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Prazo , romantismo” vem da palavra francesa romanticisme. O romantismo é um movimento artístico que surgiu no final do século XVIII e início do século XIX, primeiro na literatura e depois na música. A obra dos românticos reflete a renovação da personalidade, a afirmação de sua força e beleza espiritual, a rebelião individualista contra o filistinismo, letras sublimes e interesse por histórias fantásticas. Em relação à música, este termo foi mencionado pela primeira vez por E. T. A. Hoffmann.

O romantismo musical, que se manifestou de forma tangível nos anos 20 do século XIX, deu continuidade ao classicismo (a obra de L. Beethoven). Na música instrumental, o ciclo da sonata clássica é substituído por uma combinação do ciclo da sonata e variação, a forma em miniatura desempenha um papel importante: estudos, noturnos, valsas, peças com conteúdo programático. Há uma tendência de combinar diversas peças individuais em ciclos sob um título comum. O gênero do poema sinfônico está se desenvolvendo. O papel da orquestra e do sistema de leitmotivs está crescendo na ópera, o que se manifesta mais claramente na obra de R. Wagner.

O romantismo tardio é caracterizado pelo maior desenvolvimento da expressividade, refinamento, expressividade emocional, o uso mais rico das capacidades de timbre de uma grande orquestra sinfônica. Isso, por sua vez, predeterminou o surgimento de novas tendências na música europeia - impressionismo e expressionismo.

Na Alemanha, o romantismo se manifestou pela primeira vez na obra de K. Weber ("Free Shooter") e F. Schubert (obras vocais, sinfônicas e para piano). Mais tarde, conquistas significativas nos gêneros sinfônico, piano e vocal foram alcançadas por F. Mendelssohn e R. Schumann. R. Wagner e I. Brahms tornaram-se os maiores compositores de ópera e sinfonia do século XIX. Compositores-antípodas, eles personificavam duas correntes do romantismo maduro - a atração pela música programática, pela rejeição das formas clássicas de construção de uma obra musical (Wagner) e o romantismo, exteriormente revestido de formas acadêmicas mais estritas (Brahms), mais associadas com a herança clássica do passado. As poderosas tradições do sinfonismo romântico germano-austríaco continuaram no último terço do século XIX nas obras de A. Bruckner, G. Mahler, R. Strauss.

O trabalho vocal de F. Schubert, R. Schumann, H. Wolf é o ápice da canção e da música romântica da era do romantismo. Entre as formas vocais, cresce o papel da balada, da cena e do poema. A melodia vocal e o acompanhamento tornam-se mais detalhados e individuais, as canções em muitos casos são combinadas em ciclos.

Em meados do século 19, a França tornou-se o reduto do romantismo maduro, e Paris tornou-se seu centro espiritual. A vida cultural e musical da Europa estava concentrada em Paris. O trabalho do maior compositor, o reformador da orquestra sinfônica G. Berlioz, bem como as tradições da "grande ópera" francesa (J. Meyerbeer, F. Aubert) levaram ao desenvolvimento do romantismo - nas obras de C. Saint-Saens, S. Franck, J. Massenet, L. Delibes, A. Thomas e outros.

As escolas nacionais europeias também contribuíram significativamente para o enriquecimento das tradições do romantismo. Entre os compositores românticos europeus mais famosos estão F. Liszt (Hungria), F. Chopin (Polônia), N. Paganini, G. Rossini, V. Bellini, G. Donizetti (Itália), E. Grieg (Noruega), K. Nielsen (Suécia), J. Sibelius (Finlândia), E. Elgar (Grã-Bretanha), A. Dvorak e B. Smetana (República Checa) M. de Falla e E. Granados (Espanha). Na música russa, as características do romantismo podem ser traçadas em M. I. Glinka, P. I. Tchaikovsky, S. V. Rachmaninov, A. N. Scriabin.

O realismo surgiu em meados do século XIX como contraste ao romantismo com sua exaltada idealização das experiências internas do indivíduo. As principais características do realismo são a representação de heróis, personagens, eventos reais e a relação do indivíduo com o meio ambiente.

A influência do realismo já é sentida na obra de grandes compositores românticos. B. Smetana e A. Dvorak tornaram-se representantes proeminentes da síntese de romantismo e realismo. Características do realismo apareceram nas obras de D. Verdi (La Traviata) e J. Bizet (Carmen).

No final do século 19, uma tendência de verismo apareceu na ópera, caracterizada por letras penetrantes e veracidade de sentimentos. Esta tendência foi mais claramente expressa nas óperas Cio-Cio-san de G. Puccini, Pagliacci de R. Leoncavalo, Andrei Chenier de W. Giordano e outras.

O realismo foi amplamente difundido na Rússia. As tradições do "realismo clássico", estabelecidas na literatura russa, foram incorporadas nas obras de M. Glinka ("Ivan Susanin"), A. Dargomyzhsky (romance). Os compositores de The Mighty Handful: A. Borodin, M. Mussorgsky, N. Rimsky-Korsakov são os maiores representantes do realismo. Eles introduziram na música um novo círculo de imagens conectadas tanto com a vida cotidiana quanto com grandes eventos históricos (óperas de M. Mussorgsky "Boris Godunov" e "Khovanshchina", "A noiva do czar" de N. Rimsky-Korsakov), com grande habilidade revelada experiências espirituais do indivíduo quando confrontado com a realidade circundante.

A descoberta de aspectos da vida antes inacessíveis à arte foi combinada com a busca de novos meios de expressão musical e uma mudança na linguagem musical. As obras dos maiores compositores russos do século XX - S. Prokofiev, D. Shostakovich, N. Myaskovsky, A. Khachaturian - refletiam a situação histórica e as colisões sociais colossais do século XX. Na Rússia, a criatividade sinfônica e instrumental de câmara alcançou o maior sucesso. No entanto, obras como óperas e balés de S. Prokofiev ("Romeu e Julieta", "Cinderela", "Guerra e Paz") e D. Shostakovich ("Katerina Izmailova", "O Nariz") tornaram-se realizações brilhantes da música realista .

Com seu culto da razão. Sua ocorrência deveu-se a vários motivos. O mais importante deles - decepção com os resultados da Revolução Francesa que não justificava as esperanças nele depositadas.

Para um romântico visão de mundo caracterizado por um conflito agudo entre a realidade e o sonho. A realidade é baixa e não espiritual, é permeada com o espírito de filistinismo, filistinismo e só é digna de negação. Um sonho é algo belo, perfeito, mas inatingível e incompreensível para a mente.

O romantismo contrastava a prosa da vida com o belo reino do espírito, "a vida do coração". Os românticos acreditavam que os sentimentos constituem uma camada mais profunda da alma do que a mente. Segundo Wagner, "O artista se volta para o sentimento, não para a razão." Schumann disse: "A mente erra, os sentidos nunca." Não é por acaso que a música foi declarada a forma ideal de arte, que, por sua especificidade, expressa mais plenamente os movimentos da alma. Exatamente música na era do romantismo assumiu um lugar de liderança no sistema de artes.

Se na literatura e na pintura a direção romântica basicamente completa seu desenvolvimento em meados do século XIX, então a vida do romantismo musical na Europa é muito mais longa. O romantismo musical como tendência surgiu no início do século XIX e desenvolveu-se em estreita ligação com várias tendências da literatura, pintura e teatro. A fase inicial do romantismo musical é representada pela obra de E. T. A. Hoffmann, N. Paganini,; a próxima etapa (1830-50s) - criatividade,. A fase tardia do Romantismo estende-se até ao final do século XIX.

Como o principal problema da música romântica apresentado problema de personalidade, e sob uma nova luz - em seu conflito com o mundo exterior. O herói romântico está sempre sozinho. O tema da solidão é talvez o mais popular em toda a arte romântica. Muitas vezes, a ideia de uma pessoa criativa está associada a ela: uma pessoa é solitária quando é precisamente uma pessoa excepcional e talentosa. O artista, o poeta, o músico são os personagens favoritos nas obras dos românticos ("O Amor do Poeta", de Schumann, com o subtítulo "Um episódio da vida de um artista", poema sinfônico de Liszt "Tasso").

O profundo interesse pela personalidade humana inerente à música romântica foi expresso na predominância de tom pessoal. A revelação de dramas pessoais muitas vezes adquiridos de românticos dica de autobiografia que trouxe uma sinceridade especial à música. Assim, por exemplo, muitos estão ligados à história de seu amor por Clara Wieck. A natureza autobiográfica de suas óperas foi fortemente enfatizada por Wagner.

A atenção aos sentimentos leva a uma mudança nos gêneros - o dominante posição adquire letras em que predominam as imagens do amor.

Muitas vezes entrelaçado com o tema da "confissão lírica" tema natureza. Ressoando com o estado de espírito de uma pessoa, geralmente é colorido por uma sensação de desarmonia. O desenvolvimento do gênero e do sinfonismo lírico-épico está intimamente ligado às imagens da natureza (uma das primeiras obras é a "grande" sinfonia de Schubert em C-dur).

A verdadeira descoberta dos compositores românticos foi tema fantasia. A música pela primeira vez aprendeu a incorporar imagens fabuloso-fantásticas por meios puramente musicais. Nas óperas dos séculos XVII e XVIII, personagens "sobrenaturais" (como, por exemplo, a Rainha da Noite) falavam a linguagem musical "geralmente aceita", destacando-se pouco das pessoas reais. Os compositores românticos aprenderam a transmitir o mundo da fantasia como algo completamente específico (com a ajuda de cores orquestrais e harmônicas incomuns). Um exemplo notável é a "cena Wolf Gulch" em The Magic Shooter.

Altamente característico do romantismo musical é o interesse em Arte folclórica. Como os poetas românticos, que enriqueceram e atualizaram a linguagem literária em detrimento do folclore, os músicos se voltaram amplamente para o folclore nacional - canções folclóricas, baladas, épicos (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin e outros). Incorporando as imagens da literatura nacional, história, natureza nativa, eles contaram com as entonações e ritmos do folclore nacional, revivendo os antigos modos diatônicos. Sob a influência do folclore, o conteúdo da música europeia mudou drasticamente.

Novos temas e imagens exigiram o desenvolvimento de românticos novos meios de linguagem musical e os princípios de modelagem, individualização da melodia e introdução de entonações de fala, expansão do timbre e paleta harmônica da música ( trastes naturais, justaposições coloridas de maior e menor, etc.).

Já que o foco dos românticos não é mais a humanidade como um todo, mas uma pessoa específica com seu sentimento único, respectivamente e nos meios de expressão, o geral está cada vez mais dando lugar ao individual, individualmente único. A proporção de entonações generalizadas na melodia, progressões de acordes comumente usadas em harmonia e padrões típicos de textura estão diminuindo - todos esses meios estão sendo individualizados. Na orquestração, o princípio dos grupos ensemble deu lugar ao solo de quase todas as vozes orquestrais.

O ponto mais importante estética O romantismo musical foi a ideia de síntese artística, que encontrou sua expressão mais vívida em e em música do programa Berlioz, Schumann, Liszt.

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O artigo examina o problema da manifestação do romantismo musical na história da cultura europeia no século XIX. O autor destaca que a música ocupou um lugar especial na estética do romantismo, capaz de transmitir o mundo interior e os sentimentos das pessoas. O trabalho do compositor romântico polonês Fryderyk Chopin, que procurou refletir o espírito nacional do povo polonês, é considerado um dos representantes mais brilhantes. Os temas da liberdade, amor à pátria, homem eram centrais para Chopin. Pesquisadores veem em sua música uma enorme riqueza psicológica do mundo espiritual humano. O início romântico também foi claramente expresso na obra de Robert Schumann, compositor, crítico musical alemão, que é legitimamente considerado o porta-voz da estética do romantismo. Para os textos de suas obras, Schumann escolheu as obras dos melhores poetas românticos de seu tempo. Temas como solidão, amor trágico, luto e ironia tornam-se uma expressão da estrutura romântica dos sentimentos. O compositor e maestro francês Hector Berlioz também foi um representante do romantismo. Berlioz introduziu ousadamente inovações no campo da forma musical, harmonia, gravitando para a teatralização da música sinfônica, para a grande escala de suas composições. Berlioz entrou na história da música como o criador do romantismo sinfônico programático. É no gênero sinfônico que Berlioz revela pela primeira vez o mundo complexo e contraditório do herói romântico. Franz Liszt é um compositor, pianista e maestro húngaro cuja obra reflete as ideias do romantismo. Ele contribuiu para a criação de muitas escolas de música nacionais. Sua herança criativa é enorme. Assim, criou o oratório "Faust Symphony", 13 poemas sinfônicos, 19 rapsódias, valsas, estudos e cerca de 70 outras obras musicais. Em sua atuação, o virtuosismo foi combinado com poesia e drama. Assim, o amor pela natureza, o homem, a admiração por ele e, em seguida, sua deificação direcionou a inspiração criativa do artista. Os românticos buscavam compreender o espiritual, opunham-se ao sentimento mental, à imaginação ardente, ao livre jogo da fantasia. A liberdade é o deus desta época, graças ao qual, de acordo com os românticos, uma pessoa é capaz de se elevar acima de si mesma e daqueles ao seu redor.

inspiração

sinfonia

lista de conferência

Héctor Berlioz

Robert Schuman

Frederic Chopin

romantismo

1. Grinenko G.V. Leitor sobre a história da cultura mundial: livro didático. - M.: Ensino superior, 2005. Década de 940.

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O artigo examina o problema da manifestação do romantismo musical na história da cultura europeia no século XIX. O autor destaca que a música ocupou um lugar especial na estética do romantismo, capaz de transmitir o mundo interior e os sentimentos das pessoas. O trabalho do compositor romântico polonês Fryderyk Chopin, que procurou refletir o espírito nacional do povo polonês, é considerado um dos representantes mais brilhantes. Os temas da liberdade, amor à pátria, homem eram centrais para Chopin. Pesquisadores veem em sua música uma enorme riqueza psicológica do mundo espiritual humano. O início romântico também foi claramente expresso na obra de Robert Schumann, compositor, crítico musical alemão, que é legitimamente considerado o porta-voz da estética do romantismo. Para os textos de suas obras, Schumann escolheu as obras dos melhores poetas românticos de seu tempo. Temas como solidão, amor trágico, luto e ironia tornam-se uma expressão da estrutura romântica dos sentimentos. O compositor e maestro francês Hector Berlioz também foi um representante do romantismo. Berlioz introduziu ousadamente inovações no campo da forma musical, harmonia, gravitando para a teatralização da música sinfônica, para a grande escala de suas composições. Berlioz entrou na história da música como o criador do romantismo sinfônico programático. É no gênero sinfônico que Berlioz revela pela primeira vez o mundo complexo e contraditório do herói romântico. Franz Liszt é um compositor, pianista e maestro húngaro cuja obra reflete as ideias do romantismo. Ele contribuiu para a criação de muitas escolas de música nacionais. Sua herança criativa é enorme. Assim, criou o oratório "Faust Symphony", 13 poemas sinfônicos, 19 rapsódias, valsas, estudos e cerca de 70 outras obras musicais. Em sua atuação, o virtuosismo foi combinado com poesia e drama. Assim, o amor pela natureza, o homem, a admiração por ele e, em seguida, sua deificação direcionou a inspiração criativa do artista. Os românticos buscavam compreender o espiritual, opunham-se ao sentimento mental, à imaginação ardente, ao livre jogo da fantasia. A liberdade é o deus desta época, graças ao qual, de acordo com os românticos, uma pessoa é capaz de se elevar acima de si mesma e daqueles ao seu redor.

Palavras-chave: Romantismo, música, Fryderyk Chopin, Robert Schumann, Hector Berlioz, Franz Liszt, sonata, sinfonia, inspiração.

Por "romantismo" (traduzido do francês "romantismo") costuma-se entender a direção ideológica e artística na cultura espiritual européia do final do século XVIII - primeira metade do século XIX, que substituiu o classicismo. A reavaliação dos valores sociais, a decepção com os ideais do passado são características da visão de mundo do romantismo, que se voltou para o destino do homem em um mundo em mudança. As principais características do romantismo: enfatizou a atenção à personalidade humana, individualidade, o mundo interior de uma pessoa; a imagem de um personagem excepcional em circunstâncias excepcionais, uma personalidade forte e rebelde, de espírito livre, irreconciliável com o mundo, na maioria das vezes é um solitário que não é compreendido pela maioria das outras pessoas; culto dos sentimentos, da natureza e do estado natural do homem; negação do racionalismo, o culto da razão e da ordem; a existência de "dois mundos": o mundo do ideal, o mundo dos sonhos e o mundo da realidade, entre os quais há uma discrepância irreparável, que leva os artistas românticos a um clima de desespero e desesperança, "tristeza mundial"; apelo a histórias folclóricas, folclore; interesse pelo passado histórico, a busca da consciência histórica.

O romantismo como fenômeno cultural se destacou por sua excepcional versatilidade, manifestando-se sob a forma de uma tendência especial na pintura, literatura, música e teatro. Se na literatura e na pintura a direção romântica basicamente completa seu desenvolvimento em meados do século XIX, na música a existência do romantismo foi mais longa. A música ocupou um lugar especial na estética do romantismo. Rejeitando o culto da razão, os românticos procuraram influenciar os sentidos, e isso é melhor alcançado pela música. Sem imitar qualquer outra forma, a música é melhor do que qualquer outro tipo de arte capaz de expressar desejo, humor, confusão de sentimentos, experiências emocionais, o mundo espiritual de uma pessoa. O rápido desenvolvimento do conflito da sociedade, o drama crescente, bem como o lirismo sutil dos sentimentos pessoais, encontraram sua expressão em vários gêneros musicais humanos. O principal problema para a arte romântica musical é o problema da personalidade, seu conflito com o mundo exterior. Em primeiro plano na cultura musical do romantismo, a canção surge como um gênero mais adequado do que outros para expressar os pensamentos mais íntimos do artista. De acordo com isso, todo o sistema de gêneros musicais sofre alterações: a partir de agora, a canção subjuga a ópera, a sinfonia, a sonata, que continuam existindo, mas já em conteúdo entoacional. O tom íntimo e confiante do enunciado transforma esses gêneros, tornando-os mais diminutos. O lado entoacional da música do romantismo foi geralmente influenciado pelo estilo poético. Portanto, muitos gêneros musicais que surgiram no século XIX devem sua origem à poesia, suas formas poéticas, por exemplo, sonetos, canções sem palavras, noturnos, baladas. Os grandes nomes da cultura musical da Europa no século XIX: Robert Schumann e Richard Wagner, Hector Berlioz, Franz Liszt, Fryderyk Chopin, Franz Schubert.

A obra do compositor romântico polonês Fryderyk Chopin está ligada às tradições do povo polonês, com o desejo de refletir o espírito nacional do povo polonês. Os temas da liberdade, amor à pátria, homem eram centrais para Chopin. A imagem da Pátria prevalece nas obras do compositor, que se faz ouvir no som das suas mazurcas e polonesas. O compositor usa o ritmo e a natureza do movimento das danças folclóricas para transmitir sentimentos bastante complexos e criar diferentes imagens musicais. Chopin criou novos gêneros de música para piano: noturnos, fantasias, prelúdios, improvisos, assim como miniaturas musicais românticas. Eles transmitem sutileza e profundidade de sentimentos, beleza melódica, imagens vívidas de música, virtuosismo e penetração inerentes às habilidades de execução de Chopin. O compositor polonês escreveu 2 concertos, 3 sonatas, 4 baladas, um scherzo, vários improvisos, noturnos, estudos e canções. F. Chopin, ao contrário de outros compositores, criou obras apenas para piano. Pesquisadores veem em sua música uma enorme riqueza psicológica do mundo espiritual humano. "Tragismo, romance, lirismo, heróico, dramático, fantástico, sincero, caloroso, sonhador, brilhante, majestoso, simplicidade - em geral, todas as expressões possíveis são encontradas em seus escritos...". O início romântico também foi claramente expresso na obra de Robert Schumann, compositor, crítico musical alemão, que é legitimamente considerado o porta-voz da estética do romantismo. Robert Schumann é o criador de ciclos de piano (“Butterflies”, “Carnaval”, “Fantastic Pieces”, “Kreisleriana”), ciclos vocais lírico-dramáticos, a ópera “Genovena”, o oratório “Paradise and Peri”, bem como muitas outras obras. O ciclo de poemas de Heine "The Love of a Poet" é uma fusão de música e poesia, reflete com precisão as imagens poéticas criadas pelo grande poeta, a ironia romântica de Schumann é expressa. Suas composições são caracterizadas por um avanço romântico e paixão . Para os textos de suas obras, Schumann escolheu as obras dos melhores poetas românticos de seu tempo. Temas como solidão, amor trágico, luto e ironia tornam-se uma expressão da estrutura romântica dos sentimentos. As ideias do romantismo na música também podem ser traçadas na obra do famoso compositor austríaco Franz Schubert, criador de canções românticas, baladas, miniaturas de piano, sinfonias, que se distinguem pela profundidade da encarnação dos sentimentos. A música do compositor é caracterizada por uma riqueza de melodias, imagens vívidas, quase visibilidade das imagens musicais. Seu legado é marcado por uma enorme variedade de diferentes formas musicais. As canções de Schubert são obras-primas de miniaturas musicais de conteúdo lírico e psicológico ("Ave Maria", "Serenata", "Rei da Floresta"). Schubert criou cerca de 600 músicas para os versos de I.V. Goethe, F. Schiller, G. Heine, W. Scott e Shakespeare, que se distinguem pela sutileza de transmitir a indescritível mudança de sentimentos de uma pessoa solitária e sofredora. A “canção” também se faz ouvir nas suas obras sinfónicas, em particular, na “Sinfonia Inacabada”, cuja característica é a novidade de construção (tem duas partes em vez de quatro), sinceridade, confiança e contraste de imagens musicais.

O representante do romantismo também foi o compositor e maestro francês Hector Berlioz, dono das obras musicais "Fantastic Symphony", "Requiem", "Funeral-Triumphal Symphony", ópera - dilogia "Trojans". Berlioz introduziu ousadamente inovações no campo da forma musical, harmonia, gravitando para a teatralização da música sinfônica, para a grande escala de suas composições. Assim, nas ruas de Paris, aprendeu canções revolucionárias com o povo, em particular, a Marselhesa, que arranjou para o coro e a orquestra. Berlioz entrou na história da música como o criador do romantismo sinfônico programático. É no gênero sinfônico que Berlioz revela pela primeira vez o mundo complexo e contraditório do herói romântico. Franz Liszt é um compositor, pianista e maestro húngaro cuja obra reflete as ideias do romantismo. Ele contribuiu para a criação de muitas escolas de música nacionais. Sua herança criativa é enorme. Assim, criou o oratório "Faust Symphony", 13 poemas sinfônicos, 19 rapsódias, valsas, estudos e cerca de 70 outras obras musicais. Em sua atuação, o virtuosismo foi combinado com poesia e drama. Liszt deu ao piano um som orquestral, transformando-o de um instrumento de salão em um instrumento para um público de massa. Um dos contemporâneos do compositor descreve a performance de Liszt em um dos concertos da seguinte forma: “A maneira de tocar era frenética, muito rápida, no entanto, através da enxurrada de inspiração sombria, relâmpagos de gênio brilhavam de tempos em tempos ... poderia ser comparado com estrelas douradas constantemente escapando de um monstruoso fogo da paixão." A tendência romântica está representada na obra do compositor alemão, maestro, reformador da arte operística Richard Wagner. É autor de libretos de ópera, dramas, obras musicais e teóricas, estudos sobre história da arte, artigos sobre política e filosofia. Suas óperas como "Rienzi", "Tannhäuser", "O Holandês Voador", "Tristão e Isolda" e outras obras musicais são amplamente conhecidas. Spengler O. escreve sobre Wagner: “Cores da meia-noite estrelada, nuvens que se estendem, outono, crepúsculo terrivelmente maçante, visões inesperadas de distâncias ensolaradas, medo do mundo, proximidade do destino, timidez, explosões de desespero, esperanças repentinas, impressões que nenhum dos ex-músicos não seria considerado viável - ele pinta tudo isso com perfeita clareza em vários tons de um motivo.

Uma característica dos músicos do passado era que eles viam na essência dos fundamentos espirituais da música - seu futuro. R. Wagner, apresentando a arte do futuro como sintética, como um mistério, considerou a natureza da música como um caminho do inconsciente ao consciente. Ele viu esse processo como o caminho de vida de um artista - um criador, refletindo o mundo. Essa tendência continuou no romantismo, que formou a imagem espiritual do "homem central do mundo", a personalidade ideal do criador, o gênio.

O amor pela natureza, o homem, a admiração por ele, e então a sua deificação direcionou a inspiração criativa do artista. Os românticos buscavam compreender o espiritual, opunham-se ao sentimento mental, à imaginação ardente, ao livre jogo da fantasia. A liberdade é o deus desta época, graças ao qual, de acordo com os românticos, uma pessoa é capaz de se elevar acima de si mesma e daqueles ao seu redor. Note-se que os compositores da era do romantismo são o orgulho da cultura europeia e mundial.

Link bibliográfico

Magafurova L.S. ROMANTISMO MUSICAL NA HISTÓRIA DA CULTURA EUROPEIA DO SÉCULO XIX // Boletim Científico do Estudante Internacional. - 2017. - Nº 5.;
URL: http://eduherald.ru/ru/article/view?id=17355 (data de acesso: 24/11/2019). Chamamos a sua atenção os periódicos publicados pela editora "Academia de História Natural"

Francês romantismo

Movimento artístico que surgiu no final do século XVIII e início do século XIX. primeiro na literatura (Alemanha, Grã-Bretanha, outros países da Europa e América), depois na música e outras artes. O conceito de "romantismo" vem do epíteto "romântico"; antes do século XVIII ele apontou algumas características de obras literárias escritas em línguas românicas (ou seja, não nas línguas da antiguidade clássica). Eram romances (romance espanhol), bem como poemas e romances sobre cavaleiros. Em con. século 18 “romântico” é entendido de forma mais ampla: não apenas como aventureiro, divertido, mas também como povo antigo, original, distante, ingênuo, fantástico, espiritualmente sublime, fantasmagórico, além de incrível, assustador. “Os românticos romantizavam tudo o que gostavam do passado recente e distante”, escreveu F. Blume. Eles percebem a obra de Dante e W. Shakespeare, P. Calderon e M. Cervantes, J. S. Bach e J. W. Goethe como “suas”, muito na antiguidade; eles também são atraídos pela poesia do Dr. Minnesingers orientais e medievais. Com base nas características mencionadas acima, F. Schiller chamou sua "Maid of Orleans" de uma "tragédia romântica", e nas imagens de Mignon e Harper ele vê o romantismo dos "Anos dos Ensinamentos de Wilhelm Meister" de Goethe.

Romantismo como termo literário aparece pela primeira vez em Novalis, como termo musical em E. T. A. Hoffmann. No entanto, em seu conteúdo não é muito diferente do epíteto correspondente. O romantismo nunca foi um programa ou estilo claramente definido; trata-se de uma ampla gama de tendências ideológicas e estéticas em que a situação histórica, o país, os interesses do artista criaram certos acentos, determinaram vários objetivos e meios. No entanto, a arte romântica de diferentes formações também possui importantes características comuns tanto no que diz respeito à posição ideológica quanto ao estilo.

Tendo herdado muitas de suas características progressistas do Iluminismo, o romantismo está ao mesmo tempo associado a uma profunda decepção tanto no próprio esclarecimento quanto nos sucessos de toda a nova civilização como um todo. Para os primeiros românticos, que ainda não conheciam os resultados da Revolução Francesa, o processo geral de racionalização da vida, sua subordinação a uma “razão” média sóbria e praticidade sem alma, foi decepcionante. No futuro, especialmente durante os anos do Império e da Restauração, o significado social da posição dos românticos - sua antiburguesia - tornou-se cada vez mais claramente delineado. De acordo com F. Engels, “as instituições públicas e políticas estabelecidas pela vitória da razão revelaram-se uma caricatura maligna e amargamente decepcionante das brilhantes promessas dos iluministas” (Marx K. e Engels F., On Art, vol. 1, M., 1967, p. 387).

Na obra dos românticos, a renovação da personalidade, a afirmação de sua força e beleza espiritual, combina-se com a exposição do reino dos filisteus; humano de pleno direito, criativo se opõe ao medíocre, insignificante, atolado em vaidade, vaidade, cálculo mesquinho. Na época de Hoffmann e J. Byron, V. Hugo e George Sand, H. Heine e R. Schumann, a crítica social do mundo burguês havia se tornado um dos principais elementos do romantismo. Em busca de fontes de renovação espiritual, os românticos muitas vezes idealizavam o passado e tentavam dar nova vida aos mitos religiosos. Assim, nasceu uma contradição entre a orientação geral progressista do romantismo e as tendências conservadoras que surgiram em seu próprio canal. No trabalho de músicos românticos, essas tendências não tiveram um papel perceptível; manifestavam-se principalmente nos motivos literários e poéticos de algumas obras, porém, na interpretação musical de tais motivos, o princípio vivo, real-humano, geralmente superava.

O romantismo musical, que se manifestou de forma tangível na segunda década do século XIX, foi um fenômeno historicamente novo e, ao mesmo tempo, revelou laços sucessivos profundos com clássicos musicais. A obra de compositores notáveis ​​da época anterior (incluindo não só os clássicos vienenses, mas também a música dos séculos XVI e XVII) serviu de suporte para o cultivo de um alto nível artístico. Foi esse tipo de arte que se tornou o modelo para os românticos; segundo Schumann, “só esta fonte pura pode nutrir as forças da nova arte” (“On Music and Musicians”, vol. 1, M., 1975, p. 140). E isso é compreensível: só o alto e o perfeito poderiam se opor com sucesso à conversa fiada musical de um salão secular, ao virtuosismo espetacular do palco e do palco da ópera e ao tradicionalismo indiferente dos músicos artesãos.

Os clássicos musicais da era pós-Bach serviram de base para o romantismo musical em relação ao seu conteúdo. A partir de C. F. E. Bach, o elemento do sentimento se manifestou cada vez mais livremente nele, a música dominou novos meios que permitiram expressar tanto a força quanto a sutileza da vida emocional, o lirismo em sua versão individual. Essas aspirações fizeram muitos músicos da segunda metade do século XVIII se relacionarem. com o movimento literário Sturm und Drang. A atitude de Hoffmann para com K. V. Gluck, W. A. ​​Mozart, e especialmente com L. Beethoven, como artistas de um armazém romântico, era bastante natural. Tais avaliações refletiam não apenas a predileção pela percepção romântica, mas também a atenção às características do "pré-romantismo" que eram de fato inerentes aos grandes compositores da segunda metade do século XVIII e início do século XIX.

O romantismo musical também foi historicamente preparado pelo movimento que o precedeu para o romantismo literário na Alemanha entre os românticos "Jenianos" e "Heidelberg" (W. G. Wackenroder, Novalis, irmãos F. e A. Schlegel, L. Tieck, F. Schelling, L. Arnim, C. Brentano, e outros), do escritor Jean Paul, que lhes era próximo, depois de Hoffmann, na Grã-Bretanha, dos poetas dos ditos. A “escola do lago” (W. Wordsworth, S. T. Coleridge e outros) já havia desenvolvido plenamente os princípios gerais do romantismo, que foram então interpretados e desenvolvidos na música à sua maneira. No futuro, o romantismo musical foi significativamente influenciado por escritores como Heine, Byron, Lamartine, Hugo, Mickiewicz e outros.

As áreas mais importantes da criatividade dos músicos românticos incluem letras, fantasia, folclore e original nacional, natural, característico.

A importância primordial das letras no romântico. a arte, especialmente na música, foi fundamentalmente fundamentada por ele. Para eles, “romântico” é principalmente “musical” (o lugar mais honroso foi dado na hierarquia da arte na música), porque o sentimento reina supremo na música e, portanto, o trabalho de um artista romântico encontra seu objetivo mais alto iniciar. Portanto, a música é a letra. No aspecto filosófico abstrato, de acordo com a teoria da lit. R., permite a uma pessoa fundir-se com a "alma do mundo", com o "universo"; no aspecto da vida concreta, a música por sua natureza é o antípoda da prosa. realidade, é a voz do coração, capaz de falar com a maior completude sobre uma pessoa, sua riqueza espiritual, sobre sua vida e aspirações. É por isso que no campo das letras das musas. R. pertence à palavra mais brilhante. O lirismo, o imediatismo e a expressão, a individualização do lirismo alcançado pelos músicos românticos eram novidades. declarações, a transferência de psicológico. o desenvolvimento de um sentimento cheio de novos detalhes preciosos em todas as suas etapas.

A ficção em contraste com a prosa. a realidade é semelhante à letra e muitas vezes, especialmente na música, está entrelaçada com esta. Em si mesma, a fantasia revela diferentes facetas igualmente essenciais para R. Atua como liberdade da imaginação, jogo livre de pensamento e sentimento, e ao mesmo tempo. como liberdade de conhecimento, precipitando-se com ousadia para o mundo do "estranho", maravilhoso, desconhecido, como que desafiando a praticidade filistéia, o miserável "senso comum". A fantasia também é um tipo de beleza romântica. Ao mesmo tempo, a ficção científica possibilita de forma indireta (e, portanto, com máxima generalização artística) colidir o belo e o feio, o bem e o mal. Nas artes. R. deu uma grande contribuição para o desenvolvimento deste conflito.

O interesse dos românticos pela vida "fora" está inextricavelmente ligado ao conceito geral de conceitos como folclore e identidade nacional, natural, característico. Era um desejo de recriar a autenticidade, primazia, integridade perdida na realidade circundante; daí o interesse pela história, pelo folclore, pelo culto da natureza, interpretado como primordial, como a encarnação mais completa e não distorcida da "alma do mundo". Para um romântico, a natureza é um refúgio dos problemas da civilização; ela consola e cura uma pessoa inquieta. Os românticos deram uma enorme contribuição ao conhecimento, à arte. renascimento de pessoas poesia e música de épocas passadas, bem como países "distantes". De acordo com T. Mann, R. é “uma saudade do passado e, ao mesmo tempo, um reconhecimento realista do direito à originalidade para tudo o que realmente existiu com sua própria cor e atmosfera local” (Coll. soch., v 10 , M., 1961, p. 322), iniciada no Reino Unido no século XVIII. coleção de nacional folclore foi continuado no século 19. W. Scott; na Alemanha, foram os românticos que primeiro recolheram e divulgaram os tesouros dos beliches. criatividade de seu país (coleção de L. Arnim e K. Brentano "The Magic Horn of a Boy", "Children's and Family Tales" do irmão Grimm), que foi de grande importância para a música. O desejo de uma transmissão fiel do nacional-nat. artes. estilo ("cor local") - uma característica comum de músicos românticos de diferentes países e escolas. O mesmo pode ser dito sobre a música. paisagem. Criado nesta área por compositores 18 - cedo. séculos 19 superado pelos românticos. Na música a encarnação da natureza, R. alcançou uma concretude figurativa até então desconhecida; isso foi servido pelos expressos recém-descobertos. meios de música, principalmente harmônicos e orquestrais (G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner).

"Característica" atraiu românticos em alguns casos como originais, integrais, originais, em outros - como estranhos, excêntricos, caricaturados. Perceber a característica, expô-la significa romper o véu cinza nivelador da percepção comum e tocar a vida real, bizarramente colorida e fervilhante. Na luta por este objetivo, um típico para românticos art-in lit. e música. retrato. Tal afirmação foi frequentemente associada à crítica do artista e levou à criação de retratos paródicos e grotescos. De Jean Paul e Hoffmann, a tendência para um esboço de retrato característico é transmitida a Schumann e Wagner. Na Rússia, não sem a influência do romântico. tradições musicais. retrato desenvolvido entre compositores nat. realista. escolas - de A. S. Dargomyzhsky a M. P. Mussorgsky e N. A. Rimsky-Korsakov.

R. desenvolveu elementos de dialética na interpretação e exibição do mundo, e nesse aspecto foi próximo a ele contemporâneo. clássico filosofia. Na ação, a compreensão da relação entre o indivíduo e o geral é aprimorada. Segundo F. Schlegel, romântico. a poesia é “universal”, ela “contém tudo o que é poético, desde o maior sistema de artes, que também inclui sistemas inteiros, a um suspiro, a um beijo, como eles se expressam no canto inocente de uma criança” (“Fr. Schlegels Jugendschriften”, hrsg von J. Minor, Bd 2, S. 220). Variedade ilimitada com ramal oculto. unidade - é isso que os românticos valorizam, por exemplo. em Dom Quixote de Cervantes; F. Schlegel chama o tecido heterogêneo desse romance de “a música da vida” (ibid., p. 316). Este é um romance com "horizontes abertos" - observa A. Schlegel; segundo sua observação, Cervantes recorre a "infinitas variações", "como se fosse um músico sofisticado" (A. W. Schlegel. Sämtliche Werke, hrsg. von E. Böcking, Bd 11, S. 413). Tal arte. posição gera atenção especial quanto ao otd. impressões, e suas conexões, para a criação de um conceito comum. Na música diretamente. a efusão do sentimento torna-se filosófica, a paisagem, a dança, a cena de gênero, o retrato são impregnados de lirismo e levam a generalizações. R. mostra um interesse especial pelo processo da vida, no que N. Ya. Berkovsky chama de “fluxo direto da vida” (“Romantismo na Alemanha”, Leningrado, 1973, p. 31); isso também se aplica à música. É típico que músicos românticos se esforcem por infinitas transformações do pensamento original, por um desenvolvimento “sem fim”.

Desde R. viu em todas as reivindicações um único significado e um único capítulo. o objetivo é fundir-se com a misteriosa essência da vida, a ideia de síntese das artes adquiriu um novo significado. “A estética de uma arte é a estética de outra; apenas o material é diferente”, observa Schumann (“On Music and Musicians”, vol. 1, M., 1975, p. 87). Mas a combinação de "diferentes materiais" aumenta o poder impressionante do conjunto artístico. Na fusão profunda e orgânica da música com a poesia, com o teatro, com a pintura, abriram-se novas possibilidades para a arte. Na área de instr. música, o princípio da programabilidade adquire um papel importante, ou seja, inclusão tanto na ideia do compositor quanto no processo de percepção da música, iluminado. e outras associações.

R. é especialmente amplamente representado na música da Alemanha e da Áustria. Numa fase inicial - o trabalho de F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, L. Spohr, G. Marschner; ainda pela escola de Leipzig, principalmente por F. Mendelssohn-Bartholdy e R. Schumann; no 2º andar. século 19 - R. Wagner, I. Brahms, A. Bruckner, Hugo Wolf. Na França, R. já apareceu nas óperas de A. Boildieu e F. Aubert, depois de forma muito mais desenvolvida e original por Berlioz. Romântico na Itália tendências foram visivelmente refletidas em G. Rossini e G. Verdi. Europeu Comum valor recebeu o trabalho do computador polonês. F. Chopin, Hung. - F. Liszt, italiano. - N. Paganini (a obra de Liszt e Paganini foi também o ápice da performance romântica), alemão. - J. Meyerbeer.

Nas condições nacionais As escolas R. mantinham muito em comum e ao mesmo tempo mostravam uma notável originalidade nas ideias, enredos, gêneros favoritos e também no estilo.

Nos anos 30. seres foram encontrados. desacordo entre ele. e francês escolas. Existem diferentes idéias sobre a medida permissível de estilística. inovação; controversa também foi a questão da admissibilidade da estética. compromissos do artista para agradar os gostos da "multidão". O antagonista da inovação de Berlioz foi Mendelssohn, que defendeu firmemente as normas de um estilo "clássico-romântico" moderado. Schumann, que defendeu ardentemente Berlioz e Liszt, não aceitou o que lhe parecia os extremos dos franceses. escolas; ele preferiu o muito mais equilibrado Chopin ao autor da Sinfonia Fantástica, extremamente bem colocados Mendelssohn e A. Henselt, S. Heller, V. Taubert, W. S. Bennett e outros próximos a este compositor. Schumann critica Meyerbeer com extraordinária nitidez, vendo em sua teatralidade espetacular, apenas demagogia e a busca do sucesso. Heine e Berlioz, ao contrário, apreciam a dinâmica "huguenotes" do autor. música dramaturgia. Wagner desenvolve críticas Os motivos de Schumann, porém, em sua obra ele foge das normas de um romântico moderado. estilo; aderindo (ao contrário de Meyerbeer) a rigorosos critérios estéticos. seleção, ele segue o caminho de reformas ousadas. Tudo está. século 19 como oposição à escola de Leipzig, a chamada. Nova escola alemã ou Weimar; Liszt tornou-se seu centro em seus anos de Weimar (1849-61), R. Wagner, H. Bülow, P. Cornelius, J. Raff e outros eram adeptos.Os Weimarians eram defensores da música do programa, da música. dramas do tipo wagneriano e outros tipos radicalmente reformados de música nova. ação judicial. Desde 1859, as ideias da nova escola alemã são representadas pelo "General German Ferein" e pela revista criada em 1834 por Schumann. "Neue Zeitschrift für Musik", Krym desde 1844 foi dirigido por K. F. Brendel. No campo oposto, junto com o crítico E. Hanslik, o violinista e compositor J. Joachim, e outros, estava J. Brahms; este último não lutou por controvérsias e defendeu seus princípios apenas na criatividade (em 1860, Brahms, sozinho, colocou sua assinatura em um artigo polêmico - um discurso coletivo contra certas idéias dos "Weimarites", publicado na revista "Echo" de Berlim ). O que os críticos estavam inclinados a considerar o conservadorismo na obra de Brahms, na verdade, era uma arte viva e original, onde o romântico. a tradição foi atualizada, experimentando uma nova e poderosa influência do clássico. música do passado. As perspectivas deste caminho foram mostradas pelo desenvolvimento da Europa. música a seguir. décadas (M. Reger, S. Frank, S. I. Taneev e outros). Na mesma medida, os insights dos “Weimaritas” se mostraram promissores. No futuro, as disputas entre as duas escolas se tornam historicamente obsoletas.

Já que no mainstream da R. houve buscas bem sucedidas por nat. autenticidade, social e psicológica. veracidade, os ideais desse movimento estavam intimamente entrelaçados com a ideologia do realismo. Tais conexões são evidentes, por exemplo, nas óperas de Verdi e Bizet. O mesmo complexo é típico para um número de nat. música escolas no século 19 Em russo música romântica. elementos já estão claramente representados por M. I. Glinka e A. S. Dargomyzhsky, no 2º semestre. século 19 - dos compositores de The Mighty Handful e de P. I. Tchaikovsky, mais tarde de S. V. Rachmaninov, A. N. Scriabin, N. K. Medtner. Sob a forte influência de R. musas jovens se desenvolveram. culturas da Polônia, República Tcheca, Hungria, Noruega, Dinamarca, Finlândia (S. Moniuszko, B. Smetana, A. Dvorak, F. Erkel, K. Sinding, E. Grieg, N. Gade, E. Hartman, K. Nielsen, I Sibelius e outros), além do espanhol. música 2º andar. 19 - implorar. século 20 (I. Albeniz, E. Granados, M. de Falla).

Musas. R. contribuiu ativamente para o desenvolvimento de letras vocais de câmara e ópera. De acordo com os ideais de R. na reforma wok. música ch. papel é desempenhado pelo aprofundamento da síntese da arte-in. Wok. a melodia responde sensivelmente à expressividade do poético. palavras, torna-se mais detalhada e individual. Ferramenta a festa perde o caráter de "acompanhamento" neutro e fica cada vez mais saturada de conteúdo figurativo. Na obra de Schubert, Schumann, Franz, Wolf, pode-se traçar um caminho de uma canção desenvolvida no enredo para a “música. poema." Entre wok. gêneros, o papel da balada, monólogo, cena, poema aumenta; músicas em pl. casos são combinados em ciclos. No romântico ópera, que se desenvolveu em dezembro. direções, a conexão entre música, palavras, teatro está aumentando constantemente. ações. Este propósito é servido por: o sistema de musas. características e leitmotivs, o desenvolvimento das entonações da fala, a fusão da lógica da música. e palco desenvolvimento, o uso de ricas oportunidades sinfônicas. orquestra (as partituras de Wagner pertencem às mais altas realizações da sinfonia operística).

Em instr. música, compositores românticos são especialmente propensos a FP. miniatura. Uma peça curta torna-se uma fixação do momento, desejável para um artista romântico: um esboço superficial de um humor, uma paisagem, uma imagem característica. Aprecia e se relaciona. simplicidade, proximidade com as fontes vitais da música - para cantar, dançar, a capacidade de capturar um sabor fresco e original. Variedades populares de romântico. peça curta: “canção sem palavras”, noturno, prelúdio, valsa, mazurca, além de peças com nomes de programas. Em instr. miniatura atinge alto conteúdo, imagens em relevo; com uma forma compacta, distingue-se por uma expressão brilhante. Como em wok. letras, aqui há uma tendência de unir otd. peças em ciclos (Chopin - Prelúdios, Schumann - "Cenas de Crianças", Liszt - "Anos de Andanças", etc.); em alguns casos, são ciclos de uma estrutura "através", onde entre os indivíduos são relativamente independentes. jogos surgem diff. espécie de entonação. comunicações (Schumann - "Borboletas", "Carnaval", "Kreisleriana"). Tais ciclos "através" já dão uma ideia das principais tendências do romantismo. interpretação de um grande instr. formulários. Por um lado, enfatiza o contraste, a diversidade do indivíduo. episódios, por outro lado, a unidade do todo é fortalecida. Sob o signo dessas tendências, uma nova criatividade se dá. interpretação do clássico sonata e ciclo sonata; as mesmas aspirações determinam a lógica das formas “livres” de uma parte, que geralmente combinam as características de uma sonata allegro, um ciclo de sonata e variação. As formas "livres" eram especialmente convenientes para a música do programa. Em seu desenvolvimento, na estabilização do gênero da “sinfonia” de uma parte. poemas" O mérito de Liszt é grande. O princípio construtivo subjacente aos poemas de Liszt - a livre transformação de um tema (monotematismo) - cria uma expressão. contrasta e ao mesmo tempo garante a máxima unidade de toda a composição (Prelúdios, Tasso, etc.).

No estilo da música R. o papel mais importante desempenha-se por meios modais e harmônicos. A busca por nova expressividade está associada a dois processos paralelos e muitas vezes inter-relacionados: com o fortalecimento do funcional e do dinâmico. lados das harmonias e com amplificação do harmônico. colorido. O primeiro desses processos foi a crescente saturação dos acordes com alterações e dissonâncias, o que agravava sua instabilidade, aumentava a tensão que exigia resolução nos futuros harmônicos. movimento. Tais propriedades de harmonia expressavam melhor o “langor” típico de R., o fluxo de sentimentos “infinitamente” em desenvolvimento, que foi incorporado com particular completude no “Tristão” de Wagner. Efeitos coloridos já apareceram no uso das possibilidades do sistema modal maior-menor (Schubert). Cores novas e muito diversas. tons foram extraídos do chamado. modos naturais, com a ajuda dos quais Nar foi enfatizado. ou arcaico. a natureza da música; um papel importante - especialmente na ficção científica - foi atribuído a trastes com escalas de tom inteiro e "tom-semitom". Propriedades coloridas também foram encontradas em um acorde dissonante cromaticamente complicado, e foi nesse ponto que os processos mencionados acima se tocaram claramente. Efeitos sonoros frescos também foram alcançados por decomp. comparações de acordes ou modos dentro da diatônica. escala.

No romântico melódico atuou o seguinte cap. tendências: na estrutura - o desejo de amplitude e continuidade de desenvolvimento, e em parte pela "abertura" da forma; em ritmo - superando tradições. métrica de regularidade. acentos e qualquer automático repetição; em entonação. composição - detalhamento, preenchimento de expressividade não só dos motivos iniciais, mas também de todo o melódico. desenho. O ideal de "melodia sem fim" de Wagner incluía todas essas tendências. A arte dos maiores melodistas do século XIX também está ligada a eles. Chopin e Tchaikovsky. Musas. R. muito enriquecido, individualizou os meios de apresentação (textura), tornando-os um dos elementos mais importantes das musas. imagens. O mesmo se aplica ao uso de instr. composições, especialmente sinfônicas. orquestra. R. desenvolveu cor. os meios da orquestra e a dramaturgia do orc. desenvolvimento a uma altura que a música de épocas anteriores não conhecia.

Música atrasada. R. (final do século 19 - início do século 20) ainda deu "mudas ricas", e entre seus maiores sucessores o romântico. tradição ainda expressava as idéias do progressista, humanista. reivindicações (G. Mahler, R. Strauss, K. Debussy, A. N. Skryabin).

A nova criatividade está associada ao fortalecimento e transformação qualitativa das tendências de R.. conquistas na música. Imagens recentemente detalhadas estão sendo cultivadas - tanto na esfera das impressões externas (colorido impressionista) quanto na transmissão de sentimentos primorosamente sutil (Debussy, Ravel, Scriabin). As possibilidades da música estão se expandindo. figuratividade (R. Strauss). O refinamento, por um lado, e o aumento da expressividade, por outro, criam uma escala mais ampla de expressividade emocional da música (Scriabin, Mahler). Ao mesmo tempo, no final da R., que se entrelaçava intimamente com as novas tendências da virada dos séculos XIX e XX. (impressionismo, expressionismo), os sintomas da crise foram crescendo. No início. século 20 A evolução de R. revela uma hipertrofia do princípio subjetivo, uma degeneração gradual do refinamento em amorfa e imobilidade. Uma reação polemicamente afiada a essas características da crise foi a musa. anti-romantismo dos anos 10-20 (I. F. Stravinsky, jovem S. S. Prokofiev, compositores do francês "Six", etc.); o falecido R. opunha-se ao desejo de objetividade no conteúdo, de clareza de forma; uma nova onda de "classicismo" surgiu, o culto dos velhos mestres, cap. arr. era pré-Beethoven. Meados do século 20 mostrou, no entanto, a viabilidade das mais valiosas tradições de R. Apesar das tendências destrutivas intensificadas na música ocidental, R. manteve sua base espiritual e, enriquecida com novas estilísticas. elementos, foi desenvolvido por muitos. grandes compositores do século XX. (D. D. Shostakovich, Prokofiev, P. Hindemith, B. Britten, B. Bartok e outros).

Literatura: Asmus V., Estética Musical do Romantismo Filosófico, "SM", 1934, nº 1; Nef K., History of Western European Music, traduzido do francês. Editado por B. V. Asafiev. Moscou, 1938. Sollertinsky I., Romantismo, sua estética geral e musical, em seu livro: Estudos históricos, L., 1956, vol. 1, 1963; Zhitomirsky D., Notas sobre o Romantismo Musical (Chopin e Schumann), "SM", 1960, nº 2; o seu, Schumann e o Romantismo, em seu livro: Robert Schumann, M., 1964; Vasina-Grossman V., canção romântica do século XIX, M., 1966; Konen, V., História da Música Estrangeira, vol. 3, M., 1972; Mazel L., Problemas da harmonia clássica, M., 1972 (cap. 9 - Sobre o desenvolvimento histórico da harmonia clássica no século XIX e início do século XX); Skrebkov S., Princípios artísticos de estilos musicais, M., 1973; A estética musical da França no século XIX. Comp. textos, introdução. artigo e introdução. ensaios de E. F. Bronfin, M., 1974 (Monumentos do pensamento musical e estético); Música da Áustria e da Alemanha do século XIX, livro. 1, M., 1975; Druskin M., História da música estrangeira, vol. 4, M., 1976.

D. V. Zhitomirsky

A direção ideológica e artística, que se desenvolveu em todos os países da Europa e do Norte. América em con. 18 - 1º andar. séculos 19 R. expressou a insatisfação da sociedade burguesa. mudanças, opondo-se ao classicismo e ao iluminismo. F. Engels observou que "... as instituições sociais e políticas estabelecidas pela "vitória da razão" revelaram-se uma caricatura maligna e amargamente decepcionante das brilhantes promessas dos iluministas". A crítica ao novo modo de vida, delineado na corrente principal do iluminismo entre os sentimentalistas, era ainda mais evidente entre os românticos. O mundo lhes parecia deliberadamente irracional, cheio de pessoas misteriosas, incompreensíveis e hostis. personalidade. Para os românticos, as altas aspirações eram incompatíveis com o mundo exterior, e a discórdia com a realidade acabou sendo quase a principal. característica R. Lowlands e vulgaridade do mundo real R. oposição religião, natureza, história, fantástico. e exótico. esferas, adv. criatividade, mas acima de tudo - a vida interior do homem. Representações sobre ela R. extremamente enriquecidas. Se a antiguidade era o ideal do classicismo, então R. foi guiado pela arte da Idade Média e dos tempos modernos, considerando A. Dante, W. Shakespeare e J. W. Goethe como seus antecessores. R. afirmava a arte, não prevista por modelos, mas criada pelo livre arbítrio do artista, encarnando seu mundo interior. Não aceitando a realidade circundante, R. realmente a conhecia mais profundamente e mais plenamente do que o classicismo. A arte mais elevada para R. era a música, como corporificação do elemento livre da vida. Ela alcançou grande sucesso durante esse tempo. R. também foi um período de desenvolvimento extraordinariamente rápido e significativo do balé. Os primeiros passos de um romântico balés foram feitos na Inglaterra, Itália, Rússia (Sh. Didlo, A. P. Glushkovsky e outros). No entanto, R. mais completa e consistentemente tomou forma em francês. teatro de balé, cuja influência se refletiu em outros países. Um dos pré-requisitos para isso foi o alto desenvolvimento da tecnologia clássica na França naquela época. dança, principalmente feminina. Mais claramente romântico. tendências se manifestavam nos balés de F. Taglioni ("La Sylphide", 1832, etc.), onde a ação geralmente se desenrolava em paralelo nos mundos real e fantástico. A fantasia libertou a dança da necessidade de justificativas cotidianas privadas, abriu espaço para o uso da técnica acumulada e seu desenvolvimento posterior para revelar as propriedades essenciais dos personagens retratados na dança. Na dança feminina, que veio à tona no balé de R., os saltos foram introduzidos cada vez mais amplamente, a dança nas sapatilhas, etc., surgiu. , que combinava perfeitamente com a aparência de criaturas sobrenaturais - jipes, sílfides. No balé R. dominou a dança. Novas formas composicionais do clássico dança, o papel da dança feminina do corpo de dança uníssono aumentou acentuadamente. Ensemble, dueto e danças solo desenvolvidas. O papel da bailarina líder aumentou, começando com M. Taglioni. Uma túnica apareceu como um traje permanente para um dançarino. O papel da música aumentou, muitas vezes antes do da seleção. A sinfonia de danças começou. ações. O auge do romantismo. balé - "Giselle" (1841), encenado por J. Coralli e J. Perrot. A obra de Perrault marcou uma nova etapa no balé R. A performance agora dependia fortemente da luz. a fonte original ("Esmeralda" de acordo com Hugo, "Corsair" de acordo com Byron, etc.) Aspirações semelhantes se manifestaram no trabalho das datas mais proeminentes Bailarino em agosto Bournonville Bailarinos F. Elsler, C. Grisi, F. Cerrito, L. Grand, E. I. Andreyanova, E. A. Sankovskaya se apresentaram.

Tipo romântico. performance, estabelecida nos balés de Taglioni, Perrot, Bournonville, continuou a existir até o fim. século 19 No entanto, a estrutura interna dessas performances, principalmente no trabalho de balés. M. I. Petipa, transformado.

O desejo de um renascimento romântico. o balé em sua forma original se manifestou no trabalho de alguns mestres do balé do século XX. M. M. Fokin deu a R. no balé novas características do impressionismo.

Balé. Enciclopédia, SE, 1981

A música da era romântica é provavelmente o modelo estilístico mais popular na sociedade moderna. O romantismo, entendido como uma época, é indicado por uma mudança no dominante na consciência artística e, consequentemente, no sistema das artes. O romantismo é um conceito proposto pelos poetas da chamada escola de Jena, considerados seus fundadores (L. Tieck e Novalis).

É a poesia em combinação com a música que contribui para a formação de novos regulamentos para as relações das pessoas com o mundo e entre si. A principal diferença da época anterior é a nova imagem dos rituais socialmente significativos: a música de salão assume a forma de um concerto lírico íntimo específico. O músico romântico torna-se objeto de um culto público, personagem e herói de um certo drama da vida: substituindo a figura de um imperador coroado e igual a Deus, um rei do culto, ele próprio se torna o "ungido" de Deus. A canção romântica é o gênero mais importante para caracterizar o estilo, todos os compositores românticos (exceto F. Chopin) prestam homenagem a ela, escrevendo centenas de obras. Arranjos de canções para piano estão se tornando extremamente populares, seguindo a tradição de variações sobre temas populares de ópera do século passado.

O gênero "canções sem palavras" - uma espécie de arranjo de um texto de música inexistente - atrai extremamente os ouvintes com uma combinação de domínio virtuoso do instrumento e profundidade lírico-psicológica da música. A expressão máxima dessa tendência é o nascimento de um novo gênero - a miniatura lírica propriamente dita, associada principalmente ao piano. Um ramo especial dessa esfera de gênero é criado pela dance music cotidiana, sempre se equilibrando à beira da dança aplicada, arranjos de samples populares e a própria miniatura lírico-confessional (há muitos exemplos nas obras de Chopin, Schumann, Brahms , Grieg, Tchaikovsky). A valsa (que substituiu o minueto) torna-se a dança icônica da época.

De importância não pequena na época romântica são os chamados gêneros didáticos, especialmente os estudos virtuosos.

A construção de salas de concerto públicas estimula o desenvolvimento de gêneros de concertos sinfônicos, cuja direção é definida por L. Beethoven - uma sinfonia brilhantemente dramática e internamente profundamente literária e programática, um poema sinfônico e um concerto sinfônico.

Em geral, podemos dizer que o sistema de gêneros musicais está sendo transformado de maneira bastante fundamental tanto no conteúdo quanto no significado, sua percepção pela sociedade.

Gênero da música na Europa Ocidental e na Rússia

A poesia é uma arte sonora. A recitação pública de poesia em salões, salas de estar e apenas na vida íntima é a sua existência viva. A moda de ler poesia no salão dá origem a um gênero especial: a recitação ao acompanhamento musical do piano recebe o nome melodia.

Assim, a lógica do surgimento e disseminação total do gênero canção romântica como corporificação entoacional da poesia é bastante óbvia. É a música através da canção que possibilita reconstruir a ideia de formas entonacionais de leitura: certo papel aqui pertence à narrativa – “narrativa” – recitação. Mas a "descoberta" musical do romantismo é a expressão enfático entonação. É ela quem determina a camada entoacional do estilo romântico da canção, cultivando arioso. Esse tipo de vocalismo representa uma combinação da flexibilidade do recitativo com a beleza e expressividade da cantilena alcançada na ópera barroca e principalmente no classicismo (no gênero cômico).

O tema icônico da poesia romântica é, obviamente, o tema do amor. As confissões de amor - elogios líricos - são extremamente multifacetadas não apenas nas canções, mas também em todos os gêneros instrumentais do romantismo.

O primeiro e mais prolífico compositor romântico no gênero da canção é Franz Schubert. Durante sua curta vida (1797-1828) escreveu mais de 600 canções. Sua fama neste gênero começou com a balada "Forest King" aos versos de J. Goethe (1816). Esta é uma cena de monólogo de música com episódios contrastantes representando diferentes personagens. A sua imagem principal - a figura simbólica da morte - ocupará um lugar especial na música vocal dos românticos.

Schubert usou textos de cerca de cem poetas em suas canções.

Numa atmosfera de sérios interesses poéticos, nasceu o ciclo "A bela mulher do moleiro" baseado nos versos do poeta alemão W. Müller (1823). Em várias canções, surge o enredo de uma espécie de conto poético sobre o amor de um aprendiz pela esposa de um moleiro: desde os primeiros prazeres ingênuos, passando pela dor da traição e da separação, até a humildade luz-triste.

Uma vida cheia de trabalho duro e exaustivo e pobreza sem esperança leva Schubert a humores de melancolia e solidão, refletidos em seu ciclo tardio também nos poemas de W. Müller "Winter Way" (1827). Sua vida sempre foi difícil, sua música sempre foi leve e alegre. Agora ele anseia e escreve sobre o sofrimento da solidão e se torna ainda mais romântico, para quem a confissão da dor mental é um dos principais temas. Trágico é o último ciclo "Canção do Cisne" (1828) sobre os textos de seis poemas de G. Heine, além dos poetas L. Relyptab e A. Seidl.

E outra importante descoberta de Schubert, captada por todos os românticos, é a natureza cantante da música em todos os gêneros. Ele processa suas próprias canções em formas instrumentais - o quarteto s-to, na segunda parte da qual varia o tema da música "Death and the Maiden", o quinteto de piano "Trout" (na quarta parte da variação sobre o tema da música de mesmo nome), a fantasia de piano sobre o tema da música "Wanderer". Mas suas sinfonias também estão imbuídas da música, na qual soa uma entonação poética pessoal, expressando a atitude de uma pessoa de uma nova era em relação ao mundo. Um lugar significativo na obra cantônica de Schubert é ocupado por imagens da natureza, que também se refletem em composições instrumentais. E isso se torna o manifesto dos compositores românticos, revelando os impulsos da alma através das metáforas das paisagens, flores, elementos naturais.

Criatividade da música Robert Schumann (1810-1856) - o mais apaixonado e reverente dos românticos - ocupa um lugar central nas letras vocais do século XIX. Sua carreira criativa foi inicialmente ligada à música para piano: ele sonhava em se tornar um virtuoso de concertos e em meados da década de 1830. cria suas obras-primas de piano imortais - "Symphonic Etudes", "Carnival", Fantasia C-dur, "Kreisleriana". Desde 1840, começa sua virada para o gênero de música - só neste ano ele escreveu 134 músicas, entre as quais os famosos ciclos "O amor de um poeta" aos versos de G. Heine, "O amor e a vida de uma mulher" aos versos de A. von Chamisso e "Myrtle" a poemas de diferentes poetas. Neles, desenvolve a tradição da canção de Schubert, mas cria um estilo único, cuja base é a sutileza e a profundidade da penetração no sentido do texto poético.

É na obra cantônica de Schumann que emerge a forma de entonação da recitação romântica do verso, teatralmente brilhante e intimamente lírica. Um grande papel pertence à parte do piano, que dificilmente pode ser chamada de acompanhamento - harmonia rica, textura inventiva criam uma imagem vívida que revela o subtexto emocional do verso.

No ciclo "Amor de um Poeta", Schumann utiliza os poemas de Heine do "Intermezzo Lírico", mas não todos - o compositor os seleciona de forma a criar uma história de amor trágica, como na de Schubert.

Provavelmente a música mais famosa do ciclo é "I'm not angry". Vale a pena ouvi-la apenas na língua original para se surpreender com a maestria do compositor, "pronunciando" as palavras de perdão confuso com dor, deleite, mansidão.

Uma beleza semelhante de entonações melodiosas e um monólogo declamatório expressivo distingue a música "Querido amigo, você está envergonhado por eu chorar" do ciclo "Amor e vida de uma mulher". Se a poesia de Heine é bela, então Chamisso não é um dos poetas de primeira. Schumann imortalizou suas criações poéticas com seu extraordinário dom de ouvir as nuances emocionais mais sutis de pronunciar um texto descomplicado.

Os elogios silenciosos e sublimemente sonhadores de Schumann são extraordinariamente atraentes - as canções "Você é linda como um lírio do vale" e "Lotus" aos versos de Heine do ciclo Myrtle, "Quiet Tears" a versos de Yu. Kerner do opus 35 (1840 ). As confissões amorosas entusiásticas e impulsivas, tão características de Schumann na música para piano, representam outro pólo de sentimentos amorosos. Um excelente exemplo é a famosa "Dedicação" às palavras de F. Ruckert do ciclo "Myrtle", que é inteiramente dedicado à "minha amada noiva".

A história da canção romântica é um tema inacessível. Os compositores alemães possuíam algum ouvido de entonação especial e talento na incorporação da poesia. Schubert, Schumann, Liszt, Brahms, Wolf, Mahler - esses nomes estão agora incluídos no tesouro mundial do repertório vocal. A herança da música, que para as escolas românticas da Europa Ocidental e da Rússia era o padrão de amor pela poesia e a sutileza de sua audição, não se desvaneceu mesmo depois de séculos.

E compositores russos, admirando Goethe, Heine, escreveram suas obras vocais em seus textos em traduções russas de Zhukovsky, Pushkin, Lermontov, Tyutchev. Feta. Comparar composições a um texto apresenta uma perspectiva interessante para o trabalho independente. Em geral, o gênero da música é extremamente popular na Rússia, embora seja uma variedade específica chamada "romance". As diferenças entre uma música e um romance são extremamente sutis, devem ser buscadas no estilo musical nacional e, em geral, na melodia da entonação do discurso russo. Mikhail Ivanovich Glinka (1804-1857), o criador da ópera nacional russa, tinha um ouvido extraordinariamente fino, uma boa voz e foi o fundador do romance clássico, romântico em sua essência. Um de seus primeiros romances "Não tente" acabou sendo uma verdadeira obra-prima de letras vocais. Sensível, romanticamente inclinado Glinka gosta da poesia de V. Zhukovsky, que o tocou "às lágrimas". E, claro, ele admira a poesia de A. Pushkin, em cujos versos escreveu vários romances magníficos. Um deles - "Não cante, beleza, comigo" - à melodia de uma canção folclórica georgiana, trazida em 1828 do Cáucaso por A. Griboyedov. A incorporação sutil da recitação também se distingue pelo romance em miniatura "Maria" - um exemplo de um ditirambo de amor juvenil. O amor impulsiona sentimentos e pensamentos: Glinka dedica ao seu aluno K. Kolkovskaya o maravilhoso romance "Dúvida", cheio de triste melancolia e ternura. Apaixonado por Ekaterina Kern, filha de Anna Petrovna Kern, a famosa "destinatária" do poema de Pushkin "I Remember a Wonderful Moment", Glinka escreve sua obra-prima imortal neste texto. Aqui, a habilidade e a inspiração do compositor se fundem em uma harmonia incrível - os compositores raramente são capazes de criar uma incorporação adequada de um verso brilhante.

Romances são escritos por muitos compositores russos - a moda da poesia na Rússia é tão difundida quanto na Europa Ocidental. Tem as suas próprias conquistas nacionais, entre as quais é necessário, claro, mencionar Alexander Sergeevich Dargomyzhsky (1813-1869) e Modesto Petrovich Mussorgsky (1839-1881).

As obras de Dargomyzhsky baseadas nos poemas de Lermontov "É chato e triste", "Estou triste" são monólogos líricos com detalhes expressivos da incorporação da entonação da fala. Bastante novo para o gênero é a cáustica sátira social, que manifesta o princípio básico do compositor, dizendo: "Quero que o som expresse diretamente a palavra. Quero a verdade".

Mussorgsky, que gravitava em direção a uma reflexão realista de imagens da vida popular, escreveu em seus próprios textos, poemas de N. Nekrasov, A. Ostrovsky ("Svetik Savishna", "Kalistrat", "Lullaby to Eremushka", "Sleep, sleep, filho camponês", "órfão", "seminarista"). Suas músicas eram uma espécie de "esboços" para óperas, que se tornaram uma palavra completamente nova no gênero da ópera, o teatro do drama musical ("Boris Godunov", "Khovanshchina"). Na década de 1870 criou ciclos vocais "Sem o Sol" (1874), "Canções e Danças da Morte" (1875-1877), bem como "Crianças" com suas próprias palavras (1872). A linguagem musical de Mussorgsky atingiu a imaginação de muitos compositores do século XX. - tão novas eram as imagens que exigiam novos meios de expressão musical.

O auge da música romântica na música russa é a criatividade Piotr Ilitch Tchaikovsky (1840-1893).

Os romances de Tchaikovsky revelam seu incrível dom de expressividade e beleza melódica. Seu estilo arrojado é individual e único - vale a pena soar "três notas", como definimos inequivocamente o autor, no entanto, sua escolha de textos poéticos parece pouco exigente (o que tem sido repetidamente observado na literatura crítica), embora Tchaikovsky tenha sutilmente sentido a natureza musical dos poemas de Pushkin, Fet, escreveu sobre isso. O tema principal são letras de amor, poemas originais e traduzidos de A.K. Tolstoi, A. N. Pleshcheeva, L. A. Poderia. "Nenhuma palavra, oh meu amigo", "Não, só quem sabia", "Take away my heart" e outros exemplos maravilhosos de trabalhos iniciais preparam a letra da ópera "Eugene Onegin". No final da década de 1870. esquetes vocais apaixonados e entusiasmados aparecem - "Eu te abençoo, florestas", "O dia reina". "No meio de um baile barulhento" para as palavras de A. Tolstoy é uma experiência marcante da letra vocal russa, um exemplo de retrato feminino no ritmo de uma valsa e devaneio poético sutil. Mais de uma geração de intérpretes e ouvintes admira o romance encantador aos versos de K. R. (Konstantin Romanov) "I Opened the Window". Os romances da última obra (1893) às palavras de D. Rathaus - "Sentamo-nos convosco", "O sol se pôs", "Nesta noite de luar", "Entre os dias sombrios", "De novo, como antes , sozinho" - refletem os temas de luto, saudade e tristeza, característicos da última Sexta Sinfonia com seu trágico tema de vida, destino e morte.