Tele2, கட்டணங்கள், கேள்விகளில் உதவி

பிரான்சிலும் இருபதாம் நூற்றாண்டிலும், பொழுதுபோக்கு திரையரங்குகள் முதல் இடத்தைப் பிடித்தன. பாரிஸில், இவை முன்னாள் ஜனநாயகத்தை இழந்த பவுல்வர்டு தியேட்டர்கள். அவற்றின் உரிமையாளர்கள் வணிக இலக்குகளைத் தொடர்ந்தனர் மற்றும் முதலாளித்துவ பார்வையாளர்களை நம்பினர். ஏதேனும் ஒரு நாடகத்தை அரங்கேற்றுவதற்காக நிரந்தரமற்ற குழுக்கள் கூடி, நாடகம் வசூல் செய்வதை நிறுத்தியவுடன் கலைந்து சென்றது.

அதே சமயம், அரசுக்குச் சொந்தமான நிலையான திரையரங்குகள், அவற்றின் உயர் மட்ட இயக்கம் மற்றும் நடிப்புத் திறனுடன் பிரான்சின் நாடக வாழ்வில் முக்கியப் பங்கு வகிக்கின்றன.

19 ஆம் நூற்றாண்டின் இறுதியில், உங்களுக்குத் தெரிந்தபடி, அன்டோயின் தியேட்டரில் கலைத் தேடல்கள் தொடங்கியது. அவர்கள் இயற்கையின் நாடக அழகியலுக்கு மட்டுப்படுத்தப்பட்டிருந்தாலும், இளம் நடிகர்கள் அவரது தியேட்டரிலும் ஓடியோன் தியேட்டரிலும் தோன்றினர், அவர் தலைமை தாங்கியபோது, ​​பின்னர் பிரெஞ்சு நாடகத்தை சீர்திருத்தினார்.

இது முதலில் சார்லஸ் டுலின் (1885-1949). ஹார்பகன் (மோலியரின் "தி மிசர்"), ஸ்மெர்டியாகோவ் (தஸ்தாயெவ்ஸ்கியின் "தி பிரதர்ஸ் கரமசோவ்"), மெர்கேட் (பால்சாக்கின் "தி டீலர்") அவரது சிறந்த பாத்திரங்கள்.

ஆனால் நடிப்புப் பணியில் மட்டும் டல்லன் திருப்தி அடையவில்லை. அவர் நாடகக் கலையில் ஒரு பரந்த சீர்திருத்தத்தை உருவாக்கினார் மற்றும் 1921 இல் தனது சொந்த தியேட்டரான "அட்லியர்" ஐத் திறந்தார், இது 1940 வரை அவரது தலைமையில் இருந்தது. இந்த திறனாய்வில் அரிஸ்டோபேன்ஸ், மோலியர், கால்டெரான், ஷேக்ஸ்பியர், பென் ஜான்சன் மற்றும் நவீன எழுத்தாளர்கள் - பிரான்டெல்லோ மற்றும் சலாக்ரு மற்றும் பலர் அடங்குவர். டல்லின், காமெடி ஃபிரான்சைஸின் உறைந்த கிளாசிக் முறையை எதிர்த்து, மேடை வெளிப்பாட்டின் புதிய நுட்பங்களை உருவாக்க முயன்றார். நிகழ்ச்சிகளின் வடிவமைப்பில், காமெடி ஃபிரான்சைஸின் பாரம்பரிய இயற்கைக்காட்சிகள் அல்லது அன்டோயினின் புகைப்பட விரிவான இயற்கைக் காட்சிகளுக்குப் பதிலாக, அவர் ஒரு லாகோனிக் வடிவமைப்பை அறிமுகப்படுத்தினார், அதில் வண்ணம் மற்றும் ஒளிக்கு முக்கிய பங்கு வழங்கப்பட்டது (ஒளி பல வண்ணங்கள் மற்றும் வெளிப்படையானது); இவை அனைத்தும் சரியான சூழ்நிலையை உருவாக்கியது.

டல்லன் தனது கலை நோக்கங்களில் தனியாக இல்லை. 20-30 களில். பாரிஸில், அவாண்ட்-கார்ட் இயக்குநர்கள் நாடகக் கலையை மேம்படுத்துவதில் ஈடுபட்டிருந்தனர் - லூயிஸ் ஜூவெட் (தியேட்டர் "அடேனி"), காஸ்டன் பாத்தி (தியேட்டர் "மான்ட்பர்னாஸ்") மற்றும் ஜார்ஜஸ் மற்றும் லுட்மிலா பிடோவா (தியேட்டர் மாதுரின்). இது அவர்களின் அழகியல் பார்வையில் வெவ்வேறு இயக்குனர்கள். பாடி செயல்திறன் வடிவத்தின் நுட்பத்திற்கு கவனம் செலுத்தினார். கதாபாத்திரங்களின் உள் முறிவில் ஜூவெட் ஆர்வமாக இருந்தார். பிட்டோவ்கள், செக்கோவின் நாடகங்களை பாரிசியர்களுக்கு அறிமுகப்படுத்தி, அவர்களின் திறமை மற்றும் அரங்கேற்றத்தில் யதார்த்தவாதத்தைக் கடைப்பிடித்தனர். நிதி ரீதியாக, இந்த திரையரங்குகள் கடினமான வாழ்க்கையைக் கொண்டிருந்தன, அவற்றின் இருப்பை எளிதாக்கும் பொருட்டு, 1926 இல் அவர்கள் "கார்டெல்" இல் இணைந்தனர்.

1936 இல், கார்டெல் காமெடி ஃபிரான்சைஸ் அகாடமிக் தியேட்டருக்கு அழைக்கப்பட்டது. ஆனால் டல்லன் மட்டுமே லு நோஸ் டி பிகாரோவை அரங்கேற்ற முடிந்தது. கார்டெல் மற்றும் காமெடி ஃபிராங்காய்ஸின் கலைக் கொள்கைகளுக்கு இடையே உள்ள வேறுபாடு மிகவும் வித்தியாசமாக இருந்தது, அதனால் மேலும் ஆக்கப்பூர்வமான வேலைகள் நடைபெறவில்லை.

1920 இல் இயக்குனர் ஃபிர்மின் ஜெமியர் (1869-1933) மற்றொரு மாநில தியேட்டர் நிறுவப்பட்டது - தேசிய மக்கள் தியேட்டர் (TNP). இது பிரான்சின் கலாச்சார வாழ்க்கையில் குறிப்பிடத்தக்க இடத்தைப் பிடித்துள்ளது. காமெடி ஃபிரான்சைஸுக்குப் பிறகு இது இரண்டாவது தியேட்டர். எஃப். ஜெமியர் அன்டோயினில் தனது வாழ்க்கையைத் தொடங்கினார், சிறப்பியல்பு பாத்திரங்களில் நடித்தார். 1911 இல், அவர் மக்களுக்கு சேவை செய்ய தேசிய பயண அரங்கை ஏற்பாடு செய்தார். ஆனால் தியேட்டர் இரண்டு ஆண்டுகள் மட்டுமே நீடித்தது, அது பொருளாதார ரீதியாக வாழ முடியவில்லை. ஆனால் மக்களுக்கான திரையரங்கம் என்ற எண்ணம் 1920 ஆம் ஆண்டு TNP திரையரங்கில் பொதிந்தது. இந்த தியேட்டர் மாநில மானியம் மற்றும் ட்ரோகாடெரோ அரண்மனையில் ஒரு பெரிய அறையைப் பெற்றது. கிளாசிக்ஸின் நினைவுச்சின்ன தயாரிப்புகள் (டி பியூலியரின் செயலாக்கத்தில் "ஓடிபஸ் ரெக்ஸ்"), பெரிய பிரெஞ்சு புரட்சி மற்றும் பாரிஸ் கம்யூன் ("லா மார்செய்லிஸ்", "அமைதியின் அபோதியோசிஸ்", "பாடல்கள்" ஆகியவற்றின் மரபுகளைத் தொடர்ந்த விசித்திரமான விழாக்கள் இந்த தொகுப்பில் அடங்கும். புரட்சி", "சுதந்திரம் வாழ்க!") . தொழில்முறை நடிகர்கள் மற்றும் அமெச்சூர் குழுக்கள் பங்கேற்ற வெகுஜன காட்சிகள் இவை. ஜெமியர் தனது வாழ்க்கையின் இறுதி வரை தியேட்டரை வழிநடத்தினார், பல்வேறு பாரிசியன் திரையரங்குகளில் நடிகராக நடித்தார். 1926 ஆம் ஆண்டில், அவர் உலக நாடக சங்கத்தின் அமைப்பைத் தொடங்கினார், இது நாடுகளுக்கிடையே கலாச்சார நல்லிணக்கத்தை ஊக்குவிக்கும்.

ஜெமியர் இறந்த பிறகு, TNP 1937-1938 இல் இயக்கிய இயக்குனர் ஆண்ட்ரே லெசுயரால் தலைமை தாங்கினார். ஆர். ரோலண்டின் "ஓநாய்கள்", லோப் டி வேகாவின் "ஷீப் ஸ்பிரிங்" மற்றும் கோர்க்கியின் "அம்மா".

இரண்டாம் உலகப் போரின் முந்தல் அனைத்து ஐரோப்பிய நாடுகளிலும் உள்ள கலைஞர்களால் ஆர்வமாக உணரப்பட்டது. நாடகத் தேடல்கள், ஒரு வழி அல்லது வேறு, உலகின் தலைவிதிக்கான கவலையை பிரதிபலிக்கின்றன. சமூக மற்றும் அரசியல் வாழ்க்கையில் நடக்கும் நிகழ்வுகளுக்கு நாடகமும் நாடகமும் பதிலளிக்க வேண்டியிருந்தது. 20 ஆம் நூற்றாண்டின் தொடக்கத்தில், பெர்னார்ட் ஷா நவீன நாடகம் என்பது கருத்துகளின் நாடகம், ஒரு நாடகம்-விவாதம், அதாவது. நாம் அறிவுசார் நாடகம் என்று அழைக்கிறோம்.

அறிவுசார் நாடகத்தின் அம்சங்கள், ஒரு விதியாக, வெளிப்புற நிகழ்வுகள் எதுவும் அதில் நடைபெறவில்லை. அவை அனைத்தும் மேடைக்கு வெளியே நிகழ்த்தப்படுகின்றன, மேலும் மேடையில் உள்ள கதாபாத்திரங்கள் அவற்றைப் பற்றி விவாதிக்கின்றன. ஒரு கடுமையான நெருக்கடி சூழ்நிலையில் ஹீரோ என்ன செய்ய வேண்டும் என்பதை தேர்வு செய்ய வேண்டும். இங்கு போதுமான உளவியல் செல்லுபடியாகவில்லை. இங்கே தேர்வு கருத்தியல், அறிவுசார், மற்றும் உளவியல் அல்ல.

பிரஞ்சு ஆரம்பத்தில்அறிவுசார் நாடகம்செலவுகள்ஜீன் ஜிரோடோ(அவர் சோர்போன் மற்றும் கேம்பிரிட்ஜில் படித்தவர்). இது ஒரு சிறந்த எழுத்தாளர், நாடக ஆசிரியர். அவரது பணியின் ஆரம்ப காலத்தில், கவலை மற்றும் குழப்பமான மனநிலை நிலவியது. உலகில் ஒற்றுமையின்மை ஆட்சி செய்வதை உணர்ந்தார். முதல் உலகப் போரின் நிகழ்வுகள், சமூக-வரலாற்று மற்றும் நெறிமுறை மோதல்களுக்கு ஒரு முறையீடு, யதார்த்தத்திற்கான ஒரு சுருக்க-காதல் அணுகுமுறையை ஜிரோடோ நிராகரித்தது. அவர் மக்களின் மனதையும் உணர்வுகளையும் கவர்ந்தார். அவரது பல நாடகங்கள் சோக ஒலியைப் பெற்றுள்ளன. அவர் ஒரு நாவல் எழுதுகிறார்"சீக்ஃபிரைடு",இது பின்னர் ஒரு நாடகமாக மறுஉருவாக்கம் செய்யப்பட்டது (1928). இது கடந்த கால யுத்தத்தின் நிராகரிப்பை பிரதிபலிக்கிறது. மேலும் பிரெஞ்சு மற்றும் ஜெர்மன் கலாச்சாரங்களின் உறவு மற்றும் பரஸ்பர கண்ணியம் பற்றிய யோசனையையும் கண்டறிந்தது. ஜிரோடோவின் முதல் நாடகம்"கருத்துக்களின் நாடகம்".அனைத்து வெளிப்புற நிகழ்வுகளும் திரைக்குப் பின்னால் நடந்தன. ஒரு தொடர்ச்சியான, பதட்டமான விவாதம் பார்வையாளர்களுக்கு முன் விரிவடைந்தது, இது பாடல் காட்சிகளில் கூட நிற்கவில்லை. ஒரு ஆன்மீக போராட்டம் இருந்தது - சீக்ஃபிரைட் மற்றும் ஜாக்ஸுக்கு, ஜேர்மன் மக்களின் வரலாற்று நோக்கத்தைப் பற்றிய சரியான புரிதலுக்காக, "தேசம்" என்ற கருத்தின் வரையறைக்காக. உண்மை, Giraudoux முன்வைக்கப்பட்ட எந்த கேள்விகளுக்கும் உறுதியான பதிலைக் கொடுக்கவில்லை, ஆனால் அவர் யதார்த்தத்தைப் புரிந்துகொள்ள அழைப்பு விடுத்தார், குடிமை மனசாட்சியை எழுப்பினார், உயர்ந்த தார்மீகத் தேவைகளின் நிலைப்பாட்டில் இருந்து செயல்களை மதிப்பீடு செய்ய அழைப்பு விடுத்தார்.

1935 இல், ஒரு துண்டுப்பிரசுர நாடகம் தோன்றுகிறது"ட்ரோஜன் போர் இருக்காது"இதில் வரவிருக்கும் இரண்டாம் உலகப் போரின் முன்னறிவிப்பு அபாயகரமாக ஒலிக்கிறது. இங்கே அவர் ஹோமரின் இலியாட்டின் சதித்திட்டத்தைப் பயன்படுத்தினார். நாடகத்தை இயக்கியவர்லூயிஸ் ஜூவெட் . பழங்கால, புராணக் காட்சிகள் ஒரு நவீன மோதலை மீண்டும் உருவாக்குவதற்கான ஒரு உருவக வடிவமாகப் பயன்படுத்தப்படுகின்றன.

நாடகம் ஒரு நபரின் தார்மீக நிலையின் சிக்கலைப் பற்றி விவாதிக்கிறது: ஹெக்டரைப் பற்றிய ஒரு சோகமான பிரதிபலிப்பு (இந்தப் போர் எப்படி முடிந்தது என்பதை நாங்கள் அறிவோம்); போருக்கான தாகம் கொண்ட முதியவர்களைப் பற்றிய ஒரு கேலிக்கூத்தான பிரதிபலிப்பு. போருக்கான தாகம் மரண தாகம். ஹெக்டர் ஒரு வழக்கறிஞர் தோன்றுவார் என்று நம்புகிறார், அவர் சர்ச்சையை தீர்ப்பார் (எழுதப்பட்ட மற்றும் எழுதப்படாத சட்டத்திற்கு இடையிலான மோதல்). வழக்கறிஞர் தோன்றுகிறார் (ஒருவித உருவகம்). போர் தவிர்க்க முடியாதது என்று அவர் கூறுகிறார். ஆனால் ஹெக்டர் அவருக்கு ஒரு கட்டணத்தை வழங்குகிறார், மேலும் இராணுவ நடவடிக்கை இல்லாமல் எலெனாவை திருப்பி அனுப்ப வேண்டும் என்று அதே வாதங்களுடன் அவர் நிரூபிக்கிறார். யுலிஸஸ் தோன்றுகிறது. ஹெக்டர் ஒரு இளம் தந்தையின் சார்பாகவும், ஒரு இளம் தாய்க்காகவும், மற்றவர்களின் சார்பாகவும் பேசுகிறார், அவருடைய நிலைப்பாடு போருக்கு எதிரானது. யுலிஸஸ் ஞானிகளின் சார்பாக பேசுகிறார். காரண வாதங்களும் அனுபவ வாதங்களும் ஒத்துப்போவதில்லை. ஆனால் மனிதனுக்கு வாழ்வின் மீது அதிகாரம் உண்டு. யுலிஸஸ் இதைப் புரிந்துகொள்கிறார், மேலும் இது ஹெக்டரை நம்புவதைத் தடுக்கிறது. நீதியின் அளவுகோலில், ஹெக்டரின் வாதங்கள் மிகையாக உள்ளன. தூய வாய்ப்பு ஒரு போரைத் தொடங்குகிறது.

எலெனா தனது அன்பை மினலாஸுக்கும், பின்னர் பாரிஸுக்கும், பின்னர் பாரிஸின் தம்பிக்கும் கொடுக்கிறார். போரைத் தொடங்குவது மதிப்புக்குரியதா?

நாடக ஆசிரியர் அடிப்படை உணர்வுகளுக்காகவும், ஒரு தனிமனிதனின் தீமைகளுக்காகவும், "சக்திவாய்ந்தவர்களின்" அறநெறி மற்றும் தத்துவத்திற்காகவும் தனது வெறுப்பை வெளிப்படுத்துகிறார்.

ஒரு புதிய மோதல் Girodou ஐ வலியுறுத்துகிறது - ஒரு நபரின் தனிப்பட்ட மற்றும் அறிவுசார் விருப்பத்திற்கும் வாழ்க்கை, உலகம், விதி ஆகியவற்றிற்கும் இடையே.

இந்த மோதல் சோகமானது;அதை சமாளிக்க முடியாது; அது ஆபத்தானது: விதி முன்னரே தீர்மானிக்கப்பட்டது.

இந்த நாடகம் ஒரு முழு போக்குக்கு வித்திட்டது. ஆனால் அது பற்றிய சர்ச்சை இன்று வரை ஓயவில்லை. 1930 களின் பிரெஞ்சு நாடகவியலில், அவர்கள் வித்தியாசமாக எழுதும் மற்றும் பேசும் ஒரு நாடகத்தைக் கண்டுபிடிப்பது கடினம். சிலர் ஜிராட் உணர்ச்சியற்றவர் என்று குற்றம் சாட்டுகிறார்கள், போரை ஒரு வரலாற்று மரணம் என்று பேசுகிறார்கள். மற்றவர்கள், மாறாக, நாடகத்தில் மரணம் இல்லை என்று நம்புகிறார்கள், போர்கள் தொடங்குவது வெல்ல முடியாத விதி உலகில் ஆட்சி செய்வதால் அல்ல, ஆனால் போர் ஒருவருக்கு நன்மை பயக்கும் என்பதால். மற்றவர்கள் கிரோடா முதலாளித்துவத்தின் ஓரத்தில் இருப்பதாகக் குற்றம் சாட்டுகிறார்கள், போரை தவிர்க்க முடியாது என்று அறிவித்தார். இறுதியாக, நாடகத்தை ஒரு தலைசிறந்த படைப்பாகப் பற்றி ஒரு கருத்து உள்ளது, இது ஒரு வகையான "அரசியல் நாடகத்தை" குறிக்கிறது, எதிர்ப்பிற்கு அழைப்பு விடுக்கிறது.

காலம் மாறிவிட்டது, கண்ணோட்டம் மாறிவிட்டது. ஆனால் மதிப்பீடுகளின் துருவமுனைப்பு நாடகத்தின் உள் முரண்பாட்டாலும் ஏற்படுகிறது. போர் நெருங்கிக்கொண்டிருந்தது, ஜிரோடோ இதை யாரையும் விட நன்றாகப் புரிந்துகொண்டார், குறிப்பிட்ட காரணங்களை வெளிப்படுத்தினார் - தேசியவாதம், வெற்றிகள் மற்றும் கொள்ளைகளுக்கான கொள்ளை ஆசை, இராணுவவாதம் மக்களின் நனவை விஷமாக்குகிறது, ஆட்சியாளர்களின் முட்டாள்தனம், அவர்களின் வஞ்சகக் கொள்கை, இது பெரும்பாலும் ஆத்திரமூட்டல்களைக் கொண்டிருந்தது. .

மனிதனில் வாழும் கோழைத்தனமான மற்றும் அடிமைத்தனத்திற்கு எதிராக, விலங்குகளின் உள்ளுணர்வின் சக்திக்கு எதிராக, ஆபத்தான மற்றும் புரிந்துகொள்ள முடியாத சக்திக்கு எதிராக, தவிர்க்க முடியாதது போல் நெருங்கி வரும் ஒரு கிளர்ச்சிதான் இந்த காட்சி.

ஆம், ஹெக்டரைச் சுற்றி குருடர்கள், சுயநலவாதிகள், வாய்பேசுபவர்கள் உள்ளனர், அவர்களுக்கு எதிராகப் போராடுவது அவருக்கு கடினமாக உள்ளது. ஆனால் அவர் பெரும்பாலான தடைகளை கடக்கிறார்: போருக்கு வழிவகுக்கும் அபாயகரமான உள்ளுணர்வுகளின் கவர்ச்சியான ஹெலன், தனது இதயமற்ற தன்மையுடன் கிரேக்கத்திற்குத் திரும்ப ஒப்புக்கொள்கிறார். பாரிஸின் சுயநலம் மற்றும் அற்பத்தனம், மன்னன் பிரியாமின் போர்க்குணம் அவரது மூத்த சகோதரர் மற்றும் மகனின் வலியுறுத்தல் விருப்பத்திற்கு முன் தலைகுனிகின்றன. கிரேக்க தூதர் அஜாக்ஸின் குடிகார முட்டாள்தனம் கூட ஹெக்டரின் வசீகரத்தையும் பரோபகாரத்தையும் எதிர்க்க முடியாது. "இராஜதந்திர ஆலோசகர்" புசிரிஸின் ஆத்திரமூட்டலைத் தடுக்க அவர் நிர்வகிக்கிறார் (ஒவ்வொரு கருத்தும் மேற்பூச்சு ஒலித்தது மற்றும் போர்களைத் தொடங்குவது கடவுள்கள் அல்ல என்பதை நிரூபித்தது, ஆனால் மக்களின் அலட்சியம் மற்றும் நியாயமற்ற ஆளும் வட்டங்கள்).

ஹெக்டரின் கிரேக்க தூதர் யுலிஸெஸ்ஸை சந்தித்த காட்சி ஒரு சோகமான சக்தியை அடைந்தது. நிமிர்ந்து பார்க்காமல் ஒருவரையொருவர் பார்த்துக் கொள்கிறார்கள். யுலிஸ்ஸஸ் ஒரு அனுபவமிக்க அரசியல்வாதி, தனது அரசின் பேராசை கொண்ட ஆசைகளை அறிந்தவர், போரைத் தவிர்ப்பது கிட்டத்தட்ட சாத்தியமற்றது என்பதைப் புரிந்துகொண்டு, அவர் கிரேக்கர்களில் மிகவும் புத்திசாலி மற்றும் தந்திரமானவர்; மற்றும் ஹெக்டர் - இளம், இராஜதந்திரத்தில் அனுபவம் இல்லாத, உணர்ச்சி, சுறுசுறுப்பான, தைரியமான. அவர்கள் சொல்லும் ஒவ்வொரு வார்த்தையும் வரலாற்றின் தராசில் எடைபோடுகிறது, கடவுளின் ஆணைகள் பொய்யான பேச்சு, அதைப் பயன்படுத்த நினைப்பவர்களின் கண்டுபிடிப்பு என்று அவர்களுக்குத் தெரியும். அவர்கள் கனமான, இன்னும் மூடிய "போரின் வாயில்கள்" பின்னணியில் நிற்கிறார்கள் மற்றும் சிறிதளவு கவனக்குறைவு, ஏதேனும் தற்செயலான ஆத்திரமூட்டல் இரத்தம் சிந்துவதற்கு, படுகொலைக்கு வழிவகுக்கும் என்பதை அவர்கள் அறிவார்கள். இந்த காட்சி நாடகத்தின் உச்சக்கட்டமாக இருந்தது.

இருப்பினும், ஹெக்டர் மற்றும் யுலிஸ்ஸின் அனைத்து முயற்சிகளும் வீண். கடைசி நேரத்தில், ஹெக்டரின் ஈட்டியால் துளைக்கப்பட்ட டெமோகோஸ், அஜாக்ஸின் கொலையைத் தூண்டிவிடுகிறார். இப்போது போர் தவிர்க்க முடியாதது. "ட்ரோஜன் கவிஞர் இறந்துவிட்டார்... கிரேக்கக் கவிஞர் பேசுகிறார்" - கசாண்ட்ராவின் தீர்க்கமுடியாத தீர்க்கதரிசனம் டிராயின் அழிவை முன்னறிவிக்கும் நாடகத்தை முடிக்கிறது.

இந்த நாடகம் ஒரு வித்தியாசமான முறையில் அரங்கேற்றப்பட்டது: வெற்று மேடை, வெள்ளி நிற மேடை, மேடையின் நடுவில் ஒரு வாயில் (போர் வாயில்). அனைத்து கதாபாத்திரங்களும் வெவ்வேறு ஆடைகளை அணிந்துள்ளனர்: ஹெக்டர் மற்றும் ஆண்ட்ரோமேச் பழங்கால ஆடைகள், ஹெக்யூபா 18 ஆம் நூற்றாண்டின் உடையில் இருக்கிறார், யுலிஸ் டெயில் கோட்டில் இருக்கிறார், வழக்கறிஞர் நவீன உடையில் இருக்கிறார். (சகாப்தத்தில் ஆடைகள் பகட்டானவை, டெயில்கோட்டுகள் மற்றும் நவீன ஆடைகளைத் தவிர). எக்லெக்டிசிசம் ஆடைகளில் மட்டுமல்ல, வடிவமைப்பிலும் உள்ளது. எதற்காக? நாடகத்தில் விவாதிக்கப்படும் பிரச்சினைகள் எந்த காலத்திற்கும், எந்த காலத்திற்கும் பொதுவானவை என்பதுதான் புள்ளி. மனித வாழ்க்கை விதியால் முன்னரே தீர்மானிக்கப்படுகிறது. இன்னும், லூயிஸ் ஜூவெட் இந்த நிகழ்ச்சியை மரண மரணத்தின் சோகமாக அல்ல. செயல்திறனின் முழு இணக்கமான அமைப்பு, அற்புதமான நடிகர்கள், அதன் பங்கேற்பாளர்களின் ஆன்மீக சமூகத்தில் பிறந்தவர்கள், தவிர்க்க முடியாத போரின் அழிவு யோசனையை எதிர்த்தனர்.

லூயிஸ் ஜூவெட், இந்த நடிப்பை அரங்கேற்றியவர் (மற்றும் அதில் ஹெக்டரின் பாத்திரத்தில் நடித்தார்), இந்த அறிவுசார் நாடகத்தை எல்லா காலங்களிலும், அனைத்து மக்களினதும் நாடகமாக விளக்குகிறார்.

நாடகத்தில் அறிவுசார் மரபு உறுதிப்படுத்தப்படுகிறது.

சார்த்ரே, காமுஸ், அனௌயில் - இவையும் தியேட்டரில் ஒரு அறிவார்ந்த தன்மையின் நிகழ்வுகள்.

ஜீன்-பால் சார்த்ரே பிரெஞ்சு எதிர்ப்பின் உறுப்பினராக இருந்து மாவோயிசத்தை ஆதரிக்கும் தீவிர இடது இயக்கமாக உருவானது.

அவர் எதிர்ப்பின் ஆண்டுகளில் இருத்தலியல்வாதியாகத் தொடங்கினார்.

இருத்தலியல் – தத்துவ திசை, மேற்கில் மிகவும் பிரபலமானது (தத்துவவாதிகள் மார்ட்டின் ஹைடெக்கர், கார்ல் ஜாஸ்பர்ஸ்). எழுத்தாளர்களில், சார்த்தரைத் தவிர, ஹெமிங்வே, காமுஸ், அனௌயில் ஆகியோரால் அவர் பகிர்ந்து கொள்ளப்பட்டார்.

இருப்பு – இருப்பு. இருத்தலியல் மனிதன், ஆளுமை, மனிதன் வாழும் உலகம் பற்றிய விரிவான புரிதலைக் கொண்டிருப்பதாகக் கூறுகிறது. மனிதன் இந்த உலகத்தில் தள்ளப்படுகிறான், அதில் இருக்க வேண்டிய கட்டாயம். மைய நிகழ்வு - இருப்பு (இருக்கிறது - இருப்பு) - ஒரே அளவுரு. இருப்பு என்பது மனிதனுக்கு முதலில் கொடுக்கப்பட்ட விஷயம். மற்றும் இரண்டாவது - சட்டங்கள், நிறுவனங்கள்.

மனிதன் ஒரு சோகமான உயிரினம்: அவன் பகுத்தறிவைக் கொண்டவன் மற்றும் அவனது இருப்பின் எல்லையைப் பற்றி அறிந்தவன். இருப்பு என்பது அபத்தமானது: ஒரு நபர் எப்படியும் இறக்க வேண்டுமானால் ஏன் இருக்கிறது. இதுதான் மனிதனின் சோகமான தனிமை. ஒரு நபர் துன்பத்திற்காக பிறந்தார் (அவர் ஒரு அழுகையுடன் பிறந்தார், அவர் தனது இருப்பை எதிர்க்கிறார் - இது என். பெர்டியாவ் கூறுகிறார்).

சமூக இருப்பின் சாராம்சம், வாழ்க்கையின் சாராம்சம் என்னவென்றால், ஒரு நபர் உண்மையை எதிர்கொள்ள விரும்பவில்லை, அதாவது. மரணம். அவர் தனது இருப்பை நீட்டிக்கிறார், அவர் அதை விட்டு ஓடினால், அவர் தனது ஆளுமையை விட்டு ஓடுகிறார். அது உண்மையான வாழ்க்கை அல்ல. ஒரு நபரின் பயம், பதட்டம், பதட்டம் ஆகியவை அவரது மூட்டுகளைப் பற்றிய தகவல். இந்த சோகத்தில் மூழ்குவதற்கு பயப்படாத அந்த உண்மையான நபர். (எந்த கலைப் படைப்பிலும் இதைக் காணலாம்).

சார்த்தரின் இருத்தலியல் உலகக் கண்ணோட்டம் ஒரு தார்மீக சூழலில் வெளிப்படுத்தப்படுகிறது. அவரது கட்டுரை "இருப்பது மற்றும் இல்லாதது" (1942) இருப்பு (இருத்தல்) பிரச்சனைக்கான அவரது அணுகுமுறையை வரையறுக்கிறது.

இந்த அல்லது அந்த சூழ்நிலையில் தன்னைக் கண்டுபிடிக்கும் ஒரு நபர் தனக்கு ஆபத்தானதாக இருந்தாலும் ஒரு தேர்வு செய்ய வேண்டும். ஒரு மனிதனின் மகத்துவம் அவன் தன் இயல்பின்படி தேர்ந்தெடுத்தால்; மற்றும் பெரும்பாலும் சூழ்நிலை இருந்தபோதிலும் ஒரு தேர்வு செய்யப்பட வேண்டும் (இது பிரான்ஸ் ஆக்கிரமிப்பு ஆண்டுகளில் குறிப்பிட்ட பொருத்தம் மற்றும் தார்மீக உயர்வாக இருந்தது).

அவரது நாடகங்களில் அவர்விளக்குகிறது அவரது தத்துவத்திலிருந்து அறிக்கைகள்.

விளையாடு"ஈக்கள்"(1943), அரங்கேற்றப்பட்டதுசார்லஸ் டுலின்ஆக்கிரமிக்கப்பட்ட பாரிஸில் உள்ள சாரா பெர்ன்ஹார்ட் தியேட்டரில், ஒரு பழங்கால கதையை அடிப்படையாகக் கொண்டது.

(இதன் மூலம், ஆக்கிரமிப்பு அதிகாரிகள் இந்த தியேட்டரை மறுபெயரிடக் கோரினர், சார்லஸ் டல்லின் அதற்குச் சென்றார்: தியேட்டர் சிறிது நேரம் சிட்டி தியேட்டர் என்று அழைக்கப்பட்டது. ஆனால் தியேட்டரில், சாரா பெர்ன்ஹார்ட்டின் பெயருடன் இணைக்கப்பட்ட அனைத்தும் புனிதமாக மதிக்கப்பட்டன: டல்லின் அனைத்து ஆடைகளையும், சாரா பெர்ன்ஹார்ட்டைப் பற்றிய மனப்பான்மை கொண்ட அனைத்து பொருட்களையும், அவரது முன்னாள் தியேட்டர் டிரஸ்ஸிங் அறையில் சேகரித்தார் - இது ஒரு வகையான நினைவுச்சின்னமாக மாறியது.)

ஆர்கோஸை கிளைடெம்னெஸ்ட்ராவிலிருந்து, அபகரிப்பிலிருந்து, ஈக்களிடமிருந்து விடுவிக்க, கொடுங்கோன்மை, அபகரிப்பு ஆட்சி செய்யும் ஆர்கோஸுக்கு ஓரெஸ்டெஸ் வருகிறார். ஓரெஸ்டெஸ் ஒரு எதிர்ப்பு வீரனை ஒத்திருக்கிறார். பிறந்த ஊரைக் காப்பாற்ற வேண்டும் என்று புரிந்து கொள்கிறான். ஆனால் எப்படி? (புராணத்தின் படி, அவர் ஆர்கோஸை விடுவிக்க வேண்டும், அதன் மூலம் தனது கடமையை நிறைவேற்ற வேண்டும். ஆனால் இதற்கான வழிமுறை கொலை, அதாவது ஈக்கள் மற்றும் கிளைடெம்னெஸ்ட்ராவைப் போன்றது). ஆனால் கொலை செய்ய, வன்முறை செய்ய அவருக்கு உரிமை இருக்கிறதா என்று ஓரெஸ்டெஸ் சந்தேகிக்கிறார். ஆனால் அவருக்கு வேறு வழியில்லாமல், வாளை எடுக்க வேண்டிய கட்டாயத்தில் உள்ளார். ஆனால் இப்போது அவர் ஒரு கற்பழிப்பாளர் முத்திரையை தாங்கியிருக்கிறார். எனவே, அவர் ஒரு கனமான உணர்வுடன் ஆர்கோஸை விட்டு வெளியேறுகிறார்.

பிரான்சின் பொது வாழ்க்கையில், அதே கேள்விகள் விவாதிக்கப்பட்டன: "வன்முறை சாத்தியமா?" எந்தவொரு சந்தர்ப்பத்திலும் ஜேர்மனியர்களைப் போல இருக்கக்கூடாது என்பதற்காக பலர் அமைதிக்காகவும், எதிர்ப்பின்மைக்காகவும் பேசினர். இது, பிரான்சின் பெருமையாக இருக்கும் என நம்பப்பட்டது.

சார்த்தர், மறுபுறம், கேள்வியை வித்தியாசமாக வைக்கிறார்: ஆயுதங்களை எடுப்பது அவசியம், இது மனசாட்சிக்கு வேதனையாக இருந்தாலும், எதிரிக்கு எதிர்ப்பு அவசியம்.

சார்த்தர் அறிவுசார் பிரச்சனைகளை தீர்க்கிறார். இங்கு போதுமான உளவியல் செல்லுபடியாகவில்லை. இங்கே தேர்வு கருத்தியல், அறிவுசார், மற்றும் உளவியல் அல்ல.

"ஈக்கள்" என்பது இருத்தலியல் சுதந்திரத்தின் முதல் அறிக்கைகளில் ஒன்றாகும், இது தனிப்பட்ட வாழ்க்கைப் பாதையைத் தேர்ந்தெடுப்பதற்கான உரிமையின் அறிக்கையாகப் புரிந்து கொள்ளப்படுகிறது.

பொதுவான மனித வாழ்க்கையிலிருந்து தனிமைப்படுத்தப்பட்ட ஒரு நபர், நன்மைக்கான பாதையைத் தேர்ந்தெடுக்கலாம் அல்லது தீய பாதையில் செல்லலாம். கேள்வியின் இந்த முறையான மற்றும் சுருக்கமான உருவாக்கத்தில், கடமையின் மனிதநேய சாராம்சம் எந்த வகையிலும் நிர்ணயிக்கப்படவில்லை மற்றும் தனிநபரின் சமூக செயல்பாடு வழங்கப்படவில்லை. ஆனால் அவர் இவ்வாறு கேள்வி எழுப்பவில்லை.

"ஆர்கோஸில் எல்லாவற்றையும் தலைகீழாக மாற்ற" ஓரெஸ்டெஸ் தோல்வியடைந்தது. அவர் ஆர்கிவ்ஸை கொடுங்கோலரிடமிருந்து விடுவித்தார், ஆனால் அவர்களின் ஆன்மாவை எழுப்பவில்லை. அவர்கள் குருடர்களாகவும், கோழைத்தனமான கும்பலாகவும், தங்கள் மீட்பவரைக் கல்லெறியத் தயாராக இருந்தனர். பழிவாங்கும் கனவுகளுடன் பல ஆண்டுகளாக வாழ்ந்த எலெக்ட்ராவும் ஓரெஸ்டெஸிலிருந்து பின்வாங்கினார், மேலும் பழிவாங்கும் போது பொறுப்பைக் கண்டு பயந்தார். சார்த்தர் தேவைகளை பூர்த்தி செய்யவில்லை: ஈக்கள் - எரினிஸ், வியாழனின் ஊழியர்கள், ஆர்கோஸைத் துன்புறுத்தியவர்கள், பயத்தாலும் வருத்தத்தாலும் துன்புறுத்தப்பட்டவர்கள், பயம் தெரியாத ஓரெஸ்டெஸுக்குப் பிறகு ஒரு மேகத்தில் பறந்து செல்கிறார்கள் என்பதை விளக்குவது கடினம். அவரது செயலின் சரியான தன்மை.

ஆனால் டல்லனுக்கு சுருக்கக் கோட்பாடு வழங்கப்படவில்லை. நம் காலத்தின் மிகப்பெரிய தார்மீக சிக்கல்களை அவர் நாடகத்தில் கண்டார். அவர் வேறொன்றையும் புரிந்து கொண்டார் - அர்த்தத்தின் தெளிவின்மை தேசத்துரோக விளையாட்டைக் காப்பாற்றும், படையெடுப்பாளர்களின் சந்தேகங்களை அதிலிருந்து அகற்றும் - பிரெஞ்சுக்காரர்கள் தத்துவ சுருக்கங்களுடன் வேடிக்கையாக இருக்கட்டும். பாசிச அதிகாரிகளை விட சார்த்தரின் உருவகங்களை பிரெஞ்சுக்காரர்கள் நன்றாக புரிந்துகொள்வார்கள் என்று டல்லின் நம்பினார். இந்த ஆர்கோஸில் சிலுவையில் அறையப்பட்ட ஒருவரின் தாயகத்தை அடையாளம் காண்பது கடினமாக இருந்ததா, சேற்றில் மூழ்கி, அதிக எடை கொண்ட ஈக்கள் திரள்கின்றன? தங்கள் கவனக்குறைவு மற்றும் அலட்சியத்தால் துரோகத்தை அனுமதித்த அவர்கள், புறநிலையாக குற்றத்தில் ஈடுபட்டுள்ளனர் என்ற எண்ணத்தால் பிரெஞ்சுக்காரர்கள் வேதனைப்பட்டார்கள் அல்லவா? டல்லனின் நடிப்பு மனசாட்சிக்கு, பகுத்தறிவுக்கு, பார்வையாளர்களின் தார்மீகப் பொறுப்புணர்வைக் கவர்ந்தது.

டல்லின் ஆக்கிரமிப்பு அதிகாரிகளை குழப்பும் அளவுக்கு விசித்திரமான ஒரு நடிப்பை உருவாக்கினார், மேலும் பார்வையாளர்களுக்கு வெளிப்படையானது. சாரா பெர்னார்ட் தியேட்டரின் பிரமாண்டமான மேடையில், பல சாய்வான தறிகள் வைக்கப்பட்டன, இது ஆற்றல்மிக்க மற்றும் மாறுபட்ட மீஸ்-என்-காட்சிகளை உருவாக்குவதை சாத்தியமாக்கியது. வியாழனின் உருவமற்ற சிலை, பெரிய, வீங்கிய தலைகள் கொண்ட அர்கிவ்ஸின் அசிங்கமான முகமூடிகள் மற்றும் இடைவிடாத, வலிமிகுந்த, பேய் சத்தமிடும் ஈக்கள் பயங்கரமான துரதிர்ஷ்டத்தில் மூழ்கியிருந்த ஒரு நகரத்தின் இருண்ட, அச்சுறுத்தும் சூழ்நிலையை உருவாக்கியது.

நடவடிக்கையின் போது, ​​​​அடிமைகளின் "ஆணை" - ஏஜிஸ்டஸ் மற்றும் வியாழன் - ஒரு பெரிய அச்சுறுத்தல் என்று டல்லன் நம்பினார்.

சார்த்தரின் இருத்தலியல் வாதம் எவ்வளவு சுருக்கமாக இருந்தாலும், செயல்திறனின் முக்கிய தார்மீக பாடம் ஓரெஸ்டெஸின் வார்த்தைகளில் இருந்தது, ஏஜிஸ்டஸின் கொலைக்கு முன் கூறினார்:"நியாயம் என்பது மனிதர்களின் தொழில், அது என்ன என்பதை அறிய கடவுள்கள் எனக்குத் தேவையில்லை. கேவலமான அயோக்கியனே, உன்னை நசுக்குவது நியாயம், ஆர்கோஸ் குடிமக்கள் மீது உனது அதிகாரத்தைத் தூக்கி எறிவது நியாயம், அவர்களுக்கு அவர்களின் கண்ணியத்தை மீட்டெடுப்பது நியாயம்.

சார்த்தரின் தத்துவ சிந்தனையின் தளம் எவ்வளவு குழப்பமாக இருந்தாலும், அவரது நாடகம் கூறியது: மக்கள் அடிமைகளாக மாறினர், ஏனென்றால் அவர்கள் தங்களை மிரட்டி, வன்முறைக்கு முன் பணிந்தனர். நாம் செயல்பட வேண்டும், போராட வேண்டும், எதிர்க்க வேண்டும். 1943 இல் சார்த்தரின் நாடகம் எதிர்ப்பின் அறிக்கையாகக் கருதப்பட்டது. டல்லின் வியாழனாக நடித்தார்: தெய்வத்தை இழிவுபடுத்துவது அவரது விளக்கத்தில் வெளிப்படையாக பாசிசத்திற்கு எதிரானது. டல்லனின் கோரமான கதை சாப்ளினின் தி டிக்டேட்டரைப் போன்றது. எதிரிகளால் கைப்பற்றப்பட்ட நகரத்திற்கு "ஃப்ளைஸ்" வெற்றி கிட்டத்தட்ட நம்பமுடியாததாக இருந்தது. மிகப்பெரிய பொது பணிக்கு கூடுதலாக, டல்லன் நம் காலத்தின் சிறந்த நாடக ஆசிரியர்களில் ஒருவரைக் கண்டுபிடித்தார்.

ஆல்பர்ட் காமுஸ் 1937 இல் தனது செயல்பாட்டைத் தொடங்கினார், எதிர்ப்பின் உறுப்பினராக அறியப்படுகிறார், மேலும், எதிர்ப்பின் தலைவர்களில் ஒருவர். அவர் நோபல் பரிசு பெற்றவர். 1959 இல் ஒரு கார் விபத்தில் இறந்தார்

அவரது நாடகங்கள் பெரும்பாலும் ரஷ்ய சதித்திட்டத்தின் அடிப்படையில் கட்டப்பட்டுள்ளன. அவரது சிலை தஸ்தாயெவ்ஸ்கி. "பேய்கள்" நாவலை அரங்கேற்றினார். 1970 களில், இந்த நிகழ்ச்சி போலந்தில் Andrzej Wajda என்பவரால் அரங்கேற்றப்பட்டது. அவர் ஜனரஞ்சகவாதிகளின் கருப்பொருளில் பல நாடகங்களை வைத்திருக்கிறார், ஆனால் அவை ரஷ்ய மொழியில் மொழிபெயர்க்கப்படவில்லை.

போர் ஆண்டுகளில், அவரது நாடகம் "கலிகுலா" தோன்றியது. பழமையான கதை. மையத்தில் ரோமானிய சர்வாதிகாரி மற்றும் அவரது உள் சரிவின் உருவம் உள்ளது: ஒரு நபர் கொடுங்கோன்மைக்கு எப்படி செல்கிறார் மற்றும் அவர் எப்படி சரிந்தார் என்பது கண்டறியப்படுகிறது.

விளையாடுஇருந்தது1952 ஆம் ஆண்டு TNP திரையரங்கில் ஜெரார்ட் பிலிப் முக்கிய வேடத்தில் நடித்தார். யோசனை இங்கே வெளிப்படுத்தப்பட்டது:மக்கள் ஒரு சிலையை விரும்பினர், அவர் அதைப் பெற்றார். அதாவது, புள்ளி கொடுங்கோலன் தன்னை மட்டுமல்ல, அவனது சூழலிலும் உள்ளது. .

கூட்டத்தை வெல்வது, உங்கள் தனிப்பட்டதை இழக்கிறீர்கள். போலந்து இயக்குனர் ஆக்சர் இந்த நாடகத்தை Tadeusz Lomnicki உடன் வார்சாவில் உள்ள Sovremennik தியேட்டரில் அரங்கேற்றினார்.(மற்றும் லெனின்கிராட்டில், போல்ஷோய் தியேட்டரில், அதே பாணியில், அவர் ப்ரெக்ட்டின் தி கேரியர் ஆஃப் ஆர்டுரோ யுஐ ஈ.ஏ. லெபடேவ் உடன் அரங்கேற்றினார். உண்மை, இங்கு சற்றே வித்தியாசமான உச்சரிப்புகள் உள்ளன: ஆர்டுரோ பெரும் லட்சியத்தால் அதிகாரத்திற்கு உந்தப்படுகிறார்.) லோம்னிட்ஸ்கி வேறுபட்டவர்: அவர் இந்த சக்திக்கு பயந்தார், மேலும் அவர் அதிகாரத்திற்கு தள்ளப்படுகிறார். மேலும் எல்லாம் பயமுறுத்துகிறது. புள்ளி ஆளுமையில் இல்லை, ஆனால் சூழ்நிலையில் உள்ளது என்று மாறிவிடும்.

காமுஸ் கலிகுலா அதிகாரத்திற்காக பாடுபடவில்லை, நிலைமை அவரை கொடுங்கோன்மையின் உச்சத்திற்கு தள்ளுகிறது. யதார்த்தம் அத்தகைய சதித்திட்டத்தை ஆணையிட்டது: ஜேர்மனியர்கள் ஒரு கொடுங்கோலரை முன்வைத்தனர். மேலும் அதிகாரத்தின் சக்தி அதை வைத்திருப்பவரைக் கெடுக்கிறது. முடிவு: தனிநபர் குற்றம் சாட்டக்கூடாது, ஆனால் அவரது சூழல்.

காமுஸின் மற்ற நாடகங்களும் இதே பிரச்சனையை ஆராய்கின்றன; எடுத்துக்காட்டாக: நரோத்னிக் புரட்சியாளர்களுக்கு ஆயுத உரிமை உள்ளதா. புரட்சியின் பார்வையில், இந்த பாதை தவிர்க்க முடியாதது, ஆனால் தார்மீகக் கண்ணோட்டத்தில், அத்தகைய பாதை மனிதாபிமானமற்றது மற்றும் கொடுங்கோன்மைக்கு வழிவகுக்கிறது.

கட்டுரையில் "கோபமடைந்த மனிதன்"அவர் அபத்தத்தின் பல கொள்கைகளை உறுதிப்படுத்துகிறார்: உலகம் அபத்தமானது, அதன் சட்டங்களை அறிந்து கொள்வது சாத்தியமில்லை, மேலும் இந்த உலகத்தை தீவிரமாக மாற்றுவதை நோக்கமாகக் கொண்ட மனித நடவடிக்கைகள் அர்த்தமற்றவை. ஒரு நபர் தனிப்பட்ட விஷயங்களில் மட்டுமே கோபப்பட முடியும்.

இந்த வேலை சோவியத் ஒன்றியத்தின் விமர்சனத்தையும் கொண்டுள்ளது. அவரது மற்ற நாடகங்களில், இந்த எண்ணங்கள் ஏதோ ஒரு வகையில் வெளிப்படுத்தப்படுகின்றன.

அறிவுஜீவிகள் மனித மனதின் ஆற்றலையும், சுதந்திர மனித தனித்துவத்தின் மதிப்பையும் பாசிச வெறி மற்றும் மில்லியன் கணக்கான மக்களின் மூளைச்சலவைக்கு எதிராக எதிர்த்தனர். அவர்களின் நாடகங்களில் குறிப்பாக ஒரு வீரச் செயலின் மூலம் விடுவிக்கப்பட்ட ஒரு நபருக்கும், சுதந்திரத்திற்கான கொடுங்கோன்மைக்கு வசதியான மற்றும் பழக்கமான கீழ்ப்படிதலை விரும்பும் நகரவாசிகளின் செயலற்ற கூட்டத்திற்கும் இடையிலான உறவின் சிக்கலாக இருந்தது.

நாடக ஆசிரியர்கள் தனிமனித சுதந்திரத்தின் சிக்கலை இரண்டு அம்சங்களில் கருதுகின்றனர்:

1) உறுதியான அரசியலில் (பாசிசத்திற்கு எதிரான போராட்டம், விடுதலை மற்றும் மனிதநேயத்திற்கான எதிர்வினை); இந்த அம்சம் அறிவார்ந்த நாடக ஆசிரியர்களின் வலிமையை தீர்மானிக்கிறது;

2) சுருக்கம்-காலமற்ற (சுதந்திர ஹீரோவிற்கும் செயலற்ற வெகுஜனத்திற்கும் இடையிலான நித்திய மோதலை வலியுறுத்துகிறது); இது அவர்களின் சமூகவியல் கருத்துகளின் குறுகிய தன்மைக்கு சாட்சியமளிக்கிறது.

இரண்டாவது திசையின் நாடக ஆசிரியர்களில், படைப்பாற்றல் தனித்து நிற்கிறதுஜீன் அனுயா.

Jean Anouille(1910 இல் பிறந்தார்) போருக்கு முந்தைய ஆண்டுகளில் தனது செயல்பாட்டைத் தொடங்குகிறார், அவரது பணி போர் ஆண்டுகளில் வெளிப்படுகிறது. அவர் தனது சோகமான படைப்புகளை தி பிளாக் பீசஸ் (1942) மற்றும் தி நியூ பிளாக் பீசஸ் (1947) என்று அழைத்தார். இதில் "ஆன்டிகோன்", "மெடியா", "ரோமியோ அண்ட் ஜீனெட்" மற்றும் பிறவும் அடங்கும். "கருப்பு" நாடகங்களில், அனௌயில் வாழ்க்கையை நம்பிக்கையற்ற இருள் மற்றும் நம்பிக்கையற்ற தன்மை என உணர்த்துகிறார்.

"ஆண்டிகோன்" (1942) – சோஃபோக்கிள்ஸின் பண்டைய சோகத்தை மறுபரிசீலனை செய்தல். பண்டைய சதியைப் பாதுகாத்து, அனூயில் ஹீரோக்களின் குணாதிசயங்களை கணிசமாக மாற்றுகிறார், முதன்மையாக கிரியோன் மற்றும் ஆன்டிகோன். Anouil இல் உள்ள Creon ஒரு தாராளவாத மற்றும் பாசாங்குத்தனமான ஆட்சியாளர் ஆவார், அவர் நவீன கொடுங்கோன்மையை மிகவும் நம்பத்தகுந்த வகையில் நியாயப்படுத்துகிறார். ஆன்டிகோனின் பாடல் இயல்பு போராளியின் வளைக்காத விருப்பத்துடன் இணைக்கப்பட்டுள்ளது. ஆன்டிகோன் அவளது இயற்கை தேவைகளை பாதுகாக்கிறது. இந்தச் செயல் (தனது சகோதரனை அடக்கம் செய்வது) யாருக்கும் தேவையில்லை, தனக்கே தேவை.

இந்த நிகழ்ச்சி பாரிஸில் அட்லியர் தியேட்டரில் ஆண்ட்ரே பார்சாக்கால் அரங்கேற்றப்பட்டது, சுசான் ஃப்ளோன் ஆன்டிகோனாக நடித்தார். 1942 இல் ஆக்கிரமிக்கப்பட்ட பாரிஸில் மேடையேற்றப்பட்டது என்பது மிக உயர்ந்த துணிச்சலான செயலாகும். ஆக்கிரமிப்பாளர்களுக்கு எதிர்ப்பை வலியுறுத்தும் நிகழ்ச்சி.

"கருப்பு" நாடகங்களுக்கு மேலதிகமாக, அனௌயில் "இளஞ்சிவப்பு" நாடகங்களின் சுழற்சியை உருவாக்கினார், இது உலகின் பிரகாசமான பார்வையால் வேறுபடுகிறது. அவற்றில் "திவ்ஸ் பால்" (1932), "கோட்டைக்கு அழைப்பு" (1947), "ரெண்டெஸ்வஸ் இன் சென்லிஸ்" (1941). முதலாளித்துவ எதிர்ப்பு "இளஞ்சிவப்பு" நகைச்சுவைகளின் சூழ்நிலைகள் பெரும்பாலும் "கருப்பு" நாடகங்களின் மோதல்களை மீண்டும் மீண்டும் செய்கின்றன - நம்பமுடியாத மகிழ்ச்சியான முடிவுகள் யதார்த்தத்தின் கடுமையான உண்மையை மறைக்க முடியாது.

ஆரம்பகால நாடகங்களில், மனிதனின் கடக்க முடியாத தனிமை மற்றும் அவநம்பிக்கையின் கருப்பொருள் ஒலிக்கிறது. சூழ்நிலைகள் ஹீரோக்களின் மகிழ்ச்சிக்கு சாதகமாக இருப்பதாகத் தோன்றுகிறது, ஆனால் அவர்கள் தானாக முன்வந்து அதை மறுக்கிறார்கள் ("ஒரு காலத்தில் ஒரு குற்றவாளி", "சாவேஜ்", "யூரிடிஸ்").

"லார்க்"(1953) அனுயாவின் சிறந்த நாடகமாகவும் அதே நேரத்தில் நவீன ஐரோப்பிய நாடகத்தின் சிறந்த படைப்புகளில் ஒன்றாகவும் கருதப்படுகிறது. இது தேசிய பிரெஞ்சு கதாநாயகி ஜோன் ஆஃப் ஆர்க் பற்றிய நாடகம். நாடகம் அரங்கேற்றப்பட்டது"பழைய டவ்கோட் தியேட்டர்" சூசன்னா ஃப்ளோன் நடித்தார். இந்த நாடகங்களில், முக்கிய கருத்துக்கள் ஒத்தவை: ஒரு நபர் இதை தனது மனதின் காரணமாக அல்ல, ஆனால் அவரது இயல்பான, தார்மீக சாரத்தின் காரணமாக செய்கிறார்.

கதாநாயகி மனதின் கோரிக்கைகளை முன்வைக்கவில்லை, ஆனால் இது அவளுடைய ஆத்மாவின் குரல். அவளால் இதைச் செய்யாமல் இருக்க முடியாது, ஏனென்றால் அவள் தன் இயல்பைக் காட்டிக் கொடுப்பாள்.

இயற்கை அழகு மற்றும் வாழ்க்கையின் தீம் ஆகியவை பகுத்தறிவின் கொள்கைகளின் அடிப்படையில் கட்டமைக்கப்பட்டுள்ளன. அனுய் - ஒரு இயற்கையான அழகான உணர்வுக்காக, மற்றும் மோசமான செயல்களை ஆணையிடும் ஒரு நியாயமான தொடக்கத்திற்காக அல்ல.

அறிவுசார் நாடகம்பிரான்சில் வேறு வடிவம் பெற்றது. மட்டுமல்லஅதன் நாடகவியல் அவரை வகைப்படுத்தியது, ஆனால்அவர்களது அரங்கேற்றும் தந்திரங்கள்.

அதிக எண்ணிக்கையிலான திரையரங்குகளுக்கு பிரான்ஸ் எப்போதும் பிரபலமானது. ஆனால் இருபதாம் நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதியில், ஏராளமான சிறிய தியேட்டர் தியேட்டர்கள் தோன்றின: பாரிஸில் அவற்றில் 64 உள்ளன, அவை 200-300 இருக்கைகளுக்கு காபரேட்டுகள், உணவகங்களைக் கணக்கிடவில்லை. ஒரு தியேட்டர் டாப்பற்றி g - 72 இருக்கைகள் (பாக்கெட் தியேட்டர்).

இந்த திரையரங்குகள் சகாப்தத்தில் தங்களை நிலைநிறுத்திக் கொண்டனஅபத்தமான தியேட்டர்(50கள்) .

அபத்தத்தின் தியேட்டரின் ஆரம்பம் நாடகத்தால் அமைக்கப்பட்டதுயூஜின் ஐயோனெஸ்கோ "வழுக்கைப் பாடகர்".

அபத்தத்தின் நாடகத்தையும் அபத்தத்தின் நாடகத்தையும் உடனடியாகவும் தீர்க்கமாகவும் நிராகரித்தோம். நிச்சயமாக, அபத்தத்தின் தத்துவத்தை ஏற்றுக்கொள்ள முடியாது (வாழ்க்கை முட்டாள்தனம்). ஆனால் அபத்தம் தியேட்டரில் படித்திருக்க வேண்டிய பல விஷயங்கள் இருந்தன. உதாரணமாக, முதலாளித்துவ இருப்பின் அபத்தத்தைக் காட்டுவது. இந்த முக்கியமான பாத்தோஸ் வெளிப்படையான ஆர்வத்தை கொண்டுள்ளது.

அறிவார்ந்த நாடகத்தின் பகடியாகப் பிறந்தது அபத்தத்தின் நாடகம்.

"காண்டாமிருகங்கள்" அயோனெஸ்கோ -பாசிச கொள்கைக்கு எதிரான போராட்டம்.

அபத்தமான தியேட்டரின் நாடகங்களில் - வியத்தகு தர்க்கத்தின் எதிர்பாராத தன்மை மற்றும் கவிதைகளின் எதிர்பாராத தன்மை.

"இருவரின் மயக்கம்" ஐயோனெஸ்கோ- இங்கே ஒரு யதார்த்தமான, இயற்கையான அமைப்பு உள்ளது (மற்றும் "எல்லாமே நிபந்தனைக்குட்பட்டது" அல்ல, அவர்கள் அபத்தத்தை உணர்ந்தனர்). வேறு ஏதோ முக்கியமானது: நிபந்தனையற்ற அமைப்பில் நிபந்தனை நிலைமை.

ஒரு நத்தை ஆமைக்கு சமமானதல்ல என்று அவர் அவளிடம் கூறுகிறார். அவள் எதிர் கூறுகிறாள். மேலும் ஒவ்வொருவரும் அவர் வாதிட விரும்பும் ஒருவரை ஒருவர் நிந்திக்கிறார்கள். அவர்களின் முழு வாழ்க்கையும் வெற்று, தேவையற்ற சர்ச்சைகளில் கழிந்தது என்று மாறிவிடும். பிளாஸ்டர் நொறுங்குகிறது, கூரையில் இருந்து ஒரு துண்டு விழுந்தது. அவர்கள் படுக்கைக்கு அடியில் ஒளிந்து கொள்கிறார்கள், ஆனால் தொடர்ந்து வாதிடுகிறார்கள். ஒரு அபத்தமான யோசனை பின்வருமாறு: உலகம் சரிந்து கொண்டிருக்கிறது, மேலும் அவர்கள் ஒரு சிறிய சர்ச்சையில் பிஸியாக உள்ளனர்.

"புதிய குடியிருப்பாளர்" ஐயோனெஸ்கோ. ஜன்னல் மற்றும் கதவு கொண்ட முற்றிலும் காலியான அறை. புதிய வாடகைதாரரை அழைத்து வருகிறார்கள். வரவேற்பாளர் தனது மோனோலாக்கை (வெளிப்படையாக கேலிக்கூத்தான காட்சி) வழங்குகிறார். அவள் தன் சேவைகளை ஏற்கும்படி அவனை வற்புறுத்துகிறாள், அவன் மறுக்கிறான். பின்னர் ஏற்றுபவர் பணிவுடன் நுழைந்து பொருட்கள் வந்துவிட்டதாக அறிவிக்கிறார். இரண்டாவது ஏற்றி சுண்ணாம்பு துண்டுடன் நுழைந்து, தரையில் ஒரு வட்டத்தை உருவாக்குகிறது. ஒரு நாற்காலி ஒரு வட்டத்தில் வைக்கப்பட்டுள்ளது, மான்சியர் இங்கே அமர்ந்திருக்கிறார். பின்னர் அறை முழுவதையும் கட்டாயப்படுத்தி மரச்சாமான்களை கொண்டு வர ஆரம்பிக்கிறார்கள்.மேலும் கூரை வழியாக மரச்சாமான்கள் கொண்டு வரப்படுகின்றன. பின்னர் ஒரு ஏற்றி ஒரு பூவுடன் தோன்றி, "எல்லாம் இப்போது இருக்கிறதா?" மான்சியர் பதிலளிக்கிறார்: "இப்போது அவ்வளவுதான்." அவர் மொன்சியரின் கடலில் மூழ்கிய திசையில் பூவை வீசுகிறார். அவரது தொப்பி உள்ளது, அதை ஏற்றுபவர் அணிந்து வெளியேறுகிறார். விஷயங்கள் ஒரு நபரை நசுக்குகின்றன, அவர் விஷயங்களின் உலகில் இறந்துவிடுகிறார் என்பது கருத்து.

பிரஞ்சு ஓபராவின் வரலாற்றைப் பொறுத்தவரை, 19 ஆம் நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதி ஒரு திருப்புமுனையாக மாறியது, திசைகள், பாணிகளை மாற்றும் காலம், வகை மறுசீரமைப்பின் காலம். 19 ஆம் நூற்றாண்டின் முதல் பாதியில், "கிராண்ட் ஓபரா" வகை இங்கு ஆதிக்கம் செலுத்தியது, வி. ஹ்யூகோவின் நாவல்களின் பாணியுடன் தொடர்புடையது, ஈ. ஸ்க்ரைபின் நாடகத்தன்மையுடன், ஜே. மேயர்பீரின் படைப்புகளால் பிரதிநிதித்துவப்படுத்தப்பட்டது. "பிரமாண்ட ஓபராவின்" சிறப்பியல்பு அடுக்குகள் படிப்படியாக அவற்றின் பொருத்தத்தை இழந்து வருகின்றன, அவை வளைந்ததாக உணரத் தொடங்குகின்றன. பிரான்சில் ஒரு புதிய இலக்கியப் பள்ளி பிறந்தது, இது "நரம்பு உணர்திறன் பள்ளி" என்று அழைக்கப்படுகிறது - இவை ஏ. டுமாஸ் மகனின் படைப்புகள் ("தி லேடி ஆஃப் தி கேமிலியாஸ்", "லேடி ஆஃப் தி ஹாஃப் வேர்ல்ட்", "டயானா டி லிஸ்" "), கோன்கோர்ட் சகோதரர்கள் ("ரெனே மாப்ரின்"), ஏ. டோட் ("சப்போ"). இந்த படைப்புகளில், ஆசிரியர்களின் அனைத்து கவனமும் கதாபாத்திரங்களின் உள் உலகத்தைக் காண்பிப்பதில் கவனம் செலுத்துகிறது. மற்றும் பெரும்பாலும் - கதாநாயகிகள், பெண்கள், பெரும்பாலும் - பெண்கள் பதட்டமானவர்கள், ஈர்க்கக்கூடியவர்கள், உடையக்கூடியவர்கள், மனக்கிளர்ச்சி கொண்டவர்கள். ஒரு பொதுவான படம் ஒரு "மனந்திரும்பிய பாவி", ஒரு டெமி-மண்டே பெண்மணி, அவர் மகிழ்ச்சியைக் கனவு காண்கிறார், ஆனால் கனவுகளையும் அன்பையும் கைவிட வேண்டிய கட்டாயத்தில் உள்ளார். இவ்வாறு, ஹ்யூகோவின் நினைவுச்சின்ன வரலாற்று நாடகங்களுக்குப் பிறகு, காதல்-பாடல் நாடகம் மற்றும் மெலோடிராமா ஆகியவை பிரெஞ்சு நாடகத்தின் புதிய ஈர்ப்பு மையமாக மாறியது.

இந்த இலக்கிய அடிப்படையில், பிரெஞ்சு இசை நாடகத்தில் ஒரு புதிய வகை வெளிப்படுகிறது - பாடல் ஓபரா (வெர்டியின் ஓபரா "லா டிராவியாட்டா" இந்த வகையின் ஒரு வகையான எதிர்பார்ப்பாக மாறியது என்பதை நினைவில் கொள்க). அவள் மாறினாள், ஆனால் "கிராண்ட் ஓபரா" வகையை ரத்து செய்யவில்லை. Gounod மற்றும் Bizet (19 ஆம் நூற்றாண்டின் 2 ஆம் பாதியில் மிகப்பெரிய பிரெஞ்சு ஓபரா இசையமைப்பாளர்கள்) இருவரும் கிராண்ட் ஓபரா வகைக்கு திரும்பினர், ஆனால் இது பிரிந்தவர்களுக்கு அஞ்சலி செலுத்தியது. மேலும் பாடல் ஓபரா என்பது புதிய காலத்தின் போக்கு. கிராண்ட் ஓபரா தியேட்டர் இந்த ஆண்டுகளில் வழக்கமான ஒரு கோட்டையாக உணரப்பட்டது. 1851 முதல் 1870 வரை பாரிஸில் இருந்த டீட்ரோலிரிகல் ஓபராவில் புதிய அனைத்தும் நடந்தது.

சார்லஸ் கவுனோடின் ஃபாஸ்ட் (1859) பாடல் ஓபராவின் முதல் நிறைவு உதாரணமாகக் கருதப்படுகிறது. கவுனோட் தான் ஒரு புதிய ஓபராடிக் பாணியை உருவாக்க முடிந்தது, இது அவரது பணியின் வரலாற்று முக்கியத்துவம். அவர் 12 ஓபராக்களை எழுதியவர், வகையின் அடிப்படையில் வேறுபட்டவர். இது காமிக் ஓபரா தி டாக்டர் வில்லி-நில்லி (1858), மற்றும் மேயர்பீரின் பாணியில் உள்ள ஓபரா தி குயின் ஆஃப் ஷெபா (1862). ஆனால் பாடல் வகையுடன் தொடர்புடைய படைப்புகள் சிறந்தவை: ஃபாஸ்ட் (1859), மிரில் (1864) மற்றும் ரோமியோ ஜூலியட் (1867). மேலும், தாமஸ் ("மிக்னான்", 1866, "ஹேம்லெட்", 1868), ஜே. பிசெட் ("தி பெர்ல் ஃபிஷர்ஸ்", 1863, "தி பியூட்டி ஆஃப் பெர்த்", 1867), டெலிப்ஸ் ("லக்மே", 1883) பாடல் ஓபராவின் வகை. இந்த வகையின் கடைசி பிரகாசமான எடுத்துக்காட்டுகள் 19 ஆம் நூற்றாண்டின் 2 ஆம் பாதியில் பிரான்சில் மிகவும் புத்திசாலித்தனமான ஓபரா இசையமைப்பாளரான Bizet க்குப் பிறகு Jules Massenet இன் படைப்புகள் ஆகும். சமகாலத்தவர்கள் மாசெனெட்டை "பெண் ஆன்மாவின் கவிஞர்" என்று அழைத்தனர். 20 க்கும் மேற்பட்ட ஓபராக்களின் ஆசிரியராக இருந்ததால், அவர் பாடல் ஓபராக்களில் தன்னை முழுமையாகக் கண்டறிந்தார் - மனோன் (1881-84, அபே ப்ரெவோஸ்டின் நாவலை அடிப்படையாகக் கொண்டது) மற்றும் வெர்தர் (1886, கோதேஸ் தி சஃபரரிங்ஸ் ஆஃப் யங் வெர்தர்).

லிரிக் ஓபரா கிராண்ட் ஓபராவின் அதே காதல் தோற்றத்தில் இருந்து வளர்ந்தது. கிராண்ட் ஓபரா ரொமாண்டிசிசத்தின் பாத்தோஸின் வெளிப்பாடாக மாறியது, அதன் சமூக விமர்சன நோக்குநிலை. இது வெகுஜன நடவடிக்கையின் வளர்ச்சியை அடிப்படையாகக் கொண்ட ஒரு ஓபரா ஆகும். லிரிக் ஓபரா என்பது காதல்வாதத்தின் மறுபக்கம்: நெருக்கம், நெருக்கம், உளவியல்.

பாடல் ஓபராவுக்கு நன்றி, இசை மற்றும் நாடக மேடையில் புதிய அடுக்குகள் தோன்றும், அல்லது கிளாசிக்கல் கதைக்களங்கள் முற்றிலும் புதிய வழியில் வெளிப்படுத்தப்படுகின்றன. இசையமைப்பாளர்கள் பெரும்பாலும் ஷேக்ஸ்பியர் ("ரோமியோ ஜூலியட்", "ஹேம்லெட்"), கோதே ("ஃபாஸ்ட்", "வெர்தர்") பக்கம் திரும்புகிறார்கள். ஓபராவில் அசல் மூலத்தின் தத்துவ உள்ளடக்கம் குறைக்கப்பட்டது, கிளாசிக்கல் அடுக்குகள் அவற்றின் பொதுமைப்படுத்தும் சக்தியை இழக்கின்றன, அவை தினசரி எளிமையான தோற்றத்தைப் பெறுகின்றன. ப்ளாட்டின் மற்றொரு முக்கியமான பக்கம் காதல் மகிழ்ச்சி மற்றும் பிரத்தியேகத்திலிருந்து விலகுவதாகும். ஒரு விதியாக, முக்கிய கதாபாத்திரங்கள் பாடல் காதலர்கள், அதாவது, எந்த சதி முதன்மையாக ஒரு பாடல் நாடகமாக அல்லது ஒரு மெலோடிராமாவாக கருதப்படுகிறது. சமகால பிரஞ்சு இலக்கியத்தில் ("நரம்பிய உணர்வின் பள்ளி") கவனம் நாயகனிடமிருந்து கதாநாயகிக்கு மாறுகிறது. எடுத்துக்காட்டாக, கோதேவின் நாவலின் முதல் பகுதியின் படி எழுதப்பட்ட கவுனோட் எழுதிய "ஃபாஸ்ட்" ஓபராவில், கோதேவின் படைப்பின் தத்துவ உள்ளடக்கம் நடைமுறையில் பாதிக்கப்படவில்லை, சதி ஒரு பாடல்-அன்றாட அம்சத்தில் விளக்கப்படுகிறது. மார்கரிட்டாவின் படம் மையமாகிறது (சமகாலத்தவர்கள் கூட ஓபராவை "மார்கரிட்டா" என்று அழைத்தனர், "ஃபாஸ்ட்" அல்ல).

பிரெஞ்சு பாடல் ஓபராவின் மற்றொரு திசையானது ஓரியண்டல், கவர்ச்சியான சுவையுடன் வெளிநாட்டு தோற்றத்தின் அடுக்குகளுடன் தொடர்புடையது. 50 களின் இறுதியில், டேவிட் சிம்பொனி "தி டெசர்ட்" தோன்றுகிறது - பிரெஞ்சு இசையில் முதல் "ஓரியண்டல்" படைப்புகளில் ஒன்று, ஓரியண்டல் தீம் நாகரீகமாகிறது.

பிசெட்டின் ஓபரா தி பேர்ல் சீக்கர்ஸ் (1863) பாடல் வரிகள் "அயல்நாட்டு" ஓபராக்களின் பட்டியலைத் திறக்கிறது. இலங்கைத் தீவில், முத்து மூழ்குபவர்கள் மத்தியில், அழகிய பாடல்கள் மற்றும் நடனங்களின் பின்னணியில், வேட்டைக்காரன் நாதிர் மற்றும் லீலாவின் காதல் காட்டப்படுகிறது. Bizet இன் மற்றொரு "கவர்ச்சியான" ஓபராவின் நிகழ்வுகள், "Jamile" (1872), கெய்ரோவில், கார்ட்சியாவின் அரண்மனையில் நடைபெறுகின்றன. இந்த வேலையில், இசையமைப்பாளர் பல உண்மையான அரபு மெல்லிசைகளைப் பயன்படுத்துகிறார் மற்றும் அவற்றின் தாள ஒலிகளை உணர்திறன் மூலம் உருவாக்குகிறார்.

1864 ஆம் ஆண்டில், கௌனோட் எழுதிய ஓபரா மிரெயில் தோன்றியது, இதன் சதி பிரான்சின் மிகவும் வண்ணமயமான மற்றும் பழமையான பகுதியான புரோவென்ஸுடன் இணைக்கப்பட்டுள்ளது, அங்கு பண்டைய பழக்கவழக்கங்கள் மற்றும் பல விஷயங்கள் பாதுகாக்கப்பட்டுள்ளன. இந்த சுவை ஓபராவின் இசையிலும் உள்ளது.

செயிண்ட்-சேன்ஸின் ஓபரா சாம்சன் மற்றும் டெலிலா (1866-1877) இல், ஹேண்டலின் புகழ்பெற்ற சொற்பொழிவில் சதி உள்ளது, ஆனால் முற்றிலும் மாறுபட்ட விளக்கத்தில் உள்ளது. விவிலியக் கதையின் வீர உணர்வால் ஹேண்டல் ஈர்க்கப்பட்டார். Saint-Saens இல், ஓபரா என்பது வண்ணமயமான ஓரியண்டல் ஓவியங்களின் வரிசையாகும், ஓபராவின் மையத்தில் நயவஞ்சகமான கவர்ச்சியான டெலிலாவின் பெண் உருவம் உள்ளது.

டெலிப்ஸின் ஓபரா லக்மேயில் (இந்தியர்களின் வாழ்க்கையிலிருந்து) ஓரியண்டல் சுவை நுட்பமாக வெளிப்படுத்தப்படுகிறது.

19 ஆம் நூற்றாண்டின் இரண்டாம் பாதி மற்றும் 20 ஆம் நூற்றாண்டின் முற்பகுதியில் கிழக்கின் படங்கள் பிற தேசிய பள்ளிகளின் இசையமைப்பாளர்களின் ஓபராக்களில் குறிப்பிடத்தக்க இடத்தைப் பிடித்தன என்பதைக் கவனத்தில் கொள்ள வேண்டும்: ரஷ்ய (கிளிங்கா, போரோடின், ரிம்ஸ்கி-கோர்சகோவ்), இத்தாலியன் (வெர்டியின் Aida, Cio-Cio -San" மற்றும் Puccini மூலம் "Turandot"), மேலும் பிரெஞ்சு இம்ப்ரெஷனிஸ்டுகளின் (Debussy, Ravel) இசையில் மிகவும் வித்தியாசமான பிரதிபலிப்பைக் கண்டறிந்தனர்.

பிரஞ்சு பாடல் ஓபரா என்பது அடுக்குகளை புதுப்பிப்பது மட்டுமல்ல. ஓபராவின் இசை பாணியே வித்தியாசமாகிறது.

முதலாவதாக, சதித்திட்டங்களின் எளிமை மற்றும் நேர்மையை வலியுறுத்துவதற்காக, கதாபாத்திரங்களின் சாதாரண உணர்வுகள், இசையமைப்பாளர்கள் ஓபராவின் இசை மொழியை "எளிமைப்படுத்த" முயற்சி செய்கிறார்கள், அதை தங்கள் காலத்தின் அன்றாட இசை கலாச்சாரத்துடன் நெருக்கமாக கொண்டு வருகிறார்கள். எனவே காதல் உறுப்பு பிரெஞ்சு ஓபரா மேடையில் ஊடுருவுகிறது. காதல் ஓபராவில் ஒரு தனி எண்ணாக மட்டும் அறிமுகப்படுத்தப்படவில்லை. சில சமயங்களில் காதல் தொடக்கத்தின் மாற்றத்தின் மூலம் வியத்தகு கதைக்களம் உருவாகிறது (ரொமான்ஸ் மெல்லிசையின் நாடகமாக்கலில் தான், இயக்கவியலில் கொடுக்கப்பட்ட ஓபராவின் ஒரே உருவமான ஃபாஸ்டில் மார்கரிட்டாவின் உருவத்தின் வளர்ச்சி அடிப்படையாக கொண்டது: ஒரு அப்பாவியாக இருந்து உணர்வுகளின் விழிப்பு உணர்வுகள் அதனுடன் ஒரு உணர்ச்சிமிக்க போதை மற்றும் மேலும் - ஒரு சோகமான கண்டனத்திற்கு, கதாநாயகியின் பைத்தியக்காரத்தனம்) .

இரண்டாவதாக, "கவர்ச்சியான" அடுக்குகளைக் கொண்ட ஓபராக்களில், ஐரோப்பிய பார்வை மூலம் மறைமுகமாக உணரப்பட்ட அனைத்து வகையான ஓரியண்டல் ஒலிகளும் பயன்படுத்தத் தொடங்குகின்றன. ஆனால் சில தருணங்களில் அது அசல் இனப்பெருக்கத்தை அடைந்தது (Bizet எழுதிய "Jamile").

பிரெஞ்சு ஓபராவின் இசை பாணியை மேம்படுத்துவதற்கான இரண்டு முக்கிய வழிகள் இவை.

லிரிக் ஓபரா ஒரு சுயாதீன வகையாக விரைவாக தன்னைத் தீர்த்துக் கொண்டது. ஏற்கனவே ஜே. பிசெட், அவரது சிறந்த ஓபரா, "கார்மென்" இல், பாடல் ஓபராவின் குறுகிய வரம்புகளை கடக்க முடிந்தது, ஓபரா ரியலிசத்தின் உயரத்தை அடைந்தது (1875). 1990 களில், நவீன தீம் பிரெஞ்சு நாடக அரங்கில் பெருகிய முறையில் வலியுறுத்தப்பட்டது. ஆல்ஃபிரட் புருனோவின் படைப்புகளில் (இ. ஜோலா, 1891 நாவலை அடிப்படையாகக் கொண்ட ஓபரா தி ட்ரீம், 1893 ஆம் ஆண்டு மௌபாசண்ட்டை அடிப்படையாகக் கொண்ட ஓபரா தி சீஜ் ஆஃப் தி மில்) மற்றும் சார்போன்டியர் (ஓபரா லூயிஸ், 1900), இயற்கையின் அம்சங்கள் கவனிக்கத்தக்கவை. . 1902 ஆம் ஆண்டில், சி. டெபஸ்ஸியின் ஓபரா "பெல்லியாஸ் எட் மெலிசாண்டே" தயாரிப்பானது பிரான்சின் இசை மற்றும் நாடக கலாச்சாரத்தில் ஒரு புதிய காலகட்டத்தைத் திறந்தது.

ஜி. வெர்டி.

ஓபரா "ட்ரூபாடோர்". 1 ஆக்ட் (எண். 2 காட்சி மற்றும் லியோனோராவின் காவடினா, எண். 3 காட்சி மற்றும் மன்ரிகோவின் காதல்); 2 செயல் (எண். 6 அசுசீனாவின் பாடல், எண். 7 காட்சி மற்றும் அசுசீனாவின் கதை); 3 ஆக்ட் (எண். 13 காட்சி மற்றும் மன்ரிகோவின் ஏரியா); 4 ஆக்ட் (எண். 14 காட்சி மற்றும் லியோனோரா மற்றும் கோரஸ் "மிசரேர்").

ஓபரா "ரிகோலெட்டோ" 1 செயல் (எண். 1 முன்னுரை மற்றும் அறிமுகம், எண். 2 டியூக்கின் பாலாட் "இது அல்லது அது", எண். 7 காட்சி மற்றும் ரிகோலெட்டோ மற்றும் கில்டாவின் டூயட், எண். 9 கில்டாவின் ஏரியா "இதயம் மகிழ்ச்சியால் நிறைந்துள்ளது", எண். 10 காட்சி மற்றும் கோரஸ் "ஹஷ், ஹஷ்"); 2 செயல் (எண். 12 காட்சி மற்றும் ரிகோலெட்டோவின் ஏரியா "கர்டிசன்ஸ் ...", எண். 13, 14 காட்சி மற்றும் கில்டா மற்றும் ரிகோலெட்டோவின் டூயட் "நான் தாழ்மையுடன் கோவிலுக்குள் நுழைந்தேன்"); 3 செயல் (எண். 15 டியூக்கின் பாடல் "தி ஹார்ட் ஆஃப் பியூட்டிஸ்", எண். 16 குவார்டெட்).

ஓபரா "லா டிராவியாட்டா" 1 ஆக்ட் (அறிமுகம், ஆல்ஃபிரட்டின் குடிப்பழக்கம் பாடல் "நாங்கள் கப் ஆஃப் வேடிக்கையை உயர்த்துவோம்", இறுதிக் காட்சி மற்றும் வயலெட்டாவின் ஏரியா "என்னிடம் சொல்ல மாட்டீர்களா"); 2 செயல் (வயலெட்டா மற்றும் ஜெர்மாண்டின் காட்சி மற்றும் டூயட்); சட்டம் 3 (ஆர்கெஸ்ட்ரா முன்னுரை, வயலெட்டாவின் ஏரியா "எப்போதும் உன்னை மன்னியுங்கள்", வயலெட்டா மற்றும் ஆல்ஃபிரட்டின் காட்சி மற்றும் டூயட் "நாங்கள் பாரிஸை விட்டு வெளியேறுவோம்", இறுதிக்காட்சி).

ஓபரா ஐடா »ஆர்கெஸ்ட்ரா ப்ரீலூட், 1 ஆக்ட் (ராடாம்ஸ் "ஸ்வீட் ஐடா" எழுதிய எண். 2 பாராயணம் மற்றும் காதல், கோரஸ் "நைல் நதியின் புனிதக் கரைக்கு", எண். 5 ஐடாவின் தனிக் காட்சி, எண். 6 துவக்கக் காட்சி மற்றும் இறுதிப் போட்டி); 2 ஆக்ட் (அம்னெரிஸ் மற்றும் ஐடாவின் எண். 8 காட்சி மற்றும் டூயட், இறுதிப் போட்டி - பாடகர் "குளோரி டு எகிப்து", பாடகர் "லாரல் ரீத்ஸ்", அணிவகுப்பு); 3 செயல் (எண். 10 அறிமுகம், பாடல் பிரார்த்தனை மற்றும் ஐடா "அஸூர் ஸ்கை" காதல், ராடேம்ஸ் மற்றும் ஐடாவின் எண். 12 டூயட்); சட்டம் 4 (அம்னெரிஸ் மற்றும் ராடேம்ஸின் டூயட் "அனைத்து பாதிரியார்களும் அங்கு கூடியிருந்தனர்", ஐடா மற்றும் ராடேம்ஸின் டூயட் "பூமியை மன்னியுங்கள்").

Opera "Tannhäuser":ஓவர்ச்சர், 2 ஆக்ட் (போட்டி காட்சி - வோல்ஃப்ராமின் பாடல்); சட்டம் 3 (வொல்ஃப்ராமின் காதல் "மாலை நட்சத்திரத்திற்கு", எலிசபெத்தின் பிரார்த்தனை).

ஓபரா லோஹெங்க்ரின்: 1 செயல் (ஆர்கெஸ்ட்ரா அறிமுகம், ஒரு கனவைப் பற்றிய எல்சாவின் கதை "நான் எப்படி பிரார்த்தனை செய்தேன் என்று எனக்கு நினைவிருக்கிறது", "இங்கே! இங்கே! ஓ, என்ன ஒரு அதிசயம்!"); செயல் 2 (ஆர்கெஸ்ட்ரா அறிமுகம், ஃபிரெட்ரிக் டெல்ராமுண்டின் அரியோசோ "நீ என்னைக் கொன்றாய்", ஃபிரெட்ரிக் மற்றும் ஆர்ட்ரூட்டின் பழிவாங்கும் உறுதிமொழி, எல்சாவின் அரியோசோ "ஓ லைட்-விங் விண்ட்"); சட்டம் 3 (ஆர்கெஸ்ட்ரா அறிமுகம், திருமண பாடகர் "எங்கள் இறைவன் ஆசீர்வதிக்கப்பட்டவர்", எல்சா மற்றும் லோஹெங்கிரின் காதல் டூயட் "வொண்டர்ஃபுல் ஃபயர்", லோஹெங்கிரின் கதை "புனித பூமியில்").

ஓபரா "டிரிஸ்டன் மற்றும் ஐசோல்ட்":செயல் 1 க்கு சிம்போனிக் அறிமுகம்; 1 செயல் - காதல் பானம் குடிக்கும் காட்சி; 2 ஆக்ட், 2 சீன் - டிரிஸ்டன் மற்றும் ஐசோல்டின் காதல் டூயட்; 3 செயல் (மேய்ப்பர்களின் அறிமுகம் மற்றும் மெல்லிசை, ஐசோல்டின் மரணத்தின் காட்சி).

ஓபரா "ரைன் கோல்ட்":ஆர்கெஸ்ட்ரா அறிமுகம், காட்சிகள் 2 மற்றும் 3 (நிபெல்ஹெய்முக்கு வம்சாவளி), காட்சி 4 இடையே உள்ள இடைவேளை.

ஓபரா "வால்கெய்ரி": 1 செயல் (சிக்மண்ட் மற்றும் சீக்லிண்டேயின் அறிமுகம் மற்றும் முதல் காட்சி); 3 நடவடிக்கை ("வால்கெய்ரிகளின் விமானம்", காட்சி மூன்று - ப்ரூன்ஹில்டிற்கு வோட்டனின் பிரியாவிடை மற்றும் தீ மந்திரங்கள்).

Opera "Siegfried": 1 act (Siegfried இன் முதல் பாடல் "Notung, Notung, the valiant sword" மற்றும் Seegfried இன் இரண்டாவது பாடல் "My strong sword surrenders to the hammer"); 2 செயல் (காட்சி இரண்டு, "காட்டின் சலசலப்பு").

ஓபரா "கடவுளின் மரணம்":முன்னுரையிலிருந்து ரைன் வழியாக சீக்ஃபிரைட்டின் பயணத்தின் ஒரு சிம்போனிக் அத்தியாயம்; சட்டம் 3 (சீக்ஃபிரைட்டின் கதை மற்றும் இறுதி ஊர்வலம்).

ஓபரா ஃபாஸ்ட்: 1 செயல் (மெஃபிஸ்டோபிலஸின் வசனங்கள் "பூமியில் முழு மனித இனமும்"); 2வது நடிப்பு (சீபலின் ஜோடிப் பாடல்கள் "என்னிடம் சொல்லுங்கள்," ஃபாஸ்டின் காவடினா "ஹலோ, புனித தங்குமிடம்", மார்குரைட்டின் ஏரியா "முத்துக்கள்"); சட்டம் 3 (மெஃபிஸ்டோபிலிஸின் செரினேட் "வெளியே வா, என் அன்பான நண்பரே").

டாடெட்டின் இசை முதல் நாடகம் வரையிலான சிம்போனிக் தொகுப்புகள் "ஆர்லேசியன்".

ஓபரா "கார்மென்": ஓவர்ச்சர் (3 கருப்பொருள்கள்), 1 செயல் (சிறுவர்கள் எண். 2-ன் அணிவகுப்பு மற்றும் பாடகர் குழு, தொழிலாளர்களின் பாடகர் குழு "புகை எப்படி பறந்து செல்கிறது என்று பாருங்கள்", கார்மென் எண். 3 இன் முதல் வெளியேற்றம், கார்மென் ஹபனேரா "காதலில் ..." இல்லை 4, காட்சி எண் 5 - ஜோஸின் தோற்றம், கொடிய உணர்ச்சியின் தீம், ஜோஸின் காதலின் தீம். மைக்கேலா மற்றும் ஜோஸ் எண். 6 டூயட். வீரர்களுடன் கார்மெனின் காட்சி - கார்மென் செகுடில்லா என்ற வயதான கணவரைப் பற்றிய பாடல்); 2 ஆக்ட் (சிம்போனிக் இன்டர்மிஷன், ஜிப்சி டான்ஸ் மற்றும் கார்மென்ஸ் பாடல், எஸ்காமிலோவின் வசனங்கள் எண். 13, கார்மென் மற்றும் ஜோஸின் காட்சி, ஒரு பூவுடன் ஜோஸின் ஏரியா); சட்டம் 3: சிம்போனிக் இடைவேளை, செக்ஸ்டெட் மற்றும் கடத்தல்காரர்களின் பாடகர் குழு எண். 18, கார்மெனின் கணிப்பு காட்சி எண். 19; சட்டம் 4 - சிம்போனிக் இடைவேளை, பாடகர் எண். 24 - செவில்லில் உள்ள சதுக்கம், டூயட் முடிவடையும். பாடகர் எண். 26

பிரெஞ்சு தியேட்டர்

18 ஆம் நூற்றாண்டின் பிற்பகுதியில் - 19 ஆம் நூற்றாண்டின் முதல் பாதியில், உண்மையான செயலின் எல்லைகளை விரிவுபடுத்தும் போக்கு இருந்தது, நேரம் மற்றும் இடத்தின் ஒற்றுமையின் சட்டங்களை நிராகரித்தது.

நாடகக் கலையை பாதித்த மாற்றங்கள் மேடையின் அலங்காரத்தை பாதிக்கவில்லை: மேடை உபகரணங்கள் மட்டுமல்ல, தியேட்டர் வளாகத்திற்கும் தீவிர மறுசீரமைப்பு தேவைப்பட்டது, ஆனால் 19 ஆம் நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதியில் அத்தகைய மாற்றங்களைச் செய்வது மிகவும் கடினமாக இருந்தது.

இந்த சூழ்நிலைகள் அமெச்சூர் பாண்டோமைம் பள்ளிகளின் பிரதிநிதிகள் புதிய யுகத்தின் நடிகர்களிடையே தங்கள் சரியான இடத்தைப் பெற அனுமதித்தன, அவர்கள் புதுமையான நாடகத்தின் படைப்புகளின் சிறந்த கலைஞர்களாக ஆனார்கள்.

படிப்படியாக, அழகிய பனோரமாக்கள், டியோரமாக்கள் மற்றும் நியோரமாக்கள் 19 ஆம் நூற்றாண்டின் கலை நிகழ்ச்சிகளில் பரவலாகின. மதிப்பாய்வு செய்யப்பட்ட காலத்தில் எல். டாகுரே பிரான்சில் மிகவும் பிரபலமான மாஸ்டர் டெக்கரேட்டர்களில் ஒருவர்.

19 ஆம் நூற்றாண்டின் இறுதியில், மாற்றங்கள் தியேட்டர் மேடையின் தொழில்நுட்ப மறு உபகரணங்களையும் பாதித்தன: 1890 களின் நடுப்பகுதியில், 1896 ஆம் ஆண்டில் கே. லாடென்ச்லேகரின் மொஸார்ட்டின் ஓபரா டான் ஜியோவானியின் தயாரிப்பின் போது முதன்முதலில் பயன்படுத்தப்பட்ட சுழலும் நிலை, பரவலாகப் பயன்படுத்தப்பட்டது. .

19 ஆம் நூற்றாண்டின் மிகவும் பிரபலமான பிரெஞ்சு நடிகைகளில் ஒருவர் பாரிஸில் பிறந்த கேத்தரின் ஜோசபின் ரஃபின் டுசெனோயிஸ் (1777-1835). மேடையில் அவரது அறிமுகமானது 1802 இல் நடந்தது. அந்த ஆண்டுகளில், 25 வயதான நடிகை முதன்முதலில் காமெடி ஃபிரான்சைஸ் தியேட்டரின் மேடையில் தோன்றினார், 1804 ஆம் ஆண்டில் அவர் ஏற்கனவே நாடகக் குழுவின் முக்கியப் பகுதியில் ஒரு சொசைட்டராக நுழைந்தார்.

வேலையின் முதல் ஆண்டுகளில், மேடையில் சோகமான வேடங்களில் நடித்த கேத்தரின் டுச்செனாய்ஸ், நடிகை ஜார்ஜஸுடன் பனைக்காக தொடர்ந்து போராட வேண்டியிருந்தது. கடைசி நடிப்பின் விளையாட்டைப் போலல்லாமல், டுச்செனாய்ஸ் அரவணைப்பு மற்றும் பாடல் வரிகளால் பார்வையாளர்களின் கவனத்தை ஈர்த்தார், அவரது ஊடுருவும் மற்றும் நேர்மையான மென்மையான குரல் யாரையும் அலட்சியமாக விட முடியாது.

1808 ஆம் ஆண்டில், ஜார்ஜஸ் ரஷ்யாவிற்குப் புறப்பட்டார், மேலும் கேத்தரின் டுச்செனாய்ஸ் காமெடி ஃபிரான்சாய்ஸின் முன்னணி சோக நடிகை ஆனார்.

நடிகையின் மிக முக்கியமான பாத்திரங்களில், ரேசினின் அதே பெயரின் நாடகத்தில் ஃபெட்ரா, லூஸ் டி லான்சிவால் எழுதிய ஹெக்டரில் ஆண்ட்ரோமாச், அர்னாட்டின் ஜெர்மானிக்காவில் அக்ரிப்பினா, ஜூயின் சுல்லாவில் வலேரியா, அதே பெயரில் நாடகத்தில் மேரி ஸ்டூவர்ட் ஆகியோரைக் குறிப்பிடலாம். லெப்ரூன், முதலியன

நடிகை மேரி டோர்வலின் (1798-1849) நாடகம் குறிப்பாக கவனிக்கத்தக்கது, அவர் உத்வேகத்துடன், அசாதாரண திறமையுடன், தங்கள் காதலுக்கான போராட்டத்தில் சமூகத்திற்கு சவால் விடும் பெண்களின் உருவங்களை மேடையில் பொதிந்தார்.

மேரி டோர்வால் நடிகர்களின் குடும்பத்தில் பிறந்தார், அவரது குழந்தைப் பருவம் மேடையில் கழிந்தது. அப்போதும் கூட, அந்த பெண் அசாதாரண நடிப்பு திறன்களைக் கண்டுபிடித்தார். இயக்குனரால் தன்னிடம் ஒப்படைக்கப்பட்ட சிறிய பாத்திரங்களில், அவர் முழு உருவத்தையும் வெளிப்படுத்த முயன்றார்.

1818 இல், மேரி பாரிஸ் கன்சர்வேட்டரியில் நுழைந்தார், ஆனால் சில மாதங்களுக்குப் பிறகு வெளியேறினார். இந்தச் செயலுக்கான காரணம், இந்த கல்வி நிறுவனத்தில் நடிகர்களுக்கு பயிற்சி அளிக்கும் முறை இளம் திறமையாளரின் ஆக்கபூர்வமான தனித்துவத்துடன் பொருந்தாதது. விரைவில் மேரி டோர்வால் சிறந்த பவுல்வர்டு தியேட்டர்களில் ஒன்றான போர்ட்-செயின்ட்-மார்ட்டின் நடிப்புக் குழுவில் உறுப்பினரானார். இங்குதான் டுகாங்கேயின் "முப்பது ஆண்டுகள் அல்லது சூதாட்டக்காரரின் வாழ்க்கை" என்ற மெலோடிராமாவில் அமலியாவின் பாத்திரம் நடித்தது, இது நடிகையை நம்பமுடியாத அளவிற்கு பிரபலமாக்கியது. இந்த நடிப்பில், மேரியின் மகத்தான திறமை வெளிப்பட்டது, அவர் தனது தலைசிறந்த நாடகத்தை பெருநகர பார்வையாளர்களுக்கு வெளிப்படுத்தினார்: மெலோடிராமாடிக் படத்தைத் தாண்டி அதில் உண்மையான மனித உணர்வுகளைக் கண்டறிய முடிந்தது, நடிகை அவற்றை சிறப்பு வெளிப்பாடு மற்றும் உணர்ச்சியுடன் பார்வையாளர்களுக்கு வெளிப்படுத்தினார்.

1831 ஆம் ஆண்டில், ஏ. டுமாஸ் எழுதிய காதல் நாடகமான ஆண்டனியில் ஆர்டெல் டி ஹெர்வியாக டோர்வால் நடித்தார், மேலும் சில மாதங்களுக்குப் பிறகு வி. ஹ்யூகோவின் நாடகமான மரியானில் அவர் தலைப்பு வேடத்தில் நடித்தார்.

கவிதை நாடகங்கள் நடிகைக்கு சிரமத்துடன் வழங்கப்பட்ட போதிலும், வசனம் அவரது உடனடி உணர்ச்சிக்கு முரணான ஒரு வகையான மாநாடு என்பதால், மேரி அந்த பாத்திரங்களை வெற்றிகரமாக சமாளித்தார். டோர்வால் நிகழ்த்திய மரியன் பார்வையாளர்களிடையே மட்டுமல்ல, படைப்பின் ஆசிரியரிடமும் மகிழ்ச்சியின் புயலை ஏற்படுத்தியது.

1835 இல், நடிகை விக்னியின் நாடகமான சாட்டர்ட்டனில் குறிப்பாக அவருக்காக எழுதப்பட்டதில் அறிமுகமானார். டோர்வால் நிகழ்த்திய கிட்டி பெல், ஒரு அமைதியான, பலவீனமான பெண்ணாக பார்வையாளர்கள் முன் தோன்றினார், அவர் மிகுந்த அன்பின் திறன் கொண்டவராக மாறினார்.

மேரி டோர்வல் - கரடுமுரடான குரல் மற்றும் ஒழுங்கற்ற அம்சங்களைக் கொண்ட ஒரு நடிகை - 19 ஆம் நூற்றாண்டின் பார்வையாளர்களுக்கு பெண்மையின் அடையாளமாக மாறினார். இந்த உணர்ச்சிகரமான நடிகையின் நாடகம், மனித உணர்வுகளின் ஆழத்தை வெளிப்படுத்தும் திறன் கொண்டது, அவரது சமகாலத்தவர்கள் மீது மறக்க முடியாத தாக்கத்தை ஏற்படுத்தியது.

பிரபல பிரெஞ்சு நடிகர் பியர் போகேஜ் (1799-1862), விக்டர் ஹ்யூகோ மற்றும் அலெக்ஸாண்ட்ரே டுமாஸ்-சனின் நாடகங்களில் முக்கிய வேடங்களில் நடித்தவராக பிரபலமானார், பொதுமக்களின் சிறப்பு அன்பை அனுபவித்தார்.

பியர் போகேஜ் ஒரு எளிய தொழிலாளியின் குடும்பத்தில் பிறந்தார், ஒரு நெசவுத் தொழிற்சாலை அவருக்கு வாழ்க்கைப் பள்ளியாக மாறியது, சிறுவன் எப்படியாவது பெற்றோருக்கு உதவ வேண்டும் என்ற நம்பிக்கையில் நுழைந்தான். அவரது குழந்தை பருவத்தில் கூட, ஷேக்ஸ்பியரின் வேலையில் பியர் ஆர்வம் காட்டினார், இது மேடையில் அவரது ஆர்வத்திற்கு ஊக்கியாக செயல்பட்டது.

தியேட்டர் கனவுடன் வாழ்ந்த போகேஜ், கன்சர்வேட்டரிக்குள் நுழைவதற்காக தலைநகருக்கு நடந்தே சென்றார். இளைஞனின் அற்புதமான தோற்றம் மற்றும் அசாதாரண குணம் ஆகியவற்றால் வியப்படைந்த தேர்வாளர்கள், எந்த தடையும் வைக்கவில்லை.

இருப்பினும், பாரிஸ் கன்சர்வேட்டரியில் அவரது படிப்பு குறுகிய காலமாக மாறியது: வகுப்புகளுக்கு பணம் செலுத்துவதற்கு மட்டுமல்ல, வாழவும் பியரிடம் போதுமான பணம் இல்லை. விரைவில் அவர் கல்வி நிறுவனத்தை விட்டு வெளியேறி பவுல்வர்டு தியேட்டர்களில் ஒன்றின் நடிப்பு குழுவில் நுழைய வேண்டிய கட்டாயம் ஏற்பட்டது. பல ஆண்டுகளாக அவர் திரையரங்குகளில் சுற்றித் திரிந்தார், முதலில் ஓடியனில் பணிபுரிந்தார், பின்னர் போர்ட் செயிண்ட்-மார்ட்டின் மற்றும் பலவற்றில் பணியாற்றினார்.

மேடையில் போகேஜ் உருவாக்கிய படங்கள், சுற்றியுள்ள யதார்த்தத்திற்கான நடிகரின் அணுகுமுறையின் வெளிப்பாடே தவிர வேறில்லை, மனித மகிழ்ச்சியை அழிக்க அதிகாரத்தில் இருப்பவர்களின் விருப்பத்துடன் அவர் கருத்து வேறுபாடு.

விக்டர் ஹ்யூகோ (மரியன் டெலோர்மில் டிடியர்), அலெக்ஸாண்ட்ரே டுமாஸ் மகன் (ஆன்டனியில் ஆண்டனி), எஃப். பியா (ஆங்கோவில் ஆங்கோ) மற்றும் சமூக நாடகங்களில் கிளர்ச்சி ஹீரோக்களின் பாத்திரங்களில் சிறந்த நடிகராக பியர் போகேஜ் பிரெஞ்சு நாடக வரலாற்றில் நுழைந்தார். முதலியன

ஆளும் உயரடுக்கிற்கு எதிரான போராட்டத்தில் மரணத்திற்கு ஆளான ஒரு தனிமையான, வாழ்க்கையில் ஏமாற்றமடைந்த காதல் ஹீரோவின் உருவத்தை மேடையில் உருவாக்க முன்முயற்சி எடுத்தவர் போகேஜ். அத்தகைய திட்டத்தின் முதல் பாத்திரம் ஏ. டுமாஸ் மகனின் அதே பெயரில் நாடகத்தில் ஆண்டனி; விரக்தியிலிருந்து மகிழ்ச்சிக்கு, சிரிப்பிலிருந்து கசப்பான அழுகைக்கு திடீர் மாற்றங்கள் வியக்கத்தக்க வகையில் பயனுள்ளதாக இருந்தன. பியர் போகேஜ் நிகழ்த்திய அந்தோனியின் படத்தை பார்வையாளர்கள் நீண்ட காலமாக நினைவில் வைத்தனர்.

1848 இல் பிரான்சில் நடந்த புரட்சிகர நிகழ்வுகளில் நடிகர் தீவிரமாக பங்கேற்றார். நீதியின் வெற்றியை நம்பிய அவர், கையில் ஆயுதங்களுடன் தனது ஜனநாயக அபிலாஷைகளைப் பாதுகாத்தார்.

நவீன உலகில் நீதியின் வெற்றிக்கான நம்பிக்கையின் சரிவு போகேஜை தனது உலகக் கண்ணோட்டத்தை மாற்றும்படி கட்டாயப்படுத்தவில்லை, அவர் ஓடியன் தியேட்டரின் மேடையை அரசு அதிகாரிகளின் தன்னிச்சையான மற்றும் சர்வாதிகாரத்தை எதிர்த்துப் பயன்படுத்தத் தொடங்கினார்.

விரைவில் நடிகர் அரசுக்கு எதிரான நடவடிக்கைகளில் ஈடுபட்டதாக குற்றம் சாட்டப்பட்டு, தியேட்டர் இயக்குனராக இருந்த பதவியில் இருந்து நீக்கப்பட்டார். ஆயினும்கூட, அவரது நாட்களின் இறுதி வரை, பியர் போகேஜ் நீதியின் வெற்றியில் உறுதியாக நம்பினார் மற்றும் அவரது கொள்கைகளைப் பாதுகாத்தார்.

19 ஆம் நூற்றாண்டின் முதல் பாதியில் சி. டுசெனாய்ஸ் மற்றும் எம். டோர்வால் போன்ற நடிகைகளுடன், புகழ்பெற்ற லூயிஸ் ரோசாலி ஆலன்-டெப்ரியோ (1810-1856) ஆவார். அவர் ஒரு நாடக இயக்குனரின் குடும்பத்தில் மோன்ஸில் பிறந்தார். இந்த சூழ்நிலை லூயிஸ் ரோசாலியின் முழு எதிர்கால விதியையும் முன்னரே தீர்மானித்தது.

நாடக வாழ்க்கையின் சூழ்நிலை பிரபல நடிகைக்கு குழந்தை பருவத்திலிருந்தே தெரிந்திருந்தது. ஏற்கனவே பத்து வயதில், ஒரு திறமையான பெண் நடிப்பு சூழலில் அங்கீகாரம் பெற்றார், பாரிசியன் காமெடி ஃபிரான்சைஸ் தியேட்டரில் அவர் நடித்த குழந்தைகளின் பாத்திரங்கள் யாரையும் அலட்சியமாக விடவில்லை.

1827 ஆம் ஆண்டில், கன்சர்வேட்டரியின் நாடக வகுப்பில் பட்டம் பெற்ற பிறகு, லூயிஸ் ஆலன்-டெப்ரியோ ஒரு தொழில்முறை நடிப்புக் கல்வியைப் பெற்றார். அந்த நேரத்தில், இளம் நடிகை ஏற்கனவே மிகவும் பிரபலமானவர், மேலும் அவர் 1830 வரை பணிபுரிந்த காமெடி ஃபிரான்சைஸ் தியேட்டரின் நடிப்புக் குழுவில் சேருவதற்கான வாய்ப்பைக் கண்டு ஆச்சரியப்படவில்லை. 1831 முதல் 1836 வரையிலான காலகட்டத்தில், ஆலன்-டெப்ரியோ கிம்னாஸ் தியேட்டரின் மேடையில் பிரகாசித்தார்.

லூயிஸ் ரோசாலியின் நடிப்பு வாழ்க்கையில் ஒரு முக்கிய பங்கு ரஷ்யாவிற்கு ஒரு பயணத்தால் ஆனது: இங்கே, செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க் மிகைலோவ்ஸ்கி தியேட்டரின் பிரெஞ்சு குழுவில், அவர் தனது நடிப்புத் திறனை மேம்படுத்த பத்து ஆண்டுகள் (1837-1847) செலவிட்டார்.

தனது தாய்நாட்டிற்குத் திரும்பிய ஆலன்-டெப்ரியோ மீண்டும் காமெடி ஃபிரான்சைஸ் குழுவில் சேர்ந்தார், கிராண்ட் கோக்வெட்டின் பாத்திரத்தில் சிறந்த நடிகைகளில் ஒருவராக ஆனார். அவரது விளையாட்டு பிரெஞ்சு மற்றும் ரஷ்ய சமுதாயத்தின் பிரபுத்துவ அடுக்குகளின் கவனத்தை ஈர்த்தது: சுத்திகரிக்கப்பட்ட மற்றும் நேர்த்தியான நடத்தை, சிறப்பு கருணையுடன் ஒரு நாடக உடையை அணியும் திறன் - இவை அனைத்தும் அற்பமான மதச்சார்பற்ற கோக்வெட்டுகளின் படங்களை உருவாக்க பங்களித்தன.

லூயிஸ் ரோசாலி ஆலன்-டெப்ரியோ ஆல்ஃபிரட் டி முஸ்ஸெட்டின் காதல் நாடகங்களில் பாத்திரங்களை ஏற்று பிரபலமானார். இந்த நடிகையின் மிகவும் பிரபலமான பாத்திரங்களில் கேப்ரிஸில் மேடம் டி லெரி (1847), தி டோர் மஸ்ட் பி ஓபன் அல்லது க்ளோஸ்டு (1848) நாடகத்தில் மார்க்யூஸ், நீங்கள் எல்லாவற்றையும் முன்கூட்டியே பார்க்க முடியாது (1849) என்ற சோகத்தில் கவுண்டஸ் வெர்னான். "Adrienne Lecouvreur" (1849) இல் டச்சஸ் Bouillon), "The Candlestick" (1850) இல் ஜாக்குலின், "The Ladies' War" (1850) இல் கவுண்டஸ் d'Autret மற்றும் பலர்.

19 ஆம் நூற்றாண்டின் முதல் பாதியில், பாண்டோமைம் திரையரங்குகள் பரவலான பிரபலத்தை அனுபவிக்கத் தொடங்கின. இந்த வகையின் சிறந்த பிரதிநிதி Jean Baptiste Gaspard Debureau (1796-1846) ஆவார்.

அவர் நாடகக் குழுவின் தலைவரின் குடும்பத்தில் பிறந்தார், மேலும் குழந்தை பருவத்திலிருந்தே தியேட்டரின் மகிழ்ச்சியான சூழ்நிலை அவரது முழு வாழ்க்கையையும் நிரப்பியது. 1816 ஆம் ஆண்டு வரை, ஜீன் பாப்டிஸ்ட் காஸ்பார்ட் தனது தந்தையின் குழுவில் பணியாற்றினார், பின்னர் பிரெஞ்சு தலைநகரில் உள்ள மிகவும் ஜனநாயக மேடைக் குழுக்களில் ஒன்றான ஃபுனாம்புல் தியேட்டரில் பணிபுரிந்த ரோப் டான்சர்ஸ் குழுவிற்கு சென்றார்.

ரோப் டான்சர்ஸ் குழுவின் ஒரு பகுதியாக, அவர் இருபது வயதான நடிகருக்கு முதல் வெற்றியைக் கொண்டு வந்த பாண்டோமைம் ஹார்லெக்வின் டாக்டரில் பியர்ரோட் பாத்திரத்தில் நடித்தார். பார்வையாளர்கள் டெபுரோவின் ஹீரோவை மிகவும் விரும்பினர், நடிகர் இந்த படத்தை பல பாண்டோமைம்களில் உருவாக்க வேண்டியிருந்தது: "தி ரேஜிங் புல்" (1827), "தி கோல்டன் ட்ரீம், அல்லது ஹார்லெக்வின் அண்ட் தி மிசர்" (1828), "தி வேல்" (1832) மற்றும் "ஆப்பிரிக்காவில் பியர்ரோட்" (1842).

19 ஆம் நூற்றாண்டின் தொடக்கத்தில், நாட்டுப்புற பஃபூனரியின் மகிழ்ச்சியான வகை இன்னும் ஃபார்சிகல் தியேட்டரில் ஆதிக்கம் செலுத்தியது. Jean Baptiste Gaspard Debureau கேலிக்குரிய பாண்டோமைமுக்கு அர்த்தத்தை கொண்டுவந்தார், வார்த்தைகளற்ற நாட்டுப்புற நிகழ்ச்சிகளை நவீன தொழில்முறை நாடகத்தின் ஆழமான அர்த்தமுள்ள தயாரிப்புகளுக்கு நெருக்கமாக கொண்டு வந்தார்.

டெபுரோவின் பியர்ரோட்டின் பிரபலத்தை இது விளக்குகிறது, அவர் பின்னர் ஒரு நாட்டுப்புற நகைச்சுவை ஹீரோவாக மாறினார். இந்த படத்தில், பிரெஞ்சு கதாபாத்திரத்தின் பொதுவான தேசிய பண்புகள் வெளிப்படுத்தப்பட்டன - நிறுவன, புத்தி கூர்மை மற்றும் காஸ்டிக் கிண்டல்.

எண்ணற்ற அடிகள், துன்புறுத்தல்கள் மற்றும் அவமானங்களுக்கு ஆளான பியர்ரோட், தனது அமைதியை ஒருபோதும் இழக்கவில்லை, மிகவும் சிக்கலான சூழ்நிலைகளில் இருந்தும் வெற்றிபெற அவரை அனுமதிக்கும் ஒரு அடக்க முடியாத கவனக்குறைவைப் பேணுகிறார்.

டெபுரோவால் நிகழ்த்தப்பட்ட இந்த பாத்திரம், தற்போதுள்ள ஒழுங்கை கோபமாக நிராகரித்தது, அவர் ஒரு எளிய நகரவாசி அல்லது விவசாயியின் பொது அறிவுடன் தீமை மற்றும் வன்முறை உலகத்தை எதிர்த்தார்.

முந்தைய காலகட்டத்தின் பாண்டோமிமிக் நிகழ்ச்சிகளில், பியர்ரோட்டின் பாத்திரத்தில் நடித்தவர் ஃபார்சிகல் ஒப்பனை என்று அழைக்கப்படுவதைப் பயன்படுத்தினார்: அவர் முகத்தை வெண்மையாக்கி, அதை மாவுடன் தடிமனாகத் தெளித்தார். இந்த பாரம்பரியத்தைப் பாதுகாத்து, ஜீன்-பாப்டிஸ்ட் காஸ்பார்ட் படத்தை உருவாக்க உலகப் புகழ்பெற்ற பியரோட் உடையைப் பயன்படுத்தினார்: நீண்ட வெள்ளை ஹரேம் பேன்ட், அகலமான காலர் இல்லாத ரவிக்கை மற்றும் அவரது தலையில் ஒரு குறியீட்டு கருப்பு கட்டு.

பின்னர், அவரது சிறந்த பாண்டோமைம்களில், நடிகர் அநியாய உலகில் ஏழைகளின் சோகமான விதியின் தலைப்பை பிரதிபலிக்க முயன்றார், இது அந்த ஆண்டுகளில் பொருத்தமானது. புத்திசாலித்தனமான விசித்திரத்தன்மையையும் கதாபாத்திரத்தின் உள் சாரத்தின் ஆழமான பிரதிபலிப்பையும் இணக்கமாக இணைத்த அவரது கலைநயமிக்க திறமைக்கு நன்றி, அவர் அற்புதமான படங்களை உருவாக்கினார்.

டெபுரோவின் விளையாட்டு 19 ஆம் நூற்றாண்டின் முற்போக்கான கலை அறிவுஜீவிகளின் கவனத்தை ஈர்த்தது. பிரபல எழுத்தாளர்கள் - C. Nodier, T. Gauthier, J. Janin, J. Sand மற்றும் பலர் இந்த நடிகரைப் பற்றி உற்சாகமாகப் பேசினர், பிரெஞ்சு சமூகத்தின் பிரபுத்துவ அடுக்குகளில், டெப்யூரோவின் திறமை, அவரது கூர்மையான சமூகப் படங்கள், ஏற்கனவே உள்ளதை மறுக்கும் ரசிகர்கள் யாரும் இல்லை. உத்தரவு, அதிகாரிகளின் அதிருப்தியை ஏற்படுத்தியது.

இருப்பினும், ஜீன்-பாப்டிஸ்ட் காஸ்பார்ட் டெபியூரோ உலக நாடகக் கலையின் வரலாற்றில் நீதிக்கான போராளியாக அல்ல, ஆனால் ஒரு பிரபலமான நாட்டுப்புற பாத்திரத்தின் பாத்திரத்தின் நடிகராக மட்டுமே நுழைந்தார். ஒரு நடிகராக டெபுரோவின் பணியின் சிறந்த மரபுகள் பின்னர் திறமையான பிரெஞ்சு நடிகர் எம். மார்ஸின் வேலையில் பிரதிபலித்தன.

19 ஆம் நூற்றாண்டின் முதல் பாதியில் ஒரு குறிப்பிடத்தக்க நடிகை விர்ஜினி டெஜாசெட் (1798-1875). அவர் கலைஞர்களின் குடும்பத்தில் பிறந்தார், மேடையில் பெற்ற வளர்ப்பு அவரது மேடை திறமையின் ஆரம்ப வளர்ச்சிக்கு பங்களித்தது.

1807 ஆம் ஆண்டில், ஒரு திறமையான பெண் பாரிஸில் உள்ள வாட்வில்லே தியேட்டரில் ஒரு தொழிலதிபரின் கவனத்தை ஈர்த்தார். வர்ஜீனி நடிப்பு குழுவில் சேருவதற்கான திட்டத்தை ஆர்வத்துடன் ஏற்றுக்கொண்டார், அவர் நீண்ட காலமாக தலைநகரின் தியேட்டரில் பணியாற்ற விரும்பினார்.

Vaudeville இல் வேலை இளம் நடிகையின் திறன்களின் வளர்ச்சிக்கு பங்களித்தது, ஆனால் படிப்படியாக அவர் அவளை திருப்திப்படுத்துவதை நிறுத்தினார். இந்த தியேட்டரை விட்டு வெளியேறி, வர்ஜீனி வெரைட்டியில் வேலை செய்யத் தொடங்கினார், அதைத் தொடர்ந்து கிம்னாஸ் மற்றும் நுவோட்டாவுக்கு அழைப்புகள் வந்தன, அங்கு நடிகை 1830 வரை நடித்தார்.

அவரது படைப்பு செயல்பாட்டின் உச்சம் 1831-1843 இல் வந்தது, வர்ஜினி டெஜாசெட் பலாஸ் ராயல் தியேட்டரின் மேடையில் பிரகாசித்தார். அடுத்தடுத்த ஆண்டுகளில், நடிகை, பாரிசியன் நாடகக் குழுக்களுடனான தனது ஒத்துழைப்பைக் குறுக்கிட்டு, நாட்டில் நிறைய சுற்றுப்பயணம் செய்தார், சில சமயங்களில் மாகாண திரையரங்குகளில் ஒரு சீசன் அல்லது இரண்டு காலம் தங்கினார்.

நடிப்பில் தேர்ச்சி பெற்றதால், டிஜாஸ் ஒரு இழுவை ராணியாக வெற்றிகரமாக நடித்தார், ரேக் பாய்ஸ், பாம்பர்ட் மார்கியூஸ்கள், இளம் பெண்கள் மற்றும் வயதான பெண்களின் பாத்திரங்களில் நடித்தார். ஸ்க்ரைப், பேயார்ட், டுமனோயர் மற்றும் சர்டோவ் ஆகியோரால் வாட்வில் மற்றும் கேலிக்கூத்துகளில் அவர் மிகவும் வெற்றிகரமான பாத்திரங்களில் நடித்தார்.

விர்ஜினி டெஜாசெட்டின் சமகாலத்தவர்கள் நடிகையின் அசாதாரண கருணை, மேடை உரையாடலில் அவரது திறமை மற்றும் துல்லியமான சொற்பொழிவுக்கான அவரது திறனை அடிக்கடி சுட்டிக்காட்டினர்.

டிஜாஸின் மகிழ்ச்சியான மற்றும் நகைச்சுவையான கதாநாயகிகள், வாட்வில்லில் வசனங்களை எளிதில் நிகழ்த்தி, நடிகையின் வெற்றியை உறுதிசெய்தனர், நீண்ட காலமாக அவரை கோரும் பெருநகர பொதுமக்களுக்கு பிடித்தவராக ஆக்கினர். வர்ஜீனியின் திறமை வெகுஜன பார்வையாளர்களின் பாரம்பரிய சுவைகளுடன் ஒத்துப்போகவில்லை என்ற போதிலும் இது.

பெரஞ்சரின் பாடல்களின் நடிப்பில் நடிகையின் திறமையும், அவரது நடிப்பின் ஆழமான தேசியத் தன்மையும் மிகத் தெளிவாக வெளிப்பட்டன (பெரஞ்சரின் மோனோலாக்கில் "லிசெட் பெரங்கர்", கிளேர்வில்லே மற்றும் லம்பேர்ட்-டிபவுட்டின் வாட்வில்லே "பெரங்கரின் பாடல்களில்").

ரொமாண்டிஸத்தின் சகாப்தத்தில் ஒரு சோகமான பாத்திரத்தில் பணியாற்றிய மிகவும் பிரபலமான பிரெஞ்சு நடிகைகளில் ஒருவர் எலிசா ரேச்சல் (1821-1858). அவர் பாரிஸில் பிறந்தார், நகரத் தெருக்களில் பல்வேறு சிறிய பொருட்களை விற்ற ஒரு ஏழை யூதரின் குடும்பத்தில். ஏற்கனவே குழந்தை பருவத்தில், பெண் சிறந்த திறன்களைக் காட்டினார்: அவர் நிகழ்த்திய பாடல்கள் ஏராளமான வாங்குபவர்களை அவரது தந்தையின் தட்டில் ஈர்த்தது.

இயற்கையான கலைத் திறமை பதினேழு வயதான எலிசாவை புகழ்பெற்ற பிரெஞ்சு நாடகமான "காமெடி ஃபிராங்காய்ஸ்" நடிப்புக் குழுவில் சேர அனுமதித்தது. இந்த மேடையில் அவரது முதல் பாத்திரம் கார்னிலின் நாடகமான ஹோரேஸில் காமில்.

19 ஆம் நூற்றாண்டின் 30 களில், பெரும்பாலான பெருநகர திரையரங்குகளின் திறமை நாவலாசிரியர்களின் (வி. ஹ்யூகோ, ஏ. விக்னி, முதலியன) படைப்புகளை அடிப்படையாகக் கொண்டது என்பதைக் கவனத்தில் கொள்ள வேண்டும். எலிசா ரேச்சல் போன்ற பிரகாசமான நட்சத்திரத்தின் நாடக உலகில் தோன்றியதன் மூலம் மட்டுமே, மறந்துபோன கிளாசிக்ஸின் தயாரிப்புகள் மீண்டும் தொடங்கப்பட்டன.

அந்த நேரத்தில், ரேசினின் அதே பெயரில் நாடகத்தில் ஃபெட்ராவின் உருவம் சோகமான வகையின் நடிப்புத் திறனின் மிக உயர்ந்த குறிகாட்டியாகக் கருதப்பட்டது. இந்த பாத்திரம்தான் நடிகைக்கு மகத்தான வெற்றியையும் பார்வையாளர்களின் அங்கீகாரத்தையும் கொண்டு வந்தது. எலிசா ரேச்சல் நடித்த ஃபெட்ரா, ஒரு பெருமைமிக்க, கலகக்கார ஆளுமையாக, சிறந்த மனித குணங்களின் உருவகமாக வழங்கப்பட்டது.

1840 களின் நடுப்பகுதி திறமையான நடிகையின் சுறுசுறுப்பான சுற்றுப்பயண நடவடிக்கைகளால் குறிக்கப்பட்டது: ஐரோப்பாவைச் சுற்றியுள்ள அவரது பயணங்கள் பிரெஞ்சு நாடகக் கலைப் பள்ளியை மகிமைப்படுத்தியது. ஒருமுறை ரேச்சல் ரஷ்யாவிற்கும் வட அமெரிக்காவிற்கும் விஜயம் செய்தார், அங்கு அவரது நடிப்பு நாடக விமர்சகர்களிடமிருந்து அதிக மதிப்பெண்களைப் பெற்றது.

1848 ஆம் ஆண்டில், ஜே. ரேசின் "கோஃபாலியா" நாடகத்தை அடிப்படையாகக் கொண்ட ஒரு நிகழ்ச்சி நகைச்சுவை ஃபிரான்கெய்ஸின் மேடையில் நடத்தப்பட்டது, இதில் எலிசா ரேச்சல் முக்கிய பாத்திரத்தில் நடித்தார். அவர் உருவாக்கிய படம், தீய, அழிவு சக்திகளின் அடையாளமாக மாறியது, படிப்படியாக ஆட்சியாளரின் ஆன்மாவை எரித்தது, நடிகை மீண்டும் தனது சிறந்த திறமையை வெளிப்படுத்த அனுமதித்தது.

அதே ஆண்டில், தலைநகரில் உள்ள மேடையில் ரூஜெட் டி லிஸ்லின் மார்செய்லைஸை பகிரங்கமாக வாசிக்க எலிசா முடிவு செய்தார். இந்த நிகழ்ச்சியின் விளைவு கேலரியின் மகிழ்ச்சியையும், ஸ்டால்களில் அமர்ந்திருந்த பார்வையாளர்களின் கோபத்தையும் ஏற்படுத்தியது.

அதன்பிறகு, திறமையான நடிகை சிறிது காலம் வேலையில்லாமல் இருந்தார், ஏனென்றால் எலிசா தனது உயர் திறமைக்கு தகுதியற்ற பெரும்பாலான நவீன திரையரங்குகளின் தொகுப்பாக கருதினார். இருப்பினும், மேடை கைவினை நடிகையை இன்னும் ஈர்த்தது, விரைவில் அவர் மீண்டும் ஒத்திகையைத் தொடங்கினார்.

சுறுசுறுப்பான நாடக செயல்பாடு ரேச்சலின் மோசமான ஆரோக்கியத்தை குறைமதிப்பிற்கு உட்படுத்தியது: முப்பத்தாறு வயதான நடிகை காசநோயால் பாதிக்கப்பட்டு சில மாதங்களுக்குப் பிறகு இறந்தார், நன்றியுள்ள சந்ததியினருக்கு அவரது மீறமுடியாத திறமையின் வளமான பாரம்பரியத்தை விட்டுச் சென்றார்.

19 ஆம் நூற்றாண்டின் இரண்டாம் பாதியில் மிகவும் பிரபலமான நடிகர்களில் ஒருவரை திறமையான நடிகர் பெனாய்ட் கான்ஸ்டன்ட் கோக்லின் (1841-1909) என்று அழைக்கலாம். அவரது இளமை பருவத்தில் அவர் காட்டிய நாடகக் கலை மீதான ஆர்வம் வாழ்க்கையின் விஷயமாக மாறியது.

அந்த ஆண்டுகளில் பிரபல நடிகர் ரெனியருடன் பாரிஸ் கன்சர்வேட்டரியில் படித்தது திறமையான இளைஞனை மேடையில் ஏறி தனது பழைய கனவை நிறைவேற்ற அனுமதித்தது.

1860 ஆம் ஆண்டில், காமெடி ஃபிரான்சைஸ் தியேட்டரின் மேடையில் கோக்லின் அறிமுகமானார். மோலியரின் நாடகமான லவ் அன்யாயன்ஸை அடிப்படையாகக் கொண்ட நாடகத்தில் க்ரோஸ் ரெனேவின் பாத்திரம் நடிகருக்குப் புகழைக் கொடுத்தது. 1862 ஆம் ஆண்டில், பியூமர்சாய்ஸின் தி மேரேஜ் ஆஃப் ஃபிகாரோ நாடகத்தில் ஃபிகாரோ என்ற பாத்திரத்தின் நடிகராக அவர் பிரபலமானார்.

இருப்பினும், 1885 இல் காமெடி ஃபிரான்சாய்ஸை விட்டு வெளியேறிய பிறகு, கோக்லின் தனது சிறந்த பாத்திரங்களை (தி அன்வில்லிங் டாக்டரில் ஸ்கனாரெல்லே, தி டிரேட்ஸ்மேன் இன் தி நோபிலிட்டியில், மஸ்கரில்லே தி ஃபன்னி கோசாக்ஸில், அதே பெயரில் மோலியர் நாடகத்தில் டார்டஃப்) நடித்தார்.

பல விமர்சகர்கள் மோலியரின் படைப்புகளின் தயாரிப்புகளில் ஒரு திறமையான நடிகரால் உருவாக்கப்பட்ட மிகவும் வெற்றிகரமான படங்களை அங்கீகரித்தனர். கோக்வெலின் திறனாய்வில் படைப்பாற்றலின் கடைசி காலகட்டத்தில், ரோஸ்டாண்டின் நாடகங்களில் பாத்திரங்கள் மேலோங்கின.

திறமையான நடிகர், நடிப்பின் சிக்கல் குறித்த பல தத்துவார்த்த கட்டுரைகள் மற்றும் கட்டுரைகளின் ஆசிரியராகவும் பிரபலமானார். 1880 ஆம் ஆண்டில், அவரது "கலை மற்றும் தியேட்டர்" புத்தகம் வெளியிடப்பட்டது, மேலும் 1886 ஆம் ஆண்டில் "நடிகரின் கலை" என்று அழைக்கப்படும் நடிப்பு பற்றிய கையேடு வெளியிடப்பட்டது.

பதினொரு ஆண்டுகள் (1898 முதல் 1909 வரை) கோக்லின் "போர்ட்-செயின்ட்-மார்ட்டின்" தியேட்டரின் இயக்குநராக பணியாற்றினார். இந்த மனிதர் பிரான்சில் நாடகக் கலையின் வளர்ச்சிக்கு நிறைய செய்தார்.

நடிப்புத் திறன் மேம்பாடு நாடகவியலின் வளர்ச்சியுடன் சேர்ந்தது. இந்த நேரத்தில், ஓ. டி பால்சாக், ஈ. ஜோலா, ஏ. டுமாஸ்-சன், கோன்கோர்ட் சகோதரர்கள் மற்றும் பலர் போன்ற பிரபலமான எழுத்தாளர்கள் தோன்றினர், அவர்கள் காதல் மற்றும் யதார்த்தவாதத்தின் சகாப்தத்தின் மேடைக் கலைக்கு குறிப்பிடத்தக்க பங்களிப்பைச் செய்தனர்.

பிரபல பிரெஞ்சு எழுத்தாளர் மற்றும் நாடக ஆசிரியர் ஹானோர் டி பால்சாக்(1799-1850) பாரிஸில் ஒரு அதிகாரியின் குடும்பத்தில் பிறந்தார். பெற்றோர், தங்கள் மகனின் எதிர்காலத்தைப் பற்றி அக்கறை கொண்டு, அவருக்கு சட்டக் கல்வியைக் கொடுத்தனர்; இருப்பினும், நீதித்துறை இளைஞனை இலக்கியச் செயல்பாடுகளைக் காட்டிலும் குறைவாகவே ஈர்த்தது. விரைவில் பால்சாக்கின் படைப்புகள் பரவலான புகழ் பெற்றன. அவரது வாழ்நாள் முழுவதும், அவர் 97 நாவல்கள், சிறுகதைகள் மற்றும் சிறுகதைகளை எழுதினார்.

ஹானர் தனது குழந்தைப் பருவத்தில் நாடகக் கலையில் ஆர்வம் காட்டத் தொடங்கினார், ஆனால் முதல் வியத்தகு தலைசிறந்த படைப்புகள் 1820 களின் முற்பகுதியில் மட்டுமே எழுதப்பட்டன. இந்த படைப்புகளில் மிகவும் வெற்றிகரமானவை க்ரோம்வெல் (1820) மற்றும் மெலோடிராமாக்கள் தி நீக்ரோ மற்றும் தி கோர்சிகன் (1822). சரியான நாடகங்களிலிருந்து வெகு தொலைவில் உள்ள இவை பாரிசியன் திரையரங்குகளில் ஒன்றின் மேடையில் மிகவும் வெற்றிகரமாக அரங்கேற்றப்பட்டன.

படைப்பு முதிர்ச்சியின் ஆண்டுகளில், பால்சாக் பல நாடக படைப்புகளை உருவாக்கினார், அவை உலகின் பல திரையரங்குகளின் தொகுப்பில் சேர்க்கப்பட்டுள்ளன: தி ஸ்கூல் ஆஃப் மேரேஜ் (1837), வவுட்ரின் (1840), கினோலாஸ் ஹோப்ஸ் (1842), பமீலா கிராட் (1843). ), தி டீலர் "(1844) மற்றும்" மாற்றாந்தாய் "(1848). இந்த நாடகங்கள் மிகவும் பிரபலமாக இருந்தன.

வங்கியாளர்கள், பங்குத் தரகர்கள், உற்பத்தியாளர்கள் மற்றும் அரசியல்வாதிகளின் நாடக ஆசிரியரால் உருவாக்கப்பட்ட வழக்கமான படங்கள் வியக்கத்தக்க வகையில் நம்பத்தகுந்தவையாக மாறியது; படைப்புகள் முதலாளித்துவ உலகின் எதிர்மறை அம்சங்களை வெளிப்படுத்தின, அதன் வேட்டையாடுதல், ஒழுக்கக்கேடு மற்றும் மனித விரோதம். நேர்மறை கதாபாத்திரங்களின் தார்மீக முழுமையுடன் சமூக தீமையை எதிர்க்கும் முயற்சியில், பால்சாக் தனது நாடகங்களில் மெலோடிராமாடிக் அம்சங்களை அறிமுகப்படுத்தினார்.

பால்சாக்கின் பெரும்பாலான வியத்தகு படைப்புகள் சமூக முரண்பாடுகளை அடிப்படையாகக் கொண்ட கடுமையான மோதல்களால் வகைப்படுத்தப்படுகின்றன, ஆழமான நாடகம் மற்றும் வரலாற்றுத் தன்மையுடன் நிறைவுற்றது.

ஹானோர் டி பால்சாக்கின் நாடகங்களில் தனிப்பட்ட கதாபாத்திரங்களின் விதிகளுக்குப் பின்னால், எப்போதும் பரந்த வாழ்க்கைப் பின்னணி இருந்தது; தனித்துவத்தை இழக்காத ஹீரோக்கள், அதே நேரத்தில் பொதுமைப்படுத்தும் படங்களின் வடிவத்தில் தோன்றினர்.

நாடக ஆசிரியர் தனது படைப்புகளை வாழ்க்கையாக மாற்றவும், ஒரு குறிப்பிட்ட சகாப்தத்தின் வாழ்க்கையின் சிறப்பியல்பு அம்சங்களை அறிமுகப்படுத்தவும், கதாபாத்திரங்களின் துல்லியமான பேச்சு பண்புகளை வழங்கவும் முயன்றார்.

19 ஆம் நூற்றாண்டின் நாடகவியலில் குறிப்பிடத்தக்க முத்திரையை பதித்த பால்சாக் நாடகங்கள், உலக நாடகக் கலையின் வளர்ச்சியில் குறிப்பிடத்தக்க தாக்கத்தை ஏற்படுத்தியது.

திறமையான பிரெஞ்சு நாடக ஆசிரியரின் மிகவும் பிரபலமான நாடகங்களில், புயல் துறைமுகம், கினோலாவின் கனவுகள் என்ற பெயரில் திரையரங்குகளின் தொகுப்பில் சேர்க்கப்பட்டுள்ள மாற்றாந்தாய், கினோலாவின் நம்பிக்கைகள் ஆகியவற்றைக் குறிப்பிடுவது மதிப்பு; "யுஜின் கிராண்டே" மற்றும் "மாகாண வரலாறு", "லைஃப் ஆஃப் எ இளங்கலை" நாவலின் அடிப்படையில் எழுதப்பட்டது.

ஹானோர் டி பால்சாக் ஒரு நாடக ஆசிரியராகவும் எழுத்தாளராகவும் மட்டுமல்லாமல், கலைக் கோட்பாட்டாளராகவும் பிரபலமானார். பால்சாக்கின் பல கட்டுரைகள் புதிய தியேட்டர் பற்றிய அவரது கருத்துக்களை வெளிப்படுத்தின.

நாடக ஆசிரியர் தணிக்கை பற்றி கோபமாக பேசினார், இது மேடையில் சமகால யதார்த்தத்தின் விமர்சன பிரதிபலிப்புக்கு தடை விதித்தது. கூடுதலாக, பால்சாக் அதன் வழக்கமான முதலாளித்துவ சித்தாந்தம் மற்றும் வாழ்க்கையின் யதார்த்தங்களிலிருந்து தொலைதூரத்துடன் 19 ஆம் நூற்றாண்டின் தியேட்டரின் வணிக அடிப்படைக்கு அந்நியமாக இருந்தார்.

பெஞ்சமின் ஆன்டியர் (1787-1870), ஒரு திறமையான பிரெஞ்சு நாடக ஆசிரியர், பல மெலோடிராமாக்கள், நகைச்சுவைகள் மற்றும் வாட்வில்ல்களை எழுதியவர், பால்சாக்கை விட சற்று வித்தியாசமான திசையில் பணியாற்றினார்.

இந்த நாடக ஆசிரியரின் நாடகங்கள் பல பெருநகர பவுல்வர்டு தியேட்டர்களின் தொகுப்பில் சேர்க்கப்பட்டுள்ளன. ஜனநாயக மற்றும் குடியரசுக் கருத்துகளின் ஆதரவாளராக இருந்ததால், ஆன்ட்ஜே அவற்றை பார்வையாளர்களுக்கு தெரிவிக்க முயன்றார், எனவே அவரது படைப்புகளில் குற்றஞ்சாட்டப்பட்ட குறிப்புகள் ஒலித்து, அவற்றை சமூக நோக்குடையதாக ஆக்குகின்றன.

பிரபல பிரெஞ்சு நடிகர் ஃபிரடெரிக் லெமைட்ரேவுடன் இணைந்து, நாடக ஆசிரியர் மிகவும் பிரபலமான நாடகங்களில் ஒன்றை எழுதினார் - "ராபர்ட் மேக்கர்", இது 1834 இல் பாரிசியன் தியேட்டர் "ஃபோலி டிராமாடிக்" மேடையில் அரங்கேற்றப்பட்டது. பார்வையாளர்களின் விருப்பமான ஃபிரடெரிக் லெமெய்ட்ரே மற்றும் முழு நடிப்புக் குழுவின் அற்புதமான நடிப்பால் இந்த நாடகத்தின் வெற்றி பெரிய அளவில் உள்ளது.

பெருநகர மக்களிடையே வெற்றி பெற்ற பெஞ்சமின் ஆண்டியரின் பிற நாடகங்களில், தி கேரியர் (1825), தி மாஸ்க்ஸ் ஆஃப் ரெசின் (1825), தி ரோசெஸ்டர் (1829) மற்றும் தி ஃபயர்ஸ்டார்ட்டர் (1830) ஆகியவை சிறப்பு கவனம் செலுத்த வேண்டியவை. நவீன உலகின் கடுமையான சமூகப் பிரச்சனைகளையும் அவை பிரதிபலிக்கின்றன.

19 ஆம் நூற்றாண்டின் முதல் பாதியில் பிரெஞ்சு நாடகத்தில் ஒரு கண்டுபிடிப்பாளர் திறமையான எழுத்தாளர் கே. Asimir Jean Francois Delavigne(1793-1843). பதினெட்டு வயதில், அவர் பிரான்சின் இலக்கிய வட்டங்களில் நுழைந்தார், எட்டு ஆண்டுகளுக்குப் பிறகு அவர் தனது வியத்தகு அறிமுகமானார்.

1819 ஆம் ஆண்டில், காசிமிர் டெலாவிக்னே ஓடியன் தியேட்டரில் பணியாற்றத் தொடங்கினார், அதில் அவரது முதல் சோகங்களில் ஒன்றான சிசிலியன் வெஸ்பர்ஸ் அரங்கேற்றப்பட்டது. இதில், இளம் நாடக ஆசிரியரின் பல ஆரம்பகால படைப்புகளைப் போலவே, கடந்த காலத்தின் புகழ்பெற்ற நாடக கிளாசிக்ஸின் செல்வாக்கை ஒருவர் காணலாம், அவர்கள் தங்கள் படைப்புகளில் கிளாசிக்ஸின் அங்கீகரிக்கப்பட்ட நியதிகளிலிருந்து சிறிதளவு விலகலை அனுமதிக்கவில்லை.

அதே கண்டிப்பான பாரம்பரியத்தில், "Marino Faglieri" என்ற சோகம் எழுதப்பட்டது, இது "போர்ட்-செயின்ட்-மார்ட்டின்" தியேட்டரில் முதல் முறையாக காட்டப்பட்டது. இந்த நாடகத்தின் முன்னுரையில், டெலவிக்னே தனது அழகியல் பார்வைகளின் அடிப்படைக் கொள்கைகளை உருவாக்க முயன்றார். நவீன நாடகத்தில் கிளாசிக் கலை மற்றும் ரொமாண்டிசிசத்தின் கலை நுட்பங்களை இணைக்க வேண்டிய அவசியம் இருப்பதாக அவர் நம்பினார்.

அந்த நேரத்தில் பல இலக்கிய பிரமுகர்கள் இதேபோன்ற கண்ணோட்டத்தை கடைபிடித்தனர், நாடகத்தின் பல்வேறு போக்குகளுக்கு சகிப்புத்தன்மையுள்ள அணுகுமுறை மட்டுமே எதிர்காலத்தில் உலக நாடகக் கலையை திறம்பட வளர்க்க அனுமதிக்கும் என்று சரியாக நம்பினர் என்பதை கவனத்தில் கொள்ள வேண்டும்.

இருப்பினும், செவ்வியல் கலையின் மாதிரிகளை முழுமையாக மறுப்பது, குறிப்பாக இலக்கிய கவிதை மொழித் துறையில், ஒட்டுமொத்த நாடக இலக்கியத்தின் வீழ்ச்சியை ஏற்படுத்தும்.

திறமையான நாடக ஆசிரியர் தனது பிற்கால படைப்புகளில் புதுமையான போக்குகளை உள்ளடக்கினார், அதில் மிகவும் குறிப்பிடத்தக்கது 1832 இல் எழுதப்பட்ட "லூயிஸ் XI" சோகம் மற்றும் சில மாதங்களுக்குப் பிறகு நகைச்சுவை ஃபிரான்சைஸ் தியேட்டரின் மேடையில் அரங்கேற்றப்பட்டது.

C. J. F. Delavigne இன் சோகம், காதல் கவிதைகள், படங்களின் தெளிவான சுறுசுறுப்பு மற்றும் நுட்பமான உள்ளூர் வண்ணம் ஆகியவற்றால் வகைப்படுத்தப்பட்டது, பாரம்பரிய பாரம்பரிய நாடகங்களிலிருந்து கணிசமாக வேறுபட்டது.

கிங் லூயிஸ் XI இன் படம், பிரான்ஸ் மற்றும் பிற ஐரோப்பிய நாடுகளின் சிறந்த நடிகர்களால் மேடையில் மீண்டும் மீண்டும் பொதிந்துள்ளது, இது நடிப்பு சூழலில் மிகவும் பிரியமான ஒன்றாக மாறியுள்ளது. எனவே, ரஷ்யாவில், லுடோவிக் பாத்திரத்தை திறமையான நடிகர் வி. கராட்டிகின், இத்தாலியில் - ஈ.ரோஸ்ஸியால் சரியாக நடித்தார்.

அவரது வாழ்நாள் முழுவதும், காசிமிர் ஜீன்-பிரான்கோயிஸ் டெலவிக்னே மிதவாத தாராளவாதத்திற்கு அப்பால் செல்லாமல், தேசிய விடுதலை இயக்கத்தின் ஆதரவாளர்களின் மதகுரு எதிர்ப்புக் கருத்துக்களைக் கடைப்பிடித்தார். வெளிப்படையாக, துல்லியமாக இந்த சூழ்நிலைதான் திறமையான நாடக ஆசிரியரின் படைப்புகள் மறுசீரமைப்பு காலத்தின் ஆளும் உயரடுக்கினரிடையே பரவலான பிரபலத்தைப் பெற அனுமதித்தது மற்றும் ஜூலை முடியாட்சியின் ஆரம்ப ஆண்டுகளில் கூட அதை இழக்கவில்லை.

டெலாவிக்னேவின் மிகவும் பிரபலமான படைப்புகளில், "பரியா" (1821) மற்றும் "எட்வர்டின் குழந்தைகள்" (1833) என்ற சோகங்கள் குறிப்பிடப்பட வேண்டும், ஆசிரியரின் நகைச்சுவைப் படைப்புகள் ("பழைய ஆண்களுக்கான பள்ளி" (1823), "டான் ஜுவான் ஆஃப் ஆஸ்திரியா" (1835) 19 ஆம் நூற்றாண்டில் குறைவான பிரபலமாக இல்லை. ) மற்றும் பல).

19 ஆம் நூற்றாண்டில், ஓ. டி பால்சாக் மற்றும் நாடகக் கலையின் பிற பிரபலமான நபர்களின் நாடகங்களை விட குறைவான புகழ் பெற்றது, பிரபலமானவர்களின் நாடக படைப்புகள் அலெக்ஸாண்ட்ரே டுமாஸ் மகன் (1824—1895).

அவர் பிரபல பிரெஞ்சு எழுத்தாளர் அலெக்ஸாண்ட்ரே டுமாஸின் குடும்பத்தில் பிறந்தார், தி த்ரீ மஸ்கடியர்ஸ் மற்றும் தி கவுண்ட் ஆஃப் மான்டே கிறிஸ்டோவின் ஆசிரியர். தந்தையின் தொழில் மகனின் வாழ்க்கைப் பாதையை முன்னரே தீர்மானித்தது, இருப்பினும், அவரது புகழ்பெற்ற பெற்றோரைப் போலல்லாமல், அலெக்சாண்டர் வியத்தகு நடவடிக்கைகளில் ஈர்க்கப்பட்டார்.

1852 ஆம் ஆண்டில், டுமாஸின் மகனுக்கு உண்மையான வெற்றி கிடைத்தது, முன்பு எழுதப்பட்ட நாவலில் இருந்து ரீமேக் செய்யப்பட்ட தி லேடி ஆஃப் தி கேமிலியாஸ் நாடகம் பொது மக்களுக்கு வழங்கப்பட்டது. நாடகத்தின் தயாரிப்பு, மனிதநேயம், அரவணைப்பு மற்றும் சமூகத்தால் நிராகரிக்கப்பட்ட வேசியின் மீது ஆழ்ந்த அனுதாபத்துடன், வாட்வில்லே தியேட்டரின் மேடையில் நடந்தது. பார்வையாளர்கள் உற்சாகமாக தி லேடி ஆஃப் தி கேமிலியாஸை வரவேற்றனர்.

டுமாஸ் மகனின் இந்த வியத்தகு படைப்பு, பல மொழிகளில் மொழிபெயர்க்கப்பட்டது, உலகின் மிகப்பெரிய திரையரங்குகளின் தொகுப்பில் நுழைந்தது. பல்வேறு காலகட்டங்களில், எஸ். பெர்னார்ட், ஈ. டியூஸ் மற்றும் பிற பிரபல நடிகைகள் தி லேடி ஆஃப் தி கேமிலியாஸில் முன்னணி பாத்திரத்தில் நடித்தனர். இந்த நாடகத்தை அடிப்படையாகக் கொண்டு, 1853 இல் கியூசெப் வெர்டி லா டிராவியாட்டா என்ற ஓபராவை எழுதினார்.

1850 களின் நடுப்பகுதியில், ஏ. டுமாஸ் மகனின் வேலையில் குடும்பப் பிரச்சனைகள் முக்கிய கருப்பொருளாக மாறியது. இவை அவரது நாடகங்களான "டயானா டி லிஸ்" (1853) மற்றும் "ஹாஃப் லைட்" (1855), "பணம் கேள்வி" (1857) மற்றும் "பேட் சன்" (1858), "கிம்னாஸ்" தியேட்டரின் மேடையில் அரங்கேற்றப்பட்டது. நாடக ஆசிரியர் தனது பிற்கால படைப்புகளில் ஒரு வலுவான குடும்பத்தின் கருப்பொருளுக்கு திரும்பினார்: “தி வியூஸ் ஆஃப் மேடம் ஆப்ரே” (1867), “இளவரசி ஜார்ஜஸ்” (1871), முதலியன.

19 ஆம் நூற்றாண்டின் பல நாடக விமர்சகர்கள் அலெக்ஸாண்ட்ரே டுமாஸ் மகனை சிக்கல் நாடக வகையின் நிறுவனர் மற்றும் பிரெஞ்சு யதார்த்த நாடகத்தின் மிக முக்கியமான பிரதிநிதி என்று அழைத்தனர். இருப்பினும், இந்த நாடக ஆசிரியரின் படைப்பு பாரம்பரியத்தைப் பற்றிய ஆழமான ஆய்வு, அவரது படைப்புகளின் யதார்த்தம் பெரும்பாலான சந்தர்ப்பங்களில் வெளிப்புறமாகவும், ஓரளவு ஒருதலைப்பட்சமாகவும் இருப்பதை உறுதிப்படுத்துகிறது.

சமகால யதார்த்தத்தின் சில அம்சங்களைக் கண்டித்து, டுமாஸ் மகன் குடும்பக் கட்டமைப்பின் ஆன்மீக தூய்மை மற்றும் ஆழமான ஒழுக்கத்தை உறுதிப்படுத்தினார், மேலும் உலகில் இருக்கும் ஒழுக்கக்கேடு மற்றும் அநீதி ஆகியவை தனிப்பட்ட தனிநபர்களின் தீமைகளாக அவரது படைப்புகளில் தோன்றின. E. Ogier, V. Sardou மற்றும் பிற நாடக ஆசிரியர்களின் சிறந்த படைப்புகளுடன், Alexandre Dumas மகனின் நாடகங்கள் 19 ஆம் நூற்றாண்டின் இரண்டாம் பாதியில் பல ஐரோப்பிய திரையரங்குகளின் திறமைக்கு அடிப்படையாக அமைந்தன.

சகோதரர்கள் பிரபலமான எழுத்தாளர்கள், நாடக ஆசிரியர்கள் மற்றும் நாடகக் கலையின் கோட்பாட்டாளர்கள். எட்மண்ட் (1822-1896) மற்றும் ஜூல்ஸ் (1830-1870) கோன்கோர்ட்.அவர்கள் 1851 இல் பிரான்சின் இலக்கிய வட்டங்களில் நுழைந்தனர், அவர்களின் முதல் படைப்பு வெளியிடப்பட்டது.

கோன்கோர்ட் சகோதரர்கள் தங்கள் இலக்கிய மற்றும் வியத்தகு தலைசிறந்த படைப்புகளை இணை ஆசிரியராக மட்டுமே உருவாக்கினர் என்பது கவனிக்கத்தக்கது, அவர்களின் கூட்டுப் பணி தீவிர ரசிகர்களைக் கண்டுபிடிக்கும் என்று சரியாக நம்புகிறது.

முதன்முறையாக, கோன்கோர்ட் சகோதரர்களின் படைப்புகள் (ஹென்ரியட் மாரேச்சல் நாவல்) 1865 இல் காமெடி ஃபிரான்சைஸ் தியேட்டரின் மேடையில் அரங்கேற்றப்பட்டது. பல ஆண்டுகளுக்குப் பிறகு, ஃப்ரீ தியேட்டர் மேடையில், ஹென்றி அன்டோயின் ஃபாதர்லேண்ட் இன் ஆபத்தில் நாடகத்தை அரங்கேற்றினார். அவர் கோன்கோர்ட்டின் நாவல்களான சகோதரி பிலோமினா (1887) மற்றும் தி மெய்டன் எலிசா (1890) ஆகியவற்றையும் அரங்கேற்றினார்.

கூடுதலாக, முன்னேறிய பிரெஞ்சு மக்கள், ஜெர்மினி லாசெர்டே (1888) நாவல்களை ஓடியோன் தியேட்டரிலும், சார்லஸ் டமெய்லி (1892) ஜிம்னேஸில் அரங்கேற்றுவதையும் புறக்கணிக்கவில்லை.

ஒரு புதிய வகையின் தோற்றம் கோன்கோர்ட் சகோதரர்களின் இலக்கிய நடவடிக்கைகளுடன் இணைக்கப்பட்டுள்ளது: அவர்களின் சிறந்த கலை ரசனையின் செல்வாக்கின் கீழ், இயற்கைவாதம் போன்ற ஒரு நிகழ்வு ஐரோப்பிய நாடக அரங்கில் பரவலாகியது.

பிரபல எழுத்தாளர்கள் நிகழ்வுகளை விவரிப்பதில் விரிவான துல்லியத்திற்காக பாடுபட்டனர், உடலியல் விதிகள் மற்றும் சமூக சூழலின் செல்வாக்கிற்கு அதிக முக்கியத்துவம் அளித்தனர், அதே நேரத்தில் கதாபாத்திரங்களின் ஆழமான உளவியல் பகுப்பாய்விற்கு சிறப்பு கவனம் செலுத்தினர்.

கோன்கோர்ட்டின் நாடகங்களை அரங்கேற்றுவதற்கு பொறுப்பேற்ற இயக்குநர்கள் பொதுவாக நேர்த்தியான இயற்கைக்காட்சிகளைப் பயன்படுத்தினர், அதே நேரத்தில் கண்டிப்பான வெளிப்பாட்டுத்தன்மையும் கொடுக்கப்பட்டது.

1870 ஆம் ஆண்டில், ஜூல்ஸ் கோன்கோர்ட் இறந்தார், அவரது சகோதரரின் மரணம் எட்மண்டில் பெரும் தாக்கத்தை ஏற்படுத்தியது, ஆனால் அவரது இலக்கிய நடவடிக்கைகளை கைவிட அவரை கட்டாயப்படுத்தவில்லை. 1870 கள் - 1880 களில் அவர் பல நாவல்களை எழுதினார்: "தி ஜெம்கனோ பிரதர்ஸ்" (1877), "ஃபாஸ்டினா" (1882) மற்றும் பலர், பாரிசியன் திரையரங்குகளின் நடிகர்கள் மற்றும் சர்க்கஸ் கலைஞர்களின் வாழ்க்கைக்காக அர்ப்பணிக்கப்பட்டவர்கள்.

கூடுதலாக, E. Goncourt சுயசரிதை வகைக்கு திரும்பினார்: 18 ஆம் நூற்றாண்டின் புகழ்பெற்ற பிரெஞ்சு நடிகைகளைப் பற்றிய படைப்புகள் (Mademoiselle Clairon, 1890) குறிப்பாக பிரபலமாக இருந்தன.

ஜூல்ஸின் வாழ்க்கையில் தொடங்கப்பட்ட "டைரி" வாசகர்களுக்கு குறைவான கவர்ச்சிகரமானதாக இல்லை. இந்த மிகப்பெரிய படைப்பில், ஆசிரியர் 19 ஆம் நூற்றாண்டில் பிரான்சின் மத, வரலாற்று மற்றும் நாடக கலாச்சாரம் பற்றிய ஒரு பெரிய கருப்பொருளை முன்வைக்க முயன்றார்.

இருப்பினும், தியேட்டர் பிரச்சினைகளில் அவரது சிறப்பு ஆர்வம் இருந்தபோதிலும், எட்மண்ட் கோன்கோர்ட் அதை ஒரு அழிந்து வரும் கலை வடிவமாகக் கருதினார், இது ஒரு உண்மையான நாடக ஆசிரியரின் கவனத்திற்கு தகுதியற்றது.

எழுத்தாளரின் பிற்கால படைப்புகளில், ஜனநாயக விரோத போக்குகள் ஒலித்தன, இருப்பினும், அவரது நாவல்கள் நுட்பமான உளவியலால் நிரப்பப்பட்டன, நவீன பிரெஞ்சு இலக்கியத்தின் புதிய போக்குகளின் சிறப்பியல்பு.

இம்ப்ரெஷனிஸ்ட் கலைஞர்களைப் பின்பற்றி, எட்மண்ட் கோன்கோர்ட் எந்த வகையின் படைப்புகளிலும் சிறிதளவு உணர்வுகள் மற்றும் கதாபாத்திரங்களின் மனநிலையைப் பிரதிபலிக்க வேண்டும் என்று கருதினார். ஒருவேளை இந்த காரணத்திற்காக, ஈ. கோன்கோர்ட் பிரெஞ்சு இலக்கியத்தில் இம்ப்ரெஷனிசத்தின் நிறுவனராகக் கருதப்படுகிறார்.

19 ஆம் நூற்றாண்டின் இரண்டாம் பாதி, ஒரு புதிய கலாச்சாரப் போக்கின் வளர்ச்சியால் குறிக்கப்பட்டது - விமர்சன யதார்த்தவாதம், பிரபலமானவர்கள் உட்பட பல திறமையான நாடக ஆசிரியர்களை உலகிற்கு வழங்கியது. எமில் எட்வார்ட் சார்லஸ் அன்டோயின் ஜோலா(1840-1902), அவர் ஒரு திறமையான எழுத்தாளராக மட்டுமல்லாமல், இலக்கிய மற்றும் நாடக விமர்சகராகவும் புகழ் பெற்றார்.

எமிலி சோலா ஒரு இத்தாலிய பொறியியலாளர் குடும்பத்தில் பிறந்தார், ஒரு பழைய குடும்பத்தின் வழித்தோன்றல். வருங்கால நாடக ஆசிரியரின் குழந்தைப் பருவம் சிறிய பிரெஞ்சு நகரமான ஐக்ஸ்-என்-புரோவென்ஸில் கழிந்தது, அங்கு ஜோலா தந்தை கால்வாயின் வடிவமைப்பில் பணியாற்றினார். இங்கே சிறுவன் ஒரு ஒழுக்கமான கல்வியைப் பெற்றான், நண்பர்களை உருவாக்கினான், எதிர்காலத்தில் ஒரு பிரபல கலைஞரான பால் செசான் அவர்களில் மிக நெருக்கமானவர்.

1857 ஆம் ஆண்டில், குடும்பத் தலைவர் இறந்தார், குடும்பத்தின் நிதி நல்வாழ்வு கடுமையாக மோசமடைந்தது, மற்றும் விதவை மற்றும் அவரது மகன் பாரிஸுக்கு செல்ல வேண்டிய கட்டாயம் ஏற்பட்டது. இங்கே, பிரெஞ்சு தலைநகரில், எமிலி ஜோலா தனது முதல் கலைப் படைப்பை உருவாக்கினார் - ஃபூல்ட் மென்டர் (1858), பால்சாக் மற்றும் ஸ்டெண்டலின் விமர்சன யதார்த்தவாதத்தின் சிறந்த மரபுகளில் எழுதப்பட்டது.

இரண்டு ஆண்டுகளுக்குப் பிறகு, இளம் எழுத்தாளர் லா ஃபோன்டைனின் கட்டுக்கதையான "தி மில்க்மெய்ட் அண்ட் தி ஜக்" அடிப்படையில் ஒரு நாடகத்தை பார்வையாளர்களுக்கு வழங்கினார். "பியர்ரெட்" என்று அழைக்கப்படும் இந்த நாடகத்தின் அரங்கேற்றம் மிகவும் வெற்றிகரமாக இருந்தது.

இருப்பினும், தலைநகரின் இலக்கிய வட்டங்களில் அங்கீகாரம் பெறுவதற்கு முன்பு, எமில் ஒற்றைப்படை வேலைகளில் முதலில் திருப்தியடைய வேண்டியிருந்தது, இது விரைவில் அஷெட் பதிப்பகத்தில் நிரந்தர வேலைக்கு வழிவகுத்தது. அதே நேரத்தில், ஜோலா பல்வேறு செய்தித்தாள்கள் மற்றும் பத்திரிகைகளுக்கு கட்டுரைகளை எழுதினார்.

1864 ஆம் ஆண்டில், தி டேல்ஸ் ஆஃப் நினான் என்ற தலைப்பில் அவரது முதல் சிறுகதைத் தொகுப்பு வெளியிடப்பட்டது, மேலும் ஒரு வருடம் கழித்து கிளாட்'ஸ் கன்ஃபெஷன் நாவல் வெளியிடப்பட்டது, இது ஆசிரியருக்கு பரவலான புகழைக் கொண்டு வந்தது. ஜோலா நாடகத் துறையையும் விட்டு வைக்கவில்லை.

இந்த வகையின் அவரது ஆரம்பகால படைப்புகளில், "ஓநாய்களுடன் வாழ்வது ஓநாய் அலறல் போன்றது" என்ற வசனத்தில் ஒரு-நடிப்பு வாட்வில்லே, உணர்ச்சிகரமான நகைச்சுவை "அசிங்கமான பெண்" (1864), அத்துடன் "மேடலின்" (1865) மற்றும் நாடகங்கள் "மார்சேயில் ரகசியங்கள்" (1867) சிறப்பு கவனம் தேவை.

எமிலி ஜோலாவின் முதல் தீவிரமான படைப்பு, பல விமர்சகர்கள் 1873 இல் மறுமலர்ச்சி தியேட்டரில் அதே பெயரில் நாவலை அடிப்படையாகக் கொண்ட நாடகத்தை "தெரேஸ் ராக்வின்" என்று அழைத்தனர். இருப்பினும், நாடகத்தின் யதார்த்தமான சதி மற்றும் முக்கிய கதாபாத்திரத்தின் பதட்டமான உள் மோதல் ஆகியவை மெலோடிராமாடிக் கண்டனத்தால் எளிமைப்படுத்தப்பட்டன.

"தெரேஸ் ராக்வின்" நாடகம் 19 ஆம் நூற்றாண்டின் பல தசாப்தங்களாக சிறந்த பிரெஞ்சு திரையரங்குகளின் தொகுப்பில் சேர்க்கப்பட்டுள்ளது. பல சமகாலத்தவர்களின் கூற்றுப்படி, இது ஒரு உண்மையான சோகம், இதில் E. ஜோலா, Père Goriot இல் பால்சாக்கைப் போலவே, ஷேக்ஸ்பியர் கதையைப் பிரதிபலித்தார், லேடி மக்பத்துடன் தெரசா ரகுயினை அடையாளம் காட்டினார்.

அடுத்த படைப்பில் பணிபுரியும் போது, ​​​​இயற்கை இலக்கியத்தின் யோசனையால் வழிநடத்தப்பட்ட நாடக ஆசிரியர், இயற்கை அறிவியல், மருத்துவம் மற்றும் உடலியல் ஆகியவற்றின் தரவுகளை உள்ளடக்கிய ஒரு "அறிவியல் நாவலை" உருவாக்குவதை தனது இலக்காக அமைத்தார்.

ஒவ்வொரு நபரின் குணாதிசயங்களும் செயல்களும் பரம்பரை விதிகள், அவர் வாழும் சூழல் மற்றும் வரலாற்று தருணத்தால் தீர்மானிக்கப்படுகின்றன என்று நம்புகிறார், ஜோலா சில நிபந்தனைகளின் கீழ் வாழ்க்கையின் ஒரு குறிப்பிட்ட தருணத்தை புறநிலை சித்தரிப்பதில் எழுத்தாளரின் பணியைக் கண்டார்.

"மேடலின் ஃபெராட்" (1868) நாவல், பரம்பரையின் அடிப்படை விதிகளை செயல்பாட்டில் நிரூபிக்கிறது, ஒரு குடும்பத்தின் பல தலைமுறைகளின் வாழ்க்கைக்கு அர்ப்பணிக்கப்பட்ட தொடர் நாவல்களின் முதல் அடையாளமாக மாறியது. இந்த வேலையை எழுதிய பிறகுதான் ஜோலா இந்த தலைப்புக்கு திரும்ப முடிவு செய்தார்.

1870 ஆம் ஆண்டில், முப்பது வயதான எழுத்தாளர் கேப்ரியல்-அலெக்ஸாண்ட்ரின் மெல் என்பவரை மணந்தார், மேலும் மூன்று ஆண்டுகளுக்குப் பிறகு பாரிஸின் புறநகர்ப் பகுதியில் ஒரு அழகான வீட்டின் உரிமையாளரானார். விரைவில், இளம் எழுத்தாளர்கள், நவீன தியேட்டரில் தீவிர சீர்திருத்தங்களை தீவிரமாக ஊக்குவித்த இயற்கையான பள்ளியின் ஆதரவாளர்கள், வாழ்க்கைத் துணைவர்களின் வாழ்க்கை அறையில் சேகரிக்கத் தொடங்கினர்.

1880 ஆம் ஆண்டில், ஜோலாவின் ஆதரவுடன், இளைஞர்கள் "மேடன் ஈவினிங்ஸ்", தத்துவார்த்த படைப்புகள் "சோதனை நாவல்" மற்றும் "இயற்கை நாவல்கள்" ஆகியவற்றின் தொகுப்பை வெளியிட்டனர், இதன் நோக்கம் புதிய நாடகத்தின் உண்மையான சாரத்தை விளக்குவதாகும்.

இயற்கைப் பள்ளியின் ஆதரவாளர்களைத் தொடர்ந்து, எமில் விமர்சனக் கட்டுரைகளை எழுதத் திரும்பினார். 1881 ஆம் ஆண்டில், அவர் தியேட்டரில் தனித்தனி வெளியீடுகளை இரண்டு தொகுப்புகளாக இணைத்தார்: எங்கள் நாடக எழுத்தாளர்கள் மற்றும் தியேட்டரில் இயற்கைவாதம், இதில் அவர் பிரெஞ்சு நாடகத்தின் வளர்ச்சியில் தனிப்பட்ட நிலைகளின் வரலாற்று விளக்கத்தை கொடுக்க முயன்றார்.

இந்தப் படைப்புகளில் வி. ஹ்யூகோ, ஜே. சாண்ட், ஏ. டுமாஸ் மகன், லாபிச் மற்றும் சர்து ஆகியோரின் ஆக்கப்பூர்வமான உருவப்படங்களைக் காட்டிய பின்னர், ஒரு அழகியல் கோட்பாடு உருவாக்கப்பட்ட ஒரு சர்ச்சையில், ஜோலா அவர்கள் வாழ்க்கையில் இருந்ததைப் போலவே அவற்றை முன்வைக்க முயன்றார். கூடுதலாக, தொகுப்புகளில் டோட், எர்க்மேன்-சத்ரியன் மற்றும் கோன்கோர்ட் சகோதரர்களின் நாடக நடவடிக்கைகள் பற்றிய கட்டுரைகள் அடங்கும்.

புத்தகங்களில் ஒன்றின் கோட்பாட்டுப் பகுதியில், திறமையான எழுத்தாளர் இயற்கையின் ஒரு புதிய திட்டத்தை முன்வைத்தார், இது மோலியர், ரெக்னார்ட், பியூமார்ச்சாய்ஸ் மற்றும் பால்சாக் ஆகியோரின் காலத்தின் சிறந்த மரபுகளை உள்வாங்கியது - நாடகக் கலையின் வளர்ச்சியில் முக்கிய பங்கு வகித்த நாடக ஆசிரியர்கள் அல்ல. பிரான்சில் மட்டுமே, ஆனால் உலகம் முழுவதும்.

நாடக மரபுகளுக்கு தீவிரமான மறுபரிசீலனை தேவை என்று நம்பிய ஜோலா, நடிப்பின் பணிகளைப் பற்றிய புதிய புரிதலைக் காட்டினார். நாடகத் தயாரிப்புகளில் நேரடியாகப் பங்கேற்ற அவர், "நாடகத்தை விளையாடுவதற்குப் பதிலாக அதை வாழுங்கள்" என்று நடிகர்களுக்கு அறிவுறுத்தினார்.

நாடக ஆசிரியர் பாசாங்குத்தனமான விளையாட்டு மற்றும் அறிவிப்பு பாணியை பெரிதாக எடுத்துக் கொள்ளவில்லை; நடிகர்களின் தோரணைகள் மற்றும் சைகைகளின் நாடக இயற்கைக்கு மாறான தன்மைக்கு அவர் விரும்பத்தகாதவராக இருந்தார்.

சோலாவுக்கு குறிப்பாக ஆர்வமாக இருந்தது மேடை வடிவமைப்பின் பிரச்சனை. கிளாசிக்கல் தியேட்டரின் விவரிக்க முடியாத இயற்கைக்காட்சிக்கு எதிராகப் பேசிய ஷேக்ஸ்பியர் பாரம்பரியத்தைப் பின்பற்றி, வெற்று மேடையை வழங்கிய அவர், "வியத்தகு செயல்பாட்டிற்கு பயனளிக்காத" இயற்கைக்காட்சிகளை மாற்ற அழைப்பு விடுத்தார்.

"சமூக சூழலை அதன் அனைத்து சிக்கலான தன்மையிலும்" உண்மையாக வெளிப்படுத்தும் முறைகளைப் பயன்படுத்துமாறு கலைஞர்களுக்கு அறிவுறுத்தும் எழுத்தாளர், அதே நேரத்தில் "இயற்கையை நகலெடுப்பதற்கு" எதிராக அவர்களை எச்சரித்தார், வேறுவிதமாகக் கூறினால், இயற்கைக்காட்சியின் எளிமைப்படுத்தப்பட்ட இயற்கை பயன்பாட்டிலிருந்து. நாடக ஆடை மற்றும் ஒப்பனையின் பங்கு பற்றிய ஜோலாவின் கருத்துக்கள் யதார்த்தத்துடன் ஒத்துப்போகும் கொள்கையின் அடிப்படையில் அமைந்தன.

நவீன பிரெஞ்சு நாடகவியலின் சிக்கல்களை விமர்சன ரீதியாக அணுகி, புகழ்பெற்ற எழுத்தாளர் நடிகர்கள் மற்றும் இயக்குனர்களிடமிருந்து மேடை நடவடிக்கை யதார்த்தத்திற்கு நெருக்கமாக இருக்க வேண்டும் என்றும் பல்வேறு மனித கதாபாத்திரங்கள் விரிவாக ஆய்வு செய்யப்பட வேண்டும் என்றும் கோரினார்.

"வழக்கமான நிலைகளில்" எடுக்கப்பட்ட "வாழும் படிமங்களை" உருவாக்குமாறு ஜோலா வாதிட்டாலும், அதே நேரத்தில் கார்னெய்ல், ரேசின் மற்றும் மோலியர் போன்ற புகழ்பெற்ற கிளாசிக்ஸின் சிறந்த நாடக மரபுகளை மறக்க வேண்டாம் என்று அறிவுறுத்தினார்.

ஊக்குவிக்கப்பட்ட கொள்கைகளுக்கு இணங்க, திறமையான நாடக ஆசிரியரின் பல படைப்புகள் எழுதப்பட்டன. எனவே, The Heirs of Rabourdain (1874) என்ற நகைச்சுவைத் திரைப்படத்தில், தங்கள் செல்வந்த உறவினரின் மரணத்தை எதிர்பார்த்துக் கொண்டிருந்த வேடிக்கையான மாகாண ஃபிலிஸ்டைன்களைக் காட்டும்போது, ​​ஜோலா பி. ஜான்சனின் வோல்போனின் கதையோட்டத்தையும், மோலியரின் நாடகங்களின் பொதுவான நகைச்சுவை சூழ்நிலைகளையும் பயன்படுத்தினார்.

ஜோலாவின் பிற நாடகப் படைப்புகளிலும் கடன் வாங்கும் கூறுகள் காணப்படுகின்றன: தி ரோஸ்பட் (1878), மெலோட்ராமா ரெனே (1881), பாடல் நாடகங்கள் தி ட்ரீம் (1891), மெசிடர் (1897) மற்றும் தி ஹரிகேன் (1901) .

எழுத்தாளரின் பாடல் நாடகங்கள், அவற்றின் விசித்திரமான தாள மொழி மற்றும் அற்புதமான கதைக்களம், நேரம் மற்றும் செயல்பாட்டின் உண்மையற்ற தன்மையில் வெளிப்படுத்தப்பட்டன, இப்சன் மற்றும் மேட்டர்லிங்கின் நாடகங்களுடன் நெருக்கமாக இருந்தன மற்றும் உயர் கலை மதிப்பைக் கொண்டிருந்தன என்பது கவனிக்கத்தக்கது.

இருப்பினும், நாடக விமர்சகர்கள் மற்றும் பெருநகரப் பொதுமக்கள், வி. சர்டோ, ஈ. ஓகியர் மற்றும் ஏ. டுமாஸ்-சன் ஆகியோரின் "நன்கு உருவாக்கப்பட்ட" நாடகங்களைப் பற்றி வளர்த்து, சோலாவின் படைப்புகளின் தயாரிப்புகளை அலட்சியமாக சந்தித்தனர். பாரிஸில் பல நாடக மேடைகளில் திறமையான இயக்குனர் V. Byuznak எழுதியவர்.

எனவே, பல்வேறு சமயங்களில், ஜோலாவின் தி ட்ராப் (1879), நானா (1881) மற்றும் ஸ்கம் (1883) ஆகிய நாடகங்கள் அம்பிகு காமெடியன் தியேட்டரில் அரங்கேற்றப்பட்டன, மேலும் தி வோம்ப் ஆஃப் பாரிஸ் (1887) தியேட்டர் டி பாரிஸில் அரங்கேற்றப்பட்டது. இலவச திரையரங்கம் - "ஜாக் டி அமோர்" (1887), "சேட்லெட்" - "ஜெர்மினல்" (1888).

1893 முதல் 1902 வரையிலான காலகட்டத்தில், ஓடியன் தியேட்டரின் தொகுப்பில் எமிலி ஜோலாவின் "பேஜ் ஆஃப் லவ்", "எர்த்" மற்றும் "தி மிஸ்டெமினர் ஆஃப் தி அபே மௌரெட்" ஆகியவை அடங்கும், மேலும் அவை பல ஆண்டுகளாக மேடையில் மிகவும் வெற்றிகரமாக இருந்தன. .

19 ஆம் நூற்றாண்டின் பிற்பகுதியில் நாடக பிரமுகர்கள் பிரபல எழுத்தாளரின் படைப்பின் பிற்பகுதியில் ஒப்புதலுடன் பேசினர், நாடகங்களை நடத்துவதற்கான சுதந்திரத்தை வென்றதில் அவரது தகுதிகளை அங்கீகரித்து, "பல்வேறு சதித்திட்டங்களுடன், எந்தவொரு தலைப்பிலும், மக்கள், தொழிலாளர்கள், வீரர்கள் ஆகியோரைக் கொண்டு வர முடிந்தது. , விவசாயிகள் மேடைக்கு - இவை அனைத்தும் பல குரல்கள் மற்றும் அற்புதமான கூட்டம்."

1871 முதல் 1893 வரை பல தசாப்தங்களாக உருவாக்கப்பட்ட ரூகன்-மக்வார்ட் தொடர் நாவல்கள் எமிலி ஜோலாவின் முக்கிய நினைவுச்சின்னப் பணியாகும். இந்த இருபது தொகுதி படைப்பின் பக்கங்களில், 1851 (லூயிஸ் நெப்போலியன் போனபார்ட்டின் சதி) முதல் 1871 (பாரிஸ் கம்யூன்) வரையிலான காலகட்டத்தில் பிரெஞ்சு சமூகத்தின் ஆன்மீக மற்றும் சமூக வாழ்க்கையின் படத்தை மீண்டும் உருவாக்க ஆசிரியர் முயன்றார்.

அவரது வாழ்க்கையின் கடைசி கட்டத்தில், புகழ்பெற்ற நாடக ஆசிரியர் நாவல்களின் இரண்டு காவிய சுழற்சிகளை உருவாக்குவதில் பணியாற்றினார், படைப்புகளின் கதாநாயகன் பியர் ஃப்ரோமென்ட்டின் கருத்தியல் தேடல்களால் ஒன்றுபட்டார். இந்த சுழற்சிகளில் முதலாவது (மூன்று நகரங்கள்) லூர்து (1894), ரோம் (1896) மற்றும் பாரிஸ் (1898) ஆகிய நாவல்களை உள்ளடக்கியது. அடுத்த தொடரான ​​"தி ஃபோர் நற்செய்தி", "ஃபெகண்டிட்டி" (1899), "லேபர்" (1901) மற்றும் "சத்தியம்" (1903) ஆகிய புத்தகங்கள்.

துரதிர்ஷ்டவசமாக, "நான்கு நற்செய்திகள்" முடிக்கப்படாமல் இருந்தன, எழுத்தாளர் தனது வாழ்க்கையின் கடைசி ஆண்டில் தொடங்கிய படைப்பின் நான்காவது தொகுதியை முடிக்க முடியவில்லை. இருப்பினும், இந்த சூழ்நிலை இந்த வேலையின் முக்கியத்துவத்தை எந்த வகையிலும் குறைக்கவில்லை, இதன் முக்கிய கருப்பொருள் ஆசிரியரின் கற்பனாவாத கருத்துக்கள், எதிர்காலத்தில் காரணம் மற்றும் உழைப்பின் வெற்றி பற்றிய தனது கனவை நனவாக்க முயன்றது.

எமிலி ஜோலா இலக்கியத் துறையில் தீவிரமாக பணியாற்றியது மட்டுமல்லாமல், நாட்டின் அரசியல் வாழ்விலும் ஆர்வம் காட்டினார் என்பதை கவனத்தில் கொள்ள வேண்டும். புகழ்பெற்ற ட்ரேஃபஸ் விவகாரத்தை அவர் அலட்சியப்படுத்தவில்லை (1894 ஆம் ஆண்டில், பிரெஞ்சு ஜெனரல் ஸ்டாஃப் அதிகாரி, யூதர் ட்ரேஃபஸ், உளவு பார்த்ததாக நியாயமற்ற முறையில் தண்டிக்கப்பட்டார்), இது ஜே. கெஸ்டேவின் கூற்றுப்படி, "நூற்றாண்டின் மிகவும் புரட்சிகரமான செயல்" மற்றும் முற்போக்கான பிரெஞ்சு மக்களிடமிருந்து அன்பான பதிலைக் கண்டது.

1898 ஆம் ஆண்டில், ஜோலா நீதியின் வெளிப்படையான கருச்சிதைவை அம்பலப்படுத்த முயற்சித்தார்: குடியரசுத் தலைவருக்கு "நான் குற்றம் சாட்டுகிறேன்" என்ற தலைப்பில் ஒரு கடிதம் அனுப்பப்பட்டது.

இருப்பினும், இந்த நடவடிக்கையின் விளைவு சோகமாக இருந்தது: பிரபல எழுத்தாளர் "அவதூறு" குற்றம் சாட்டப்பட்டு ஒரு வருடம் சிறைத்தண்டனை விதிக்கப்பட்டார்.

இது சம்பந்தமாக, ஜோலா நாட்டை விட்டு வெளியேற வேண்டிய கட்டாயம் ஏற்பட்டது. அவர் இங்கிலாந்தில் குடியேறினார் மற்றும் 1900 இல் ட்ரேஃபஸ் விடுவிக்கப்பட்ட பின்னர் பிரான்சுக்குத் திரும்பினார்.

1902 ஆம் ஆண்டில், எழுத்தாளர் எதிர்பாராத விதமாக இறந்தார், இறப்புக்கான உத்தியோகபூர்வ காரணம் கார்பன் மோனாக்சைடு விஷம், ஆனால் பலர் இந்த "விபத்து" முன்கூட்டியே திட்டமிடப்பட்டதாக கருதினர். இறுதிச் சடங்கில் ஒரு உரையின் போது, ​​அனடோல் பிரான்ஸ் தனது சக ஊழியரை "தேசத்தின் மனசாட்சி" என்று அழைத்தார்.

1908 ஆம் ஆண்டில், எமிலி சோலாவின் எச்சங்கள் பாந்தியனுக்கு மாற்றப்பட்டன, சில மாதங்களுக்குப் பிறகு பிரபல எழுத்தாளருக்கு மரணத்திற்குப் பின் பிரெஞ்சு அகாடமி ஆஃப் சயின்ஸின் உறுப்பினர் பட்டம் வழங்கப்பட்டது (அவரது வாழ்நாளில் அவரது வேட்புமனு சுமார் 20 முறை முன்மொழியப்பட்டது என்பதை நினைவில் கொள்க).

19 ஆம் நூற்றாண்டின் இரண்டாம் பாதியில் பிரெஞ்சு நாடகத்தின் சிறந்த பிரதிநிதிகளில், ஒரு திறமையான எழுத்தாளர், பத்திரிகையாளர் மற்றும் நாடக ஆசிரியரை குறிப்பிடலாம். அலெக்சிஸின் புலங்கள்(1847-1901). அவர் ஆரம்பத்தில் இலக்கிய படைப்பாற்றலில் ஈடுபடத் தொடங்கினார், கல்லூரியில் படிக்கும் போது அவர் எழுதிய கவிதைகள் பரவலாக அறியப்பட்டன.

பட்டம் பெற்றதும், பால் செய்தித்தாள்கள் மற்றும் பத்திரிகைகளில் பணியாற்றத் தொடங்கினார், இது தவிர, அவர் நாடகத்திலும் ஈர்க்கப்பட்டார். 1870 களின் பிற்பகுதியில், அலெக்சிஸ் தனது முதல் நாடகமான மேடமொயிசெல்லே பொம்மே (1879) எழுதினார், அதைத் தொடர்ந்து மற்ற நாடகத் தலைசிறந்த படைப்புகள்.

பால் அலெக்சிஸின் நாடக செயல்பாடு சிறந்த இயக்குநரும் நடிகருமான ஆண்ட்ரே அன்டோயினின் ஃப்ரீ தியேட்டருடன் மிக நெருக்கமாக தொடர்புடையது. ஒரு திறமையான இயக்குனரின் படைப்பு முயற்சிகளை ஆதரித்து, நாடக ஆசிரியர் அவரது சிறந்த சிறுகதையான தி எண்ட் ஆஃப் லூசி பெல்லெக்ரின் கூட அரங்கேற்றினார், இது 1880 இல் வெளியிடப்பட்டது மற்றும் 1888 இல் பாரிஸ் தியேட்டரில் அரங்கேற்றப்பட்டது.

கலைநிகழ்ச்சிகளில் இயற்கையின் தீவிர அபிமானியாக இருந்ததால், பால் அலெக்சிஸ் பிரெஞ்சு நாடக அரங்கில் யதார்த்தவாதத்திற்கு எதிரான போக்குகளை வலுப்படுத்துவதை எதிர்த்தார்.

1891 இல் எழுதப்பட்ட "தி சர்வண்ட் அபவ் அவ்ரிதிங்" நாடகத்தில் இயற்கையின் விருப்பம் வெளிப்படுத்தப்பட்டது மற்றும் சில மாதங்களுக்குப் பிறகு வெரைட்டி தியேட்டரின் மேடையில் அரங்கேறியது. சிறிது நேரம் கழித்து, அலெக்சிஸின் வழிகாட்டுதலின் கீழ், "கிம்னாஸ்" தியேட்டர் கோன்கோர்ட் சகோதரர்கள் "சார்லஸ் டெமல்லி" (1893) நாவலை அரங்கேற்றியது.

மனிதநேய நோக்கங்கள் மற்றொரு பிரபலமான பிரெஞ்சு நாடக ஆசிரியரின் படைப்புகளுடன் ஊக்கமளிக்கின்றன, எட்மண்ட் ரோஸ்டாண்ட்(1868-1918). அவரது நாடகங்கள் ஒவ்வொரு நபரின் ஆன்மீக சக்தியில் நம்பிக்கையின் காதல் கொள்கைகளை பிரதிபலித்தன. உன்னத மாவீரர்கள், நன்மை மற்றும் அழகுக்கான போராளிகள், ரோஸ்டனோவின் படைப்புகளின் ஹீரோக்களாக ஆனார்கள்.

நாடக ஆசிரியரின் அரங்கேற்றம் 1894 இல் நடந்தது, அவரது நகைச்சுவையான தி ரொமாண்டிக்ஸ் காமெடி பிரான்சேஸில் வழங்கப்பட்டது. இந்த படைப்பில், ஆசிரியர் நேர்மையான மனித உணர்வுகளின் மேன்மையைக் காட்ட முயன்றார், பார்வையாளர்களுக்கு சோகத்தையும், கடந்த காலத்திற்குச் சென்ற அப்பாவியான காதல் உலகத்திற்கு வருத்தத்தையும் வெளிப்படுத்தினார். ரொமான்டிக்ஸ் அமோக வெற்றி பெற்றது.

1897 இல் பாரிஸில் உள்ள போர்ட் செயிண்ட்-மார்ட்டின் தியேட்டரில் அரங்கேற்றப்பட்ட ரோஸ்டாண்டின் வீர நகைச்சுவை சிரானோ டி பெர்கெராக் குறிப்பாக பிரபலமானது. நாடக ஆசிரியர் ஒரு உன்னத குதிரையின் தெளிவான படத்தை உருவாக்க முடிந்தது, பலவீனமான மற்றும் புண்படுத்தப்பட்டவர்களின் பாதுகாவலர், பின்னர் அவர் பிரெஞ்சு நாடகப் பள்ளியின் சிறந்த நடிகர்களின் நடிப்பில் உண்மையான உருவகத்தைப் பெற்றார்.

கதாநாயகனின் அழகான, உன்னதமான ஆன்மா ஒரு அசிங்கமான தோற்றத்திற்குப் பின்னால் ஒளிந்துகொள்கிறது, இது அழகான ரோக்ஸான் மீதான தனது காதலை பல ஆண்டுகளாக மறைக்க அவரைத் தூண்டுகிறது, இது நாடகத்தின் கலைக் கருத்தை குறிப்பாக கடுமையானதாக ஆக்குகிறது. இறப்பதற்கு முன்புதான், சைரானோ தனது உணர்வுகளை தனது காதலிக்கு வெளிப்படுத்துகிறார்.

வீர நகைச்சுவை "சிரானோ டி பெர்கெராக்" எட்மண்ட் ரோஸ்டாண்டின் படைப்பின் உச்சம். அவரது வாழ்க்கையின் கடைசி ஆண்டில், அவர் "டான் ஜுவானின் கடைசி இரவு" என்று அழைக்கப்படும் மற்றொரு நாடகத்தை எழுதினார், மேலும் விளக்கக்காட்சியின் தன்மை மற்றும் ஒரு தத்துவக் கட்டுரையின் முக்கிய அர்த்தத்தை நினைவூட்டுகிறார்.

19 ஆம் நூற்றாண்டின் பிற்பகுதியில் - 20 ஆம் நூற்றாண்டின் முற்பகுதியில் பிரான்சின் மேடைக் கலையில் ஒரு முக்கிய பங்கை அன்டோயின் தியேட்டர் என்று அழைக்கப்பட்டது, இது பாரிஸில் சிறந்த இயக்குனர், நடிகர் மற்றும் நாடக நபரான ஆண்ட்ரே அன்டோயினால் நிறுவப்பட்டது.

புதிய தியேட்டர் மெனு-பிளீசிர் சலூன் ஒன்றின் வளாகத்தில் அதன் வேலையைத் தொடங்கியது. அவரது திறமை இளம் தோழர்களின் படைப்புகள் மற்றும் புதிய வெளிநாட்டு நாடகத்தின் சிறந்த எடுத்துக்காட்டுகளை அடிப்படையாகக் கொண்டது. அன்டோயின் தனது குழுவிற்கு நடிகர்களை அழைத்தார், அவருடன் அவர் ஃப்ரீ தியேட்டரில் பல ஆண்டுகள் பணியாற்றினார் (பிந்தையது 1896 இல் நிறுத்தப்பட்டது).

Theatre Antoine இன் பிரீமியர் தயாரிப்புகள் இளம் பிரெஞ்சு நாடக ஆசிரியர்களான Briet மற்றும் Courteline ஆகியோரின் நாடகங்களை வெற்றிகரமாக அரங்கேற்றியது.

அவரது தியேட்டரை உருவாக்கும் போது, ​​​​இயக்குநர் இலவச தியேட்டரில் பணிபுரியும் போது அவர் முன்வைத்த அதே பணிகளை தீர்க்க முயன்றார்.

பிரெஞ்சு நாடகக் கலையின் இயற்கையான பள்ளியின் கருத்துக்களை அங்கீகரித்து, அன்டோயின் இளம் பிரெஞ்சு எழுத்தாளர்களின் படைப்புகளை ஊக்குவிப்பது மட்டுமல்லாமல், புதிய வெளிநாட்டு நாடகங்களுக்கு மூலதன பார்வையாளர்களை அறிமுகப்படுத்தினார், இது பிரெஞ்சு மேடையில் அரிதாகவே தாக்கியது (அந்த நேரத்தில், நாகரீகமான வெற்று, அர்த்தமற்ற நாடகங்கள். பல பாரிசியன் திரையரங்குகளின் மேடைகளில் ஆசிரியர்கள் அரங்கேற்றப்பட்டனர்) .

கூடுதலாக, இயக்குனர் கைவினை மற்றும் "பண நாடகங்களுக்கு" எதிராக போராடினார், அது பெரிய லாபத்தை உறுதியளித்தது; அவருக்கு முதல் இடத்தில் கலை இருந்தது.

இலவச திரையரங்கில் இருந்து வேறுபட்ட புதிய ஒன்றை உருவாக்கும் முயற்சியில், அதன் நிகழ்ச்சிகளை விலையுயர்ந்த சந்தாக்களின் உரிமையாளர்களால் மட்டுமே அணுக முடியும், அன்டோயின் பரந்த பார்வையாளர்களுக்காக வடிவமைக்கப்பட்ட கட்டண நிகழ்ச்சிகளை வழங்கினார். இந்த நோக்கத்திற்காக, தியேட்டரில் மிதமான டிக்கெட் விலை அறிமுகப்படுத்தப்பட்டது, மேலும் பரந்த அளவிலான பார்வையாளர்களை ஈர்க்கும் வகையில் விரிவான தொகுப்பு அடிக்கடி புதுப்பிக்கப்பட்டது.

அன்டோயின் தியேட்டரின் பிளேபில் ஏ. ப்ரி, ஈ. ஃபேப்ரே, பி. லோடி, எல். பெனியர், ஜே. கோர்ட்லைன், எல். டிகேவ் போன்ற இளம் தோழர்களின் நாடகங்களை உள்ளடக்கியது. குறிப்பாக பிரபலமாக இருந்தன. கூடுதலாக, வெளிநாட்டு எழுத்தாளர்களின் நாடகங்கள் - இப்சன், ஹாப்ட்மேன், ஜூடோமன், ஹெயர்மன்ஸ், ஸ்ட்ரிண்ட்பெர்க் - நீண்ட காலமாக தியேட்டரின் தொகுப்பில் நீடித்தன.

1904 ஆம் ஆண்டில், ஷேக்ஸ்பியரின் கிங் லியர் அன்டோனோவ் தியேட்டரின் மேடையில் அரங்கேற்றப்பட்டது. இந்த நடிப்பு பார்வையாளர்கள் மீது அழியாத தாக்கத்தை ஏற்படுத்தியது, எதிர்காலத்தில், பல பிரெஞ்சு இயக்குனர்கள், இந்த மண் எவ்வளவு வளமானதாக இருந்தது என்பதை உணர்ந்து, நித்திய ஷேக்ஸ்பியர் நாடகத்திற்கு திரும்பியது.

1905 ஆம் ஆண்டின் தொடக்கத்தில், ஆண்ட்ரே அன்டோயினின் முன்னாள் முற்போக்கான தடயங்கள் எதுவும் இல்லை, பெருநகர பார்வையாளர்கள் மற்றும் நாடக விமர்சகர்கள் பிற்போக்கு நாடக ஆசிரியர் டி குரெலின் நாடகங்கள் மற்றும் அந்த நேரத்தில் நாகரீகமாக இருந்த அதிரடி திரைப்படங்களை அடிப்படையாகக் கொண்ட நிகழ்ச்சிகளின் தயாரிப்புகளை அலட்சியமாக வரவேற்றனர். ஒரு பிரபலமான முறுக்கப்பட்ட சதி. 1906 ஆம் ஆண்டில், இயக்குனர் தனது மூளையை விட்டு வெளியேறி, பாரிசியர்களிடையே சமமாக பிரபலமான ஓடியன் தியேட்டருக்கு செல்ல வேண்டிய கட்டாயம் ஏற்பட்டது.

ஃபிர்மின் (டோனெர்ரே) ஜெமியர் (1869-1933), பிரபல நடிகர், இயக்குனர் மற்றும் ஆற்றல்மிக்க நாடக நபரான ஆண்ட்ரே அன்டோயினின் திறமையான மாணவர், அன்டோனோவ் தியேட்டரின் தலைவராக நியமிக்கப்பட்டார். அவர் ஒரு ஏழை விடுதிக் காப்பாளரின் குடும்பத்தில் பிறந்தார். ஆரம்பத்தில் தனது தாயை இழந்ததால், ஃபிர்மான் பள்ளியை விட்டு வெளியேறி வேலைக்குச் செல்ல வேண்டிய கட்டாயம் ஏற்பட்டது.

1887 ஆம் ஆண்டில், தனியார் நாடகப் படிப்புகளில் பட்டம் பெற்ற பிறகு, ஜெமியர் ஃப்ரீ தியேட்டரில் கூடுதல் பணியைப் பெற்றார், ஆனால் விரைவில் அவர் இயக்குனரின் உத்தரவின் பேரில் பணிநீக்கம் செய்யப்பட்டார், அவர் தனது வேலையில் அதிருப்தி அடைந்தார்.

ஆயினும்கூட, ஆண்ட்ரே அன்டோயின் இயக்கத்தின் கீழ் பணி இளம் நடிகரின் திறமையின் வளர்ச்சியில் குறிப்பிடத்தக்க தாக்கத்தை ஏற்படுத்தியது. எதிர்காலத்தில், ஜெமியர் பெரும்பாலும் ஆசிரியரின் கருத்துக்களை மீண்டும் மீண்டும் கூறினார், "வழக்கமான, பாழடைந்த மற்றும் தீங்கு விளைவிக்கும் காட்சிகளை" நிராகரிப்பதை பிரச்சாரம் செய்தார். மக்களுக்கு சேவை செய்வதில் நாடக நாடகக் கலையின் நோக்கத்தை அவர் கண்டார், மேலும் அவரது அனைத்து வேலைகளும் யதார்த்தவாதத்தின் கொள்கைகளை மேம்படுத்துவதற்கு அடிபணிந்தன.

அதே நேரத்தில், உயர் மனிதநேய கொள்கைகளை பாதுகாத்து, ஜெமியர் சமூகம் மற்றும் ஒட்டுமொத்த உலக கலாச்சாரத்தின் முற்போக்கான வளர்ச்சியைத் தடுக்கும் அன்றாட வாழ்க்கையின் நிகழ்வுகளை கடுமையாக விமர்சித்தார்.

1898 ஆம் ஆண்டில், பெல்லிவில்லே தியேட்டரின் தலைமையிடமிருந்து அழைப்பைப் பெற்ற நடிகர், ஆர்வத்துடன் வேலை செய்யத் தொடங்கினார்; அவர் 1890 வரை பெல்வில்வில் தங்கினார். அதே நேரத்தில், ஜெமியர் பாரிஸ் கன்சர்வேட்டரின் நாடக வகுப்பில் நுழைய மூன்று முறை முயற்சித்தார், ஆனால் பலனளிக்கவில்லை.

மூன்று ஆண்டுகளாக (1892-1895), நடிகர் ஃப்ரீ தியேட்டரின் மேடையில் நடித்தார், பின்னர் அவருக்கு அலைந்து திரிந்த காலம் தொடங்கியது: ஜெமியர் பாரிஸில் உள்ள பல்வேறு நாடகக் குழுக்களில் பணியாற்றினார், அந்த நேரத்தில் மிகவும் பிரபலமான தியேட்டர்கள் கிம்னாஸ். , படைப்பாற்றல், அம்பிகு ”, அன்டோயின் தியேட்டர், மறுமலர்ச்சி மற்றும் சாட்லெட்.

1904 ஆம் ஆண்டின் தொடக்கத்தில், மிகைலோவ்ஸ்கி தியேட்டரின் பிரெஞ்சு குழுவின் தலைமையிடமிருந்து அழைப்பைப் பெற்ற ஜெமியர், அவரது மனைவி நடிகை ஏ. மேகருடன் சேர்ந்து செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க்கிற்குச் சென்றார். 1906 இல் அவர் தனது தாயகத்திற்குத் திரும்பியதும், அவர் அன்டுவானோவ் தியேட்டர் குழுவின் தலைவராக அழைப்பைப் பெற்றார் மற்றும் பதினைந்து ஆண்டுகள் இயக்குநராக இருந்தார்.

1921 இல் ஜெமியர் வெளியேறிய பிறகு, அன்டோயின் தியேட்டர் ஒரு மேம்பட்ட கலைக் குழுவாக அதன் முந்தைய முக்கியத்துவத்தை இழந்து, இளம் எழுத்தாளர்கள் மற்றும் முற்போக்கான புத்திஜீவிகளின் கோட்டையாக மாறியது மற்றும் ஒரு சாதாரண பெருநகர தியேட்டராக மாறியது.

ஃபிர்மின் ஜெமியர் 1900 ஆம் ஆண்டில் ஜிம்னாஸ் தியேட்டரில் பணிபுரியும் போது தனது இயக்குனராகத் தொடங்கினார். யதார்த்தமான கலையின் சிறந்த மரபுகளால் வழிநடத்தப்பட்டு, முற்போக்கான இயக்குனர் தைரியமாக சோதனை செய்தார், பார்வையாளர்களுக்கு மேடை நடவடிக்கைகளின் புதிய வடிவங்களை வழங்கினார், அதில் அவர் நாடக காட்சியை வாழ்க்கையின் முன்னோடியாக உண்மையுடன் இணைக்க முயன்றார்.

"உறைந்த கிளாசிக்ஸை" அதன் காலாவதியான இயக்க விதிகளுடன் நிராகரித்து, ஜெமியர் பொதுமக்களுக்கு வண்ணமயமான, ஆற்றல்மிக்க செயல்திறனைக் காட்ட முயன்றார், இது "கிம்னாஸ்" க்கு ஏராளமான பார்வையாளர்களை ஈர்த்தது.

பிரெஞ்சு நாடகத்தைப் புதுப்பிப்பதில் சமகால பிரெஞ்சு எழுத்தாளர்களின் கருத்தியல் படைப்புகளுக்குத் திரும்புவதே சரியான திசை என்று இயக்குனர் நம்பினார்.

ஃபேப்ரே (1901) எழுதிய "பொது வாழ்க்கை", பெக்கின் "பாரிசியன்" (1901), ஜோலாவின் "தெரேஸ் ரக்வின்" (1902), ரோலண்டின் "ஜூலை 14" (1902), "அன்டோயின் தியேட்டர் மற்றும் மறுமலர்ச்சி ஜெமியர் நாடகங்களை அரங்கேற்றினர். கிரெச்சின்ஸ்கியின் திருமணம்" சுகோவோ-கோபிலின் (1902), டால்ஸ்டாயின் "அன்னா கரேனினா" (1907), ஃபேப்ரேயின் "வெற்றியாளர்கள்" (1908).

ஷேக்ஸ்பியர் பாரம்பரியத்தால் இயக்குனர் ஈர்க்கப்பட்டார், ஹேம்லெட் (1913), தி மெர்ச்சன்ட் ஆஃப் வெனிஸ் (1916), ஆண்டனி மற்றும் கிளியோபாட்ரா (1917), தி டேமிங் ஆஃப் தி ஷ்ரூ (1918) ஆகியவற்றின் தயாரிப்புகள் பாரிசியன் மக்களால் உற்சாகமாகப் பெறப்பட்டன.

1916 ஆம் ஆண்டில் ஃபிர்மின் ஜெமியரின் நேரடி பங்கேற்புடன், ஷேக்ஸ்பியர் சொசைட்டி பிரான்சில் ஏற்பாடு செய்யப்பட்டது, இதன் நோக்கம் புகழ்பெற்ற ஆங்கில கிளாசிக் படைப்புகளை பிரபலப்படுத்துவதாகும். சிறிது நேரம் கழித்து, இந்த மனிதனின் முன்முயற்சியின் பேரில், கலைஞர்களின் தொழிற்சங்கம் உருவாக்கப்பட்டது.

1920 ஆம் ஆண்டில், மக்களுக்கு அணுகக்கூடிய ஒரு உண்மையான நாட்டுப்புற நாடகத்தை உருவாக்க வேண்டும் என்ற ஜெமியரின் நீண்டகால கனவு நனவாகியது. பாரிஸில், 4,000 பார்வையாளர்கள் அமரக்கூடிய ட்ரோகாடெரோ அரண்மனையின் அழகான மண்டபத்தில், தேசிய மக்கள் தியேட்டர் திறக்கப்பட்டது. விரைவில் அவர் மாநில அந்தஸ்தைப் பெற்றார் (கிராண்ட் ஓபரா, காமெடி ஃபிரான்சைஸ் மற்றும் ஓடியோன் ஆகியோருக்கும் இதேபோன்ற மரியாதை வழங்கப்பட்டது).

அவரது அன்பான மூளையின் தலைமையுடன் ஒரே நேரத்தில், ஜெமியர் நகைச்சுவை மாண்டெய்ன் மற்றும் ஓடியன் திரையரங்குகளின் மேடைகளில் தயாரிப்புகளை மேற்கொண்டார்.

நேஷனல் பீப்பிள்ஸ் தியேட்டர் ஆர். ரோலண்ட் "ஜூலை 14" மற்றும் "ஓநாய்கள்", "தி மேரேஜ் ஆஃப் ஃபிகாரோ" பி.ஓ. பியூமர்சாய்ஸின் நாடகங்களை அரங்கேற்றியது. ஷேக்ஸ்பியரின் நாடகங்களின் அரங்கேற்றம் தனிநபரின் மகத்துவத்தையும், அதே நேரத்தில், குற்றங்களின் பாதையில் இறங்கிய ஒரு நபரின் சோகத்தையும் உறுதிப்படுத்தியது ("வெனிஸின் வணிகர்", "ரிச்சர்ட் III").

இருப்பினும், ஜெமியர் தனது தியேட்டரை உருவாக்கும் போது கனவு கண்ட பிரபலமான வெகுஜன கண்ணாடிகளின் நிகழ்ச்சிகள், பொருள் சிக்கல்கள் மற்றும் நிகழ்ச்சிகள் காட்டப்பட்ட வளாகத்தின் பொருத்தமற்ற தன்மை ஆகியவற்றால் தடுக்கப்பட்டன.

1933 இல் ஜெமியர் இறந்த பிறகு, நேஷனல் பீப்பிள்ஸ் தியேட்டர் சிதைவடைந்தது, 1951 இல் அணியில் கீழே விவரிக்கப்படும் ஜீன் விலாரின் வருகையுடன் மட்டுமே அவர் ஒரு புதிய வாழ்க்கையைக் கண்டார்.

ஃபிர்மின் ஜெமியர் எதிர்கால தலைமுறை நடிகர்களின் கல்விக்கு சிறப்பு கவனம் செலுத்தினார். இந்த நோக்கத்திற்காக, 1920 ஆம் ஆண்டில், அவரது முன்முயற்சியின் பேரில், அன்டோயின் தியேட்டரில் நாடக கன்சர்வேட்டரி திறக்கப்பட்டது, அதில் இளம் திறமைகள் நவீன நடிப்பு முறைகளைக் கற்றுக்கொண்டன.

பாரிஸ் கன்சர்வேட்டரிக்கு மாறாக, பிரகடனம் கற்பித்தலின் அடிப்படையாக இருந்தது, ஜெமியர் பள்ளி, பழைய நாடக மரபுகளை நிராகரிப்பதை வலியுறுத்தியது.

1926 ஆம் ஆண்டில், பிரபல நடிகரும் இயக்குனரும் உலக தியேட்டர் சொசைட்டியைக் கண்டுபிடிக்க முயன்றனர், அதன் செயல்பாடுகளில் சர்வதேச திருவிழாக்கள், சுற்றுப்பயணங்கள் மற்றும் அனைத்து வகையான படைப்பு மாநாடுகளும் அடங்கும், ஆனால் பயனில்லை.

1928 இல், ஜெமியர் இரண்டாவது முறையாக ரஷ்யாவிற்கு விஜயம் செய்தார். தலைநகரின் குழுக்களின் சக ஊழியர்களுடன் மாஸ்கோவில் நடந்த சந்திப்புகள் ரஷ்ய நடிகர்கள் மற்றும் இயக்குனர்களின் உயர் மட்ட திறமையை அவருக்கு நிரூபித்தன. பயணம் மிகவும் கல்வியாக மாறியது.

ஃபிர்மின் ஜெமியரின் பணியின் முதிர்ந்த காலம் முற்போக்கான யோசனைகள் மற்றும் தைரியமான அபிலாஷைகளை செயல்படுத்துவதன் மூலம் வகைப்படுத்தப்பட்டது, இது இலவச தியேட்டரில் அவர் பணிபுரிந்த நாட்களில் இருந்து பாதுகாக்கப்படுகிறது.

பல்துறை திறமை நடிகரை பல்வேறு வகைகளின் தயாரிப்புகளில் விளையாட அனுமதித்தது, மேடையில் கூர்மையான பண்பு, சோகமான அல்லது பாடல் வரிகளை உருவாக்க, மேலும் நையாண்டி நாடகங்களில் நகைச்சுவை கதாபாத்திரங்களின் பாத்திரத்தில் நடிக்கவும் அனுமதித்தது.

"வக்கீல் பாட்லென்" என்ற கேலிக்கூத்தலில் பாட்லெனாகவும், ஷில்லரின் நாடகமான "டான் கார்லோஸ்" இல் பிலிப் II ஆகவும் ஜெமியரின் மிக வெற்றிகரமான பாத்திரங்களை நாடக விமர்சகர்கள் அங்கீகரித்தனர்.

ஜாரியின் கிங் உபுவில் உபுவின் படங்கள், டால்ஸ்டாயின் அன்னா கரெனினாவின் தயாரிப்பில் உள்ள ஆன்மா இல்லாத பொறாமை கொண்ட கரேனின், மோலியரின் தி டிரேட்ஸ்மேன் இன் தி நோபிலிட்டியில் ஜோவியல் ஜோர்டெய்ன், ஷேக்ஸ்பியரின் தி மெர்ச்சன்ட் ஆஃப் வெனிஸில் ஷைலாக், பிலிப் பிரிடோஸ் இன் தி லைஃப் போன்ற படங்கள் கவர்ச்சிகரமானவை அல்ல. ஓ. பால்சாக்.

எவ்வாறாயினும், நவீன நாடக ஆசிரியர்களின் படைப்புகளின் நாடகங்களில் சாதாரண மக்களின் உருவங்களை ஜெமியர் தானே தனது சிறந்த படைப்புகளாகக் கருதினார், ஒரு சிறந்த படைப்பு வெற்றி (தி வீவர்ஸில் தொழிலாளி பாமர்ட், ஹாப்ட்மேன் எழுதிய பாப்பிலன், தி ஃபேர் லியோன் நாடகத்தில் ஸ்டோன்மேசன் பாப்பிலன் , முதலியன). ஒப்பனையின் மீறமுடியாத மாஸ்டர், ஃபிர்மின் ஜெமியர் தனது தோற்றத்தை அடையாளம் காண முடியாத அளவுக்கு மாற்ற முடிந்தது. அவரது சிறப்பியல்பு திறமை மற்றும் சிறந்த தொழில்நுட்ப திறன் ஆகியவை மேடையில் உணர்ச்சிகரமான மாறும் படங்களை உருவாக்குவதை சாத்தியமாக்கியது, அதில் கதாபாத்திரங்களின் பாத்திரங்கள் நுட்பமான நுணுக்கங்களில் பிரதிபலிக்கின்றன.

ஜெமியரின் அசைவுகள் மற்றும் சைகைகள் உள்ளுணர்வுகளை விட குறைவான வெளிப்பாடாக இல்லை. சக ஊழியர்களின் கூற்றுப்படி, இந்த நடிகர் "மிகவும் இயல்பானவர்." ஃபிர்மின் ஜெமியர் சினிமாவில் தனது விளையாட்டின் இந்த அம்சங்களை இழக்கவில்லை, அங்கு ஓடியன் தியேட்டரை விட்டு வெளியேறிய பிறகு 1930 இல் அவரது வாழ்க்கை தொடங்கியது.

திறமையான நடிகை சாரா பெர்ன்ஹார்ட்டின் (1844-1923) செயல்பாடு பிரெஞ்சு மேடைக் கலையின் வரலாற்றில் மிகவும் முக்கியமானது. சிறுவயதில் நாடகத்தால் எடுத்துச் செல்லப்பட்ட அவர், மேடையை தனது வாழ்க்கையின் முக்கிய தொழிலாக ஆக்கினார்.

பாரிஸ் கன்சர்வேட்டரியில் நடிப்பு வகுப்புகளில் பட்டம் பெற்ற பிறகு, சாரா பெர்னார்ட் மேடையில் பணியாற்றத் தொடங்கினார்.

தொழில்முறை மேடையில் (காமெடி ஃபிரான்சைஸ் தியேட்டரில்) ஒரு திறமையான இளம் நடிகையின் அறிமுகம் 1862 இல் நடந்தது. ரேசின் "இபிஜீனியா இன் ஆலிஸ்" நாடகத்தை அடிப்படையாகக் கொண்ட நடிப்பில் அவர் முக்கிய கதாபாத்திரத்தில் நடித்தார். இருப்பினும், ஒரு தோல்வியுற்ற செயல்திறன் பெர்னார்ட்டை காமெடி ஃபிரான்சைஸை விட்டு வெளியேறும்படி கட்டாயப்படுத்தியது. இதைத் தொடர்ந்து 1862 முதல் 1872 வரை நீடித்த ஆக்கப்பூர்வமான தேடல் காலம். இந்த நேரத்தில், சாரா கிம்னாஸ், போர்ட் செயிண்ட்-மார்ட்டின் மற்றும் ஓடியோன் ஆகிய இடங்களில் பணிபுரிந்தார். இந்த திரையரங்குகளின் மேடைகளில் நடிகை நடித்த மிகவும் வெற்றிகரமான பாத்திரங்கள் கோப்பின் நாடகமான பாஸர்பியில் ஜானெட்டோ, விக்டர் ஹ்யூகோவின் ரூய் பிளாஸில் ராணி மற்றும் அதே ஆசிரியரின் ஹெர்னானியில் டோனா சோல்.

1872 ஆம் ஆண்டில், சாரா பெர்னார்ட் காமெடி ஃபிரான்சைஸின் நிர்வாகத்திடமிருந்து ஒரு வாய்ப்பைப் பெற்றார், மேலும் இந்த தியேட்டரின் மேடையில் மீண்டும் நடிக்கத் தொடங்கினார். இங்கே, எட்டு ஆண்டுகளாக, நடிகை ரேசின் மற்றும் வால்டேரின் நகைச்சுவைகளில் முன்னணி பாத்திரங்களில் நடித்தார், தனது சொந்த தியேட்டரை உருவாக்க வேண்டும் என்று கனவு கண்டார்.

1880 ஆம் ஆண்டில், சாரா பெர்ன்ஹார்ட் இரண்டாவது முறையாக காமெடி ஃபிரான்சைஸை விட்டு வெளியேறினார், முதலில் போர்ட் செயிண்ட்-மார்ட்டின் தியேட்டர் மற்றும் மறுமலர்ச்சியின் நடிப்பு குழுக்களுக்கு தலைமை தாங்கினார். 1898 ஆம் ஆண்டில், புதிய சாரா பெர்னார்ட் தியேட்டரின் சுவரொட்டிகள் பாரிஸின் தெருக்களில் தோன்றியபோதுதான் அவரது கனவுகள் நனவாகும்.

ஒரு திறமையான நடிகையின் பொருத்தமற்ற திறமை, முதன்மையானது, சிறந்த வெளிப்புற நுட்பம், அவரது மேடை வாழ்க்கையின் வளர்ச்சிக்கு பங்களித்தது. இதில்தான் பிரபல சாராவின் அமோக வெற்றிக்கான காரணத்தை நாடக விமர்சகர்கள் கண்டனர்.

தனது தியேட்டரின் தயாரிப்புகளில் பெண் வேடங்களை நன்கு சமாளித்து, நடிகை ஆண் வேடங்களை விரும்பினார், குறிப்பாக ஷேக்ஸ்பியரின் அதே பெயரில் நாடகத்தில் ஹேம்லெட்டின் பாத்திரம். இருப்பினும், சாரா பெர்ன்ஹார்ட்டின் நடிப்புத் திறனின் உச்சம் அலெக்ஸாண்ட்ரே டுமாஸின் மகன் "தி லேடி ஆஃப் தி கேமிலியாஸ்" நாடகத்தில் மார்குரைட் கௌதியர் பாத்திரம். E. ஸ்க்ரைப் எழுதிய "Adrienne Lecouvreur" என்ற மெலோட்ராமாவில் கதாநாயகி பெர்னார்ட் மறக்க முடியாதவர்.

பல நாடக ஆசிரியர்கள் தங்கள் நாடகங்களை பெர்னார்ட்டிற்காக குறிப்பாக உருவாக்கினர், திறமையான நடிகை, தனது அற்புதமான நாடகத்தால், பார்வையாளர்களை கதாபாத்திரங்களின் தலைவிதியை உணர வைக்கும், ஆசிரியர்களின் பெயர்களை மகிமைப்படுத்த முடியும் என்ற நம்பிக்கையில். எனவே, சாரா பெர்னார்ட் தியேட்டருக்கு குறிப்பாக நாடக ஆசிரியர் சர்டோ எழுதிய "கிளியோபாட்ரா" மற்றும் "ஃபேட்ரா" என்ற மெலோடிராமாக்கள் சாராவின் தயாரிப்புகளில் பங்கேற்பதற்காக வடிவமைக்கப்பட்டுள்ளன.

1890 களின் நடுப்பகுதியில், நடிகையின் தொகுப்பில் ஏராளமான பாத்திரங்கள் இருந்தன, அதில் மிகவும் வெற்றிகரமான நாடக விமர்சகர்கள் ரோஸ்டாண்டின் நவ-காதல் நாடகங்களில் சாரா உருவாக்கிய படங்களை அழைத்தனர் (இளவரசி மெலிசாண்டே, தி ஈகிள்ட்டில் டியூக் ஆஃப் ரீச்ஸ்டாட், நாடகத்தில் லோரென்சாசியோ. அதே பெயரில்).

சாரா பெர்ன்ஹார்ட், உலக நாடகக் கலையின் வரலாற்றில் மாறுபட்ட பாத்திரங்களின் திறமையான நடிகராக இறங்கினார், நடிப்புத் திறனுக்கு, அடைய முடியாத இலட்சியத்திற்கு என்றென்றும் உயர்ந்த எடுத்துக்காட்டாக இருப்பார்.

20 ஆம் நூற்றாண்டின் முதல் தசாப்தங்கள், உலகின் பெரும்பாலான நாடுகளின் அரசியல் வாழ்க்கையில் கொந்தளிப்பான நிகழ்வுகளால் குறிக்கப்பட்டன, இந்த மாநிலங்களின் கலாச்சார வாழ்க்கையில், குறிப்பாக நாடகக் கலையில் ஓரளவு எதிர்மறையான தாக்கத்தை ஏற்படுத்தியது.

முதல் உலகப் போரின் முடிவில் ஏற்பட்ட தற்காலிக நிலைப்படுத்தலின் காலம் பிரான்சில் நாடக நடவடிக்கைகளின் மறுமலர்ச்சிக்கு பங்களித்தது.

20 ஆம் நூற்றாண்டின் பெரும்பாலான ஃபிரெஞ்சு திரையரங்குகளின் திறமைகள் அசாதாரணமான பரந்த வரம்பால் வகைப்படுத்தப்பட்டன: கிளாசிக்கல் சோகம், காதல் நாடகம் மற்றும் இடைக்காலத்தின் நகைச்சுவை ஆகியவற்றின் தலைசிறந்த படைப்புகள் மீண்டும் மேடையில் பொதிந்தன. ஆனால் அது பின்னர் இருந்தது, ஆனால் இப்போதைக்கு பிரெஞ்சு தியேட்டர் பெரும்பாலும் பொழுதுபோக்காகவே இருந்தது.

பிரான்சில் போருக்குப் பிந்தைய காலகட்டத்தில், பெருநகர பொதுமக்களின் நலன்களை மையமாகக் கொண்டு, சட்டப்பூர்வமாக்கப்பட்ட முத்திரைகள், நேர்த்தியான மிஸ்-என்-காட்சிகளின் கலையை வலியுறுத்தும் வணிக அரங்கின் மறுமலர்ச்சி ஏற்பட்டது.

1920 களில், பாரிஸின் வணிகத் திரையரங்குகளில், ஒரு நாடகத்தின் கொள்கை ஒரு தலைவராக அறிவிக்கப்பட்டது, நிகழ்ச்சி பிரபலமாக இருக்கும் வரை பல மாலைகள் மேடையில் ஓடியது. எதிர்காலத்தில், நாடகம் தியேட்டர் தொகுப்பிலிருந்து அகற்றப்பட்டது, அது புதியதாக மாற்றப்பட்டது, இது ஒவ்வொரு மாலையும் அரங்கேற்றப்பட்டது.

பாரிசியன் மக்களை மகிழ்விக்கும் அவர்களின் விருப்பத்தில், கிம்னாஸ், மறுமலர்ச்சி, போர்ட் செயிண்ட்-மார்ட்டின், ஹெபர்டோ, வாட்வில்லே மற்றும் பிற பவுல்வர்டு தியேட்டர்களின் நடிகர்கள் எந்த வழியையும் தவிர்க்கவில்லை, ஆபாசமான சதி மற்றும் மலிவான நாடக தந்திரங்கள் கூட பயன்படுத்தப்பட்டன.

நாடகத் திறன்களின் ரகசியங்களில் சிறந்த தேர்ச்சி, முந்தைய தலைமுறை நடிகர்களிடமிருந்து பெறப்பட்ட விசித்திரமான முத்திரைகள், 20 ஆம் நூற்றாண்டில் மேடையில் வெற்றிகரமான நிகழ்ச்சிகளுக்கு முக்கியமாகும். பிளாஸ்டிசிட்டி, வெளிப்பாடு, சிறந்த பேச்சு மற்றும் குரலின் திறமையான கட்டளை ஆகியவை நடிப்பு படைப்பாற்றலின் குறிக்கோளாக மாறியது.

அதே நேரத்தில், டேப்லாய்டு நடிகர்களில் உயர் தொழில்முறை எஜமானர்களும் இருந்தனர், அவர்களின் நடிப்பு பாணியின் உயர் உணர்வால் வேறுபடுத்தப்பட்டது. 20 ஆம் நூற்றாண்டின் முதல் பாதியில் பிரெஞ்சு கலை உலகின் மிகவும் குறிப்பிடத்தக்க நபர்களில், கிட்ரியின் தந்தையும் மகனும் சிறப்பு கவனம் செலுத்த வேண்டியவர்கள்.

பிரபல நடிகர் மற்றும் நாடக ஆசிரியர் லூசியன் கிட்ரி(1860-1925) பாரிஸில் பிறந்தார். 1878 இல் கன்சர்வேட்டரியில் பட்டம் பெற்ற பிறகு, அவர் ஜிம்னாஸ் தியேட்டரின் குழுவில் சேர்ந்தார் - அவரது மேடை செயல்பாடு இப்படித்தான் தொடங்கியது.

பதினெட்டு வயதான நடிகர் A. Dumas-son "The Lady of the Camellias" நாடகத்தை அடிப்படையாகக் கொண்ட நாடகத்தில் அர்மண்ட் பாத்திரத்தில் அறிமுகமானார். லூசியனின் வெற்றிகரமான செயல்திறன் மிகைலோவ்ஸ்கி தியேட்டரின் பிரஞ்சு குழுவின் தலைமையால் குறிப்பிடப்பட்டது, விரைவில் இளம் திறமை ஏற்கனவே செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க்கிற்கு அவசரமாக இருந்தது.

திறமையான நடிகர் மிகைலோவ்ஸ்கி தியேட்டரில் பல நாடக பருவங்களைக் கழித்தார், மேலும் 1891 இல் பாரிஸுக்குத் திரும்பியதும், ஓடியோன், போர்ட் செயிண்ட்-மார்ட்டின் மற்றும் பல போன்ற பல பவுல்வர்டு திரையரங்குகளின் மேடைகளில் நடிக்கத் தொடங்கினார்.

1898-1900 ஆம் ஆண்டில், லூசியன் கிட்ரி திறமையான நடிகை ஜி. ரேஜாமுடன் இணைந்து பணியாற்றினார், ரோஸ்டாண்டின் நாடகமான "ஈகிள்ட்" (லூசியன் ஃபிளாம்பியூவின் பாத்திரத்தில் நடித்தார்) இந்த டூயட்டின் பங்கேற்பு தயாரிப்புக்கு முன்னோடியில்லாத வெற்றியைக் கொண்டு வந்தது.

1910 இல் வணிகத் திரையரங்குகளில் ஒன்றின் மேடையில் அரங்கேற்றப்பட்ட "சாண்டெக்ளீர்" நாடகத்தில் எல். கிட்ரியின் வேலை குறைவான சுவாரஸ்யமானது. கட்டுப்படுத்தப்பட்ட மனோபாவத்தின் நடிகராக இருந்தபோதிலும், லூசியன் மேடையில் ஒரு தெளிவான மாறும் படத்தை உருவாக்க முடிந்தது.

ஏழு ஆண்டுகளுக்குப் பிறகு, எல். கிட்ரி தனது நாடகப் படைப்புகளான "தாத்தா" மற்றும் "தி ஆர்ச்பிஷப் அண்ட் ஹிஸ் சன்ஸ்" ஆகியவற்றை பொதுமக்களுக்கு வழங்கினார், "போர்ட்-செயின்ட்-மார்ட்டின்" தியேட்டரின் மேடையில் நிகழ்ச்சிகள் மிகவும் வெற்றிகரமாக மாறியது.

1919 ஆம் ஆண்டில், அலெக்ஸாண்ட்ரே கிட்ரியின் நாடகத்தை அடிப்படையாகக் கொண்ட ஒரு நாடகத்தில் லூசியன் தனது முதல் பாத்திரத்தை நிகழ்த்தினார். எதிர்காலத்தில், தந்தை தனது மகன் குறிப்பாக அவருக்காக எழுதிய படைப்புகளில் பல பாத்திரங்களை வகித்தார் - “பாஸ்டர்”, “என் தந்தை சொல்வது சரிதான்”, “பெரங்கர்”, “ஜாக்குலின்”, “வரலாறு எப்படி எழுதப்பட்டது”.

லூசியன் கிட்ரி தனது வாழ்க்கையின் கடைசி நாட்கள் வரை மேடையில் நிகழ்ச்சிகளை தொடர்ந்தார்; அவரது விளையாட்டு, உண்மைத்தன்மை, பண்புகளின் லாகோனிசம், பாதிப்பிற்கு அந்நியமானது, 1925 வரை மக்களை மகிழ்வித்தது.

அவரது வாழ்க்கையின் கடைசி ஆண்டுகளில், நடிகர் மோலியரின் நகைச்சுவைகளில் தெளிவான, மறக்கமுடியாத படங்களை உருவாக்கினார் - தி மிசாந்த்ரோப்பில் அல்செஸ்ட், அதே பெயரில் நாடகத்தில் டார்டஃப் மற்றும் தி ஸ்கூல் ஃபார் வைவ்ஸில் அர்னால்ஃப்.

XX நூற்றாண்டின் முதல் பாதியில் அனுபவித்த அவரது தந்தையை விட குறைவான பிரபலம் இல்லை சாஷா (அலெக்சாண்டர்) கிட்ரி(1885-1957), திறமையான பிரெஞ்சு நாடக மற்றும் திரைப்பட நடிகர், பிரபல எழுத்தாளர் மற்றும் நாடக ஆசிரியர்.

கிட்ரி-மகனின் குழந்தைப் பருவத்தில் நாடக வாழ்க்கையின் பிரகாசமான சூழ்நிலை நாடகத்தின் மீதான அவரது ஆர்வத்திற்கு பங்களித்தது, இலக்கியத் துறை இளம் அலெக்சாண்டருக்கு குறைவான கவர்ச்சிகரமானதாகத் தெரியவில்லை, குறிப்பாக சாஷாவின் ஆரம்பகால படைப்புகள் வெற்றிகரமாக இருந்ததால்.

அவரது தொழில்முறை இலக்கிய செயல்பாடு 1901 இல் தொடங்கியது, "தி பக்கம்" என்ற தலைப்பில் முதல் நாடகம் வெளியிடப்பட்டது, சிறிது நேரம் கழித்து பாரிஸ் மறுமலர்ச்சி தியேட்டரின் மேடையில் அரங்கேற்றப்பட்டது. படிப்படியாக, சாஷா கிட்ரி "டேப்ளாய்டு நாடகத்தின்" முன்னணி பிரதிநிதிகளில் ஒருவரானார். ஏறக்குறைய அவரது அனைத்து நாடகங்களும், அவற்றில் 120 க்கும் மேற்பட்டவை இருந்தன, அவை பல்வேறு பெருநகர திரையரங்குகளின் தொகுப்பில் சேர்க்கப்பட்டுள்ளன.

நகைச்சுவையான, சற்றே சிடுமூஞ்சித்தனமான மற்றும் மேலோட்டமான, ஆனால் அதே நேரத்தில் பொழுதுபோக்கு நடவடிக்கைகளுடன் கிட்ரி-சனின் நாடகங்கள் பெரும்பாலான பெருநகர மக்களிடையே எப்போதும் பிரபலமாக இருந்தன, அவர்கள் தியேட்டரில் பொழுதுபோக்கு சாதனமாக மட்டுமே பார்த்தார்கள்.

சாஷா கிட்ரியின் பல வியத்தகு படைப்புகள் விபச்சாரத் திட்டங்களில் கசப்பான சூழ்நிலைகள், பல்வேறு வகையான வேடிக்கையான அபத்தங்கள் ஆகியவற்றுடன் கட்டப்பட்டுள்ளன. அட் தி சோக்ஸ் (1906), ஸ்கேன்டல் அட் மான்டே கார்லோ (1908), தி நைட் வாட்ச்மேன் (1911), பொறாமை (1915), கணவன், மனைவி மற்றும் காதலன் (1919), ஐ லவ் யூ" (1919) ஆகிய நாடகங்கள் இவை.

கூடுதலாக, இந்த நாடக ஆசிரியர் "வியத்தகு சுயசரிதைகள்" என்று அழைக்கப்படும் பல சுயசரிதை படைப்புகளை எழுதினார் - "ஜீன் லாஃபோன்டைன்", "டெபுரோ", "பாஸ்டர்", "பெரங்கர்", "மொஸார்ட்", முதலியன.

1902 ஆம் ஆண்டில், சாஷா கிட்ரி ஒரு திறமையான நடிகராக புகழ் பெற்றார். மறுமலர்ச்சி அரங்கில் அவரது நிகழ்ச்சிகள் முன்னோடியில்லாத வெற்றியைப் பெற்றன. மிக விரைவில், நடிகர் தனது மேடை வேலை பாணியை உருவாக்கினார் - லேசான மகிழ்ச்சியான கலை பாணி, மிதமான உண்மையான மற்றும் கசப்பான, பார்வையாளர்களுக்கு தியேட்டரில் வேடிக்கையாக இருக்கும் வாய்ப்பை வழங்குகிறது.

சாஷா கிட்ரி தனது சொந்த நாடகங்களில் வசீகரமான கவர்ச்சியாளர்களின் பாத்திரங்களுக்கு மிகவும் பிரபலமானவர்: அவர் தனது ஹீரோவைப் பக்கத்தில் இருந்து நயவஞ்சகமாகப் பார்ப்பது போல, சிறிய முரண்பாட்டுடன் அவற்றை நிகழ்த்தினார்.

இரண்டாம் உலகப் போரின் போது நாஜிக்களுடன் ஒத்துழைத்தது கிட்ரி-மகனின் நற்பெயருக்கு ஒரு இருண்ட இடம். 1945 இல் அவர் சிறையில் அடைக்கப்பட்டார், ஆனால் விரைவில் அவர் விடுவிக்கப்பட்டார் மற்றும் நாடக ஆசிரியராக தனது பணியைத் தொடர்ந்தார்.

1949 ஆம் ஆண்டில், கிட்ரி இரண்டு நாடகங்களை எழுதினார் - "டோவா" மற்றும் "யூ சேவ்ட் மை லைஃப்", சிறிது நேரம் கழித்து வெரைட்டி தியேட்டரில் காட்டப்பட்டது. 1951 ஆம் ஆண்டில், அதே தியேட்டரின் மேடையில், சாஷா கிட்ரியின் “மேட்னஸ்” இன் பிரீமியர் திரையிடல் நடந்தது, அந்த நேரத்தில் அவர் சினிமாவால் கொண்டு செல்லப்பட்டார் (அவர் 1950 களின் படங்களில் பல வேடங்களில் நடித்தார்).

20 ஆம் நூற்றாண்டின் முதல் பாதியில் கல்வி மேடையின் கோட்டை அதன் பாரம்பரிய மேடைக் கோட்பாடுகள் மற்றும் கிளாசிக்கல் திறமைகளுடன் அதே நகைச்சுவை ஃபிரான்சைஸாகவே இருந்தது. இந்த சூழ்நிலையானது பிரான்சின் மிகப்பெரிய அரச அரங்கை ஒரு வகையான தியேட்டர்-அருங்காட்சியகமாக மாற்றுவதற்கு பங்களித்தது, இது ஒருபுறம் பிரபலமான பவுல்வர்டு தியேட்டர்களை எதிர்த்தது, மறுபுறம் பெரும்பாலான நாடக நபர்களின் புதுமையான அபிலாஷைகள்.

நகைச்சுவை ஃபிரான்சைஸின் வரலாற்றில் 1918 முதல் 1945 வரையிலான காலம் பொதுவாக மூன்று நிலைகளாக பிரிக்கப்பட்டுள்ளது. அவற்றில் முதலாவது, 1918 முதல் 1936 வரை, பொது நிர்வாகி எமிலி ஃபேப்ரே தலைமையில், இரண்டாவது, 1936 முதல் 1940 வரை, எட்வார்ட் போர்டெட்டின் செயலில் பணியால் குறிக்கப்பட்டது, மூன்றாவது, 1940 முதல் 1945 வரை, வேலையால் குறிக்கப்பட்டது. முதலில் Jacques Copeau, பின்னர் Jean Louis Vaudoyer.

காமெடி ஃபிராங்காய்ஸின் அனைத்து தலைவர்களும் தியேட்டரை ஒரு "முன்மாதிரியான நிலை" மட்டத்தில் வைத்திருக்க பாடுபட்டனர், ஆனால் புதிய சமூக யோசனைகள் மற்றும் கலைத் துறையில் தேடல்கள் நாடகத்தின் உள் வாழ்க்கையில் சீராக ஊடுருவின.

1921 ஆம் ஆண்டில், இயக்குனர் ஜார்ஜஸ் பெர் காமெடி ஃபிரான்சைஸின் மேடையில் மோலியரின் டார்டஃப்பை மீண்டும் வழங்க முயன்றார்: நாடகத்தின் செயல், இப்போது ஆர்கானின் வீட்டில், இப்போது தெருவில், இப்போது தோட்டத்தில், முன்பு நடைமுறையில் இருந்த கொள்கையை அழித்தது. இடத்தின் ஒற்றுமை மற்றும் காலத்தின் ஒற்றுமையை புறக்கணித்தது.

இருந்தபோதிலும், அந்த சகாப்தத்தின் உணர்வோடு ஒத்துப்போகும் புதிய உள்ளடக்கத்துடன் கிளாசிக்கல் படைப்பை நிரப்ப இயக்குனர் தவறிவிட்டார். இதன் விளைவாக, பர்ரின் அனுபவம் மேலும் நாடக தயாரிப்புகளில் உருவாக்கப்படவில்லை.

1933 ஆம் ஆண்டின் இறுதியில், இ. ஃபேப்ரே காமெடி ஃபிரான்சைஸில் ஷேக்ஸ்பியரின் கோரியோலானஸை அரங்கேற்றினார். நவீன யதார்த்தங்களுடன் (ஜெர்மனியில் நாஜிக்களின் வெற்றி) தொடர்புகளைத் தூண்டிய செயல்திறன், நம்பமுடியாத புகழ் பெற்றது. இது பிரதான நடிகர்களான ரெனே அலெக்சாண்டர் (1885-1945) மற்றும் ஜீன் ஹெர்வ் (1884-1962) ஆகியோரின் சிறந்த நடிப்பால், சர்வாதிகார ரோமானிய ஆட்சியாளர் கோரியோலானஸின் உருவத்தை வெவ்வேறு வழிகளில் விளக்கினர்.

புகழ்பெற்ற நாடக ஆசிரியர், பல "நடவடிக்கைகளின் நகைச்சுவை" ஆசிரியர் எட்வார்ட் போர்டே, "காமெடி ஃபிரான்கெய்ஸ்" இன் தலைவரான எமிலி ஃபேப்ரேவை மாற்றினார், பழமையான பிரெஞ்சு தியேட்டர் திறமையை புதுப்பிக்க வேண்டும் என்பதை நன்கு அறிந்திருந்தார். நம் காலத்தின் கடுமையான பிரச்சனைகள்.

இந்த சிக்கல்களைத் தீர்க்க, நாடகக் கலையின் மேம்பட்ட நபர்கள், யதார்த்தமான தியேட்டரின் ஆதரவாளர்கள், இயக்குனர் ஜாக் கோப்யூ மற்றும் அவரது மாணவர்கள், கார்டெல் ஆஃப் ஃபோர் நிறுவனர்கள், சார்லஸ் டுலின், லூயிஸ் ஜூவெட் மற்றும் காஸ்டன் பேட்டி ஆகியோர் காமெடி ஃபிராங்காய்ஸுக்கு அழைக்கப்பட்டனர்.

நன்கு அறியப்பட்ட இயக்குனர், நடிகர், நாடக ஆசிரியர், தியேட்டரில் பல தத்துவார்த்த படைப்புகளை எழுதியவர், ஜாக் கோபியோ, பழமையான தியேட்டரின் கிளாசிக்கல் திறமைகளை நவீன யதார்த்தங்களுக்கு மாற்றியமைக்க முயன்றார். மோலியர், ரேசின், டுமாஸ் மகன் மற்றும் பிறரின் படைப்புகளின் முக்கிய யோசனைகளை மறுபரிசீலனை செய்ய அவர் விரும்பினார்.

ரேசினின் "பயாசெட்" தயாரிப்பில் 1937 இல் பணிபுரிந்த கோபே, நடிகர்களுக்கு மிகவும் கட்டுப்படுத்தப்பட்ட பாராயணத்தைக் கற்றுக் கொடுத்தார், அதிகப்படியான மெல்லிசையிலிருந்து விடுபட்டார், அதே நேரத்தில் ரேசினின் வசனத்தின் அழகைக் கெடுக்கவில்லை.

பகட்டான இயற்கைக்காட்சி மற்றும் உடைகள், நடிகர்களின் பேச்சு, நடிப்பின் திறமை மட்டுமல்ல, அவர்களின் கதாபாத்திரங்களின் ஆழமான உணர்வுகளை வெளிப்படுத்தும் திறனும் - இவை அனைத்தும் காமெடி ஃபிரான்சைஸ் தியேட்டரின் பாரம்பரிய கலையில் புதிய போக்குகளின் வளர்ச்சிக்கு சாட்சியமளித்தன. .

Moliere இன் The Misanthrope இன் அரங்கேற்றமும் ஒரு புதிய வழியில் ஒலித்தது. பிரெஞ்சு மற்றும் உலக கிளாசிக்ஸின் சிறந்த தலைசிறந்த படைப்புகளுக்கு கோபேவின் வேண்டுகோள், கிளாசிக்கல் கலை, நிறுவப்பட்ட கிளிச்களிலிருந்து விடுபட்டது, ஒவ்வொரு நாட்டின் ஆன்மீக பாரம்பரியத்தின் ஒருங்கிணைந்த பகுதியாகும் என்பதை முழுமையாக நிரூபிக்க முடிந்தது.

அதே நேரத்தில், நாடக நடிகர்களில் ஒரு பகுதியினர் பாரம்பரிய திறமைகளை பாதுகாக்க முயன்றனர், நடிகர்களின் தொழில்முறை திறன்களை மட்டுமே வெளிப்படுத்தும் நிகழ்ச்சிகளை நடத்தினார்கள். அத்தகைய தயாரிப்புகளில் ரேசினின் பேட்ரா, மோலியர்ஸ் ஸ்கூல் ஆஃப் ஹஸ்பண்ட்ஸ், ஏ. டுமாஸின் மகனின் டெனிஸ் மற்றும் சில.

காமெடி ஃபிரான்சைஸின் ஆக்கப்பூர்வமான தேடலில் மூன்றாவது திசையை வழிநடத்திய ஜே. கோபியூவின் ஆதரவாளர்கள், பிரான்சில் உள்ள பழமையான தியேட்டரை சமூகப் போராட்டத்தில் குறிப்பிடத்தக்க காரணியாக மாற்ற விருப்பம் தெரிவித்தனர்.

எனவே, காஸ்டன் பாட்டியின் முன்முயற்சியில், காமெடி ஃபிரான்சைஸின் மேடையில் பல நிகழ்ச்சிகள் நடத்தப்பட்டன. அவற்றுள் A. Musset (1937) எழுதிய "Candlestick" மற்றும் A. R. Lenormand (1937) எழுதிய "Samum" ஆகியவை அடங்கும். இந்த நிகழ்ச்சிகள் ஒரு புதிய பாணியிலான நடிப்புக்கான பாதையில் அடுத்த படியாக இருந்தன, இது உளவியல் நாடகத்தின் கண்டுபிடிப்புகளுடன் நடிப்பை நன்கு அறிந்ததற்கு பங்களித்தது.

சார்லஸ் டுலின், பியூமர்சாய்ஸின் நகைச்சுவைத் திரைப்படமான தி மேரேஜ் ஆஃப் ஃபிகாரோ (1937) காமெடி ஃபிரான்சைஸின் மேடையில் ஒரு புதிய வழியில் வழங்கினார். இந்த நடிப்பில், நடிகர்கள் தங்கள் உயர் திறமையை மட்டும் வெளிப்படுத்த முடிந்தது, ஆனால் நாடகத்தின் ஆழமான சமூக மற்றும் உளவியல் அடுக்குகளை வெளிப்படுத்தவும் முடிந்தது.

1937 ஆம் ஆண்டில் லூயிஸ் ஜூவெட்டின் முன்முயற்சியின் பேரில் பி. கார்னெய்லின் "காமிக் இல்யூஷன்" அரங்கேற்றம், நடிப்புத் தொழிலை மகிமைப்படுத்தும் விருப்பமான ஃபிலிஸ்டைன் மற்றும் படைப்பாற்றல் உணர்வுக்கு இடையிலான மோதலை பகுப்பாய்வு செய்யும் முயற்சியாகும்.

இருப்பினும், தயாரிப்பு பாத்தி மற்றும் டல்லனின் படைப்புகளை விட குறைவான வெற்றியைப் பெற்றது, ஏனெனில் நடிகர்கள் இயக்குனர் நிர்ணயித்த பணியை நிறைவேற்றாமல் தங்கள் தொழில்முறை திறன்களைக் காட்ட முயன்றனர். இருப்பினும், ஜூவெட்டுடன் பணிபுரிவது காமெடி ஃபிரான்சைஸ் குழுவிற்கு கவனிக்கப்படாமல் போகவில்லை. நாடகக் கலையை அக்கால அறிவுசார் சிக்கல்களுக்கு நெருக்கமாகக் கொண்டு வர வேண்டியதன் அவசியத்தை நடிகர்கள் முழுமையாக உணர்ந்தனர்.

காமெடி ஃபிரான்சைஸின் செயல்பாடுகளில் மிகவும் கடினமான காலம் பாரிஸின் ஆக்கிரமிப்பின் ஆண்டுகள். சிரமங்களைச் சமாளித்து, தியேட்டரின் நடிகர்கள் தங்கள் உயர் நிபுணத்துவத்தை பராமரிக்க முயன்றனர், கூடுதலாக, அவர்களின் நடிப்பில் அவர்கள் மனிதநேய கருத்துக்கள், மனிதன் மீதான நம்பிக்கை மற்றும் அவரது கண்ணியம் ஆகியவற்றைக் காட்ட முயன்றனர்.

போர் ஆண்டுகளில், கிளாசிக்ஸ் மீண்டும் காமெடி ஃபிரான்கெய்ஸ் திறனாய்வின் அடிப்படையாக மாறியது, ஆனால் காலத்தின் தாக்கம் தயாரிப்புகளில் உணரப்பட்டது. எனவே, கோர்னெலேவின் பக்கத்தில் (1943) ஜீன் லூயிஸ் பாராட் ரோட்ரிகோவை கடினமான சூழ்நிலைகளில் ஆவியின் உறுதியைப் பராமரிக்கும் ஒரு மனிதராக முன்வைத்தார்.

கிளாசிக்கல் படைப்புகளுடன், காமெடி ஃபிராங்காய்ஸின் திறனாய்வில் சமகால நாடக ஆசிரியர்களின் படைப்புகளும் அடங்கும். அவற்றில், P. Claudel இன் நாடகம் "The Satin Slipper" (1943) மிகப்பெரிய வெற்றியைப் பெற்றது, ஆக்கிரமிக்கப்பட்ட பிரெஞ்சு தலைநகரில் நடவடிக்கைக்கான அழைப்பாக ஒலித்தது. ஆயினும்கூட, பாரிஸில் உள்ள பழமையான தியேட்டர் தேசிய மேடை பாரம்பரியத்தின் கோட்டையாகத் தொடர்ந்தது.

20 ஆம் நூற்றாண்டின் முதல் பாதியில், பிரான்சின் கலை வாழ்க்கையில் மிக முக்கியமான காரணி நவீன யதார்த்தம் மற்றும் அதன் உள்ளார்ந்த கருத்தியல், தார்மீக மற்றும் அழகியல் விதிமுறைகளை எதிர்த்த அவாண்ட்-கார்ட் கலை ஆகும்.

பிரெஞ்சு நாடக அவாண்ட்-கார்ட் மிகவும் பன்முகத்தன்மை வாய்ந்ததாக மாறியது: அதில் நிறுவப்பட்ட மரபுகளை நிராகரித்த சர்ரியலிஸ்டுகள் (ஜி. அப்பல்லினேர், ஏ. ஆர்டாட்) மற்றும் ஜனநாயகக் கொள்கைகளை அறிவித்த நாட்டுப்புற நாடகத்தின் புள்ளிவிவரங்கள் (எஃப். ஜெமியர், ஏ. லெஸ்சுயர், சாரா தியேட்டர் பெர்னார்ட் பீப்பிள்ஸ் தியேட்டர் வளாகத்தில் 1936 இல் திறக்கப்பட்டது, மற்றும் யதார்த்தமான கலை ஆதரவாளர்கள் (ஜே. கோபியோ மற்றும் கார்டெல் ஆஃப் ஃபோர் நிறுவனர்கள்).

19 ஆம் நூற்றாண்டின் பிற்பகுதியிலும் 20 ஆம் நூற்றாண்டின் முற்பகுதியிலும் பிரான்சின் இலக்கிய வாழ்க்கையில் ஒரு சிறப்புப் பாத்திரத்தை திறமையான எழுத்தாளர், கவிஞர் மற்றும் நாடக ஆசிரியரான வில்ஹெல்ம் அப்பல்லினாரிஸ் கோஸ்ட்ரோவிட்ஸ்கி (1880-1918) வகித்தார், இது குய்லூம் அப்பல்லினேர் என்ற புனைப்பெயரில் அறியப்பட்டது. இந்த மனிதன் பிரெஞ்சு நாடக வரலாற்றில் சர்ரியலிசத்தின் நிறுவனராக நுழைந்தார் - நவீனத்துவ கலையின் போக்குகளில் ஒன்று.

Guillaume Apollinaire ரோமில் ஒரு பழைய குடும்பத்தின் போலந்து பிரபுக்களின் குடும்பத்தில் பிறந்தார். மொனாக்கோ மற்றும் கேன்ஸின் சிறந்த கல்லூரிகளில் படிப்பது அந்த இளைஞனுக்கு தேவையான அறிவுத் தளத்தைப் பெற அனுமதித்தது. இலக்கிய நடவடிக்கைகளால் எடுத்துச் செல்லப்பட்டு, நைஸுக்கு வந்ததும், பதினேழு வயதான குய்லூம் தனது சொந்த இசையமைப்பின் கவிதைகள் மற்றும் கேலிக்கூத்துகளுடன் தி அவெஞ்சர் என்ற கையால் எழுதப்பட்ட செய்தித்தாளை வெளியிடத் தொடங்கினார்.

1900 ஆம் ஆண்டில், அப்பல்லினேயரின் முதல் ஒரு-நடவடிக்கை நகைச்சுவை, தி எஸ்கேப் ஆஃப் எ கெஸ்ட் வெளியிடப்பட்டது; மூன்று ஆண்டுகளுக்குப் பிறகு, அடுத்த வேலை தொடங்கியது - 14 ஆண்டுகளுக்குப் பிறகு, 1917 இல் முடிக்கப்பட்ட ப்ரெஸ்ட்ஸ் ஆஃப் டைரேசியாஸ் என்ற வசன நாடகம்.

அவரது இலக்கிய மற்றும் வியத்தகு தலைசிறந்த படைப்புகளில், குறியீட்டு தயாரிப்புகளின் "சுத்திகரிக்கப்பட்ட அழகுக்கு" எதிராக, சுற்றியுள்ள யதார்த்தத்தின் இயற்கையான சித்தரிப்பை அப்போலினேர் எதிர்த்தார். அவரது கருத்துப்படி, பல்வேறு நிகழ்வுகளின் விளக்கத்தில், "வாழ்க்கையின் ஒரு பகுதி" அல்ல, பொதுவாக "மனிதகுலத்தின் நாடகம்" காட்டுவது மிகவும் விரும்பத்தக்கதாக இருக்கும்.

Apollinaire நாடகவியலின் நையாண்டி-பஃபூன் நோக்குநிலை பின்னர் 20 ஆம் நூற்றாண்டின் பல பிரபலமான நாடக ஆசிரியர்களின் படைப்புகளில் வெளிப்பாட்டைக் கண்டது, இதில் J. Cocteau, J. Giraudoux, A. Adamov ஆகியோரின் படைப்புகள் அடங்கும்.

இருப்பினும், தற்போதுள்ள யதார்த்தத்திற்கு மேலே உயர எழுத்தாளரின் அழைப்பு பல நவீன கலைஞர்களால் நிஜ வாழ்க்கையை நிராகரிப்பதாகவும், ஆழ் மனதில் மூழ்குவதற்கான விருப்பமாகவும் உணரப்பட்டது.

இந்த திசையில்தான் அன்டோனின் அர்டாட் வேலை செய்தார். அவர் தனது தத்துவார்த்த கட்டுரைகள் மற்றும் அறிக்கைகளில், "தியேட்டர் அண்ட் இட்ஸ் டபுள்" (1938) புத்தகத்திலும், "தி தியேட்டர் ஆஃப் ஆல்ஃபிரட் ஜாரி" (ரோஜர் விட்ராக் உடன்) என்ற கவிதைப் படைப்பிலும் இணைந்து நாடகக் கலையை நிறுவ முயன்றார். மத சடங்கு அல்லது மர்மம், மனித ஆழ் மனதில் செலுத்துவது பெரும் தாக்கத்தை ஏற்படுத்துகிறது.

ஆர்டாட்டின் மேடைப் பரிசோதனைகள் தோல்வியடைந்தன, ஏனென்றால் அவை நாடகக் கலையின் நேரடி நடைமுறையுடன் சர்ரியலிசத்தின் முக்கிய விதிகளின் பொருந்தாத தன்மையை முழு அளவில் நிரூபித்தன.

மேலே சுருக்கமாக விவரிக்கப்பட்ட கார்டெல் ஆஃப் ஃபோரின் செயல்பாடுகள் குறிப்பாக குறிப்பிடத்தக்கவை. அதன் உருவாக்கம் பற்றிய யோசனை 1926 இல் இளம் பெருநகர திரையரங்குகளை வழிநடத்திய முற்போக்கான நாடக நபர்களால் பிறந்தது, 1926 இல், Ch. Dullen, L. Jouvet, G. Baty மற்றும் J. Pitoev.

ஜூலை 1927 இல் அதன் உறுப்பினர்களால் கையொப்பமிடப்பட்ட "கார்டெல்" பிரகடனம், அனைத்து பிரெஞ்சு திரையரங்குகளையும் நிர்வகிக்க ஒரு நிர்வாக எந்திரத்தை உருவாக்க வேண்டியதன் அவசியத்தை விதித்தது, மேலும் பாரம்பரிய மற்றும் வணிக திரையரங்குகளை எதிர்ப்பதற்கு தேவையான ஆக்கபூர்வமான பரஸ்பர உதவியையும் குறிப்பிட்டது.

வெவ்வேறு அழகியல் கொள்கைகளின் தலைப்பு திரையரங்குகள், "கார்டெல்" உறுப்பினர்கள் இருப்பினும் பொதுவான தளத்தை கண்டுபிடிக்க முடிந்தது - படைப்பாற்றல் மற்றும் உலகின் ஜனநாயகக் கண்ணோட்டங்களின் யதார்த்தமான பாத்தோஸ். உலகக் கண்ணோட்டத்தின் பொதுவான தன்மைக்கு நன்றி, 20 ஆம் நூற்றாண்டின் முதல் பாதியின் கடுமையான சூழ்நிலைகளில் கார்டெல் ஆஃப் ஃபோர் உயிர்வாழ முடிந்தது மற்றும் இந்த காலகட்டத்தின் பிரெஞ்சு மேடைக் கலையின் வளர்ச்சியில் ஒரு சிறந்த பங்கைக் கொண்டுள்ளது.

சிறந்த நடிகரும் இயக்குனருமான சார்லஸ் டுலின் (1885-1949), அவர் வீட்டில் கல்வி கற்றார், பின்னர் லியோனில் "வாழ்க்கை அறிவியலை" புரிந்து கொண்டார், 1905 இல் மேடையில் நிகழ்ச்சி நடத்தத் தொடங்கினார். அப்போதுதான் அவர் பொது மக்களுக்குத் தெரியாத "நிம்பிள் ராபிட்" என்ற சிறிய தியேட்டரில் அறிமுகமானார்.

இரண்டு ஆண்டுகளுக்குப் பிறகு, டல்லின் அன்டோயின் ஓடியன் தியேட்டரில் நுழைந்தார், அங்கு அவர் புதிய தியேட்டரின் தேர்ச்சியின் ரகசியங்களைப் புரிந்துகொள்ளத் தொடங்கினார், மேலும் 1909 இல் அவர் தியேட்டர் ஆஃப் ஆர்ட்ஸின் நடிப்புக் குழுவில் சேர்ந்தார். இந்த தியேட்டரின் மேடையில் உருவாக்கப்பட்ட டல்லனின் முதல் சிறந்த படம், தஸ்தாயெவ்ஸ்கியின் தி பிரதர்ஸ் கரமசோவில் ஸ்மெர்டியாகோவ் ஆகும். இந்த பாத்திரம் நடிகரின் பயிற்சியின் முடிவைக் குறித்தது.

சிறந்த நடிகரும் இயக்குனருமான ஜே. கோபியோவால் சார்லஸின் திறமை கவனிக்கப்பட்டது. 1913 ஆம் ஆண்டில், அவர் ஒரு இளம் நடிகரை தனது "பழைய டவ்கோட் தியேட்டருக்கு" அழைத்தார். தி பிரதர்ஸ் கரமசோவின் தயாரிப்பு இங்கேயும் மாபெரும் வெற்றியைப் பெற்றது. மோலியரின் தி மிசரில் ஹார்பகோனின் பாத்திரம் குறைவான வெற்றியை ஈட்டவில்லை, நடிகரால் உருவகப்படுத்தப்பட்ட உருவத்தின் உளவியல் ஆழம் மற்றும் சிக்கலான தன்மையை முழுமையாக வெளிப்படுத்த முடிந்தது.

தியேட்டரின் உயர்ந்த ஆன்மீகப் பணியைப் பற்றிய கோபியோவின் கருத்துக்கள் டூலனின் உள்ளத்தில் எதிரொலித்தன. இருப்பினும், அவரது புகழ்பெற்ற ஆசிரியரைப் போலல்லாமல், சார்லஸ் நாட்டுப்புற நாடகத்தின் கருத்துக்களால் ஈர்க்கப்பட்டார், இது அவர் ஃபிர்மின் ஜெமியர் குழுவிற்கு மாற்றப்படுவதற்கு காரணமாக இருந்தது.

அதே நேரத்தில், டல்லின் தனது சொந்த தியேட்டரை உருவாக்க கனவு கண்டார், இது 1922 இல் திறக்கப்பட்டது. "அட்லியர்" மேடையில் பல்வேறு நிகழ்ச்சிகள் நடத்தப்பட்டன, இயக்குனர் தனது மூளையை அழைத்தார், அவற்றில் சில இந்த தியேட்டருக்கு குறிப்பாக ஸ்கிரிப்ட் செய்யப்பட்டன ("நீங்கள் என்னுடன் விளையாட விரும்புகிறீர்களா" எம். அஷார் மற்றும் பலர்).

"அட்லியர்" மேடையில் அரங்கேற்றப்பட்ட கிட்டத்தட்ட அனைத்து நாடகங்களும் யதார்த்தத்திற்கு நெருக்கமானதாக மாறியது. இவை பி. ஜோன்ஸ் மற்றும் டல்லனின் தலைப்புப் பாத்திரத்தில் நடித்த "வால்போன்", அரிஸ்டோபேன்ஸின் "தி பேர்ட்ஸ்", பி. ஜிம்மர் மூலம் விளக்கப்பட்டது, ஜே. ரோமன் மற்றும் பிறரின் "முஸ், அல்லது தி ஸ்கூல் ஆஃப் ஹைபோக்ரஸி".

படிப்படியாக, சார்லஸ் டல்லின் தனது சொந்த கற்பித்தல் முறையை உருவாக்கினார், இது மேம்பாடு நிகழ்ச்சிகளின் செயல்பாட்டில் நடிகர்களின் பயிற்சியின் அடிப்படையில். இதற்கு நன்றி, பாத்திரத்தின் வார்த்தைகள் மட்டும் புரிந்து கொள்ளப்படவில்லை, ஆனால் முழு உருவமும் ஒட்டுமொத்தமாக, ஹீரோ ஒரு உயிருள்ள நபராக நடிகரின் முன் தோன்றினார், இதன் விளைவாக, நடிகர் ஒரு பாத்திரமாக மாறினார்.

நடிப்பு நுட்பத்தின் சிறந்த தேர்ச்சியில் வெற்றிக்கான திறவுகோலைக் கண்ட டல்லன், இளம் கலைஞர்களின் பயிற்சிக்கு சிறப்பு கவனம் செலுத்தினார். இந்த இயக்குனரின் "அட்லியர்" இலிருந்து குறிப்பிடத்தக்க மேடை உருவங்களின் முழு விண்மீனும் வந்தது - எம். ஜமோயிஸ், எம். ராபின்சன், ஜே. விலர், ஜே. எல். பாரோ, ஏ. பர்சாக் மற்றும் பலர்.

A. Salacru இன் "The Earth is Round" நாடகத்தின் தயாரிப்பு, Atelier இல் டுல்லனின் கடைசிப் படைப்பாகும். 1940 ஆம் ஆண்டில், தனது மூளையை ஆண்ட்ரே பார்சாக்கிடம் ஒப்படைத்த பின்னர், வயதான மாஸ்டர் மாநிலத்திலிருந்து மானியங்களைப் பெற்ற தியேட்டர்களில் பணியாற்றத் தொடங்கினார் - தியேட்டர் டி பாரிஸ் மற்றும் தியேட்டர் டி லா சிட்டே (சாரா பெர்ன்ஹார்ட்டின் முன்னாள் தியேட்டர்).

1947 வரை டலின் கடைசியாக நிர்வகித்தார், இந்த தியேட்டரின் மேடையில் ஜே.பி. சார்த்தரின் இருத்தலியல் நாடகம் "தி ஃப்ளைஸ்" அரங்கேற்றப்பட்டது. எதிர்காலத்தில், இயக்குனர் நிறைய சுற்றுப்பயணம் செய்தார், இந்த நேரத்தில் அவர் A. Salacru "The Lenoir Archipelago" நாடகத்தை அரங்கேற்றினார், அங்கு டல்லின் முக்கிய பாத்திரத்தில் நடித்தார்.

டல்லனின் பணியின் கடைசி ஆண்டுகள் வழக்கமான நெறிமுறை மற்றும் தார்மீக பிரச்சினைகளில் இருந்து விலகல் மற்றும் தியேட்டரின் அரசியல் மற்றும் சமூக செயல்பாடுகள் பற்றிய விழிப்புணர்வு ஆகியவற்றால் குறிக்கப்பட்டன. இயக்குனரின் யதார்த்தவாதம் மேலும் மேலும் அறிவார்ந்ததாக மாறியது, மேலும் பார்வையாளர்களின் இதயங்களிலும் மனதிலும் அவரது நடிப்பின் தாக்கம் தெளிவாக இருந்தது.

அந்த நேரத்தில் பிரான்சின் நாடக வாழ்க்கையில் குறைவான முக்கிய நபர் லூயிஸ் ஜூவெட் (1887-1951) ஆவார். அவர் பாரிஸ் பல்கலைக்கழகத்தில் படிக்கும் போது நாடக வகுப்புகளில் கலந்து கொள்ளத் தொடங்கினார்.

கார்டலில் தனது சக ஊழியரைப் போலவே, லூயிஸ் முதன்முதலில் புறநகர்ப் பகுதிகளில் உள்ள சிறிய, அதிகம் அறியப்படாத திரையரங்குகளின் மேடைகளில் நடித்தார், ஆனால் மேடை கிளிச்கள் மற்றும் பழைய நாடக மரபுகள் திறமையான நடிகரை திருப்திப்படுத்த முடியவில்லை.

1911 இல், ஜூவெட் ஜாக் ரூச்சரின் தியேட்ரே டெஸ் ஆர்ட்ஸில் உறுப்பினரானார். இங்கே அவர் டல்லன் மற்றும் கோபியோவை சந்தித்தார், அதே போல் தி பிரதர்ஸ் கரமசோவில் (மூத்த ஜோசிமாவின் பாத்திரம்) அவரது முதல் நடிப்பையும் சந்தித்தார்.

1913 இல், லூயிஸ் கோபேவின் "ஓல்ட் டோவ்கோட் தியேட்டரில்" வேலை செய்யத் தொடங்கினார்; ஷேக்ஸ்பியரின் ட்வெல்ஃப்த் நைட்டில் ஆண்ட்ரூ அஜுச்சிக், ஸ்கேபினின் ரோக்ஸில் ஜெரோண்டே மற்றும் மோலியரின் தி அன்வில்லிங் டாக்டரில் ஸ்கனாரெல்லின் பாத்திரங்கள் திறமையான நடிகருக்குப் புகழைக் கொடுத்தன.

அவரது இளமை பருவத்தில், ஜூவெட் முக்கியமாக வயதானவர்களின் பாத்திரத்தில் நடித்தார், இது மறுபிறவி கலையை கற்றுக்கொள்வதற்கான அவரது விருப்பத்தால் விளக்கப்படுகிறது. படைப்பாற்றலின் இந்த காலகட்டத்தில் அவர் உருவாக்கிய படங்கள் வியக்கத்தக்க வகையில் உயிரோட்டமாக மாறியது, அதே நேரத்தில் வெளிப்படையாக நாடக பாத்திரங்கள் பார்வையாளர்களுக்கு முன் தோன்றின.

வாழ்க்கையையும் மனிதனையும் புரிந்துகொள்வதற்கான வழிமுறையாக தியேட்டர் மீதான தனது அணுகுமுறையை ஜூவெட் கோபியோவிடம் இருந்து எடுத்துக் கொண்டார். ஏற்கனவே 1920 களில், உருவாக்கப்பட்ட படங்களின் வலியுறுத்தப்பட்ட வெளிப்புற நாடகத்தன்மையை அவர் கைவிட்டார். ஹீரோவின் உள் சாராம்சம், அவரது அறிவுசார் உள்ளடக்கம் - இவை நடிகர் தன்னைத்தானே அமைத்துக் கொள்ளும் பணிகள்.

1922 முதல் 1934 வரை, ஜூவெட் காமெடி ஆஃப் தி சாம்ப்ஸ் எலிசீஸ் குழுவிற்குத் தலைமை தாங்கினார், அதன் பிறகு அவர் ஆண்டிக்கு சென்றார், அவர் தனது வாழ்க்கையின் கடைசி நாட்கள் வரை வழிநடத்தினார்.

இந்த இயக்குனரின் மிகவும் வெற்றிகரமான தயாரிப்புகளில் ஒன்று, நாடக விமர்சகர்கள் ஜே. ரோமானால் "நாக், அல்லது தி ட்ரையம்ப் ஆஃப் மெடிசின்" என்று அழைக்கப்பட்டனர். ஒரு நவீன உடையில் மற்றும் நடைமுறையில் ஒப்பனை இல்லாமல் நாக் நடித்த ஜூவெட், பாசிச சித்தாந்தத்தின் ஆதரவாளரான ஒரு மிசாந்த்ரோப்பின் ஈர்க்கக்கூடிய படத்தை உருவாக்க முடிந்தது.

Jouvet இன் தயாரிப்புகளில், ஒவ்வொரு விவரமும் ஒரு குறிப்பிட்ட சொற்பொருள் சுமையைச் சுமந்தன, அதாவது கண்டிப்பாக சரிசெய்யப்பட்ட மைஸ்-என்-காட்சிகள் மற்றும் கூர்மையாக வரையறுக்கப்பட்ட மேடை கதாபாத்திரங்கள் மேடை பாணியை தீர்மானித்தன. 1928 ஆம் ஆண்டில், ஜூவெட் சிறந்த பிரெஞ்சு நாடக ஆசிரியர் ஜே. ஜிராடோக்ஸுடன் இணைந்து சீக்ஃப்ரைட் நாடகத்தை அரங்கேற்றினார். அவர்களின் மேலும் பணியின் விளைவாக "டிரோஜன் போர் இல்லை" நாடகம் அரங்கேறியது, இது "நாக்" போன்ற ஒரு குறிப்பிட்ட இருண்ட முன்னறிவிப்பைக் கொண்டிருந்தது. காட்சி இரண்டு வண்ணங்களால் ஆதிக்கம் செலுத்தியது - வெள்ளை மற்றும் நீலம், பார்வையாளர்களுக்கு தங்களுக்குள் அறிவுசார் போராட்டத்தை வழிநடத்தும் கதாபாத்திரங்கள்-கருத்துக்கள் வழங்கப்பட்டன.

கிளாசிக்கல் நாடகங்களில் கூட, ஜூவெட் அவர்களின் அறிவார்ந்த தொடக்கத்தை முன்னிலைப்படுத்த முடிந்தது. எடுத்துக்காட்டாக, மோலியரின் "ஸ்கூல் ஆஃப் வைவ்ஸ்" இல் அர்னால்ஃப் ஒரு சிந்தனையாளராகத் தோன்றினார், அவருடைய தத்துவக் கருத்து நிஜ வாழ்க்கையுடனான போராட்டத்தில் தோற்கடிக்கப்பட்டது, அதே பெயரில் நாடகத்தில் டான் ஜியோவானி எல்லாவற்றிலும் நம்பிக்கையை இழந்த ஒரு மனிதர். லூயிஸ் ஜூவெட்டின் நாடகக் கண்டுபிடிப்புகள் பிரான்சில் அறிவுசார் நாடகத்தின் வளர்ச்சிக்கு அடிப்படையாக அமைந்தன.

சிறந்த நடிகரும் இயக்குநருமான காஸ்டன் பாட்டியின் (1885-1952) நாடக நடவடிக்கைகளின் ஆரம்பம் 1919 ஆம் ஆண்டிலிருந்து தொடங்குகிறது, அவர் ஃபிர்மின் ஜெமியருடன் பழகிய நேரம் மற்றும் முதல் ஒப்பந்தத்தில் கையெழுத்திட்டது. ஆண்ட்ரே அன்டோயினின் புகழ்பெற்ற மாணவரின் கவனத்தை ஈர்த்த பாட்டி, இயக்குனர் பணியைப் பெற்றார், சி. எலெம் மற்றும் பி. டி'ஸ்டாக் ஆகியோரால் "கிரேட் பாஸ்டோரல்" மற்றும் குளிர்கால சர்க்கஸில் பல நாட்டுப்புறக் கதைகளை நடத்தும் பொறுப்பு அவருக்கு வழங்கப்பட்டது. பாரிஸ்.

சில மாதங்களுக்குப் பிறகு, பாடி காமெடி மாண்டெய்ன் தியேட்டரின் இயக்குநராகப் பொறுப்பேற்றார். இந்த மேடையில் அவர் நிகழ்த்திய ஐந்து நிகழ்ச்சிகளில், லெனோர்மாண்டின் "சமம்" மிகவும் பிரபலமானது. இந்த நாடகம் இயக்குனரின் பணியின் முக்கிய போக்குகளை வெளிப்படுத்தியது, குறிப்பாக, நவீன யதார்த்தத்தின் சிறப்பியல்பு என்று கூறப்படும் மத மற்றும் தத்துவ அர்த்தத்தின் முக்கிய கதாபாத்திரங்களை சோகத்தில் கண்டறியும் விருப்பம்.

1921 இலையுதிர்காலத்தில், தனது சொந்த சிமேரா தியேட்டரைத் திறந்த பிறகு, பாடி ஒரு புதிய நிறுவனத்தை உருவாக்குவதற்கான அடிப்படை நெறிமுறைக் கொள்கைகளை விளக்கும் மூன்று கட்டுரைகளை வெளியிட்டார் (தியேட்டர் கோயில்கள், சீர்திருத்தம் தேவை நாடகம், அவரது மாட்சிமை வார்த்தை).

இந்த வெளியீடுகள் விமர்சகர்கள் காஸ்டன் பாட்டியை "ஒரு இலட்சியவாதி மற்றும் போர்க்குணமிக்க கத்தோலிக்க" என்று அழைக்க அனுமதித்தன. "தியேட்டரைப் புதுப்பிப்பதே இலக்கியத்தின் ஆதிக்கத்திலிருந்து விடுதலை" என்ற முழக்கத்தை முன்வைத்து, இயக்குனர், நகைச்சுவை பிரான்சேஸ் மற்றும் பவுல்வர்டு தியேட்டர்களின் பல நூற்றாண்டு பாரம்பரிய மரபுகளுக்கு சவால் விடுத்தார்.

1930 ஆம் ஆண்டில், மான்ட்பர்னாஸ்ஸே அணியின் பொறுப்பாளராக பாட்டி நியமிக்கப்பட்டார். இயக்குனரின் முதல் தயாரிப்பு - பி. ப்ரெக்ட் மற்றும் கே. வெயில் ஆகியோரின் "தி த்ரீபென்னி ஓபரா" - மிகவும் வெற்றிகரமாக மாறியது மற்றும் உடனடியாக தியேட்டரின் திறமைக்குள் நுழைந்தது.

1933 இல், பாட்டி தனது புதிய படைப்பான தஸ்தாயெவ்ஸ்கியின் குற்றம் மற்றும் தண்டனையை பார்வையாளர்களுக்கு வழங்கினார். படைப்பின் மத அம்சத்தில் தனது ஆர்வத்தை மறைக்காமல், இயக்குனர் அதே நேரத்தில் மனித ஆளுமையில் கவனம் செலுத்தினார்.

ஒரு நபருக்கான போராட்டம், அவரது பெயரில், சில படங்களின் விளக்கத்தில் தீர்க்கமானதாகிவிட்டது, குறிப்பாக சோனியா மர்மெலடோவா (மார்கரெட் ஜாமோயிஸ்). மனிதனின் அரசுக் கருத்தின் செய்தித் தொடர்பாளர் போர்ஃபரி பெட்ரோவிச் (ஜார்ஜஸ் விட்ரே) மீது கதாநாயகியின் வெற்றியும், ரஸ்கோல்னிகோவ் (லூசியன் நாடா) தனது நம்பிக்கைகளின் தவறான தன்மையை உணர்ந்ததும் மனிதநேய கொள்கைகளுக்கு ஒரு வெற்றியாகக் காட்டப்பட்டது. இதே போன்ற கருத்துக்கள் "மேடம் போவரி" (1936) நாடகத்தில் குரல் கொடுக்கப்பட்டன.

பாடியின் மனிதநேய இலட்சியங்கள் முந்தைய நாள் மற்றும் இரண்டாம் உலகப் போரின் போது ஒரு கூர்மையான சமூக நோக்குநிலையைப் பெற்றன. 1942 இல், ஆக்கிரமிக்கப்பட்ட நகரத்தில், இயக்குனர் மக்பத்தை அரங்கேற்றினார். பாடியின் கூற்றுப்படி, ஒரு லட்சிய ஹீரோவின் தலைவிதியைப் பற்றி சொல்லும் இந்த நாடகம், அந்தக் காலத்தின் ஆவிக்கு முழுமையாக ஒத்துப்போனது, அவர் நீதியின் வெற்றியை நம்பினார்.

"கார்டெல்" இன் நான்காவது நிறுவனர், ஜார்ஜஸ் பிடோவ் (1884-1939), டிஃப்லிஸ் நகரைச் சேர்ந்தவர். 1908 ஆம் ஆண்டில், மாஸ்கோ பல்கலைக்கழகம், செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க் இன்ஸ்டிடியூட் ஆப் கம்யூனிகேஷன்ஸ் மற்றும் ப்ராக் பல்கலைக்கழகத்தில் பட்டம் பெற்ற பிறகு, பிடோவ் மிகப் பெரிய ரஷ்ய நடிகையான வி.எஃப். எஃப். ஸ்கார்ஸ்காயின் தியேட்டருக்கு நெருக்கமானார்.

1912 ஆம் ஆண்டில், ஜார்ஜஸ் செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க்கில் எங்கள் தியேட்டரைத் திறந்தார், அதன் மேடையில் ரஷ்ய மற்றும் வெளிநாட்டு எழுத்தாளர்களின் பல நாடகங்கள் அரங்கேற்றப்பட்டன. இரண்டு ஆண்டுகளுக்குப் பிறகு, பிட்டோவ் ரஷ்யாவை விட்டு வெளியேறினார், இதனால் அவரது வாழ்க்கை மற்றும் வேலையின் ரஷ்ய காலம் முடிந்தது. பாரிஸில், ஜார்ஜஸ் திறமையான நடிகை லியுட்மிலா ஸ்மனோவாவை சந்தித்தார், அவர் விரைவில் அவரது மனைவியானார்.

ஏழு ஆண்டுகளாக (1915-1922), பிட்டோவ்ஸ் சுவிஸ் திரையரங்குகளின் மேடைகளில், குறிப்பாக ப்ளைன்பாலைஸில் நிகழ்த்தினார், அதன் திறனாய்வில் எல்.என். டால்ஸ்டாய், ஏ.பி. செக்கோவ், ஏ.எம். கார்க்கி, இப்சன், ஜார்ன்சன், மேட்டர்லிங்க், ஷா மற்றும் பிறரின் படைப்புகள் அடங்கும். பிடோவ், ஷேக்ஸ்பியரின் ஹேம்லெட், மக்பத் மற்றும் மெஷர் ஃபார் மெஷர் ஆகியவற்றின் முன்முயற்சி தியேட்டரில் அரங்கேறியது, அவை மிகப்பெரிய வெற்றியைப் பெற்றன.

டிசம்பர் 1921 இல், பிரான்சில் நிரந்தரமாக வேலை செய்ய, பிரபல தொழில்முனைவோர், சாம்ப்ஸ்-எலிசீஸ் தியேட்டரின் உரிமையாளரான ஜாக் ஹெபர்டோவிடமிருந்து பிடோவ்ஸ் அழைப்பைப் பெற்றார். விரைவில் இந்த ஜோடி பாரிஸுக்கு குடிபெயர்ந்தது மற்றும் பிப்ரவரி 1922 இல் தங்கள் சொந்த தியேட்டரைத் திறந்தது.

பிரெஞ்சு தலைநகரில் பிட்டோவ் நிகழ்த்திய தயாரிப்புகளில், செக்கோவின் "அங்கிள் வான்யா" மற்றும் "தி சீகல்" ஆகியவை குறிப்பாக பிரபலமானவை. அவர்களின் அலங்காரம் மிகவும் எளிமையானது: கனமான வெல்வெட் திரைச்சீலைகள் மேடையின் முன்பக்கத்தை பின்புறத்திலிருந்து பிரித்தன. வியத்தகு தலைசிறந்த படைப்புகளின் அழகையும் கவிதையையும் வெளிப்படுத்தும் இயக்குனரின் திறனை விமர்சகர்கள் குறிப்பிட்டனர், மேடையில் வெளிப்படும் நிகழ்வுகளின் ஆழமான உளவியலை வலியுறுத்துகின்றனர்.

பிரெஞ்சு மக்களுக்காக செக்கோவைக் கண்டுபிடித்ததற்காக பிடோவ்வை பலர் பாராட்டினர், இதன் மூலம் பிரெஞ்சு மேடைக் கலையில் செக்கோவியன் போக்கு என்று அழைக்கப்படுவதற்கு அடித்தளம் அமைத்தார். இந்த திசையில் பணியாற்றிய இயக்குனர்கள் மனித வாழ்க்கையின் ஆழமான அடுக்குகளைக் காட்ட, மனித உறவுகளின் சிக்கலான சிக்கலை அவிழ்க்க முயன்றனர்.

ஜார்ஜஸ் பிட்டோவ் ஒரு அற்புதமான இயக்குனர் மட்டுமல்ல, செக்கோவின் நாடகங்களில் சிறந்த பாத்திரங்களை ஆற்றியவர். அவர் உருவாக்கிய படங்கள் வியக்கத்தக்க வகையில் இயற்கையாகவும் மனிதாபிமானமாகவும் மாறியது. அங்கிள் வான்யாவில் ஆஸ்ட்ரோவ் மற்றும் தி சீகலில் ட்ரெப்லெவ் இந்த நடிகரின் மிகவும் வெற்றிகரமான செக்கோவியன் பாத்திரங்களாக விமர்சகர்கள் அங்கீகரித்தனர்.

Zh. Pitoev இன் பிரகாசமான தோற்றம் (மெல்லிய, சற்றே கோணலான, நீல-கருப்பு முடி, ஒரு பெரிய வெளிர் முகத்தை வடிவமைத்த ஒரு தொப்பி, அதில் கருப்பு புருவங்கள் பெரிய, சிந்தனைமிக்க கண்கள் மீது தொங்கியது) அவரை ஒப்பனை இல்லாமல் நடைமுறையில் விளையாட அனுமதித்தது என்பதை கவனத்தில் கொள்ள வேண்டும். .

1920 களின் இரண்டாம் பாதி ஜார்ஜஸ் பிட்டோவின் படைப்புகளில் புதிய போக்குகளின் தோற்றத்தால் குறிக்கப்பட்டது, அந்த நேரத்தில் அவர் பல்வேறு கலைப் போக்குகளால் பாதிக்கப்பட்டார். இது பல தயாரிப்புகளில் வெளிப்பட்டது: எடுத்துக்காட்டாக, ஹேம்லெட்டில் (1926), கதாநாயகன் ஒரு பலவீனமான நபராகத் தோன்றுகிறார், சண்டையிட இயலாது, நிஜ உலகில் தோற்கடிக்கப்படுவார்.

1929 இல் ஜார்ஜஸ் பிட்டோவ் தியேட்டரில் அரங்கேற்றப்பட்ட செக்கோவின் நாடகமான த்ரீ சிஸ்டர்ஸ், இதே முறையில் விளக்கப்பட்டது. மாகாண வாழ்க்கையின் சலிப்பான வழக்கத்திலிருந்து வெளியேற ப்ரோசோரோவ் சகோதரிகளின் வீண் முயற்சிகள் ஒரு சோகமாக மாறுகின்றன, இதன் மூச்சு எல்லாவற்றிலும் உணரப்படுகிறது - நடிப்பின் இயற்கைக்காட்சி மற்றும் நடிகர்களின் பரிதாபகரமான நாடகம். இதனால், மனித இருப்பின் அவலத்தை நாடகத்தில் முன்னுக்கு கொண்டு வந்தார்.

பிட்டோவின் வாழ்க்கையின் கடைசி ஆண்டுகள் பொதுச் சேவையின் பாத்தோஸால் நிரப்பப்பட்டன. 1939 இல், நோய்வாய்ப்பட்ட இயக்குனர் இப்சனின் எனிமி ஆஃப் தி பீப்பிள் நாடகத்தை அரங்கேற்றினார்.

இந்த நிகழ்ச்சியில் பயன்படுத்தப்பட்ட கண்டிப்பான இயற்கைக்காட்சிகள் மற்றும் நவீன ஆடைகள் மேடையில் வெளிப்படும் செயலிலிருந்து பார்வையாளர்களின் கவனத்தை திசைதிருப்பவில்லை, மேலும் பிடோவ் நிகழ்த்திய டாக்டர் ஸ்டாக்மேன் ஒரு அழியாத தாக்கத்தை ஏற்படுத்தினார். ஹீரோ ஒரு பிரகாசமான படைப்பாற்றல் தனித்துவமாக தோன்றினார், காரணம், உண்மை மற்றும் சுதந்திரம் ஆகிய மூன்று கூறுகளின் மகத்துவத்தின் போதகர்.

பிரபல இயக்குனரின் மனைவியான லியுட்மிலா பிட்டோவா (1895-1951) பிரெஞ்சு நாடகத்தின் வளர்ச்சிக்கு ஒரு சிறப்பு பங்களிப்பு செய்தார். நாடகக் கலைகளுடன் அவரது அறிமுகம் ரஷ்யாவில் நடந்தது. இந்த நாட்டில் நடிப்புத் திறனைப் பெற்ற லியுட்மிலா அதை பிரான்சில் தொடர்ந்து மேம்படுத்தினார்.

ஒரு குட்டையான, ஒல்லியான, உடையக்கூடிய நடிகை, நகரும் முகத்தில் பெரிய வெளிப்படையான கண்களுடன், தனது கலையில்லாத ஆட்டத்தால் பார்வையாளர்களிடையே பெரும் தாக்கத்தை ஏற்படுத்தினார். மேடையில் அவளால் பொதிந்த ஒவ்வொரு உருவமும் ஒரு பிரகாசமான ஆளுமை, அவளைச் சுற்றியுள்ள சோகம் நிறைந்த உலகத்தை பரிதாபத்துடன் பார்க்கிறது.

அவரது நடிப்பு வாழ்க்கையின் ஆரம்ப கட்டத்தில், லியுட்மிலா பிடோவா ஆன்மீக நல்லிணக்கம் மற்றும் தூய்மை நிறைந்த பொது கதாநாயகிகளுக்கு வழங்க முயன்றார்; ஷேக்ஸ்பியரின் ஹேம்லெட்டில் அவரது ஓபிலியா, செக்கோவின் மாமா வான்யாவில் சோனியா.

இருப்பினும், திறமையான நடிகையின் மிக முக்கியமான பாத்திரம் "செயின்ட் ஜான்" ஷாவில் ஜீன் டி'ஆர்க். உயர்ந்த, அதிக உணர்திறன் கொண்ட கதாநாயகி எல். பிடோவாவின் முழு தோற்றத்திலும் விரக்தி வெளிப்படுத்தப்பட்டது. தி த்ரீ சிஸ்டர்ஸின் இரினாவின் படம் உடனடி பேரழிவின் முன்னறிவிப்புடன் நிரப்பப்பட்டுள்ளது.

1930 களின் இரண்டாம் பாதியில் மட்டுமே, நடிகை மீண்டும் ஒரு சிறந்த எதிர்காலத்தை நம்பும் கதாநாயகிகளாக நடிக்கத் தொடங்கினார். பல நாடக விமர்சகர்கள் 1939 ஆம் ஆண்டின் புதிய தயாரிப்பில் லியுட்மிலா பிடோவாவின் நினா சரேக்னாயாவை "நம்பிக்கையின் அப்போஸ்தலன்" என்று அழைத்தனர்.

ஏ.வி. லுனாச்சார்ஸ்கியின் கூற்றுப்படி, "பிரான்ஸின் நடிகைகளில் மிகவும் மெல்லிய மற்றும் மிகவும் சிக்கலானவர்" சுசான் டெஸ்ப்ரெஸ் (சார்லோட் போவல்லே) (1874-1951). அவர் ஒரு மருத்துவரின் குடும்பத்தில் பிறந்தார், ஒரு நடிகையாக அவரது தலைவிதியை எதுவும் முன்னறிவிக்கவில்லை என்று தோன்றுகிறது.

இயக்குனர் ஓ.எம். லுன்யே போவுடன் ஏற்பட்ட அறிமுகம் சூசன்னாவின் வாழ்க்கையை வியத்தகு முறையில் மாற்றியது. 1893 ஆம் ஆண்டில், அவர் இந்த மனிதரை மணந்தார், ஒரு வருடம் கழித்து அவர் பாரிசியன் எவ்ரே தியேட்டரின் மேடையில் அறிமுகமானார், அதில் அவர் இயக்குநராகவும் தலைமை இயக்குநராகவும் இருந்தார்.

அதே ஆண்டில், இளம் நடிகை ஜி.ஐ. வார்ம்ஸ் வகுப்பில் பாரிஸ் கன்சர்வேட்டரியில் நுழைந்தார். தனது படிப்பை முடித்த பிறகு, சுசான் டெஸ்ப்ரெஸ் மீண்டும் எவ்ரா நிலைக்குத் திரும்பினார், அங்கு அவர் தனது சிறந்த படங்களை உருவாக்கினார்: சோல்னெஸ் தி பில்டரின் தயாரிப்பில் ஹில்டா, பீர் ஜின்ட்டில் சோல்வேக் மற்றும் தி சன்கன் பெல்லில் ரூடெண்டெலின். சமகாலத்தவர்களைப் பொறுத்தவரை, ஜி. இப்சனின் நாடகங்களில் சிறந்த கதாபாத்திரங்களில் நடித்தவர்களில் சுசான் டெஸ்ப்ரெஸ் ஒருவர்.

20 ஆம் நூற்றாண்டின் முதல் பாதியின் பிரெஞ்சு நாடகவியலில் ஒரு முக்கிய இடம் ரெபர்ட்டரி ஆசிரியர்கள் என்று அழைக்கப்படுபவர்களின் செயல்பாடுகளால் ஆக்கிரமிக்கப்பட்டது, அதன் பணி நவீன வாழ்க்கையின் நிகழ்வுகளின் நகைச்சுவையான கவரேஜ் மூலம் வகைப்படுத்தப்பட்டது. இந்த போக்கின் மிக முக்கியமான பிரதிநிதிகளில் ஒருவர் திறமையான எழுத்தாளர் மற்றும் நாடக ஆசிரியர் ஆவார் ஜாக் தேவல்(புலாரன்) (1890-1971).

ஜாக் ஒரு பெரிய நடிப்பு குடும்பத்தில் பிறந்து வளர்ந்தவர். அவர் ஆரம்பத்தில் மேடையில் நடிக்கத் தொடங்கினார், ஆனால் இவை சிறிய அமெச்சூர் பாத்திரங்கள் மட்டுமே. 1920 ஆம் ஆண்டில், தேவல் ஃபெமினா தியேட்டரில் ஒரு தொழில்முறை நடிகராக மட்டுமல்லாமல், தி வீக் வுமன் என்ற நகைச்சுவை இயக்குனர்களில் ஒருவராகவும் அறிமுகமானார்.

அந்தக் காலகட்டத்தின் பிரான்சில் சிறந்த நாடகக் குழுக்களின் தொகுப்பில் சேர்க்கப்பட்ட பல நகைச்சுவை நாடகங்களை எழுதிய பிறகு ஜாக் தேவல் இன்னும் பிரபலமடைந்தார்.

எனவே, "மான்டே கார்லோ", "காமெடி-கோமார்ட்டின்" மற்றும் "அத்தேனே" தியேட்டர்களின் மேடைகளில் "டெவில்ஸ் பியூட்டி" (1924), "கற்பனை காதலன்" (1925), "செப்டம்பர் ரோஸ்" (1926), "டெபோச்சே" நாடகங்கள். "(1929), "மேடமொய்செல்லே" (1932) மற்றும் "வாழ்க்கைக்கான பிரார்த்தனை" (1933) (கடைசி இரண்டு நாடகங்கள் ஒரு குறுகிய வீட்டு வட்டத்தில் நடந்தன).

ஜே. தேவலின் படைப்புகள், சற்றே முரட்டுத்தனமான, கனமான நகைச்சுவையால் வேறுபடுகின்றன, ஃபிலிஸ்டைன் வட்டாரங்களில் முன்னோடியில்லாத வெற்றியைப் பெற்றன. அதே நேரத்தில், தீவிர நாடக நபர்கள் தேவலேவின் நகைச்சுவைகளை ஏராளமான போதனைகளுக்கு கடுமையான விமர்சனங்களுக்கு உட்படுத்தினர், இது நாடகங்களுக்கு ஒரு மகிழ்ச்சியான முடிவு, இதன் கதைக்களம் கதாபாத்திரங்களின் காதல் விவகாரங்களை அடிப்படையாகக் கொண்டது.

மோசமான கல்வியறிவு பெற்ற பொதுமக்களின் ரசனைகளை மகிழ்விக்க, வென்டோஸ் மற்றும் தோழர் நாடகங்கள் எழுதப்பட்டன: அவற்றில் முதலாவதாக, ஜனநாயகத்தின் ஆதரவாளர்களை அராஜகவாதிகள் மற்றும் வாழ்க்கையை அழிப்பவர்கள் என்று ஆசிரியர் முன்வைக்க முயன்றார்; இரண்டாவது நாடகம் ரஷ்யர்களின் கேலிச்சித்திரமாகும், இது ரஷ்ய ஏகாதிபத்திய குடும்பத்தின் சந்ததியினரின் தலைவிதியைப் பற்றி வருத்தப்படுவதாகக் கூறப்படுகிறது.

போருக்குப் பிந்தைய ஆண்டுகளில், அவரது ஆரம்பகால படைப்புகளின் மரபுகளைத் தொடர்ந்து, ஜே. தேவல் ஏராளமான நகைச்சுவைகள் மற்றும் லைட் வோட்வில்லின் உருவாக்கத்தில் பணியாற்றினார், இதன் சதி தைரியமான சாகசக்காரர்கள் மற்றும் அழகான வேசிகளின் மகிழ்ச்சியான சாகசங்களை அடிப்படையாகக் கொண்டது. லீ ஜம்பர் (1957) மற்றும் ரொமான்செரோ (1957) ஆகியவற்றின் நிகழ்ச்சிகள், அதே பெயரில் ஜாக் தேவாலின் படைப்புகளை அடிப்படையாகக் கொண்டவை, அந்த ஆண்டுகளில் குறிப்பிட்ட வெற்றியைப் பெற்றன.

20 ஆம் நூற்றாண்டின் இரண்டாம் பாதி ரஷ்யாவில் திறமையான நாடக ஆசிரியரின் படைப்புகளின் வளர்ந்து வரும் பிரபலத்தால் குறிக்கப்பட்டது. 1950 களின் நடுப்பகுதியில், மாஸ்கோ கலை அரங்கில் வாழ்க்கைக்கான பிரார்த்தனை அரங்கேற்றப்பட்டது, இதில் பிரபல ரஷ்ய நடிகர்களான பெர்செனெவ் மற்றும் கியாட்சிண்டோவா ஆகியோர் முக்கிய வேடங்களில் நடித்தனர்.

1957 இல், தேவல் லெனின்கிராட் நாடக அரங்குடன் ஒத்துழைக்கத் தொடங்கினார். ஏ.எஸ். புஷ்கின் மற்றும் மாஸ்கோ தியேட்டர். எம்.என். எர்மோலோவா. அதே நேரத்தில், பிரெஞ்சு நாடக ஆசிரியர் சினிமாவில் பணியாற்றத் தொடங்கினார், அவர் பல ஸ்கிரிப்ட்களை எழுதினார், மேலும் பல சுயாதீன திரைப்பட தயாரிப்புகளை உருவாக்கினார்.

திறமையுடன், avant-garde நாடகம் 20 ஆம் நூற்றாண்டின் முதல் பாதியில் பரவலாக உருவாக்கப்பட்டது, அவற்றில் மிக முக்கியமான பிரதிநிதிகள் ஜூல்ஸ் ரோமன்(1885-1966), பல கூர்மையான சமூக நையாண்டி நாடகங்களின் ஆசிரியர் ("நாக், அல்லது மருத்துவத்தின் வெற்றி", "மான்சியர் லு ட்ரூடெக் வேடிக்கையாக இருக்கிறார்", "தி மேரேஜஸ் ஆஃப் லு ட்ரோடெக்கின்", மற்றும் பல. "பீப்பிள் ஆஃப் குட் வில்" சார்லஸ் வில்ட்ராக் மற்றும் ஜீன்-ரிச்சர்ட் பிளாக் இருபது தொகுதிகள் கொண்ட படைப்பை உருவாக்கியவர்கள்.

ஒரு திறமையான நாடக ஆசிரியரின் சிறந்த நாடகம், பிரெஞ்சு எதிர்ப்பில் செயலில் உள்ள நபர் சார்லஸ் வில்ட்ராக்(1884-1971), நாடக விமர்சகர்கள் "ஸ்டீம்போட் டெனிசிட்டி" (1919) என்று அழைக்கப்பட்டனர், இது நாட்டின் நாடக வாழ்க்கையில் குறிப்பிடத்தக்க நிகழ்வாக மாறியது.

முதல் நாடக ஆசிரியரில் ஒருவர் போரில் பாதிக்கப்பட்ட தலைமுறையின் தலைப்புக்கு திரும்பினார் மற்றும் போருக்குப் பிந்தைய பிரான்சில் தேவையற்றது. "ஸ்டீம்போட் டெனிசிட்டி" நாடகத்தின் முக்கிய கதாபாத்திரங்களான பாஸ்டியன் மற்றும் சேகர், பொய்கள் மற்றும் துரோகத்தால் கட்டமைக்கப்பட்ட நவீன சமுதாயத்தை எதிர்க்கின்றனர்.

"ஸ்டீம்போட் டெனிசிட்டி" நாடகத்தின் தலைப்பு குறியீடாகும்: சேகர் விடாமுயற்சி மற்றும் விடாமுயற்சியின் நீராவிப் படகில் தொலைதூர நாடுகளுக்குச் செல்கிறார், அங்கு அவருக்கு புதிய குறைகளும் ஏமாற்றங்களும் காத்திருக்கின்றன.

நாடகக் கலைத் துறையில் பிரெஞ்சு யதார்த்தவாதத்தின் நிறுவனர்களில் ஒருவர் திறமையான பிரெஞ்சு எழுத்தாளர், நாடக ஆசிரியர், விளம்பரதாரர், நாடகம் மற்றும் பொது நபராகக் கருதப்படுகிறார். ஜீன்-ரிச்சர்ட் பிளாக் (1884—1947).

ஆர். ரோலண்ட் மற்றும் எஃப். ஜெமியர் ஆகியோரின் ஆக்கப்பூர்வமான யோசனைகளின் ஆதரவாளராக இருந்து, பல ஆண்டுகளாக பிளாக் பிரான்சில் ஒரு நாட்டுப்புற நாடகத்தை உருவாக்க தீவிரமாக போராடினார். 1920 களின் பிற்பகுதியிலும் 1930 களின் முற்பகுதியிலும் நாடகக் கலையை அவர் அலட்சியமாக நடத்தினார், இது முக்கியமாக பொழுதுபோக்கு.

எனவே, "தி ஃபேட் ஆஃப் தி தியேட்டர்" (1930) புத்தகத்தில், நாடக ஆசிரியர் சமகால கலையின் உணர்ச்சிமிக்க அம்பலப்படுத்துபவராக செயல்பட்டார், இங்கு "சிறந்த எண்ணங்களையும் ஆர்வங்களையும்" தூண்டும் பொருத்தமான உள்ளடக்கத்துடன் மேடையில் நாடகங்களை நடத்துவதற்கான அழைப்பு இருந்தது. பார்வையாளர்கள்.

ஜீன்-ரிச்சர்ட் பிளாக் முழுமையாக உருவான நபராக இலக்கிய உலகில் நுழைந்தார்: 1910 இல் அவர் "தி ரெஸ்ட்லெஸ்" நாடகத்தை எழுதினார், இது 12 மாதங்களுக்குப் பிறகு தலைநகரில் உள்ள ஓடியன் தியேட்டரில் அரங்கேற்றப்பட்டது. வெற்றிகரமான பிரீமியர் ஒரு புதிய நாடகத்தை உருவாக்குவதற்கான கோரிக்கையுடன் மீண்டும் நாடக ஆசிரியரிடம் திரும்புவதற்கு Odeon குழுவை கட்டாயப்படுத்தியது.

1936 ஆம் ஆண்டில், தியேட்டர் பிளாக்கின் வரலாற்று நாடகமான தி லாஸ்ட் எம்பரர் (1919-1920) எஃப். ஜெமியர் அரங்கேற்றியது. ஒரு திறமையான நாடக ஆசிரியரின் இந்த நாடகம் பின்னர் ட்ரோகாடெரோவில் உள்ள தேசிய மக்கள் தியேட்டரின் தொகுப்பில் சேர்க்கப்பட்டது, பின்னர் ஜெனீவா மற்றும் பெர்லின் நாடக மேடைகளில் நிகழ்ச்சி காட்டப்பட்டது.

1930 களின் முற்பகுதியில், ஜீன்-ரிச்சர்ட் பிளாக் பாலே மற்றும் ஓபரா நிகழ்ச்சிகளின் லிப்ரெட்டோவில் பணியாற்றினார், இதில் தசாப்தத்தின் முடிவில் ஏற்கனவே பல டஜன் இருந்தன. கூடுதலாக, நாடக ஆசிரியர் 1935 இல் பாரிஸில் திறக்கப்பட்ட பீப்பிள்ஸ் தியேட்டரின் அமைப்பு மற்றும் அடுத்தடுத்த வேலைகளில் பங்கேற்றார்.

பிளாக் தனது படைப்புகளை அடிப்படையாகக் கொண்ட நிகழ்ச்சிகளின் ஒத்திகைகளில் தனிப்பட்ட முறையில் கலந்து கொண்டார், நடிகர்கள் விளையாடுவதைப் பார்த்து அவர்களுக்கு பயனுள்ள ஆலோசனைகளை வழங்கினார். புகழ்பெற்ற நாடக ஆசிரியரின் செயலில் பணிபுரிந்ததற்கு நன்றி, 1937 ஆம் ஆண்டில், பாரிஸ் பொதுமக்கள் குளிர்கால வெலோட்ரோமின் வளாகத்தில் "தி பர்த் ஆஃப் எ சிட்டி" என்ற வெகுஜன நாட்டுப்புற நிகழ்ச்சியைக் கண்டனர்.

ஆக்கிரமிப்பின் ஆண்டுகளில், J. R. Blok, A. Barbusse, R. Rolland மற்றும் பிரான்சின் வேறு சில முற்போக்கு நபர்களுடன் சேர்ந்து, பாசிச எதிர்ப்பு தொழிற்சங்கத்தின் ஒரு பகுதியாக இருந்தார்.

1941 இல் அவர் நாட்டை விட்டு வெளியேறி சோவியத் யூனியனில் குடியேற வேண்டிய கட்டாயம் ஏற்பட்டது. இங்கு கழித்த நான்கு ஆண்டுகள் மிகவும் பலனளித்தன: தேசபக்தி நாடகங்களான A Search in Paris (1941) மற்றும் Toulon (1943), நிஜ வாழ்க்கை நிகழ்வுகளை பிரதிபலிக்கும் மற்றும் பல திரையரங்குகளின் மேடைகளில் பின்னர் அரங்கேற்றப்பட்டது, இதயங்களில் அன்பான பதிலைக் கண்டது. முற்போக்கு மக்களின் ஆன்மாக்கள். 1950 ஆம் ஆண்டில், ஜீன்-ரிச்சர்ட் பிளாக்கிற்கு மரணத்திற்குப் பின் உலக தங்கப் பதக்கம் வழங்கப்பட்டது.

மேலே குறிப்பிடப்பட்ட நாடக ஆசிரியர்களை விட குறைவான பிரபலம் இல்லை, ரசித்தேன் ஆண்ட்ரே கிட்(1869-1951) - ஒரு திறமையான பிரெஞ்சு குறியீட்டு எழுத்தாளர், கலைக்கான நோபல் பரிசு (1947).

இலக்கிய உலகில், அவரது பெயர் 1891 முதல் அறியப்படுகிறது. ஆண்ட்ரே பல சிறு படைப்புகளை எழுதினார், இது ஒரு பெருமை, சுதந்திரத்தை விரும்பும் நபரின் உருவத்தை முன்வைத்தது, அவர் நவீன சமுதாயத்தை வெறுக்கிறார், தனிப்பட்ட நலன்களை அரசுக்கு மேலே வைத்தார்.

இந்த கருப்பொருளின் தொடர்ச்சியாக "சௌல்" (1898) மற்றும் "கிங் கண்டவல்" (1899) நாடகங்கள் இருந்தன, இதில் கொடூரமான கொடுங்கோலர்கள் மற்றும் பொது மக்களின் பிரதிநிதிகளின் கோரமான படங்களை ஆசிரியர் கைப்பற்றினார். நவீன யதார்த்தத்தின் மீதான கூர்மையான நையாண்டி ஆண்ட்ரே கிடேவின் பிற படைப்புகளுடன் ஊக்கப்படுத்தப்பட்டது.

மிகவும் வெற்றிகரமான படைப்புகளில் ஒன்று, ஆசிரியரின் கூற்றுப்படி, 1899 இல் வெளியிடப்பட்ட "ஃபிலோக்டெட்ஸ்" நாடகம், இரண்டு தசாப்தங்களுக்குப் பிறகு தலைநகரின் திரையரங்குகளில் ஒன்றின் மேடையில் அரங்கேற்றப்பட்டது.

இருப்பினும், தனித்துவத்தின் கொள்கைகள் மற்றும் ஒழுக்கக்கேட்டின் பிரசங்கம் எழுத்தாளரின் பிற்கால படைப்புகளில் மிகத் தெளிவாக ஒலித்தது - தி இம்மோரலிஸ்ட் (1902), வத்திக்கான் நிலவறைகள் (1914) மற்றும் தி கள்ளநோட்டுகள் (1925).

A. Gide இன் படைப்பின் உச்சம் 1930 கள் - 1940 களில் விழுந்தது, இந்த காலகட்டத்தில் அவர் பல வியத்தகு தலைசிறந்த படைப்புகளை உருவாக்கினார் - நாடகம் "ஓடிபஸ்" (1930), நாடக சிம்பொனி "பெர்செபோன்" (1934) க்கான லிப்ரெட்டோ. ஸ்ட்ராவின்ஸ்கி மற்றும் பிறர் இசையில் "கிராண்ட் ஓபராவில்" அரங்கேற்றப்பட்டது.

1930 களின் படைப்புகளில் தெளிவாக வெளிப்படுத்தப்பட்ட ஒரு பெரும் சுமையிலிருந்து விடுதலைக்கான நம்பிக்கை, பிற்காலத்தின் எழுத்துக்களில் அவநம்பிக்கையான கணிப்புகளால் மாற்றப்பட்டது. நாடக ஆசிரியர் எப்படியாவது நவீன யதார்த்தத்துடன் வர முயன்றார், ஆனால், இந்த முயற்சிகளின் பயனற்ற தன்மையை உணர்ந்து, அவர் ஆழ்ந்த மன அழுத்தத்தில் விழுந்தார்.

சோவியத் யூனியனில் இருந்து திரும்புதல் (1936) புத்தகம் ஐரோப்பாவில் நடக்கும் நிகழ்வுகளுக்கு விடையிறுப்பாக இருந்தது, அங்கு ஆசிரியர் பாசிசத்தின் மனிதாபிமானமற்ற சித்தாந்தத்தை பகுப்பாய்வு செய்ய முயன்றார்.

1940 ஆம் ஆண்டு A. Gide எழுதிய "Robert, or Public Interest" நாடகத்தில், ஆன்மிகக் குழப்பம், ஐரோப்பாவில் எடை கூடிக் கொண்டிருந்த ஒரு சக்தி வாய்ந்த சக்தியைப் பற்றிய பயம் கூட தெளிவாக உணரப்பட்டு, பாரிசியன் திரையரங்குகளில் ஒன்றின் மேடையில் அரங்கேறியது. ஆண்டுகள் கழித்து.

எழுத்தாளரின் கடைசி படைப்புகள் ("சோதனை", 1947, முதலியன) பண்டைய வரலாறு மற்றும் பைபிளிலிருந்து கடன் வாங்கப்பட்ட பண்டைய புனைவுகள் மற்றும் அடுக்குகளின் ஒரு வகையான விளக்கம். இந்த மனிதனின் ஆரம்பகால நாடகப் படைப்புகளில் உள்ளார்ந்த தனித்துவத்தின் பிரசங்கத்தை அவர்கள் உருவாக்கினர்.

"நாடக ஆசிரியரின் பொது, தேசபக்தி அபிலாஷைகளை" எதிர்ப்பவராக, ஆண்ட்ரே கிட் நம் காலத்தின் பிரச்சினைகளை பாதிக்காத "தூய்மையான" கலையை உருவாக்க பாடுபட்டார். நவீன நாடகத்தின் நிலைக்கு அர்ப்பணிக்கப்பட்ட அவரது ஏராளமான படைப்புகளுடன் ("தியேட்டரின் பரிணாமத்தில்" என்ற கட்டுரை, முதலியன), அவர் நாடகக் கலை மற்றும் பிரெஞ்சு "அவாண்ட்- பள்ளி" ஆகியவற்றில் இருத்தலியல் போக்கை உருவாக்க ஒரு தளத்தைத் தயாரித்தார். கார்டே தியேட்டர்".

பிரஞ்சு யதார்த்தக் கலையின் மிக உயர்ந்த சாதனை அறிவுசார் நாடகத்தின் மலர்ச்சியாக இருக்கலாம், இது வாழ்க்கையின் மனிதநேய கருத்தை உறுதிப்படுத்தியது.

இந்த வகையின் சிறந்த பிரதிநிதிகளில், அர்மண்ட் சலாக்ரு, ஜீன் காக்டோ, ஜீன் அனோவில் மற்றும் ஜீன் கிராடோக்ஸ் (1882-1944) ஆகியோர் சிறப்பு கவனம் செலுத்த வேண்டியவர்கள். இந்த நாடக ஆசிரியர்களில் கடைசியாக முக்கியமான சமூக-தத்துவ சிக்கல்களைத் தொட்ட பல படைப்புகளை எழுதியவர்: "சீக்ஃபிரைட்" (1928), "ஆம்பிட்ரியன் -38" (1929), "ஜூடித்" (1931), "இருக்கமாட்டார்கள். Trojan War" (1935), " Elektra (1937), The Mad Woman of Chaillot (1942), Sodom and Gomorrah (1943) மற்றும் பலர். இந்த நாடகங்களின் நாடகங்கள் பிரெஞ்சு மக்களிடையே மிகவும் பிரபலமாக இருந்தன.

இருப்பினும், 1930 களின் சிறந்த படைப்புகளில் ஒன்று, சமகாலத்தவர்களால் நாடகம் என்று அழைக்கப்பட்டது ஏ.சலக்ரு"பூமி வட்டமானது" (1937). 1492-1498 இல் புளோரண்டைன் சமுதாயத்தின் வாழ்க்கையைப் பற்றி சொல்லும் வரலாற்று நிகழ்வுகளை அடிப்படையாகக் கொண்டு, நாடக ஆசிரியர் புளோரண்டைன்களின் மத வெறி, தார்மீக மற்றும் அரசியல் நேர்மையற்ற தன்மை மற்றும் அதே நேரத்தில் நவீன உலகின் பிரதிநிதிகளை இரக்கமற்ற விமர்சனத்திற்கு உட்படுத்துகிறார். .

நாங்கள் மத வெறியைப் பற்றி மட்டுமல்ல, வேறு எந்த உருவ வழிபாட்டைப் பற்றியும் பேசுகிறோம், சாதாரண குடிமக்களின் உணர்வு, அவர்களுக்கு வழங்கப்படும் எந்த உத்தரவுக்கும் கீழ்ப்படியத் தயாராக இருந்த வளமான நிலம்.

பேரழிவுகளின் அளவைக் கொண்டு, நாடக ஆசிரியர் போரை கொடுங்கோன்மை மற்றும் வெறித்தனத்துடன் ஒப்பிடுகிறார். இன்னும், சலாக்ரு முன்னேற்றத்தின் வெற்றியில் பார்வையாளர்களை நம்ப வைக்கிறது: உலகம் முழுவதும் பயணம் செய்த மாலுமிகளின் செய்தி அனைவரையும் சென்றடைகிறது. இது வெறித்தனமான குடிமக்களின் கருத்துகளின் தவறான தன்மையை மீண்டும் நிரூபிக்கிறது.

சலாக்ரு போர் ஆண்டுகளின் பல படைப்புகளை (மார்குரைட், 1941; லு ஹவ்ரேவில் நிச்சயதார்த்தம், 1942) மற்றும் போருக்குப் பிந்தைய காலம் (நைட்ஸ் ஆஃப் ஆங்கர், 1946; லெனோயர் தீவுக்கூட்டம், 1945-1947; பவுல்வர்டு டுரான்) நிறுவுவதில் உள்ள சிக்கலுக்கு அர்ப்பணித்தார். உயர் தார்மீக மதிப்புகள். , 1960; "பிளாக் ஸ்ட்ரீட்", 1968, முதலியன). இந்த படைப்புகளில், நாடக ஆசிரியர் உயர்ந்த மனிதநேய கொள்கைகளுக்கும் நவீன யதார்த்தத்திற்கான அவரது விமர்சன அணுகுமுறைக்கும் உண்மையாக இருந்தார்.

ஒரு திறமையான கவிஞர், நாடக ஆசிரியர், ஒளிப்பதிவாளர் 20 ஆம் நூற்றாண்டில் பிரான்சின் கலாச்சார வாழ்க்கையில் ஒரு குறிப்பிடத்தக்க அடையாளத்தை விட்டுச் சென்றார். ஜீன் காக்டோ(1889-1963). பிரான்சின் சிறந்த எழுத்தாளர்களில் ஒருவராகி, ஒரு கவிஞராகவும் நாவலாசிரியராகவும் (டாம் தி ப்ரெடெண்டர், 1923; கடினமான குழந்தைகள், 1929) பிரபலமானார், அவர் விரைவில் கலை நிகழ்ச்சிகளில் ஆர்வம் காட்டினார்.

அவரது படைப்பில் முதன்மையானவர், இந்த நாடக ஆசிரியர் புராணங்களுக்குத் திரும்பினார், இது நவீன யதார்த்தத்தைப் புதிதாகப் பார்க்கவும், உயர் தத்துவ பொதுமைப்படுத்தல்களுக்கு உயரவும் அவரை அனுமதித்தது. 1922 ஆம் ஆண்டில், சோஃபோக்கிள்ஸ் "ஆன்டிகோன்" இன் சோகத்தை காக்டோ விளக்கினார், சில ஆண்டுகளுக்குப் பிறகு அவர் "ஓடிபஸ் ரெக்ஸ்" (1925) மற்றும் "ஆர்ஃபியஸ்" (1926) ஆகியவற்றின் இலவச தழுவல்களை பொதுமக்களுக்கு வழங்கினார்.

20 ஆம் நூற்றாண்டின் 30 - 40 களில், காக்டோ புராண பாடங்களின் விளக்கத்தில் தொடர்ந்து பணியாற்றினார். The Infernal Machine (1932), The Knights of the Round Table (1937), Renault and Armida (1941), The Double-headed Eagle (1946), Bacchus (1952) ஆகிய நாடகங்களின் எழுத்து இக்காலத்தைச் சேர்ந்தது. முந்தைய படைப்புகளுக்கு மாறாக, ஒரு புதிய நோக்கம் இங்கே ஒலிக்கிறது - மனித தைரியம் மற்றும் சகிப்புத்தன்மையின் வெற்றியில் நம்பிக்கை.

புராண நாடகங்களின் பணியுடன், நவீன யதார்த்தத்தின் நிலையை பிரதிபலிக்கும் படைப்புகளை உருவாக்குவதில் காக்டோ பணியாற்றினார் (பயங்கரமான பெற்றோர், 1938; சிலைகள், 1940; தட்டச்சுப்பொறி, 1941). பிரபலமான எடித் பியாஃப், மரியன்னே ஓஸ்வால்ட், ஜீன் மரைஸ் மற்றும் பெர்ட் போவி (மினியேச்சர் "தி ஹ்யூமன் வாய்ஸ்", 1930, முதலியன) ஆகியோரால் நிகழ்த்தப்பட்ட அவரது மினியேச்சர்கள் அல்லது பாடல்கள் குறிப்பாக பிரபலமாக இருந்தன.

ஜீன் காக்டோவின் படைப்பு வாழ்க்கையில் ஒரு முக்கிய இடம் சினிமாவால் ஆக்கிரமிக்கப்பட்டது. 1930 ஆம் ஆண்டில், அவரது ஸ்கிரிப்ட்டின் படி, “தி ப்ளட் ஆஃப் தி கவி” திரைப்படம் அரங்கேற்றப்பட்டது, இருப்பினும், வேலையின் திருப்தியற்ற முடிவுகள் திரைக்கதை எழுத்தாளரை சுயாதீன இயக்குனருக்குத் தள்ளியது: 1946 இல் அவர் “பியூட்டி அண்ட் தி பீஸ்ட்” திரைப்படத்தை வழங்கினார். பார்வையாளர்களுக்கு, "தி டபுள்-ஹெடட் ஈகிள்" (1950) , "ஆர்ஃபியஸ்" (1958) மற்றும் "தி டெஸ்டமென்ட் ஆஃப் ஆர்ஃபியஸ்" (1960).

பல தசாப்தங்களாக, பிரான்சில் மிகவும் பிரபலமான நாடக ஆசிரியர் Jean Anouille(1910-1987). 1930 களின் முற்பகுதியில் தனது இலக்கிய வாழ்க்கையைத் தொடங்கிய அவர் விரைவில் நன்கு அறியப்பட்ட எழுத்தாளராக ஆனார். அவரது பணியின் உச்சம் XX நூற்றாண்டின் 30 - 40 களில் வந்தது. 1932 ஆம் ஆண்டில், Anouilh தனது முதல் நாடகத்தை "The Ermine" என்ற தலைப்பில் எழுதினார், அதில் இரண்டு துருவ உலகங்களை எதிர்க்கும் நோக்கம் - பணக்காரர் மற்றும் ஏழை - முதல் இடத்தில் வைக்கப்பட்டது. சில மாதங்களுக்குப் பிறகு, நகைச்சுவை-பாலே பால் ஆஃப் தீவ்ஸ் (1932) பொதுமக்களுக்கு வழங்கப்பட்டது, இதன் கதைக்களம் ஒரு திருடனுக்கான பணக்கார பெண்ணின் காதல் கதையை அடிப்படையாகக் கொண்டது.

அனுயின் ஆரம்ப கால படைப்பாற்றலின் மிக வெற்றிகரமான படைப்பு விமர்சகர்களால் "தி சாவேஜ் வுமன்" (1934) என அங்கீகரிக்கப்பட்டது. தெரசா என்ற தார்மீக தூய்மையான பெண்ணின் உருவத்துடன், நாடக ஆசிரியர் ஒத்த கதாபாத்திரங்களின் முழு கேலரியையும் திறந்து வைத்தார், பின்னர் அவர் தனது பல படைப்புகளில் தோன்றினார்.

"தி சாவேஜ் வுமன்" குடும்பம் மற்றும் தார்மீக பிரச்சினைகளைத் தொட்ட நாடகங்களை விட குறைவான பிரபலம் இல்லை. அவற்றில் ஒன்று - "ஒரு காலத்தில் ஒரு கைதி இருந்தான்" (1935) - ஒரு புதிய நபராக நீண்ட காலம் பணியாற்றி சிறையில் இருந்து விடுவிக்கப்பட்ட ஒரு ஹீரோவின் தலைவிதியைப் பற்றி சொல்கிறது, மற்றொன்று - "சாமான்கள் இல்லாத ஒரு பயணி" (1936) - நவீன உலகில் ஒரு நபரின் சோகமான விதியைப் பற்றி கூறுகிறது, அதன் நினைவகம் போரின் நினைவுகளால் சுமையாக உள்ளது.

இரண்டாம் உலகப் போரின் ஆண்டுகள் ஜீன் அனோய்லின் வேலையில் ஒரு புதிய கட்டத்தின் தொடக்கத்தால் குறிக்கப்பட்டன, இது பழைய கொள்கைகளில் கசப்பான ஏமாற்றத்தால் வகைப்படுத்தப்பட்டது. ஆயினும்கூட, நாடக ஆசிரியர் தியேட்டரில் தனது முன்னாள் ஆர்வத்தை இழக்கவில்லை.

1942 ஆம் ஆண்டில், புதிய மற்றும் முன்னர் உருவாக்கப்பட்ட இரண்டு நாடகங்களின் சுழற்சிகள் வெளியிடப்பட்டன: "பிளாக் பீசஸ்" என்ற தலைப்பில் முதல் தொகுப்பில் "Ermine", "Passenger without luggage", "Savage" மற்றும் "Eurydice" (1941) ஆகியவை அடங்கும். "தி வைல்ட் ஒன்ஸ்" இன் தொடர்ச்சியாக மாறியது.

இரண்டாவது தொகுப்பு - "இளஞ்சிவப்பு துண்டுகள்" - முதல் விட குறைவான சுவாரசியமானதாக மாறியது; அதில் "பால் ஆஃப் தீவ்ஸ்", "லியோகாடியா" (1939), "டேட் இன் சென்லிஸ்" (1941) ஆகியவை அடங்கும்.

அனுயேவின் படைப்பாற்றலின் இந்த காலகட்டத்தின் மிக முக்கியமான படைப்புகள் "யூரிடிஸ்" மற்றும் "ஆன்டிகோன்" நாடகங்கள் ஆகும், இது ஒரு புராண சதித்திட்டத்தில் எழுதப்பட்டது மற்றும் நம் காலத்தின் பிரச்சினைகளை பாதிக்கிறது. எழுத்தாளர் தனது முழு கவனத்தையும் கதாபாத்திரங்களின் ஆழ்ந்த கருத்தியல் மோதல்களில் செலுத்துகிறார், அதே நேரத்தில் அவர் வாழ்க்கையின் யதார்த்தங்களை தத்துவ சிக்கல்களின் நிலைக்கு உயர்த்துகிறார்.

போருக்குப் பிந்தைய ஆண்டுகளில், அனுய் தொடர்ந்து தீவிரமாக பணியாற்றினார். ஏற்கனவே 1950 களின் முற்பகுதியில், "புத்திசாலித்தனமான துண்டுகள்" (1951) என்ற தலைப்பில் அவரது புதிய தொகுப்பு வெளியிடப்பட்டது, ஐந்து ஆண்டுகளுக்குப் பிறகு "முட்கள் நிறைந்த துண்டுகள்" (1956), பின்னர் "ஆடை துண்டுகள்" (1962) ஆகியவை விவேகமான பொதுமக்களுக்கு வழங்கப்பட்டன. உயர்ந்த மனிதாபிமான கொள்கைகளை பரப்புங்கள்.

"பெக்கெட், அல்லது கடவுளின் மரியாதை" (1959), "அடித்தளம்" (1961) மற்றும் பிற படைப்புகளின் எழுத்து திறமையான நாடக ஆசிரியரின் வாழ்க்கை மற்றும் பணியின் போருக்குப் பிந்தைய காலத்திற்கு சொந்தமானது.

பல விமர்சகர்கள் நாடகத்தை "தி லார்க்" (1953) என்று அழைத்தனர், இது தேசிய கதாநாயகி ஜோன் ஆஃப் ஆர்க்கின் விசாரணை வடிவத்தில் கட்டப்பட்டது, இது அனௌலின் நாடகப் படைப்பின் உச்சம். வேலையின் சோகமான மோதல் (ஒரு மனிதனுக்கும் விசாரணையாளருக்கும் இடையிலான மோதல்) ஒரு கூர்மையான சமூக-தத்துவ ஒலியைப் பெறுகிறது. இறுதியில், மனிதநேயக் கருத்துக்கள் மனிதகுலத்தின் எதிரியான விசாரணையாளரின் நம்பிக்கைகளின் மீது வெற்றி பெறுகின்றன.

1930 களின் நடுப்பகுதியில் பெரும்பாலான பிரெஞ்சு திரையரங்குகளின் தொகுப்பில் நுழைந்த அனூலின் நாடகம் பல தசாப்தங்களாக தேவைப்பட்டது. இன்றுவரை, இந்த நாடக ஆசிரியரின் சிறந்த படைப்புகளின் நிகழ்ச்சிகளை பாரிசியன் தியேட்டர்களின் மேடைகளில் காணலாம்.

போர் மற்றும் போருக்குப் பிந்தைய காலகட்டத்தின் பிரெஞ்சு நாடகவியலின் மிக முக்கியமான பிரதிநிதி இருத்தலியல்வாதத்தின் அங்கீகரிக்கப்பட்ட தலைவர். ஜீன் பால் சார்த்ரே(1905-1980). தார்மீக சிக்கல்களை வளர்ப்பதை நோக்கமாகக் கொண்ட தத்துவம், சார்த்தரின் பல வியத்தகு தலைசிறந்த படைப்புகளில் பிரதிபலிக்கிறது.

ஒரு நபர் தனது விருப்பத்தில் சுதந்திரமாக இருக்கிறார் என்று நம்புகிறார், எந்த சூழ்நிலையிலும் அவர் தன்னை உருவாக்கிக் கொண்டதாகத் தோன்றுகிறார், நாடக ஆசிரியர் ஒரு சிக்கலான சூழ்நிலையில் தங்களைக் கண்டறிந்த ஹீரோக்களின் நடத்தை பற்றிய ஆய்வுக்கு திரும்பினார். இதன் விளைவாக, நாடகங்கள் தார்மீக மற்றும் போதனை உள்ளடக்கத்தின் தத்துவ உவமைகளின் தன்மையைப் பெற்றன.

போர் ஆண்டுகளில், சார்த்தரின் படைப்புகள் சண்டைக்கான அழைப்பை ஒலித்தன. 1943 இல் ஆக்கிரமிக்கப்பட்ட பாரிஸில் டல்லின் அரங்கேற்றிய அவரது "ஈக்கள்" இவை. புராண ஹீரோக்களில், எதிர்ப்பின் உருவங்கள் (ஓரெஸ்டெஸின் படம்), நாஜி யோசனைகளைத் தாங்குபவர்கள் (ஏஜிஸ்டஸின் படம்) மற்றும் கூட்டுப்பணியாளர்களின் சமரச நிலைப்பாட்டின் ஆதரவாளர்கள் (கிளைடெம்னெஸ்ட்ராவின் படம்) எளிதில் யூகிக்கப்படுகின்றன.

எதிர்காலத்தில், ஜே.பி. சார்த்தர் பெரும்பாலும் வரலாற்றுக் கதைகளுக்குத் திரும்பினார் ("பிசாசு மற்றும் இறைவன் கடவுள்", 1951), இருப்பினும், நவீன சமூக-அரசியல் யதார்த்தத்தின் பிரதிபலிப்பு பெரும்பாலும் இருத்தலியல் உணர்வில் தத்துவ சோதனைகளுடன் சேர்ந்தது ("பின்னால்" நாடகங்கள் தி க்ளோஸ்டு டோர் (1944), "டர்ட்டி ஹேண்ட்ஸ்" (1948), "த டெட் வித்தவுட் எ எக்ஸிகியூஷனர்" (1946) போன்றவை).

The Recluses of Altona (1959) என்ற உளவியல் நாடகம், போருக்குப் பிந்தைய உலகில் பாசிசத்தின் மறுமலர்ச்சிக்கு எதிராக, கடந்த காலத் தவறுகளை மீண்டும் செய்வதற்கு எதிராக ஒரு எச்சரிக்கையாக இருந்தது. சார்த்தரின் பல படைப்புகளைப் போலவே இங்கும், தனிமை மற்றும் எதிர்காலத்தைப் பற்றிய பீதி பயத்தின் சோகமான உருவங்கள் வெளிப்பட்டன.

20 ஆம் நூற்றாண்டின் 40-50 களில், "அபத்தவாதிகளின்" வியத்தகு தலைசிறந்த படைப்புகள் சார்த்தரின் படைப்புகளின் மனநிலையில் ஒத்ததாக மாறியது. அத்தகைய நிலையிலிருந்து வெளியேறுவதற்கான வழியைத் தேடும் ஒரு நபரின் அழிவைப் பற்றிய பிரசங்கம், அலாஜிஸத்திற்கு (ஐயோனெஸ்கோவின் படைப்புகளில் உலகின் பகுத்தறிவற்ற அல்லது மாய பார்வை), மரணத்தின் அடிபணிந்த எதிர்பார்ப்பு (பெக்கெட்டில்) அல்லது மரணத்திற்கு வழிவகுக்கும் ஒரு அழிவுகரமான கிளர்ச்சி (ஜெனெட்டின் படைப்பில்), "அபத்தமான நாடகத்தின்" முக்கிய கருப்பொருளாக இருந்தது.

மிகவும் பிரபலமான நாடகங்களில் ஒன்று சாமுவேல் பெக்கெட்(1906-1989) "Waiting for Godot" (1952) - ஒரு இருண்ட உவமை, இதில் மத நோக்கங்களுடன், அவநம்பிக்கையான தத்துவ பகுத்தறிவு மற்றும் "கருப்பு நகைச்சுவை" ஆகியவை இணைந்துள்ளன. பல நாடக விமர்சகர்கள் இந்த வேலையை "தத்துவ கோமாளி" என்று அழைத்தனர்.

பெக்கெட்டின் வியத்தகு பாரம்பரியம் ("தி எண்ட் ஆஃப் தி கேம்", 1957; "ஓ! இனிய நாட்கள்!", 1961) விரக்தியுடன் ஊடுருவியது, அவரது ஹீரோக்கள் - குருடர்கள், ஊமைகள், முடங்கி மற்றும் குறும்புக்காரர்கள் - அறிய முடியாத தீய சக்திகளால் கட்டுப்படுத்தப்படும் பொம்மைகளாகத் தோன்றுகிறார்கள். .

ஜீன் ஜெனெட்டின் (1910-1986) படைப்புகள், அவற்றை வினோதமான பேண்டஸ்மகோரியாவாக மாற்ற முயன்றன (தி மெய்ட்ஸ், 1946; நீக்ரோஸ், 1959; பால்கனி, 1960; திரைகள், 1966) பசுமையான பொழுதுபோக்கு மற்றும் வழக்கமான வடிவத்தின் சில சிக்கலான தன்மையால் வேறுபடுகின்றன.

அழுத்தமான பிரச்சனைகளில் இருந்து பொதுமக்களை திசைதிருப்ப வேண்டும், டிரான்ஸ் நிலைக்கு தள்ள வேண்டும் என்ற ஆசை அடிக்கடி ஜே. ஜெனெட்டில் கொடூரமான வன்முறையின் கவிதையாக மாறியது (அநேகமாக, பிரபலமாக மாறுவதற்கு முன்பு எழுத்தாளர் வழிநடத்திய வாழ்க்கை முறை காரணமாக இருக்கலாம்).

யூஜின் ஐயோனெஸ்கோவின் (1912-1994) நாடகங்கள் உண்மையை அறிவதற்கான ஒரு வழிமுறையாக தர்க்கரீதியான சிந்தனையின் மறுப்பால் நிரப்பப்பட்டுள்ளன. நீலிசம் மற்றும் அராஜகவாத கிளர்ச்சியின் பிரசங்கத்துடன் ஊடுருவி, கிட்டத்தட்ட அனைத்து ஆசிரியரின் நாடகப் படைப்புகளிலும் (தி பால்ட் சிங்கர், 1950; பாடம், 1951; நாற்காலிகள், 1952; காண்டாமிருகம், 1959, முதலியன) கோரமான படங்கள் மற்றும் பஃபூனிஷ் நகைச்சுவை உள்ளது.

பாரம்பரிய கலை வடிவங்களுக்கு எதிராகப் பேசிய "அபத்தவாதிகள்" நவீன நாடகத்தை மட்டுமல்ல, இலக்கியம் மற்றும் நாடகவியலையும் மறுத்தனர். மக்கள் ஒருவரையொருவர் புரிந்துகொள்வதற்கான வழிமுறையாக மொழியைக் கருத அவர்கள் மறுத்துவிட்டனர், எனவே "அபத்தமான நாடகத்தின்" வடிவங்களின் சில நுணுக்கங்கள் மற்றும் சிக்கலானது.

போருக்குப் பிந்தைய ஆண்டுகளில் பிரெஞ்சு மேடைக் கலையின் மற்றொரு போக்கு "ஜனநாயக அவாண்ட்-கார்ட்" ஆகும், இதில் மிக முக்கியமான பிரதிநிதி ஆர்தர் அடமோவ்(1908-1970). அவர் கிஸ்லோவோட்ஸ்கில் பிறந்தார். 1914 ஆம் ஆண்டில், குடும்பம் ரஷ்யாவை விட்டு வெளியேறி, நீண்ட அலைந்து திரிந்த பிறகு, பிரான்சில் குடியேறியது.

ஆரம்பகால நாடகங்கள், இளம் நாடக ஆசிரியரின் குழப்பம் மற்றும் ஆன்மீக சீர்குலைவுக்கு சாட்சியமளிக்கின்றன, "அபத்தமான" நாடக ஆசிரியர்களின் கருத்துக்களின் வலுவான செல்வாக்கின் கீழ் எழுதப்பட்டன, ஆனால் நவீன உலகில் உள்ள மக்களின் தலைவிதியில் ஆதாமோவ் சிறப்பு ஆர்வத்தை காட்டத் தொடங்கினார். .

ஒரு திறமையான எழுத்தாளர் ஒரு பாசிச வதை முகாமில் கழித்த ஆறு மாதங்கள் அவரது எதிர்கால வேலைகளில் தடம் பதித்தன. போருக்குப் பிந்தைய ஆண்டுகளில், நாடக ஆசிரியர் தனது சிறந்த படைப்புகளை உருவாக்கினார், ஜனநாயகக் கருத்துக்களின் வெற்றியில் நம்பிக்கை மற்றும் நவீன சமுதாயத்தின் கூர்மையான விமர்சனங்களைக் கொண்டிருந்தார்.

A. Adamov இன் "இன்வேஷன்" (1950), "Ping-Pong" (1955) மற்றும் "Paolo Paoli" (1957) ஆகிய நாடகங்கள் மிகவும் பிரபலமாக இருந்தன. "தி பாலிடிக்ஸ் ஆஃப் ட்ரெக்ஸ்" (1962), "மிஸ்டர் மிதரேட்" (1967) மற்றும் "நோ என்ட்ரி" (1969) ஆகியவை குறைவான பிரபலமானவை அல்ல.

நாடக ஆசிரியர் தனது சிறந்த படைப்புகளை நையாண்டி மற்றும் பத்திரிகை நாடகங்கள் என்று அழைத்தார், அவை "மேற்பகுதியான காட்சிகள்" என்று அழைக்கப்படுகின்றன ("நான் ஒரு பிரெஞ்சுக்காரர் அல்ல", "நெருக்கம்", "சிரிப்பின் புகார்").

தனது சொந்த நாடகங்களை உருவாக்குவதோடு மட்டுமல்லாமல், ஆர்தர் ஆடமோவ் மொழிபெயர்ப்புகளிலும் ஈடுபட்டார். இந்த மனிதருக்கு நன்றி, ஏ.பி. செக்கோவின் படைப்பு பாரம்பரியமான ஏ.எம். கார்க்கியின் "குட்டி முதலாளித்துவ" மற்றும் "வஸ்ஸா ஜெலெஸ்னோவா" உடன் பிரான்ஸ் பழகியது.

XX நூற்றாண்டின் 60 களின் முடிவு பிரெஞ்சு பொதுமக்களின் நாடகத்தில் ஆர்வத்தில் முன்னோடியில்லாத அதிகரிப்பால் குறிக்கப்பட்டது. இளம் எழுத்தாளர்களின் நாடகங்கள் மிகப்பெரிய பிரெஞ்சு வெளியீடுகளான "சைல்" மற்றும் "ஸ்டாக்" ஆகியவற்றில் வெளியிடப்பட்டன, புதிய தயாரிப்புகள் மேடைகளில் அரங்கேற்றப்பட்டன.

இளம் நாடக ஆசிரியர்களின் படைப்புகள், சமூக-அரசியல் யதார்த்தத்தின் பிரதிபலிப்பான நவீன யதார்த்தத்தின் நிகழ்வுகளுக்கு (“கைகலப்பு ஆயுதங்கள்” மற்றும் V. Aim எழுதிய “அழுகிய மரத்தில் பழத்தின் தலாம்”) அதிக அளவில் பிரதிபலிப்பாக இருந்தன (“ ஸ்டுடியோ", "சண்டை", "நாளை", "தெருவில் ஜன்னல்" ஜே.சி. கிரான்பர்).

20 ஆம் நூற்றாண்டின் பிரெஞ்சு நாடகவியலில் ஒரு சிறப்பு இடம் மாகாண தியேட்டர்களின் மேடையில் தங்கள் வாழ்க்கையைத் தொடங்கிய இளம் எழுத்தாளர்களின் பணியால் ஆக்கிரமிக்கப்பட்டது. இந்த வகையான "மனத்திற்கும் இதயத்திற்கும் விருந்து" என்ற அவிக்னான் திருவிழாவில் அவர்கள் தீவிரமாக பங்கேற்றனர். திருவிழாவின் வரலாறு 1947 இல் தொடங்கியது (இதுபோன்ற முதல் நிகழ்வின் அமைப்பாளர் பிரபல நாடக நபர் ஜீன் விலர் ஆவார்).

படைப்பாற்றலில் நவீன உலகில் ஒரு நபரின் தனிமை மற்றும் கைவிடப்பட்ட தீம் ஒரு புதிய ஒலியைப் பெற்றுள்ளது. பர்னாரா மேரி கோல்டெசா(1948 இல் பிறந்தார்). உதாரணமாக, "தி நைட் பிஃபோர் தி ஃபாரஸ்ட்" (1977 இல் அவிக்னான் விழாவில் காட்டப்பட்டது), "நீக்ரோ மற்றும் நாய்களின் போர்" (1983 இல் பாரிஸின் புறநகர்ப் பகுதியில் அரங்கேற்றப்பட்டது) நாடகங்கள் போன்றவை.

சமூக-அரசியல் பிரச்சினைகள் மற்றும் மனித உளவியலுக்கான வேண்டுகோள், பியர் லாவில், டேனியல் பென்ஹார்ட் மற்றும் பிற நாடக ஆசிரியர்களின் படைப்புகளைக் குறித்தது.

நாடகத்தை விட வேகமாக, பிரெஞ்சு நாடகம் 20 ஆம் நூற்றாண்டின் இரண்டாம் பாதியில் வளர்ந்தது. ஏற்கனவே 1960 களின் முற்பகுதியில், வணிக "டேப்லாய்டு" திரையரங்குகள், படிப்படியாக காபரேட்டுகள் மற்றும் பிற பொழுதுபோக்கு நிறுவனங்களுக்கு நெருக்கமாக நகர்ந்தன, ஆண்ட்ரே ரூசின் மற்றும் ரோஜர் ஃபெர்டினாண்ட் ஆகியோரின் விபச்சார நகைச்சுவைகளை அரங்கேற்றுவதற்கும், பல்வேறு எழுத்தாளர்களின் இரத்தக்களரி மெலோடிராமாக்கள் மற்றும் அதிரடி திரைப்படங்களைக் காண்பிப்பதற்கும் ஒரு "அரங்கம்" ஆனது.

ஃபிராங்கோயிஸ் சாகனின் சுத்திகரிக்கப்பட்ட இழிந்த நாடகங்களுடன், அத்தகைய திரையரங்குகளின் தொகுப்பில், மார்செல் ஐமேயின் விசித்திரமான, சற்று கடினமான நாடகங்களும் அடங்கும்.

எல்லாவற்றையும் மீறி, வணிகத் திரையரங்குகள் பிரபல நடிகர்களைக் காண விரும்பும் ஏராளமான பார்வையாளர்களை ஈர்த்தன - ஜீன்-கிளாட் ப்ரியாலி மற்றும் மிச்செலின் ப்ரெல் (இருவரும் "எ பிளே இன் தி இயர்" நாடகத்தில் நடித்தனர்), டேனியல் ஐவர்னல் மற்றும் பால் மியூரிஸ் (" இன் முக்கிய கதாபாத்திரங்கள் ஏணி"), மேரி பெல்லி (ரேசின் சோகத்தின் நவீன தயாரிப்பில் ஃபெட்ரா) போன்றவை.

20 ஆம் நூற்றாண்டின் இரண்டாம் பாதியில் செழுமையான கலாச்சார மரபுகளைத் தாங்கியவர்கள் பிரான்சின் மிகப் பழமையான தியேட்டர், காமெடி ஃபிராங்காய்ஸ் மற்றும் ஆண்ட்ரே பார்சாக் மற்றும் ஜீன் லூயிஸ் பாரோட் அணிகள். 18 ஆம் நூற்றாண்டில் இத்தாலிய நாடக ஆசிரியர் கார்லோ கோல்டோனியால் மிக உயர்ந்த புகழைப் பெற்ற காமெடி ஃபிரான்சைஸின் நடிப்பு, அதன் மீறமுடியாத திறமை மற்றும் உயர் தொழில்முறையால் இன்றும் வியக்க வைக்கிறது: "அதில் சைகையிலோ அல்லது வெளிப்பாட்டிலோ எதுவுமில்லை. ஒவ்வொரு அடியும், ஒவ்வொரு அசைவும், பார்வையும், மௌனக் காட்சியும் கவனமாகப் படிக்கப்படுகிறது, ஆனால் கலை இயற்கையின் மறைவின் கீழ் படிப்பை மறைக்கிறது. பழமையான பிரெஞ்சு தியேட்டரின் மேடை பாணியின் சில அம்சங்கள் மற்ற நடிப்பு குழுக்களின் செயல்திறனில் உள்ளன. இருப்பினும், "காமெடி ஃபிரான்சைஸ்" இன்றுவரை அதன் புகழ் மற்றும் கௌரவத்தை இழக்கவில்லை, பல நடிகர்கள் இந்த தியேட்டரின் மேடையில் தோன்றுவதை ஒரு மரியாதையாக கருதுகின்றனர்.

திறமையான பிரெஞ்சு இயக்குனர்களான ஜீன் லூயிஸ் பாரோ மற்றும் ஆண்ட்ரே பார்சாக் ஆகியோர் புகழ்பெற்ற கார்டெல் பள்ளியில், புகழ்பெற்ற சார்லஸ் டுலின் கீழ் இயக்கும் ரகசியங்களைக் கற்றுக்கொண்டனர். இருப்பினும், அவர்கள் ஒவ்வொருவரும் தங்கள் சொந்த வழியில் மாஸ்டர் பாடங்களை எடுத்தனர்.

ஆண்ட்ரே பார்சாக் (1909-1973) ஒரு இயக்குனர்-உளவியல் நிபுணராக மட்டுமல்லாமல், தியேட்டர் அலங்கரிப்பாளராகவும் புகழ் பெற்றார். சிறுவயதில் நாடகத்தால் கவரப்பட்ட அவர், நடிப்பைத் தொழிலாகக் கொள்ளாமல், கலைஞரின் தொழிலைத் தேர்ந்தெடுத்தார். பாரிஸ் ஸ்கூல் ஆஃப் டெக்கரேட்டிவ் ஆர்ட்ஸில் (1924-1926) பல ஆண்டுகள் படித்தது, அவர் தேர்ந்தெடுத்த தொழிலின் அடிப்படைகளை மாஸ்டர் செய்ய அனுமதித்தது, மேலும் 1928 ஆம் ஆண்டில் பார்சக் அட்லியர் தியேட்டரில் சி. டுல்லனின் வேலைக்குச் சென்றார், இது அந்த ஆண்டுகளில் பிரபலமாக இருந்தது.

இளம் கலைஞரின் முதல் படைப்பு பி. ஜான்சனின் "வோல்போன்" நாடகத்திற்கான இயற்கைக்காட்சி ஆகும், மேலும் இந்த துறையில் சிறந்த தலைசிறந்த படைப்புகள் கால்டெரோன் (1935) எழுதிய "தி டாக்டர் ஆஃப் ஹிஸ் பார்ட்" நாடகத்திற்கான இயற்கைக்காட்சி மற்றும் ஆடைகளின் ஓவியங்கள் ஆகும்.

1930 ஆம் ஆண்டு தொடங்கி, ஏ. பர்சக் ஒரே நேரத்தில் பல திரையரங்குகளில் பணியாற்றினார் - அட்லியர், ட்ரூப் ஆஃப் டீன் மற்றும் ஓபரா ஹவுஸில், அவர் ஸ்ட்ராவின்ஸ்கியின் பெர்செபோனை அலங்கரித்தார்.

1936 ஆம் ஆண்டில், ஆண்ட்ரே ஃபோர் சீசன்ஸ் ட்ரூப் என்ற புதிய தியேட்டரை உருவாக்கத் தொடங்கினார், இது விரைவில் அதன் முதல் தயாரிப்பை பார்வையாளர்களுக்கு வழங்கியது - கோஸியின் தி ஸ்டாக் கிங் (இது இயக்குனர் பர்சாக்கின் முதல் படைப்பு).

1937/1938 சீசனில், இந்த தியேட்டரின் மேடையில் பல நிகழ்ச்சிகள் நடத்தப்பட்டன, அதற்கான காட்சிகளை இயக்குனரே நிகழ்த்தினார் - அஷரின் "ஜீன் ஃப்ரம் தி மூன்", ரோமைனின் "நாக்", "ஒருமுறை ஒரு கைதி இருந்த நேரம்" அனுய், முதலியன. குழுவின் வெற்றிகரமான நிகழ்ச்சிகள் நியூயார்க், பாரிஸ் மற்றும் பிரான்ஸ், பெல்ஜியம் மற்றும் பிரேசில் மாகாண நகரங்களில் சுற்றுப்பயணங்களைத் தொடங்க அனுமதித்தது.

1940 ஆம் ஆண்டில், ஆண்ட்ரே பார்சாக் அட்லியர் தியேட்டரின் இயக்குநராக நியமிக்கப்பட்டார், அதே நேரத்தில் அவர் தொடர்ந்து செட் டிசைனராகவும் மேடை இயக்குநராகவும் பணியாற்றினார். இந்த மனிதனின் தீவிர பங்கேற்புடன், ஸ்கேபினின் தந்திரங்கள் (1940), அனுயின் யூரிடிஸ் மற்றும் ரோமியோ மற்றும் ஜீனெட் (1940), தஸ்தாயெவ்ஸ்கியின் தி பிரதர்ஸ் கரமசோவ் (1946) மற்றும் பல நிகழ்ச்சிகள் அட்லியர் மேடையில் அரங்கேற்றப்பட்டன.

1948 ஆம் ஆண்டில், பார்சக் கோகோலின் "இன்ஸ்பெக்டர் ஜெனரல்" பார்வையாளர்களுக்கு வழங்கினார், 1940 இல் - செக்கோவின் "தி சீகல்", மற்றும் 1958-1959 இல் - மாயகோவ்ஸ்கியின் "பக்" நாடகம்.

இருப்பினும், தஸ்தாயெவ்ஸ்கியின் தி இடியட் நாவலைத் தழுவியதற்காக இயக்குனர் பர்சாக் மிகவும் பிரபலமானவர், இதில் நாஸ்தஸ்யா பிலிப்போவ்னாவின் பாத்திரத்தை பிரபல சோக நடிகை கேத்தரின் செல்லர் நடித்தார்.

துர்கனேவின் படைப்பான "நாட்டில் ஒரு மாதம்" அரங்கேற்றம் குறைவான பிரபலமாக இல்லை. செயல்திறன் மிகவும் கவிதையாக மாறியது, கதாபாத்திரங்களின் நுட்பமான உளவியல் பண்புகள் அவற்றின் உண்மையான சாரத்தை புரிந்து கொள்ள முடிந்தது.

ஆண்ட்ரே பார்சாக்கின் மற்றொரு பகுதி இலக்கிய செயல்பாடு. அவர் 1947 இல் "அட்லியர்" அரங்கில் அரங்கேற்றப்பட்ட "அக்ரிப்பா, அல்லது கிரேஸி டே" நகைச்சுவை மற்றும் தியேட்டர் பற்றிய பல கட்டுரைகளின் ஆசிரியர் ஆவார்.

திறமையான நடிகரும் இயக்குனருமான ஜீன் லூயிஸ் பாரோட் (1910-1994) பிரெஞ்சு மேடைக் கலையின் வளர்ச்சியில் சிறப்புப் பங்கு வகித்தார். அவர் ஒரு மருந்தாளரின் குடும்பத்தில் பிறந்தார், ஏற்கனவே அவரது குழந்தை பருவத்தில் அவர் வரைவதில் சிறந்த திறனைக் காட்டினார். தேவையான வயதை எட்டியதும், சிறுவன் பாரிஸில் உள்ள லூவ்ரே பள்ளியில் ஓவியப் படிப்புகளில் நுழைந்தான். இருப்பினும், ஜீன் லூயிஸ் இந்த கல்வி நிறுவனத்தில் பட்டம் பெற விதிக்கப்படவில்லை, நாடகத்தின் மீதான அவரது ஆர்வம் அவரை ஒரு கலைஞராக தனது வாழ்க்கையை கைவிட்டு, Ch. Dullen "Atelier" நாடகக் குழுவில் சேர கட்டாயப்படுத்தியது.

1932 ஆம் ஆண்டில் தியேட்டர் தயாரிப்புகளில் ஒரு சிறிய பாத்திரத்தில் அறிமுகமானார், பாரோ கிட்டத்தட்ட அனைத்து நிகழ்ச்சிகளிலும் பங்கேற்கத் தொடங்கினார். ஆனால் திறமையின் பற்றாக்குறை தொழில் வளர்ச்சியைத் தடுத்தது, மேலும் இளம் நடிகர் பிரபலமான மைம் ஈ. டிக்ரூக்ஸுடன் பாண்டோமைம் கலையில் ஈடுபட விருப்பம் காட்டினார்.

1935 ஆம் ஆண்டில், அட்லியர் தியேட்டரின் மேடையில், பால்க்னரின் நாவலான வைல் ஐ வாஸ் டையிங்கை அடிப்படையாகக் கொண்ட பாண்டோமைம் நியர் தி மதரின் முதல் காட்சி திரையிடப்பட்டது. இந்த நடிப்பில், ஜீன் லூயிஸ் ஒரு குதிரையாகவும் அதைச் சுற்றி சவாரி செய்யும் வீரராகவும் நடித்தார். அதே நேரத்தில், பாரோ தனது திரைப்பட அறிமுகமானார் ("சில்ட்ரன் ஆஃப் பாரடைஸ்" திரைப்படம்). சர்ரியலிஸ்டுகள் மற்றும் "அக்டோபர்" நாடகக் குழுவுடனான அவரது அறிமுகம் அவரது வாழ்க்கையில் மிக முக்கியமான நிகழ்வு.

விரைவில், ஜீன் லூயிஸ் டுலினை விட்டு வெளியேறி, அகஸ்டின் அட்டிக் என்று அழைக்கப்படும் தனது சொந்த குழுவை ஏற்பாடு செய்தார், ஆனால் அட்லியருடன் ஒத்துழைப்பதை நிறுத்தவில்லை. 1939 ஆம் ஆண்டில், சலாக்ருவின் பாசிச எதிர்ப்பு நாடகமான தி எர்த் இஸ் ரவுண்ட், டல்லன் தியேட்டரில் அரங்கேற்றப்பட்ட சில்வியோ என்ற பாத்திரத்தில் பாரோ நடித்தார், மேலும் ஹம்சனின் பஞ்சம் நாடகத்தின் அரங்கேற்றத்தை பார்வையாளர்களுக்கு வழங்கினார்.

சில ஆண்டுகளுக்கு முன்பு, ஜே. எல். பாரோட் தியேட்டர் அன்டோயின் மேடையில் தேசபக்தி நாடகமான நுமான்சியாவுடன் அறிமுகமானார் (செர்வாண்டஸின் கூற்றுப்படி). உற்பத்தியின் நேரமும் பொருத்தமும் காரணமாக இந்த செயல்திறன் முன்னோடியில்லாத வெற்றியைப் பெற்றது (அந்த நேரத்தில், முழு முற்போக்கான பொதுமக்களும் ஸ்பெயினில் போரின் முடிவைப் பற்றி கவலைப்பட்டனர்).

1940 ஆம் ஆண்டில், பார்ராட் காமெடி ஃபிரான்சைஸ் தியேட்டருக்கு அழைக்கப்பட்டார், அங்கு அவர் 1946 வரை பணியாற்றினார். பிரான்சில் மிகவும் பிரபலமான இந்த மேடையில், ஷேக்ஸ்பியரின் "சிட்" இல் ரோட்ரிகோ மற்றும் அதே பெயரில் நாடகத்தில் டெஸ்பரேட் ஹேம்லெட் உட்பட பல பாத்திரங்களில் நடித்தார். கூடுதலாக, ஜீன் லூயிஸ் தியேட்டரின் கிளாசிக்கல் தொகுப்பை மறுபரிசீலனை செய்தார்: ரேசினின் பேட்ரா (1942), கிளாடலின் தி சாடின் ஸ்லிப்பர் (1943) மற்றும் ஷேக்ஸ்பியரின் ஆண்டனி மற்றும் கிளியோபாட்ரா (1945) ஆகியவை பார்ரால்ட் அரங்கேற்றப்பட்ட அதிநவீன பார்வையாளர்களிடையே மிகவும் பிரபலமாகின.

ஒரு திறமையான இயக்குனரின் ரசனைகளில் சில எலெக்டிசிசத்தின் சான்று, நகைச்சுவை அல்லது சோகம், ஓபரெட்டா அல்லது பாண்டோமைம் என பல்வேறு வகைகளின் படைப்புகளை வெற்றிகரமாக அரங்கேற்றியது. அதே நேரத்தில், பல்வேறு வகையான கலைகளில் உள்ளார்ந்த வெளிப்பாட்டின் சிறந்த வழிமுறைகளை இணக்கமாக இணைக்கும் ஒரு செயற்கை தியேட்டரை உருவாக்க அவர் பாடுபட்டார்.

1946 ஆம் ஆண்டில், ஜீன் லூயிஸ் ஒரு புதிய நடிப்பு குழுவை ஏற்பாடு செய்தார், அதில் அவரைத் தவிர, எம். ரெனால்ட் (இயக்குனரின் மனைவி) மற்றும் பல திறமையான கலைஞர்களும் அடங்குவர்.

பராட் இந்த குழுவின் கலை இயக்குனராகவும் முன்னணி நடிகராகவும் ஆனார், இது "மரிக்னி" தியேட்டரின் கட்டிடத்தில் நிகழ்த்தப்பட்டது. Salacru's Nights of Anger (1946), Kafka's Trial (1947), Moliere's Tricks of Scapin (1949), Claudel's Christopher Columbus (1950), Ashar's Malbrook Going on Campaign, The Cherykhovad போன்ற நிகழ்ச்சிகள் இங்கு அரங்கேற்றப்பட்டன.

இந்த தயாரிப்புகளில் சிலவற்றில், ஜீன் லூயிஸ் ஒரு இயக்குனராக மட்டுமல்லாமல், முக்கிய வேடங்களில் நடித்தார் (நைட்ஸ் ஆஃப் ஆங்கரில் பாசிச எதிர்ப்பு தேசபக்தர் கோர்டோ, அதே பெயரில் கிறிஸ்டோபர் கொலம்பஸ், தி செர்ரியில் டிராஃபிமோவ் நாடகத்தில் நடித்தார். பழத்தோட்டம், முதலியன).

1959 இல், பாரிஸில் உள்ள தியேட்ரே டி பிரான்ஸின் தலைவராக பாரவுட் தேர்ந்தெடுக்கப்பட்டார். அதே நேரத்தில், ஐயோனெஸ்கோவின் ரைனோஸ், க்ளாடலின் கோல்டன் ஹெட் மற்றும் அனோயிலின் லிட்டில் மேடம் மோலியர் ஆகிய நாடகங்களின் அவரது தயாரிப்புகள் ஒரே காலத்தைச் சேர்ந்தவை.

இயக்குதல் மற்றும் நடிப்பு தவிர, பாரோ பொது நடவடிக்கைகளிலும் ஈடுபட்டார்: பல ஆண்டுகளாக அவர் ஜே. பெர்டோ மற்றும் ஆர். ரூலோ ஆகியோரின் உதவியுடன் பாரிஸில் நிறுவப்பட்ட நாடகக் கலைப் பள்ளியின் இயக்குநராக இருந்தார். பெரு ஜீன் லூயிஸ் பாராட் "தியேட்டர் பற்றிய பிரதிபலிப்புகள்" என்ற இலக்கியப் படைப்பை வைத்திருக்கிறார், இதில் ஆசிரியர் உண்மையைத் தேடுபவராகவும் மேடைக் கலையின் கவிஞராகவும் செயல்படுகிறார்.

எனவே, போருக்குப் பிந்தைய ஆண்டுகளில் பிரெஞ்சு நாடகத்தின் வளர்ச்சியில் பாரோட் மற்றும் பார்சாக்கின் பணி குறிப்பிடத்தக்க தாக்கத்தை ஏற்படுத்தியது. எவ்ரே, லா ப்ரூயர் மற்றும் மைக்கேல் தியேட்டர்களின் மேடைகளில் சிறந்த மாஸ்டர்களான பியர் ஃபிராங்க், ஜார்ஜஸ் விட்டலி, ஜீன் மேயர் ஆகியோரின் செயல்பாடு குறைவான சுவாரஸ்யமானது.

1950 களின் தொடக்கத்தில், திறமையான இயக்குனர் ஜீன் விலாரின் (1912-1971) குழுவிற்கு வந்ததன் காரணமாக, தேசிய நாட்டுப்புற தியேட்டர் F. Gemier இன் முன்னாள் புத்துயிர் பெறப்பட்டது. குறுகிய காலத்தில், இந்த மனிதர் தேசிய மக்கள் தியேட்டரை பிரான்சின் சிறந்த திரையரங்குகளில் ஒன்றாக மாற்ற முடிந்தது.

Vilar ஒற்றை இலக்கைத் தொடர்ந்தார்: "ஸ்டானிஸ்லாவ்ஸ்கியின் புத்திசாலித்தனமான மற்றும் அடிப்படை சூத்திரத்தின்படி" மில்லியன் கணக்கான பார்வையாளர்களுக்கு தியேட்டரை அணுகக்கூடியதாக மாற்றுவது. திறமையான மேடை இயக்குனர் ஒரு புதிய மேடை பாணியை உருவாக்கியவர்: எளிய மற்றும் அதே நேரத்தில் கம்பீரமான, அழகியல் ரீதியாக சரியான மற்றும் அணுகக்கூடிய, ஆயிரக்கணக்கான பார்வையாளர்களுக்காக வடிவமைக்கப்பட்டுள்ளது.

விலர் உண்மையிலேயே வாழும் தியேட்டரை உருவாக்கினார், அதில் பார்வையாளர்கள் ஒரு குறிப்பிட்ட பாத்திரத்தை வகித்தனர், தியேட்டரில் இருந்து வெகு தொலைவில் இருந்தவர்களிடையே கூட கலை நிகழ்ச்சிகளில் ஆர்வத்தைத் தூண்ட முடிந்தது. இந்த நபரின் முன்முயற்சியில், பார்வையாளர்களின் சேவை அமைப்பு மறுசீரமைக்கப்பட்டது: நிகழ்ச்சி தொடங்குவதற்கு இரண்டு மணி நேரத்திற்கு முன்பு, தேசிய நாட்டுப்புற தியேட்டரில் ஒரு கஃபே திறக்கப்பட்டது, அங்கு நீங்கள் வேலைக்குப் பிறகு சாப்பிடலாம், கூடுதலாக, நிகழ்ச்சிகள் தொடங்கியது. பார்வையாளர்களுக்கு வசதியான நேரம்.

படிப்படியாக, தியேட்டர் ஒரு வகையான நாட்டுப்புற கலாச்சார இல்லமாக மாறியது, இது நிகழ்ச்சிகள் மற்றும் திரைப்படங்களைக் காட்டியது மட்டுமல்லாமல், இலக்கிய மற்றும் இசை மாலைகள், சிற்பம் மற்றும் ஓவியம் ஆகியவற்றின் கண்காட்சிகளை ஏற்பாடு செய்தது. அந்த ஆண்டுகளில், தேசிய நாட்டுப்புற தியேட்டரின் தலைமையால் ஏற்பாடு செய்யப்பட்ட "நாட்டுப்புற பந்துகள்" மிகப்பெரிய புகழ் பெற்றது.

உள்நாட்டு மற்றும் வெளிநாட்டு கிளாசிக் படைப்புகளை மேடையில் வைத்து, ஜீன் விலார் தனது கேள்விகளுக்கான பதில்களைக் கண்டுபிடிக்கவும், கடந்த காலத்திலிருந்து தேவையான படிப்பினைகளைப் பெறவும் முயன்றார். தலைப்பு பாத்திரத்தில் ஜெரார்ட் பிலிப்புடன் கார்னிலின் சிட் தயாரிப்புகள் (1951), ஜி. க்ளீஸ்டின் பிரின்ஸ் ஆஃப் ஹோம்பர்க் (1952), மோலியரின் டான் ஜியோவானி (1953) மற்றும் ஷேக்ஸ்பியரின் மக்பத் (1954).

விலாரின் விளக்கத்தில் "சித்" நாடகம் காதல் மற்றும் பிரபுக்கள் பற்றிய ஒரு கவிதையாகத் தோன்றியது, உணர்வு நிறைந்த உரை ஒவ்வொரு குடிமகனுக்கும் புரிந்துகொள்ளக்கூடிய பேச்சு வார்த்தையாக மேடையில் ஒலித்தது.

இந்த தயாரிப்பு நாட்டுப்புற பிரெஞ்சு நாடகத்தின் மறுமலர்ச்சியின் அடையாளமாக மாறியது, பிரான்சின் சிறந்த மக்கள் அதை ஆர்வத்துடன் பேசினர். எனவே, லூயிஸ் அரகோன் "சிட்" "பிரெஞ்சு மேடையில் இதுவரை அரங்கேற்றப்பட்ட சிறந்த செயல்திறன்" என்று அழைத்தார், மேலும் மாரிஸ் தோரெஸ், இந்த தலைசிறந்த படைப்பைப் பார்த்த பிறகு, "தேசிய பாரம்பரியம் நம்முடையது" என்று குறிப்பிட்டார்.

நேஷனல் பீப்பிள்ஸ் தியேட்டரின் மேடையில், நாட்டுப்புற வரலாற்றுக் கருப்பொருளைப் புரிந்துகொள்வதில் முக்கியமான படிகள் எடுக்கப்பட்டன, ஹ்யூகோவின் மேரி டியூடரின் தயாரிப்புகள் (1955) மற்றும் முசெட்டின் (1958) லோரென்சாசியோவின் தயாரிப்புகள் நவீன உலகில் உண்மையான உணர்வாக மாறியது.

1960-1961 ஆம் ஆண்டில், சோஃபோக்கிள்ஸின் ஆன்டிகோன், ப்ரெக்ட்டின் ஆர்டுரோ யூயின் வாழ்க்கை, ஓ'கேசியின் ஸ்கார்லெட் ரோஸஸ் ஃபார் மீ, கால்டெரானின் அல்கால்டேஸ் சலாமி மற்றும் அரிஸ்டோபேன்ஸின் தி வேர்ல்ட் ஆகியவற்றின் நிகழ்ச்சிகளை விலர் பார்வையாளர்களுக்கு வழங்கினார். இந்த தயாரிப்புகளில், அமைதி மற்றும் சுதந்திரத்திற்காக போராடும் ஒரு நாட்டுப்புற ஹீரோவின் படம் உருவாக்கப்பட்டது.

பல திறமையான நடிகர்கள் புகழ்பெற்ற ஜீன் விலார் கீழ் பணிபுரிந்து கௌரவிக்கப்பட்டனர். படிப்படியாக, தேசிய நாட்டுப்புற தியேட்டரில் மிகவும் தொழில்முறை நடிப்பு குழு உருவாக்கப்பட்டது, இதில் ஜெரார்ட் பிலிப், டேனியல் சொரானோ, மரியா கசரேஸ், கிறிஸ்டியன் மினாசோலி மற்றும் பிற நடிகர்கள் அடங்குவர். சிறந்த அலங்கரிப்பாளர்கள், விளக்குகள், ஆடை வடிவமைப்பாளர்கள் மற்றும் பிற மேடைப் பணியாளர்களும் இங்கு குவிந்தனர்.

ஜெரார்ட் பிலிப் (1922-1959) போருக்குப் பிந்தைய பிரான்சின் மிகவும் பிரபலமான நடிகர்களில் ஒருவர், நவீன காதல் நடிகர்களில் அங்கீகரிக்கப்பட்ட தலைவர். அவர் 1942 இல் மேடையில் அறிமுகமானார், விரைவில் பிரபலமானார்.

இந்த நடிகரின் பங்கேற்புடன் பல நிகழ்ச்சிகள் உண்மையான பொது ஆர்வத்தைத் தூண்டின. ஜெரார்ட் பிலிப் பல மறக்க முடியாத படங்களை உருவாக்கினார் - கார்னிலின் பக்கத்தில் ரோட்ரிகோ, அதே பெயரில் நாடகத்தில் ஹோம்பர்க் இளவரசர், முசெட்டின் நாடகத்தில் லோரென்சாசியோ மற்றும் பலர். பிரான்சின் நடிகர் சங்கத்தின் முதல் தலைவராக இருந்த அவர் உரிமைகளைப் பாதுகாத்தார். நவீன உலகில் இந்தத் தொழிலைச் சேர்ந்தவர்கள்.

ஜெரார்ட் பிலிப் தியேட்டர் மேடையில் மட்டுமல்ல, திரைப்பட கேமராக்களுக்கு முன்பாகவும் நடித்தார், அவர் "பார்மா கான்வென்ட்", "ஃபேன்ஃபான்-துலிப்", "ரெட் அண்ட் பிளாக்" போன்ற படங்களில் நடித்தார்.

மரியா கசரேஸ் (உண்மையான பெயர் குயிரோகா) (1922-1996), ஒரு ஸ்பானிஷ் அரசியல்வாதியின் குடும்பத்தின் பிரதிநிதி, ஒரு சோகமான பாத்திரத்தின் சிறந்த நாடக நடிகை.

அவரது தந்தை பிரான்சுக்கு மாற்றப்பட்ட பிறகு, மரியா பாரிசியன் லைசியம் ஒன்றில் தனது படிப்பைத் தொடங்கினார், பின்னர், இந்த கல்வி நிறுவனத்தில் வெற்றிகரமாக பட்டம் பெற்ற அவர், நாடகக் கலையின் கன்சர்வேட்டரியில் நுழைந்தார்.

1950 களின் நடுப்பகுதியில், திறமையான நடிகை காமெடி ஃபிரான்சைஸை விட்டு வெளியேறினார், அங்கு அவர் பல ஆண்டுகளாக நடித்தார், மேலும் நேஷனல் பீப்பிள்ஸ் தியேட்டர் குழுவில் சேர்ந்தார், அதன் மேடையில் அவர் மறக்க முடியாத நாடகப் படங்களை உருவாக்கினார் (ராணி ஹ்யூகோவின் மேரி டியூடரில் மேரி மற்றும் பல).

மரியா கசரேஸ் ஒரு திரைப்பட நடிகையாக குறிப்பிட்ட பிரபலத்தைப் பெற்றார், இந்தத் துறையில் அவரது அறிமுகமானது எம். கார்னே (1945) எழுதிய "சில்ட்ரன் ஆஃப் பாரடைஸ்" படத்தில் நடித்தது, அதைத் தொடர்ந்து ஆர். பிரெஸன் "லேடீஸ் ஆஃப் தி போயிஸ்" படத்தில் நடிக்க வாய்ப்பு கிடைத்தது. டி பவுலோன்” (1945). எவ்வாறாயினும், பிரெஞ்சு சினிமாவில் ஒரு பிரகாசமான முத்திரையை பதித்த மிக வெற்றிகரமான பாத்திரம் ஏ. ஸ்டெண்டலின் பர்மா மடாலயத்தின் கிறிஸ்டியன்-ஜீனின் தழுவலில் சன்செவெரினா ஆகும்.

1949 ஆம் ஆண்டில், சிறந்த நாடக நடிகை ஜீன் காக்டோவின் ஆர்ஃபியஸில் டெத் வேடத்தில் நடித்தார், மேலும் பத்து ஆண்டுகளுக்குப் பிறகு ஆர்ஃபியஸ் டெஸ்டமென்ட் (1959) திரைப்படத்தில் இளவரசி வேடத்திற்கு அழைப்பைப் பெற்றார். Jean Mare (Orpheus) மற்றும் Jean Cocteau (கவிஞர்) ஆகியோர் M. Cazares இன் கூட்டாளிகளாக ஆனார்கள், அவருடைய திறமையான நாடகம் படத்தின் வெற்றிகரமான விநியோகத்திற்கு முக்கியமாகும்.

A. Calef (1950) எழுதிய "நிழலும் ஒளியும்", எம். டெவில்லின் "Reader" (1987) மற்றும் D. Llorca (1990) எழுதிய "Knights of the Round Table" ஆகிய படங்களில் M. Cazares நடித்த சிறிய பாத்திரங்கள். குறைவான பார்வையாளர்களின் கவனத்துடன் குறிப்பிடப்பட்டுள்ளது.

நடிகை தனது வாழ்க்கையின் கடைசி நாட்கள் வரை நல்ல மனநிலையில் இருந்தார். எடுத்துக்காட்டாக, இந்த உண்மை சுட்டிக்காட்டுகிறது: 1996 இல் (அவர் இறந்த ஆண்டு), 74 வயதான மரியா கசரேஸ் பாஸ்கலெவிச்சின் படமான “சம்வனிஸ் அமெரிக்கா” படப்பிடிப்பில் தீவிரமாக பங்கேற்றார்.

நடிகை தனது முழு வாழ்நாளிலும் தனது நற்பெயரை சந்தேகிக்க எந்த காரணத்தையும் கூறவில்லை என்பது குறிப்பிடத்தக்கது, மேலும், அவர் தனது வாழ்க்கையில் பத்திரிகையாளர்கள் மற்றும் வாழ்க்கை வரலாற்றாசிரியர்களை அனுமதிக்கவில்லை.

நம் காலத்தின் மிகவும் பிரபலமான பிரெஞ்சு நடிகர்களில் ஒருவர் ஜீன் கேபின் (உண்மையான பெயர் ஜீன் அலெக்சிஸ் மோன்கோர்கர்) (1904-1976). அவர் ஒரு எளிய தொழிலாளியின் குடும்பத்தில் பிறந்தார், ஜீனுக்கு வேறு விதியை எதுவும் முன்னறிவிக்கவில்லை என்று தோன்றியது. ஆயினும்கூட, ஒரு கட்டுமான தளத்தில் பயிற்சியாளராக இருந்தபோதும், ஒரு ஃபவுண்டரியில் உதவி ஊழியராக இருந்தபோதும், அவர் சிறந்த நடிப்புத் திறனை வெளிப்படுத்தினார்.

1923 ஆம் ஆண்டில், ஜீன் கேபின் தலைநகரில் உள்ள ஃபோலிஸ் பெர்கெர் தியேட்டரின் மேடையில் ஒரு எக்ஸ்ட்ராவாக அறிமுகமானார். இளம் நடிகரின் திறமை மற்றும் கவர்ச்சிகரமான தோற்றம் கவனிக்கப்பட்டது, விரைவில் அவருக்கு பல்வேறு நிகழ்ச்சிகளில் நடிகராக அழைப்பு வந்தது. மியூசிக்கல் ரெவ்யூ வகைகளில் பல ஆண்டுகள் பணியாற்றிய பிறகு, அவர் ஓபரெட்டா தியேட்டருக்குச் சென்றார், அதே நேரத்தில் வோட்வில்லே, போஃப் பாரிசியென் மற்றும் மவுலின் ரூஜ் தியேட்டர்களில் வேடிக்கையான பாடல்களை நிகழ்த்தினார்.

இருப்பினும், மிகவும் பிரபலமான ஜீன் கேபின் திரைப்படங்களில் நடித்த ஏராளமான பாத்திரங்களைக் கொண்டு வந்தார். திரைப்பட அறிமுகமானது 1931 இல் தி கிரேட் இல்யூஷன் திரைப்படத்தில் நடந்தது.

படத்தின் வெற்றி பல இயக்குனர்களை இருபத்தேழு வயதான நடிகரிடம் கவனம் செலுத்த கட்டாயப்படுத்தியது, அவர் விரைவில் மிகவும் அழைக்கப்பட்டவர்களில் ஒருவரானார். Quay of the Fog, Heavenly Thunder, At the Walls of Malapaga, Great Families, Powerful Ones, Prairie Street போன்ற படங்களில் ஜீன் கேபின் பல வேடங்களில் நடித்தார்.

இந்த நடிகர் உலக நாடக மற்றும் சினிமா கலை வரலாற்றில் கடமை மற்றும் நீதியின் சிறந்த கருத்துக்களுக்கு உண்மையுள்ள ஒரு நபரின் உருவத்தை உருவாக்கியவராக நுழைந்தார், போராட்டத்தில் தனது கண்ணியத்தையும் சுதந்திரத்தையும் பாதுகாக்க முடியும்.

1949 இல், கிட்டத்தட்ட இருபது வருட இடைவெளிக்குப் பிறகு, ஜே. கேபின் மீண்டும் மேடைக்கு வந்தார். அம்பாசிடர் தியேட்டரில், அவர் சிறந்த மேடை வேடங்களில் ஒன்றை நிகழ்த்தினார் - பெர்ன்ஸ்டீனின் நாடகமான தாகத்தின் முக்கிய கதாபாத்திரம்.

இரண்டாம் உலகப் போரின் முடிவில், பாரிஸின் மேடைக் கலை மட்டுமல்ல, நீண்ட காலமாக உறக்கநிலையில் இருந்த பிரான்சின் மாகாண தியேட்டர்களும் வளர்ந்தன.

1947 ஆம் ஆண்டில் அவிக்னானில் பிரெஞ்சு நாடகக் கலையின் முதல் திருவிழா நடத்தப்பட்ட பிறகு, பிரான்சின் பிற மாகாண நகரங்களில் தியேட்டர் பார்வையாளர்களின் செயல்பாடு தீவிரமடைந்தது. விரைவில் ஸ்ட்ராஸ்பேர்க், லு ஹவ்ரே, துலூஸ், ரீம்ஸ், செயிண்ட்-எட்டியென், போர்ஜஸ், கிரெனோபிள், மார்சேய், கோல்மர், லில்லி மற்றும் லியோனில், நிரந்தர நடிப்பு குழுக்கள் செயல்படத் தொடங்கின, நாடகக் கலை மையங்கள் மற்றும் கலாச்சார வீடுகள் தோன்றின.

ஜே. விலாரைத் தொடர்ந்து, மாகாணத் திரையரங்குகள் சிறந்த உள்நாட்டு மற்றும் வெளிநாட்டு கிளாசிக் படைப்புகளுக்குத் திரும்பியது, கிளாசிக்கல் தலைசிறந்த படைப்புகளை புதிய வழியில் விளக்குகிறது. மாகாண இயக்குநர்கள் பார்வையாளர்களுக்கு காலத்தின் உணர்வோடு ஒத்துப்போகும் நிகழ்ச்சிகளை வழங்கினர்.

எனவே, கார்னிலியின் சோகமான ஹோரேஸின் மனிதநேய ஒலியைத் தக்கவைத்துக்கொண்டபோது, ​​ஸ்ட்ராஸ்பேர்க் இயக்குனர் ஹூபர்ட் ஜின்ஹோ தனது 1963 தயாரிப்பில் ஒரு கட்டளைக்கு கண்மூடித்தனமான கீழ்ப்படிதலின் விளைவுகளை மையமாகக் கொண்டிருந்தார்.

பல்வேறு சமயங்களில், கோகோல், செக்கோவ், கோர்க்கி, அத்துடன் அர்புசோவ் (1964 இல் ஸ்ட்ராஸ்பர்க்கில் இர்குட்ஸ்க் வரலாறு), ஸ்வார்ட்ஸ் (1968 இல் செயிண்ட்-எட்டியெனில் டிராகன்) மற்றும் பிற ரஷ்ய நாடக ஆசிரியர்களின் நாடகங்களின் தயாரிப்புகள் மிகவும் பிரபலமாக இருந்தன. உள்நாட்டு எழுத்தாளர்களான டர்ரன்மாட் மற்றும் ஃபிரிஷ் ஆகியோரின் நையாண்டி நகைச்சுவை நாடகங்கள், ஓ'கேசி மற்றும் பெர்டோல்ட் ப்ரெக்ட்டின் நாடகங்கள் பார்வையாளர்களின் அன்பை ரசித்தன.

ரோஜர் பிளாஞ்சன் (பிறப்பு 1931), வில்லூர்பேன்னில் உள்ள தியேட்ரே டி லா சைட்டின் திறமையான இயக்குநரும் இயக்குநருமான, பிரெஞ்சு மாகாண திரையரங்குகளின் வரலாற்றில் குறிப்பிடத்தக்க முத்திரையை பதித்தார். பி. ப்ரெக்ட் மற்றும் ஜே.பி. மோலியர் ஆகியோரின் படைப்புகளின் தீவிர ரசிகராக இருந்த அவர், இந்த எழுத்தாளர்களின் கருத்துக்களை பரந்த பார்வையாளர்களுக்கு தெரிவிக்க முயன்றார்.

இயக்குனரின் புதுமை அவரது பல நடிப்பில் வெளிப்பட்டது, உதாரணமாக, பி. ப்ரெக்ட்டின் (1961) "ஸ்வீக் இன் தி செகண்ட் வேர்ல்ட் வார்" தயாரிப்பில், ஆர். பிளாஞ்சன் தொடர்ந்து சுழலும் வட்டத்தைப் பயன்படுத்தினார், இது அவருக்கு ஒரு குறிப்பிட்ட நிலையை அடைய அனுமதித்தது. விளைவு: தேவையான இடங்களில், ஹீரோ பார்வையாளர்களை அணுகினார், பின்னர் அவர்களிடமிருந்து விலகிச் சென்றார்.

Molière இன் "Tartuffe" (1963) அரங்கேற்றத்தின் போது, ​​மேடை இடத்தை விரிவாக்கும் நுட்பம் பயன்படுத்தப்பட்டது, இதன் காரணமாக வெளிவரும் நிகழ்வுகள் பனிச்சரிவு போன்ற, அச்சுறுத்தும் தன்மையைப் பெற்றன.

இயக்குனர் ஒரு நுட்பமான உளவியலாளராக இருக்க வேண்டும் என்று பிளாஞ்சன் சரியாக நம்பினார், இது "சமூக சூழ்நிலையை" முழுமையாக வெளிப்படுத்தவும், ஒரு குறிப்பிட்ட வரலாற்று மற்றும் அரசியல் தருணத்தில் சுற்றுச்சூழலை ஆராயவும் அனுமதிக்கும்.

ஒரு குறிப்பிட்ட நாடகத்தின் தன்மையை சரியாக வரையறுத்து அதில் கவனம் செலுத்தினார் இயக்குனர். மோலியரின் ஜார்ஜஸ் டான்டின் (1959) திரையிடலின் போது, ​​​​பழக்கமான உலகத்துடன் தொடர்பை இழந்த மற்றும் பிரபுக்கள் மத்தியில் அங்கீகாரம் பெறாத ஒரு பணக்கார விவசாயி தன்னைக் கண்ட சோகமான சூழ்நிலையை பார்வையாளர்களுக்கு பிளாஞ்சன் உணர்த்தினார்.

இயக்குனரால் அவரது சொந்த நாடகத் தலைசிறந்த படைப்புகளின் அடிப்படையில் அரங்கேற்றப்பட்ட நிகழ்ச்சிகள் பார்வையாளர்களிடம் முன்னோடியில்லாத வெற்றியைப் பெற்றன. அவற்றுள் "கடனாளிகள்" (1962), "வெள்ளை பாவ்" (1965), "நேர்மையற்ற" (1969) போன்ற நாடகங்கள் உள்ளன. பல்வேறு நாடக மற்றும் மேடை வடிவங்களில் ஆர்வத்தைக் கண்டறிந்த பிளாஞ்சன், தனது தயாரிப்புகளில் ஒரு தீர்வைக் கண்டுபிடிக்க முயன்றார். ஒற்றை பிரச்சனை - நவீன வாழ்க்கையின் சமூக முரண்பாடுகளின் ஆராய்ச்சி.

கடுமையான பகுத்தறிவு மற்றும் துல்லியமான கணக்கீடு, எதிர்பாராத முடிவுகள் மற்றும் வெளிப்படையான கற்பனை - இவை ரோஜர் பிளாஞ்சனின் இயக்குனரின் பாணியின் சிறப்பியல்பு அம்சங்கள். A. Dumas père The Three Musketeers (1957) நாவலை அரங்கேற்றும் செயல்பாட்டில் இந்த அம்சங்கள் மிகத் தெளிவாக வெளிப்பட்டன, ஏராளமான கேலிக்கூத்து மற்றும் முரண்பாடான காட்சிகள் பிரபல ரஷ்ய இயக்குனர்களான மேயர்ஹோல்ட் மற்றும் வக்தாங்கோவ் ஆகியோரின் தயாரிப்புகளை நினைவுபடுத்தியது.

சமகால பிரெஞ்சு எழுத்தாளர்கள், ப்ரெக்ட்டைப் பின்பற்றுபவர்கள் - ஆர்தர் அடமோவ் (1957) எழுதிய "பாலோ பாவோலி", அர்மண்ட் காட்டி (1962) மற்றும் பிறரின் "தி இமேஜினரி லைஃப் ஆஃப் எ ஸ்ட்ரீட் ஸ்வீப்பர் அகஸ்டே ஜே" ஆகியோரின் நாடகங்களை அடிப்படையாகக் கொண்ட நிகழ்ச்சிகளுக்காக பிளாஞ்சன் மிகவும் பிரபலமானவர்.

ஆர். பிளாஞ்சனால் அரங்கேற்றப்பட்ட ஏ.காட்டியின் நாடகம், இரண்டு நாடகங்களின் இணக்கமான சங்கமமாக இருந்தது - "கருத்துகளின் நாடகம்" மற்றும் "கற்பனை நாடகம்": நிகழ்காலமும் கடந்த காலமும், யதார்த்தமும் கனவுகளும் மனதில் குழப்பமாக உள்ளன. படுகாயமடைந்த நபர். பார்வையாளர்கள் ஒன்று அல்ல, வெவ்வேறு வயதுடைய பல அகஸ்டஸ்கள் ஒரே நேரத்தில் தோன்றுவதற்கு முன் - ஒரு பையன், ஒரு இளைஞன், ஒரு மனிதன், இதன் மூலம் இயக்குனர் தனது வாழ்க்கையின் பல்வேறு காலகட்டங்களில் ஹீரோவைப் பிடிக்கும் விருப்பத்தை வலியுறுத்துகிறார்.

தலைநகர் மற்றும் மாகாண திரையரங்குகளுக்கு கூடுதலாக, போருக்குப் பிந்தைய பிரான்சில், பாரிசியன் புறநகர்ப் பகுதிகளின் திரையரங்குகள் வளர்ந்தன, அதன் தலைவர்கள் இந்த நிறுவனங்களை "சமூக சிந்தனையின் பாராளுமன்றமாக" மாற்றுவதற்கான இலக்கைத் தொடர்ந்தனர். நாடகங்கள்-நீதிமன்றங்கள், அசல் ஆய்வுகள், அடிமைப்படுத்தப்பட்ட மக்களின் சோகமான விதியை மையமாகக் கொண்டு, மேடையில் அரங்கேற்றப்பட்டன.

எனவே, நான்டெர்ரே தியேட்டரின் மேடையில், புல்ககோவின் "ரன்னிங்" (1971) அரங்கேறியது, "கில்ட்" குழு ஷேக்ஸ்பியரின் "மக்பத்" (1965) ஐ அரங்கேற்ற முடிந்தது, இது நீண்ட காலமாக ஆபர்வில்லியர்ஸில் உள்ள கம்யூன் தியேட்டரின் தொகுப்பாகும். Vs இன் "நம்பிக்கையான சோகம்" நிகழ்ச்சிகள். விஷ்னேவ்ஸ்கி (1961) மற்றும் தி ஸ்டார் டர்ன்ஸ் ரெட் ஓ'கேசி (1962), தியேட்டரில். செயிண்ட்-டெனிஸில் உள்ள ஜெரார்ட் பிலிப், ஏ. ஆடமோவ் எழுதிய "ஸ்பிரிங்-71" மிகவும் பிரபலமானது.

கூடுதலாக, ஏ.காட்டியின் நாடகமான தி ஸ்டார்க் மற்றும் ஏ. ஆதாமோவின் நகைச்சுவையான தி பாலிடிக்ஸ் ஆஃப் கார்பேஜ், ஏ.பி. செக்கோவ் மற்றும் பி. ப்ரெக்ட்டின் நாடகங்கள் (தி த்ரீபென்னி ஓபரா, செயின்ட் ஜோன் ஸ்லாட்டர்ஹவுஸ்", "ட்ரீம்ஸ் ஆஃப் சிமோன் மச்சார்").

1960 களின் இரண்டாம் பாதி, பிரான்ஸ் உட்பட உலகம் முழுவதிலும் உள்ள அரசியல் நிலைமை மோசமடைந்ததால், நாடக வரலாற்றில் பிற்போக்குத்தனமாக மாறியது.

பல பிரெஞ்சு நாடக இயக்குனர்கள் ராஜினாமா செய்ய வேண்டிய கட்டாயம் ஏற்பட்டது. ஜீன் விலார் 1963 இல் இதைச் செய்தார், மேலும் ஜார்ஜஸ் வில்சன் (பிறப்பு 1921) தேசிய மக்கள் தியேட்டரின் இயக்குநராக அவருக்குப் பிறகு ஆனார்.

ப்ரெக்ட் மற்றும் அவரைப் பின்பற்றுபவர்களின் (காட்டி, டரன்மாட், முதலியன) நாடகக் கலையின் தீவிர ரசிகராக இருந்ததால், வில்சன் இந்த எழுத்தாளர்களின் பல அற்புதமான நாடகங்களை நாடக மேடையில் அரங்கேற்றினார் - பிரெக்ட்டின் "திரு. புண்டிலா மற்றும் அவரது வேலைக்காரன் மாட்டி" (1964). ), ஆஸ்போர்னின் "லூதர்" (1964), "ரோமுலஸ் தி கிரேட்" டூரன்மாட் (1964), "பீப்பிள்ஸ் சாங் இன் ஃப்ரண்ட் ஆஃப் டூ எலெக்ட்ரிக் நாற்காலி" காட்டி (1965), "டுராண்டோட் அல்லது காங்கிரஸ் ஆஃப் ஒயிட்வாஷர்ஸ்" ப்ரெக்ட் (1971) மற்றும் பலர்.

பல வெற்றிகரமான தயாரிப்புகள் இருந்தபோதிலும், நேஷனல் ஃபோக் தியேட்டர் அதன் முந்தைய பிரபலத்தை படிப்படியாக இழந்தது, இது ஜே. விலாரால் அறிமுகப்படுத்தப்பட்ட பொதுச் சந்தா முறை கைவிடப்பட்டதன் காரணமாக இருந்தது.

1971 ஆம் ஆண்டில், நேஷனல் பீப்பிள்ஸ் தியேட்டர் இல்லாதபோது, ​​​​அவரது யோசனைகள் பாரிஸின் நகரின் முனிசிபல் தியேட்டரால் எடுக்கப்பட்டது, தியேட்ரே டி லா வில்லே, அதை ஜீன் மெர்குரே இயக்கினார் (1909 இல் பிறந்தார்). கிளாசிக்கல் மற்றும் நவீன நாடகத்தின் தலைசிறந்த படைப்புகளைக் கொண்ட ஒரு பல்துறை திறமை, ஏராளமான பார்வையாளர்களை தியேட்டருக்கு ஈர்த்தது.

ராபர்ட் ஹொசைன் (1927 இல் பிறந்தார்) வெகுஜன நிகழ்ச்சிகள் 20 ஆம் நூற்றாண்டின் பிரெஞ்சு நாடகக் கலையில் ஒரு புதிய போக்காக மாறியது. 1971 இல், இந்த பிரபலமான திரைப்பட நடிகர் ரீம்ஸ் மக்கள் தியேட்டருக்கு தலைமை தாங்கினார்; நாடக அரங்கில் அவரது நேரடி பங்கேற்புடன், தஸ்தாயெவ்ஸ்கியின் குற்றமும் தண்டனையும், ஷேக்ஸ்பியரின் ரோமியோ ஜூலியட், லோர்காவின் ஹவுஸ் ஆஃப் பெர்னார்ட் ஆல்பா, கோர்க்கியின் அட் தி பாட்டம் மற்றும் பல குறிப்பிடத்தக்க நிகழ்ச்சிகள் அரங்கேற்றப்பட்டன.

தியேட்டர் பார்வையாளர்களின் உணர்வுகளை பாதிக்க வேண்டும் என்று நம்பிய ஹொசைனின் மனதில், ஒரு வகையான "சிறந்த நாட்டுப்புற காட்சி", ஒரு வகையான நாட்டுப்புற விடுமுறை, படிப்படியாக வளர்ந்தது.

1975 ஆம் ஆண்டில் தலைநகரின் விளையாட்டு அரண்மனையில் அரங்கேற்றப்பட்ட "போர்க்கப்பல் பொட்டெம்கின்" நிகழ்ச்சி இந்த திசையில் முதல் வெற்றிகரமான படைப்பாகும். இதைத் தொடர்ந்து ஹ்யூகோவால் கிளாசிக்கல் திறனாய்வு - நோட்ரே டேம் கதீட்ரல் (1978) மற்றும் லெஸ் மிசரபிள்ஸ் (1980) நாடகங்கள் நாடகமாக்கப்பட்டன, இது முதல் தயாரிப்பை விட குறைவான பொது ஆர்வத்தைத் தூண்டியது.

1979 ஆம் ஆண்டின் இறுதியில், ஆர். ஹொசைன் தனது புதிய படைப்பை பார்வையாளர்களுக்கு வழங்கினார் - வரலாற்று நாடகம் "டான்டன் மற்றும் ரோபஸ்பியர்" (1979), மற்றும் 1983 இல் "ஏ மேன் கால்ட் ஜீசஸ்" நாடகத்தின் முதல் காட்சி, பைபிள், நடந்தது.

ஆர். ஹொசைனின் படைப்புகள் அவற்றின் பிரமாண்டம் மற்றும் வண்ணமயமான காட்சிகள் மட்டுமல்ல, அவற்றின் மாறும் வெகுஜன காட்சிகள், அசாதாரண ஒளி மற்றும் ஒலி விளைவுகள், அத்துடன் உள்ளடக்கத்தின் எளிமை மற்றும் அணுகல் ஆகியவற்றால் கவனத்தை ஈர்த்தது.

20 ஆம் நூற்றாண்டில் பிரான்சின் நாடக வாழ்க்கையில் ஒரு குறிப்பிடத்தக்க நிகழ்வு மார்செய்லின் புதிய தேசிய தியேட்டர் ஆகும், இது திறமையான இயக்குனர் மார்செல் மாரேச்சால் (1938 இல் பிறந்தார்) ஏற்பாடு செய்யப்பட்டது, அவர் ஒரு அற்புதமான நடிகராகவும் இருந்தார் (அவர் ஃபால்ஸ்டாஃப் மற்றும் டேமர்லேன் ஆகியோரின் தெளிவான படங்களை உருவாக்கினார், மேடையில் ஸ்கேபின் மற்றும் லியர், ஸ்கானரெல் மற்றும் ஹேம்லெட் ).

1960 களின் முற்பகுதியில், மாரேச்சல் லியோனில் "கம்பெனி டு காடோர்ன்" என்ற குழுவை ஏற்பாடு செய்தார். மேம்பட்ட நாடக சமூகத்தின் ஜனநாயக அபிலாஷைகள் திறமையான மாகாண இயக்குனரின் செயல்பாடுகளை பாதிக்க முடியாது, இது அவரது தியேட்டரை பிரபலமான கலாச்சார இல்லமாக மாற்றும், அதிக பார்வையாளர்களுக்கு அணுகக்கூடிய மாரேச்சலின் விருப்பத்தில் வெளிப்படுத்தப்பட்டது.

கலைநிகழ்ச்சிகளின் முக்கிய பிரச்சனை "கவிதை யதார்த்தவாதம்" இல்லாதது என்று நம்பினார், மார்செல் மாரேச்சல் வெகுஜன பார்வையாளர்களின் புரிதலுக்கு அணுகக்கூடிய புதிய மேடை வடிவங்களைப் பயன்படுத்தி அதைத் தீர்க்க முயன்றார்.

அவரது பணியில், அவர் அடிக்கடி சமூக-அரசியல் பிரச்சினைகளுக்குத் திரும்பினார்: 1971 ஆம் ஆண்டில், அவர் அல்ஜீரிய நாடக ஆசிரியர் கேடெப் யாசின், தி மேன் இன் ரப்பர் செருப்புகள், வியட்நாம் போரின் நிகழ்வுகளுக்கு அர்ப்பணிக்கப்பட்ட ஒரு நாடகத்தை அரங்கேற்றினார்.

அடுத்த ஆண்டு, ப்ரெக்ட்டின் "திரு. புண்டிலா மற்றும் அவரது வேலைக்காரன் மாட்டி" (1972) நாடகத்தின் அரங்கேற்றம் பார்வையாளர்களுக்கு வழங்கப்பட்டது. நாடக விமர்சகர்களின் கூற்றுப்படி, இயக்குனர் பொதுமக்களுக்கு ஒரு பாடம் கற்பிக்க முடிந்தது "உலகின் மிகவும் மகிழ்ச்சியான வழியில் - ஒரு கேலிக்கூத்த்தின் தாளத்தில், இதில் மந்திரம் மற்றும் நாட்டுப்புற ஞானம், தீய நையாண்டி மற்றும் கவிதைகள் ஒன்றிணைகின்றன."

M. Marechal, Ruzante's Moschetta (1968), Fracasse by T. Gauthier (1972), The Grail Theatre (1979) பல மணிநேர தயாரிப்பு, கிங் ஆர்தர் மற்றும் நைட்ஸ் ஆஃப் தி ரவுண்ட் டேபிளுக்கு அர்ப்பணிக்கப்பட்டது. சிறப்பு கவனம் தேவை. இந்த நிகழ்ச்சிகள் எளிமையான மற்றும் சிக்கலான, அப்பாவியாக மற்றும் விவேகமான ஒரு கரிம கலவையாகும், அவற்றில் உயர்ந்த பாடல் வரிகளின் தருணங்கள் விளையாட்டுத்தனமான கேலிக்கூத்து காட்சிகளுடன் இருந்தன; இங்கே கடந்த காலம் நிகழ்காலத்தை சந்திக்கிறது, எதிர்காலத்தைப் பற்றி சிந்திக்க வைக்கிறது.

"நாடக பாரம்பரியத்தை புதுப்பிக்க, விளையாட்டின் கூறுகளில் முழுமையாக மூழ்கி, அதாவது, நாட்டுப்புற விளையாட்டின் சிறந்த மரபுகள் மற்றும் சதித்திட்டங்களுக்குத் திரும்புவதற்கு" அவர் நிர்வகித்ததாக Maréchal பெருமையுடன் கூறினார்.

1975 ஆம் ஆண்டில், மாரேச்சல் குழு பிரான்சின் இரண்டாவது பெரிய நகரமான மார்செய்லுக்கு குடிபெயர்ந்தது, இங்கே மார்சேயில் புதிய தேசிய அரங்கம் எழுந்தது, இது நாட்டுப்புற நாடகங்களுக்கான போராட்டத்தின் மிகப்பெரிய மையமாக மாறியது.

நவீன பிரெஞ்சு நாடக வரலாற்றில் ஒரு குறிப்பிடத்தக்க அடையாளத்தை இளைஞர் திரையரங்குகள் விட்டுச் சென்றன - அலைன் ஸ்காஃப் எழுதிய தியேட்டர் பூல், ஜெரோம் சவாரியின் பிக் மேஜிக் சர்க்கஸ் போன்றவை.

புதிய தலைமுறை பிரெஞ்சு திரைப்பட இயக்குனர்களின் சிறந்த பிரதிநிதிகள் பேட்ரிஸ் செரோ மற்றும் அரியானா முனுஷ்கினா, அவர்களின் பணியில் புதுமையான யோசனைகள் உருவாக்கப்பட்டன.

Patrice Chereau (பிறப்பு 1944) தனது வேலையின் முக்கிய கருப்பொருளாக பொய்கள், பாசாங்குத்தனம் மற்றும் அநீதியின் மீது கட்டமைக்கப்பட்ட சமூகத்தின் நெருக்கடி நிலையைத் தேர்ந்தெடுத்தார். படைப்பின் ஆழமான சமூக-வரலாற்று பகுப்பாய்வைக் கொடுத்து, நாடக ஆசிரியர் அதே நேரத்தில் நவீன மனிதனின் பார்வையில் அதை மறுபரிசீலனை செய்ய முயற்சிக்கிறார்.

பல விமர்சகர்கள் பி. செரோவை ரோஜர் பிளாஞ்சனின் வாரிசு என்று அழைக்கின்றனர். உண்மை என்னவென்றால், பிந்தையவர், தி லா சிட்டே தியேட்டரின் அடிப்படையில் வில்லூர்பேன்னில் திறக்கப்பட்ட தேசிய நாட்டுப்புற தியேட்டரின் தலைவராக இருப்பதால், இளம் இயக்குனரை தனது தியேட்டருக்கு அழைத்தார். இங்கு P. Chereau தனது முதல் நிகழ்ச்சிகளை அரங்கேற்றினார் - லென்ஸின் "சோல்ஜர்ஸ்" (1967), மோலியர் (1969) எழுதிய "டான் ஜியோவானி", மரிவோவின் "தி இமேஜினரி மெய்ட்" (1971), மார்லோவின் "தி பாரிஸ் மாசாக்கர்" (1972).

1982 ஆம் ஆண்டில், பாரிஸ் புறநகர்ப் பகுதியான நான்டெரேவில் அமைந்துள்ள தியேட்ரே டெஸ் அமண்டியர்ஸின் இயக்குநராக பேட்ரிஸ் செரோ நியமிக்கப்பட்டார். இந்த நபரின் புதிய செயல்பாடுகள் ஒரு நாடகப் பள்ளியில் இளம் நடிகர்களின் கல்வி மற்றும் பயிற்சி, அத்துடன் திரைப்படங்களை வெளியிடுவதில் நிபுணத்துவம் வாய்ந்த ஒரு திரைப்பட ஸ்டுடியோவின் பணிகளை ஒழுங்கமைத்தல். தியேட்டரில் இயக்குனரின் பணியைப் பற்றி பி. ஷெரோ மறக்கவில்லை, 1980 களில் அவர் பி.எம். கோல்டெஸின் "நீக்ரோ மற்றும் நாய்களின் போர்", ஜெனட்டின் "திரைகள்" நாடகங்களை அரங்கேற்றினார்.

தியேட்டர் ஆஃப் தி சன் தலைவரான அரியானா முனுஷ்கினா, தனது இயக்குனரின் படைப்புகளால் பார்வையாளர்களின் கவனத்தை மீண்டும் மீண்டும் ஈர்த்துள்ளார், அவற்றில் கோர்க்கியின் பெட்டி பூர்ஷ்வா (1966), ஷேக்ஸ்பியரின் எ மிட்சம்மர் நைட்ஸ் ட்ரீம் (1968), கோமாளிகள் (1969) மற்றும் பலர் தகுதியானவர்கள். சிறப்பு கவனம்.

பிரான்சின் நாடக வாழ்க்கையில் ஒரு குறிப்பிடத்தக்க நிகழ்வு "1789" மற்றும் "1793" நிகழ்ச்சிகள் ஆகும், இது பெரிய பிரெஞ்சு புரட்சிக்கு அர்ப்பணிக்கப்பட்டது மற்றும் முறையே 1971 மற்றும் 1973 இல் ஏ. முனுஷ்கினாவால் அரங்கேற்றப்பட்டது. இந்த உரையாடல் பற்றி அரியானா கூறினார்: "பிரஞ்சுப் புரட்சியை மக்களின் கண்களால் பார்க்க விரும்பினோம்," இந்த நிகழ்வில் அதன் பங்கைக் காட்ட.

நிகழ்ச்சிகளின் ஒரு சிறப்பியல்பு அம்சம், கூட்டு ஹீரோ, வரலாற்றை உருவாக்கியவர் - பிரெஞ்சு மக்கள் செயலில் அறிமுகப்படுத்தப்பட்டது. கூடுதலாக, ஒவ்வொரு நடிகரும் பல வேடங்களில் நடித்தனர், ஐந்து விளையாட்டு மைதானங்கள் ஈடுபடுத்தப்பட்டன, இது பார்வையாளர்களை ஒரு தளத்திலிருந்து இன்னொரு தளத்திற்கு நகர்த்தி, செயலில் நேரடியாக பங்கேற்க கட்டாயப்படுத்தியது.

பிரெஞ்சு புரட்சியின் சகாப்தத்தின் பாடல்கள், நடனங்கள் மற்றும் சின்னங்கள் முனுஷ்கினாவின் தயாரிப்புகளில் வெளிப்பாட்டைக் கண்டன; மேலும், அவர் வரலாற்று ஆவணங்களை கதையில் அறிமுகப்படுத்தினார், இது சதித்திட்டத்தின் ஒருங்கிணைந்த பகுதியாக மாறியது. செயல், அதன் அசாதாரண சக்தியால் வசீகரிக்கும் மற்றும் அளவில் வேலைநிறுத்தம், சிக்கலான மற்றும் எளிமையானது; அவரது சுறுசுறுப்பு, சிறந்த உணர்ச்சி மற்றும் அதே நேரத்தில் அசாதாரண உறுதிப்பாடு பார்வையாளர்களை ஒரு பெரிய தாக்கத்தை ஏற்படுத்த முடிந்தது.

A. Mnushkina இன் அடுத்த படைப்பு, பிரான்சில் புலம்பெயர்ந்த தொழிலாளர்களின் வாழ்க்கையைப் பற்றி கூறும் "The Golden Age" (1975) நாடகம், சமூகப் போராட்டத்தின் கருப்பொருளின் தொடர்ச்சியாக இருந்தது, இது உரையாடலை அரங்கேற்றுவதன் மூலம் தொடங்கியது.

அதே நேரத்தில், சன் தியேட்டரின் திறமை பல கிளாசிக்கல் நாடகங்களை உள்ளடக்கியது. எனவே, 1981/1982 பருவத்தில், குழு ஷேக்ஸ்பியரின் "ரிச்சர்ட் II" மற்றும் "பன்னிரண்டாவது இரவு" ஆகியவற்றை பார்வையாளர்களுக்கு வழங்கியது. முன்னோடியில்லாத வெற்றியைப் பெற்ற இந்த நிகழ்ச்சிகளுக்கு இரண்டு மதிப்புமிக்க விருதுகள் வழங்கப்பட்டன - இந்த ஆண்டின் சிறந்த நடிப்புக்கான டொமினிக் பரிசு மற்றும் நாடக விமர்சகர்களின் கிராண்ட் பரிசு.

XX நூற்றாண்டின் 90 களின் தொடக்கத்தில், பிரான்சில் பல திரையரங்குகளில் நாடகப் பள்ளிகள் தோன்றின, இளைய தலைமுறை நடிகர்களைத் தயாரித்தன. அவற்றில், மிகவும் பிரபலமானவை சைலோட் தியேட்டர், தியேட்டர் டெஸ் அமன்டியூ, மார்சேயின் நியூ நேஷனல் தியேட்டர் போன்றவை.

ஏறக்குறைய அதே நேரத்தில், பல பெருநகர திரையரங்குகளில் நிர்வாகம் மாற்றப்பட்டது: ஜீன் பியர் வின்சென்ட் பின்னர் காமெடி ஃப்ராங்காய்ஸின் பொது நிர்வாகியானார், ஜீன் பியர் மைக்கேல் பாரிஸ் கன்சர்வேட்டரி ஆஃப் டிராமாடிக் ஆர்ட்டின் தலைவராக ஆனார், மற்றும் முன்பு இயக்கிய அன்டோயின் விட்டெஸ் பாரிஸில் உள்ள புறநகர் திரையரங்குகளில்.

தற்போது பிரான்சில் நாடகக் கலை செழித்து வருகிறது. பழைய, புகழ்பெற்ற இயக்குனருடன், இளம் இயக்குனர்கள் தலைநகர் மற்றும் மாகாண திரையரங்குகளில் தீவிரமாக பணியாற்றி வருகின்றனர், கலை நிகழ்ச்சிகளுக்கு புதியதைக் கொண்டுவர முயற்சி செய்கிறார்கள். நடிப்பு வானில் இளம் நட்சத்திரங்களும் தோன்றுகிறார்கள். பெரும்பாலான பிரெஞ்சு திரையரங்குகளின் தொகுப்பில், உள்நாட்டு மற்றும் வெளிநாட்டு கிளாசிக்ஸின் நாடகங்கள் இளம் திறமையான எழுத்தாளர்களின் நாடகத்தன்மையுடன் அமைதியாக இணைந்து செயல்படுகின்றன.

நெப்போலியனின் வீழ்ச்சிக்குப் பிறகு பிரான்ஸ் ஒரு பதட்டமான அரசியல் வாழ்க்கையை வாழ்கிறது. 19 ஆம் நூற்றாண்டு புதிய புரட்சிகர வெடிப்புகளால் குறிக்கப்பட்டது. 1815 இல் அரச அதிகாரத்தை (போர்பன் வம்சம்) மீட்டெடுப்பது நாட்டின் நலன்களைப் பூர்த்தி செய்யவில்லை. இந்த அதிகாரத்தை நிலப்பிரபுத்துவம் மற்றும் கத்தோலிக்க திருச்சபை ஆதரித்தது. நாட்டின் பெரும்பான்மையான மக்களின் சமூக அதிருப்தி, இந்த அரசாங்கத்திற்கு எதிரான போராட்டங்கள் 1830 ஆம் ஆண்டு ஜூலை புரட்சியில் விளைந்தன. சமூக எதிர்ப்புகள், ஏற்கனவே உள்ள ஒழுங்கின் மீதான விமர்சனம், வெளிப்படையான அல்லது மறைவான, பல்வேறு வடிவங்களில் வெளிப்படுத்தப்பட்டன: செய்தித்தாள் கட்டுரைகள், இலக்கிய விமர்சனம். மற்றும், நிச்சயமாக, தியேட்டரில்.

20 களின் போது. பிரான்சில், ரொமாண்டிசிசம் முன்னணி கலைப் போக்காக உருவாகி வருகிறது: காதல் இலக்கியம் மற்றும் காதல் நாடகம் பற்றிய கோட்பாடு உருவாக்கப்பட்டு வருகிறது.

ரொமாண்டிசிசத்தின் கோட்பாட்டாளர்கள் கிளாசிக்ஸத்துடன் ஒரு தீர்க்கமான போராட்டத்தில் நுழைகிறார்கள், இது மேம்பட்ட சமூக சிந்தனையுடன் தொடர்பை முற்றிலும் இழந்து போர்பன் முடியாட்சியின் அதிகாரப்பூர்வ பாணியாக மாறியுள்ளது. இப்போது அவர் போர்பன்களின் பிற்போக்கு சித்தாந்தத்துடன் தொடர்புடையவர் மற்றும் கலையில் புதிய போக்குகளின் வளர்ச்சிக்கு ஒரு தடையாக வழக்கமான, செயலற்றவராக கருதப்பட்டார். ரொமான்டிக்ஸ் அவருக்கு எதிராக கிளர்ச்சி செய்தனர்.

இந்த காலத்தின் ரொமாண்டிசிசத்தில், அதன் விமர்சன வண்ணத்துடன் யதார்த்தவாதத்தின் அம்சங்களும் கவனிக்கத்தக்கவை.

ரொமாண்டிசிசத்தின் முக்கிய கோட்பாட்டாளர்கள் "தூய" ரொமாண்டிசிஸ்ட் வி. ஹ்யூகோ மற்றும் யதார்த்தவாதி ஸ்டெண்டால். ரொமாண்டிசிசத்தின் தத்துவார்த்த கேள்விகள் கிளாசிஸ்டுகளுடனான விவாதங்களில் உருவாக்கப்பட்டுள்ளன: ஹ்யூகோ தனது நாடகமான "கிராம்வெல்" க்கு "முன்னுரை"யிலும், "ரேசின் மற்றும் ஷேக்ஸ்பியர்" கட்டுரையில் ஸ்டெண்டாலும் இதைச் செய்கிறார்.

இந்த காலத்தின் முக்கிய எழுத்தாளர்கள் - Mérimée மற்றும் Balzac - யதார்த்தவாதிகளாக செயல்படுகிறார்கள், ஆனால் அவர்களின் யதார்த்தவாதம் காதல் டோன்களில் வரையப்பட்டுள்ளது. இது அவர்களின் நாடகங்களில் குறிப்பாகத் தெரிகிறது.

காதல் நாடகம் சிரமத்துடன் மேடையில் ஊடுருவியது. திரையரங்குகளில் கிளாசிசிசம் ஆட்சி செய்தது. ஆனால் காதல் நாடகம் முகத்தில் ஒரு கூட்டாளியாக இருந்தது இசை நாடகம்.மெலோட்ராமா ஒரு நாடக வகையாக பவுல்வர்டு தியேட்டர்களின் தொகுப்பில் தன்னை நிலைநிறுத்திக் கொண்டுள்ளது. பொதுமக்களின் ரசனைகள், நவீன நாடகம் மற்றும் பொதுவாக நிகழ்த்துக் கலைகள் ஆகியவற்றில் அவர் பெரும் தாக்கத்தை ஏற்படுத்தினார்.

மெலோடிராமா என்பது ரொமாண்டிசிசத்தின் நேரடி விளைபொருள். அவளுடைய ஹீரோக்கள் சமூகத்தாலும் சட்டத்தாலும் நிராகரிக்கப்பட்டவர்கள், அநீதியால் பாதிக்கப்பட்டவர்கள். மெலோடிராமாக்களின் சதிகளில் நன்மை மற்றும் தீமையின் கூர்மையான மாறுபட்ட மோதல் உள்ளது. இந்த மோதல், பொதுமக்களின் நலனுக்காக, எப்போதும் நன்மைக்காகவோ அல்லது துணைக்கு தண்டனையாகவோ தீர்க்கப்படுகிறது. பிக்சரேகோரின் "விக்டர், அல்லது சைல்ட் ஆஃப் தி ஃபாரஸ்ட்", கென்யேயின் "தி திவ்விங் மேக்பி", டுகாங்கேவின் "முப்பது ஆண்டுகள் அல்லது சூதாட்டக்காரரின் வாழ்க்கை" ஆகியவை மிகவும் பிரபலமான மெலோடிராமாக்கள். பிந்தையது 19 ஆம் நூற்றாண்டின் பெரும் சோக நடிகர்களின் தொகுப்பில் நுழைந்தது. அதன் சதி பின்வருமாறு: நாடகத்தின் தொடக்கத்தில் ஹீரோ ஒரு சீட்டாட்ட விளையாட்டை விரும்பும் ஒரு தீவிர இளைஞன், அதில் ஒரு போராட்டம் மற்றும் ராக் மீதான வெற்றியின் மாயையைப் பார்க்கிறார். ஆனால், உற்சாகத்தின் ஹிப்னாடிக் சக்தியின் கீழ் விழுந்து, எல்லாவற்றையும் இழந்து, பிச்சைக்காரனாக மாறுகிறான். அட்டைகள் மற்றும் வெற்றிகளின் தொடர்ச்சியான சிந்தனையால் மூழ்கி, அவர் ஒரு குற்றத்தைச் செய்து இறுதியில் இறந்துவிடுகிறார், கிட்டத்தட்ட தனது சொந்த மகனைக் கொன்றார்.

இவை அனைத்தும் திகில் வெளிப்படுத்தும் மேடை விளைவுகளுடன் உள்ளன. ஆனால், இது இருந்தபோதிலும், நவீன சமுதாயத்தின் கண்டனத்தின் தீவிரமான மற்றும் குறிப்பிடத்தக்க கருப்பொருளை மெலோடிராமா வெளிப்படுத்துகிறது, அங்கு இளமை அபிலாஷைகள், வீரத் தூண்டுதல்கள் தீய, சுயநல உணர்வுகளாக மாறும்.

1830 புரட்சிக்குப் பிறகு, போர்பன் முடியாட்சி லூயிஸ் பிலிப்பின் முதலாளித்துவ முடியாட்சியால் மாற்றப்பட்டது. புரட்சிகர மனநிலையும் புரட்சிகர பேச்சுகளும் நிற்கவில்லை.

காதல்வாதம் 30-40கள். பொதுமக்களின் அதிருப்தியின் மனநிலையைத் தொடர்ந்து ஊட்டி, உச்சரிக்கப்படும் அரசியல் நோக்குநிலையைப் பெற்றார்: அவர் முடியாட்சி முறையின் அநீதியைக் கண்டித்து மனித உரிமைகளைப் பாதுகாத்தார். இந்த நேரத்தில் (அதாவது, XIX நூற்றாண்டின் 30-40 கள்) காதல் தியேட்டரின் உச்சம். Hugo, Dumas père, de Vigny, de Musset ஆகியோர் ரொமாண்டிசிசத்தின் நாடக ஆசிரியர்கள். ரொமான்டிக் ஸ்கூல் ஆஃப் ஆக்டிங் போக்கேஜ், டோர்வால், லெமைட்ரே ஆகியோரால் பிரதிநிதித்துவப்படுத்தப்பட்டது.

விக்டர் ஹ்யூகோ(1802-1885) நெப்போலியன் இராணுவத்தின் ஜெனரலின் குடும்பத்தில் பிறந்தார், அவரது தாயார் ஒரு பணக்கார முதலாளித்துவ குடும்பத்தைச் சேர்ந்தவர்; குடும்பத்தில் மன்னராட்சி கருத்துக்கள் இயல்பானவை.

ஹ்யூகோவின் ஆரம்பகால இலக்கிய அனுபவங்கள் அவரை ஒரு முடியாட்சிவாதி மற்றும் கிளாசிக்வாதியாக வெளிப்படுத்தின. ஆனால் 20களின் அரசியல் சூழல். அவரை தீவிரமாக பாதித்தது, அவர் காதல் இயக்கத்தின் உறுப்பினராகிறார், பின்னர் - முற்போக்கான காதல்வாதத்தின் தலைவர்.

சமூக அநீதியின் மீதான வெறுப்பு, ஒடுக்கப்பட்ட மற்றும் பின்தங்கியவர்களின் பாதுகாப்பு, வன்முறையைக் கண்டித்தல், மனிதநேயத்தைப் பிரசங்கித்தல் - இந்த யோசனைகள் அனைத்தும் அவரது நாவல்கள், நாடகம், பத்திரிகை, அரசியல் துண்டுப்பிரசுரங்களுக்கு உணவளித்தன.

அவரது நாடகத்தின் ஆரம்பம் "குரோம்வெல்" (1827) நாடகம். அதற்கான முன்னுரையில் அவர் குறிப்பிட்டுள்ளார் ரொமாண்டிசிசத்தின் அழகியல் நம்பிக்கை.இங்கே முக்கிய யோசனை கிளாசிக் மற்றும் அதன் அழகியல் சட்டங்களுக்கு எதிரான கிளர்ச்சி. "கோட்பாடுகள்", "கவிதைகள்", "மாதிரிகள்" ஆகியவற்றை எதிர்த்து, அவர் கலைஞரின் படைப்பாற்றலின் சுதந்திரத்தை அறிவிக்கிறார். "நாடகம் என்பது இயற்கையைப் பிரதிபலிக்கும் கண்ணாடி" என்று அவர் வலியுறுத்துகிறார். ஆனால் இது ஒரு சாதாரண கண்ணாடியாக இருந்தால், தட்டையான மற்றும் மென்மையான மேற்பரப்புடன், அது ஒரு மந்தமான மற்றும் தட்டையான பிரதிபலிப்பைக் கொடுக்கும், உண்மை, ஆனால் நிறமற்றது ... நாடகம் ஒரு செறிவூட்டும் கண்ணாடியாக இருக்க வேண்டும், அது ஃப்ளிக்கரை ஒளியாகவும், ஒளியை சுடராகவும் மாற்றும் ”( V. ஹ்யூகோ. தேர்ந்தெடுக்கப்பட்ட நாடகங்கள் T.1.-L., 1937, பக். 37.41).

ஹ்யூகோ முக்கிய மைல்கற்களை கொடுக்கிறார் காதல் கோரமான கோட்பாடுகள், அதன் வளர்ச்சி மற்றும் உருவகம் - அவரது அனைத்து வேலைகளிலும்.

"கொடூரமானது நாடகத்தின் அழகுகளில் ஒன்று." மிகைப்படுத்தலாக மட்டுமல்லாமல், ஒரு கலவையாகவும், எதிரெதிர் மற்றும் பரஸ்பரம் பிரத்தியேகமான யதார்த்தத்தின் பக்கங்களின் கலவையாகவும் அவர் புரிந்துகொள்வதன் மூலம், இந்த யதார்த்தத்தை வெளிப்படுத்துவதன் மிக உயர்ந்த முழுமை அடையப்படுகிறது. உயர்ந்த மற்றும் தாழ்வான, சோகமான மற்றும் வேடிக்கையான, அழகான மற்றும் அசிங்கமான கலவையின் மூலம், வாழ்க்கையின் பன்முகத்தன்மையை நாம் புரிந்துகொள்கிறோம்.

ஹ்யூகோவைப் பொறுத்தவரை, ஷேக்ஸ்பியர் ஒரு கலைஞரின் மாதிரியாக இருந்தார், அவர் கலையில் கோரமானவற்றை புத்திசாலித்தனமாகப் பயன்படுத்தினார். ஷேக்ஸ்பியரில் உள்ள கோரமானதை அவர் எங்கும் பார்க்கிறார். ஷேக்ஸ்பியர் "பாரம்பரியத்தில் இப்போது சிரிப்பு, இப்போது திகில் ஆகியவற்றை அறிமுகப்படுத்துகிறார். மக்பத்துடன் மூன்று மந்திரவாதிகள், ஹேம்லெட்டுடன் கல்லறை தோண்டுபவர்கள், ரோமியோ ஆகியோருக்கு இடையேயான சந்திப்புகளை அவர் ஏற்பாடு செய்கிறார்.

ஹ்யூகோவின் கிளர்ச்சியானது, அரசியலை நேரடியாகத் தொடாமல், அவர் கிளாசிசத்தை எதிர்க்கிறார், அதை பழைய இலக்கிய ஆட்சி என்று அழைத்தார்: "தற்போது அரசியல் பழைய ஆட்சியாக இலக்கியப் பழைய ஆட்சி உள்ளது". இவ்வாறு அவர் செவ்வியல்வாதத்தை முடியாட்சியுடன் தொடர்புபடுத்துகிறார்.

ஹ்யூகோ 7 காதல் நாடகங்களை எழுதினார்: "குரோம்வெல்"(1827), "மரியன் டெலோர்ம்"(1829), "எர்னானி"(1830), "ராஜா வேடிக்கையாக இருக்கிறார்"(1832), "மேரி டியூடர்"(1833) "ரூய் பிளாஸ்"(1838) ஆனால் "குரோம்வெல்" அல்லது "மரியன் டெலோர்ம்" இருவரும் மேடையில் ஏற முடியவில்லை: "குரோம்வெல்" - "தைரியமான உண்மையுள்ள நாடகம்", மற்றும் "மரியான் டெலோர்ம்" - ஒரு நாடகம், இதில் ஒரு நாடகமாக உயர்ந்த மற்றும் கவிதை காதல் சோகமான மோதல். வேரற்ற இளைஞனும் வேசியும் மனிதாபிமானமற்ற ராயல்டி சட்டங்களுடன் வெளிப்படுத்தப்படுகின்றன; அதில், ஹ்யூகோ ராஜாவை எதிர்மறையாக சித்தரித்தார்.

அந்தக் காட்சியைக் கண்ட முதல் நாடகம் எர்னானி (1830). அதில், ஹ்யூகோ இடைக்கால ஸ்பெயினை சித்தரிக்கிறார்; முழு கருத்தியல்-உணர்ச்சி அமைப்பு உணர்வுகளின் சுதந்திரத்தை உறுதிப்படுத்துகிறது, மரியாதையை பாதுகாக்க ஒரு நபரின் உரிமை. ஹீரோக்கள் செயல்களிலும், தியாக அன்பிலும், உன்னதமான பெருந்தன்மையிலும், பழிவாங்கும் கொடுமையிலும் தங்களை வெளிப்படுத்துகிறார்கள். ஒரு வார்த்தையில், இது விதிவிலக்கான சூழ்நிலைகள், விதிவிலக்கான உணர்வுகள், மெலோடிராமாடிக் நிகழ்வுகள் கொண்ட ஒரு பொதுவான காதல் நாடகம். ஒரு காதல் பழிவாங்கும் கொள்ளைக்காரன் எர்னானியின் உருவத்தில் கிளர்ச்சி வெளிப்படுகிறது. சோகமான மோதல் நிலப்பிரபுத்துவ-நைட் ஒழுக்கத்தின் இருண்ட உலகத்துடன் கம்பீரமான மற்றும் பிரகாசமான அன்பின் மோதலால் முன்னரே தீர்மானிக்கப்படுகிறது; ராஜாவுடன் எர்னானியின் மோதலில் சமூக மேலோட்டங்கள் சேர்க்கப்படுகின்றன.

"எர்னானி" நாடகம் "காமெடி பிரான்சிஸ்" மேடையில் அரங்கேறியது. இது ரொமாண்டிசிசத்திற்கு கிடைத்த பெரும் வெற்றியாகும்.

1830 புரட்சிக்குப் பிறகு, ரொமாண்டிசிசம் முன்னணி நாடகப் போக்கு ஆனது. 1831 இல், "மரியன் டெலோர்ம்" காட்சியில் தோன்றினார். பின்னர் - ஒன்றன் பின் ஒன்றாக: "தி கிங் அமுஸ்" (1832), "மேரி டியூடர்" (1833), "ரூய் பிளாஸ்" (1838). பொழுதுபோக்கு சதிகள், பிரகாசமான மெலோடிராமாடிக் விளைவுகள் காரணமாக அவை அனைத்தும் பெரும் வெற்றியைப் பெற்றன. ஆனால் பிரபலத்திற்கு முக்கிய காரணம் சமூக-அரசியல் நோக்குநிலை, ஜனநாயக தன்மை.

ரூய் பிளாஸ் என்ற நாடகத்தில் ஜனநாயக பேத்தோஸ் குறிப்பாக உச்சரிக்கப்படுகிறது. இந்த நடவடிக்கை 17 ஆம் நூற்றாண்டின் இறுதியில் ஸ்பெயினில் நடைபெறுகிறது. ஆனால் இந்த நாடகம், மற்ற வரலாற்றுப் பொருட்களில் எழுதப்பட்டதைப் போல, ஒரு வரலாற்று நாடகம் அல்ல. இது கவிதை புனைகதையை அடிப்படையாகக் கொண்டது. ரூய் பிளாஸ் ஒரு காதல் ஹீரோ, உயர்ந்த நோக்கங்கள் மற்றும் உன்னதமான தூண்டுதல்கள் நிறைந்தவர். அவர் தனது நாட்டின் நன்மையைக் கனவு கண்டார் மற்றும் அவரது உயர் பதவியில் நம்பிக்கை கொண்டார். ஆனால் அவர் வாழ்க்கையில் எதையும் சாதிக்கத் தவறிவிட்டார், மேலும் அரச நீதிமன்றத்திற்கு நெருக்கமான ஒரு பணக்கார மற்றும் உன்னதமான பிரபுவின் கீழ்த்தரமாக மாற வேண்டிய கட்டாயம் ஏற்பட்டது. டான் சல்லஸ்ட் டி பசான் (இந்த பிரபுவின் பெயர்), தீங்கிழைக்கும் மற்றும் தந்திரமான, தனது காதலை நிராகரித்த ராணியை பழிவாங்க விரும்புகிறார். இதைச் செய்ய, அவர் ரூய் பிளாஸுக்கு தனது உறவினரின் பெயர் மற்றும் அனைத்து தலைப்புகளையும் கொடுக்கிறார் - கலைக்கப்பட்ட டான் சீசர் டி பசான். இந்த பெயரில், ரூய் பிளாஸ் ராணியின் காதலராக மாற உள்ளார். இது சல்லஸ்ட்டின் நயவஞ்சகத் திட்டம்: பெருமையுடைய ராணி காலடியின் எஜமானி. எல்லாம் திட்டமிட்டபடி நடக்கிறது. ஆனால் ரூய் பிளாஸ் நீதிமன்றத்தில் மிகவும் உன்னதமான, புத்திசாலி மற்றும் தகுதியான நபராக மாறுகிறார். பிறப்பால் அதிகாரம் பெற்ற அனைத்து பிரபுக்களுக்கும் மத்தியில், ஆட்சியாளரின் மனதைக் கொண்ட ஒரு மனிதனாக மாறிவிடுகிறான். அரச சபையின் கூட்டத்தில், ரூய் பிளாஸ் ஒரு நீண்ட உரையை நிகழ்த்துகிறார், அதில் அவர் நீதிமன்றக் குழுவை நாட்டை நாசமாக்கியது மற்றும் மாநிலத்தை மரணத்தின் விளிம்பிற்கு கொண்டு வந்தது என்று குற்றம் சாட்டினார். இது சல்லஸ்டின் முதல் இழப்பு, இரண்டாவதாக ராணியை அவமானப்படுத்தத் தவறியது, அவள் ரூய் பிளாஸைக் காதலித்தாலும். ரூய் பிளாஸ் தனது பெயரின் ரகசியத்தை எடுத்துக்கொண்டு விஷத்தை குடிக்கிறார்.

இந்த நாடகத்தில், ஹ்யூகோ முதன்முறையாக சோகத்தையும் நகைச்சுவையையும் கலக்கும் நுட்பங்களைப் பயன்படுத்துகிறார்; இது முக்கியமாக உண்மையான டான் சீசரின் கோரமான உருவத்தில் வெளிப்படுத்தப்படுகிறது, ஒரு பாழடைந்த உயர்குடி, குடிகாரன், இழிந்த, பிரெட்டர்.

தியேட்டரில் "ரூய் பிளாஸ்" சராசரி வெற்றியைப் பெற்றது. பார்வையாளர்கள் ரொமாண்டிசிசத்தை நோக்கி குளிர்விக்கத் தொடங்கினர்.

ஹ்யூகோ ஒரு புதிய வகை காதல் நாடகத்தை உருவாக்க முயன்றார் - காவிய சோகம் தி பர்க்ரேவ்ஸ் (1843). ஆனால் அது அசையாதது மற்றும் வெற்றி பெறவில்லை, ஆனால் தோல்வியடைந்தது. அதன் பிறகு, ஹ்யூகோ தியேட்டரை விட்டு வெளியேறினார்.

அலெக்சாண்டர் டுமா(டுமாஸ்-தந்தை) (1802-1870) ஹ்யூகோவின் நெருங்கிய கூட்டாளி. 20-30 களில். காதல் இயக்கத்தின் தீவிர உறுப்பினராக இருந்தார். நாவல்கள் தவிர (The Three Musketeers, The Count of Monte Cristo, Queen Margo போன்றவை), 1930கள் மற்றும் 1940களில் 66 நாடகங்களை எழுதினார். நாடகப் புகழ் அவரது முதல் நாடகமான "ஹென்றி III மற்றும் அவரது நீதிமன்றம்" கொண்டு வந்தது. இது 1829 இல் ஓடியான் தியேட்டரில் அரங்கேறியது. பின்வரும் நிகழ்ச்சிகள் இந்த வெற்றியை ஒருங்கிணைத்தன: அந்தோணி (1831), நெல்ஸ்கயா டவர் (1832), கீன், அல்லது ஜீனியஸ் மற்றும் டெபாச்சேரி (1836) மற்றும் பலர். இவை அனைத்தும் - காதல் நாடகங்கள், ஆனால் அவை ஹ்யூகோவைப் போல கிளர்ச்சியின் ஆவி வேண்டாம்.

டுமாஸ் மெலோட்ராமாவின் நுட்பங்களையும் பயன்படுத்தினார், இது அவரது நாடகங்களுக்கு ஒரு சிறப்பு பொழுதுபோக்கு மற்றும் மேடை இருப்பைக் கொடுத்தது, ஆனால் சில சமயங்களில் மெலோட்ராமாவின் துஷ்பிரயோகம் அவரை மோசமான சுவையின் விளிம்பிற்கு கொண்டு வந்தது (திகில்களின் சித்தரிப்பு - கொலைகள், மரணதண்டனைகள், சித்திரவதைகள் இயற்கையின் விளிம்பில் இருந்தன. )

1847 ஆம் ஆண்டில், டுமாஸ் தனது வரலாற்று அரங்கை "ராணி மார்கோட்" நாடகத்துடன் திறந்தார், அதன் மேடையில் பிரான்சின் தேசிய வரலாற்றின் காட்சிகளைக் காட்டும் நாடகங்கள் காட்டப்பட வேண்டும். பாரிஸின் பவுல்வர்டு திரையரங்குகளின் வரலாற்றில் அவர் ஒரு முக்கிய இடத்தைப் பிடித்தார். ஆனால் அவரது வரலாற்று தியேட்டர் 2 ஆண்டுகள் மட்டுமே நீடித்தது மற்றும் 1849 இல் மூடப்பட்டது.

வெற்றிகரமான பேஷன் எழுத்தாளர் டுமாஸ் ரொமாண்டிசிசத்திலிருந்து விலகி, அதைத் துறந்து முதலாளித்துவ ஒழுங்கிற்காக நிற்கிறார்.

ப்ரோஸ்பர் மெரிமி(1803-1870). அவரது படைப்புகளில் யதார்த்தமான போக்குகள் வெளிப்படுகின்றன. அறிவொளி தத்துவத்தின் செல்வாக்கின் கீழ் அவரது கண்ணோட்டம் உருவாக்கப்பட்டது.

அவரது படைப்பில், யதார்த்தத்திற்கு எதிரான காதல் கிளர்ச்சியானது யதார்த்தத்தின் கூர்மையான விமர்சன மற்றும் நையாண்டி சித்தரிப்பால் மாற்றப்படுகிறது.

கிளாசிசத்திற்கு எதிரான போராட்டத்தில் மெரிமி பங்கேற்றார், 1825 இல் "தியேட்டர் ஆஃப் கிளாரா காசுல்" என்ற நாடகங்களின் தொகுப்பை வெளியிட்டார். கிளாரா காசுல் - ஸ்பானிஷ் நடிகை; இந்த பெயரில் மெரிம் பழைய ஸ்பானிஷ் தியேட்டரின் நகைச்சுவை பாணியில் எழுதப்பட்ட நாடகங்களின் நிறத்தை விளக்கினார். ரொமாண்டிக்ஸ், உங்களுக்குத் தெரிந்தபடி, ஸ்பானிஷ் மறுமலர்ச்சி தியேட்டரில் ஒரு காதல் தியேட்டரின் அம்சங்களைக் கண்டது - நாட்டுப்புற, இலவசம், கிளாசிக்ஸின் நியதிகளை அறியவில்லை.

கிளாரா காசோல் தியேட்டரில், படைப்பாற்றல் சுதந்திரம் மற்றும் கிளாசிக்ஸின் இயல்பான அழகியல் நியதிகளைப் பின்பற்ற மறுப்பது ஆகியவற்றின் கொள்கைக்கு மெரிமி ஒரு சிறந்த உதாரணத்தை வழங்கினார். இந்தத் தொகுப்பில் உள்ள நாடகங்களின் சுழற்சி, நாடக ஆசிரியருக்கான ஒரு படைப்பு ஆய்வகமாக இருந்தது, அவர் பாத்திரங்கள் மற்றும் உணர்வுகள், புதிய வெளிப்பாடுகள் மற்றும் நாடக வடிவங்களை சித்தரிப்பதற்கு ஒரு புதிய அணுகுமுறையைக் கண்டறிந்தார்.

சில நேரங்களில் வினோதமான படங்கள் இருந்தாலும் (கதாபாத்திரங்கள் எல்லா வகுப்பினரும்) பிரகாசமான, வாழ்க்கையைப் போன்ற கேலரியைக் காட்டுகிறது. மதகுருமார்களைக் கண்டனம் செய்வதும் ஒரு கருப்பொருளாகும். மேலும் மெரிமியின் காமெடிகளின் ஹீரோக்கள் வலிமையானவர்களாகவும், உணர்ச்சிவசப்பட்டவர்களாகவும், விதிவிலக்கான நிலையில் உள்ளவர்களாகவும், அசாதாரணமான செயல்களைச் செய்பவர்களாகவும் இருந்தாலும், அவர்கள் இன்னும் காதல் ஹீரோக்கள் அல்ல. ஏனெனில் பொதுவாக அவர்கள் சமூக இயல்புகளின் படத்தை உருவாக்குகிறார்கள் (இது யதார்த்தவாதத்திற்கு நெருக்கமானது).

சூழ்நிலையின் காதல் வண்ணம் முரண்பாடாக செயல்படுகிறது (அல்லது ஒரு காதல் நாடகத்தின் பகடி கூட). எடுத்துக்காட்டு: "ஆப்பிரிக்க காதல்" - இந்த நாடகத்தில், நாடகத்தின் ஹீரோக்களின் "வெறித்தனமான" உணர்ச்சிகளின் சாத்தியமற்ற தன்மையைப் பார்த்து மெரிமி சிரிக்கிறார், அவர்களின் நாடக மற்றும் போலி பாத்திரத்தை வெளிப்படுத்துகிறார். நாடகத்தின் ஹீரோக்களில் ஒருவரான பெடோயின் ஜீன், தனது நண்பன் ஹாஜி நுமானின் அடிமையைக் காதலிக்கிறான், அதனால் அவள் இல்லாமல் அவனால் வாழ முடியாது. ஆனால் இது அவருடைய ஒரே காதல் அல்ல என்று மாறிவிடும். ஹாஜி நுமான் அவரைக் கொன்றுவிடுகிறார், அவர் இறக்கும் போது, ​​அவரிடமிருந்து குழந்தையை எதிர்பார்க்கும் ஒரு கறுப்பினப் பெண் இருப்பதாகச் சொல்ல முடிகிறது. இது ஹாஜி நுமானை அதிர்ச்சிக்குள்ளாக்குகிறது, மேலும் அவர் ஒரு அப்பாவி அடிமையைக் கொன்றார். அந்த நேரத்தில், ஒரு வேலைக்காரன் தோன்றி, "இரவு உணவு பரிமாறப்பட்டது, நிகழ்ச்சி முடிந்தது" என்று அறிவிக்கிறார். "கொல்லப்பட்ட" அனைவரும் எழுந்து நிற்கிறார்கள்.

ரொமாண்டிக் பாத்தோஸைக் குறைக்க, மெரிமி அடிக்கடி சாதாரண, பேச்சுவழக்கு மற்றும் மோசமான தெரு மொழியுடன் கூடிய, பரிதாபகரமான பேச்சு பாணியில் மோதும் நுட்பத்தைப் பயன்படுத்துகிறார்.

"தி கேரேஜ் ஆஃப் தி ஹோலி கிஃப்ட்ஸ்" (கிளாரா காசுல் தியேட்டரின் நையாண்டி நகைச்சுவை) மிக உயர்ந்த அரசு நிர்வாகம் மற்றும் "தேவாலயத்தின் இளவரசர்கள்" (வைஸ்ராய், அவரது நீதிமன்றம் மற்றும் பிஷப்) ஆகியவற்றை கேலி செய்கிறது. அவை அனைத்தும் வேகமான இளம் நடிகை பெரிச்சோலாவின் கைகளில் முடிகிறது.

மெரிமி ஒரு தேசிய வரலாற்று நாடகத்தை உருவாக்க வேண்டும் என்று கனவு கண்டார். XIV நூற்றாண்டின் விவசாயிகள் எழுச்சிக்கு அர்ப்பணிக்கப்பட்ட "ஜாக்குரி" (1828) நாடகம் இப்படித்தான் தோன்றியது. நாடகம் 1830 நிகழ்வுகளுக்கு முன் ஒரு புரட்சிகர எழுச்சியின் சூழ்நிலையில் உருவாக்கப்பட்டது. மெரிமியின் புதுமை இந்த நாடகத்தில் வெளிப்பட்டது: நாடகத்தின் ஹீரோ மக்கள். அவரது விதியின் சோகம், அவரது போராட்டம் மற்றும் தோல்வி ஆகியவை நாடகத்தின் சதி அடிப்படையாக அமைகின்றன. இங்கே அவர் ரொமாண்டிக்ஸுடன் வாதிடுகிறார், அவர்கள் வாழ்க்கையின் உண்மையை அல்ல, ஆனால் கவிதையின் உண்மையைக் காட்டுகிறார்கள். அவர் வாழ்க்கையின் உண்மைக்கு உண்மையுள்ளவர், முரட்டுத்தனமான மற்றும் கொடூரமான பழக்கவழக்கங்களைக் காட்டுகிறார், பணக்கார முதலாளித்துவ நகர மக்களின் துரோகம், விவசாயிகளின் வரையறுக்கப்பட்ட மற்றும் குறுகிய எல்லைகள் மற்றும் அவர்களின் தோல்வியின் தவிர்க்க முடியாத தன்மை ஆகியவற்றைக் காட்டுகிறார். (மெரிமி நாடகத்தை "நிலப்பிரபுத்துவ காலத்தின் காட்சிகள்" என்று வரையறுத்தார். புஷ்கின் ஒரு முடிக்கப்படாத நாடகம் "வீரர் காலத்தின் காட்சிகள்." மேலும் "போரிஸ் கோடுனோவ்" (1825) என்பது மெரிமியின் "ஜாக்குரி" போன்ற ஒரு நாட்டுப்புற வரலாற்று நாடகமாகும்).

ஆனால் ஜாக்குரி திரையரங்குகளின் தொகுப்பில் சேர்க்கப்படவில்லை.

ஆல்ஃபிரட் டி விக்னி(1797-1863) - காதல் நாடகத்தின் முக்கிய பிரதிநிதிகளில் ஒருவர். அவர் ஒரு பழைய உன்னத குடும்பத்தில் இருந்து வந்தவர். ஆனால் அவர் ஒரு புதிய சகாப்தத்தின் மனிதர்: அவர் எல்லாவற்றிற்கும் மேலாக சுதந்திரத்தை வைத்தார், மன்னர்கள் மற்றும் நெப்போலியனின் சர்வாதிகாரத்தை கண்டித்தார். அதே நேரத்தில், அவர் ஒரு முதலாளித்துவ குடியரசை ஏற்றுக்கொள்ள முடியவில்லை, 1930 களின் புரட்சிகர எழுச்சிகளின் அர்த்தத்தை அவர் புரிந்து கொள்ளவில்லை, இருப்பினும் பிரபுக்களின் வரலாற்று அழிவை அவர் அறிந்திருந்தார். எனவே அவரது ரொமாண்டிசிசத்தின் அவநம்பிக்கை தன்மை. இது "உலக துக்கத்தின்" நோக்கங்களால் வகைப்படுத்தப்படுகிறது, அவருக்கு அந்நியமான உலகில் ஒரு நபரின் பெருமைமிக்க தனிமை, நம்பிக்கையின்மை மற்றும் சோகமான அழிவின் உணர்வு.

அவரது சிறந்த படைப்பு ஒரு காதல் நாடகம் "சட்டர்டன்" (1835).

சாட்டர்டன், 18ஆம் நூற்றாண்டு ஆங்கிலக் கவிஞர் ஆனால் இது வாழ்க்கை வரலாற்று நாடகம் அல்ல. டி விக்னி கவிதையின் சுதந்திரம், படைப்பாற்றல் சுதந்திரம், தனிப்பட்ட சுதந்திரம் ஆகியவற்றைப் பாதுகாக்க விரும்பும் கவிஞரின் சோகமான விதியை சித்தரிக்கிறது. ஆனால் இந்த உலகத்துக்கும் கவிதைக்கும் சுதந்திரத்துக்கும் எந்த சம்பந்தமும் இல்லை. இருப்பினும், பரந்த மற்றும் ஆழமான நாடகம் கழுவப்பட்டது. சுதந்திரம் மற்றும் மனிதநேயத்திற்கு புதிய சகாப்தத்தின் விரோதத்தை நாடக ஆசிரியர் முன்னறிவித்தார். உலகம் மனிதாபிமானமற்றது, அதில் மனிதன் சோகமாக தனியாக இருக்கிறான். நாடகத்தின் காதல் சதி உள் அர்த்தம் நிறைந்தது, ஏனென்றால் டி விக்னியின் நாடகம் பெண்மை மற்றும் அழகு ஒரு பணக்கார பூரின் அதிகாரத்தில் கொடுக்கப்பட்ட ஒரு சோகமாகும்.

நாடகத்தின் முதலாளித்துவ-எதிர்ப்பு பாத்தோஸ் ஒரு அத்தியாயத்தால் வலுப்படுத்தப்படுகிறது, இது கருத்தியல் அர்த்தத்தில் முக்கியமானது, அதில் தொழிலாளர்கள் உற்பத்தியாளரிடம் தனது தொழிற்சாலையில் இயந்திரத்தால் முடமான தங்கள் தோழருக்கு இடம் கொடுக்குமாறு கேட்கிறார்கள். ஹவுஸ் ஆஃப் லார்ட்ஸில் தொழிலாளர்களின் நலன்களைப் பாதுகாத்த பைரனைப் போலவே, பிரபு டி விக்னியும் 1930 களின் தொழிலாளர் இயக்கத்தின் கூட்டாளியாக இருக்கிறார்.

டி விக்னியின் ரொமாண்டிசிசத்தின் தனித்தன்மை, ஹ்யூகோ மற்றும் டுமாஸ் ஆகியோரின் சீற்றம் மற்றும் உற்சாகம் இல்லாதது. கதாபாத்திரங்கள் உயிரோட்டமானவை, இயல்பானவை மற்றும் உளவியல் ரீதியாக நன்கு வளர்ந்தவை. நாடகத்தின் இறுதிப் பகுதி - சாட்டர்டன் மற்றும் கிட்டியின் மரணம் - அவர்களின் கதாபாத்திரங்களின் தர்க்கத்தால், உலகத்துடனான அவர்களின் உறவு மற்றும் ஒரு மெலோடிராமாடிக் விளைவு அல்ல.

நாடகம் முதன்முதலில் 1835 இல் நிகழ்த்தப்பட்டது மற்றும் பெரும் வெற்றி பெற்றது.

Alfred de Musset(1810-1857) காதல் நாடகம் மற்றும் காதல் நாடக வரலாற்றில் ஒரு சிறப்பு இடத்தைப் பிடித்துள்ளது. அவர் ரொமாண்டிசிசத்தின் நிறுவனர்களுடன் நெருக்கமாக தொடர்புடையவர். அவரது நாவல் "நூற்றாண்டின் மகனின் ஒப்புதல் வாக்குமூலங்கள்"- பிரான்சின் இலக்கிய வாழ்க்கையில் ஒரு முக்கிய நிகழ்வு. பெரிய பிரெஞ்சு புரட்சி மற்றும் நெப்போலியன் போர்களின் நிகழ்வுகள் இறந்துவிட்டபோது, ​​​​அதிகாரிகள் "மீட்டெடுக்கப்பட்டபோது, ​​​​ஆனால் அவர்கள் மீதான நம்பிக்கை என்றென்றும் மறைந்துவிட்டதால்" நாவலின் ஹீரோ வாழ்க்கையில் நுழைகிறார். சுதந்திரம் மற்றும் மனிதநேயம் பற்றிய கருத்துக்களுக்கான போராட்டத்தின் பாதைக்கு முசெட் அந்நியமாக இருந்தார். அவர் தனது தலைமுறையை "விரக்தியுடன் கொண்டு செல்ல" வலியுறுத்தினார்: "புகழ், மதம், காதல், உலகில் உள்ள அனைத்தையும் கேலி செய்வது என்ன செய்வது என்று தெரியாதவர்களுக்கு ஒரு பெரிய ஆறுதல்."

வாழ்க்கைக்கான இந்த அணுகுமுறை அவரது நாடகத்தில் வெளிப்படுகிறது. வலுவான பாடல் மற்றும் வியத்தகு சூழ்நிலையுடன், இங்கே சிரிப்பு உள்ளது. ஆனால் இது நையாண்டி அல்ல, இது எல்லாவற்றிற்கும் எதிரான ஒரு தீய மற்றும் நுட்பமான முரண்: அழகு இல்லாத வாழ்க்கையின் அன்றாட உரைநடைக்கு எதிராக, வீரத்திற்கு எதிராக, உயர் காதல் தூண்டுதல்களுக்கு எதிராக. விரக்தியின் வழிபாட்டின் மீது, அவர் அறிவித்ததைக் கூட அவர் கேலி செய்கிறார்: "உண்மையில் உங்களுக்கு வெறுமையும் சலிப்பும் மட்டுமே இருந்தாலும், மகிழ்ச்சியற்றதாக உணருவது மிகவும் மகிழ்ச்சியாக இருக்கிறது."

முரண்பாடானது அவர் உருவாக்கிய காதல் நகைச்சுவையின் கொள்கை மட்டுமல்ல, குறிப்பாக 40 மற்றும் 50 களில் காதல் எதிர்ப்பு போக்குகளையும் கொண்டுள்ளது.

30 களில். உருவாக்கப்பட்டது "வெனிஸ் நைட்", "விம்ஸ் ஆஃப் மரியானா", "ஃபேண்டஸி".இவை ஒரு புதிய வகை காதல் நகைச்சுவைக்கான சிறந்த எடுத்துக்காட்டுகள். உதாரணத்திற்கு, "வெனிஸ் இரவு"(1830): களியாட்டக்காரர் மற்றும் சூதாட்டக்காரர் ரொசெட்டா லாரெட்டாவை உணர்ச்சியுடன் நேசிக்கிறார். அவள் அவனுக்கு பதிலடி கொடுக்கிறாள். ஆனால் அவளுடைய பாதுகாவலர் அவளை ஒரு பணக்கார ஜெர்மன் இளவரசருக்கு திருமணம் செய்து வைக்கிறார். தீவிர ரஸெட்டா தனது காதலிக்கு ஒரு கடிதத்தையும் குத்துச்சண்டையையும் அனுப்புகிறார் - அவள் இளவரசரைக் கொன்று, ரஸெட்டாவுடன் சேர்ந்து வெனிஸிலிருந்து தப்பிக்க வேண்டும். இல்லாவிட்டால் தற்கொலை செய்து கொள்வான். ஆனால் திடீரென்று பொது அறிவு வெற்றி பெறுகிறது: லாரெட்டா, எப்படிச் சிறப்பாகச் செயல்படுவது என்பதைப் பற்றி யோசித்த பிறகு, தனது வெறித்தனமான மற்றும், மேலும், பாழடைந்த காதலனுடன் முறித்துக் கொண்டு, பணக்கார இளவரசனின் மனைவியாக மாற முடிவு செய்கிறாள். ரஸெட்டாவும் புத்திசாலித்தனமாக வாதிடுகிறார், அவர் கொலை மற்றும் தற்கொலை பற்றிய புனைகதைகளையும் நிராகரிக்கிறார், மேலும் இளம் ரேக் நிறுவனத்துடன் சேர்ந்து இரவு உணவு சாப்பிடுவதற்காக ஒரு கோண்டோலாவில் பயணம் செய்தார். இறுதியில், எல்லா முட்டாள்தனமும் அப்படியே முடிந்துவிடும் என்று அவர் விருப்பத்தை வெளிப்படுத்துகிறார்.

நகைச்சுவை "கற்பனையான"(1834) சோகமான முரண்பாடாக உள்ளது.

சில நேரங்களில் நகைச்சுவைகள் சோகமான முடிவுகளில் முடிவடையும். - "விம்ஸ் ஆஃப் மரியான்", "காதலுடன் நகைச்சுவை இல்லை" (1834).

முசெட்டின் சமூக அவநம்பிக்கை நாடகத்தில் மிகவும் உச்சரிக்கப்படுகிறது "லோரன்சாசியோ"(1834) வரலாற்றின் போக்கை புரட்சிகர வழியில் மாற்றும் முயற்சிகளின் சோகமான அழிவின் பிரதிபலிப்புகளை வெளிப்படுத்தும் நாடகம் இது. 30 களின் முற்பகுதியில் பிரான்சின் அரசியல் வாழ்க்கையில் நிறைந்த இரண்டு புரட்சிகள் மற்றும் பல புரட்சிகர எழுச்சிகளின் அனுபவத்தை முசெட் புரிந்து கொள்ள முயற்சிக்கிறார்.

சதி இடைக்கால புளோரன்ஸ் நிகழ்வுகளை அடிப்படையாகக் கொண்டது. லோரென்சோ மெடிசி (லோரென்சாசியோ) சர்வாதிகாரத்தை வெறுக்கிறார். புருட்டஸின் சாதனையைக் கனவு கண்ட அவர், கொடுங்கோலன் அலெக்ஸாண்ட்ரோ மெடிசியைக் கொன்று தாய்நாட்டிற்கு சுதந்திரம் கொடுக்க திட்டமிட்டார். இந்த பயங்கரவாதச் செயலை குடியரசுக் கட்சி ஆதரிக்க வேண்டும். லோரென்சாசியோ பிரபுவைக் கொன்றார், ஆனால் எதுவும் மாறவில்லை. குடியரசுக் கட்சியினர் பேசத் தயங்குகிறார்கள். மக்களின் அதிருப்தியின் தனிப்பட்ட வெடிப்புகள் படையினரால் அடக்கப்பட்டன. லோரென்சாசியோவின் தலையில் ஒரு பரிசு உள்ளது. அவர்கள் அவரைக் கொன்று, துரோகமாக முதுகில் குத்திக் கொன்றனர். லோரென்சாசியோவின் சடலம் தடாகத்தில் வீசப்படுகிறது (அதாவது புதைக்கப்படவில்லை). புளோரன்ஸ் கிரீடம் புதிய டியூக்கிற்கு வழங்கப்பட்டது.

நாடகம் ரொமாண்டிசிசத்தின் நுட்பங்களைப் பயன்படுத்துகிறது, இது கிளாசிக்ஸின் நியதிகளை முற்றிலும் புறக்கணித்து இலவச முறையில் எழுதப்பட்டுள்ளது. அதன் 39 சிறு காட்சிகள்-எபிசோடுகள் நிகழ்வுகளின் விரைவான, பரந்த கவரேஜை வழங்கும் வகையில் மாறி மாறி வருகின்றன. முக்கிய கதாபாத்திரங்கள் நன்றாக வரையப்பட்டுள்ளன.

முக்கிய யோசனை சமூகப் புரட்சியின் சாத்தியமற்றது. ஹீரோவின் ஆன்மீக வலிமைக்கு ஆசிரியர் அஞ்சலி செலுத்துகிறார், ஆனால் ஒரு தனிப்பட்ட புரட்சிகர செயலின் காதல்வாதத்தை கண்டிக்கிறார். சுதந்திரக் கருத்துடன் அனுதாபம் கொண்டவர்கள், ஆனால் போராட்டத்தில் ஈடுபடத் துணியாதவர்களும் கண்டிக்கப்படுகிறார்கள். நாடகத்தில், ஷேக்ஸ்பியரின் செல்வாக்கு கவனிக்கத்தக்கது - அதன் சமூக முரண்பாடுகளில் சகாப்தத்தின் பரந்த சித்தரிப்பு, ஒழுக்கத்தின் கொடுமை.

லோரென்சாசியோவுக்குப் பிறகு, முசெட் பெரிய சமூக தலைப்புகளுக்கு மாறவில்லை. 30 களின் இரண்டாம் பாதியில் இருந்து. அவர் மதச்சார்பற்ற சமூகத்தின் வாழ்க்கையிலிருந்து நேர்த்தியான மற்றும் நகைச்சுவையான நகைச்சுவைகளை எழுதுகிறார் - "மெழுகுவர்த்தி" (1835), "ஏறுமாறான"(1837) 40 களின் நடுப்பகுதியில். முசெட் பழமொழி நகைச்சுவைகளின் ஒரு சிறப்பு வகையை உருவாக்குகிறது, ஆனால் இவை பார்லர்-பிரபுத்துவ நகைச்சுவைகள்.

முசெட்டின் நாடகத்தின் மேடை விதி ஜூலை முடியாட்சியின் காலத்தின் பிரெஞ்சு நாடகத்தின் மிகவும் சிறப்பியல்பு: முசெட்டின் ஆரம்ப நாடகங்கள், கருத்தியல் அடிப்படையில் மிகவும் குறிப்பிடத்தக்கவை மற்றும் வடிவத்தில் புதுமையானவை, பிரெஞ்சு நாடகங்களால் ஏற்றுக்கொள்ளப்படவில்லை. முசெட்டின் நாடகங்களின் அரங்கேற்றம் ரஷ்யாவில் கண்டுபிடிக்கப்பட்டது. 1837 ஆம் ஆண்டில், செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க்கில் நகைச்சுவை "கேப்ரைஸ்" அரங்கேற்றப்பட்டது ("ஒரு பெண்ணின் மனம் எந்த எண்ணங்களையும் விட சிறந்தது" என்ற தலைப்பில்). இந்த நாடகத்தின் பெரும் வெற்றியானது செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க்கில் உள்ள பிரெஞ்சு திரையரங்கை நோக்கித் திரும்பும்படி கட்டாயப்படுத்தியது: இது நடிகை ஆலனின் நலனுக்காக அரங்கேற்றப்பட்டது, அவர் பிரான்சுக்குத் திரும்பி, காமெடி ஃபிரான்சாய்ஸின் தொகுப்பில் அதைச் சேர்த்தார்.

ஆனால் பொதுவாக, முசெட்டின் நாடகங்கள் பிரெஞ்சு நாடகத்தின் தொகுப்பில் ஒரு முக்கிய இடத்தைப் பிடிக்கவில்லை மற்றும் அதன் கருத்தியல் மற்றும் அழகியல் தோற்றத்தில் குறிப்பிடத்தக்க தாக்கத்தை ஏற்படுத்தவில்லை. புதுமையான நாடகத்தின் எடுத்துக்காட்டாக அவை வரலாற்றில் நிலைத்திருந்தன, அது அந்தக் கால நாடக அரங்கில் முழு அளவிலான மேடை உருவகத்தைக் காணவில்லை.

அகஸ்டின் யூஜின் ஸ்க்ரைப்(1791-1864) முதலாளித்துவத்தின் எழுத்தாளர். “... அவன் அவளை நேசிக்கிறான், அவன் அவளால் நேசிக்கப்படுகிறான், அவளுடைய கருத்துக்களுக்கும் அவளுடைய ரசனைகளுக்கும் அவன் ஒத்துப்போகிறான், அதனால் அவனே மற்ற அனைத்தையும் இழந்தான்; ஸ்க்ரைப் என்பவர் முதலாளித்துவத்தின் அரசவைக்காரர், அரவணைப்பவர், போதகர், சாமியார், ஆசிரியர், கேலி செய்பவர் மற்றும் கவிஞர். எழுத்தாளரால் வரையப்பட்ட, எழுத்தாளரின் வீரத்தாலும், கவுண்டரின் கவிதையாலும், தங்கள் சொந்த குணத்தால் தீண்டப்பட்டு, திரையரங்கில் பூர்ஷ்வா அழுகிறார்கள்” (ஹெர்சன்).

அவர் ஒரு சிறந்த நாடக ஆசிரியர், திறமை, உழைப்பு, "நன்கு தயாரிக்கப்பட்ட நாடகத்தின்" "விதிகளை" நன்கு புரிந்து கொண்டார். சுமார் 400 நாடகங்களை எழுதியுள்ளார். மிகவும் பிரபலமான "பெர்ட்ராண்ட் மற்றும் ரேடன்" (1833), "மகிமையின் ஏணி" (1837), "ஒரு குவளை தண்ணீர்" (1840), "Adrienne Lecouvrere" (1849).

பி பற்றி கொடியில்லாத வெற்றியைக் கொண்ட பெரும்பாலான நாடகங்கள் பிரெஞ்சு தியேட்டரின் மேடையில் சென்றன, பிரான்சுக்கு வெளியே புகழ் பெற்றன.

எழுத்தாளரின் நாடகங்கள் உள்ளடக்கத்தில் மேலோட்டமானவை, ஆனால் அவை ஒரு நம்பிக்கையான மனநிலையையும் பொழுதுபோக்கையும் கொண்டுள்ளன. அவை முதலாளித்துவ மக்களுக்காக உருவாக்கப்பட்டன, ஆனால் மற்ற வர்க்கங்களும் வெற்றி பெற்றன. அவர் 1930 களில் வாட்வில்லில் தொடங்கினார். ஒரு சிக்கலான, திறமையாக வடிவமைக்கப்பட்ட சூழ்ச்சி மற்றும் அவரது காலத்தின் நுட்பமாக கவனிக்கப்பட்ட பல சமூக மற்றும் அன்றாட அம்சங்களுடன் வௌட்வில்லே நகைச்சுவைகளை எழுதுகிறார்.

அவர்களின் எளிய தத்துவம் பொருள் வெற்றி மற்றும் செழிப்புக்காக நீங்கள் பாடுபட வேண்டும் என்ற உண்மையைக் கொதித்தது, ஏனென்றால் மகிழ்ச்சி மட்டுமே அதில் உள்ளது.

அவரது ஹீரோக்கள் மகிழ்ச்சியான ஆர்வமுள்ள முதலாளித்துவவாதிகள், வாழ்க்கையின் அர்த்தம், கடமை பற்றி, நெறிமுறை மற்றும் தார்மீக பிரச்சினைகள் பற்றி எந்த எண்ணங்களுடனும் சுமையாக இல்லை. இதெல்லாம் அவர்களுக்கு காலியாக உள்ளது, அவர்களுக்கு நேரமில்லை, அவர்கள் தங்கள் விவகாரங்களை நேர்த்தியாக ஒழுங்கமைக்க வேண்டும்: திருமணம் செய்வது லாபகரமானது, தலைசுற்றல் வாழ்க்கையை உருவாக்குவது, இதற்கு ஏதேனும் வழிகள் உள்ளன - செவிமடுப்பது, கண்காணிப்பது, ஒரு கடிதத்தை நடுவது அல்லது இடைமறிப்பது ஒரு கடிதம். இதெல்லாம் நடத்தை விதிமுறை மற்றும் கவலைப்பட நேரம் இல்லை.

அவரது சிறந்த நாடகம் "தண்ணீர் கண்ணாடி அல்லது காரணம் மற்றும் விளைவு"(1840), இது அனைத்து உலக திரையரங்குகளின் நிலைகளையும் சுற்றி வந்தது. இது வரலாற்று நாடகங்களுக்கு சொந்தமானது, ஆனால் வரலாறு ஒரு தவிர்க்கவும்: இது ஆசிரியருக்கு வரலாற்று பெயர்கள், தேதிகள், ஜூசி விவரங்கள் மற்றும் அதற்கு மேல் எதுவும் கொடுக்கவில்லை. ஆசிரியர் வரலாற்று வடிவங்களை வெளிப்படுத்தவோ அல்லது கண்டுபிடிக்கவோ முயற்சிக்கவில்லை. இந்த சூழ்ச்சி இரண்டு அரசியல் எதிரிகளின் போராட்டத்தில் கட்டமைக்கப்பட்டுள்ளது: லார்ட் போலிங்ப்ரோக் மற்றும் மார்ல்பரோவின் டச்சஸ், ராணி அன்னேயின் விருப்பமானவர். ஸ்க்ரைபின் முழு "வரலாற்றின் தத்துவம்" பின்வருமாறு: "... அரசியல் பேரழிவுகள், புரட்சிகள், பேரரசுகளின் வீழ்ச்சி ஆகியவை ஆழமான மற்றும் முக்கியமான காரணங்களால் ஏற்படவில்லை; ராஜாக்கள், தலைவர்கள், தளபதிகள் தங்கள் உணர்வுகள், விருப்பங்கள், அவர்களின் மாயை, அதாவது. சிறிய மற்றும் மிகவும் பரிதாபகரமான மனித உணர்வுகள்.

ஸ்க்ரைப் எண்ணிய முதலாளித்துவ பார்வையாளர், அவர் பிரபலமான ஹீரோக்கள் மற்றும் மன்னர்களை விட மோசமானவர் அல்ல என்று எல்லையற்ற புகழ்ச்சியடைந்தார். ஸ்க்ரைப் இவ்வாறு கதையை ஒரு அற்புதமாக கட்டமைக்கப்பட்ட மேடைக் கதையாக மாற்றினார். ஆங்கிலேய ராணியின் உடையில் ஒரு கிளாஸ் தண்ணீர் சிந்தியது இங்கிலாந்துக்கும் பிரான்சுக்கும் இடையே சமாதானம் முடிவுக்கு வந்தது. சரபந்தே நடனம் ஆடுவதில் வல்லவராக இருந்ததால் போலிங்ப்ரோக்கிற்கு மந்திரி பதவி கிடைத்தது, ஆனால் ஜலதோஷத்தால் அதை இழந்தார். ஆனால் இந்த அபத்தம் அனைத்தும் ஒரு அற்புதமான நாடக வடிவத்தில் அணியப்பட்டுள்ளது, அதற்கு ஒரு தொற்று ரிதம் கொடுக்கப்பட்டுள்ளது, மேலும் நாடகம் 100 ஆண்டுகளுக்கும் மேலாக மேடையை விட்டு வெளியேறவில்லை.

பெலிக்ஸ் பியா(1810-1889) - சமூக மெலோடிராமாவை உருவாக்கியவர். அவரது கருத்துகளின்படி, அவர் ஒரு குடியரசுக் கட்சி, பாரிஸ் கம்யூன் உறுப்பினர். அவரது பணி 1830-1848 காலகட்டத்தில் நாடக வாழ்க்கையில் தாக்கத்தை ஏற்படுத்தியது. (புரட்சிகர உணர்வுகளின் வளர்ச்சி).

மன்னராட்சிக்கு எதிரான வரலாற்று நாடகம் "அங்கோ" 1835 ஆம் ஆண்டில் அம்பிகு-காமிக் தியேட்டரில் அரங்கேற்றப்பட்டது, கிங் பிரான்சிஸ் I க்கு எதிராக இயக்கப்பட்டது, அதன் பெயர் தேசிய ஹீரோவின் புராணக்கதையுடன் தொடர்புடையது - கிங்-நைட், அறிவொளி மற்றும் மனிதநேயவாதி. நாடகம் இந்த "மிகவும் அழகான மன்னரை" அம்பலப்படுத்துகிறது.

"The Parisian rag-picker" என்ற சமூக மெலோடிராமா பியாவின் மிக முக்கியமான படைப்பாகும். இது 1847 இல் "போர்ட் செயிண்ட்-மார்ட்டின்" தியேட்டரில் அரங்கேறியது மற்றும் ஒரு சிறந்த மற்றும் நீடித்த வெற்றியைப் பெற்றது. ஜூலை முடியாட்சியின் உயர் சமூகத்திற்கு எதிரான சமூக எதிர்ப்பை வெளிப்படுத்தும் இந்த நாடகத்தை ஹெர்சன் மிகவும் பாராட்டினார். வங்கியாளர் ஹாஃப்மேனின் எழுச்சி மற்றும் வீழ்ச்சியின் கதைதான் முக்கிய கதைக்களம். நாடகத்தின் முன்னுரையில், பாழடைந்த மற்றும் வேலை செய்ய விரும்பாத பியர் கருஸ், ஒரு கொள்ளை மற்றும் கொலை செய்கிறார். முதல் செயலில், கொலைகாரனும், கொள்ளையனும் மரியாதைக்குரிய நபர். அவரது பெயரையும் கடந்த காலத்தையும் மறைத்து, அவர் கொள்ளையடித்ததை திறமையாகப் பயன்படுத்திக் கொண்டார், இப்போது ஒரு முக்கிய வங்கியாளராக இருக்கிறார் - பரோன் ஹாஃப்மேன். ஆனால் கந்தல் எடுப்பவர் தந்தை ஜீன், ஒரு நேர்மையான ஏழை, நீதியின் சாம்பியன், ஹாரஸ்-ஹாஃப்மேனின் தொழில் வாழ்க்கையின் தொடக்கத்தைக் குறித்த குற்றத்திற்கு தற்செயலான சாட்சியாக மாறினார். நாடகத்தின் முடிவில், ஹாஃப்மேன் அம்பலப்படுத்தப்பட்டு தண்டிக்கப்படுகிறார். இறுதியானது வாழ்க்கையின் உண்மையுடன் ஒத்துப்போகவில்லை என்றாலும், இது மெலோட்ராமாவில் உள்ளார்ந்த நம்பிக்கையை வெளிப்படுத்தியது - நல்ல வெற்றியின் சட்டத்தில் நம்பிக்கை.

ஹானர் டா பால்சாக்(1799-1850). அவரது படைப்பில், 30 மற்றும் 40 களின் பிரெஞ்சு நாடகத்தின் யதார்த்தமான அபிலாஷைகள் மிகப்பெரிய சக்தி மற்றும் முழுமையுடன் வெளிப்பட்டன.

விமர்சன யதார்த்தவாதத்தின் முறையின் வளர்ச்சி மற்றும் தத்துவார்த்த புரிதலில் பால்சாக்கின் பணி மிக முக்கியமான கட்டமாகும்.

பால்சாக் வாழ்க்கையின் உண்மைகளை, சமூக நிகழ்வுகளின் அடிப்படையை கடினமாகப் படித்தார், அவற்றின் பொதுவான பொருளைப் பிடிக்கவும், "வகைகள், உணர்வுகள் மற்றும் நிகழ்வுகளின்" படத்தை வழங்குவதற்காகவும் அவற்றை பகுப்பாய்வு செய்தார்.

எழுத்தாளர் ஒரு கல்வியாளராகவும் வழிகாட்டியாகவும் இருக்க வேண்டும் என்பதில் அவர் உறுதியாக இருந்தார். இதற்கான வழிமுறைகள் தியேட்டர், அதன் அணுகல் மற்றும் பார்வையாளரின் மீது செல்வாக்கு செலுத்தும் சக்தி.

பால்சாக் சமகால நாடகத்தை விமர்சித்தார். காதல் நாடகம் மற்றும் இசை நாடகம் வாழ்க்கையிலிருந்து வெகு தொலைவில் உள்ள நாடகங்கள் என்று அவர் கண்டனம் செய்தார். விமர்சன யதார்த்தவாதம், வாழ்க்கையின் உண்மை ஆகியவற்றின் கொள்கைகளை அவர் தியேட்டருக்குள் கொண்டு வர முயன்றார். ஆனால் உண்மையான நாடகத்தை உருவாக்கும் பாதை கடினமாக இருந்தது. அவரது ஆரம்பகால நாடகங்களில், காதல் நாடகம் சார்ந்து இருக்கிறது. 40 களில். அவரது பணியின் மிகவும் பயனுள்ள மற்றும் முதிர்ந்த காலத்தை தொடங்குகிறது.

அவர் 6 நாடகங்களை எழுதினார்: தி ஸ்கூல் ஆஃப் மேரேஜ் (1839), வௌட்ரின் (1839), ஹோப்ஸ் ஆஃப் கினோலா (1841), பமீலா ஜிராட் (1843), தொழிலதிபர் (1844), சித்தி (1848).

நகைச்சுவை "வணிகர்"- இது சமகால அறநெறிகளின் உண்மை மற்றும் தெளிவான நையாண்டி படம். எல்லா நகைச்சுவை ஹீரோக்களும் செறிவூட்டலுக்காக தாகமாக இருக்கிறார்கள், இதற்கு எல்லா வழிகளும் நல்லது. ஒரு நபர் மோசடி செய்பவரா அல்லது குற்றவாளியா அல்லது மரியாதைக்குரிய தொழிலதிபரா என்பது அவரது மோசடியின் வெற்றி அல்லது தோல்வியால் தீர்மானிக்கப்படுகிறது.

முக்கிய கதாபாத்திரம் ஒரு தொழிலதிபர் மெர்கேட். அவர் புத்திசாலி, நுண்ணறிவு, வலுவான விருப்பம் மற்றும் மிகவும் வசீகரமானவர். எனவே, கடினமான மற்றும் நம்பிக்கையற்ற சூழ்நிலைகளில் இருந்து வெளியேறுவது எளிது. கடனாளிகள் அவருடைய விலையை அறிந்திருக்கிறார்கள், அவரை சிறையில் அடைக்கத் தயாராக இருக்கிறார்கள், ஆனால் அவர்கள் அவருடைய விருப்பத்திற்கும், கவர்ச்சிக்கும் அடிபணிந்து, அவரை நம்புவதற்கு மட்டுமல்ல, அவருடைய சாகசங்களுக்கு உதவுவதற்கும் ஏற்கனவே தயாராக உள்ளனர். மக்களிடையே நட்பு, பிரபுக்கள் போன்ற உறவுகள் இல்லை, ஆனால் லாபத்திற்கான போட்டிப் போராட்டம் மட்டுமே என்பதை அவர் நன்கு புரிந்துகொள்கிறார். எல்லாம் விற்பனைக்கு!

பால்சாக்கின் எதார்த்தவாதம் சமூகப் பழக்கவழக்கங்களின் உண்மைச் சித்தரிப்பில், வணிகர்களின் நவீன சமுதாயத்தை ஒரு சமூக நிகழ்வாக இரக்கமற்ற பகுப்பாய்வில் வெளிப்படுத்தியது.

கருத்தியல் மற்றும் கலை அடிப்படையில் மிகவும் குறிப்பிடத்தக்கது பால்சாக்கின் நாடகம் "மாற்றாந்தாய்",அதில் அவர் "உண்மையான" நாடகத்தை உருவாக்கும் பணியை நெருங்கினார். அவர் குடும்ப உறவுகளை ஆழமாக ஆய்வு செய்ததால் நாடகத்தை "குடும்ப நாடகம்" என்று அழைத்தார்; மேலும் இது நாடகத்திற்கு ஒரு பெரிய சமூக அர்த்தத்தை கொடுத்தது.

ஒரு வளமான முதலாளித்துவ குடும்பத்தின் வெளிப்புற நல்வாழ்வு மற்றும் அமைதியான அமைதிக்குப் பின்னால், உணர்ச்சிகளின் போராட்டம், அரசியல் நம்பிக்கைகள், பொறாமை, அன்பு, வெறுப்பு, குடும்பக் கொடுங்கோன்மை மற்றும் குழந்தைகளின் மகிழ்ச்சியில் தந்தையின் அக்கறை ஆகியவற்றின் ஒரு படம் படிப்படியாக வெளிப்படுகிறது.

நாடகத்தின் செயல் ஒரு செல்வந்த உற்பத்தியாளரான முன்னாள் நெப்போலியன் ஜெனரல் காம்டே டி கிராண்ட்சாம்பின் வீட்டில் நடைபெறுகிறது. முக்கிய கதாபாத்திரங்கள் கவுண்ட் கெர்ட்ரூடின் மனைவி, அவரது முதல் திருமணத்திலிருந்து அவரது மகள் போலினா மற்றும் இப்போது ஜெனரல் தொழிற்சாலையின் மேலாளராக இருக்கும் பாழடைந்த கவுண்ட் ஃபெர்டினாண்ட் டி மார்க்கண்டல். போலினா மற்றும் ஃபெர்டினாண்ட் ஒருவரையொருவர் நேசிக்கிறார்கள், ஆனால் அவர்களின் அன்பின் வழியில் கடக்க முடியாத தடைகள் உள்ளன. ஜெனரல், அவரது அரசியல் நம்பிக்கைகளில், ஒரு தீவிர போனபார்டிஸ்ட், அவர் போர்பன்களுக்கு சேவை செய்யத் தொடங்கிய அனைவரையும் வெறுக்கிறார். ஃபெர்டினாண்டின் தந்தை அதைச் செய்தார். ஃபெர்டினாண்ட் ஒரு தவறான பெயரில் வாழ்கிறார், ஏனென்றால் ஜெனரல் தனது மகளை ஒரு "துரோகியின்" மகனுக்கு ஒருபோதும் கொடுக்க மாட்டார் என்று அவருக்குத் தெரியும். இரண்டாவது தடை என்னவென்றால், கெர்ட்ரூட் திருமணத்திற்கு முன்பே ஃபெர்டினாண்டின் எஜமானியாக இருந்தார். அவர் ஜெனரலை மணந்தபோது, ​​அவர் வயதாகி விரைவில் இறந்துவிடுவார் என்றும், பணக்காரர் மற்றும் சுதந்திரமான அவர் ஃபெர்டினாண்டிற்குத் திரும்புவார் என்றும் அவள் நம்பினாள். அவள் காதலுக்காக போராடுகிறாள், காதலர்களை பிரிக்க ஒரு கொடூரமான சூழ்ச்சியை நடத்துகிறாள். இந்த உளவியல் நாடகத்தில் மெலோடிராமாடிக் மற்றும் காதல் கூறுகள் உள்ளன: கடிதங்கள் திருடுதல், ஹீரோவின் ரகசியத்தை வெளிப்படுத்தும் அச்சுறுத்தல், காதலர்களின் தற்கொலை. ஆனால் முக்கிய விஷயம் என்னவென்றால், "மாற்றாந்தாய்" இன் அனைத்து சோக நிகழ்வுகளின் இதயத்திலும் சமூக யதார்த்தத்தின் நிகழ்வுகள் உள்ளன - ஒரு பிரபுவின் அழிவு, அரசியல் எதிரிகளின் பகை, வசதியான திருமணம்.

பால்சாக் அன்றாட வாழ்வில் சோகத்தை வெளிப்படுத்த விரும்பினார்; இது 19 ஆம் நூற்றாண்டின் பிற்பகுதியில் நாடகவியலில் பொதிந்தது.

"1848 ஆம் ஆண்டு வரலாற்று அரங்கில் மாற்றாந்தாய் அரங்கேற்றப்பட்டது. பால்சாக்கின் அனைத்து நாடகங்களிலும், அவர் பொதுமக்களிடம் மிகவும் வெற்றிகரமானவர்.

ஆய்வுக் கட்டுரையின் முழு உரை "19-20 ஆம் நூற்றாண்டுகளின் தொடக்கத்தில் பிரான்சில் நாடகத்தின் புதிய வடிவங்கள் மற்றும் வகைகள்" என்ற தலைப்பில்

ஒரு கையெழுத்துப் பிரதியாக

குசோவ்சிகோவா டாட்டியானா இகோரெவ்னா

19-20 ஆம் நூற்றாண்டுகளின் தொடக்கத்தில் பிரான்சில் புதிய வடிவங்கள் மற்றும் நாடக வகைகள்

சிறப்பு 17.00.01 - நாடகக் கலை

கலை விமர்சனத்தின் வேட்பாளர் பட்டத்திற்கான ஆய்வுக் கட்டுரைகள்

செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க் 2014

"செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க் ஸ்டேட் அகாடமி ஆஃப் தியேட்டர் ஆர்ட்ஸ்" என்ற உயர் தொழில்முறை கல்விக்கான ஃபெடரல் ஸ்டேட் பட்ஜெட் கல்வி நிறுவனத்தின் வெளிநாட்டு கலைத் துறையில் இந்த வேலை செய்யப்பட்டது.

அறிவியல் ஆலோசகர்: டாக்டர் ஆஃப் ஆர்ட்ஸ், பேராசிரியர் மக்ஸிமோவ் வாடிம் இகோரெவிச்

அதிகாரப்பூர்வ எதிரிகள்:

Gracheva Larisa Vyacheslavovna, டாக்டர் ஆஃப் ஆர்ட்ஸ், பேராசிரியர், செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க் ஸ்டேட் அகாடமி ஆஃப் தியேட்டர் ஆர்ட்ஸின் நடிப்புத் துறையின் இணை பேராசிரியர்

செமனோவா மரியானா போரிசோவ்னா, கலை வரலாற்றின் வேட்பாளர், பால்டிக் இன்ஸ்டிடியூட் ஆஃப் சுற்றுச்சூழல், அரசியல் மற்றும் சட்டத்தின் (BIEPP) செயல் துறையின் இணை பேராசிரியர்

முன்னணி அமைப்பு:

ஃபெடரல் ஸ்டேட் பட்ஜெட் ஆராய்ச்சி நிறுவனம் "ஸ்டேட் இன்ஸ்டிடியூட் ஆப் ஆர்ட் ஸ்டடீஸ்"

செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க் ஸ்டேட் அகாடமி ஆஃப் தியேட்டர் ஆர்ட்ஸில் டிசர்டேஷன் கவுன்சில் D 210.017.01 முகவரியில்: 191028, செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க், மொகோவாயா ஸ்டம்ப்., 35, அறை 512.

ஆய்வுக் கட்டுரையை செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க் ஸ்டேட் அகாடமி ஆஃப் தியேட்டர் ஆர்ட்ஸின் நூலகத்தில் காணலாம் (மோகோவயா செயின்ட், 34) சுருக்கம் 2014 இல் அனுப்பப்பட்டது.

அறிவியல் செயலாளர்

ஆய்வுக் குழு ^

கலை விமர்சனத்தின் வேட்பாளர் நெக்ராசோவா இன்னா அனடோலியேவ்னா

பிரான்சில் 19-20 ஆம் நூற்றாண்டுகளின் திருப்பம் அழகியல் எக்லெக்டிசிசத்தின் காலமாகும், இது கிட்டத்தட்ட ஒரே நேரத்தில் எழும் வேறுபட்ட கலை போக்குகளின் மோதலில் வெளிப்படுத்தப்படுகிறது. கல்வி மற்றும் வணிக மரபுகளைக் கொண்ட விவாதங்களில், இயற்கைவாதம், குறியீடு, நவ-ரொமாண்டிசம் மற்றும் நவீனத்துவத்தின் அழகியல் தியேட்டரில் உருவாகிறது. பாரம்பரியமாக, இந்த காலம் பொதுவாக இயக்குனரின் தியேட்டர் உருவாகும் நேரமாகக் கருதப்படுகிறது, இது சகாப்தத்தின் இரண்டு முக்கிய கலை திசைகளில் இணையாக தன்னை உறுதிப்படுத்திக் கொண்டது - இயற்கை மற்றும் குறியீட்டு. ஆண்ட்ரே அன்டோயின், பால் ஃபாரே, ஆரேலியன்-மேரி லுக்னியர்-பாவ் ஆகியோரின் நாடக நடைமுறை, இன்று உலக நாடகத்தின் வளர்ச்சிக்கு அவர்களின் பங்களிப்பு உள்நாட்டு மற்றும் வெளிநாட்டு நாடக ஆய்வுகளால் ஓரளவு விரிவாக ஆய்வு செய்யப்பட்டுள்ளது.

செயல்திறனை ஒரு கலையாகப் புரிந்துகொள்வது வளிமண்டலம், ஸ்டைலிஸ்டிக் ஒற்றுமை, ஆசிரியரின் கவிதை, வடிவமைத்தல் போன்ற கருத்துகளை முன்னுக்கு கொண்டு வந்தது. இயற்கையின் ஆசை, வாழ்க்கையின் உண்மை ஒரு உருவக, நிபந்தனை தியேட்டருக்கு எதிரானது, ஆனால் பொதுவாக, அனைத்து குறிப்பிடத்தக்க சோதனைக் காட்சிகளும் - லிப்ரே தியேட்டர், மற்றும் தியேட்டர் டி "ஆர், மற்றும் எவ்ரே தியேட்டர் இரண்டும் நாடக மாதிரியைக் கடப்பதை நோக்கமாகக் கொண்டிருந்தன. 19 ஆம் நூற்றாண்டின், நடிப்பு தியேட்டரின் மரபுகள், பல வழிகளில் இத்தகைய தேவை ஒரு "புதிய நாடகம்" தோன்றியதன் காரணமாக இருந்தது, இது ஒரு வெளிப்புற நிகழ்வுத் தொடரை மறுத்துள்ளது (எம். மேட்டர்லிங்கின் "நிலையான தியேட்டர்" கருத்து) , ஹீரோவைப் பற்றிய வழக்கமான புரிதல் மற்றும் வியத்தகு மோதல், இயக்குனரின் புரிதல் தேவை மற்றும் தியேட்டரில் புதிய கோரிக்கைகளை வைத்தது.

அதே நேரத்தில், பிரான்சில் நாடக கலாச்சாரத்தின் மற்றொரு குறிப்பிடத்தக்க அடுக்கு இருந்தது, இது அதே பிரச்சனைகளைத் தீர்ப்பதற்கான மாற்று வடிவங்களை வழங்கியது. 1894 ஆம் ஆண்டில், விமர்சகர் A. Aderé இந்த நிகழ்வை "le théâtre à côté"1 என்று அழைத்தார், இதை "அடுத்த வீட்டு தியேட்டர்" அல்லது "சாலையோர தியேட்டர்" என்று மொழிபெயர்க்கலாம். இந்த அல்லது அந்த நிகழ்வின் பங்கை தீர்மானிக்க ஆசிரியர் ஒரு இலக்கை நிர்ணயிக்கவில்லை மற்றும் "சாலையோர தியேட்டரை" ஒரு அமெச்சூர் சூழலாகக் கருதினார், இது ஒரு தற்காலிக கட்டமாகும்.

1 Aderer A. Le Theatre à côté. பாரிஸ், 1894.

தொழில்முறை உலகம். இருப்பினும், 19-20 ஆம் நூற்றாண்டுகளின் தொடக்கத்தில், "சாலையோரத்தில் உள்ள தியேட்டர்" Adére இன் வரையறைக்கு அப்பால் சென்று ஒரு சுயாதீனமான கலை நிகழ்வாக வளர்ந்தது, இதில் இந்த காலகட்டத்தின் அழகியல் எலக்டிசிசம் வேறுபட்ட கலையின் நெருங்கிய உறவில் வெளிப்படுத்தப்பட்டது. கருத்துக்கள். இங்கே, இயக்குனரின் தியேட்டரின் வளர்ச்சியுடன் தொடர்புடைய படைப்புத் தேடல்களின் பின்னடைவு மற்றும் ஒற்றுமை மற்றும் நாடகத்தன்மையின் கருத்தை மறுபரிசீலனை செய்வதை நோக்கமாகக் கொண்டது. இந்த ஆய்வுக் கட்டுரையில், "சாலையோர தியேட்டர்" என்பது அமெச்சூர் சோதனைகள் மற்றும் தனிப்பட்ட முயற்சிகளின் போது எழுந்த புதிய வடிவங்கள் மற்றும் வகைகளின் தொகுப்பாகக் கருதப்படுகிறது மற்றும் நாடகக் கொள்கைகள், ஒரு நடிகரின் இருப்பு மற்றும் வடிவமைப்பு ஆகியவற்றை மறுபரிசீலனை செய்யும் புதிய நாடக மாதிரிகள் உள்ளன. ஒரு செயல்திறன். அவற்றில், நான்கு சம அளவிலான நிகழ்வுகள் தனித்து நிற்கின்றன: காபரே, நிழல் தியேட்டர், பொம்மை தியேட்டர் மற்றும் "திகில் தியேட்டர்" கிராண்ட் கிக்னோல்.

கலை இயக்கங்கள் எதையும் கடைப்பிடிக்காமல், பெல்லி எபோக்கின் மாற்று நாடகக் கலாச்சாரம் (பெல்லே எபோக், பெல்லி எபோக்) அவற்றின் பன்முகத்தன்மைக்கு எதிர்வினையாக மாறியது, வகை மற்றும் குறிப்பிட்ட எல்லைகளை மாற்றுவதற்கு பங்களித்தது. பொம்மை தியேட்டர், நிழல் தியேட்டர், முகமூடி தியேட்டர், கஃபே-கச்சேரி மற்றும் வெகுஜன பொழுதுபோக்கு கலாச்சாரம் ஆகியவை ஏற்கனவே பல நூற்றாண்டுகள் பழமையான வரலாறு அல்லது கடந்த காலத்தின் இதேபோன்ற நிகழ்வுகளில் ஆழமான பின்னணியைக் கொண்டுள்ளன. எப்பொழுதும் தனித்தனியாக வளர்ந்து, நாடக அரங்கின் நிழலில், 19-20 ஆம் நூற்றாண்டுகளின் தொடக்கத்தில், அவர்கள் உரிமைகளில் சமமாக மாறுகிறார்கள், காலத்தின் உண்மைகளுக்கு முதலில் எதிர்வினையாற்றுகிறார்கள், ஒருவருக்கொருவர் எளிதில் தொடர்புகொண்டு, பிரச்சினைகளைத் தீர்ப்பார்கள். 20 ஆம் நூற்றாண்டின் நாடக மொழி. புதிய நாடகவியல், புதிய வகைகள், புதிய வெளிப்பாட்டு வழிமுறைகள் மற்றும் ஒரு மேடைப் படத்தை உருவாக்கும் புதிய வழிகள் (முகமூடி, நிழல், பொம்மை, இயற்கை சாதனங்கள்) துறையில் அவர்களின் சோதனைகள் நாடக இயற்கைவாதம், குறியீட்டுவாதம் மற்றும் நவீனத்துவத்தின் அழகியலை விரிவுபடுத்தி அடிப்படையில் மாற்றியமைத்தன.

சில நாடக வடிவங்கள் மற்றும் பெல்லி எபோக்கின் வகைகளில் மேற்கத்திய அறிவியலின் ஆர்வம் அதிகரித்துள்ள போதிலும், அவை ஒருபோதும் இருந்ததில்லை.

இயக்குனரின் தியேட்டரின் உருவாக்கம் போன்ற அதே போக்குகளுடன் தொடர்புடைய ஒரு கலை செயல்முறையின் கூறுகளாக ஒன்றாகக் கருதப்படுகிறது. படைப்பாற்றல் சுதந்திரத்திற்கு ஒத்ததாக மாறிய காபரேவில் தொடங்கி, அதன் கூரையின் கீழ் விரோத சக்திகளை சமரசம் செய்து, இந்த செயல்முறை "le théâtre de spécialité" (அதாவது: அதன் சொந்த நிபுணத்துவம் கொண்ட ஒரு தியேட்டர், அதாவது, கவனம் செலுத்தும் தியேட்டர் பொதுமக்களின் குறிப்பிட்ட தேவைகள்; இந்த காலகட்டத்தின் ஆய்வாளரான ஆக்னெஸ் பியரோன்) 1, கலைத் துறையின் உருவாக்கம் (இந்த தொடரில், மவுலின் ரூஜ் போன்ற வணிக ரீதியாக வெற்றிகரமான திட்டம்) இந்த வார்த்தை முன்மொழியப்பட்டது. காபரேவை உருவாக்கியவர்கள் ஆரம்பத்தில் பரந்த பார்வையாளர்களை மையமாகக் கொண்டிருந்தனர்: இயற்கை ஆர்வலர்கள் மற்றும் அடையாளவாதிகளின் நிகழ்ச்சிகள் சாதாரண மனிதனை அதிர்ச்சியில் ஆழ்த்தினாலும், காபரே அவருக்கு ஒரு சமரசத்தின் மாயையை அளித்தது, அவர் ஊர்சுற்றுகிறார் என்ற உணர்வு - அவரை பலவந்தமாக இழுத்து புதிய நாடகத்தன்மை, புதிய முன்மொழியப்பட்ட சூழ்நிலைகளுக்கு அவரை பழக்கப்படுத்துகிறது. பல வழிகளில் "சாலையோர திரையரங்குகளில்" செய்யப்பட்ட கண்டுபிடிப்புகள் 20 ஆம் நூற்றாண்டின் அவாண்ட்-கார்டுக்கான அழகியல் தளத்தை தயார் செய்தன; இதற்கு இணையாக, வெகுஜன கலாச்சாரத் தொழிலின் அடித்தளம் இங்கு அமைக்கப்பட்டது.

ஆய்வறிக்கை ஆராய்ச்சியின் நோக்கம், 19-20 ஆம் நூற்றாண்டுகளின் தொடக்கத்தில் பிரான்சில் புதிய வடிவங்கள் மற்றும் நாடக வகைகளின் தோற்றத்தின் வடிவங்களை வெளிப்படுத்துவது, அவர்களின் கலைத் தேடல்களின் பொதுவான தன்மை, பின்னணியில் அவற்றின் அடிப்படை கண்டுபிடிப்பு ஆகியவற்றைக் காட்டுவதாகும். இந்த காலகட்டத்தின் சமூக-கலாச்சார மாற்றங்கள்.

ஆய்வின் நோக்கங்களில் 19-20 ஆம் நூற்றாண்டின் தொடக்கத்தில் "மாற்று" நாடக செயல்முறை பற்றிய ஆய்வு, இயக்குனரின் தியேட்டரின் கண்டுபிடிப்புகளுடன் புதிய வடிவங்கள் மற்றும் வகைகளின் தொடர்பு ஆகியவை அடங்கும்; காபரே மற்றும் "திகில் தியேட்டர்" ஆகியவற்றின் பிரத்தியேகங்கள் மூலம் புதிய நாடகத் தீர்வுகளுக்கான தேடலை நிரூபித்தல், நிழல் தியேட்டர் மற்றும் பொம்மை தியேட்டரின் உருவக இயல்பு மூலம்; மேடை மொழியின் பரிணாம வளர்ச்சியில் இந்த நிகழ்வுகளின் பங்கை தீர்மானித்தல், 20 ஆம் நூற்றாண்டின் நாடகக் கலையின் வளர்ச்சிக்கு அவற்றின் ஒட்டுமொத்த பங்களிப்பு.

1 செ.மீ.: Pierron A. முன்னுரை // Pierron A. Le Grand Guignol: Le Theâtre des peurs de la Belle époque. பாரிஸ், 1995. பி.எக்ஸ்.

19-20 ஆம் நூற்றாண்டின் தொடக்கத்தில் பிரான்சில் எழுந்த "மாற்று" நாடக வடிவங்கள் பற்றிய விரிவான ஆய்வு மற்றும் நாடக இயற்கை மற்றும் நாடக அடையாளங்களுக்கு அப்பாற்பட்டது, பொது நாடக செயல்முறையுடன் அவற்றின் தொடர்பு மற்றும் அதில் அவற்றின் இடத்தை தீர்மானித்தல் முதல் முறையாக மற்றும் படைப்பின் அறிவியல் புதுமையை உருவாக்குகிறது. வழங்கப்பட்ட நிகழ்வுகளை மீண்டும் உருவாக்கப் பயன்படுத்தப்பட்ட பெரும்பாலான ஆவணங்கள் மற்றும் பொருட்கள் முன்பு உள்நாட்டு நாடக ஆய்வுகளில் ஈடுபடவில்லை; பல நிகழ்ச்சிகள் மற்றும் நாடக நூல்கள் முதல் முறையாக ரஷ்ய மொழியில் விவரிக்கப்பட்டு பகுப்பாய்வு செய்யப்படுகின்றன.

19-20 ஆம் நூற்றாண்டுகளின் தொடக்கத்தில் புதிய நாடக வடிவங்கள் மற்றும் வகைகளைப் பற்றிய ஆய்வு, 21 ஆம் நூற்றாண்டின் முற்பகுதியில் நாடக அரங்கில் இதேபோன்ற செயல்முறைகளின் வெளிச்சத்தில், இயக்குனரின் அரங்கை உருவாக்கும் சூழலில் பொருத்தமானதாகத் தெரிகிறது, இதுவும் வகைப்படுத்தப்படுகிறது. மேடை இடத்தின் பாரம்பரிய எல்லைகளுக்கு அப்பால் செல்வதன் மூலம், நாடக வடிவங்களை (பொம்மைகள், முகமூடிகள், நிழல்கள், பொருள்கள்) ஒருங்கிணைக்க ஆசை, தொடர்புடைய கலைகளின் அனுபவத்தில் தேர்ச்சி பெறுதல். ஒரு நூற்றாண்டுக்கு முன்னர் செய்யப்பட்ட பல கண்டுபிடிப்புகள் வரலாற்று நினைவிலிருந்து அழிக்கப்பட்டுவிட்டன; வேர்களுக்குத் திரும்புங்கள், முந்தைய நூற்றாண்டின் அனுபவத்தைப் பற்றிய ஆய்வு, நாடகக் கலையின் வளர்ச்சியின் வடிவங்களை மறுபரிசீலனை செய்ய உங்களை அனுமதிக்கிறது, இன்றைய நாடக சோதனைகளின் மறுபரிசீலனைக்கு பங்களிக்கிறது.

ஆய்வின் பொருள் 19-20 ஆம் நூற்றாண்டுகளின் தொடக்கத்தில் பிரெஞ்சு தியேட்டர் ஆகும்.

ஆராய்ச்சியின் பொருள் "மாற்று" வடிவங்கள் மற்றும் பிரான்சில் உள்ள தியேட்டர் வகைகள் (காபரே, நிழல் தியேட்டர், பொம்மை தியேட்டர், "திகில் தியேட்டர்") 19-20 ஆம் நூற்றாண்டுகளின் தொடக்கத்தில் நாடக பரிணாமத்தின் பின்னணியில், மாற்றம் இயக்குனரின் தியேட்டர்.

ஆராய்ச்சி பொருள் இருந்தது:

19-20 ஆம் நூற்றாண்டுகளின் தொடக்கத்தில் பிரெஞ்சு நாடக நபர்களின் தத்துவார்த்த வெளியீடுகள் மற்றும் அறிக்கைகள்;

நாடக உரைகள் மற்றும் நிகழ்ச்சிகளுக்கான ஸ்கிரிப்டுகள் (ஷா நொயர், பெட்டிட் தியேட்டர் டி மரியோனெட், கிராண்ட் கிக்னோல்), இதற்கு முன்பு ரஷ்ய மொழியில் மொழிபெயர்க்கப்படவில்லை;

சமகாலத்தவர்களின் விமர்சனங்கள், விமர்சனங்கள், நினைவுக் குறிப்புகள்;

சகாப்தத்தின் பல்வேறு வரலாற்று மற்றும் நாடக ஆவணங்கள், சுவரொட்டிகள், ஐகானோகிராஃபிக் பொருட்கள்.

ஆராய்ச்சி முறையானது லெனின்கிராட்-பீட்டர்ஸ்பர்க் ஸ்கூல் ஆஃப் தியேட்டர் ஸ்டடீஸால் உருவாக்கப்பட்ட நாடக நிகழ்வுகளின் பகுப்பாய்வு மற்றும் விளக்கத்தின் கொள்கைகளை அடிப்படையாகக் கொண்டது; இந்த நிகழ்வை வரலாற்று மற்றும் சமூக-கலாச்சார சூழலுடன் தொடர்புபடுத்தி, பொது நாடக செயல்பாட்டில் அதன் இடத்தை தீர்மானிக்கிறது.

ஆய்வின் தத்துவார்த்த அடிப்படையானது: தியேட்டரின் தன்மை மற்றும் நாடக அமைப்புகளின் அச்சுக்கலை பற்றிய நவீன அறிவியல் படைப்புகள் - யு.எம். பார்பாய், வி.ஐ. மக்சிமோவா1; 19-20 ஆம் நூற்றாண்டுகளின் தொடக்கத்தில் (L.I. Gitelman, TI. Bachelis, V.I. Maksimov2; D. Knowles, J. Robichet , D. Bable3); 19-20 ஆம் நூற்றாண்டுகளின் தொடக்கத்தில் தொடர்புடைய மனிதநேயம், அழகியல் மற்றும் பிரெஞ்சு கலைக் கோட்பாடு துறையில் ஆராய்ச்சி (Ch. Rerik, R. Shattak4; V.I. Bozhovich, V.I. Razdolskaya5); ஆய்வு சகாப்தத்தின் மேற்கத்திய ஐரோப்பிய கலையின் பொதுவான பிரச்சினைகள் குறித்த வெளிநாட்டு மற்றும் நவீன உள்நாட்டு கலை விமர்சகர்களின் படைப்புகள்.

1 பார்பாய் யு.எம். தியேட்டர் கோட்பாட்டிற்கு. செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க், 2008; நாடக ஆய்வுகள் அறிமுகம் / Comp. மற்றும் ஓய்வு. எட். யு.எம். பார்பாய். செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க், 2011; மக்சிமோவ் வி.ஐ. அன்டோனின் அர்டாட்டின் வயது. எஸ்பிபி., 2005.

2 பேச்சிலிஸ் டி.ஐ. ஷேக்ஸ்பியர் மற்றும் கிரேக். எம்., 1983; கிடெல்மேன் எல்.ஐ. பிரெஞ்சு மேடையில் ரஷ்ய கிளாசிக். எல்., 1978; கிடெல்மேன் எல்.ஐ. XX நூற்றாண்டின் பிரெஞ்சு இயக்கத்தின் கருத்தியல் மற்றும் ஆக்கபூர்வமான தேடல்கள். எல்., 1988; வெளிநாட்டில் இயக்கும் கலை: (20 ஆம் நூற்றாண்டின் முதல் பாதி): வாசகர். செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க், 2004; பிரஞ்சு அடையாளவாதம். நாடகம் மற்றும் நாடகம் / கம்ப்., நுழைவு. கலை., கருத்து. மற்றும். மாக்சிமோவ். எஸ்பிபி., 2000.

3 நோல்ஸ் டி. லா ரியாக்ஷன் ஐடியலிஸ்ட் ஆ தியேட்ரே டெப்யூஸ் 1890. பாரிஸ், 1934; Robichez J. Le Symbolisme au théâtre: Lugné-Poe et les debuts de l "OEuvre. Paris, 1957; Bablet D. La Mise en scène contemporaine: (1887-1917). Paris, 1968.

4 Rearick Ch. பெல்லி எபோக்கின் இன்பங்கள். புதிய ஹேவன்; லண்டன், 1985; ஷட்டக் ஆர். லெஸ் ப்ரிமிடிஃப்ஸ் டி எல் "அவன்ட்-கார்ட்: (ஹென்றி ரூசோ, எரிக் சாட்டி, ஆல்ஃபிரட் ஜாரி, குய்லூம் அப்பல்லினேர்). (தி பேங்க்வெட் இயர்ஸ்). பாரிஸ், 1974.

5 போஜோவிச் வி.ஐ. கலைகளின் மரபுகள் மற்றும் தொடர்பு: (பிரான்ஸ், 19 ஆம் ஆண்டின் பிற்பகுதி - 20 ஆம் நூற்றாண்டின் ஆரம்பம்). எம்., 1987; ரஸ்டோல்ஸ்கயா வி.ஐ. 19 ஆம் நூற்றாண்டின் இரண்டாம் பாதியில் பிரான்சின் கலை. எல்., 1981.

6 ஆர்ட் நோவியோ: (1890-1914). லண்டன், 2000; ஜெர்மன் எம். நவீனத்துவம்: (20 ஆம் நூற்றாண்டின் முதல் பாதியின் கலை). செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க், 2008; கிரிசென்கோ ஐ.ஈ. நவீன. தோற்றம் மற்றும் அச்சுக்கலை பற்றிய கேள்விக்கு // சோவியத் கலை வரலாறு "78. வெளியீடு 1. எம்., 1979. எஸ். 249-283; சரபியானோவ் டி.வி. நவீனம்: பாணியின் வரலாறு. எம்., 2001.

பரிசீலனையில் உள்ள நான்கு நிகழ்வுகளின்படி, இந்த விஷயத்தில் இலக்கியத்தை நான்கு குழுக்களாகப் பிரிக்கலாம்: 1) காபரே; 2) நிழல் தியேட்டர்; 3) பொம்மை தியேட்டர்; 4) கிராண்ட் குய்னோல்.

1. ஒரு விதியாக, ரஷ்ய அறிவியலில், 19-20 ஆம் நூற்றாண்டின் திருப்பத்தின் காபரே கலை1 வகையின் நிகழ்வுகளைக் குறிக்கிறது, இது அதன் அழகியல் பரிணாம வளர்ச்சியின் பின்னணியில் நிச்சயமாக உண்மை. 20 ஆம் நூற்றாண்டின் தொடக்கத்தில் ஐரோப்பா முழுவதையும் புரட்டிப் போட்ட காபரே, மேற்கத்திய ஆராய்ச்சியாளர்களிடையே ஆர்வத்தைத் தூண்டுவதை நிறுத்தவில்லை; இருப்பினும், இது முக்கியமாக ஒரு கலாச்சார நிகழ்வாக ஆய்வு செய்யப்படுகிறது2. காபரே ஷா நோயர் 3 (கருப்பு பூனை) க்கு ஒரு சிறப்பு இடம் வழங்கப்படுகிறது - பாரிஸில் முதல் கலை காபரே, இது சமகாலத்தவர்களால் ஒரு மாதிரியாக கருதப்பட்டது.

காபரே நாடகத்தை ஒரு புதிய வடிவமாக கருதுவது முதலில் எம்.எம். போன்ச்-டோமாஷெவ்ஸ்கி தனது 1913 ஆம் ஆண்டு கட்டுரையில் "தி தியேட்டர் ஆஃப் பகடி மற்றும் கிரிமேஸ்"4, அதில் அவர் காபரேவின் அடிப்படைக் கொள்கைகளை வகுத்தார், பின்னர் அவை இயக்குனரின் தியேட்டரால் ஏற்றுக்கொள்ளப்பட்டன. அவற்றில்: மேடை சாய்வு தளத்தை நீக்குதல், காட்சியின் வளிமண்டலத்தின் கொள்கை, மண்டபத்தில் செயலை வெளியிடுதல், மேம்பாடு மற்றும் நாடக பாணியின் கூறுகளாக கோரமானவை, நடிகரின் "உலகளாவியம்", உருவாக்கம் மேடையில் இருப்பதற்கு அவசியமான நிபந்தனையாக முகமூடி, காபரேவின் படைப்புத் தன்மையின் அடிப்படையாக மறுப்பு மற்றும் கேலி.

என்.கே. பெட்ரோவா 1985 "மாண்ட்மார்ட்டின் நாடகக் கலை (சிறிய வடிவங்களின் திரையரங்குகளின் உருவாக்கம்

1 உவரோவா ஈ.டி. வெரைட்டி தியேட்டர்: மினியேச்சர்கள், விமர்சனங்கள், இசை அரங்குகள் (1917-1945). எம்., 1983; கிளிடின் எஸ்.எஸ். மேடை கலையின் வரலாறு. எஸ்பிபி., 2008.

2 Astre A. Les cabarets littéraires et artiques // Les spectacles a travers les les ages: (Theâtre. Cirque. Music-Hall. Café-concerts. Cabarets artistiques). பாரிஸ், எஸ்.ஏ. டி. 1. பி. 327-364.; ரியாரிக் சி. பெல்லி எபோக்கின் இன்பங்கள்; மாண்ட்மார்ட்ரே மற்றும் வெகுஜன கலாச்சாரத்தை உருவாக்குதல். நியூ பிரன்சுவிக்; நியூ ஜெர்சி; லண்டன், 2001; அப்பிஞானேசி ஜே.ஐ. காபரே. எம்., 2010.

3 Le Chat Noir: (1881-1897). Les dossiers du Musée d "Orsay. Paris, 1992; ஃபீல்ட்ஸ் A. Le Chat Noir: (A Montmartre Cabaret and Its Artists in Tum-of-the-Century Paris). சாண்டா பார்பரா, 1993; ஓபர்தூர் எம். லீ காபரே டு சாட் நோர் மாண்ட்மார்ட்ரே (1881-1897), ஜெனிவ், 2007.

4 Bonch-Tomashevsky எம்.எம். பகடி மற்றும் முகமூடிகளின் தியேட்டர். (காபரே) // முகமூடிகள். 1912-1913. எண் 5. பக். 20-38.

19 ஆம் நூற்றாண்டின் இறுதியில் பிரெஞ்சு நாடக கலாச்சாரத்தில்). 19 ஆம் நூற்றாண்டின் பிற்பகுதியில் "தன்னிச்சையான" தியேட்டர் (ஆசிரியர் மாண்ட்மார்ட்ரேயின் பந்துகளை குறிப்பிடுகிறார், எடுத்துக்காட்டாக, மவுலின் டி லா கலெட்) மாண்ட்மார்ட்ரே சான்சோனியர்ஸின் கலை கலை காபரேட்டுகள் (சா நொயரின் உதாரணத்தில்), தனித்தனியாக வழங்கப்படுகின்றன. அத்தியாயங்கள். என்.கே. பெட்ரோவா காபரேவை மட்டுமல்ல, பொதுவாக மாண்ட்மார்ட்ரே யதார்த்தத்தையும் ஆராய்கிறார்; இது சமூக-கலாச்சார மாற்றங்களின் பிரதிபலிப்பாகவும், அக்கால வாழ்க்கைப் பண்புகளின் நாடகமயமாக்கலின் விளைவாகவும் கருதுகிறது. ஆய்வின் மறுக்க முடியாத மதிப்பு இருந்தபோதிலும் (சகாப்தத்தின் விளக்கம், வழங்கப்பட்ட பல்வேறு நிகழ்வுகள், பொருளின் புதுமை), உரை பல சுருக்கமான பண்புகளைக் கொண்டுள்ளது; ஒவ்வொரு கண்கவர் நிகழ்வும் தியேட்டருக்குக் காரணம், மற்றும் ஒவ்வொரு செயல்திறன் - செயல்திறன், இது எப்போதும் நியாயப்படுத்தப்படவில்லை மற்றும் எப்போதும் ஆவணப்படுத்தப்படவில்லை. முதலில், இது Sha Noir2 நிகழ்ச்சிகளின் விளக்கத்தைப் பற்றியது.

காபரே 3 இன் வரலாறு குறித்த ஹரோல்ட் செகலின் மோனோகிராஃப் அதன் வகையான தனித்துவமானது, இது முழு ஐரோப்பிய காபரே கலாச்சாரத்தையும் உள்ளடக்கியது மற்றும் அதன் வளர்ச்சியின் இயக்கவியலைக் காட்டுகிறது. காபரே உருவாவதை சுருக்கமாகக் கூறும் முன்னுரையில், ஆசிரியர் தியேட்டருடனான அதன் தொடர்புகளை ஆராய்கிறார், காபரே "சிறிய வடிவங்களின் கலையின்" உரிமைகளை நிறுவியுள்ளது என்ற அடிப்படை முடிவை எடுக்கிறார், இதன் மூலம் செகல் "வகைகளைக் கொண்ட கலையை" புரிந்துகொள்கிறார். உயர் கலாச்சாரம் தொடர்பாக பாரம்பரியமாக இரண்டாம் நிலை அல்லது முக்கியமற்றதாக உணரப்படுகிறது"4 (அவற்றில் - ஒரு பாடல், ஒரு பகடி, ஒரு பொம்மை தியேட்டர் போன்றவை).

2. பத்து ஆண்டுகளாக சா நொயரில் நிழல் தியேட்டர் இருந்ததால், பிரெஞ்சு காபரே கலாச்சாரத்தில் அது தனித்து நிற்கிறது. ஷா நொயர் பற்றிய பொதுவான ஆராய்ச்சியில், நிழல் தியேட்டர் ஒன்றாகக் கருதப்படுகிறது

1 பெட்ரோவா என்.கே. Montmartre இன் நாடகக் கலை (சிறிய வடிவங்களின் திரையரங்குகளின் உருவாக்கம்

19 ஆம் நூற்றாண்டின் இறுதியில் பிரெஞ்சு கலாச்சாரம்). டிஸ். ... கேண்ட். கலை வரலாறு. எம்., 1985. பார்க்கவும்: ஐபிட். பக். 22-32.

3 செகல் எச்.பி. நூற்றாண்டின் திருப்பம் காபரே: (பாரிஸ், பார்சிலோனா, பெர்லின், முனிச், வியன்னா, கிராகோ, மாஸ்கோ, செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க், சூரிச்). நியூயார்க், 1987.

4 ஐபிடிம். பி. XVI

காபரேவின் கூறுகளிலிருந்து; அவர்கள் தியேட்டரின் தொழில்நுட்ப அம்சங்களை பகுப்பாய்வு செய்யவில்லை, முந்தைய பாரம்பரியத்திலிருந்து அதன் அடிப்படை வேறுபாடு. மாறாக, நிழல் தியேட்டர் 1 இன் வரலாறு குறித்த சிறப்புப் படைப்புகளில், சா நொயர் தனித்தனி அத்தியாயங்களுக்கு அர்ப்பணித்துள்ளார், கிழக்கு மற்றும் ஐரோப்பிய நிழல் நாடக மரபுகளுடன் தொடர்புபடுத்தும் தொழில்நுட்பத்திற்கு முக்கிய கவனம் செலுத்தப்படுகிறது; இது சகாப்தத்தின் கலாச்சார சூழலை கணக்கில் எடுத்துக் கொள்ளவில்லை, காபரேயின் தனித்துவம், நிழல் நிகழ்ச்சிகளின் சுயாதீனமான கலை மதிப்பை மதிப்பீடு செய்யவில்லை.

சா நோயரின் சமகாலத்தவரான பால் ஜீன் 2 எழுதிய மோனோகிராஃப் ஒரு விதிவிலக்காகும், அவர் நிழல் தியேட்டர் தொகுப்பின் வகைப்பாட்டை முன்மொழிந்தார், இது காபரே கலாச்சாரத்தின் ஒரு பகுதியாகும். விமர்சகர் Jules Lemaitre3 இன் விரிவான மதிப்புரைகள், சமகாலத்தவர்களின் மதிப்புரைகள் மற்றும் நினைவுக் குறிப்புகள், சுவரொட்டிகளின் நூல்கள், ஐகானோகிராஃபிக் பொருட்கள் சில நிழல் நிகழ்ச்சிகளை மறுகட்டமைக்க, குறியீட்டு மற்றும் நவீனத்துவத்தின் அழகியலுடன் தொடர்புபடுத்துவதை சாத்தியமாக்குகின்றன.

3. 19-20 ஆம் நூற்றாண்டுகளின் தொடக்கத்தில் பொம்மலாட்ட அரங்குடனான சோதனைகள் ஒப்பீட்டளவில் சமீபத்தில் வெளிநாட்டு ஆராய்ச்சியாளர்களின் அறிவியல் ஆர்வங்களின் வட்டத்தில் விழுந்தன. ரஷ்ய நாடக ஆய்வுகளில் அவை இன்னும் புறக்கணிக்கப்படுகின்றன. 20 ஆம் நூற்றாண்டின் நவீனத்துவ கலை அமைப்பில் நடிகருக்கு அர்ப்பணிக்கப்பட்ட டிடியர் பிளாசார்டின் மோனோகிராஃபில் ஆள்மாறான தியேட்டர் என்ற கருத்தில் நேரடி தாக்கத்தை ஏற்படுத்திய புதிய நாடக யோசனைகளை செயல்படுத்துவதற்கான ஒரு கருவியாக பொம்மை கருதப்படுகிறது5 மற்றும் ஆய்வுக் கட்டுரையில். ஹெலன் பியூச்சம்ப்6, இது

1 Bordât D., Boucrot F. Les theatres d "ombres: Histoire et டெக்னிக்ஸ். பாரிஸ், 1956; பிளாக்ஹாம் ஓ.

நிழல் பொம்மைகள். லண்டன், 1960; குக் ஓ. இரு பரிமாணங்களில் இயக்கம்: (ஒளிப்பதிவின் பரிமாணத்திற்கு முந்தைய அனிமேஷன் மற்றும் திட்டமிடப்பட்ட படங்களின் ஆய்வு). லண்டன், 1963. 1 Jeanne P. Les théâtres d "ombres à Montmartre de 1887 à 1923: (Chat Noir, Quat" z "arts, Lune Rousse). பாரிஸ், 1937.

3 உதாரணத்திற்கு பார்க்கவும்: Lemaitre J. Le Chat Noir // Lemaitre J. Impressions de théâtre. பாரிஸ், 1888. 2-ème தொடர். பி. 319-343; Lemaitre J. Le Chat Noir//Lemaitre J. Impressions de theatre. பாரிஸ், 1891. 5-ème தொடர். பி. 347-354.

5 பிளாஸ்ஸார்ட் டி. எல் "ஆக்டியர் என் எஃபிகி. லொசேன், 1992.

6 பியூச்சம்ப் எச். லா மரியோனெட், மனசாட்சி விமர்சனம் மற்றும் ஆய்வக டு தியேட்ரே. பயன்பாடுகள் தியோரிக் மற்றும் ஸ்கேனிக் டி லா மரியோனெட் என்ட்ரே லெஸ் அன்னீஸ் 1890 மற்றும் லெஸ் அன்னீஸ் 1930. (பெல்ஜிக், எஸ்பேக்னே, பிரான்ஸ்). இந்த டாக்டரேட் மற்றும் லிட்டரேச்சர் ஒப்பீடு. பாரிஸ் IV - சோர்போன். 2007.

19-20 ஆம் நூற்றாண்டின் தொடக்கத்தில் பிரான்ஸ், பெல்ஜியம் மற்றும் ஸ்பெயினில் உள்ள பொம்மை நாடகத்தை நாடகப் பரிசோதனைகளுக்கான ஆக்கப்பூர்வமான ஆய்வகமாகப் படிக்கிறது. பியூச்சாம்பின் ஆய்வறிக்கையின் கட்டமைப்பு, ஒரே நிகழ்வுகள் வெவ்வேறு அம்சங்களில் (மதம், நாடக பாரம்பரியம், சமூக கலாச்சார சூழ்நிலை போன்றவை) மீண்டும் மீண்டும் தோன்றும் வகையில் கட்டமைக்கப்பட்டுள்ளது, இது மேலும் வளர்ச்சிக்கு அவர்களின் ஒட்டுமொத்த பங்களிப்பை மதிப்பிடுவதைத் தடுக்கிறது. தியேட்டரின்.

4. 19-20 ஆம் நூற்றாண்டுகளின் தொடக்கத்தில் "மாற்று" நாடக செயல்முறையின் மிகவும் ஆய்வு செய்யப்பட்ட நிகழ்வு கிராண்ட் குய்னோலின் "திகில் தியேட்டர்" ஆகும். விளக்கக்காட்சியின் வகையின் அடிப்படையில் இது மிகவும் திட்டவட்டமானது, ஏனெனில் இது வெகுஜன கலாச்சாரத்திற்கான மாற்றத்தைக் குறிக்கிறது. ஈர்க்கக்கூடிய பாரம்பரியத்தை விட்டுவிட்டு, திரைப்படத் துறையில் செல்வாக்கு செலுத்தி, கிராண்ட் கிக்னோல் மேற்கு நாடுகளில் பல மோனோகிராஃப்களைப் பெற்றுள்ளார்1; அதன் ஆய்வுக்கு ஒரு சிறப்புப் பங்களிப்பை பிரெஞ்சு நாடக ஆய்வாளர் ஏ. பியரோன் செய்தார், அவருடைய ஆசிரியரின் கீழ் கிராண்ட் கிக்னோலின் நாடகத்தின் அடிப்படைத் தொகுப்பு வெளியிடப்பட்டது2. இந்த தியேட்டரின் நீண்ட படைப்பு வாழ்க்கை முன்னுரை மற்றும் விரிவான கருத்துகளில் மீண்டும் உருவாக்கப்பட்டுள்ளது.

உள்நாட்டு விஞ்ஞானிகளில், ஈ.டி. கால்ட்சோவ், "அண்டர்கிரவுண்டில் இருந்து குறிப்புகள்" அரங்கேற்றம் தொடர்பாக எஃப்.எம். தஸ்தாயெவ்ஸ்கி 3. இங்கே அறிவியல் ஆர்வத்தின் மையத்தில் தஸ்தாயெவ்ஸ்கியின் உரை, பிரஞ்சு மேடையில் முதன்முறையாக அரங்கேற்றப்பட்டது, ரஷ்ய கிளாசிக்கின் பிரெஞ்சு விளக்கம், அசல் உடன் அரங்கின் தொடர்பு.

நவீன பிரெஞ்சு நாடக ஆய்வுகளில், 19-20 ஆம் நூற்றாண்டின் தொடக்கத்தில் தியேட்டரின் சில சிறிய-படித்த அடுக்குகளில் ஆர்வம் அதிகரித்து வருகிறது: எடுத்துக்காட்டாக, இது 2006 இன் கட்டுரைகளின் தொகுப்பில் வெவ்வேறு கோணங்களில் வழங்கப்படுகிறது.

1 ரிவியர் எஃப்., விட்கோப் ஜி. கிராண்ட் கிக்னோல். பாரிஸ், 1979; ஹேண்ட் ஆர்.ஜே., வில்சன் எம். கிராண்ட்-குய்னோல்: (தி பிரஞ்சு தியேட்டர் ஆஃப் திகில்). எக்ஸெட்டர், 2002.

2 Le Grand Guignol. Le Theâtre des peurs de la Belle Époque / Éd. ஏ. பியர்ரோனுக்கு இணையான அட்டவணை. பாரிஸ், 1995; மேலும் காண்க: Pierron A. Petite scène à Grands efffets au Grand-Guignol // Le Spectaculaire dans les arts dans la scène: du Romantisme à la Belle Époque. பாரிஸ், 2006. பி. 134-137.

3 கால்ட்சோவா ஈ.டி. பாரிசியன் ஹாரர் தியேட்டர் கிராண்ட் கிக்னோலில் "அண்டர்கிரவுண்டிலிருந்து குறிப்புகள்" // உரையிலிருந்து நிலை வரை: 19-20 ஆம் நூற்றாண்டுகளின் ரஷ்ய-பிரெஞ்சு நாடக தொடர்புகள்: சனி. கட்டுரைகள். மாஸ்கோ, 2006, பக். 29-47.

"தி ஸ்பெக்டாக்கிள் ஆஃப் தி பெர்ஃபார்மிங் ஆர்ட்ஸ்: (ரொமாண்டிஸம் முதல் பெல்லி எபோக் வரை)"1. பின்வரும் கட்டுரைகள் குறிப்பாக ஆர்வமாக உள்ளன: "தி ஸ்மால் ஸ்டேஜ் அண்ட் தி கிரேட் எஃபெக்ட்ஸ் ஆஃப் தி கிராண்ட் கிக்னோல்", ஏ. பியரோனின் "தி டெம்ப்டேஷன் ஆஃப் தி ஷேடோ தியேட்டர் இன் தி ஏஜ் ஆஃப் சிம்பாலிசம்", "தி சாங், தி " பெல்லி எபோக்கின் பெர்ஃபார்மன்ஸ்" ஓ. கோயட்ஸ், "கன்வல்ஷன்ஸ் ஆஃப் தி எண்ட் ஆஃப் தி செஞ்சுரி . பாண்டோமைமின் உரைக்கு வெளியே உள்ள காட்சி» ஏ. ரிக்னர். இருப்பினும், அவற்றை இணைத்து ஒரே விமானத்தில் பரிசீலிக்க இதுவரை எந்த முயற்சியும் எடுக்கப்படவில்லை. ரஷ்ய நாடக ஆய்வுகளில், இப்போது வரை, காபரே மற்றும் ஓரளவு கிராண்ட் கிக்னோலுக்கு மட்டுமே கவனம் செலுத்தப்பட்டது (20 ஆம் நூற்றாண்டின் தொடக்கத்தில் அதன் அனலாக் செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க்கில் இருந்ததன் காரணமாகவும்)2.

ஆய்வின் நடைமுறை முக்கியத்துவம் அதன் முடிவுகளை 19 மற்றும் 20 ஆம் நூற்றாண்டுகளின் வெளிநாட்டு நாடக வரலாறு குறித்த விரிவுரை படிப்புகளில், பாப் கலை வரலாறு, பொம்மை நாடகம் பற்றிய சிறப்பு படிப்புகளில் பயன்படுத்தப்படலாம் என்பதன் மூலம் தீர்மானிக்கப்படுகிறது; அத்துடன் மறுஆய்வுக்கு உட்பட்ட காலகட்டத்தின் பிரெஞ்சு நாடகம் பற்றிய மேலதிக ஆய்வில். கூடுதலாக, ஆய்வு நாடகத் துறையில் ஆர்வமுள்ள மேடை பயிற்சியாளர்களுக்கு ஆய்வுக் கட்டுரை ஆர்வமாக இருக்கலாம்.

ஆராய்ச்சி முடிவுகளின் ஒப்புதல். ஆய்வறிக்கை ஆராய்ச்சியின் முடிவுகள் ஆசிரியரின் பல கட்டுரைகளில் பத்திரிகைகள் மற்றும் அறிவியல் வெளியீடுகளில் வெளியிடப்படுகின்றன; அறிவியல் முதுகலை மாநாடுகளின் அறிக்கைகளிலும் (St. Petersburg, SPbGATI, 2010; Minsk, BGAI, 2010; Brno (செக் குடியரசு), JAMU, 2011); சர்வதேச மாநாட்டில் "பொம்மை கலை: தோற்றம் மற்றும் புதுமைகள்" (மாஸ்கோ, STD RF - S.V. Obraztsov, 2013).

செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க் ஸ்டேட் அகாடமி ஆஃப் தியேட்டர் ஆர்ட்ஸின் வெளிநாட்டு கலைத் துறையின் கூட்டங்களில் ஆய்வுக் கட்டுரையின் விவாதம் நடந்தது.

வேலை அமைப்பு. ஆய்வறிக்கையில் ஒரு அறிமுகம், நான்கு அத்தியாயங்கள், ஒரு முடிவு, ரஷ்ய, பிரஞ்சு மற்றும் ஆங்கிலத்தில் குறிப்புகளின் பட்டியல் (230 க்கும் மேற்பட்ட தலைப்புகள்), அத்துடன் இரண்டு பின் இணைப்புகள் உள்ளன:

1 Le Spectaculaire dans les arts de la scène: (Du romantisme à la Belle époque). பாரிஸ், 2006.

2 பார்க்கவும்: திக்வின்ஸ்காயா எல்.ஐ. வெள்ளி யுகத்தின் நாடக பொஹேமியாவின் அன்றாட வாழ்க்கை. எம்., 2005.

முதலாவது திரையரங்குகளின் திறமைகள், ஸ்கிரிப்ட்களின் மொழிபெயர்ப்பு மற்றும் நாடகங்களிலிருந்து பகுதிகள் ஆகியவற்றைக் கொண்டுள்ளது, இரண்டாவதாக ஐகானோகிராஃபிக் பொருட்களை வழங்குகிறது.

அறிமுகம் ஆராய்ச்சி தலைப்பின் தேர்வு மற்றும் அதன் பொருத்தத்தை உறுதிப்படுத்துகிறது, சிக்கலின் வளர்ச்சியின் அளவை தீர்மானிக்கிறது, வேலையின் முக்கிய குறிக்கோள்கள் மற்றும் நோக்கங்கள், அதன் வழிமுறைக் கொள்கைகளை உருவாக்குகிறது. ரஷ்ய, பிரஞ்சு மற்றும் ஆங்கிலத்தில் வெளியிடப்பட்ட பிரச்சினை குறித்த இலக்கியத்தின் பகுப்பாய்வு கொடுக்கப்பட்டுள்ளது.

அறிமுகமானது 19-20 ஆம் நூற்றாண்டுகளின் தொடக்கத்தில் பிரான்சில் நாடக மற்றும் பொது கலாச்சார நிலைமையை ஆராய்கிறது - பெல்லி எபோக், கலாச்சாரம், அறிவியல் மற்றும் கலை ஆகிய அனைத்து துறைகளிலும் உலகளாவிய எழுச்சி நிகழ்ந்து வருகிறது. இந்த நேரத்தில் அனைத்து வகையான கலைகளும் "அவற்றின் உருவ அமைப்புகளின் தீவிர மறுசீரமைப்பு" என்ற கட்டத்தில் நுழைகின்றன. நாடகத் துறையில் அடிப்படை மாற்றங்கள் இயக்குனரின் தியேட்டரின் தோற்றத்துடன் தொடர்புடையவை, இது கல்வி மற்றும் வணிக பாரம்பரியத்துடன் விவாதங்களில் வளர்ந்தது, இரண்டு கலை திசைகளில் இணையாக தன்னை உறுதிப்படுத்திக் கொள்கிறது - இயற்கைவாதம் மற்றும் குறியீட்டுவாதம். அதே நேரத்தில், நவ-ரொமாண்டிசிசம் மற்றும் நவீனத்துவத்தின் நாடக அழகியல் உருவாகிறது.

A. Aderé இன் "சாலையோர தியேட்டர்" புத்தகம், இந்த தலைப்பின் தோற்றத்தில் உள்ளது, இது பகுப்பாய்வு செய்யப்படுகிறது. அதன் தகவல் தன்மை இருந்தபோதிலும், இங்கு முதல் முறையாக "அருகிலுள்ள நாடக" செயல்முறையின் வேறுபட்ட நிகழ்வுகளை ஒன்றிணைக்கும் முயற்சி மேற்கொள்ளப்பட்டது. இருப்பினும், 19 மற்றும் 20 ஆம் நூற்றாண்டுகளின் தொடக்கத்தில், "சாலையோர தியேட்டர்" ஒரு சுயாதீனமான கலை நிகழ்வாக மாறியது, இது தியேட்டரின் இயக்குனரின் சீர்திருத்தத்தை பிரதிபலிக்கிறது மற்றும் துணைபுரிகிறது. மேலும், அறிமுகமானது ஆய்வுக் கட்டுரையில் கருதப்படும் நிகழ்வுகளின் வரம்பைக் கோடிட்டுக் காட்டுகிறது மற்றும் அவற்றின் தேர்வை உறுதிப்படுத்துகிறது, அவை ஒவ்வொன்றின் பொதுவான விளக்கத்தையும் அளிக்கிறது.

முதல் அத்தியாயத்தில் - "காபரே", இது மூன்று பிரிவுகளைக் கொண்டுள்ளது, காபரே திறமையான படைப்பாற்றலின் புதிய சுயாதீன வடிவமாக ஆராயப்படுகிறது, இது பெல்லி எபோக்கின் மாற்று நாடக அரங்காகும், இது அதன் சொந்தத்தை நிறுவுகிறது.

1 போஜோவிச் வி.ஐ. கலைகளின் மரபுகள் மற்றும் தொடர்பு: (பிரான்ஸ், 19 ஆம் ஆண்டின் பிற்பகுதி - 20 ஆம் நூற்றாண்டின் ஆரம்பம்). C. 4.

ஒரு மேடை படத்தை உருவாக்கும் சட்டங்கள், மேடைக்கும் பார்வையாளர்களுக்கும் இடையிலான உறவு, கலைஞர் மற்றும் பொதுமக்களின் இருப்புக்கான நிபந்தனைகள்.

காபரே மற்றும் இயக்குனரின் தியேட்டர் பிரான்சில் ஏறக்குறைய ஒரே நேரத்தில் தோன்றிய போதிலும், அவை ஒன்றோடொன்று குறுக்கிடவில்லை. பிரெஞ்சு காபரே ஒரு தியேட்டர் அல்ல; இது வாழ்க்கை மற்றும் மேடை படைப்பாற்றலின் அடிப்படையாக நாடகப் பாதையை முன்மொழிந்தது, இதன் சாராம்சம் பின்னர் H.H இன் கருத்தாக்கத்தில் உருவாக்கப்படும். எவ்ரினோவா: "நாடகத்தன்மை ஒரு வடிவத்தை உருவாக்கும் பொறிமுறையாகத் தோன்றுகிறது, இது யதார்த்தத்தின் வடிவங்கள் மற்றும் நிகழ்வுகளை பிரதிநிதித்துவப்படுத்துவதை நோக்கமாகக் கொண்டிருக்கவில்லை, ஆனால் அசல் அழகியல் வடிவங்களை உருவாக்குவதை நோக்கமாகக் கொண்டது, அதை வாழ்க்கையே பின்னர் ஏற்றுக்கொள்கிறது"1. அவரது 1908 ஆம் ஆண்டு நாடகத்திற்கான மன்னிப்பில், எவ்ரினோவ் இந்த வார்த்தைக்கு பின்வரும் வரையறையை அளித்தார்: "'தியேட்ரிக்லிட்டி' என்பதன் மூலம்... நான் ஒரு தெளிவான போக்குடைய இயற்கையின் அழகியல் அசுரத்தனத்தை அர்த்தப்படுத்துகிறேன், இது தியேட்டர் கட்டிடத்திலிருந்து வெகு தொலைவில், ஒரு மகிழ்ச்சிகரமான சைகையுடன். ஒரு அழகான உச்சரிப்பு வார்த்தை, நிலைகள், இயற்கைக்காட்சிகளை உருவாக்குகிறது மற்றும் யதார்த்தத்தின் கட்டுகளிலிருந்து நம்மை விடுவிக்கிறது - எளிதாக, மகிழ்ச்சியுடன் மற்றும் தவறாமல். நாடகத்தன்மை பற்றிய இத்தகைய புரிதல் நவீனத்துவத்தின் அழகியலுக்குரியது; இது கலையின் உதவியுடன் வாழ்க்கையை மாற்றுவதற்கான ஆய்வறிக்கையை அடிப்படையாகக் கொண்டது, இது பிரெஞ்சு காபரேவின் வளர்ச்சியின் திசைக்கு ஒத்திருக்கிறது. O. Norvezhsky தனது படைப்புத் தேடலை பின்வருமாறு வரையறுத்தார்: "குறைவான இலக்கியம் மற்றும் அதிக பிரகாசமான, வலிமிகுந்த கூர்மையான மற்றும் அதே நேரத்தில் அன்றாட வாழ்க்கையின் முழு கனவுகளின் நேர்த்தியான பிரதிபலிப்பு"3. பிரான்சில் உள்ள காபரேயில்தான் நாடக நவீனத்துவத்தின் உருவாக்கம் தியேட்டரில் குறியீட்டுவாதத்திற்கு எதிர்வினையாகத் தொடங்குகிறது.

"ஆரிஜின்ஸ்" என்ற பிரிவு பாரிஸில் மிகவும் பிரபலமான காபரேயை உருவாக்கிய வரலாற்றை வழங்குகிறது - சாஸ் நொயர் (1881-1897). Belle Epoque இன் கலாச்சார மையமான Montmartre இன் அழகியல் நிகழ்வு காட்டப்பட்டுள்ளது. காபரே "சோகத்தை மறைக்கிறது

1 Dzhurova டி.எஸ். H.H இன் படைப்பில் நாடகத்தன்மையின் கருத்து. எவ்ரினோவா. எஸ்பிபி., 2010. எஸ். 15.

2 எவ்ரினோவ் எச்.எச். அத்தகைய தியேட்டர் // எவ்ரினோவ் எச்.எச். நாடகப் பேய். எம்.; SPb., 2002. S. 40-41.

3 நார்வேஜியன் ஓ. கேபரே // தியேட்டர் மற்றும் கலை. 1910. எண். 10. எஸ். 216.

அன்றாட வாழ்க்கை" பண்டிகை நாடகம், Montmartre இன் அடையாளமாக மாறியுள்ளது - ஒரு இளம் கலை பொஹேமியாவின் "சுதந்திர நகரம்", அழகியல் சுவை மற்றும் கலை தர்க்கத்திற்கு ஏற்ப அதன் சொந்த சட்டங்களின்படி வாழும் ஒரு மாநிலத்திற்குள் ஒரு மாநிலம். பின்வருபவை ரோடால்ப் சாலியின் (1851-1897) ஒரு அசாதாரண ஆளுமை - சாஸ் நொயரின் பிரபல இயக்குனரான மான்ட்மார்ட்ரேயின் ராஜாவாகத் தன்னை அறிவித்துக் கொண்டார். சாலியின் நிர்வாகத் திறமை மற்றும் படைப்பாற்றலுக்கு நன்றி, சா நொயர் ஒரு காபரே மாடலாக மாறுகிறார், இது ஐரோப்பா முழுவதும் வெகுஜனப் பிரதிபலிப்பை ஏற்படுத்தியது. ஷா நொயரில் ஆட்சி செய்த அழகியல் எலெக்டிசிசம் 19 மற்றும் 20 ஆம் நூற்றாண்டுகளின் முழு கலாச்சாரத்தின் மீதும் முன்வைக்கப்பட்டது. கலை தன்னை மறுபரிசீலனை செய்யும் காலகட்டத்தில், காபரே அதன் கூரையின் கீழ் வெவ்வேறு கலை இயக்கங்களின் பிரதிநிதிகளை சமரசம் செய்து, படைப்பு சுதந்திரத்தின் அடையாளமாகவும், படைப்பு சக்திகளின் செறிவு, ஒருவருக்கொருவர் சுதந்திரமாக தொடர்பு கொள்ளும் இடமாகவும் மாறியது. முதன்முறையாக, பார்வையாளர்களை படைப்பாற்றலின் திரைக்குப் பின்னால் செல்ல அனுமதித்து, வரவேற்புரை மற்றும் சாவடியின் மரபுகளை ஒன்றிணைத்து, நாடக வடிவங்கள் மற்றும் வகைகளுடன் சோதனைகளுக்கு உத்வேகம் அளித்தது, அந்த தருணம் வரை "அடிமட்ட கலாச்சாரத்திற்கு" சொந்தமானது.

"மாலையின் கலவை" பிரிவு ஒரு காபரே செயல்திறன் கட்டமைக்கப்படும் சட்டங்கள், ஒரு பொழுதுபோக்கின் உருவத்தின் முக்கியத்துவம், மேடையில் ஒரு நடிகரின் இருப்பு கொள்கை ஆகியவற்றை பகுப்பாய்வு செய்கிறது.

உந்தமும் மேம்பாடும் மாலையின் முக்கிய சட்டங்களாக இருந்தன, முரண்பாடு மற்றும் மறுப்பு ஆகியவை முக்கிய திசையாக இருந்தன; பொழுதுபோக்கிலிருந்து (இந்த பாரம்பரியத்தை உருவாக்கியவர் சாலி) பேச்சுத்திறன் மற்றும் புத்திசாலித்தனம், சமகால பிரச்சினைகள் பற்றிய விழிப்புணர்வு, மண்டபத்தையும் மேடையையும் இணைக்கும் திறன், எண்களின் வரிசையின் தர்க்கத்தை உருவாக்குதல் ஆகியவை தேவைப்பட்டன. சொந்த தனித்துவம், சரியான கலை கணக்கீடு மூலம் பெருக்கப்படுகிறது - இது ஒரு காபரே படத்தை உருவாக்கும் அடிப்படை சட்டம்.

காபரே நிகழ்ச்சியின் பாரம்பரியம் சான்சோனியரின் வேலையில் குறிப்பாக பிரகாசமாக வெளிப்படுத்தப்பட்டது; காபரே ஒரு வகையான "சான்சோனியர் தியேட்டர்" ஆகிறது. "மேடையில் தனியாக இருப்பதால், சான்சோனியர்கள் இருவரும் கலைஞர்களாகவும் இருந்தனர்

அவர்களின் நடிப்பின் இயக்குனர்கள். நடிகர்களை விட குறைவான மாற்றத்திற்கு உட்பட்டவர்கள் ... அவர்கள் ஒரு தனிப்பட்ட வகையை உருவாக்கினர் மற்றும் தொடர்ந்து உடல் தரவு, பழக்கவழக்கங்கள், சைகைகள், உடைகள் ஆகியவற்றை மேம்படுத்தினர். இறுதியாக உருவானது, இந்த வகை உறைந்த படமாக மாறியது, முதல் பார்வையில் அடையாளம் காணக்கூடியது...”1. கேபரேட்டரின் படம் கிட்டத்தட்ட ஒரு முகமூடியின் நிலைக்கு கொண்டு வரப்பட்டது, அதன் பின்னால் ஒரு குறிப்பிட்ட பிளாஸ்டிசிட்டி, பேச்சு மற்றும் நடத்தை ஒதுக்கப்பட்டது. நாடக மரபுக்கு மாறாக, முகமூடி நடிகரை மறைக்கவில்லை; மாறாக, இது ஒரு நபரின் மேடையில் மாற்றப்பட்ட உருவப்படம், அதில் இயற்கை அம்சங்கள் மிகைப்படுத்தப்பட்டன. அதே நேரத்தில், காபரேட்டியர் ஒருமுறை மற்றும் அனைவருக்கும் அவர் உருவாக்கிய மேடைப் படத்தின் பணயக்கைதியாக மாறினார். காபரேவின் சோகமான கேலிக்கூத்தான தன்மை, தனிப்பட்ட முகமூடி நிகழ்ச்சி பாரம்பரியத்தின் அடிப்படையானது, சகாப்தத்தின் மிகப்பெரிய சான்சோனியர்களான அரிஸ்டைட் ப்ரூன்ட் மற்றும் யெவெட் கில்பர்ட் ஆகியோரின் படைப்புகளின் மூலம் வெளிப்படுத்தப்படுகிறது, அவர் பாடல்-சிறுகதையின் தனித்துவமான நாடக வகையை உருவாக்கினார். , அத்துடன் நடிகரின் தெளிவான உருவம், அவர் தனது வேலையால் பார்வையாளர்களைத் தூண்டுகிறார்.

"வளிமண்டலத்தை உருவாக்குதல்" பகுதியானது வாழ்க்கையை உருவாக்கும் செயல்கள் மற்றும் புரளிகளுக்கு அர்ப்பணிக்கப்பட்டுள்ளது, இது ஒவ்வொரு காபரேயின் முழுமையான உருவத்திற்கும் நன்கு சிந்திக்கப்பட்ட பாணி மற்றும் உட்புற விவரங்களுக்கும் முக்கியமானது.

பொதுவாக, பிரெஞ்சு காபரே ஒரு முழுமையான அழகியல் மாதிரியை வழங்கியது, இது பின்னர் ஜெர்மனியிலும் ரஷ்யாவிலும் உள்ள இயக்குனரின் தியேட்டரால் தேர்ச்சி பெற்றது: மேடைக்கும் மண்டபத்திற்கும் இடையிலான உறவுகளின் புதிய அமைப்புடன், இது நாடகத்தன்மையை அடிப்படையாகக் கொண்டது - காபரே வளைவை நீக்குகிறது. மற்றும் செயல்திறனில் பார்வையாளரையும் உள்ளடக்கியது; ஒரு புதிய நடிப்பு பாணி (கேபரேடியர் மாஸ்க்), வகைகளின் கலவை (துரதிர்ஷ்டம்) மற்றும் குறிப்பிட்ட எல்லைகளில் மாற்றம் (பாடல்-செயல்திறன்). காலப்போக்கில், காபரே பல்வேறு கலையை நோக்கி நகர்கிறது, அது முதலில் ஒத்திருந்தது; ஆனால் காபரேட்டுக்குள் நாடகச் சட்டங்கள் பரவியதால், ஷா நொயருடன் நடந்ததைப் போல, அவரை சுயாதீன நாடகப் பரிசோதனைகளுக்கு இட்டுச் செல்ல முடியவில்லை.

1 Goetz O. La chanson, "spectacle" de la Belle Epoque // Le spectaculaire dans les arts de la scène (Du romantisme à la Belle Epoque). பி. 152-153.

இரண்டாவது அத்தியாயம் - "நிழல் தியேட்டர்", இரண்டு பிரிவுகளைக் கொண்டது, கிட்டத்தட்ட பத்து ஆண்டுகளாக (டிசம்பர் 1886 முதல் 1897 ஆம் ஆண்டின் தொடக்கத்தில் காபரே மூடப்படும் வரை) காபரே சாஸ் நொயரில் உள்ள நிழல் தியேட்டருக்கு அர்ப்பணிக்கப்பட்டது. இது பொதுமக்களுக்கான முக்கிய நிகழ்வாகவும், ஷா நொயரின் ஊழியர்களுக்கான முக்கிய வணிகமாகவும் இருந்தது, அனைத்து கலைப் படைகள் மற்றும் அனைத்து நிதிச் செலவுகளும் அதற்கு இயக்கப்பட்டன. திறனாய்வின் வகைப்பாடு கொடுக்கப்பட்டுள்ளது, மிக முக்கியமான நிகழ்ச்சிகள் பகுப்பாய்வு செய்யப்படுகின்றன, மேடையின் தொழில்நுட்ப ஏற்பாடு, நிழல் உருவங்களை உருவாக்கும் தொழில்நுட்பம் ஆகியவை விவரிக்கப்பட்டுள்ளன.

நிழல் பிரதிநிதித்துவங்கள் நீண்ட காலமாக ஐரோப்பியர்களால் குழந்தைகளின் கருத்துக்கு மிகவும் பொருத்தமான வடிவமாக கருதப்படுகின்றன. 19 ஆம் நூற்றாண்டின் இறுதியில், நிழல் தியேட்டரின் புகழ் பல காரணிகளால் ஆனது, அவற்றில் கிழக்கில் அதிகரித்த ஆர்வம் இருந்தது (ஷா நொயரின் நிகழ்ச்சிகள் ஜப்பானிய வேலைப்பாடுகளால் நேரடியாக பாதிக்கப்பட்டன, இது தியேட்டரின் நிறுவனர் ஹென்றி ரிவியர். பிடித்திருந்தது); குறியீட்டு நாடக அழகியலுக்கான அருகாமை (பிளாட்டோவின் குகையின் யோசனை); இறுதியாக, இந்த காலகட்டத்தில் கிராபிக்ஸ் எழுச்சி (நிழல் தியேட்டரை உருவாக்கியவர்களில் நூற்றாண்டின் தொடக்கத்தில் புகழ்பெற்ற கிராஃபிக் கலைஞர்கள் இருந்தனர்: ரிவியர், கரன் டி "ஆஷ், அடோல்ஃப் வில்லேட், ஹென்றி சோம்). முதல் நிகழ்ச்சிகளின் அடிப்படையானது ஒரு காபரே செய்தித்தாளில் தொடர்ந்து வெளியிடப்படும் வரைபடங்கள் மற்றும் கேலிச்சித்திரங்களின் தொடர் 1. எனவே, ஒளிப்பதிவு பிறந்ததற்கு முன்பு, அனிமேஷன் படங்களின் கலை பார்வையாளர்களின் சிறப்பு ஆர்வத்தை தூண்டியது. பொது நாடக செயல்முறையிலிருந்து ஆசிரியர்களின் சுதந்திரத்திற்கு நன்றி , பாரம்பரியத்தை கையாள்வதில் அவர்களின் எளிமை, ஷா நொயர் நிழல் தியேட்டரின் ஐரோப்பிய பாரம்பரியத்தை மாற்றியமைக்க முடிந்தது: குழந்தைகளுக்கான ஒரு காட்சியிலிருந்து, அது ஒரு பொதுமைப்படுத்தும், தத்துவக் கலையாக மாறியது; தொழில்நுட்ப கண்டுபிடிப்புகள் கருப்பு மற்றும் வெள்ளை விமானத்திற்கு வண்ணத்தையும் பார்வையையும் சேர்த்தன. திரை கேன்வாஸ்.

ஷா நொயர் கலைஞர்கள் நிழல் தியேட்டரின் வரலாற்றில் ஆழமாகச் செல்லவில்லை, அவர்கள் திரையின் மேற்பரப்பை ஒரு படமாகக் கருதினர், அதில் கலவையின் மாற்றம் சேர்க்கப்பட்டது, இது நவீனத்துவத்தின் அழகியலைக் குறிக்கிறது. வடிவம்

1 சா நோயரைத் தொடர்ந்து, கிட்டத்தட்ட ஒவ்வொரு காபரேட்டும் அதன் சொந்த செய்தித்தாளை வெளியிட்டது.

சா நொயரின் நிகழ்ச்சிகள் "புத்துயிர் பெற்ற படம்" என்ற யோசனையின் உணர்தலாகக் கருதப்படலாம் - இது V.I இன் படி. மாக்சிமோவ், "கலைகளின் தொகுப்பின் நவீனத்துவ நடைமுறைக்கு ஒரு பொதுவானது"1. படங்களின் தாள மாற்றம், உருவங்களின் கூட்டு இயக்கத்தின் ஒத்திசைவு, பல திட்டங்களின் சேர்க்கை, படங்களின் நேரியல் மாடலிங், ஸ்டைலைசேஷன் ஆகியவை நவீனத்துவத்தின் வடிவமைக்கும் கொள்கைகளாகும், அவை ஷா நொயரின் நிகழ்ச்சிகளில் பொதிந்துள்ளன.

நிகழ்ச்சிகள் இரண்டு குழுக்களாக பிரிக்கப்பட்டுள்ளன: "வரலாற்றின் நிழல்கள்" - வரலாற்று, பழம்பெரும், விவிலிய பாடங்களில் பெரிய அளவிலான பாடல்கள்; "நவீனத்துவத்தின் வரையறைகள்" - நவீன தலைப்புகளில் ஓவியங்கள் மற்றும் ஓவியங்கள், பெரும்பாலும் காபரே செய்தித்தாளின் பக்கங்களிலிருந்து வெளியிடப்படுகின்றன.

"வரலாற்றின் நிழல்கள்" பிரிவு ஹென்றி ரிவியராவின் படைப்பு வாழ்க்கை வரலாற்றை பகுப்பாய்வு செய்கிறது - ஷா நொயர் நிழல் தியேட்டரின் துவக்கி, தலைவர், கண்டுபிடிப்பாளர். மிகவும் குறிப்பிடத்தக்க நிகழ்ச்சிகள் விவரிக்கப்பட்டுள்ளன: "தி காவியம்" (1886), "தி டெம்ப்டேஷன் ஆஃப் செயின்ட். அந்தோனி" (1887), "பிஹைண்ட் தி வழிகாட்டும் நட்சத்திரம்" (1890), அவை கூட்டத்தின் படங்களின் தொடர்பு மற்றும் ஹீரோ அதன் மேலே உயர்ந்து, பாதையின் திசையை அமைக்கிறது. மகத்தான நெப்போலியன் வெற்றிகளைப் பற்றிய நிகழ்ச்சியான கரன் டி ஆஷின் காவியத்திற்கு நன்றி, நிழல் தியேட்டர் பொது அங்கீகாரத்தைப் பெறுகிறது. காவியம் "பார்வையாளருக்கு முன்னர் அறியப்படாத தோற்றத்தை, படத்தின் தோற்றத்தை அளிக்கிறது" என்று எழுதிய விமர்சகர்களில் ஒருவர் குறிப்பிடத்தக்க மதிப்புரை. மேடையில் "2"... , ஆனால் செயற்கை உருவகங்களைப் பயன்படுத்தி உருவாக்கப்பட்டது, எல்லாவற்றிலும் மிகவும் உடையக்கூடிய மற்றும் குறைவான உறுதியான "3" வெகுஜன காட்சிகள்" மிகவும் மறக்கமுடியாததாக மாறியது: கதாபாத்திரங்களின் தனிப்பயனாக்கத்தின் அடிப்படை நிராகரிப்பு, அவர்களின் கூட்டு இயக்கத்தின் ஒத்திசைவு ஒரு உணர்வை உருவாக்கியது.

1 மாக்சிமோவ் வி. அன்டோனின் அர்டாட்டின் வயது. எஸ். 101.

2 டால்மேயர் எம். லா ஃபௌல் என் காட்சி: (எ ப்ரோபோஸ் டி எல் "எபோபீ டி காரன் டி" ஆச்சே) // லா ரெவ்யூ டி "கலை நாடகம். 1887. 15 ஜனவரி. பி. 75.

3 ஐபிடிம். பி. 78.

இந்த ஹீரோக்கள் அனைவரும் ஒரே ஆவியால் வழிநடத்தப்படுகிறார்கள் மற்றும் மகத்தான சாத்தியக்கூறுகளைக் கொண்டுள்ளனர்.

"சூப்பர்-ஹீரோ"வைத் தேடி, நிழல் தியேட்டரின் படைப்பாளிகள் வரலாற்றை ("தி கான்க்வெஸ்ட் ஆஃப் அல்ஜீரியா", 1889), புனிதர்களின் வாழ்க்கைக்கு ("பாரிஸின் செயிண்ட் ஜெனீவ்", 1893), தேசிய பக்கம் திரும்புகின்றனர். காவியம் ("ரோலண்ட்", 1891), தொன்மவியல் (" ஸ்பிங்க்ஸ்", 1896), கூட எதிர்காலம் ("காலங்களின் இரவு, அல்லது இளமையின் அமுதம்", 1889). "ஸ்பிங்க்ஸ்" இல், 16 ஓவியங்களில் (வரைபடங்கள் - விக்னோலா, சொற்கள் மற்றும் இசை - ஜார்ஜஸ் ஃப்ராகரோல்) ஒரு "புராணக் காவியம்", தியேட்டர் மூடப்படுவதற்கு ஒரு வருடம் முன்பு, ஹீரோ கதையாக மாறினார், இது ஸ்பிங்க்ஸால் உருவகப்படுத்தப்பட்டது. : "நூற்றாண்டுகள் வெற்றி பெறுகின்றன, மக்கள் வந்து செல்கின்றனர்; எகிப்தியர்கள், அசீரியர்கள், யூதர்கள், பெர்சியர்கள், கிரேக்கர்கள், ரோமானியர்கள், அரேபியர்கள்; சிலுவைப் போர்கள், நெப்போலியன் படைகள், எண்ணற்ற பிரிட்டிஷ் வீரர்களின் அணிகள் - அவர்கள் அனைவரும் கம்பீரமாக கிடந்த ஸ்பிங்க்ஸின் உருவத்தைக் கடந்து செல்கிறார்கள், அது இறுதியில் தனியாகவும், குளிராகவும், மர்மமாகவும் இருக்கிறது. 1896 இல் காட்டப்பட்ட மக்களின் ஊர்வலம் இனி "வழிகாட்டி நட்சத்திரத்தை" பின்பற்றவில்லை, அது 1890 இல் இருந்தது, அது ஒரு வழிகாட்டியைத் தேடவில்லை; இயக்கத்தின் திசையானது வரலாற்றின் போக்கால் அமைக்கப்பட்டது, இதில் ஸ்பிங்க்ஸ் உண்மையில் டூமாக செயல்பட்டது.

இத்தகைய நாடக வடிவம் பெரிய அளவிலான சதிகளை அரங்கேற்றுவதை சாத்தியமாக்கியது. விதியின் கருப்பொருளை மேடையில் கொண்டு வருவது, நவீன உலகக் கண்ணோட்டத்தின் மூலம் வழங்கப்பட்ட நிகழ்வுகளின் வரலாற்றுப் போக்கை வெளிப்படுத்துவது - இவை அனைத்தும் தியேட்டருக்கு ஒரு புதிய பொதுமைப்படுத்தல் மற்றும் வழக்கமான தன்மையைக் கொடுத்தன. நிழல் நிகழ்ச்சிகள் குறியீட்டுவாதிகளால் அமைக்கப்பட்ட பொது நாடகப் போக்குக்கு ஒத்திருக்கிறது மற்றும் பியர் குயிலார்ட் வடிவமைத்தது: "தியேட்டர் எப்படி இருக்க வேண்டும்: ஒரு கனவுக்கான சாக்குப்போக்கு"2.

காண்டூர்ஸ் ஆஃப் மாடர்னிட்டி பிரிவில் தி பார்ட்டி இன் விஸ்ட் (1887), தி கோல்டன் ஏஜ் (1887), பியரோட் போர்னோகிராஃபர் (1893) போன்ற நிகழ்ச்சிகளும், எம். டோன் - ஃபிரைன் மற்றும் "எல்ஸ்வேர்" (எல்ஸ்வேர்) நாடகங்களின் அடிப்படையில் இரண்டு நிகழ்ச்சிகளும் அடங்கும். இருவரும் -

1 குக் ஓ. இரு பரிமாணங்களில் இயக்கம்: (ஒளிப்பதிவின் பரிமாணத்திற்கு முந்தைய அனிமேஷன் மற்றும் திட்டமிடப்பட்ட படங்கள் பற்றிய ஆய்வு). லண்டன், 1963. பி. 76.

சிட். மேற்கோள்: Maksimov V.I. பிரஞ்சு சின்னம் - இருபதாம் நூற்றாண்டில் நுழைவு // பிரஞ்சு சின்னம். நாடகம் மற்றும் நாடகம். எஸ். 14.

1891) இங்கே ஒரு நவீன ஹீரோவின் உருவம் உருவாக்கப்பட்டது - குறைக்கப்பட்டது, அபத்தமானது, பொது வாழ்க்கையில் வேண்டுமென்றே "பொறிக்கப்படவில்லை", இது ஒரு முரண்பாடான விளக்கக்காட்சியுடன், பார்வையாளருக்கு அடையாளம் காணக்கூடியதாகவும் நெருக்கமாகவும் இருந்தது. காபரேவின் உணர்வில், சமகால கருப்பொருள்களில் நிகழ்ச்சிகள் சுற்றியுள்ள யதார்த்தத்தின் வர்ணனையாக இருந்தன; அவர்கள் நூற்றாண்டின் தொடக்கத்தின் உலகக் கண்ணோட்டத்தை பிரதிபலித்தனர், தீவிர சந்தேகம் மற்றும் இலட்சியத்திற்கான ஏக்கத்தை இணைத்தனர்.

ஷா நொயரின் நிழல் நிகழ்ச்சிகளின் ஒரு அம்சம் என்னவென்றால், இசையும் சொற்களும் துணைப் பொருள்களாக இருந்தன, இது அடுத்தடுத்த "அனிமேஷன் படங்களின்" விளைவை மேம்படுத்த வடிவமைக்கப்பட்டுள்ளது, இது ஒரு இணக்கமான ஒற்றுமையை உருவாக்குகிறது. என்ன நடக்கிறது என்பதன் நம்பகத்தன்மையின் உணர்வு படைப்பின் ஸ்டைலிஸ்டிக் ஒருமைப்பாடு, செயல்திறனின் அனைத்து கூறுகளின் மாறும் ஒத்திசைவு ஆகியவற்றால் உருவாக்கப்பட்டது. நிழல் தியேட்டர் பிரெஞ்சு காபரேவின் கலாச்சாரத்தின் பிரதிபலிப்பாக மாறியது, இது நூற்றாண்டின் தொடக்கத்தின் எந்த கலை இயக்கங்களுக்கும் ஆதரவளிக்கவில்லை, அவை அனைத்தையும் கொடுத்தன: ஷா நோயர் நிகழ்ச்சிகள் நவீனத்துவத்தின் குறியீட்டுவாதம், ஓரியண்டலிசம் மற்றும் சிற்றின்பத்தின் அர்த்தமுள்ள மர்மத்தை ஒருங்கிணைத்தன. இயற்கைவாதம் மற்றும் கல்வி நோக்கத்தின் புறநிலை, "பகடி நாடகம் மற்றும் முகமூடிகளின்" சட்டங்கள் மூலம் அவற்றைப் பிரதிபலிக்கிறது. அதே நேரத்தில், ஷா நொயரின் நிழல் நிகழ்ச்சிகள் ஒரு சுயாதீனமான நாடக நிகழ்வாக மாறியது, இது நாடக பிரச்சனைகளுக்கு சரியான தீர்வைத் தேடி காபரேவின் அழகியல் கருத்துக்கு அப்பாற்பட்டது. நிழற்படத்தின் உருவக இயல்பு, நிழல் உருவம் ஒரு நவீன மேடை மொழியை உருவாக்குவதற்கான ஆதாரமாக செயல்பட்டது, இதன் அலகு திரையில் படமாக இருந்தது.

மூன்றாவது அத்தியாயம் - "பப்பட் தியேட்டர்", இரண்டு பிரிவுகளைக் கொண்டது, பெட்டிட் தியேட்டர் டி மரியோனெட்டின் (லிட்டில் பப்பட் தியேட்டர், 1888-1894) மற்றும் ஆல்ஃபிரட் ஜாரியின் கிக்னோலுடன் (கேபரே காட்ஸ் "அஹ்ர், 1901) நாடக பரிசோதனையை பகுப்பாய்வு செய்கிறது. ) - ஒரு பாரம்பரிய வகை பொம்மை தியேட்டர்.

ஷா நோயரின் அனுபவம் பாரம்பரிய பொம்மை நாடக வடிவங்களின் கலைத் திறனை வெளிப்படுத்தியது மற்றும் அவற்றின் உருவகத் தன்மையைக் காட்டியது. ஜே. சாதுல், சா நோயர் மறைமுகமாக சினிமாவின் வெற்றியைத் தயார் செய்து, "ஒளியியல் செயல்திறன்" என்பதை நிரூபித்தார்.

சதை-இரத்த நடிகர்கள் நடத்தும் நாடகங்களைப் போல பொதுமக்களிடம் வெற்றிபெற முடியும். ஷா நொயருக்கு நன்றி, முதன்முறையாக, நாடக வடிவம் பொது ஆர்வத்தின் மையத்தில் தோன்றியது, இதில் நடிகர் முக்கிய அர்த்தத்தைத் தாங்கியவர் அல்ல: இந்த விஷயத்தில் நிழல் உருவம் நடிப்பின் கூறுகளில் ஒன்றாகும். , மேடை அமைப்பில் பொறிக்கப்பட்டுள்ளது. நிழல் தியேட்டரைத் தொடர்ந்து, பிற பொம்மை அமைப்புகளும் கவனத்தை ஈர்த்தன: நூற்றாண்டின் தொடக்கத்தில், பொம்மை தியேட்டர் ஒரு சுயாதீனமான கலை மொழியாகப் புரிந்துகொள்ளத் தொடங்கியது, இதன் வெளிப்பாடு வழிமுறைகளின் வரம்பு தியேட்டரின் திறன்களை மீறும் திறன் கொண்டது. நேரடி நடிகர்.

அறிமுகமானது பிரான்சில் உள்ள பொம்மை நாடக வரலாற்றின் சுருக்கமான கண்ணோட்டத்தை வழங்குகிறது; முக்கிய தொழில்நுட்ப அமைப்புகள் கருதப்படுகின்றன, அவை ஒவ்வொன்றும் 1880 கள் வரை, பாரம்பரியத்தால் ஒழுங்குபடுத்தப்பட்ட செயல்திறன் வடிவமாக இருந்தது (ஒரு நிலையான திறமை, தளத்தின் வகை, பொம்மையைக் கட்டுப்படுத்தும் முறை).

1888 ஆம் ஆண்டில், குறியீட்டுவாதிகளின் முதல் நாடக சோதனைகளுக்கு இரண்டு ஆண்டுகளுக்கு முன்பு, பெட்டிட் தியேட்டர் டி மரியோனெட் பாரிஸில் திறக்கப்பட்டது, இது பல வழிகளில் தியேட்டர் டி "ஆர் (1890-1892) யோசனைகளை எதிர்பார்த்தது. இந்த முயற்சி எழுத்தாளர்களின் குழுவிற்கு சொந்தமானது. மற்றும் கவிஞர்கள் (முக்கிய சித்தாந்தவாதிகள் ஹென்றி சிக்னோரெட் மற்றும் மாரிஸ் பௌச்சர்), அவர்கள் உலக நாடகத்தின் தலைசிறந்த படைப்புகளைக் கொண்ட ஒரு புதிய தொகுப்பை பொதுமக்களுக்கு வழங்கினர். இந்த கலை நிகழ்ச்சியின் கட்டமைப்பிற்குள், பின்வரும் நாடகங்கள் தியேட்டரில் ஒரு பருவத்தில் அரங்கேற்றப்பட்டன. பாதி: அரிஸ்டோபேன்ஸின் "பறவைகள்", செர்வாண்டஸின் இடையிடையே "தி விஜிலன்ட் காவலர்" (இரண்டும் - மே 1888), ஷேக்ஸ்பியரின் "தி டெம்பஸ்ட்" (நவம்பர் 1888), மொலியரின் ஆரம்பகால கேலிக்கூத்து தி ஜெலசி ஆஃப் பார்போலியர் மற்றும் இடைக்கால நாடகம் ஆபிரகாம் தி ஹெர்மிட் கந்தர்ஷெய்மின் ஹ்ரோத்ஸ்விடா (ஏப்ரல் 1889) பொம்மலாட்டத்தின் மேலும் வளர்ச்சியை மட்டுமே பாதித்தது, ஆனால் ஆனது.

1 சாதுல் Zh. சினிமாவின் பொது வரலாறு: 6 தொகுதிகளில் எம்., 1958. டி. 1. எஸ். 143.

ஆள்மாறான தியேட்டர் மாதிரியின் முன்மாதிரி, அதன் கருத்துக்கள் நவீனத்துவத்தில் உருவாக்கப்படும்.

அனைத்து பொம்மலாட்ட அமைப்புகளிலும், பெட்டிட் தியேட்டர் மிகக் குறைந்த ஆற்றல் வாய்ந்த, ஆட்டோமேட்டன் பொம்மைகளாக மாறியது, இது க்ரீச்களின் பாரம்பரியத்தை (அதாவது, "மேங்கர்"), இயந்திர உருவங்களுடன் மேற்கு ஐரோப்பிய கிறிஸ்துமஸ் நிகழ்ச்சிகளைப் பெற்றது. கிளாசிக்கல் சிற்பத்தின் மாதிரியான பொம்மைகள், சிறு மனித மாதிரிகள்; அதே நேரத்தில், அவர்கள் ஒரு உணர்ச்சிபூர்வமான தொடக்கத்தை இழந்தனர், அவர்களின் பிளாஸ்டிசிட்டி ஒரு நிலையான சைகைக்கு குறைக்கப்பட்டது. சிலை, நிலையான மிஸ்-என்-காட்சிகள், இது அவசரமற்ற மெல்லிசையுடன் இணைந்து, இயக்கத்தின் கம்பீரத்தை வலியுறுத்தியது, ஒரு சிறப்பு பாணியிலான நடிப்பை உருவாக்கியது, இதில் சமகாலத்தவர்கள் நாடக மரபுகளின் உருவகத்தைக் கண்டனர். "உடலின் ஐடியோகிராம்கள், இயந்திர கலைஞர்கள் பாத்திரத்தின் நிலை இருப்பை குறைந்தபட்சமாக, சில அடிப்படை அறிகுறிகளாகக் குறைத்தனர்"1. நிகழ்ச்சிகளின் பகுப்பாய்வின் அடிப்படையில், பெட்டிட் தியேட்டரின் நடைமுறை M. Maeterlinck மற்றும் G. Craig ஆகியோரின் நாடகக் கருத்துகளுடன் தொடர்புபடுத்துகிறது.

1890 ஆம் ஆண்டில், தியேட்டர் கவிஞர் மாரிஸ் பவுச்சரால் தலைமை தாங்கப்பட்டது, அவர் முன்பு தி டெம்பஸ்ட் மொழிபெயர்த்தார். Bouchor "நவீன, புதிய, ஆசிரியர் அரங்கத்தை" உருவாக்க விரும்பினாலும், அவருக்கு கீழ் பெட்டிட் தியேட்டர் 19 ஆம் நூற்றாண்டின் தியேட்டரின் மாதிரியை மாற்றியது, இது முதன்மையாக அவரது நாடகத்திறன் காரணமாக இருந்தது. மொத்தத்தில், Bouchor தனது ஆறு நாடகங்களை பெட்டிட் தியேட்டரில் மத விஷயங்களில் அரங்கேற்றினார்: Tobias (1890), The Nativity (1890), The Legend of St. Cecilia (1892), Hayyam's Dream, Adoration of St. 1892), "Eleusinian மர்மங்கள்" (1894). "டோபியா" இல், ஆரம்பகால நாடகத்தைப் போலவே, அதன் குறைபாடுகள் ஏற்கனவே காணப்பட்டன: புஷோர் இறுதியில் உரையாடல்கள் மற்றும் சூழ்நிலைகளின் பழக்கவழக்கத்தின் பாதையில் சென்று, கதாபாத்திரங்களை "மனிதமயமாக்க" மற்றும் அவர்களின் செயல்களில் உலக தர்க்கத்தை அறிமுகப்படுத்த முயன்றார்.

ஆல்ஃபிரட் ஜாரி புஷோருக்கு எதிர் வழியில் சென்றார் - நடிகர்களை "மரியானிங்" செய்வதில் இருந்து பொம்மை தியேட்டருக்கு திரும்பியது; அவரது நாடக

1 பிளாஸ்ஸார்ட் டி. எல் "ஆக்டியர் என் எஃபிஜி. பி. 32.

2 Le Goffic Ch. லு பெட்டிட் தியேட்டர் டெஸ் மரியோனெட்டஸ் // லா ரெவ்யூ என்சைக்ளோபீடிக். 1894. எண் 85. 15 ஜூன். பி. 256.

"குய்னோல் மற்றும் உபு-கிங்" பிரிவில் இந்த சோதனை விவாதிக்கப்படுகிறது. நடிகரின் ஆளுமை படைப்பின் உணர்வில் குறுக்கிடுகிறது என்று ஜாரி நம்பினார், ஆனால் ஆரம்பத்தில் நிபந்தனை விதித்தார்: "கிங் உபியு" நாடகம் பொம்மலாட்டங்களுக்காக அல்ல, ஆனால் பொம்மைகளைப் போல விளையாடும் நடிகர்களுக்காக எழுதப்பட்டது, இது ஒன்றல்ல"1. தொடர்ச்சியான நாடக அனுபவங்களுக்குப் பிறகு (1896 இல் தியேட்டர் எவ்ரேயில் கிங் உபுவின் தயாரிப்பு உட்பட), கையுறை பொம்மைகளுடன் (கதாநாயகனுக்குப் பெயரிடப்பட்டது) பாரம்பரிய பொம்மை நிகழ்ச்சியான கிக்னோலுக்கு ஜாரி சென்றார். நடிகர் "தனது பாத்திரத்திற்கு ஏற்ற உடலை தனக்கென சிறப்பாக உருவாக்க வேண்டும்" 2 என்று ஜாரி வாதிட்டார், மேலும் பொம்மை தியேட்டர் அவருக்கு கதாபாத்திரங்களை மாதிரியாக மாற்றுவதற்கான வாய்ப்பை வழங்கியது. 1902 இல் பிரஸ்ஸல்ஸில் வழங்கப்பட்ட ஒரு விரிவுரையில் அவர் இந்த கண்டுபிடிப்பை வலியுறுத்தினார்: "பொம்மைகள் மட்டுமே, அதன் உரிமையாளர், மாஸ்டர் மற்றும் படைப்பாளர் (அவற்றை நீங்களே உருவாக்குவது அவசியம் என்று தோன்றுவதால்), துல்லியமான திட்டம் என்று அழைக்கப்படுவதை கடமையாகவும் எளிமையாகவும் தெரிவிக்கவும் - எங்கள் எண்ணங்கள்" 3.

எனவே, நவம்பர் 1901 இல், பாரிசியன் காபரே காட்ஸ் "ஆர் (நான்கு கலைகளின் கேபரே) இல், ஆசிரியரின் பங்கேற்புடன், "கிங் உபு" பொம்மைகளில் விளையாடப்பட்டது; உரை சிறப்பாக சுருக்கப்பட்டது (இரண்டு செயல்களில்) மற்றும் தழுவல்; கிக்னோலில் எழுதப்பட்ட முன்னுரைக்கு முன்னதாக, சாம்ப்ஸ் எலிஸீஸின் ஒரு தொழில்முறை பொம்மலாட்டக்காரர் பாத்திரங்களை இயக்குவதற்காக வரவழைக்கப்பட்டார், மேலும் பாப்பா உபுவின் கைப்பாவை ஆசிரியரால் உருவாக்கப்பட்டது ஒழுக்கக்கேடான மற்றும் நியாயமற்ற காட்சி. அவரது கிளப்புடன் பாத்திரங்கள். இந்த விஷயத்தில், கிக்னோல் வடிவத்தின் தேர்வு, செயலை இன்னும் நியாயமற்றதாக ஆக்கியது, கதாபாத்திரங்களின் கோரமான படங்களை வலுப்படுத்தியது.

1 மேற்கோள் காட்டப்பட்டது. by: Plassard D. L "acteur en effigie. P. 43.

2 ஜாரி ஏ. தியேட்டருக்கு தியேட்டரின் பயனற்ற தன்மை குறித்து // எப்போதும் போல - அவாண்ட்-கார்ட் பற்றி: (பிரெஞ்சு நாடக அவாண்ட்-கார்ட்டின் தொகுப்பு). எம்., 1992. எஸ். 19.

Jarry A. Conférence sur les Pantins // Les mains de lumière: (Anthologie des écrits sur l "art de la marionnette) / Textes réunis et présentés par D. Plassard. Charleville-Mézières, P. 19205.

பாரம்பரிய நாடகம் மற்றும் புதிய நாடகம், "சாலையோர நாடகத்தின்" உச்சங்களில் ஒன்றாக கருதலாம்.

பெட்டிட் தியேட்டரைப் போலவே, பாரம்பரிய பொம்மை அமைப்பின் தத்துவ உள்ளடக்கம் பார்வையாளர்களின் பார்வைக்கான முன்னோக்கை அமைக்கிறது. கூர்மை, நியாயமான முரட்டுத்தனம், கிக்னோலின் கொடூரம் கூட 20 ஆம் நூற்றாண்டின் நாடக புராணங்களில் நுழைந்த ஒரு அரக்கனின் கேலிக்குரிய உருவத்துடன் இயல்பாக இணைந்தது - பாப்பா உபு. மாறாக, மெதுவான இயக்கம், பெட்டிட் தியேட்டரின் பொம்மைகளின் கம்பீரமான பற்றின்மை, மத நிகழ்ச்சிகளைக் குறிப்பிடுவது, மேடையில் புரிந்துகொள்ள முடியாத, இலட்சிய யதார்த்தத்தின் சூழ்நிலையை உருவாக்கியது. கண்டுபிடிப்பு என்னவென்றால், படிவத்தின் தேர்வு ஏற்கனவே மேடை உள்ளடக்கத்தை உருவாக்கியது. இந்த பொம்மலாட்ட நிகழ்ச்சிகள் இயக்குனரின் பொம்மை அரங்கின் தொடக்கத்தை எதிர்பார்க்கின்றன, மேலும் பரந்த அளவில், அவை பொதுவாக தியேட்டரில் மாடலிங் வடிவத்தின் மேலும் சுதந்திரத்திற்கான தூண்டுதலாக மாறும்.

நான்காவது அத்தியாயம் - "கிராண்ட் கிக்னோல்" இரண்டு பிரிவுகளை உள்ளடக்கியது மற்றும் "திகில் தியேட்டர்" பெல்லி எபோக்கிற்கு அர்ப்பணிக்கப்பட்டுள்ளது. இந்த தியேட்டர் முன்னாள் தேவாலயத்தின் கட்டிடத்தில், பாரிஸின் மிகவும் குற்றவியல் பகுதியான பிகல்லே காலாண்டின் மையத்தில் அமைந்துள்ளது. 1897 இல் திறக்கப்பட்டது, கிராண்ட் கிக்னோல் "ஒரே நேரத்தில் ஒரு இடம் மற்றும் ஒரு வகை இரண்டையும் குறிக்கிறது"1, இரண்டு உலகப் போர்களில் இருந்து தப்பிய பொது நலனுடன், பாரிஸின் காட்சிகளில் ஒன்றாக மாறியது மற்றும் 1962 இல் மட்டுமே அதன் இருப்பை முடிவுக்கு கொண்டு வந்தது, இது ஒரு நிகழ்வாக மாறியது. வெகுஜன கலாச்சாரம். அத்தியாயம் தியேட்டரின் கட்டமைப்பை விவரிக்கிறது, வகையின் முக்கிய பண்புகளை வழங்குகிறது, திகில் வகையின் உன்னதமான சூத்திரத்தை உருவாக்கியவர்களின் ஆளுமைகளை ஆராய்கிறது: நாடக இயக்குனர் மேக்ஸ் மோரெட், நாடக ஆசிரியர் ஆண்ட்ரே டி லார்ட் மற்றும் அவரது இணை ஆசிரியர், உளவியலாளர் ஆல்ஃபிரட் பினெட் , சிறப்பு விளைவுகளின் மாஸ்டர் பால் ரட்டினோ.

கிராண்ட் கிக்னோல் - பெரியவர்களுக்கான கிக்னோல், நூற்றாண்டின் தொடக்கத்தின் குற்றவியல் வரலாற்றை மேடையில் வழங்கினார். பாரம்பரிய கிக்னோலின் தன்மையில் ஒரு வகை அறநெறி இல்லாதது, முக்கிய கதாபாத்திரத்திற்குப் பின்னால் ஒரு குற்றவியல் கடந்த காலத்தின் சுவடு (கிக்னோல் நிகழ்ச்சிகள் காவல்துறையினரால் கட்டுப்படுத்தப்பட்டது), இல்லை.

1 Pierron A. முன்னுரை // Le Grand Guignol: (Le Theâtre des peurs de la Belle époque). பி. II

புதிய தியேட்டருக்கான பெயரைத் தேர்ந்தெடுப்பதில் தாக்கத்தை ஏற்படுத்த முடியவில்லை, இருப்பினும், பொம்மை தியேட்டருடன் முற்றிலும் எந்த தொடர்பும் இல்லை. A. Pierron, Grand Guignol பற்றிய தனது ஆராய்ச்சியை சுருக்கி, வரலாற்று மற்றும் இலக்கிய முன்நிபந்தனைகள் இருந்தபோதிலும், இது முற்றிலும் புதிய வகை: "தீவிர சூழ்நிலைகள் மற்றும் ஆழ்நிலை உணர்ச்சிகளின் தியேட்டர்"1.

"வளிமண்டலத்தின் நாடகம்" என்ற பிரிவு, ஒரு பெரிய கிக்னோல் செயல்திறனை உருவாக்குவதற்கான அடிப்படை விதிகளைப் பற்றி விவாதிக்கிறது. மேக்ஸ் மோரெட் தனது முன்னோடியான தியேட்டரின் நிறுவனர் ஆஸ்கார் மெத்தேனியர் ஏற்கனவே கண்டுபிடித்ததைப் பயன்படுத்தினார், அவர் ஆண்ட்ரே அன்டோயினின் முன்னாள் ஒத்துழைப்பாளராக, ஆரம்பகால தியேட்ரே லிப்ரேவைப் பார்த்தார். மோரெட் நடிப்பின் ஒவ்வொரு கூறுகளையும் கூர்மைப்படுத்தினார்: கீழ் சமூக அடுக்குகளின் நாடகங்கள் அதிர்ச்சியூட்டும் மனித குற்றங்களின் கதைகளுக்கு வழிவகுத்தன. அறநெறியின் வகையை ஒழித்துவிட்டு, மோரெட் "வளிமண்டலத்தின் நாடகம்" என்ற வரையறையை அறிமுகப்படுத்தினார், பார்வையாளர் மீது பிரத்தியேகமாக உணர்ச்சிகரமான தாக்கத்தை ஏற்படுத்தினார் - அதிகரித்த உற்சாகம் மற்றும் பயத்தின் மூலம் (அவருடன், ஒரு முழுநேர மருத்துவர் தியேட்டரில் பணியில் இருந்தார். நிகழ்ச்சிகளின் போது - பார்வையாளர்கள் நோய்வாய்ப்பட்டால்). அவர் நாடக வடிவத்தின் சுருக்கத்தை "நேரக்கட்டுப்பாடு" (நாடகம் பத்து முதல் நாற்பது நிமிடங்கள் வரை நீடிக்க வேண்டும்) மற்றும் நாடகங்கள் மற்றும் நகைச்சுவைகளை "கான்ட்ராஸ்ட் ஷவர்" நுட்பமாக மாற்றுவது உளவியல் தளர்வுக்குத் தேவையான மற்றும் மாறியது. கிராண்ட் கிக்னோலின் கையொப்ப பாணி. இறுதியாக, மோரெட்டின் கீழ், தியேட்டரில் இயற்கையான விளைவு அதன் மிக உயர்ந்த வளர்ச்சியை எட்டியது: அன்டோயின் ஒரு காலத்தில் மேடையில் உண்மையான இறைச்சி சடலங்களின் ஆர்ப்பாட்டம் மூலம் பார்வையாளர்களை அதிர்ச்சிக்குள்ளாக்கினால், கிராண்ட் கிக்னோல் பார்வையாளர்கள் மிகவும் யதார்த்தமான துண்டிக்கப்பட்ட மூட்டுகளை, இரத்தக்களரியாகக் கவனிக்க முடியும். காயங்கள், துண்டிக்கப்பட்ட சடலங்கள், சல்பூரிக் அமிலம் ஊற்றப்பட்ட முகங்கள் ... "குல்-டி-சாக் சாப்டலின் பார்வையாளர்கள் தங்கள் மகிழ்ச்சிக்காக தியேட்டருக்குச் சென்றனர் என்பதை வலியுறுத்துவது முக்கியம்" என்று பியரோன் எழுதுகிறார். அதிர்ச்சியடைந்து, கலக்கமடைந்து, உருமாறி அங்கிருந்து வெளியே வந்தாள். பல பண்புகளின் உதாரணத்தில்

1 Pierron A. முன்னுரை // Le Grand Guignol: (Le Theâtre des peurs de la Belle époque). P. LXIII.

2 ஐபிடிம். P. LXII.

guignol நாடகங்கள், நடிப்பின் அழகியல், பார்வையாளர்களை பாதிக்கும் வழிகள் பகுப்பாய்வு செய்யப்படுகின்றன.

அத்தியாயத்தின் இரண்டாவது பகுதி "கான்ட்ராஸ்ட் ஷவர்" என்று அழைக்கப்படுகிறது - சமகாலத்தவர்களால் வழங்கப்பட்ட ஒரு வரையறை மற்றும் நாடக தயாரிப்புகளின் பாணியை வகைப்படுத்துகிறது. கிராண்ட் கிக்னோலில் முக்கிய கதாபாத்திரம் வகையாக இருந்தது, மேலும் நடிகர், நாடகம், மேடை வடிவமைப்பு மற்றும் சிறப்பு விளைவுகள் உள்ளிட்ட நடிப்பின் கலவையின் அனைத்து கூறுகளும் ஆடிட்டோரியத்தில் திகில் அதிகரிக்கும் பொறிமுறைக்கு உட்பட்டவை. ஆனால் சிகிச்சை விளைவு என்னவென்றால், இறுதிக்கட்டத்தில் மிக உயர்ந்த பதற்றத்தை அடைந்த திகில் மிகவும் இயல்பான நாடகம், அதைத் தொடர்ந்து வந்த பஃபூன் நகைச்சுவையால் மாற்றப்பட்டது, அதில் பயமுறுத்தும் விளைவு திடீரென்று முட்டுக்கட்டையாக மாறியது. படிப்படியாக, கிராண்ட் குய்னோல் மிகைப்படுத்தலுக்கு வந்து, திகில் மற்றும் இயற்கையான நுட்பங்களின் சூழலை அபத்தத்தின் நிலைக்குக் கொண்டுவருகிறது; திகில் மற்றும் சிரிப்பின் விளிம்பில் வெளிப்பாட்டின் உதவியுடன் பார்வையாளரின் மனதில் உள்ள இந்த உணர்ச்சிகளையும் உணர்ச்சிகளையும் கடக்க.

கிராண்ட் கிக்னோல் பெல்லி எபோக்கின் நிலப்பரப்பு மற்றும் புராணங்களின் ஒரு பகுதியாக இருந்தது, அதன் விளைவாக மாறியது: அவர் முந்தைய அனுபவத்தைப் பயன்படுத்தினார் - டேப்ளாய்ட் மெலோட்ராமாவின் மரபுகள் மற்றும் "நன்கு தயாரிக்கப்பட்ட நாடகம்" பள்ளி, அடிமட்ட கலாச்சாரத்தின் முரட்டுத்தனம் மற்றும் காட்சி; நவீன தாக்கங்கள் - நாடக இயல்புவாதத்தின் நுட்பங்களை மிகைப்படுத்தியது, மற்றும் ஓரளவிற்கு குறியீட்டுவாதம் (பரிந்துரைக்கப்பட்ட செயலின் கொள்கை, அவற்றில் பெரும்பாலானவை பார்வையாளரின் மனதில் நிகழ்கின்றன); "வளிமண்டல நாடகத்தை" உருவாக்குவதில் இயக்குனரின் நாடக முறைகளைப் பயன்படுத்தினார்; மௌனப் படங்களின் அழகியலைக் கணக்கில் எடுத்துக் கொண்டது. கிராண்ட் கிக்னோல் பார்வையாளரின் உளவியல், அவர் மீதான உணர்ச்சி தாக்கத்தின் சாத்தியக்கூறுகள் பற்றிய ஆய்வின் தொடக்கத்தைக் குறித்தார். இறுதியாக, கிராண்ட் கிக்னோல் திகில் வகையின் தோற்றத்தில் நின்றார், இது பின்னர் திரைப்படத் துறையின் சொத்தாக மாறியது.

முடிவில், ஆய்வின் முடிவுகள் சுருக்கப்பட்டுள்ளன மற்றும் கருதப்படும் கலை செயல்முறைகளின் வளர்ச்சிக்கான வாய்ப்புகள் கண்டறியப்படுகின்றன.

19-20 ஆம் நூற்றாண்டுகளின் தொடக்கத்தில் பிரான்சில் தோன்றிய நாடகத்தின் புதிய வடிவங்கள் மற்றும் வகைகள் நாடக சீர்திருத்தத்தின் விளைவாக இருந்தன என்பது வெளிப்படையானது.

இயக்கக் கலையின் உருவாக்கம் மற்றும் நடிகரிடம் இருந்து வெளிப்பாட்டின் அனைத்து வழிமுறைகளின் கலை ஒருமைப்பாட்டிற்கு நடிப்பில் முக்கியத்துவம் கொடுக்கப்பட்டது.

மாற்று நாடக வடிவங்கள் மற்றும் வகைகளை பரிசோதிப்பதற்கான உந்துதல் காபரேவின் பிறப்பாகும், இருப்பினும், இது ஒரு தியேட்டராக இல்லை. பிரான்சில் ஏறக்குறைய ஒரே நேரத்தில் எழுந்த காபரே மற்றும் டைரக்டர்ஸ் தியேட்டர் இங்கு ஒன்றோடொன்று தொடர்பு கொள்ளவில்லை, ஏனெனில் அவை நிகழ்வுகளாக மட்டுமே உருவாகி இணையாக உருவாகின்றன. மேலும், ஜேர்மனி மற்றும் ரஷ்யாவில் ஏற்கனவே ஆயத்த அழகியல் மாதிரியாக பரவியுள்ளதால், காபரே தொழில்முறை இயக்குனர்கள் மற்றும் நாடக ஆசிரியர்களின் கவனத்தை ஈர்க்கிறது மற்றும் அதன் சொந்த மேடை சட்டங்களுடன் மாற்று விளையாட்டு மைதானமாக அவர்களால் தேர்ச்சி பெற்றது.

நூற்றாண்டின் தொடக்கத்தில் கலைஞர்கள் மற்றும் நாடக ஆசிரியர்களின் பாரம்பரிய வடிவங்களான பொம்மலாட்டம், புதிய தத்துவ மற்றும் கலைப் பணிகளை அவர்களுக்குப் பயன்படுத்துவது, அவர்களின் உள்ளடக்கத் திறனை வெளிப்படுத்தியது, அவர்களின் குறியீட்டு மற்றும் அடையாள இயல்பு, பாரம்பரிய விதிகளை ஒழித்து, ஒரு கலைப் படத்தை உருவாக்குவதில் கைப்பாவை ஒரு கருவியாகும், இது தியேட்டருக்கு இலவச வடிவ மாடலிங் வாய்ப்பை வழங்கியது.

"திகில் தியேட்டரின்" வருகையுடன், பார்வையாளரின் உளவியல் மற்றும் அவரை பாதிக்கும் சாத்தியக்கூறுகள் பற்றிய ஆய்வு தொடங்குகிறது, இது பின்னர் வகை சினிமாவின் நிகழ்வுக்கு வழிவகுக்கிறது.

19 மற்றும் 20 ஆம் நூற்றாண்டுகளின் தொடக்கத்தில் பிரான்சில் தோன்றிய நாடகத்தின் புதிய வடிவங்கள் மற்றும் வகைகள், ஒரு இயக்குனரின் தியேட்டராக மாறுவதற்கான செயல்முறையுடன் தொடர்புடைய படைப்புத் தேடல்களின் நெருங்கிய தொடர்பு, பின்னிப்பிணைப்பு மற்றும் வெளிப்படையான ஒற்றுமையை நிரூபிக்கின்றன. நாடகத்தன்மையின் கருத்தை மறுபரிசீலனை செய்வதில். இங்கு கண்டுபிடிக்கப்பட்ட கண்டுபிடிப்புகள் 20 ஆம் நூற்றாண்டின் நாடக அவாண்ட்-கார்டிற்கான அழகியல் தளத்தை பெரும்பாலும் தயார் செய்தன; இதற்கு இணையாக, வெகுஜன கலாச்சாரத்தின் அடித்தளங்கள் இங்கு அமைக்கப்பட்டன.

1. குசோவ்சிகோவா T. I. XIX-XX நூற்றாண்டுகளின் தொடக்கத்தில் பிரான்சில் "சாலையோர தியேட்டர்" // அறிவியல் கருத்து. - 2013. - எண். 11. - எஸ். 116-121. (0.3 பக். எல்.)

2. Kuzovchikova T. I. Guignol மற்றும் "Ubu-King" // பல்கலைக்கழக அறிவியல் இதழ் = மனிதநேயம் மற்றும் அறிவியல் பல்கலைக்கழக இதழ். - 2013. - எண் 6. (உற்பத்தியில்). (0.25 பக். எல்.)

மற்ற பதிப்புகளில்:

3. Kuzovchikova T. I. "பிளாக் கேட்" இன் பாரிசியன் நிழல்கள் // அதிசயங்களின் தியேட்டர். - 2010. - எண். 1-2. - எஸ். 34-40; எண் 3-4. - எஸ். 46-49. (1 பக். எல்.)

4. Kuzovchikova T. I. Montmartre ஒரு இலவச நகரம் // ஆளுமை மற்றும் கலாச்சாரம். -2010. - எண் 5. - எஸ். 98-100. (0.2 பக். எல்.)

5. குசோவ்சிகோவா டி.ஐ. ஹென்றி சிக்னோரட்டின் லிட்டில் பப்பட் தியேட்டர்: நடிகரின் மறுப்பு // நடிகரின் நிகழ்வு: தொழில், தத்துவம், அழகியல். ஏப்ரல் 28, 2010 அன்று பட்டதாரி மாணவர்களின் நான்காவது அறிவியல் மாநாட்டின் நடவடிக்கைகள். - செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க்: SPbGATI, 2011. - S. 118-123. (0.3 பக். எல்.)

6. குசோவ்சிகோவா T. I. விவியென் தெருவில் இருந்து பொம்மைகள் // டீட்ரான். - 2011. - எண். 1. -இருந்து. 38^19. (1 பக். எல்.)

7. 19 ஆம் நூற்றாண்டின் இறுதியில் பிரான்சில் குசோவ்சிகோவா டி.ஐ. காபரே நாடகத்தின் புதிய வடிவமாக. ஷா நொயர் // தியேட்டர். - 2012. - எண். 2. - எஸ். 82-94. (1 பக். எல்.)

01/29/14 வடிவமைப்பு 60x841Lb டிஜிட்டல் பிரிண்ட் அச்சிட கையொப்பமிடப்பட்டது. எல். 1.15 சுழற்சி 100 ஆர்டர் 07/01 அச்சு

அச்சிடும் வீடு "பால்கன் பிரிண்ட்" (197101, செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க், போல்ஷாயா புஷ்கர்ஸ்கயா ஸ்டம்ப்., 54, அலுவலகம் 2)