Dutar. Du- dois. Tar - corda. Um instrumento com trastes forjados e duas cordas de veia. Você acha que quanto menos cordas mais fácil é tocar?

Bem, então ouça um dos melhores tocadores de dutar, Abdurahim Khait, um uigur de Xinjiang, China.
Há também um dutar turcomeno. As cordas e trastes do dutar turcomeno são de metal, o corpo é escavado em uma única peça de madeira, o som é muito brilhante, sonoro. O dutar turcomano tem sido um dos meus instrumentos favoritos nos últimos três anos, e o dutar mostrado na foto foi trazido de Tashkent recentemente. Ferramenta incrível!

Saz do Azerbaijão. As nove cordas são divididas em três grupos, cada um dos quais é afinado em uníssono. Um instrumento semelhante na Turquia é chamado baglama.

Certifique-se de ouvir como este instrumento soa nas mãos de um mestre. Se você tiver pouco tempo, assista pelo menos a partir das 14h30.
De saz e baglama veio o instrumento grego bouzouki e sua versão irlandesa.

Oud ou al-ud, se você chamar esse instrumento em árabe. É do nome árabe deste instrumento que se originou o nome do alaúde europeu. Al-ud - alaúde, alaúde - você ouve? O oud usual não tem trastes - os trastes deste exemplar da minha coleção surgiram por minha iniciativa.

Ouça como um mestre do Marrocos toca o oud.

Do violino erhu chinês de duas cordas com um corpo ressonador simples e uma pequena membrana de couro, originou-se o gidjak da Ásia Central, que no Cáucaso e na Turquia era chamado de kemancha.

Ouça como o kemancha soa quando Imamyar Khasanov o toca.

O rubab tem cinco cordas. Os quatro primeiros deles são duplicados, cada par é afinado em uníssono e a corda do baixo é uma. O braço longo tem trastes de acordo com a escala cromática por quase duas oitavas e um pequeno ressonador com membrana de couro. O que você acha que significam os chifres curvados para baixo vindo do pescoço em direção ao instrumento? Sua forma lembra a cabeça de uma ovelha? Mas tudo bem - que som! Você deveria ter ouvido o som deste instrumento! Vibra e treme mesmo com seu pescoço maciço, preenche todo o espaço ao redor com seu som.

Ouça o som do rubab Kashgar. Mas meu rubab soa melhor, honestamente.

O alcatrão iraniano tem um corpo oco duplo feito de uma única peça de madeira e uma membrana feita de pele de peixe fina. Seis cordas emparelhadas: duas cordas de aço, seguidas por uma combinação de aço e cobre fino, e o próximo par é afinado em uma oitava - uma corda de cobre grossa é afinada uma oitava abaixo do aço fino. O alcatrão iraniano forçou trastes feitos de veias.

Ouça como o alcatrão iraniano soa.
O alcatrão iraniano é o ancestral de vários instrumentos. Um deles é um setar indiano (se - três, alcatrão - corda), e falarei sobre os outros dois abaixo.

O alcatrão do Azerbaijão não tem seis, mas onze cordas. Seis do mesmo que o alcatrão iraniano, uma corda de baixo adicional e quatro cordas não tocadas que ressoam quando tocadas, adicionando ecos ao som e fazendo com que o som dure mais. Tar e kemancha são talvez os dois principais instrumentos da música do Azerbaijão.

Ouça por alguns minutos, começando às 10:30 ou pelo menos começando às 13:50. Você nunca ouviu tal coisa e não poderia imaginar que tal performance é possível neste instrumento. Isso é interpretado pelo irmão de Imamyar Khasanov - Rufat.

Há uma hipótese de que o alcatrão seja o ancestral do violão europeu moderno.

Recentemente, quando falei sobre o caldeirão elétrico, eles me repreenderam - eles dizem que eu tiro a alma do caldeirão. Provavelmente, a mesma coisa foi dita a uma pessoa que, 90 anos atrás, adivinhou colocar um captador em um violão. Cerca de trinta anos depois, foram criados os melhores exemplos de guitarras elétricas, que permanecem o padrão até hoje. Uma década depois, vieram os Beatles, os Rolling Stones e o Pink Floyd.
E todo esse progresso não impediu os fabricantes de violões e violonistas clássicos.

Mas os instrumentos musicais nem sempre se espalharam de leste a oeste. Por exemplo, o acordeão tornou-se um instrumento extremamente popular no Azerbaijão no século 19, quando os primeiros colonos alemães chegaram lá.

Meu acordeão foi feito pelo mesmo mestre que fez instrumentos para Aftandil Israfilov. Ouça como este instrumento soa.

O mundo dos instrumentos musicais orientais é grande e diversificado. Ainda não vos mostrei uma parte da minha coleção, que está longe de estar completa. Mas devo falar sobre mais dois instrumentos.
Um tubo com um sino no topo é chamado de zurna. E o instrumento sob ele é chamado duduk ou balaban.

Celebrações e casamentos começam com os sons da zurna no Cáucaso, Turquia e Irã.

Aqui está a aparência de um instrumento semelhante no Uzbequistão.

No Uzbequistão e no Tajiquistão, zurna é chamado surnay. Na Ásia Central e no Irã, os sons persistentes de outro instrumento, o karnay, são necessariamente adicionados aos sons do surnay e dos pandeiros. Karnay-surnay é uma frase estável que denota o início do feriado.

Curiosamente, um instrumento relacionado ao karnay existe nos Cárpatos, e seu nome é familiar para muitos - trembita.

E o segundo cachimbo, mostrado na minha foto, chama-se balaban ou duduk. Na Turquia e no Irã, esse instrumento também é chamado de mey.

Ouça como Alikhan Samedov toca o balaban.

Voltaremos ao balaban, mas por enquanto quero falar sobre o que vi em Pequim.
Até onde você entende, eu coleciono instrumentos musicais. E assim que tive um momento livre durante minha viagem a Pequim, fui imediatamente à loja de instrumentos musicais. O que eu comprei nesta loja, vou te contar outra hora. E agora que eu não comprei e que me arrependo terrivelmente.
Na janela havia um cano com um sino, cujo desenho lembrava exatamente uma zurna.
- Como é chamado? Eu perguntei através de um intérprete.
- Sona, - eles me responderam.
- Como semelhante a "sorna - surnay - zurna" - pensei em voz alta. E o tradutor confirmou meu palpite:
- Os chineses não pronunciam a letra r no meio de uma palavra.

Você pode ler mais sobre a variedade chinesa de zurna
Mas, você sabe, zurna e balaban andam de mãos dadas. O design deles tem muito em comum - talvez seja por isso. E o que você acha? Ao lado do instrumento sona havia outro instrumento - o guan ou guanji. Aqui está o que parecia:

Aqui está o que parece. Pessoal, camaradas, senhores, mas este é o duduk!
E quando ele chegou lá? No século VIII. Portanto, pode-se supor que veio da China - o momento e a geografia coincidem.
Até agora, está documentado apenas que essa ferramenta se espalhou para o leste de Xinjiang. Bem, como eles tocam este instrumento em Xinjiang moderno?

Assista e ouça a partir do 18º segundo! Basta ouvir o som luxuoso que o balaman uigur tem - sim, aqui é chamado exatamente da mesma forma que na língua do Azerbaijão (existe essa pronúncia do nome).

E vamos procurar informações adicionais em fontes independentes, por exemplo, na enciclopédia iraniana:
BALABAN
CH. ALBRIGHT
um instrumento de sopro cilíndrico de palheta dupla com cerca de 35 cm de comprimento com sete orifícios para os dedos e um orifício para o polegar, tocado no leste do Azerbaijão no Irã e na República do Azerbaijão.

Ou Iranika simpatiza com os azerbaijanos? Bem, o TSB também diz que a palavra duduk é de origem turca.
Azerbaijanos e uzbeques subornaram os compiladores?
Bem, bem, você definitivamente não suspeitará que os búlgaros tenham simpatia pelos turcos!
em um site búlgaro muito sério para a palavra duduk:
duduk, duduk; duduk, dudyuk (do turco düdük), squeaker, svorche, glasnik, adicional - Naroden darven é um instrumento musical do tipo aerofonite, tubos semifechados.
Novamente eles apontam para a origem turca da palavra e a chamam de instrumento popular.
Esta ferramenta é difundida, como se viu, principalmente entre os povos turcos, ou entre os povos que tiveram contato com os turcos. E todas as nações o consideram razoavelmente como seu instrumento popular e nacional. Mas apenas um leva o crédito por sua criação.

Afinal, apenas os preguiçosos não ouviram que "duduk é um antigo instrumento armênio". Ao mesmo tempo, eles sugerem que o duduk foi criado há três mil anos - ou seja, em um passado improvável. Mas os fatos e a lógica elementar mostram que não é assim.

Volte ao início deste artigo e dê outra olhada nos instrumentos musicais. Quase todos esses instrumentos também são tocados na Armênia. Mas é bastante claro que todos esses instrumentos surgiram entre povos muito mais numerosos com uma história clara e compreensível, entre os quais os armênios viveram. Imagine um pequeno povo vivendo em dispersão entre outros povos com seus próprios estados e impérios. Será que esse povo criará um conjunto completo de instrumentos musicais para uma orquestra inteira?
Francamente, também pensei: "Ok, aqueles eram instrumentos grandes e complexos, vamos deixá-los de lado. Mas pelo menos os armênios poderiam inventar um cachimbo?" E acontece que não, eles não fizeram. Se eles o inventassem, esse cachimbo teria um nome puramente armênio, e não o tsiranopokh poético e metafórico (a alma de um damasco), mas algo mais simples, mais popular, com uma raiz ou completamente onomatopaico. Até agora, todas as fontes apontam para a etimologia turca do nome deste instrumento musical, e a geografia e as datas de distribuição mostram que o duduk começou sua distribuição a partir da Ásia Central.
Bem, vamos fazer mais uma suposição e dizer que o duduk veio para Xinjiang da antiga Armênia. Mas como? Quem o trouxe lá? Que povos migraram do Cáucaso para a Ásia Central na virada do primeiro milênio? Não existem tais nações! Mas os turcos estavam constantemente se movendo da Ásia Central para o oeste. Eles poderiam espalhar essa ferramenta no Cáucaso e no território da Turquia moderna e até na Bulgária, como indicam os documentos.

Prevejo mais um argumento dos defensores da versão da origem armênia do duduk. Tipo, um duduk de verdade é feito apenas de um damasco, que em latim é chamado de Prúnus armeniáca. Mas, em primeiro lugar, os damascos na Ásia Central não são menos comuns do que no Cáucaso. O nome latino não indica que esta árvore se espalhou pelo mundo a partir do território da área com o nome geográfico da Armênia. Só de lá penetrou na Europa e foi descrito por botânicos há cerca de trezentos anos. Pelo contrário, há uma versão que o damasco se espalhou do Tien Shan, parte da qual está na China e parte na Ásia Central. Em segundo lugar, a experiência de pessoas muito talentosas mostra que este instrumento pode até ser feito de bambu. E meu balaban favorito é feito de amora e soa muito melhor do que os de damasco, que também tenho e são feitos apenas na Armênia.

Ouça como aprendi a tocar este instrumento em alguns anos. O Artista do Povo do Turcomenistão Gasan Mammadov (violino) e o Artista do Povo da Ucrânia, meu compatriota de Ferghana, Enver Izmailov (guitarra) participaram da gravação.

Com tudo isso, quero prestar homenagem ao grande performer duduk armênio Jivan Gasparyan. Foi este homem que fez do duduk um instrumento conhecido em todo o mundo, graças ao seu trabalho uma escola maravilhosa de tocar o duduk surgiu na Armênia.
Mas falar de "duduk armênio" só se justifica em relação a instrumentos específicos, se são feitos na Armênia, ou ao tipo de música que surgiu graças a J. Gasparyan. Somente aquelas pessoas que se permitem declarações infundadas podem apontar para a origem armênia do duduk.

Por favor, note que eu mesmo não indico o local exato ou a hora exata do aparecimento do duduk. Provavelmente, já é impossível estabelecer e o protótipo do duduk é mais antigo que qualquer um dos povos vivos. Mas estou construindo minha hipótese sobre a disseminação do duduk, com base em fatos e lógica elementar. Se alguém deseja se opor a mim, quero perguntar antecipadamente: por favor, ao construir hipóteses, da mesma forma, confie em fatos prováveis ​​e verificados de fontes independentes, não fuja da lógica e tente encontrar outra explicação inteligível pelos fatos listados.

Instrumento Musical: Alaúde

Na era das velocidades supersônicas e das nanotecnologias, às vezes você realmente quer relaxar, renunciar a toda agitação mundana e se encontrar em algum outro mundo onde não há turbulência moderna, por exemplo, na era romântica do Renascimento. No momento, você não precisa inventar uma máquina do tempo para isso, mas simplesmente visite um concerto de música autêntica em algum lugar do Kremlin Izmailovsky ou do Palácio Sheremetyevo. Lá, você não apenas ouvirá belas melodias que remetem mentalmente aos tempos passados, mas também conhecerá instrumentos musicais interessantes nos quais nossos ancestrais distantes tocavam música há vários séculos. O interesse pela música antiga está crescendo hoje, artistas modernos estão dominando entusiasticamente os instrumentos de eras passadas, que incluem a flauta transversal, viola da gamba, viola aguda, violon barroco contrabaixo, cravo e, sem dúvida, o alaúde é um instrumento de classes privilegiadas e merece atenção especial. Os árabes da Idade Média a chamavam com razão de rainha dos instrumentos musicais.

Som

O alaúde pertence à família dos instrumentos de cordas dedilhadas, pela natureza de seu som é um pouco parecido com um violão, porém, sua voz é muito mais suave e suave, e seu timbre é aveludado e trêmulo, pois é mais saturado com sobretons. A fonte do som no alaúde são cordas pareadas e únicas, que o intérprete dedilha com a mão direita e pressiona os trastes com a esquerda, alterando seu comprimento, alterando assim o tom.

O texto musical para o instrumento foi escrito com letras em uma linha de seis linhas, e a duração dos sons foi indicada por notas colocadas acima das letras. Variar instrumento cerca de 3 oitavas. A ferramenta não possui uma configuração padrão específica.

Uma foto:

Fatos interessantes

• Para muitas nações, a imagem do alaúde serviu como símbolo de harmonia, juventude e amor. Entre os chineses, significava sabedoria, bem como consistência na família e na sociedade. Para os budistas - harmonia no mundo dos deuses, para os cristãos - um alaúde nas mãos dos anjos marcava a beleza do céu e a reconciliação das forças naturais. Na arte do Renascimento, ela simbolizava a Música, e um instrumento com cordas quebradas indicava desacordo e discórdia.
• O alaúde era um emblema - uma imagem simbólica dos amantes.
• O alaúde no Renascimento era frequentemente exibido em pinturas, até Orfeu e Apolo eram pintados por artistas da época não com uma lira, mas com um alaúde. E é impossível imaginar uma composição mais harmoniosa do que uma menina ou um jovem com este instrumento romântico.
• Ao mesmo tempo, o alaúde, que era muito popular, era considerado um instrumento privilegiado do círculo secular, da nobreza e da realeza. No Oriente, era chamado de sultão dos instrumentos, e nos países europeus havia um ditado que dizia que o órgão é o “Rei de todos os instrumentos”, e o alaúde é “o instrumento de todos os reis”.
• O grande poeta e dramaturgo inglês W. Shakespeare frequentemente mencionava o alaúde em suas obras. Ele admirava o som dela, atribuindo a ela a capacidade de levar os ouvintes a um estado de êxtase.
• O maior escultor, artista, poeta e pensador italiano Michelangelo Buonarroti, admirando a atuação do famoso tocador de alaúde Francesco da Milano, disse que ele foi divinamente inspirado pela música e todos os seus pensamentos naquele momento foram voltados para o céu.
• O executante do alaúde é chamado de tocador de alaúde, e o mestre que faz os instrumentos é chamado de alaúde.
• Os instrumentos dos artesãos bolonheses - alaúde L. Mahler e G. Frey, bem como representantes da família Tieffenbrucker de Veneza e Pádua, criados nos séculos 17-18, custam dinheiro astronômico por esses padrões.
• Não era tão difícil aprender a tocar alaúde, mas era problemático afinar um instrumento que tinha muitas cordas feitas de materiais naturais, mas mal afinadas devido às mudanças de temperatura e umidade. Houve uma piada muito famosa: um tocador de alaúde passa dois terços do tempo afinando o instrumento e um terço toca música em um instrumento desafinado.

Projeto

Um design muito elegante do alaúde inclui um corpo e um braço, terminando com um bloco de pinos. O corpo, que tem formato de pêra, inclui um deck e um corpo que atua como ressonador.

• O corpo é feito de curvas, formando uma forma hemisférica, segmentos feitos de madeira de lei: ébano, jacarandá, cerejeira ou bordo.
• O deck é a parte frontal do corpo que cobre o corpo. É plano, de forma oval e geralmente é feito de abeto ressonador. Há um suporte no convés na parte inferior e no meio há um orifício de som na forma de um padrão intrincado elegante ou uma bela flor.

Um braço de alaúde relativamente largo, mas curto, é preso ao corpo no mesmo nível da mesa de som. Uma sobreposição de ébano é colada a ela, e delimitadores de traste de categute também são amarrados. No topo do braço há uma porca que controla a tensão das cordas.

O bloco de pinos do alaúde, no qual existem pinos de ajuste para a tensão das cordas, também tem sua própria característica distintiva. Está no fato de que o bloco está localizado em relação ao pescoço do pescoço em um ângulo bastante grande, quase reto.

O número de cordas emparelhadas em diferentes alaúdes varia muito: 5 a 16 e às vezes 24.

O peso a ferramenta é muito pequena e tem aproximadamente 400 gr., comprimento ferramenta - cerca de 80 cm.

Variedades

O alaúde ao mesmo tempo, que era muito popular, evoluiu muito intensamente. Os mestres musicais experimentaram constantemente sua forma, número de cordas e afinação. Como resultado, surgiu um número bastante significativo de variedades de instrumentos. Por exemplo, os alaúdes renascentistas, além dos instrumentos tradicionais, incluindo instrumentos com um número diferente de cordas emparelhadas - coros, tinham tipos de vários tamanhos que se assemelhavam aos registros da voz humana: pequena oitava, pequeno agudo, agudo, alto, tenor, baixo e oitava baixo. Além disso, a família do alaúde inclui o alaúde barroco, al-ud, archilute, torban, kobza, theorba, kittaron, cítara, bandora, alaúde cantabile, orfarion, alaúde wandervogel, mandora, mandola.

Inscrição

Os historiadores da arte consideram o alaúde não apenas um dos instrumentos mais interessantes, mas também de fundamental importância na história da música europeia dos séculos XVI e XVII. Recebeu o reconhecimento de representantes de várias esferas da vida, de plebeus à realeza, e tem sido usado como instrumento de acompanhamento, solo e conjunto. A crescente popularidade do alaúde exigia constantemente reabastecimento e atualização do repertório. Muitas vezes, os compositores de obras eram ao mesmo tempo intérpretes, então toda uma galáxia de maravilhosos compositores de alaúde apareceu nos países europeus. Na Itália - F. Spinachino, F. Milano, V. Galilei, A. Rippe, G. Morley, V. Capirola, A. Piccinini. Na Espanha - L. Milan, M. Fuenlyana. Na Alemanha - H. Neusiedler, M. Neusiedler, I. Kapsberger, S. Weiss, W. Lauffensteiner. Na Inglaterra - D. Dowland, D. Johnson, F. Cutting, F. Rosseter, T. Campion. Na Polónia - V. Dlugoraj, J. Reis, D. Kato, K. Klabon. Na França - E. Gauthier, D. Gauthier, F. Dufau, R. Wiese. Deve-se notar também que mesmo grandes mestres como É. Bach, A. Vivaldi, G. Handel, J. Haydn deram atenção ao alaúde, enriquecendo seu repertório com suas obras.

Atualmente, o interesse pela música antiga e ao mesmo tempo pelo alaúde não diminui. Seu som pode ser ouvido cada vez com mais frequência nos palcos das salas de concerto. Entre os compositores modernos que compõem para o instrumento hoje, muitas obras interessantes devem ser notadas por I. David, V. Vavilov, S. Kallosh, S. Lundgren, T. Sato, R. MacFarlen, P. Galvão, R. MacKillop, J. Wissems, A. Danilevsky, R. Turovsky-Savchuk, M. Zvonarev.

Artistas notáveis

Invulgarmente na moda no Renascimento e no Barroco, mas suplantado por outros instrumentos e injustamente esquecido, o alaúde volta a despertar hoje grande interesse, e não só entre os músicos autênticos. Seu som agora pode ser ouvido com cada vez mais frequência em vários locais de concerto, não apenas solo, mas também em conjunto com outros belos instrumentos musicais antigos. No século 21, os intérpretes virtuosos mais famosos que fazem muito para popularizar o instrumento são V. Kaminik (Rússia), P. O "Dett (EUA), O. Timofeev (Rússia), A. Krylov (Rússia, Canadá) , A Suetin (Rússia), B. Yan (China), J. Imamura (Japão), R. Lislevand (Noruega), E. Karamazov (Croácia), J. Held (Alemanha), L. Kirchhoff (Alemanha), E . Eguez (Argentina), H. Smith (EUA), J. Lindbergh (Suécia), R. Barto (EUA), M. Lowe (Inglaterra), N. North (Inglaterra), J. van Lennep (Holanda) e muitos outros outros.

História

É impossível traçar toda a história do surgimento do alaúde, considerado um dos instrumentos mais perfeitos dos países orientais. Tais ferramentas já eram difundidas em muitos países do mundo há quatro milênios. Eles foram jogados no Egito, Mesopotâmia, China, Índia, Pérsia, Assíria, Grécia Antiga e Roma. No entanto, estudiosos da arte sugerem que o alaúde teve um antecessor imediato, o oud, um instrumento que ainda é tratado com especial reverência no Oriente Médio, alegando que é o resultado da criação do neto do Profeta. O oud tinha um corpo em forma de pêra, feito de nogueira ou madeira de pêra, um tampo de pinho, um pescoço curto e uma cabeça curvada para trás. O som foi extraído com uma palheta.

A conquista da Europa pelo alaúde começou no século VIII da Espanha e da Catalunha, depois que os mouros conquistaram a Península Ibérica. A ferramenta não só rapidamente se juntou às culturas desses países, como também, devido às Cruzadas, começou a se espalhar rapidamente para outros países europeus: Itália. França, Alemanha, deslocando outros instrumentos que existiam na época, como a cisterna e a pandura. O alaúde, ganhando popularidade, foi constantemente submetido a várias melhorias. Masters fez alterações no design do instrumento, modificou o corpo e o braço, acrescentou cordas. Se inicialmente ele tinha de 4 a 5 cordas emparelhadas - coros, depois o número aumentou gradualmente. No século 14, o alaúde na Europa não só estava totalmente formado, mas também se tornou um dos instrumentos mais populares não apenas na corte, mas também na música doméstica. Foi usado não apenas como acompanhamento, mas também como instrumento solo. Para o alaúde, compuseram muita música diversa, fizeram transcrições não só de canções e danças populares, mas também de música sacra. No século 15, a popularidade do instrumento aumentou ainda mais, os pintores geralmente o retratam em suas telas de arte. Os compositores continuam a enriquecer intensamente o repertório. Os intérpretes abandonam a palheta, preferindo o método de extração dos dedos, que ampliou significativamente as possibilidades técnicas, permitindo a execução tanto de acompanhamento harmônico quanto de música polifônica. Os alaúdes continuaram a melhorar e os instrumentos com seis cordas emparelhadas tornaram-se os mais procurados.

No século 16, a popularidade do alaúde atingiu seu auge. Ela dominou tanto músicos profissionais quanto amadores. O instrumento soava nos palácios dos reis e da mais alta nobreza, bem como nas casas dos cidadãos comuns. Realizou trabalhos solo e ensemble, acompanhou vocalistas e corais e, além disso, apresentou-os a orquestras. Em diferentes países, foram criadas escolas para a produção de instrumentos de alaúde, a mais famosa delas foi na Itália, na cidade de Bolonha. Os instrumentos foram constantemente modificados, o número de cordas emparelhadas aumentou: primeiro dez, depois quatorze e depois seu número chegou a 36, ​​o que exigiu mudanças no design do instrumento. Havia muitas variedades do alaúde, entre elas havia sete que correspondiam à tessitura da voz humana, do desconto ao baixo.

No final do século XVII, a popularidade do alaúde começou a declinar visivelmente, à medida que foi gradualmente suplantado por instrumentos como violão, cravo, e depois o piano. No século 18, na verdade, não era mais usado, com exceção de várias variedades que existiam na Suécia, Ucrânia e Alemanha. E somente na virada dos séculos 19 e 20, devido ao renovado interesse pelos instrumentos antigos de entusiastas ingleses liderados pelo mestre instrumental, músico profissional e musicólogo Arnold Dolmich, a atenção ao alaúde voltou a aumentar muito.

O alaúde é um instrumento musical antigo e elegante com uma bela voz suave, que uma vez foi forçado a deixar de ser usado e injustamente esquecido. O tempo passou, os músicos se lembraram dele, se interessaram e novamente o trouxeram ao palco do show para conquistar os ouvintes com um som sofisticado. Hoje, o alaúde é frequentemente um participante de autênticos concertos de música, atuando tanto como instrumento solo quanto em conjunto.

Vídeo: ouça o alaúde

Xi Jinping, presidente da República Popular da China, falando em um simpósio dedicado ao 69º aniversário da vitória sobre os invasores japoneses durante a Guerra Mundial, pedindo ao Japão que adote uma abordagem mais responsável para avaliar...

adicionado: 04 de março de 2014

Música e instrumentos japoneses nacionais

A Terra do Sol Nascente O Japão tem uma cultura distinta e única. O legado de uma grande nação está intimamente ligado à música. A música nacional japonesa é o mesmo fenômeno original, que se deveu ao isolamento do país.

O povo do Japão sempre trata com cuidado e respeito os monumentos da cultura de sua terra natal. Qualquer música é impossível sem instrumentos musicais. A cultura musical do Japão tem seu próprio gênero único. Isso explica a variedade de instrumentos que são usados ​​para criar obras-primas musicais.

instrumentos musicais notáveis

Um dos instrumentos musicais japoneses mais famosos é shamisen, que é análogo ao alaúde. Pertence à categoria de instrumentos dedilhados de três cordas. Ele se originou de sanshina, que por sua vez deriva de sanxiano que é nativo da China.

A música e a dança japonesas não estão completas sem o shamisen, que ainda é reverenciado nas ilhas japonesas hoje e é frequentemente usado no teatro japonês. Bunraku e Kabuki. Também é importante que o jogo no shamisen seja incluído no programa de treinamento para gueixas - maiko.

A música nacional japonesa também está inextricavelmente ligada às flautas. Instrumento musical combustível pertence a uma família de flautas que são conhecidas por seu tom agudo. Eles são feitos de bambu. Esta flauta originou-se da flauta chinesa - " paixiao«.

A flauta mais famosa da família fue é shakuhachi, que é usado como instrumento musical pelos monges zen-budistas. Segundo a lenda, o shakuhachi foi inventado por um camponês comum. Quando ele estava transportando o bambu, ele ouviu uma melodia maravilhosa que saiu do bambu quando o vento soprou nele.

A flauta fue, assim como o shamisen, é frequentemente usada como acompanhamento nos teatros Banraku e Kabuki e em vários conjuntos. Alguns dos fuet podem ser afinados ao estilo ocidental e, assim, tornarem-se solistas. É interessante que antes jogar o fue era característico apenas dos monges errantes japoneses.

Suikinkutsu

Outro instrumento que representa a cultura japonesa é suikinkutsu. Tem a forma de um jarro invertido, sobre o qual corre água. Entrando por certos buracos, faz com que o instrumento emita um som muito parecido com o toque de um sino. Este instrumento é tocado antes da cerimônia do chá e também é usado como atributo do jardim tradicional japonês.

A propósito, por conveniência, a cerimônia do chá pode ocorrer no jardim. O som do instrumento mergulha a pessoa em uma sensação inexplicável de relaxamento, cria um clima contemplativo. Tal estado é muito adequado para mergulhar no Zen, já que relaxar no jardim durante a cerimônia do chá faz parte da tradição Zen.

Mais compreensível para nossa percepção é a ferramenta taiko,que na tradução para o russo significa "tambor". Taiko ficou famoso em assuntos militares, a propósito, assim como seus homólogos em outros países. Como se costuma dizer, nas crônicas de Gunji Yeshu, nove por nove golpes significavam um chamado para a batalha e, por sua vez, nove por três significavam que o inimigo deveria ser perseguido.

Deve-se ter em mente que durante a performance de um baterista, é dada atenção à estética da performance que ele oferece, pois não apenas a melodia e o ritmo da performance são importantes, mas também a aparência do instrumento em que a melodia é executada. é jogado.

Gêneros musicais japoneses

A música folclórica do Japão percorreu um longo caminho em seu desenvolvimento. Suas origens foram canções mágicas, posteriormente o confucionismo e o budismo influenciaram o desenvolvimento e a formação do gênero musical. Assim, a música japonesa, de uma forma ou de outra, está associada a rituais, feriados tradicionais, apresentações teatrais e outras atividades. A música étnica japonesa, que, no mundo moderno, pode ser ouvida online a qualquer hora do dia e em qualquer lugar, tornou-se parte importante do patrimônio cultural do país.

Existem dois principais tipos mais populares de música nacional japonesa.

• O primeiro é shomyo, que é um canto budista.
• Segundo - gagaku, que é música de corte orquestral.

Mas também existem gêneros que não têm raízes antigas. Eles pertencem a yasugi bushi e enka.

O gênero mais popular de canções folclóricas japonesas é yasugi bushi, que tem o nome da cidade de Yasugi. O tema do gênero está ligado à história antiga e aos contos mito-poéticos. Mas yasugi bushi não é apenas canções, mas também uma dança sukui dojo bem como a arte de fazer malabarismos com a música zeni daiko, em que as hastes de bambu são usadas como instrumento musical, que são preenchidas com moedas.

Enka, como gênero, surgiu há relativamente pouco tempo, no período pós-guerra. Nela, os motivos folclóricos japoneses estão entrelaçados com a música jazz e blues. Assim, a música japonesa tem suas próprias características nacionais e, portanto, difere de outros gêneros musicais em outros países. Então, existem instrumentos musicais que são chamados de poços cantantes, que você não verá em nenhum lugar da terra, exceto talvez no Tibete.

A música japonesa é caracterizada pela constante mudança de tempo e ritmo. Muitas vezes não há tamanho nele. A música japonesa está próxima dos sons da natureza, o que a torna ainda mais misteriosa e inusitada.

Vídeo: música japonesa online

Uma vez prometi falar sobre instrumentos musicais japoneses. Este tempo chegou. A Biva caiu nas minhas mãos por acaso, mas coube a ela abrir o tópico :)

Hoje, nossa atenção será capturada pelos mágicos - embora não suaves, nem arejados, mas sim ásperos, metálicos e rítmicos - os sons de um instrumento musical tradicional japonês chamado biwa (biwa).
Biwa é uma variedade japonesa de alaúde ou bandolim, veio da China para o Japão no século VII, na China um instrumento semelhante é chamado de pipa (pipa), mas veio da Pérsia para a China no século IV dC.
E as raízes do alaúde europeu também vão para a Ásia Central.
No Japão, mais de mil anos de desenvolvimento do biwa, surgiram muitos modelos, muitas escolas de tocar e cantar.

(Este é um tipo de concerto biwa com orquestra. Gion shoja. Compositor Hirohisa Akigishi
Na gravação do prólogo de "The tale" s of Heike" (a história de Heike, também chamada de "Taira monogatari") Esta é a principal obra moderna executada em biwa. Esta gravação foi feita em Seul, em 2004, no o centro de Sejong)

A ferramenta é semelhante em forma a uma noz de amêndoa apontada para cima. A parede frontal do corpo é ligeiramente curvada para a frente, a parte traseira é plana. As paredes - ou seja, duas tábuas de madeira - não estão distantes, o instrumento é bastante plano. Existem três orifícios na parede frontal.
O biwa tem quatro ou cinco cordas feitas dos melhores fios de seda colados com cola de arroz. A escala tem cinco trastes muito altos.

As cordas são esticadas com bastante liberdade, ou seja, não são muito esticadas. O músico, pressionando a corda com mais força, muda sua tensão, ou seja, aumenta o tom. Podemos dizer que o instrumento não está afinado no sentido europeu ocidental da palavra, mas o músico pode tocar certas notas alterando a força de pressão das cordas.
Mas o objetivo do jogo não é atingir a nota certa. Portanto, não há aperto de morte na corda, o dedo muda de pressão o tempo todo, o que faz o som flutuar. Além disso, você pode mover a corda ao longo dos trastes largos com o dedo, a partir do qual a corda começa a zumbir, como em instrumentos de corda indianos, como cítara ou vinho.

O biwa é segurado verticalmente e uma palheta de madeira triangular, em forma de um pequeno leque, é usada ao tocar. Um de seus lados atinge 30 centímetros de comprimento, é uma espécie de omoplata. A fabricação dessas lâminas é uma grande arte, elas devem ser duras e elásticas ao mesmo tempo. A árvore para o mediador é seca por dez anos. Claro, uma espécie de árvore rara é usada.
Com uma palheta você pode bater não só nas cordas, mas também no corpo, além de arranhar as cordas, porém, os mestres dizem que essa é uma técnica moderna, antes não era assim.
Mas é claro que há mais de uma maneira de tocar uma corda com uma palheta tão grande - e isso, é claro, é perfeitamente audível.

BIWA (King Records, 1990)
O CD tem duas faixas instrumentais e quatro faixas vocais-instrumentais. A mais impressionante é a música épica "Kawanakajima" ("Ilha entre dois rios") interpretada por Enomoto Shisui.
Enomoto Shizui morreu em 1978 e nasceu no século 19. Ele pertencia aos famosos mestres biwa da época anterior à Segunda Guerra Mundial.
No século 19 e na primeira metade do 20, a arte do biwa experimentou um renascimento, só em Tóquio havia 30 mestres fazendo instrumentos musicais, depois da guerra em todo o Japão - e no mundo inteiro - só restava um . Essa arte teve a chance de desaparecer para sempre, porque as letras estavam imbuídas do agora politicamente incorreto espírito samurai.
Comparada com a nova geração de cantores, a voz de Enomoto Shizuya soa mais trágica, mais histérica e, eu diria, mais implacável.
A ilha a que esta canção é dedicada é uma faixa de terra entre dois rios. Neste local, no século XVI, ocorreram várias batalhas entre os exércitos de dois líderes militares.
Eu não posso acreditar que esta é uma música divertida que as pessoas ouvem à noite, cansadas de coisas importantes. Não, não, esta música claramente lembra o samurai de seu dever e inflama seu espírito de luta.

Outro item bastante conhecido é o Atsumori, que também é um biwa na foto.

Golpes de metal afiados - semelhantes a um golpe de espada - contrastam com a voz do cantor que se desdobra lentamente. As vogais se arrastam por muito tempo, o ritmo é livre, há muitas pausas na música, mas de forma alguma pode ser chamada de lenta. Ela é muito tensa e focada.
Aliás, pausas, vazios, momentos de silêncio na tradição japonesa também são considerados um elemento acústico, ou seja, som. Chama-se a palavra "ma". O silêncio pode ser curto ou longo, tenso ou calmo, inesperado ou lógico. O silêncio enfatiza alguns sons e muda a ênfase em uma frase musical.

Houve duas correntes paralelas na história do biwa: primeiro, o biwa fazia parte da orquestra da corte. Um antigo biwa jazia horizontalmente no chão e era tocado com uma pequena palheta. Ela era um instrumento de percussão.
Na Idade Média, o biwa era tocado por aristocratas e seus vassalos, acredita-se que essa música fosse puramente instrumental. Na literatura clássica, muitas descrições do biwa solo medieval, seu som gracioso e refinado e melodias sublimes que vieram da China foram preservadas, mas o biwa solo não foi preservado na tradição da música da corte até hoje. Na orquestra Gagaku, a parte biwa é tão simples que é impossível se livrar da impressão de que algo importante se perdeu ao longo dos tempos.
A tradição do biwa como instrumento solista foi interrompida no século XIII e só foi retomada no século XX.

"Ichinotani" em laúd Biwa por Silvain Guignard (fragmento). Versão européia, como você pode ver

Mas a principal função do biwa é acompanhar longas canções e histórias.
Até o século 20, o biwa era tocado quase que exclusivamente por músicos cegos, eles eram chamados de biwahoshi. Alguns deles eram monges budistas e recitavam sutras e hinos, mas ainda assim, a maioria dos cantores narrava sobre guerras e batalhas de heróis lendários.
O épico heróico mais famoso do repertório biwahoshi é Heike Monogatari.
Este é um poema enorme e bastante sangrento sobre como o clã Heike (também conhecido como Taire), após um curto apogeu, foi derrotado pelo clã Genji (Genji, também conhecido como Minamoto) na segunda metade do século XII.
O poema tem 200 episódios, dos quais 176 são comuns, 19 são secretos e os 5 restantes são ultrassecretos.

(desculpe pela qualidade da imagem e do som. Interpretado por Yukihiro Goto)
Todas as histórias, de uma forma ou de outra, ilustram as ideias budistas de causa e efeito, bem como a impermanência do destino.
Hoje, "Heike Monogatari" é executada por apenas alguns dos músicos que tocam o biwa. Todos os outros têm um repertório muito mais moderno.
No entanto, há uma opinião de que as canções heróicas executadas na Idade Média por monges cegos desapareceram, assim como a tradição do biwa instrumental da corte. A tradição do canto heróico foi revivida várias vezes e, provavelmente, não na forma em que existia há 700 anos.
Embora a história do instrumento remonte ao século VII, mas a música que sobreviveu até hoje, aparentemente, não tem mais nada a ver com a Idade Média, o estilo, que hoje é chamado de antigo e clássico, foi formado não há muito tempo.
Um momento importante na história do biwa é o século XVI.
Então um novo instrumento, o Satsuma biwa, foi criado: o líder do clã Satsuma deu a ordem para melhorar o fraco e modesto alaúde dos monges cegos de tal forma que se tornasse um instrumento alto com um som impressionante e agudo. O biwa ficou maior, seu corpo era feito de madeira mais dura. Seu som se tornou mais masculino, se não agressivo.
http://youtu.be/7udqvSObOo4
(melhor som, mas a incorporação não é permitida)
Novas músicas também foram escritas. O objetivo dessa ação era educacional e de propaganda: os jovens que passavam por treinamento militar - ou seja, o futuro samurai, tinham que crescer em espírito e aprender o básico da bravura cavalheiresca sob essas canções.
Então não havia cânone de tocar e cantar - qualquer samurai poderia gritar um texto heróico e, para maior expressividade, bater as cordas de vez em quando. As canções já não convocavam apenas os jovens para as façanhas, os samurais que sobreviveram à guerra contavam suas campanhas, também ao som de biwa.
Com o passar do tempo, a população bastante pacífica começou a ter um grande interesse por esta música militarista. Assim, surgiu um estilo para os civis: machi fu (estilo urbano) - e para os militares: shi fu (estilo samurai).
Surgiram novos tipos de instrumentos. Digamos que chikuzen biwa (chikuzen-biwa) apareceu no século 19, tem um adicional - uma corda alta. Portanto, este biwa é considerado feminino, mais suave. Jogá-lo, respectivamente, as mulheres.

Em todas as canções épicas executadas com o acompanhamento de um biwa, o texto é uma prosa rítmica intercalada com pequenos trechos poéticos. Algumas frases são cantadas com melodias canônicas, seguidas de pequenas pausas instrumentais. Mas, via de regra, um ou dois golpes nas cordas biwa soam no final de cada frase ou estrofe. Essas batidas são diferentes no timbre - o biwa tem muito mais possibilidades do que o tambor.
Se os sons do biwa ilustram o que o narrador canta, então é apenas em timbre - um som fino ou surdo, soa metálico ou sibilante ... O texto é cantado em japonês clássico, os ouvintes devem entender o que é dito: a entonação, o ritmo e os sons de coloração estão relacionados ao conteúdo do drama.
Esta é uma música para ouvir diretamente, para quem simpatiza com a ação, completamente capturado por ela.
Nós, não conhecendo a linguagem, aparentemente simplesmente não percebemos muito nessa música, mas, surpreendentemente, ela não se torna exótica, bizarra ou fantástica a partir disso. Não, não, ele mantém seu significado e capacidade de persuasão.
Também é interessante que esta seja uma música muito emocional, muito intensa, aberta. E os japoneses - como todos os outros budistas - parecem evitar mostrar seus sentimentos.

No Japão, a força que move o universo é chamada de ki. É uma força espiritual semelhante ao pneuma grego.
A expressão ki tem a mais alta precedência em todas as artes japonesas. No macrocosmo, ki corresponde aos ventos; no microcosmo, ao sopro do homem. Em japonês, existem muitas palavras relacionadas ao ki: ki-shФ (tempo), ki-haku (espírito).
A base da voz cantada é a respiração e, portanto, cantar é uma das manifestações do ki.
Os antigos japoneses acreditavam que pronunciando ou, melhor dizendo, exalando, soprando uma palavra, realizavam um ato espiritual. E em russo as palavras "respiração" e "espírito" não são estranhas uma à outra.
A tradição japonesa de cantar está diretamente relacionada a essa atitude para com a palavra como um sopro carregado de sentido.

E esta pequena gravação não é apenas uma peça de música, é Gagaku - a música cerimonial do Palácio Imperial Japonês.

O canto europeu - como todas as outras músicas - baseia-se no tom e na duração dos sons. No Japão antigo, o canto fundia elementos acústicos como a coloração do som, sua energia, volume e sua qualidade em um único hieróglifo sonoro.
É algo incomensuravelmente mais do que a nota certa.
E a música biwa é, em muitos aspectos, diferente da música da Europa Ocidental. O instrumento japonês assume uma atitude completamente diferente em relação ao som, ao ritmo.
O compositor modernista japonês Toru Takemitsu escreveu várias composições que usam biwa junto com a orquestra sinfônica. Existe uma maneira tradicional de gravar música biwa - em comparação com a Europa Ocidental, parece muito aproximada.

Música Kwaidan, Haochi the Earles, Toru Takemitsu, 1964

Este é dedicado a Toru Takemitsu

Quando um intérprete de biwa em uma de suas composições se ofereceu para estudar notação da Europa Ocidental, Takemitsu a proibiu de fazê-lo. “Esta é a última coisa que eu esperaria de você”, disse o compositor. “Eu mesmo estudarei a gravação tradicional da música biwa e aprenderei como usá-la, você não precisará de notas ocidentais. Hoje, o sentido tradicional do som está morrendo devido ao sistema ocidental de afinar os instrumentos musicais e a notação musical."

Era uma vez um antigo biwa que desapareceu do palácio do imperador Tennoh. O nome dela era Genjo. Ela não tinha preço, era muito cara. O imperador não conseguiu encontrar um lugar para si. Se foi roubado, o ladrão teve que quebrá-lo - era impossível vendê-lo. O imperador tinha certeza de que seu biwa foi roubado para escurecer sua alma.
Minamoto no Hiromasa era um aristocrata e um excelente músico. Ele também ficou muito triste com a perda.
Uma noite ele ouviu o som de uma corda - não havia dúvida: era o biwa de Genjo. Hiromasa acordou o criado e eles foram pegar o ladrão. Eles estavam se aproximando do som, mas ele continuava se afastando. Algum tipo de espírito tocava no biwa - apenas Hiromasa podia ouvir os sons das cordas.
Ele seguiu o som até chegar ao ponto mais ao sul de Kyoto - o sinistro Portão Rashomon. Hiromasa e seu servo estavam sob o portão, o som de um alaúde foi ouvido de cima. "Não é um humano," Hiromasa sussurrou, "é um demônio."
Ele levantou a voz, "Ei, quem está jogando o Genjo! O Imperador Tenno está procurando a ferramenta desde que desapareceu. Eu sei que você está aqui, eu tenho seguido você desde o palácio!"
A música parou, algo caiu de cima e ficou pendurado no corredor. Hiromasa recuou - ele pensou que era um demônio. Mas o alaúde de Genjou pendia de uma corda em cima.
O imperador ficou muito feliz com o retorno de Genjo, ninguém tinha dúvidas de que foi o demônio que roubou o tesouro e depois o entregou. Hiromasa foi generosamente recompensado.
Genjo ainda está no palácio imperial. Este não é apenas um alaúde, é algo vivo com seu próprio caráter. Se for captado por um músico inepto, não emite nenhum som.
Um dia houve um incêndio no palácio. Todos saíram correndo e ninguém pensou em salvar Genjo. Mas, misteriosamente, ela foi encontrada no gramado em frente ao palácio, onde aparentemente foi parar!

Andrey Gorokhov © 2001 Deutsche Welle

Com a ajuda de que contadores de histórias ou cantores japoneses se acompanharam durante a performance. O análogo europeu mais próximo do shamisen é . Shamisen junto com flautas hayashi e shakuhachi, tambor tsuzumi e . Refere-se a instrumentos musicais japoneses tradicionais.

O nome contrasta com o gênero de música para bunraku e kabuki - nagauta (canção longa). O mais famoso e mais complexo dos estilos de performance é o gidayu, em homenagem a Takemoto Gidayu (1651-1714), um marionetista bunraku de Osaka. Os instrumentos e palhetas são os maiores, e o próprio guia é cantor e comentarista do que está acontecendo no palco. O trabalho do contador de histórias é tão complexo que, no meio da performance, o guia muda. O narrador deve conhecer absolutamente o texto e a melodia. Desde o século 19, onna-gidayu, mulheres contadoras de histórias, também apareceram.

Origem

Shamisen em sua forma original originou-se nas profundezas da Ásia Ocidental, de lá veio para a China (século XIII), onde foi chamado de "sanxian", depois mudou-se para as Ilhas Ryukyu (moderna Okinawa) e só de lá veio para o Japão. Este evento está muito claramente marcado na história - em contraste com a época do aparecimento de outros instrumentos musicais - e remonta a 1562.

O precursor do shamisen, o sanshin, foi jogado no Reino Ryukyu, que na época se tornou uma prefeitura. Sanshin, por sua vez, vem do instrumento chinês sanjian, que evoluiu dos instrumentos da Ásia Central.

O shamisen também foi o instrumento mais importante para os músicos cegos itinerantes que apareceram no início do xogunato Tokugawa.

Ao contrário da Europa, onde os instrumentos tradicionais/antigos não recebem muita atenção, o shamisen e outros instrumentos nacionais no Japão são amplamente conhecidos e amados. A popularidade se deve não apenas ao respeito dos japoneses por sua cultura e história, mas também ao uso de instrumentos nacionais, em particular, o shamisen, no teatro tradicional japonês - principalmente nos teatros Kabuki e Bunraku.

Shamisen era mais difundido na era Tokugawa, e a habilidade de tocá-lo fazia parte do programa de treinamento obrigatório para estudantes maiko - gueixas. É por isso que os "quartos de diversão" eram frequentemente chamados de "quartos onde o shamisen não para".

Variedades e aplicações

Existem vários tipos de instrumentos que diferem entre si na espessura do pescoço.

Ferramentas com pescoço estreito chamado hosozao e são usados ​​principalmente na música nagauta.

Ferramentas com médium abutre espessuras são chamadas chuzão e são usados ​​em gêneros musicais como kiyomoto, tokiwazu, jiuta etc.

No norte do Japão, especialmente na área de Tsugaru (parte ocidental da Prefeitura de Aomori), uma versão de pescoço grosso do shamisen — tsugarujamisen, o jogo em que requer virtuosismo especial. O Tsugarujamisen com o pescoço mais grosso é chamado futozao e é usado em joruri.

Dispositivo

O corpo do shamisen é uma armação de madeira bem coberta de pele. Nas ilhas Ryukyu, por exemplo, era usada pele de cobra e, no próprio Japão, a pele de gato ou cachorro era usada para esse fim. O estojo é coberto com couro em ambos os lados, além de um pequeno pedaço de couro colado na membrana frontal para protegê-lo de golpes de palheta (bati).

Três cordas de espessura variável são amarradas entre os pinos e a extremidade inferior do braço, que se projeta do centro da parte inferior do corpo. As cordas são feitas de seda, nylon e tetlon. O comprimento do shamisen é de cerca de 100 cm.

O shamisen é tocado com uma grande palheta bachi, feita de materiais como madeira, marfim, casco de tartaruga, chifre de búfalo e plástico. Bati para nagaut e jiuta são triângulos quase regulares, com bordas muito afiadas.

Tsugarujamisen sugere uma palheta menor, mais parecida com uma folha de ginkgo.

Técnica de jogo de Shamisen

Três estilos de tocar o shamisen foram formados:

Uta-mono - estilo de música. Um dos principais gêneros de acompanhamento musical de espetáculos teatrais kabuki. Este gênero é representado por longos interlúdios musicais tocados pelo conjunto hayashi (este conjunto geralmente acompanha apresentações de teatro, é composto por uma flauta e três tipos de tambores).

Katari-mono é um estilo de fantasia.É mais característico da música tradicional japonesa e é representado por um tipo específico de canto.

Minyo é uma canção folclórica.

Quando o shamisen apareceu pela primeira vez no Japão, as cordas eram dedilhadas com uma pequena palheta (yubikake) e só com o tempo os músicos começaram a usar a palheta, o que ampliou muito as possibilidades de timbre do instrumento. Sempre que a corda inferior é tocada, além de seu som, são ouvidos sobretons e pequenos ruídos, esse fenômeno é chamado de "savari" ("toque"). Savaries também aparecem quando outras cordas ressoam com a corda inferior, especialmente quando o intervalo de altura entre as cordas é uma oitava (duas oitavas, três, quintas, etc.). A capacidade de usar esse som adicional é um sinal da alta habilidade do intérprete, e o próprio efeito acústico é rigidamente controlado pelos fabricantes de shamisen.

A palheta é segurada na mão direita e, no momento certo, o som das cordas é interrompido por três dedos da mão esquerda em um braço sem trastes. O polegar e o dedo mindinho não são usados ​​no jogo. O método mais característico de tocar o shamisen é o golpe simultâneo da palheta na membrana e na corda. Além disso, existem muitos outros fatores importantes que determinam as especificidades do som, como a espessura das cordas, pescoço, membranas, o local onde a palheta atinge as cordas, etc. Também no shamisen, você pode dedilhar as cordas com a mão esquerda, obtendo um timbre mais elegante. Essa capacidade de mudar o tom é uma das características do shamisen.

Além da forma de tocar, o timbre do instrumento pode ser alterado variando o comprimento da corda, braço ou palheta, assim como suas dimensões, espessura, peso, material - indicadores de massa! São quase duas dúzias de shamisen, diferindo entre si no tom e no timbre, e os músicos selecionam o instrumento que mais se aproxima do seu gênero musical, ou o afinam pouco antes da apresentação.

Na música shamisen, a linha da voz quase coincide com a tocada no instrumento: a voz está apenas um pouco à frente da melodia, o que possibilita ouvir e compreender o texto, e também enfatiza o contraste entre o som da voz e o shamisen.

Shamisen na música moderna

Shamisen, devido ao seu som específico, é frequentemente usado para aprimorar o som "nacional" em alguns filmes e animes japoneses (como na Rússia). Então, shamisen soa na trilha sonora do anime Naruto, Puni Puni Poemi.

Agatsuma Hiromitsu joga no estilo New Age.

É usado por representantes da vanguarda musical europeia (por exemplo, Henri Pousseur).

As composições tocadas pelos Yoshida Brothers são bastante populares, seu shamisen soa como.

Michiro Sato executa improvisações no shamisen, e o pianista de jazz Glenn Horiuchi inseriu fragmentos de shamisen tocando em suas composições.

O guitarrista Kevin Kmetz lidera a banda californiana God of the Shamisen, na qual ele toca o tsugarujamisen.

Vídeo: Shamisen em vídeo + som

Graças a esses vídeos, você pode se familiarizar com o instrumento, assistir ao jogo real nele, ouvir seu som, sentir as especificidades da técnica:

Venda: onde comprar/encomendar?

A enciclopédia ainda não contém informações sobre onde comprar ou encomendar este instrumento. Você pode mudá-lo!