição das pernas durante uma corrida, essa é a fantasia do artista) é usada pelo mestre para dar dinamismo à composição, para dar ao espectador a impressão de um relâmpago. movimento rápido dos cavalos. Essa sensação é reforçada pela transferência precisa da plasticidade (poses, gestos) das figuras humanas, bem como o uso de combinações de cores brilhantes e ricas (vermelho, baía, cavalos brancos; azul profundo, vermelho escuro, branco-azul e dourado- jaquetas amarelas de jóqueis).

O tema das corridas de cavalos, que há muito atrai a atenção do pintor com sua expressão especial, repetiu-se mais de uma vez nas obras criadas por Géricault após a conclusão dos trabalhos sobre as corridas de cavalos em Epsom.

Em 1822, o artista deixou a Inglaterra e retornou à sua França natal. Aqui ele está envolvido na criação de grandes telas, semelhantes às obras dos mestres renascentistas. Entre eles estão "Negro trade", "Abrindo as portas da prisão da Inquisição na Espanha". Essas pinturas ficaram inacabadas - a morte impediu Géricault de completar a obra.

De particular interesse são os retratos, cuja criação os historiadores da arte atribuem ao período de 1822 a 1823. A história de sua escrita merece atenção especial. O fato é que esses retratos foram encomendados por um amigo do artista, que trabalhava como psiquiatra em uma clínica em Paris. Eles deveriam se tornar uma espécie de ilustrações demonstrando várias doenças mentais de uma pessoa. Assim foram pintados os retratos "Velha louca", "Louca", "Louco, imaginando-se comandante". Para o mestre da pintura, era importante não tanto mostrar os sinais e sintomas externos da doença, mas transmitir o estado mental interior de uma pessoa doente. Imagens trágicas de pessoas aparecem nas telas diante do espectador, cujos olhos estão cheios de dor e tristeza.

Entre os retratos de Géricault, um lugar especial é ocupado por um retrato de um negro, que atualmente está na coleção do Museu de Rouen. Uma pessoa determinada e de força de vontade olha para o espectador da tela, pronta para lutar até o fim com forças hostis a ele. A imagem é extraordinariamente brilhante, emocional e expressiva. O homem nesta foto é muito parecido com aqueles heróis de força de vontade que Géricault havia mostrado anteriormente em grandes composições (por exemplo, na tela “A Balsa da Medusa”).

Géricault não era apenas um mestre da pintura, mas também um excelente escultor. Suas obras nesta forma de arte no início do século 19 foram os primeiros exemplos de esculturas românticas. Entre essas obras, a composição incomumente expressiva "Nymph and Satyr" é de particular interesse. Imagens congeladas em movimento transmitem com precisão a plasticidade do corpo humano.

Théodore Géricault morreu tragicamente em 1824 em Paris, caindo de um cavalo. Sua morte precoce foi uma surpresa para todos os contemporâneos do famoso artista.

A obra de Géricault marcou uma nova etapa no desenvolvimento da pintura não apenas na França, mas também na arte mundial - o período do romantismo. Em suas obras, o mestre supera a influência das tradições clássicas. Suas obras são extraordinariamente coloridas e refletem a diversidade do mundo natural. Ao introduzir figuras humanas na composição, o artista se esforça para revelar os sentimentos e emoções interiores de uma pessoa da forma mais completa e vívida possível.

Após a morte de Géricault, as tradições de sua arte romântica foram retomadas pelo contemporâneo mais jovem do artista, E. Delacroix.

Eugene Delacroix

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, o famoso artista e artista gráfico francês, sucessor das tradições do romantismo que se desenvolveram na obra de Géricault, nasceu em 1798. Sem completar sua formação no Liceu Imperial, em 1815 Delacroix foi estudar com o famoso mestre Guerin. No entanto, os métodos artísticos do jovem pintor não atendiam aos requisitos do professor, então após sete anos o jovem o deixa.

Estudando com Guerin, Delacroix dedica muito tempo ao estudo da obra de David e dos mestres da pintura do Renascimento. Ele considera a cultura da antiguidade, cujas tradições David também seguiu, fundamental para o desenvolvimento da arte mundial. Portanto, os ideais estéticos para Delacroix eram as obras de poetas e pensadores da Grécia antiga, entre eles o artista apreciava especialmente as obras de Homero, Horácio e Marco Aurélio.

As primeiras obras de Delacroix foram telas inacabadas, onde o jovem pintor procurou refletir a luta dos gregos com os turcos. No entanto, o artista não tinha habilidade e experiência para criar uma imagem expressiva.

Em 1822, Delacroix expôs seu trabalho no Salão de Paris sob o título Dante e Virgílio. Esta tela, incomumente emocional e de cores brilhantes, lembra em muitos aspectos a obra de Géricault "A Balsa da Medusa".

Dois anos depois, outra pintura de Delacroix, O Massacre de Chios, foi apresentada ao público do Salão. Foi nele que se concretizou o antigo plano do artista para mostrar a luta dos gregos com os turcos. A composição geral da imagem consiste em várias partes, que formam grupos de pessoas colocadas separadamente, cada uma delas com seu próprio conflito dramático. Em geral, a obra dá a impressão de uma profunda tragédia. A sensação de tensão e dinamismo é potencializada pela combinação de linhas suaves e nítidas que formam as figuras dos personagens, o que leva a uma mudança na proporção da pessoa retratada pelo artista. No entanto, é justamente por isso que a imagem adquire um caráter realista e credibilidade de vida.

O método criativo de Delacroix, plenamente expresso no "Massacre de Chios", está longe do estilo clássico então aceito nos círculos oficiais da França e entre os representantes das belas artes. Portanto, a imagem do jovem artista foi recebida com fortes críticas no Salão.

Apesar do fracasso, o pintor permanece fiel ao seu ideal. Em 1827, apareceu outra obra dedicada ao tema da luta do povo grego pela independência - "Grécia nas ruínas de Missolonghi". A figura de uma mulher grega resoluta e orgulhosa retratada na tela personifica a Grécia invicta aqui.

Em 1827, Delacroix realizou duas obras que refletiam a busca criativa do mestre no campo dos meios e métodos de expressão artística. São as telas "Morte de Sardanapalus" e "Marino Faliero". No primeiro deles, a tragédia da situação é veiculada no movimento das figuras humanas. Apenas a imagem do próprio Sardanapal é estática e calma aqui. Na composição de "Marino Faliero" apenas a figura do personagem principal é dinâmica. O resto dos heróis pareceu congelar de horror ao pensar no que estava prestes a acontecer.

Nos anos 20. século 19 Delacroix realizou uma série de obras, cujos enredos foram retirados de obras literárias famosas. Em 1825 o artista visitou a Inglaterra, terra natal de William Shakespeare. No mesmo ano, sob a impressão dessa viagem e da tragédia do famoso dramaturgo Delacroix, foi feita a litografia "Macbeth". No período de 1827 a 1828, ele criou uma litografia "Fausto", dedicada à obra de mesmo nome de Goethe.

Em conexão com os eventos que ocorreram na França em 1830, Delacroix executou a pintura "A liberdade guiando o povo". A França revolucionária é apresentada na imagem de uma mulher jovem, forte, imperiosa, resoluta e independente, liderando a multidão com ousadia, na qual se destacam as figuras de um trabalhador, um estudante, um soldado ferido, um gamen parisiense (uma imagem que antecipou Gavroche, que mais tarde apareceu em Les Misérables de V. Hugo).

Este trabalho era visivelmente diferente de trabalhos semelhantes de outros artistas que estavam interessados ​​apenas na transmissão verdadeira de um evento. As telas criadas por Delacroix eram caracterizadas por um alto pathos heróico. As imagens aqui são símbolos generalizados da liberdade e independência do povo francês.

Com a chegada ao poder de Louis Philippe - o heroísmo rei-burguês e os sentimentos elevados pregados por Delacroix, não havia lugar na vida moderna. Em 1831 o artista fez uma viagem a países africanos. Ele viajou para Tânger, Meknes, Oran e Argel. Ao mesmo tempo, Delacroix visita a Espanha. A vida do Oriente literalmente fascina o artista com seu fluxo rápido. Ele cria esboços, desenhos e uma série de trabalhos em aquarela.

Tendo visitado Marrocos, Delacroix pinta telas dedicadas ao Oriente. As pinturas, nas quais o artista mostra as corridas de cavalos ou a batalha dos mouros, são invulgarmente dinâmicas e expressivas. Em comparação com eles, a composição "Mulheres argelinas em seus aposentos", criada em 1834, parece calma e estática. Não tem aquele dinamismo impetuoso e tensão inerentes aos primeiros trabalhos do artista. Delacroix aparece aqui como um mestre da cor. O esquema de cores usado pelo pintor em sua totalidade reflete a diversidade brilhante da paleta, que o espectador associa às cores do Oriente.

A tela “Casamento judaico em Marrocos”, escrita aproximadamente em 1841, caracteriza-se pela mesma lentidão e medida, criando-se aqui uma misteriosa atmosfera oriental graças à fiel representação do artista da originalidade do interior nacional. A composição parece surpreendentemente dinâmica: o pintor mostra como as pessoas sobem as escadas e entram na sala. A luz que entra na sala torna a imagem realista e convincente.

Os motivos orientais ainda estiveram presentes nas obras de Delacroix por muito tempo. Assim, na exposição organizada no Salão em 1847, das seis obras apresentadas por ele, cinco eram dedicadas à vida e à vida do Oriente.

Nos anos 30-40. No século XIX, novos temas aparecem na obra de Delacroix. Neste momento, o mestre cria obras de temas históricos. Entre elas, merecem atenção especial as telas "Protesto de Mirabeau contra a dissolução dos Estados Gerais" e "Boissy d'Angles". O esboço deste último, exibido em 1831 no Salão, é um exemplo vívido de composições sobre o tema de uma revolta popular.

As pinturas “A Batalha de Poitiers” (1830) e “A Batalha de Taybur” (1837) são dedicadas à imagem do povo. Com todo o realismo, a dinâmica da batalha, o movimento das pessoas, sua fúria, raiva e sofrimento são mostrados aqui. O artista procura transmitir as emoções e paixões de uma pessoa tomada pelo desejo de vencer a todo custo. São as figuras de pessoas que são as principais na transmissão da natureza dramática do evento.

Muitas vezes, nas obras de Delacroix, o vencedor e o vencido são fortemente opostos um ao outro. Isso é especialmente visto na tela “A captura de Constantinopla pelos cruzados”, escrita em 1840. Um grupo de pessoas superadas pela dor é mostrado em primeiro plano. Atrás deles está uma paisagem encantadora e encantadora com sua beleza. As figuras dos cavaleiros vitoriosos também são colocadas aqui, cujas silhuetas formidáveis ​​contrastam com as figuras tristes em primeiro plano.

"A Captura de Constantinopla pelos Cruzados" apresenta Delacroix como um notável colorista. Cores vivas e saturadas, no entanto, não realçam o início trágico, que é expresso por figuras lúgubres localizadas próximas ao espectador. Pelo contrário, uma paleta rica cria uma sensação de férias organizadas em homenagem aos vencedores.

Não menos colorida é a composição "Justiça de Trajano", criada na mesma década de 1840. Os contemporâneos do artista reconheceram este quadro como um dos melhores entre todas as telas do pintor. De particular interesse é o fato de que, no decorrer do trabalho, os mestres experimentam no campo da cor. Até as sombras assumem uma variedade de tons dele. Todas as cores da composição correspondem exatamente à natureza. A execução da obra foi precedida por longas observações do pintor para mudanças de tonalidades na natureza. O artista os anotou em seu diário. Então, de acordo com as notas, os cientistas confirmaram que as descobertas feitas por Delacroix no campo da tonalidade eram totalmente consistentes com a doutrina da cor que nasceu na época, cujo fundador é E. Chevreul. Além disso, o artista compara suas descobertas com a paleta usada pela escola veneziana, que para ele era um exemplo de habilidade na pintura.

Os retratos ocupam um lugar especial entre as pinturas de Delacroix. O mestre raramente se voltava para esse gênero. Ele pintou apenas aquelas pessoas com quem ele conhecia há muito tempo, cujo desenvolvimento espiritual ocorreu na frente do artista. Portanto, as imagens nos retratos são muito expressivas e profundas. Estes são os retratos de Chopin e George Sand. A tela dedicada ao famoso escritor (1834) retrata uma mulher nobre e de força de vontade que encanta seus contemporâneos. O retrato de Chopin, pintado quatro anos depois, em 1838, representa uma imagem poética e espiritual do grande compositor.

Um retrato interessante e incomumente expressivo do famoso violinista e compositor Paganini, pintado por Delacroix por volta de 1831. O estilo musical de Paganini era em muitos aspectos semelhante ao método de pintura do artista. A obra de Paganini é caracterizada pela mesma expressão e intensa emotividade que caracterizava as obras do pintor.

As paisagens ocupam um lugar pequeno na obra de Delacroix. No entanto, eles se mostraram muito significativos para o desenvolvimento da pintura francesa na segunda metade do século XIX. As paisagens de Delacroix são marcadas pelo desejo de transmitir com precisão a luz e a vida indescritível da natureza. Exemplos vívidos disso são as pinturas "Céu", onde uma sensação de dinâmica é criada graças às nuvens brancas como a neve flutuando no céu, e "O mar, visível das margens de Dieppe" (1854), em que o pintor magistralmente transmite o deslizamento de veleiros leves na superfície do mar.

Em 1833, o artista recebeu ordem do rei francês para pintar um salão no Palácio Bourbon. O trabalho na criação de uma obra monumental durou quatro anos. Ao cumprir o pedido, o pintor foi guiado principalmente pelo fato de as imagens serem extremamente simples e concisas, compreensíveis para o espectador.
A última obra de Delacroix foi a pintura da capela dos Santos Anjos na igreja de Saint-Sulpice em Paris. Foi feito no período de 1849 a 1861. Usando cores vivas e ricas (rosa, azul brilhante, lilás, colocadas sobre um fundo azul acinzentado e marrom amarelo), o artista cria um clima alegre nas composições, fazendo com que o espectador sentir uma alegria arrebatadora. A paisagem, incluída na pintura "A Expulsão de Iliodoro do Templo" como uma espécie de fundo, aumenta visualmente o espaço da composição e as dependências da capela. Por outro lado, como se tentasse enfatizar o isolamento do espaço, Delacroix introduz uma escada e uma balaustrada na composição. As figuras de pessoas colocadas atrás dele parecem ser silhuetas quase planas.

Eugene Delacroix morreu em 1863 em Paris.

Delacroix foi o mais educado entre os pintores da primeira metade do século XIX. Muitos temas de suas pinturas são retirados das obras literárias de famosos mestres da caneta. Um fato interessante é que na maioria das vezes o artista pintou seus personagens sem usar um modelo. Era isso que ele queria ensinar a seus seguidores. Segundo Delacroix, a pintura é algo mais complexo do que a cópia primitiva de linhas. O artista acreditava que a arte reside principalmente na capacidade de expressar o humor e a intenção criativa do mestre.

Delacroix é autor de várias obras teóricas sobre as questões de cor, método e estilo do artista. Essas obras serviram de farol para os pintores das gerações subsequentes na busca de seus próprios meios artísticos usados ​​para criar composições.

O desafio aos cânones congelados do classicismo foi o romantismo - uma tendência ideológica e artística que surgiu na cultura europeia e americana no final do século XVIII - na primeira metade do século XIX, como reação à estética do classicismo. A era do Romantismo situa-se no período histórico entre a grande Revolução Francesa de 1789 e as revoluções democrático-burguesas europeias de 1848, um ponto de viragem na vida dos povos europeus. O rápido crescimento do capitalismo minou as bases do sistema feudal, e as relações sociais que foram mantidas por séculos começaram a desmoronar em todos os lugares. Revoluções e reações abalaram a Europa, o mapa foi redesenhado. Nessas condições contraditórias, ocorreu uma renovação espiritual da sociedade.

O romantismo desenvolveu-se inicialmente (década de 1790) na filosofia e na poesia na Alemanha, e mais tarde (década de 1820) se espalhou para a Inglaterra, França e outros países. O romantismo assenta na base da percepção da vida um conflito entre o ideal e a realidade, os sentimentos elevados e a vida quotidiana.

A metade do século XVII deu início ao Iluminismo (ou "Era da Razão"), que celebrou o pensamento racional, o secularismo e o progresso científico. A primeira máquina a vapor em funcionamento, construída em 1712, pode ser vista como o início da revolução industrial que mais tarde varreria o Hemisfério Ocidental. A industrialização transformou as economias da Europa Ocidental e da América do Norte, forçando-as a passar da dependência da agricultura para a manufatura. No entanto, nem todos acreditavam que a ciência e a razão pudessem explicar tudo. Sua reação contra a industrialização em curso foi um movimento abrangente - o Romantismo.

O termo romantismo foi usado pela primeira vez na Alemanha no final do século XVIII, quando os críticos August e Friedrich Schlegel introduziram a definição de romantische Poesie (poesia romântica). Madame de Stael, uma influente líder na vida intelectual francesa, após a publicação de um relato de suas viagens alemãs em 1813, popularizou o termo na França. Em 1815, o poeta inglês William Wordsworth, que se tornou a principal voz do movimento romântico e acreditava que a poesia deveria ser "um transbordamento espontâneo de sentimentos fortes", "opôs a harpa romântica à lira clássica". Quebrando a ordem estabelecida, o Romantismo tornou-se o movimento artístico dominante em toda a Europa na década de 1820.

Um dos primeiros protótipos do Romantismo foi o movimento alemão Sturm und Drang (Sturm und Drang). Embora Sturm und Drang seja principalmente um fenômeno literário, teve um grande impacto na consciência pública e artística. O movimento leva o nome do título de uma peça (1777) de Friedrich Maxmilian Klinger.

Como o estadista britânico Edmund Burke, que primeiro desenvolveu o sublime como um conceito estético independente, formulou em seu tratado A Philosophical Inquiry Concerning the Origin of Our Concepts of the Sublime and Beautiful (1757): “Tudo o que é de alguma forma capaz de evocar idéias de sofrimento e perigo é a fonte do sublime, ou seja, causa a impressão mais forte que a consciência é capaz de perceber. Em 1790, o filósofo alemão Immanuel Kant, que estudou a relação entre a razão humana e a experiência, desenvolveu os conceitos de Burke em uma crítica do juízo. A ideia do sublime ocupou o centro do palco em grande parte do Romantismo para contrariar a racionalidade do Iluminismo.

Esta revolução trouxe consigo uma economia de mercado baseada em novas tecnologias - potência da máquina. Mas havia quem olhasse para o passado com saudade, vendo-o como um período romântico, um período em que tudo era diferente. Nessa época, havia uma crescente reação contra a filosofia do Iluminismo, que enfatizava principalmente a ciência e o pensamento racional. Os românticos desafiaram a ideia de que a razão é o único caminho para a verdade, considerando-a insuficiente para compreender os grandes mistérios da vida. Segundo os românticos, esses mistérios podem ser revelados por meio de emoções, imaginação e intuição. Na arte romântica, a natureza, com seu poder e imprevisibilidade incontroláveis, oferecia uma alternativa ao mundo ordenado do pensamento iluminado.

“O romantismo não está na escolha dos temas, nem na plausibilidade, mas em uma especial ‘maneira de sentir’, escreveu o poeta e crítico Charles Baudelaire em 1846. Do ponto de vista de Baudelaire, o Romantismo abrange uma ampla gama de estilos e assuntos, da história e mito ao orientalismo e nacionalismo.

Os artistas românticos abandonaram a didática da pintura histórica neoclássica em favor de assuntos imaginários e exóticos. O orientalismo e o mundo da literatura estimularam novos diálogos com o passado e o presente. As sinuosas odaliscas de Ingres refletem um fascínio contemporâneo pelo exótico do harém. Em 1832, Delacroix viajou para o Marrocos e sua viagem ao norte da África encorajou outros artistas a seguirem o exemplo. A literatura ofereceu uma forma alternativa de escapismo. Os romances de Sir Walter Scott, a poesia de Lord Byron e o drama de Shakespeare levaram a arte a outros mundos e épocas. Assim, a Inglaterra medieval é o lugar de "O Rapto de Rebecca", de Delacroix, a visão do autor de uma trama romântica popular, emprestada de Walter Scott.

Inspirado em parte pelo idealismo da Revolução Francesa, o Romantismo abraçou a luta pela liberdade e igualdade e a promoção da justiça. Artistas começaram a usar eventos atuais e atrocidades para lançar luz sobre injustiças em composições dramáticas que rivalizavam com as pinturas mais calmas da história neoclássica adotadas pelas Academias Nacionais.

Em muitos países, os pintores românticos voltaram sua atenção para a natureza e ao ar livre ou pintura ao ar livre. Trabalhos baseados na observação atenta da paisagem levaram a pintura de paisagem a um novo nível. Enquanto alguns artistas enfatizavam o homem como parte da natureza, outros retratavam sua força e imprevisibilidade, evocando no espectador uma sensação de sublime – espanto misturado com horror.

Romantismo na Alemanha

Na Alemanha, uma geração mais jovem de artistas reagiu à mudança dos tempos com um processo de introspecção: recuou para o mundo das emoções - inspirados por uma saudade sentimental do passado, por exemplo, da época medieval, que agora era vista como um época em que as pessoas viviam em harmonia consigo mesmas e com o mundo. Neste contexto, a "Catedral Gótica junto à Água" de Karl Friedrich Schinkel foi tão importante quanto as obras dos nazarenos - Friedrich Overbeck, Julius Schnorr von Karolsfeld e Franz Pforr, que tiveram sua origem nas tradições pictóricas do início do Renascimento italiano e Arte alemã da época de Albrecht Dürer. Em suas memórias do passado, os artistas românticos estavam muito próximos do neoclassicismo, exceto que seu historicismo criticava a posição racionalista do neoclassicismo.

O movimento romântico promoveu a intuição criativa e a imaginação como a base de toda a arte. A obra de arte tornou-se assim a expressão de uma "voz de dentro", como colocou o principal pintor romântico Caspar David Friedrich (1774-1840). O gênero preferido entre os românticos era a pintura de paisagem. A natureza era vista como um espelho da alma, enquanto na Alemanha politicamente limitada também era vista como um símbolo de liberdade e sem limites. Assim, a iconografia da arte romântica inclui figuras solitárias olhando ansiosamente para longe, bem como motivos vanitas (árvores mortas, ruínas cobertas de vegetação), simbolizando a transitoriedade e a finitude da vida.

Romantismo na Espanha

O desenvolvimento do romantismo na Espanha nos anos 30. estimulado pelas aspirações patrióticas revolucionárias do início do século. Após um longo período de domínio por estrangeiros, o domínio do academicismo em todas as áreas da cultura artística, o surgimento do romantismo na Espanha teve um significado geralmente progressivo, contribuindo para a ascensão da consciência nacional. O romantismo atualizou a ciência histórica espanhola, introduziu muito frescor no desenvolvimento da literatura e do teatro, revivendo o interesse pelas tradições da "idade de ouro", na arte popular. Mas no campo das artes plásticas, o romantismo espanhol foi menos brilhante e original. É significativo que aqui a fonte de inspiração não tenha sido tanto a arte de Goya, mas as obras do romantismo em outros países da Europa Ocidental.

Francisco de Goya foi o mais proeminente dos românticos espanhóis. Enquanto artista oficial da corte real, no final do século XVIII, começou a explorar o imaginário, o irracional e os horrores do comportamento humano e da guerra. Suas obras, incluindo a pintura Três de maio de 1808 (1814) e a série de gravuras Os desastres da guerra (1812-15), são poderosas reprimendas à guerra.

Romantismo na França

Depois que as Guerras Napoleônicas terminaram, os artistas românticos começaram a desafiar o neoclassicismo de Jacques Louis David, um artista avançado ativo durante a Revolução Francesa, e o estilo neoclássico geral favorecido pela Academia. Ao contrário de seus colegas alemães, os franceses pintaram não apenas retratos, mas também criaram telas históricas.

Na França, os principais artistas românticos foram o Barão Antoine Gros, que pintou quadros dramáticos dos eventos contemporâneos das Guerras Napoleônicas, e Theodore Géricault. O maior pintor romântico francês foi Eugène Delacroix, conhecido por sua pincelada livre e expressiva, uso rico e sensual de cores, composições dinâmicas e assuntos exóticos e aventureiros que vão da vida árabe do norte da África à política revolucionária. Paul Delaroche, Théodore Chasserio e ocasionalmente J.-A.-D. Ingres representa a última fase mais acadêmica da pintura romântica na França.

Romantismo na Inglaterra

Com exceção de William Blake, os pintores românticos ingleses preferiam a paisagem. Suas imagens, no entanto, não eram tão dramáticas e sublimes quanto as de seus colegas alemães, mas eram mais naturalistas. A Escola de Norwich é um grupo de pintores de paisagens que se desenvolveu a partir da Sociedade de Artistas de Norwich de 1803. John Crome, foi um dos fundadores do grupo e o primeiro presidente da Norwich Society, que realizou exposições anuais de 1805-1833. Os membros do grupo enfatizaram a pintura ao ar livre.

Se o trabalho dos românticos alemães era caracterizado pelo misticismo, retirado de lendas misteriosas e contos populares, a arte romântica da Inglaterra tinha características completamente diferentes. Na arte da paisagem dos mestres ingleses, o pathos romântico foi combinado com elementos da pintura realista. John Constable e William Turner são os maiores expoentes da paisagem romântica na Inglaterra.

Romantismo nos Estados Unidos

O romantismo americano encontrou sua principal expressão na pintura de paisagem da Hudson River School (1825-1875). Enquanto o movimento começou com Thomas Doughty, cujo trabalho enfatizava uma espécie de quietismo na natureza, o membro mais famoso do grupo foi Thomas Cole, cujas paisagens transmitem um sentimento de reverência pela imensidão da natureza. Outros artistas notáveis ​​desta escola foram Frederic Edwin Church, Asher B. Durand e Albert Bierstadt. O trabalho da maioria desses artistas se concentrou na paisagem das Adirondacks, White Mountains e Catskills no nordeste, mas gradualmente se ramificou no oeste americano e nas paisagens sul e latino-americanas.

Entre os maiores pintores românticos estavam Henry Fuseli (1741-1825), Francisco Goya (1746-1828), Caspar David Friedrich (1774-1840), JMW Turner (1775-1851), John Constable (1776-1837), Théodore Géricault ( 1791-1824) e Eugene Delacroix (1798-63). A arte romântica não suplantou o estilo neoclássico, mas atuou como um contrapeso à sua severidade e rigidez. Embora o Romantismo tenha declinado por volta de 1830, sua influência continuou por muito tempo.

O estilo romântico de pintura estimulou o surgimento de inúmeras escolas, tais como: a Barbizon School, a Norwich School of Landscape Painters; Nazarenos, um grupo de artistas católicos alemães e austríacos; simbolismo (por exemplo, Arnold Böcklin).

Caspar David Friedrich Wanderer sobre o Mar de Névoa. 94,8 x 74,8 cm Óleo sobre tela. Hamburgo Kunsthallee, 1818

Theodore Géricault. Balsa "Medusa". 491 x 716 cm Óleo sobre tela. Louvre, Paris, 1819

Carl Friedrich Lessing "Siege (defesa do cemitério na Guerra dos Trinta Anos)". Lona, óleo. Museu do Kunstpalast, Düsseldorf, 1848

William Turner. "Ponte dos Símbolos", 1933

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