Ang "pangalawang katotohanan" na ito ay nilikha, siyempre, pangunahin nang nasa isip ang pananaw ng manonood. Tulad ng "unang katotohanan," mayroon itong sariling mga batas ng pag-iral, sariling espasyo at oras, sariling mga tuntunin at batas para sa aktor at manonood na makabisado ang espasyo at oras. Oras ng pamumuhay, oryentasyon sa espasyo. Ngunit ang mulat na pag-eeksperimento at mulat, maingat na gawaing direktoryo na may espasyo at oras sa entablado ay isang kababalaghan na malayo sa tradisyonal at hindi sinaunang sa sining ng teatro. Lumilitaw ito sa makasaysayang yugto ng humigit-kumulang sa parehong oras kapag ang sikolohikal na interes sa theatrical art ay lumilitaw sa mga direktor at manonood; sa modernong wika - kapag lumitaw ang isang kaukulang kaayusang panlipunan.

Ang mahusay na innovator at eksperimento sa teatro na Appiah (90s ng ika-19 na siglo) ay sumusubok na maunawaan kung bakit hindi angkop sa kanya ang mga tradisyonal na pamamaraan ng disenyo ng entablado space mga pagtatanghal. Nakahanap siya ng hindi inaasahang paliwanag para dito: ang bilang ng mga "iconic" na elemento ng isang larawan sa entablado ay nanaig sa bilang ng mga "nagpapahayag". (Ang mga iconic ay tumutulong sa manonood na mag-navigate sa balangkas at umaakit sa kanyang isipan at katwiran, at ang mga nagpapahayag ay tinutugunan sa imahinasyon ng manonood, sa kanyang emosyonal na globo, sa kanyang walang malay Tingnan: Bobyleva A.L. Host ng pagtatanghal: Pagdidirekta ng sining sa pagpasok ng ika-19 - ika-20 siglo. M. , 2000).

Naniniwala si Appiah na ang sukatan ng realismo ay dapat ang kapangyarihan ng karanasan ng manonood, at hindi ang antas ng pagiging maingat sa muling paglikha ng ilusyon ng realidad ng eksena. Iminumungkahi niyang bawasan ang bilang ng mga elemento ng "sign" ng espasyo sa pinakamaliit at dagdagan ang bilang ng mga nagpapahayag.

Si Appiah mismo ang una sa mga direktor ng panahong ito na lumikha ng mga marka ng pag-iilaw para sa pagtatanghal. Pinauna niya ang mga ito ng makasagisag na paglalarawan ng mga eksena. Hindi nila gaanong pinag-uusapan ang teknolohiya sa pag-iilaw, mga kagamitan sa pag-iilaw at ang kanilang pagkakalagay (bagaman isinulat din niya ang tungkol dito), ngunit tungkol sa semantiko at patula na spatial na pag-andar ng liwanag.

Paano, halimbawa, pinipili ng direktor na ito ang mga angkop na solusyon sa entablado para sa mga liriko at epikong bayani ng drama ni Wagner? Kung pinag-uusapan natin ang pagsisiwalat sa sarili ng pangunahing karakter (lirikal na yugto), kung gayon ang larawan ay itinayo sa prinsipyong "nakikita ng manonood ang mundo sa pamamagitan ng mga mata ng bayani." Ang mundo ng entablado ay nagiging salamin ng kanyang mga espirituwal na paggalaw. (Narito ang isinulat ni Vygotsky tungkol dito: "Ang bayani ay isang punto sa trahedya, batay sa kung saan pinipilit tayo ng may-akda na isaalang-alang ang lahat ng iba pang mga karakter at lahat ng mga kaganapan na nagaganap. Ito ang puntong ito na pinagsasama-sama ang ating atensyon, nagsisilbi itong fulcrum para sa ating mga damdamin, na kung hindi man ay mawawala, walang katapusang lumilihis sa mga lilim nito, sa mga alalahanin nito para sa bawat karakter" Vygotsky L. S. Psychology of Art. Rostov-on-Don, 1998. P. 54.

). At kapag dumating ang oras para sa mga aksyon at kaganapan (epic scenes), pinalalakas ng espasyo ang "reality" nito, ang verisimilitude nito.

Sa pagbibigay-kahulugan sa Hamlet, naiintindihan ni Appiah ang tunggalian ng trahedyang ito sa isang romantikong paraan. Sa mga gawang iyon kung saan isinulat ni Appiah ang "mga script" o mga plano sa direktoryo, palaging may isang bayani ng romantikong uri (mas tiyak, ito ay kung paano siya naiintindihan ng direktor). Siegfried, Tristan, Hamlet, King Lear - lahat sila ay mga bayani, mga indibidwal na lumampas sa espirituwal na pamantayan. Ngunit ang mundo sa mga dramang ito ay hindi palaging binibigyang lyrical background - ito ay imperiously present sa realidad nito, objectively independent of the hero.

Gusto ni Appiah na makilala ng manonood ang makapangyarihang bayani at subukang lumikha ng mga diskarte sa direktoryo na gumagana sa layuning ito. Sa mga sandali ng mahalagang pagbuhos ng liriko, nilusaw ni Appiah ang bayani sa magandang tanawin. Ang mundo ay nagiging isang virtual na embodiment ng estado ng isip ng bayani. Kaya ang subjective na estado na ito ay tumindi at kumakalat, na pinupuno ang buong entablado at auditorium. Ipinapalagay ng diskarte na ito na ang balangkas ng pagbuo ng relasyon ng bayani sa mundo ng entablado ay nagbibigay-daan sa isa na madama ang panloob na mga karanasan ng bayani. Ang "sikolohiya" ng mga karakter ay inihagis sa isang spatial na anyo, na naglalahad sa isang larawan, sa isang pose. “Dapat nating makita ang drama gamit ang mga mata, puso at kaluluwa ni Hamlet; ang ating atensyon ay hindi dapat magambala ng mga panloob na hadlang na gumugulo kay Hamlet: kung sa entablado ay idiin natin ang panlabas na mundo, hihinain natin ang tunggalian at hindi maiiwasang dumating sa punto na makikita at susuriin natin si Hamlet sa pamamagitan ng mga mata ng ibang tao.” See : Craig G. Mga alaala. Mga artikulo. Mga liham. M., 1988. P. 186. Nakita naman ni Gordon Craig si Hamlet hindi lamang bilang isang hindi kusang-loob na hostage, kundi bilang isang "direktor" ng mga kaganapang nagaganap sa trahedya. Upang makilala sa isang "superpersonality" na humuhubog sa mundo sa paligid ng sarili ay nangangahulugan na mapagtanto ang sarili sa isang makasaysayang bagong creative, existential na kalidad.

Sa mga pagpipinta ng entablado ni Appiah, ang pagdidilim ng foreground ay nagsisilbing dual function. Una, sinusunod ni Appiah ang isang lumang pamamaraan ng larawan: ang madilim na harapan ay kabaligtaran nang pabor sa maliwanag na distansya. Pangalawa, naniniwala si Appiah na kung ang aksyon ay magaganap sa kalaliman ng entablado, kung gayon ang manonood ay napapansin ito "mula sa labas", bilang isang uri ng obhetibong nagaganap na kaganapan. Mula lamang sa harapan (na lubhang mapanganib sa pang-aabuso) ang mga bayani ay maaaring umapela sa tunay na pakikipagsabwatan at pakikiramay.

Ang isa pang halimbawa ay mula sa ating panahon. Sa malaking pasasalamat at paggalang, naalaala ng direktor na si M. Zakharov ang kanyang pakikipagtulungan sa artist na si V. Leventhal at kompositor na si A. Kremer habang nagtatrabaho sa dulang "Profitable Place" sa Satire Theater. Pinag-uusapan niya ang malaking papel ng pagpapasya sa espasyo ng entablado ng dula, lalo na, tungkol sa mahiwagang bagay, na nakapagpapaalaala sa isang modelo ng teatro na pinalaki sa napakalaking sukat, na nakabitin sa itaas ng entablado. "Ang bagay ay nagtalaga ng bawat matalinong iskolar sa teatro upang lumikha ng isang malaking bilang ng mga purong "pampanitikan" na mga bersyon ng kung ano ang ibig sabihin nito. Siyempre, ang kakaiba, mahiwagang kahon ay nag-imbita ng pagmuni-muni. Ang bagay ay may malakas na scenographic na enerhiya, "nakolekta" ang espasyo at lumikha ng isang matatag na zone na may binibigkas na mahiwagang simula" Zakharov M.A. Mga contact sa iba't ibang antas. M., 1988. P. 46..

Ang isa pang alaala ay mas kawili-wili. “Nagsimula ang pagtatanghal sa dilim sa mabilis na paggalaw ng tanawin. Ang parehong mga bilog sa entablado ay umikot sa magkasalungat na direksyon. Ang mga pintuan at silid ay kumikislap, madilim na naiilawan ng mga sinaunang lampara, at ilang uri ng mapurol, nakakaalarmang musika ang tumunog, na nagpapaalala, sa halip, ng paggiling ng mga bulok na tabla sa isang lumang bahay at ang malayo, halos hindi maririnig, na dumadagundong na mga huni ng isang orasan sa opisina. Pagkaraan ng ilang oras, ang madilim na anino ng Vyshnevsky - Menglet ay kumislap sa "ipoipo", pagkatapos ay lumutang ang puting peignoir ni Anna Pavlovna - Vasilyeva. Ang kanyang pagkabalisa, ang pagnanais na makatakas mula sa bangungot na ito, ang takot at pagkasuklam para sa kanyang halimaw na asawa - ang lahat ay sumanib sa nilalagnat na paggalaw ng mga ilaw, ang malungkot na alulong ng mga rumaragasang pader at ang paglangitngit ng mga floorboard.

Sa ganitong uri ng paunang salita - sa unang eksena nina Vyshnevsky at Anna Pavlovna - tila sumang-ayon ang mga direktor sa manonood na ang kuwento sa entablado ay mabilis na mai-edit, lagnat, bahagyang ayon sa mga batas ng modernong sinehan.” Ibid. P. 54.. Isang kamangha-manghang bagay ang nangyayari dito - bago pa man ang unang hitsura ng mga aktor, sa tulong ng mga paraan ng pinong sining (scenery) at musika, ang manonood ay nilikha na may isang nangingibabaw na imahe sa buong kasunod na aksyon. kalooban. Bukod dito, bilang isang resulta ng naturang prologue, ang mga may-akda ng dula ay "sumasang-ayon sa madla", iyon ay, pakikipag-ugnayan sa madla, diyalogo sa manonood ay nagsisimula bago pa man ang aktwal na pag-arte. Ang halimbawang ito ay muling nagpapatunay kung gaano kahalaga ang papel ng artista at kompositor sa teatro at muling binabanggit ang sintetikong kalikasan ng sining sa teatro.

Tulad ng espasyo, espesyal na istruktura oras sa pagtatanghal ito ay nagiging isang paraan ng pagpapahayag ng teatro ng direktor. Ang akumulasyon ng direktoryo at masining na mga ideya tungkol sa oras ay nagsisimula kapag ang direktor ay higit pa o hindi gaanong sinasadya na lumikha ng isang "pangalawang katotohanan", at hindi lamang responsable para sa pagtatanghal ng isang teatro na pagtatanghal. Gumagana sa oras, ang ritmo ng pagganap.

Kung ikukumpara sa romantikong compression ng oras, kapag ang mga kaganapan ng ilang buwan o kahit na mga dekada ay naganap sa entablado sa panahon ng isang pagtatanghal, sa "static na teatro" ng Maurice Maeterlinck ang paglipas ng oras ay bumagal, ang mga salita at aksyon ay "hugasan" , nababalot ng katahimikan at panlabas na kawalan ng pagkilos. Ngunit ito ay isang tiyak na hindi pagkilos; ang panlabas na katigasan ay bunga ng labis na aktibidad ng panloob na buhay.

Binuo ni Maeterlinck ang kanyang mga dramatikong gawa sa paraang literal na naglalaban ang salita at katahimikan para sa pagkakaroon ng tunay na kahulugan. Ang mga pag-uulit at kumplikadong ritmikong istruktura ng mga pahayag ng mga tauhan ay nakakatulong sa paglitaw ng isang mood na hindi direktang nauugnay sa mga nangyayaring kaganapan; mayroon silang sariling marka, kanilang sariling lohika ng pag-unlad.

Ang musika at ritmo ng dramatikong istraktura ay katangian din ng istilo ni Chekhov. Si Chekhov ay may mas makulay na larawan ng relasyon sa pagitan ng "layunin" at "subjective" na oras. Bagaman sa kanya, tulad ng sa Maeterlinck, ang isang paghinto ay nangyayari sa mga huling sandali ng pagbabago ng mood, ito ay madalas na hindi inaasahan, walang simetriko, na parang hindi ito isang pagpapatuloy ng maindayog na pag-unlad na nauna dito. Ang pag-pause ni Chekhov ay hindi kahit na palaging psychologically motivated - sa anumang kaso, ang gayong pagganyak ay hindi namamalagi sa ibabaw ng kahulugan. Ang mga paghinto ni Chekhov ay mga sandali kapag ang undercurrent ng dula ay nalantad at nagiging nakikita, na nagbibigay sa manonood ng pagkakataong magtanong: ano ba talaga ang nangyari? - ngunit hindi nag-iiwan ng oras para sa isang sagot. Ang katahimikan sa Chekhov, tulad ng sa Maeterlinck, ay nagiging isang independiyenteng matalinghagang yunit; ito ay - sa halip katahimikan, mahiwagang pagmamaliit. Ito ang 5 pause sa dula ni Treplev o isang tunog na pause na nagtatapos sa "isang malayong tunog, na parang mula sa langit, ang tunog ng isang putol na string, kumukupas, malungkot." Ang intensity ng tunog, ang maindayog na paghahalili ng malakas at tahimik na mga eksena ay nagsisilbing paraan ng aktibong pag-impluwensya sa manonood. Kaya, Act 4 ng "The Cherry Orchard", na nailalarawan sa pamamagitan ng isang pinabilis na ritmo (ang may-akda ay naglaan ng 20-30 minuto para sa buong aksyon, sapat lamang para sa mga character na sumakay ng tren) ay nagtatapos sa isang tahimik na eksena ng kalungkutan ni Firs at, Sa wakas, "mumula ang katahimikan, at maririnig mo lang kung gaano kalayo sa hardin ang kanilang katok sa kahoy gamit ang palakol."

Kaya, ang paglikha ng isang "pangalawang katotohanan" sa teatro, ayon sa mga espesyal na batas nito, na may espesyal na espasyo at oras, ay mga kinakailangang sandali sa paglikha ng isang espesyal na mundo na nabubuhay sa sarili nitong buhay, kung saan inaanyayahan ang manonood. Ang mundong ito ay hindi nangangahulugang inilaan para sa simple, pasibo at walang kaluluwang "pagkonsumo", isang walang malasakit na presensya sa isang dula - hindi, ito ay nilikha upang maakit ang espiritu at kaluluwa ng isang tao sa co-creation, sa paggawa, sa paglikha .

Ang simula ng isang theatrical performance

... Sa loob ng dalawang oras ay magiging mas mabait ka,

Magpasya ang "maging o hindi maging" pabor sa "maging",

Kaya't, nang walang pagsisisi sa huli,

Umuwi ka at kalimutan ang lahat sa impyerno...

A. Makarevich

Noong ika-19 - ika-20 siglo, sa pag-unlad ng makataong pananaliksik, kritisismo sa sining, iba't ibang larangan ng estetika at pilosopiya ng sining, maraming mga teorya ang nalikha at maraming iba't ibang pananaw ang nabuo sa kakanyahan ng sining, kabilang ang teatro at dramatikong sining. Lahat sila ay nag-aambag sa modernong pag-unawa sa pagkamalikhain at sining. Ang isa sa mga teoryang ito ay iminungkahi ni F. Schiller (ika-2 kalahati ng ika-18 siglo), isang Aleman na makata, kritiko at teorista ng sining. Ang isa sa mga sentral na konsepto ng aesthetics ni Schiller ay ang paglalaro bilang isang libreng paghahayag ng mahahalagang kapangyarihan ng isang tao, bilang isang gawa kung saan iginiit ng isang tao ang kanyang sarili bilang lumikha ng isang realidad ng isang mas mataas na pagkakasunud-sunod, iyon ay, aesthetic na katotohanan. Ito ay ang pagnanais para sa paglalaro na pinagbabatayan ng lahat ng artistikong pagkamalikhain.

Noong ikadalawampung siglo, ipinakita ng mga nag-iisip tulad nina Huizinga, Gadamer, Fink na ang isang tao ay naglalaro hindi dahil sa may iba't ibang laro sa kanyang kultura, sa lipunang nakapaligid sa kanya, kundi dahil ang prinsipyo ng paglalaro ay nakasalalay sa pinakabuod ng tao, sa kanyang kalikasan. Ang mahalaga dito ay ang mga aspeto ng laro tulad ng di-utilitarian na kalikasan nito, ang malayang aktibidad ng mahahalagang pwersa at kakayahan ng isang tao, aktibidad na hindi naghahabol ng anumang layunin sa labas ng laro mismo, at ipinapalagay ang pagkakaroon ng ibang paksa (kahit isang maliit na batang babae, nakikipaglaro sa kanyang manika, halili na "boses" ng iba't ibang mga tungkulin - mga ina, anak na babae...).

"Ang laro ay isang anyo ng pagkilos o pakikipag-ugnayan ng tao kung saan ang isang tao ay lumalampas sa kanyang normal na mga tungkulin o ang utilitarian na paggamit ng mga bagay. Ang layunin ng laro ay hindi sa labas nito, ngunit sa pagpapanatili ng sarili nitong proseso, ang mga likas na interes nito, ang mga patakaran ng pakikipag-ugnayan... Ang laro ay karaniwang ikinukumpara sa: a) seryosong pag-uugali at b) utilitarian na aksyon sa isang bagay o pakikipag-ugnayan kasama ng ibang tao” Modern Philosophical Dictionary. M.; Bishkek; Ekaterinburg, 1996. P. 193.. Sa kapasidad na ito na ang laro ay palaging naroroon sa isang pagtatanghal sa teatro.

Ang mahahalagang katangian ng larong ito ay nagbibigay-daan sa isang tao na makahanap ng ganap na kalayaan sa laro: ang laro ay kinabibilangan, kinasasangkutan ng pagbabagong katotohanan, at ang isang tao, habang naglalaro, ay maaaring malayang makakagawa. pumili isang uri ng pag-iral o iba pa. Ang laro, samakatuwid, ay tila isang uri ng tugatog ng pagkakaroon ng tao. Bakit?

Ang manlalaro ay hindi lamang nakikita ang kanyang sarili mula sa labas, ipinapakita niya ang kanyang sarili - ngunit "ang kanyang ibang sarili." "Kinukumpleto" niya ang kanyang sarili sa panahon ng laro. Nangangahulugan ito na siya ay nagbago, nagiging iba sa paglikha at paglalaro ng imahe. Habang naglalaro, ang isang tao ay may kamalayan sa kanyang imahe, tinatrato at tinutugunan ang kanyang sarili bilang isang misteryo, bilang isang bagay na hindi kilala, at nagbubukas at naghahayag ng kanyang sarili bilang isang tao. Ito ay isa sa mga pangunahing semantikong sandali ng laro at, siyempre, isa sa mga aesthetic na facet nito. Kailangan bang linawin na lahat ng sinabi ay direkta at direktang nauugnay sa theatrical acting, sa kung ano ang ginagawa ng aktor sa entablado.

Ito ay ang makasagisag na katangian ng pag-arte na ginagawang makita ng manonood ang aktor mismo, at samakatuwid ay "ang kanyang presensya at hindi presensya na may kaugnayan sa kung ano ang inilalarawan" Berlyand I. E. Play bilang isang kababalaghan ng kamalayan. Kemerovo, 1992. P. 19.. Ang makasagisag na katangian ng laro, na nagbibigay ng kamalayan sa mga kombensiyon, ang "hitsura" ng aksyon ng laro, ay nagbi-bifurcate sa kamalayan ng manlalaro, na ginagawa siyang bukas at sarado. Ang katalinuhan ay nagpapakita ng mithiin ng kamalayan ng manlalaro na naglalaro para sa kanyang sarili, at, dahil dito, ang kanyang panloob na diyalogo.

Sa proseso ng pagbuo ng kamalayan ng isang mature na personalidad at (dahil ito ay isang layunin na proseso na hindi maiiwasang nag-iiwan ng isang imprint sa parehong kamalayan at psyche) ang physiological maturation ng katawan laban sa background ng mga ideyalisasyon ng kabataan at romantikong adhikain na sumasalungat sa beto ng magulang at bawal sa lipunan, ang aktor ay nakita ng may-akda bilang isang uri ng manlilikha. Ang isang manlilikha na hindi lamang nagsilang ng kanyang sarili, ay lumalaki (literal na lumalaki, tulad ng isang reptilya na nagpapalaki ng bagong balat bago naglalaglag ng luma) ang kanyang mga imahe at binabago ang mga ito sa kanyang sariling kapritso. Sa pamamagitan ng kanyang alindog, ilang kakaibang mahiwagang enerhiya, naiimpluwensyahan niya ang isip, mood, at damdamin ng madla. Ito ay halos hipnosis, isang pagmamanipula kung saan ang manonood ay sumusuko nang may kamalayan at ganap na kusang-loob. Ang pagkakataon, sa isang banda, na mamuhay ng maraming buhay, at sa kabilang banda, ang magkaroon ng karapatan sa atensyon ng isang malaking bilang ng mga tao, ay tila walang katapusang kaakit-akit sa may-akda.

Parehong mukhang kaakit-akit sa may-akda ngayon, pagkatapos ng maraming taon ng serbisyo sa Amateur Theater. Dahil sa pagkakasangkot na ito ng may-akda sa teatro, tila may sanggunian sa panahon ng pananaliksik sa personal na karanasang masining. Marahil ang mambabasa ay magkakaroon ng isang katanungan tungkol sa legalidad ng naturang sanggunian dahil sa katotohanan na ang may-akda ay nakikipag-usap sa amateur, at hindi akademiko, propesyonal na teatro. Dalawang puntos ang dapat gawin upang bigyang-katwiran ang posibilidad na ito.

Una, sumangguni tayo sa direktor na si M. Zakharov, na may karanasan sa pagtatrabaho sa mga amateur, una sa Perm State University, at kalaunan sa student theater ng Moscow State University. Sa huli ay inilaan niya ang isang buong kabanata, "Militant Amateurs," sa kanyang aklat na "Contacts at Different Levels," kung saan lubos niyang pinuri ang kababalaghan ng amateur na teatro at, bukod dito, ang kontribusyon nito sa pag-unlad ng teatro sa pangkalahatan. Ipakita natin dito ang isang medyo malaking sipi, na malinaw na naglalarawan ng kahalagahan ng Student Theatre sa kultural na sitwasyon ng Moscow noong 60s at kung saan ang isang pagtatangka ay ginawa upang ipakita ang kababalaghan ng amateurism sa sining. "Ang Bahay ng Kultura sa Herzen Street, na hindi inaasahan para sa maraming hindi pa nakikilala, ay biglang naging lugar kung saan ipinanganak ang mga bagong ideya sa teatro noong dekada 60. Bilang karagdagan sa Student Theater, isa pang student amateur group ang nagsimulang gumana sa silid na ito - ang variety studio na "Our Home". Ang nasabing dobleng suntok sa pamamagitan ng mga pagsisikap ng "militante" na mga amateur ay lumikha ng isang espesyal na malikhaing sitwasyon sa maliit na club, na naging paksa ng malapit na interes ng lahat ng mga tunay na connoisseurs ng theatrical art at maraming mga manonood. ...Gayunpaman, bakit ang mga "militanteng" amateur na ito ay lumikha ng isang napakalakas at matatag na sentro ng kultura ng teatro?" At eto ang sagot niya. "Dahil sa aming pangkalahatang mapanghamak na saloobin sa amateur, ito ay nagkakahalaga ng pagbibigay-diin na ang isang baguhan na umabot sa isang mataas na antas ng intelektwal, na nagtataglay ng pagka-orihinal ng tao, ay maaaring magpakita ng mga katangian na hindi maaaring makamit ng ibang matagumpay na mga propesyonal. Si G.A. Tovstonogov, na pinag-uusapan ang Treplev, ang bayani ng "The Seagull" ni Chekhov, ay nakakumbinsi na pinatunayan na ang mga "nihilists" tulad ng Treplev, mga subverters ng karaniwang tinatanggap na mga pamantayan sa sining, ay kinakailangan para sa lipunan kahit na sila mismo ay nakakaalam ng kaunti at mas mababa sa propesyonalismo na Trigorin. ...Ang mga amateur ay malayang tao, hindi nabibigatan ng espesyal na kaalaman, hindi sila nanganganib ng anuman, isang tiyak na iresponsableng tapang ang gumagala sa loob nila. Ito ay humahantong sa kanila sa mga insight, na lumalampas sa isang makatwirang makabuluhang paghahanap.” Zakharov M. Contacts sa iba't ibang antas. M., 1988. S. 37 - 45..

Ang pangalawang argumento na pabor sa pagiging angkop ng pagbaling sa karanasan ng isang baguhang artista sa teatro ay maaaring ang sumusunod na pagsasaalang-alang. Ang mismong kahulugan ng "amateur" ay naglalaman ng isang napakahalagang punto. Sa kaibahan sa karaniwang pagsalungat na "amateur - propesyonal", tila ang isang mas malalim na kahulugan, mahalaga para sa pag-unawa sa kababalaghan, ay nakatago sa etimolohiya ng salita mismo. Ang amateur na teatro ay isang teatro kung saan gumaganap ang mga tao, na hinihimok ng pag-ibig para dito; hindi sila kumikita ng kanilang pang-araw-araw na tinapay sa ganitong paraan, pumunta sila sa entablado para lamang sa gawa ng pagkamalikhain mismo. Samakatuwid, ang amateur na teatro, kasama ang propesyonal na teatro, ay tunay na teatro, na nangangahulugang maaari din itong isaalang-alang sa konteksto ng paksang "Aesthetics of Theatre."

Kaya, ang kamalayan ng manlalaro ay aktibong diyalogo. Ipinapalagay nito ang isang paksa na may kakayahang humiwalay sa kanyang sarili - samakatuwid, ipinapalagay nito ang presensya, kumbaga, ng dalawang kamalayan "sa loob ng isa." Samakatuwid, ang pag-arte ay parang isang aktor na "tinatapos" ang kanyang sarili, ang kanyang pagkatao. Sa panahon ng pagganap ng isang papel, tinatrato ng aktor ang kanyang sarili bilang Iba (sa ikalawang kabanata ng trabaho ay titingnan natin kung paano naunawaan at ipinahayag ng iba't ibang mga innovator sa teatro, bawat isa sa kanyang sariling paraan, bawat isa sa loob ng balangkas ng kanyang pagtuturo tungkol sa sining ng teatro. , itong posisyon). Ito ang tiyak na pinag-isang prinsipyo ng mga umiiral na sitwasyon ng paglalaro at diyalogo.

Ang kahanga-hangang may-akda ng mga dula, theater figure at innovator na si B. Brecht ay nagsabi sa pagtatapos ng kanyang buhay na ang tunay na teatro ay dapat na walang muwang. Ipinaliwanag niya na ang pagtatanghal ng isang dula ay isang anyo ng pag-arte, na ang panonood ng isang dula ay nangangahulugan din ng paglalaro. Hindi nagkataon lamang na sa maraming wika ang parehong salita ay ginagamit upang tukuyin ang isang dula at laro. Tingnan ang: Brook P. Empty Space. M., 1976. P. 132..

Habang naglalaro, ang mga theatrical figure (direktor, aktor, artista, kompositor) ay lumikha ng kakaibang sitwasyon ng diyalogo. Nililikha at nililinang nila ang panahunan na ito, ang espasyo ng pakikipag-ugnayan. Isang himala ang nangyayari sa bawat oras - sa tuwing makikisali ang madla sa diyalogo at larong ito, pinamumuhay ang partikular na bahagi ng kanilang buhay sa isang espesyal na paraan.

Ang isyu ng espasyo at oras sa entablado ay maliit na nabuo sa dalubhasang panitikan tungkol sa dramatikong teatro. Gayunpaman, walang sinumang iskolar o kritiko sa teatro na nagsusuri ng mga modernong gawa sa teatro ang magagawa nang hindi lumingon sa kanila.

Bukod dito, mahirap iwasan ito sa modernong pagsasanay sa direktoryo. Tulad ng para sa pampanitikan na teatro ngayon, ito ay isang pangunahing katanungan. Susubukan naming balangkasin ang pinaka-halatang mga pattern na nagpapakilala sa mga genre ng modernong pampanitikan at patula na teatro.

Sa mga nakaraang kabanata, nagkaroon na ng pag-uusap tungkol sa espasyo sa entablado bilang mahalagang materyal ng sining sa mga tiyak na anyo at genre ng literary theater.

Binibigyang-diin namin na ang isa sa mga pundasyon ng teatrical na wika sa pangkalahatan at ang wika ng pampanitikan at patula na teatro sa partikular ay pagtitiyak ng masining na espasyo ng entablado. Siya ang nagtatakda ng uri at sukat ng theatrical convention. Ang artistikong espasyo, bilang isang makasagisag na embodiment ng living space, tulad ng anumang imahe, ay nakikilala sa pamamagitan ng mataas na simbolikong saturation, iyon ay, semantic ambiguity.

Naaalala ko ang mga salita ng sikat na modernong teorista ng makatang sining na si Yu. Lotman, na wastong binanggit na ang lahat ng bagay na nagtatapos sa entablado ay may posibilidad na mapuno ng karagdagang kahulugan, bilang karagdagan sa direktang functional na layunin ng bagay o phenomenon. At pagkatapos ang kilusan ay hindi na lamang isang kilusan, ngunit isang kilos - sikolohikal, simboliko; at ang isang bagay ay isang graphic o pictorial na detalye, isang detalye ng disenyo, isang costume - isang imahe na nagdadala ng isang multidimensional na kahulugan. Ang tampok na ito ng entablado ang nasa isip ni Goethe nang sagutin niya ang tanong ni Eckermann: "Ano ba dapat ang isang gawa upang maging stagecraft?" - "Dapat itong maging simboliko."

Si B. Brecht ay may katulad na bagay sa isip nang mapansin niya na sa buhay ang mga tao ay hindi masyadong gumagalaw, hindi sila nagbabago ng mga posisyon hangga't hindi nagbabago ang sitwasyon. Sa teatro, kahit na mas madalas kaysa sa buhay, kinakailangan na baguhin ang sitwasyon: "... sa entablado na sagisag, ang mga phenomena ay dapat alisin sa random, hindi gaanong mahalaga. Kung hindi, magkakaroon ng tunay na inflation sa lahat ng paggalaw at mawawalan ng kahulugan ang lahat."

Ito ang likas na katangian ng puwang sa entablado na inilatag ni Pushkin bilang batayan para sa "kondisyon na hindi maaaring mangyari" ng wika ng entablado.

Sa mga draft ng paunang salita sa "Boris Godunov," isinulat niya: "...Hindi banggitin ang oras at iba pa, ano ang maaaring magkaroon ng kredibilidad sa isang bulwagan na nahahati sa dalawang halves, kung saan ang isa ay upuan ng dalawang libong tao, parang invisible ng mga nasa stage..."

Ang kalabuan sa entablado ng isang salita, gawa, galaw, kilos na may kaugnayan sa isang katulad sa buhay ay dahil sa pangunahing batas ng entablado - ang duality ng kalikasan ng addressee. Ang isang interaksyon ng mga phenomena at mga tao ay lumitaw. Ang kanilang mga talumpati ay sabay-sabay na tinutugunan sa isa't isa at sa publiko, ang madla.

"Ang kalahok sa aksyon ay maaaring hindi alam kung ano ang bumubuo sa nilalaman ng naunang eksena, ngunit alam ito ng madla. Ang manonood, tulad ng kalahok sa aksyon, ay hindi alam ang hinaharap na takbo ng mga kaganapan, ngunit hindi katulad niya, alam niya ang lahat ng nauna rito. Laging mas mataas ang kaalaman ng manonood kaysa sa karakter. Ang maaaring hindi pansinin ng kalahok sa aksyon ay isang senyas na puno ng kahulugan para sa manonood. Ang panyo ni Desdemona para kay Othello ay katibayan ng kanyang pagkakanulo, para sa kanyang kapareha ito ay simbolo ng panlilinlang ni Iago."

Lahat ng bagay na nahuhulog sa orbit ng espasyo ng entablado ay nakakakuha ng maraming kahulugan para sa isa pang dahilan. Nakikipag-ugnayan ang acting actor sa audience. Ang pagpapadala doon ng mental, volitional, emosyonal na impulses, paggising sa malikhaing imahinasyon ng manonood, nakikita ng aktor ang mga signal ng tugon na nagmumula sa kanya (ipinahayag sa iba't ibang uri ng mga reaksyon - katahimikan, nakamamatay na panahunan na katahimikan, mga palatandaan ng pag-apruba o galit, pagtawa, ngiti , atbp.). Ang lahat ng ito ay nagdidikta ng improvisational na kalikasan ng pagkakaroon nito, ang pagtuklas ng mga bagong semantic accent na natuklasan nang eksakto ngayon sa pakikipag-ugnay sa auditorium na ito. Hindi kasama sa artistikong espasyo ng entablado, ang aktor, mga bagay, at aksyon ay nahuhulog sa larangan ng theatrical vision.

Kaya nakikilahok ang espasyo sa paglikha ng buong istraktura ng panoorin, ang mga indibidwal na link at episode nito. Nakakaranas ng mga pagbabago at pakikipag-ugnayan sa yugto ng oras, tinutukoy nito ang pagbuo ng pagkakasunud-sunod ng video sa entablado, ang husay at semantikong pagpapayaman nito.

Ang oras ng entablado ay isang masining na pagmuni-muni ng real time. Ang oras ng entablado sa mga kondisyon ng espasyo ng entablado ay maaaring katumbas ng totoong oras, ituon ito, o palawakin ang sandali hanggang sa kawalang-hanggan.

Sa ilalim ng mga kundisyong ito, ang entablado na salita, lalo na ang patula na salita, bagama't malapit sa tunay na kolokyal na pananalita, ay walang hanggan na lumalampas sa semantikong kayamanan nito na magkakaroon ng mga katulad na pahayag sa isang sitwasyon sa buhay. Ang pagkakaroon ng nakuha ng isang panloob na aksyon, subtext, ito ay maaaring hindi nag-tutugma sa kung ano ang sinabi, ang direktang layunin nito, o direktang kabaligtaran dito, na nakakakuha ng simbolikong interpretasyon.

Ang isa sa pinakamahalagang tungkulin ng espasyo sa modernong teatro sa panitikan at sa mga pagtatanghal ng patula na pagtatanghal ay upang ipakita ang visibility at tangibility ng proseso ng pag-iisip sa entablado. Ito ay lalong mahalaga sa mga istruktura ng montage, kung saan ang pag-unlad ng paghahambing, pagkalito ng mga katotohanan, argumento, matalinghagang pagkakatulad, at mga asosasyon ay dapat makita. Sa akdang "I Write with Fire" (García Lorca), kailangan ang iba't ibang mga punto ng espasyo sa entablado upang malinaw na maihambing ang dokumento-kuwento ng pagkamatay ng makata at ang kanyang mga tula na may pakiramdam ng pagkabalisa, isang hula ng mga kaguluhan sa mukha ng “black gendarmerie”. Kinakailangan na hatiin ang mga seksyon ng entablado sa paraang at bumuo ng mga paglipat sa pagitan nila upang maihayag ang paglipat ng artist mula sa isang genre ng pag-iisip patungo sa isa pa (pagmumuni-muni sa liriko na taludtod, pagbabasa ng isang dokumento, isang fragment ng pagsasalita ng isang makata, kanyang mga artikulo, atbp.). Ang bawat isa sa kanila ay naiiba sa paraan ng pagkakaroon ng entablado, ang likas na katangian ng komunikasyon sa madla. Bilang karagdagan, ang site ay may sariling "mga zone ng katahimikan", ang personal na presensya ng artist, isang tao mula ngayon, na nagtatatag ng isang direktang koneksyon sa mga nakaupo sa bulwagan. Sa madaling salita, ang espasyo ay nagiging isang paraan ng pagsisiwalat ng relasyon ng gumaganap sa may-akda, sa sitwasyon, isang paraan ng paghahatid ng subtext at panloob na aksyon.

Sa loob ng mga genre ng pag-iisip na tumutugma sa mga uri ng mga tekstong pampanitikan, kapag itinanghal, ang kanilang sariling tiyak, spatial na visual na pagkakasunod-sunod ay ipinahayag. Ito ay lumitaw bilang isang resulta ng dramaturgy sa entablado ng relasyon sa pagitan ng tagapalabas at ng mga bagay ng mga pangitain, addressees, apela, kabilang ang madla. Sa ilang mga akdang pampanitikan, na pinagsasama ang isang sandali ng kasalukuyang pag-iral ng isang bayani, isang liriko na paksa na may memorya ng isang nakaraang karanasan na nagbubunga ng sikolohikal na pagbabalik-tanaw, ang bilang ng mga bagay ng pangitain ay tumataas. Dapat na nakabalangkas ang mga ito nang naaayon, ipinahiwatig sa espasyo ng entablado ayon sa lokasyon, gamit ang paggalaw, kilos, paglipat ng tingin.

Halimbawa, ang tula ni V. Mayakovsky na "Tamara and the Demon". Kasama ito sa programang pampanitikan - "V. Mayakovsky "Tungkol sa oras at tungkol sa aking sarili" (Leningrad, Volodarsky Palace of Culture).

Ano ang mga bagay ng pangitain dito? Ito ang mismong makata na may pagsisiyasat, lumingon sa kanyang sarili. Ito ang Terek, na noong una ay nagdulot sa kanya ng matinding galit at lumapit siya sa kanya upang tiyakin na tama ang kanyang mga pagtatasa, ngunit mahigpit niyang babaguhin ang mga ito, ito ang mga bundok, at ang tore, at si Reyna Tamara. Ang pakikipag-ugnayan, pag-uusap, pag-iibigan ay lilitaw sa kanya. At sa wakas, si Lermontov, na "bumaba, hinahamak ang mga panahon," upang pagpalain ang unyon ng dalawang puso ng mga kinatawan ng liriko na tula ng ika-19 at ika-20 siglo, mga klasiko at modernidad.

Upang makabuo ng isang nakikitang koneksyon sa pagitan ng mga bagay ng pangitain sa kalawakan, ang pagbabago ng mga bagay na ito sa oras - ay nagbibigay na ng pagkakataong magsagawa ng aksyon, ang pag-unlad ng pag-iisip at ang imaheng dadalhin sa laman.

Sa pampanitikan na teatro, hindi tulad ng dramatikong teatro, tulad ng nabanggit na, tayo ay nakikitungo sa isang walang laman na yugto. Ang artistikong tela ng pagganap ay nilikha sa tulong ng ilang mga upuan (o isa), mga bagay kung saan ang gumaganap na aktor ay pumasok sa isang relasyon.

Ang isa sa mga mahalagang tungkulin ng espasyo sa entablado, kabilang ang walang laman na espasyo, ay upang maisama ang eksena ng aksyon. Ito ay kilala na sa teatro ng tula ni Shakespeare na "Globe" ang lugar ng aksyon ay ipinahiwatig sa entablado sa pamamagitan ng isang palatandaan, at kapag nagbago ito, isang bagong tanda ang nakabitin. Sa modernong pampanitikan na teatro, ang manonood ay nakasanayan na sa ibang antas ng kombensiyon. Ang pagbabago ng mga lokasyon ng aksyon ay itinalaga sa isang partikular na sistema ng mga episode.

Halimbawa, sa sandaling si A. Kuznetsova ay tumawid ng ilang hakbang sa entablado sa kanyang solong pagganap na "Faust," siya ay dinala mula sa opisina ni Faust patungo sa isa pang eksena ng aksyon - sa hardin sa bahay ni Margarita, sa bilangguan, sa mga mangkukulam. Sabbath, atbp.

O sa one-man show na "François Villon" (performer E. Pokramovich), apat na sphere at lugar ng aksyon ang sabay-sabay na ipinakita sa entablado: isang bilangguan kung saan ang bayani ay paulit-ulit na nagtatapos (sa piano sa kaliwa sa gitnang lupa) , isang templo - ito ay ipinahiwatig ng isang krusipiho sa background sa gitna ng entablado, tavern - sa kanan sa isang upuan na may sumbrero ng babae at, sa wakas, plein air (sa gitna ng entablado, gitna, foreground, proscenium) - paglilinis ng kagubatan, kalye, parisukat, libingan ni Villon. Ang paglipat ay nangyayari sa harap ng madla. Ang pagbabago ng eksena ay tumutugma sa isang bagong yugto, na ipinanganak sa kurso ng pagbuo ng dula sa entablado, na ginawa batay sa mga tula ng makata, ang Maliit at Malaking Tipan. Ang espasyo sa entablado, kaya nakakaranas ng mga pagbabago, ay nakikilahok sa pagbabago ng mga iminungkahing pangyayari, na nangangailangan ng mga pagbabago sa pag-uugali ng aktor.

Si S. Yursky ay nagbabayad ng malaking pansin sa kanyang mga gawa sa solusyon ng espasyo sa entablado. "Ang espasyo ay palaging malabo para sa akin. Ito ang tunay na espasyo ng may-akda na ngayon ay nasa entablado - ang awtor na aking ginagampanan. Para sa kanya, lahat ng bagay ay sapat sa kanilang sarili - mesa, upuan, backstage, entablado, madla. Ngunit ang totoong espasyong ito ay maaari at dapat na maging ang imaginary space ng plot niya, fantasy niya, memories niya(akin ang italiko.- D.K.). At pagkatapos ang dalawang upuan ay isang pinto, o isang bangko, o dalawang bangko, o... Ang sahig ng entablado ay isang bukid, isang bulwagan ng palasyo, at isang hardin na namumulaklak.”

Binigyang-diin ng aktor na ang lahat ng pinagpapantasyahan at binago ng gumaganap ay dapat na kapani-paniwala para sa manonood upang maniwala siya sa haka-haka na katotohanang ito. Ipinakita niya kung paano sa Count Nulin, sa tulong ng mga upuan, itinanghal niya ang aksyon sa entablado sa kalawakan: “Ilalagay ko ang upuan na nakatalikod sa madla, uupo at sasandal sa likod gamit ang aking mga siko, at titingin sa pinakamalayong punto ng bulwagan, sa pulang ilaw sa itaas ng exit - at ito ay hindi na isang upuan, ngunit isang window sill. Ang mga salita, hitsura, ritmo ay tutulong sa iyo na hulaan ang bintana sa itaas ng windowsill at ang tanawin sa labas ng bintana” 2.

Ang mga halimbawa ng paggamit ng dalawang upuan sa mga pagtatanghal sa panitikan ng dalawang aktor batay sa mga gawa nina N. Gogol at M. Zoshchenko ay naibigay na.

Sa Manon Lescaut, ang mga upuan ay nakikilahok din sa pagbabago ng espasyo, sa pagbuo ng mise-en-scène. Nakalagay sa ilang distansya mula sa bawat isa (gilid patungo sa viewer) ay ang silid at bahay ng Manon at des Grieux. Ang mga upuan na pinagdikit-dikit ay kumakatawan sa isang karwahe kung saan makakahanap si des Grieux ng isang batang babae na may sulat mula kay Manon, atbp.

Ang misteryo ng agarang pagbabago ng entablado sa isang kagubatan, isang larangan ng digmaan, isang palasyo, isang barko, hindi lamang sa pagganap ng artista, kundi pati na rin sa imahinasyon ng madla, ay madaling ibinigay sa teatro ni Shakespeare, na nagtataglay ng magic ng theatrical metamorphosis. Mula noon, ang teatro ay nabuhay nang mahabang panahon, nakararanas ng mga panahon ng pag-renew ng mga anyo ng entablado, lumayo sa tula at dumarating sa pagdodoble ng realidad, verisimilitude, at muling bumabalik sa "kondisyon na imposible."

Ang pagbabago ng espasyo ay isa sa mga nagawa ng modernong yugto ng wika, na pinayaman hindi lamang ng mga pagbabago sa teknolohiya ng pag-arte at pagsilang ng mga bagong anyo ng drama, kundi pati na rin sa paraan ng espasyo at oras na naging materyal ng sining.

At narito, mahalagang tandaan para sa paksa na interesado sa amin ang mga pagbabagong punto na nauugnay sa reporma ng espasyo sa entablado. Ito ay higit na tinutukoy ng pakikibaka laban sa naturalismo sa entablado, na nauugnay sa copyistic, detalyadong pagpaparami sa yugto ng pang-araw-araw at panlipunang sitwasyon na nakapalibot sa isang tao. Ang tao mismo kasama ang kanyang espirituwal na mundo ay na-relegated sa background. Ang magandang espasyo ng mga naturalista ay nagiging pang-araw-araw na buhay at nawawala ang simbolikong kayamanan nito. Pagkatapos ng lahat, ang isang kopya ay palaging mas mababa sa isang metapora sa konsentrasyon ng kahulugan. Pinapalitan ng huli ang imbentaryo ng pagtukoy ng mga katangian ng kapaligiran. Ang sentro ng atensyon sa entablado ay nagiging isang hindi gumagalaw na larawan ng isang "cut-out from life" o "slice of life". Ang komposisyon ng entablado ay batay sa pagsasara ng espasyo. Ang paggalaw ng oras - lohikal na pare-pareho - ay muling ginawa sa pamamagitan ng pagbabago ng mga larawan.

Tinatanggal ang mga naturalistikong tendensya ng kanyang mga unang produksyon, si K. S. Stanislavsky ay bumaling sa muling pagsasaalang-alang sa mga pag-andar ng espasyo sa entablado. Nang hindi ibinubukod ang kahalagahan ng kapaligiran, ang pagpapalalim ng diyalektikong ugnayan sa pagitan ng mga karakter at mga pangyayari, ang dakilang repormador ng entablado, gayunpaman, ay nag-aalis sa kapaligiran ng fatalistic na puwersa na pumipigil sa personalidad. Ang isang tao ay hindi pinagkakaitan ng espirituwal na pagpapasya sa sarili. Ito ay hindi nagkataon na si Stanislavsky ay naglalagay ng "katotohanan ng buhay ng espiritu ng tao" bilang ang pagtukoy ng pormula.

Sa halip na isang "imbentaryo ng kapaligiran," pinatitibay ng direktor ang ideya ng pagsasalamin sa entablado ng ideolohikal at masining na konsepto ng realidad, ang "panloob na produksyon," na tumutukoy sa artistikong integridad ng pagtatanghal. Ang espasyo sa ganoong sitwasyon ay nakakakuha ng isang mahalagang pag-andar - ang interpretasyon ng buhay, mga relasyon, at hindi ang pagpaparami ng mga indibidwal na palatandaan ng katotohanan. Sa pagtatanghal ng poetically polysemantic drama ng A.P. Chekhov, ang espasyo ng entablado ni Stanislavsky ay nagkakaroon ng kapaligiran. Ito ay nabuo hindi lamang ng hangin, kalikasan na pumapasok sa entablado (sa "The Seagull" - isang mamasa-masa na hangin sa tagsibol, isang hardin sa baybayin ng lawa, mga croaking palaka, mga kaluskos, mga tunog ng gabi, atbp.), ngunit sa pamamagitan din ng paghahayag ng "undercurrent" ng dula, ang dula mismo ay intimate depth ng trabaho.

Isang bagong dialectic ng mga bahagi ng espasyo ang lumitaw. Ang malayang pagsasama ng malawak at malalalim na larangan ng panlabas at panloob na buhay ay ipinapalagay na ang komposisyon ng pagtatanghal ay lubhang organisado sa loob. Ang may-akda ay nagpakita ng kalayaan sa paglikha ng imahe, ngunit alinsunod sa pangkalahatang holistic na anyo ng pagganap, kasama ang konsepto ng direktor. Ang kayamanan ng panloob na buhay at ang pagkalikido nito sa pagganap ay humantong sa mga qualitative acquisition sa larangan ng yugto ng oras. Nakakuha ito ng pakiramdam ng hindi pangkaraniwang extension at kadaliang kumilos.

Ang isa pang mahalagang tagumpay ng K. S. Stanislavsky ay ang mga eksperimento sa larangan ng pagbabago ng espasyo sa entablado, na nauugnay sa paghahanap ng mga bagong anyo ng trahedya sa entablado.

Kaya, noong 1905, nang itanghal ang The Drama of Life, nag-eksperimento si Stanislavsky sa mga screen ng "tent", at sa "The Life of a Man" ni A. Andreeva ay gumamit siya ng itim na pelus at mga contour ng lubid sa halip na mga pang-araw-araw na kasangkapan.

Ang direktor ay naghahanap ng isang unibersal na "simpleng background" na maaaring mabago upang mas malinaw na isama sa entablado ang "trahedya ng espiritu ng tao." Kaya, ang mismong paksa ng sining - ang mga espiritwal na pakikibaka ng indibidwal - ay nangangailangan ng paghahanap ng mga anyo ng patula na espasyo. Ang pagsasanay nina G. Craig at K. S. Stanislavsky sa pagtatanghal ng trahedya ni Shakespeare na "Hamlet" ay humantong sa isang bagong yugto ng mga paghahanap. Tulad ng isinulat ng mga mananaliksik, ang karanasang ito ay mahalaga para sa buong kasaysayan ng teatro sa daigdig noong ika-20 siglo, lalo na ang mala-tula na teatro.

Sa produksyong ito, nabuo ang konsepto ng kinetic space at dynamic spatial metamorphoses. Ang mga ito ay ibinigay ng paggalaw ng mga patayong eroplano na gumagalaw sa entablado. Hindi sila naglalarawan ng anuman mula sa larangan ng konkretong pang-araw-araw na buhay, ngunit nagsilang ng "isang simbolo ng espasyo mismo, bilang isang pisikal at pilosopiko na kategorya." Bilang karagdagan, ang espasyo ni Craig ay naging isang pagpapahayag ng estado ng kaluluwa at ang paggalaw ng pag-iisip na ipinanganak ng trahedya na kamalayan.

Ang ideya nina Craig at Stanislavski sa Hamlet ay "lahat ng nangyayari sa entablado ay hindi hihigit sa isang projection ng tingin ni Hamlet." Ang trahedya ay naganap sa isip ng bayani. Ang lahat ng mga karakter ay bunga ng pagmuni-muni, personipikasyon ng kanyang mga iniisip, mga salita, mga alaala. Sa stage drama, talagang iminungkahi ang modelo ng lyrodrama. Upang ipahayag ang buhay ng espiritu ng tao, hindi ginamit nina Craig at Stanislavski ang mga tunay na pigura ng tao, ngunit sa kung saan ay walang laman at bagay - sa paggalaw ng espasyo mismo.

Si Craig ay nagbigay daan sa ideyang ito sa pamamagitan ng lahat ng kanyang nakaraang karanasan sa pagsasakatuparan ng mga tula ni Shakespeare. Sinikap ng direktor na ganap na palayain ang entablado mula sa mga kasangkapan, props, at mga bagay. Isang ganap na walang laman na yugto at ang agarang pagbabago nito sa tulong ng liwanag, tunog, at galaw ng aktor upang maipakita ang pag-unlad ng makatang pag-iisip at imahe. Nang maglaon, ang mga ideyang ito ay makakahanap ng pag-unlad sa pagsasanay ng pagdidirekta sa Europa, lalo na, ang makata, kompositor, direktor at artist na si E. Burian (kasama ang kanyang slogan na "Walisin ang entablado!") kapag nagtatanghal ng patula na pagtatanghal sa Prague Theater "D- 34", pati na rin sa mga eksperimento sa Sun. Meyerhold, Peter Brook, may-akda ng aklat na "Empty Space," at iba pa.

Ang dinamika, ang patula na kakanyahan ng espasyo, na nagbabago sa harap ng mga mata ng madla - lahat ito ay isang mahalagang tampok ng Vl. Yakhontov, na nagsalita ng wika ng metapora sa entablado. Sa kanyang mga pagtatanghal, ang functional o simbolikong paggalaw ng isa ngunit nagbabagong detalye ("paglalaro ng isang bagay") ay natanto, na sa kurso ng aksyon ay muling nagkatawang-tao, nakakuha ng isang bagong kahulugan (caravan, kabaong ni Pushkin, atbp.).

Sa ibang pagkakataon, ang isang katulad na prinsipyo ay makakahanap ng malawak na aplikasyon sa mga modernong patula na pagtatanghal - ang kurtina sa Hamlet, ang mga board sa paggawa ng "And the Dawns Here Are Quiet..." sa Taganka Theater, atbp. Ang mga eksperimento na may mala-tula na espasyo ay naging malapit na nauugnay sa kategorya ng yugto ng oras.

Ang landas na tinahak ng Hamlet nina Craig at Stanislavsky sa masakit na kamalayan sa kanyang tungkuling sibiko - upang isagawa ang paghihiganti sa ngalan ng hustisya, sa ngalan ng ikabubuti ng kanyang bansa - ipinapalagay na "luha sa spatial na tela" na nagaganap sa harap ng ang madla, na tumutugma sa mabilis na pagkawatak-watak ng panahon. Ito ay nagbigay-katwiran sa paikot (episode-by-episode) na istraktura ng trahedya.

Tulad ng naaalala natin, ang "Boris Godunov" ni Pushkin ay mayroon ding episodikong istraktura. Araw. Ibinigay ni Meyerhold ang malaking kahalagahan sa tempo-ritmo, ang oras na ginugol sa pagbabago ng mga yugto. At hindi nagkataon na ang patula na dramaturhiya at ang katumbas na anyo ng yugto ay sumasalamin sa kurso at dramaturhiya ng kaisipan ng may-akda. Ito ay lumitaw sa pamamagitan ng isang montage at paghahambing na serye ng mga katotohanan, kaganapan, metapora, phenomena, kadalasang hindi direktang nauugnay sa isa't isa. Napansin ni V. Belinsky sa isang pagkakataon na ang "Boris Godunov" ni A. Pushkin ay nagbibigay ng impresyon ng isang monumental na gawain, ngunit itinayo sa paraang ang mga indibidwal na piraso at eksena ay maaaring itanghal nang nakapag-iisa.

Ang huli ay maaaring maiugnay sa patula na teatro: "Ang isang masining na mensahe ay maaaring maipadala hindi lamang sa pamamagitan ng direktang wire ng balangkas, kundi pati na rin sa pamamagitan ng paghahambing ("montage") ng ilang mga makasagisag na paghihiwalay: metapora, simbolo..."

Sa isang patula na pagtatanghal, ang biglaan, tulad ng mga tuldok-tuldok na linya, mga piraso ng balangkas at mga linya ng pagsasalaysay, mga larawan ng mga tauhan, mga metapora sa entablado ay hindi nagtatapos sa kanilang mga sarili. Ang mga ito ay isang paraan para sa mga liriko na zone ng presensya ng lumikha ng pagganap. Ang lahat ng magkakahiwalay na mga fragment at mga yugto na hindi konektado sa unang tingin ay napapailalim hindi sa salaysay, ngunit sa patula na lohika ng mga koneksyon (tulad ng sa isang metapora - paghahambing, paghahalintulad, pag-uugnay na koneksyon). Ang dramaturhiya ng makatang kaisipan ng may-akda ay lumilitaw nang mas malinaw kung ang "mga frame sa pag-edit", ang mga elemento ng pagkakaisa, ay mas matindi at pabago-bagong nagbanggaan. Sa madaling salita, ang bilis at intensity ng prosesong ito ay may mahalagang papel.

Ang anumang uri ng pagkahilo, pagbagal, pagkapantay-pantay ng daloy ay maaaring humantong sa pagsugpo, paglabo, at pagkawatak-watak ng pag-iisip. Ang paghawak ng oras ng yugto at tempo-ritmo, na pumapasok sa direktang koneksyon sa kinetic space, ay nagiging mahalaga.

Sa mga pag-record ng mga pag-eensayo ng "Boris Godunov" sa Vs. Meyerhold, na ginawa ni V. Gromov, nakita namin ang maraming mahahalagang obserbasyon sa bagay na ito. Hinangad ng direktor na ibabad ang pagganap sa dynamics ng mise-en-scène, sari-saring ritmo, at ang bilis ng ipoipo ng pagkulo ng mga hilig, na pinipilit ang mga aktor na kumilos na parang nananalangin para sa higit pa: “... kailangan nating mabilis na magbigay lahat sa manonood para wala siyang oras na huminga. Sa halip, bigyan siya ng mga kaganapan sa pagtawid- at bilang resulta ay mauunawaan ng manonood ang kabuuan"(akin ang italiko - D.K.).

Ginagawa ng direktor ang kapanganakan ng kabuuan na direktang nakasalalay sa bilis ng "pagtawid ng mga kaganapan." Halimbawa, sinusubukang paikliin ang mga pahinga sa pagitan ng mga pagpipinta ng "Boris Godunov", naglalaan si Meyerhold ng hindi bababa sa labinlimang segundo lamang sa kanila. Nakahanap siya ng katwiran para sa bilis na ito sa teksto ni Pushkin, na mabilis, halos sa bilis ng cinematic, ay nagbibigay ng paglalahad ng trahedya.

Ang pattern na ipinakita sa bilis ng "pagtawid ng mga kaganapan" ay paulit-ulit na nakumpirma ng pagsasanay ng mga patula na pagtatanghal sa ating panahon. Sapat na isipin ang "King Lear" ni P. Brook, "Medea" ni P. Okhlopkov, "The Story of a Horse" ni G. Tovstonogov, "Comrade, Believe!", "Hamlet" ni Yu. Lyubimov. Ang kanilang pagtatayo ay nakikilala sa pamamagitan ng relief delineation ng mga yugto - mga yugto ng pagkilos sa entablado - panlabas at panloob na dinamiko, na may isang nasasalat na bilis ng pag-unlad.

Isang malaking papel sa tempo-rhythmic harmonization ng dula Vs. Si Meyerhold, tulad ng maraming mga direktor ng patula na pagtatanghal, ay naglalaan ng pansin sa mise-en-scène, na tinatawag itong "ang himig, ang ritmo ng mga pagtatanghal," isang makasagisag na sagisag ng mga katangian ng kung ano ang nangyayari.

Ang oras ng entablado ng isang modernong pagtatanghal sa panitikan, at lalo na ang isang pagtatanghal sa isang teatro ng tula, ay hindi maiiwasang kasama bilis- pagbabago ng bilis sa pagbuo ng episode, sa pag-uugali sa entablado ng mga karakter, sa mise-en-scenes at ritmo- ang antas ng intensity ng pagkilos, na tinutukoy ng intensity, ang bilang ng mga epektibong gawain na ipinatupad bawat yunit ng oras.

Araw. Si Meyerhold, na nangangalaga sa sukdulang pagkakatugma ng palabas at isinasaalang-alang ang direktor bilang isang kompositor, ay nagpapakilala ng kumbinasyon ng dalawang konsepto. ito - metro(bilangin ng 1,2 o 1,2,3), metric outline ng performance. AT ritmo- kung ano ang nagtagumpay sa balangkas na ito ay nagpapakilala ng mga nuances at komplikasyon na dulot ng panloob na linya ng aksyon, mga kaganapan, mga character. Nagtalaga siya ng isang malaking, rhythmically organizing role sa musika.

Sa parehong "Boris Godunov", bilang karagdagan sa mga piraso ng musikal na espesyal na isinulat para sa mga indibidwal na pelikula, plano niyang ipakilala ang ilang mga kanta ng isang oriental na karakter at Ruso. Ang kanilang pangunahing tema, gaya ng naalaala ni V. Gromov, ay "kalungkutan, ang kalungkutan ng isang malungkot na tao, na nawala sa gitna ng malawak na mga bukid at kagubatan." Dapat patugtugin ang mga kanta sa buong performance. Ang likas na katangian ng musika ay nagpapahiwatig na ito ay wala ng isang naglalarawang prinsipyo. Ang musika ay pumapasok sa mga kumplikadong kontrapuntal at nauugnay na koneksyon sa kung ano ang nangyayari sa entablado, nakikilahok sa dula sa entablado ng pagtatanghal, at nagdadala ng aura ng panahon - ang matalinghagang konsentrasyon nito.

Ang papel ng musika sa isang patula na pagtatanghal - ang paksang ito ay nararapat na espesyal na pagsasaalang-alang. Dapat sabihin na sa isang modernong pampanitikan at patula na pagtatanghal, ang musika ang pinakamahalagang bahagi ng komposisyon ng entablado, ang nilalaman ng semantiko nito, at ang pinagmulan ng mga karagdagang kahulugan.

Ang pag-on sa tema ng espasyo sa entablado sa isang mahalagang kalidad para sa amin - patula, dapat tandaan na ito ay higit na nabuo sa pamamagitan ng likas na katangian ng mga paggalaw at kaplastikan ng aktor.

Ang walang laman na espasyo, na napalaya mula sa mga bagay, ay hindi maaaring hindi tumutok sa atensyon ng manonood sa espirituwal na mundo ng indibidwal, ang kanyang panloob na buhay, na kumukuha ng mga plastik na anyo sa mise-en-scene ng proseso ng pag-iisip. Bawat galaw. aktor, kilos - random, hindi pinili o hiniram mula sa mga tula ng pang-araw-araw na teatro, lumalabas na mapanira kaugnay ng masining na kabuuan. Iyon ang dahilan kung bakit ang tanong ng plastik na kultura sa pampanitikan na teatro, sa teatro ng mga patula na pagtatanghal ngayon ay nagiging isa sa mga pinaka-pindot. Kung bumaling tayo sa amateur na eksena, kung gayon sa malalaking grupo ay binibigyan siya ng kanyang nararapat na lugar.

Kaya, sa Ivanovo Youth People's Theatre of Drama and Poetry, sa Oryol Theater Studio of Poetry and Journalism, kasama ang pagsasalita at pag-arte, ang mga klase ay gaganapin sa paggalaw at plastik na sining. Bukod dito, ang plastik na imahe ay gumaganap ng isang mahalagang papel sa patula na mga pagtatanghal sa teatro.

Nakikita namin na kawili-wili ang karanasan ni I. G. Vasiliev (Leningrad), na lumilikha ng isang modelo ng poetic theater (Karl Marx House of Culture) na may aktibong pakikilahok ng plastic arts at pantomime.

Ang unang karanasan - ang dulang "Pierrot's Requiem" - ay ganap na binuo gamit ang musikal at plastik na paraan. Nauuna ang mga akdang kabilang ang tuluyan at tula.

Ang materyal para sa "Pierrot's Requiem" ay ang tula ng parehong pangalan, na inilaan ng may-akda na si I. Vasiliev sa memorya ng kanyang guro. Ang pagtatanghal ay binuo sa isang polyphonic na kumbinasyon ng mga motif ng pagkamalikhain, pakikibaka, buhay at kamatayan, pinagsama ng tema ng Artist, ang kanyang mga saloobin na nauugnay sa mga trahedya na pagsubok. Sa sagisag ng sarili sa iba, sa pagpasa ng baton sa susunod na henerasyon - ang imortalidad ng malikhaing espiritu.

Ibinunyag ang landas ni Pierrot sa buhay at sining, ang kanyang pagdating sa teatro ng komedya, ang kanyang kakayahang ibahagi ang kanyang nalalaman at kayang gawin sa kanyang mga malikhaing kapatid, ang kanyang pakikibaka para sa karapatang mabuo, upang maganap, isang tunggalian sa mga puwersa ng kasamaan , ang mga lumikha ng dula ay bumaling sa synthesis ng iba't ibang sining - pag-arte, pantomime, koreograpia, sirko, awit, tula, musika. At ito ang kanilang pagiging malapit sa mga pinagmulan ng oral folk poetry, na hindi naghihiwalay sa drama, sayaw, kilos. Naghahanap para sa isang patula na katumbas ng relasyon ni Pierrot sa mundo, si I. Vasiliev ay gumagamit ng mga yugto ng klasikal na pantomime (ang muling pagkabuhay ng isang butterfly, ang pagsilang ng isang puno na may mga prutas) upang lumikha ng isang imahe ng sining, bumuo ng panoorin ng isang katutubong booth, isang teatro ng mga maskara.

Ang espirituwal na buhay ng mga tauhan, na naghahanap ng mga kontak ng tao at komunidad, ay sumasakop sa isang malaking lugar sa dula. Upang ipahayag ang globo na ito, ginagamit ang mga pamamaraan ng poetic gesture theater (pantomime) at plastic improvisation. Ang pinag-isang prinsipyo ay ang imahe ng isang makata, musikero, may-akda ng panoorin, gumaganap ng mga patula na stanza ng mga liriko na digression, piano, plauta at mga bahagi ng tambol (I. Vasiliev).

Ang pagganap ay spatially at rhythmically malinaw na nakaayos, halos ayon sa mga batas ng koreograpia, habang nakakamit ang organicity ng panloob na pag-uugali ng mga character.

Sa panahon ng pag-eensayo, bumuo ang direktor ng isang sistema ng mga pagsasanay sa pag-arte, sayaw, pantomime, at ritmo. Ang susunod na yugto sa buhay ng kolektibo ay ang pagsasama sa patula na representasyon ng salita - patula at prosaic, ang salita-gawa, ang salita-pagkumpisal, bumaling sa tula ng A. Tarkovsky, Russian at dayuhang mga klasiko. Isa pang landas patungo sa teatro ng tula.

Ang modernong pampanitikan na teatro ay hinahanap, Ito ay muling pagtuklas ng luma at bagong mga kontinente ng tula at tuluyan.

Ang pag-on sa mga akdang pampanitikan na may mataas na ideolohikal at artistikong kahalagahan, dinadala niya sa sining ang enerhiya ng historikal, pilosopiko at moral na paghahanap. At sa gayon ay nagpapalawak ng kapasidad ng masining na imahe, nag-update ng mga form ng entablado, na nagsilang ng mga bagong ideya sa sining - propesyonal at baguhan. Ang pampanitikan na teatro, kasama ng iba pang mga larangan ng sining, ay lumilikha ng mga espirituwal na pagpapahalaga, na nagpapayaman sa moral at aesthetically sa lahat na nakakasalamuha dito - kapwa mga kalahok at mga manonood.

Sa pagpapatuloy ng ating paglalakbay sa mundo ng teatro, ngayon ay makikita natin ang ating mga sarili sa mundo ng backstage at matutunan ang kahulugan ng mga salita tulad ng ramp, proscenium, tanawin, at makilala din ang kanilang papel sa dula.

Kaya naman, sa pagpasok sa bulwagan, ang bawat manonood ay agad na ibinaling ang tingin sa entablado.

Eksena– ito ay: 1) ang lugar kung saan ginaganap ang pagtatanghal ng teatro; 2) ang kasingkahulugan ng salitang "phenomenon" ay isang hiwalay na bahagi ng aksyon, ang kilos ng isang dula-dulaan, kapag ang komposisyon ng mga karakter sa entablado ay nananatiling hindi nagbabago.

Eksena- mula sa Griyego. skene – kubol, entablado. Sa mga unang araw ng teatro ng Greek, ang skene ay isang hawla o tolda na itinayo sa likod ng orkestra.

Ang Skene, orchectra, theatron ay bumubuo sa tatlong pangunahing elemento ng scenographic ng sinaunang pagganap ng Greek. Ang orchestra o playing area ay nag-uugnay sa entablado at sa mga manonood. Ang skene ay binuo sa taas upang isama ang theologeon, o palaruan ng mga diyos at bayani, at sa ibabaw kasama ang proscenium, ang architectural façade, isang pasimula sa wall decorum na sa kalaunan ay lilikha ng proscenium space. Sa buong kasaysayan, ang kahulugan ng terminong "yugto" ay patuloy na lumalawak: tanawin, palaruan, lugar ng pagkilos, tagal ng panahon sa isang kilos, at, sa wakas, sa isang metaporikal na kahulugan, isang biglaan at maliwanag na kamangha-manghang kaganapan ("upang gumawa ng isang eksena. para sa isang tao"). Ngunit hindi lahat sa atin ay alam na ang entablado ay nahahati sa ilang bahagi. Nakaugalian na makilala sa pagitan ng proscenium, likurang yugto, itaas at mas mababang yugto. Subukan nating unawain ang mga konseptong ito.

Proscenium– ang espasyo ng entablado sa pagitan ng kurtina at auditorium.

Ang proscenium ay malawakang ginagamit bilang isang playing area sa opera at ballet performances. Sa mga dramatikong teatro, ang proscenium ay nagsisilbing pangunahing tagpuan para sa maliliit na eksena sa harap ng isang saradong kurtina na nag-uugnay sa mga eksena ng dula. Ang ilang mga direktor ay dinadala ang pangunahing aksyon sa harapan, pagpapalawak ng lugar ng entablado.

Ang isang mababang harang na naghihiwalay sa proscenium mula sa auditorium ay tinatawag rampa. Bilang karagdagan, ang ramp ay sumasaklaw sa mga kagamitan sa pag-iilaw ng entablado mula sa gilid ng auditorium. Ang salitang ito ay kadalasang ginagamit upang ilarawan ang mismong sistema ng mga kagamitan sa pag-iilaw ng teatro, na inilalagay sa likod ng hadlang na ito at nagsisilbing liwanag sa espasyo ng entablado mula sa harap at ibaba. Upang maipaliwanag ang entablado mula sa harapan at sa itaas, ginagamit ang mga spotlight - isang hilera ng mga lamp na matatagpuan sa mga gilid ng entablado.

backstage– ang espasyo sa likod ng main stage area. Ang likurang yugto ay isang pagpapatuloy ng pangunahing yugto, na ginamit upang lumikha ng ilusyon ng napakalalim na espasyo, at nagsisilbing isang backup na silid para sa pag-set up ng mga tanawin. Sa likod na entablado ay may mga furkas o isang umiikot na rolling circle na may pre-installed na mga dekorasyon. Ang tuktok ng likurang yugto ay nilagyan ng mga rehas na may pandekorasyon na mga elevator at kagamitan sa pag-iilaw. Sa ilalim ng sahig ng likurang yugto ay may mga bodega para sa mga nakabitin na dekorasyon.

Itaas na yugto- bahagi ng stage box na matatagpuan sa itaas ng stage mirror at limitado sa itaas ng rehas na bakal. Ito ay nilagyan ng mga gumaganang gallery at transition bridge, at ginagamit upang mapaunlakan ang mga nakabitin na dekorasyon, overhead lighting device, at iba't ibang mekanismo ng entablado.

Mababang yugto- bahagi ng stage box sa ibaba ng tablet, kung saan matatagpuan ang mga stage mechanism, prompter at light control booth, lifting at lowering device, at mga device para sa stage effect.

At may bulsa pala ang entablado! Side stage pocket– isang silid para sa isang dynamic na pagbabago ng tanawin gamit ang mga espesyal na rolling platform. Ang mga side pocket ay matatagpuan sa magkabilang gilid ng entablado. Ginagawang posible ng kanilang mga sukat na ganap na magkasya ang dekorasyon sa furka, na sumasakop sa buong lugar ng paglalaro ng entablado. Karaniwan, ang mga pandekorasyon na lugar ng imbakan ay katabi ng mga bulsa sa gilid.

Ang "furka" na tinatawag sa nakaraang kahulugan, kasama ang "grid bars" at "bars", ay kasama sa mga teknikal na kagamitan ng entablado. Furka– bahagi ng kagamitan sa entablado; isang mobile platform sa mga roller, na ginagamit upang ilipat ang mga bahagi ng dekorasyon sa entablado. Ang paggalaw ng pugon ay isinasagawa ng isang de-koryenteng motor, nang manu-mano o gamit ang isang cable, ang isang dulo nito ay matatagpuan sa likod ng mga eksena, at ang isa ay naka-attach sa gilid ng dingding ng furka.

– sala-sala (kahoy) na sahig na matatagpuan sa itaas ng lugar ng entablado. Ginagamit ito para sa pag-install ng mga bloke ng mga mekanismo ng entablado at ginagamit para sa trabaho na may kaugnayan sa pagsususpinde ng mga elemento ng disenyo ng pagganap. Ang rehas na bakal ay konektado sa gumaganang mga gallery at ang entablado sa pamamagitan ng nakatigil na hagdan.

Barbell– isang metal na tubo sa mga kable kung saan nakakabit ang mga eksena at bahagi ng tanawin.

Sa mga akademikong sinehan, ang lahat ng mga teknikal na elemento ng entablado ay nakatago mula sa madla ng isang pandekorasyon na frame, na kinabibilangan ng isang kurtina, mga pakpak, backdrop at kurtina.

Pagpasok sa bulwagan bago magsimula ang pagtatanghal, nakikita ng manonood isang kurtina– isang sheet ng tela na nasuspinde sa lugar ng portal ng entablado at tumatakip sa entablado mula sa auditorium. Tinatawag din itong "intermission-sliding" o "intermission" na kurtina.

Intermission-sliding (intermission) na kurtina ay isang permanenteng piraso ng kagamitan sa entablado na tumatakip sa salamin nito. Nagbubukas ito bago magsimula ang pagganap, nagsasara at nagbubukas sa pagitan ng mga kilos.

Ang mga kurtina ay gawa sa makapal, tinina na tela na may makapal na lining, pinalamutian ng emblem ng teatro o malawak na palawit na nakatabing sa ilalim ng kurtina. Pinapayagan ka ng kurtina na gawin ang proseso ng pagbabago ng kapaligiran na hindi nakikita, na lumilikha ng isang pakiramdam ng oras sa pagitan ng mga aksyon. Ang intermission sliding curtain ay maaaring may ilang uri. Ang pinakakaraniwang ginagamit ay Wagnerian at Italyano.

Binubuo ng dalawang halves na naayos sa itaas na may mga overlay. Nakabukas ang magkabilang pakpak ng kurtinang ito gamit ang isang mekanismo na humihila sa ibabang mga panloob na sulok patungo sa mga gilid ng entablado, na kadalasang iniiwan ang ilalim ng kurtina na nakikita ng madla.

Parehong bahagi Italyano na kurtina magkahiwalay na magkasabay sa tulong ng mga kable na nakakabit sa kanila sa taas na 2-3 metro at hinihila ang kurtina sa itaas na sulok ng proscenium. Sa itaas, sa itaas ng entablado, matatagpuan holly- isang pahalang na strip ng tela (kung minsan ay kumikilos bilang dekorasyon), sinuspinde sa isang baras at nililimitahan ang taas ng entablado, itinatago ang mga mekanismo sa itaas na entablado, mga kagamitan sa pag-iilaw, mga rehas na rehas at itaas na mga span sa itaas ng tanawin.

Kapag bumukas ang kurtina, nakikita ng manonood ang gilid na frame ng entablado, na gawa sa mga piraso ng tela na nakaayos nang patayo - ito ay backstage.

Ang backstage ay sarado mula sa mga manonood backdrop– isang pininturahan o makinis na background na gawa sa malambot na tela, na sinuspinde sa likod ng entablado.

Ang tanawin ng pagtatanghal ay matatagpuan sa entablado.

Dekorasyon(Latin para sa "dekorasyon") - masining na dekorasyon ng isang aksyon sa isang entablado ng teatro. Lumilikha ng visual na imahe ng aksyon gamit ang pagpipinta at arkitektura.

Ang dekorasyon ay dapat na kapaki-pakinabang, epektibo, gumagana. Kabilang sa mga pangunahing tungkulin ng tanawin ay ang paglalarawan at representasyon ng mga elementong dapat na umiiral sa dramatikong uniberso, ang libreng pagbuo at pagbabago ng eksena, na itinuturing bilang mekanismo ng paglalaro.

Ang paglikha ng tanawin at pandekorasyon na disenyo ng isang pagtatanghal ay isang buong sining na tinatawag na scenography. Ang kahulugan ng salitang ito ay nagbago sa paglipas ng panahon.

Ang scenography sa mga sinaunang Griyego ay ang sining ng disenyo ng teatro at kaakit-akit na dekorasyon na nagmumula sa pamamaraang ito. Sa Renaissance, ang scenography ay ang pangalan na ibinigay sa pamamaraan ng pagpipinta ng isang backdrop sa isang canvas. Sa modernong sining ng teatro, ang salitang ito ay kumakatawan sa agham at sining ng pag-aayos ng entablado at espasyong pandulaan. Ang set mismo ay ang resulta ng gawain ng set designer.

Ang terminong ito ay lalong pinapalitan ang salitang "dekorasyon" kung may pangangailangan na lumampas sa konsepto ng dekorasyon. Ang scenography ay nagmamarka ng pagnanais na magsulat sa isang three-plane space (kung saan dapat din tayong magdagdag ng dimensyon ng oras), at hindi lamang ang sining ng dekorasyon ng isang canvas, kung saan ang teatro ay kontento hanggang sa naturalismo.

Sa kasagsagan ng modernong scenography, ang mga set designer ay nakapagbigay ng buhay sa kalawakan, nabuhay muli ang oras at ang paglalaro ng aktor sa kabuuang malikhaing kilos, kapag mahirap ihiwalay ang direktor, lighting designer, aktor o musikero.

Kasama sa scenography (set na disenyo ng performance). props- mga bagay ng mga kagamitan sa entablado na ginagamit o minamanipula ng mga aktor sa panahon ng dula, at props– espesyal na ginawang mga bagay (eskultura, muwebles, pinggan, alahas, sandata, atbp.) na ginagamit sa mga palabas sa teatro sa halip na mga tunay na bagay. Ang mga item ng prop ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang mababang gastos, tibay, na binibigyang diin ng pagpapahayag ng kanilang panlabas na anyo. Kasabay nito, ang mga gumagawa ng prop ay karaniwang tumatangging magparami ng mga detalye na hindi nakikita ng manonood.

Ang produksyon ng mga props ay isang malaking sangay ng teknolohiya sa teatro, kabilang ang trabaho sa mga pulp ng papel, karton, metal, sintetikong materyales at polimer, tela, barnis, pintura, mastics, atbp. Ang hanay ng mga produktong prop ay hindi gaanong magkakaibang, na nangangailangan ng espesyal na kaalaman sa larangan ng paghubog, karton , pagtatapos at paggawa ng metal, pagpipinta ng tela, paghabol sa metal.

Sa susunod na matututunan natin ang higit pa tungkol sa ilang mga propesyon sa teatro, na ang mga kinatawan ay hindi lamang lumikha ng mismong pagtatanghal, ngunit nagbibigay din ng teknikal na suporta nito at nakikipagtulungan sa madla.

Ang mga kahulugan ng mga terminong ipinakita ay kinuha mula sa mga website.

"Ang buong mundo ay isang teatro!"

PAPUNTA NA AKO SA KLASE

Zoya SANINA,
paaralan ng Anninskaya,
distrito ng Lomonosovsky,
Rehiyon ng Leningrad

"Ang buong mundo ay isang teatro!"

Karanasan sa analytical na gawain na may mga dramaturgical production sa ika-7–8 na baitang ng sekondaryang paaralan

At ang pag-aaral ng mga dramatikong gawa sa isang kurso sa panitikan sa paaralan ay isang espesyal na proseso ng pamamaraan - ito ay pinadali ng pagiging tiyak ng drama (ang mga gawa ay mas inilaan para sa pagganap sa entablado kaysa sa pagbabasa), kapag sa kurso ng kahit na ang pinaka detalyadong pagsusuri ng Ang dula ay madalas na imposibleng makamit ang pangunahing bagay - "paglipat", kahit na sa kaisipan, ang lahat ng mga pangungusap, paggalaw, karanasan ng mga karakter mula sa papel patungo sa isang sitwasyon na katulad ng sitwasyon sa totoong buhay. Ang mga theatrical productions (karamihan ay mga produksyon sa isang propesyonal na entablado, ngunit ang mga amateur na pagtatanghal na may partisipasyon ng mga bata mismo ay posible rin) batay sa mga gawa na pinag-aralan sa paaralan ay isang mahusay na katulong para sa mga mag-aaral at guro, dahil nakakatulong sila upang mas mahusay na madama ang ideya at kalungkutan ng ang trabaho, upang "lumulus" sa panahon ng kapaligiran, maunawaan ang mga iniisip at damdamin ng may-akda-mandula, napagtanto ang kanyang indibidwal na istilo.

Ang pagbisita sa teatro ay nakakatulong na bumuo ng nakasulat na pananalita ng mga mag-aaral sa pamamagitan ng unang paglikha ng isang pagsusuri (sa ika-7–8 na baitang, sa mga aralin sa wikang Ruso at panitikan, natatanggap ng mga mag-aaral ang pangunahing, pangunahing mga pamamaraan para sa pagsusuri ng isang teksto, na kinakailangan para sa pagsulat nito), at pagkatapos ay isang pagsusuri, na bubuo ng pagsusuri sa mga kritikal na kasanayan.

Matapos basahin at pag-aralan ang dula sa klase, handa na ang mga mag-aaral para sa pagbisita sa teatro: nakatanggap sila ng impormasyon tungkol sa may-akda at ang panahon kung saan isinulat ang akda, alam ang mga plot twist ng dula, may ideya ng sistema ng mga imahe at ang mga pangunahing katangian ng mga karakter, at samakatuwid sa panahon ng pagtatanghal ay hindi sila magiging pasibo na manonood, ngunit, sa halip, sa pamamagitan ng mga batang kritiko na kayang suriin ang mga ideya ng direktor at ihambing ang mga ito sa layunin ng may-akda, at ihambing ang kanilang sarili. mga imahe sa isip ng mga tauhan sa paraan ng paglalahad ng mga aktor sa mga tungkuling ito. Ang pagsulat ng pagsusuri o pagsusuri ng isang pagganap ay nilayon upang matulungan ang mga mag-aaral na maunawaan ang kanilang mga iniisip, damdamin, at kagustuhan.

Ang artikulong ito ay magbibigay ng mga halimbawa ng gawain ng mga nasa ikapitong baitang sa pagsusuri ng dulang "Romeo at Juliet" sa Baltic House Theater (ginawa ni B. Tseitlin) at ng mga nasa ikawalong baitang sa pagsusuri ng dulang "Intriga at Pag-ibig. ” sa Bolshoi Drama Theater (ginawa ni T. Chkheidze).

Ang indibidwalidad ng perception at pagsusuri ng anumang theatrical production ay nangangailangan ng kawalan ng review at review plan. Gayunpaman, ang mga mag-aaral ay tiyak na nangangailangan ng mga pansuportang tanong, parirala, salita na nakakakuha ng kanilang pansin sa pinakamahalagang sandali ng pagtatanghal sa koneksyon nito sa mga tampok ng orihinal na teksto, direksyon at pagkilos.

Sa isang talakayan ng dula kasama ang mga nasa ikapitong baitang, hinilingan silang sagutin ang mga sumusunod na tanong (pasalita):

• Ano ang iyong impresyon sa pagganap sa kabuuan (ano ang nagustuhan mo, ano ang hindi mo nagustuhan)?
• Tandaan ang mga pangalan direktor ng produksyon pagganap, nangungunang aktor. Pamilyar ba sila sa iyo mula sa iba pang mga pagtatanghal at pelikula?
• Ano ang kakaiba sa pagganap? Alin mga natuklasan ng direktor pinaka gusto mo? Alin ang hindi mo nagustuhan?
• Ilarawan ang mga larawan ng mga pangunahing tauhan na nilikha ng mga aktor sa teatro. Kasundo ba sila? mga larawan ng mga bayani, nilikha ng mga aktor sa entablado, sa iyong mga ideya?
• Alin sa mga tauhan sa dula ang pinakanagustuhan mo bago bumisita sa teatro? Nagbago ba ang iyong opinyon pagkatapos mapanood ang pagtatanghal? Kung gayon, ano ang nakaimpluwensya sa kanya?
• Paano ginagamit ng direktor espasyo ng entablado? (Ano ang mga pakinabang at disadvantages tanawin pagganap? Magkatugma ba sila ideya ng direktor, pahayag ng may-akda, ang iyong mga iniisip bago ang pagtatanghal?)
• Ilarawan mga kasuotan mga tauhan ng dula. Nagustuhan mo ba sila? Nag-aambag ba sila sa pagsisiwalat ng katangian ng pangunahin at pangalawang tauhan?
• Napansin mo ba ang paggamit ng musika sa dula? Nakatulong ba ito o nakahadlang sa pag-unawa sa susi mise-en-scène naglalaro?

Maaaring iba ang takbo ng talakayan, depende sa pangkalahatang impresyon ng pagtatanghal, gayundin sa antas ng pag-unawa sa dula ng mga mag-aaral. Pagkatapos ng naturang pagsusuri, natutunan ng mga ikapitong baitang ang pangunahing, pangunahing mga punto ng pagsusuri, batay sa kung saan hinihiling sa kanila na magsulat ng pagsusuri ng pagganap. Dapat tandaan na mayroong isang makabuluhang negatibong aspeto ng talakayan sa klase: ang mga mag-aaral ay bumuo ng isang average, tinatawag na "kolektibong ideya" sa halos lahat ng mga isyu, bilang isang resulta kung saan ang guro ay nagpapatakbo ng panganib na makatanggap ng isang tiyak na halaga ng medyo monotonous na feedback na may ganap na katulad na mga paghatol sa halaga. Gayunpaman, hindi natin dapat kalimutan na sa yugtong ito ang pangunahing gawain ay upang mabuo ang mga kasanayan at kakayahan ng pagsulat ng pagsusuri ng pagganap, kasama ang pagpapabuti kung saan tiyak na lilitaw ang sariling katangian ng mga pahayag.

Habang gumagawa ng pagsusuri sa dulang "Romeo at Juliet," karamihan sa mga nasa ikapitong baitang ay nakatuon sa pag-iisip tungkol sa pagka-orihinal ng produksyon (at ito ay talagang orihinal) at ang kanilang mga impression.

“...At nagsimula ang pagtatanghal: ang walang hanggan, madugong multo ng poot na kasama ng sangkatauhan. Ang orihinalidad ng pagtatanghal ay nagsisimula ito sa Ingles. Ang boses ng nagtatanghal ay nagsasabi sa amin tungkol sa magandang Italyano na bayan ng Verona. Tila nilikha ito para sa kagalakan at kaligayahan ng mga tao, ngunit walang pahinga para sa kanila: nag-aaway sila, nag-aaway, nagpatayan. Dalawang marangal na pamilya ang nakatira sa bayan - ang Montagues at ang Capulets. Sa magandang bansang ito namulaklak ang pagmamahalan ng dalawang batang nilalang.”

Shimenkova Sveta

“...Kakaiba rin ang dulo ng dula: ang mga pangunahing tauhan na nakasuot ng itim na damit, na ang ibig sabihin ay kamatayan, pumunta sa tarangkahan, sa liwanag. Magkasama sila magpakailanman at walang makakapigil doon.”

Semenyuta Zhenya

“...Totoo, hindi ko nagustuhan ang maraming bagay sa dula. Una, kakaunti ang tanawin, kaya hindi kawili-wiling panoorin. Ngunit pagkatapos ay naalala ko na noong panahon ni Shakespeare ay wala talagang tanawin sa teatro. Pangalawa, hindi masyadong tense ang climax ng dula, nang malaman ni Romeo ang pagkamatay ni Juliet. At ang isa pang disbentaha ay ang wakas: sa trabaho ito ay kalunos-lunos, ngunit sa entablado ang mga pangunahing tauhan ay nanatiling magkasama (bagaman tinitingnan nila ang lahat mula sa ibang mundo), at ang mga pamilyang matagal nang nagkakasalungatan ay nakipagpayapaan.

Marahil ay ayaw ng direktor na maging napakalungkot ng pagtatapos, ngunit sa palagay ko ang pagtatapos ay dapat na kung paano ito nakita ni Shakespeare."

Lukina Zhenya

Ang musikal na saliw ng pagtatanghal ay kapansin-pansin:

“...Sa panahon ng pagtatanghal, tumunog ang solemne na musika, na nagpapakita ng estado ng mga pangunahing tauhan. Halimbawa, nang si Romeo ay nakikipag-usap kay Juliet na nakatayo sa balkonahe, ang musika ay napakaganda, nakikinig dito, naiintindihan ko kung ano ang pakiramdam ng mga karakter: masaya sila, ito ay tunay na pag-ibig.

Lukina Zhenya

“...Gayunpaman, hindi nakakatulong ang musika sa pagtatanghal na ito sa lahat ng dako. Halimbawa, ang kasukdulan, kapag nalaman ni Romeo ang pagkamatay ni Juliet, ay hindi masyadong tense at exciting..."

Semenyuta Zhenya

At, siyempre, ang mga imahe ng mga bayani na nilikha ng mga aktor ay nararapat na pahalagahan.

“...Ang mga larawan ng pangunahing tauhan ay pinag-isipang mabuti sa dula. Si Juliet (K. Danilova) ay isang marupok, masayang babae. Si Romeo (A. Mascalin) ay isang baliw sa pag-ibig na titigil sa wala para makuha ang pag-ibig ni Juliet. Si Yaya (E. Eliseeva) ay isang mabilog, masayang babae na nagpakain kay Juliet. Si Brother Lorenzo (I. Tikhonenko) ay isang matalino, mabait na tao na tumutulong sa magkasintahan at sinisisi ang kanyang sarili sa kanilang pagkamatay. Ang lahat ng mga tungkuling ito ay pinag-isipang mabuti at naisakatuparan. Ngunit higit sa lahat nagustuhan ko si Mercutio na ginanap ng artist na si Ryabikhin. Ito ay isang masigasig, matapang, walang pag-iimbot na tao na mahal na mahal ang buhay at, namamatay, sinusumpa ang magkabilang pamilya, na kung saan ang kasalanan ay namatay siya, siya ay naglalaho ng kabataan, tulad ng maraming iba pang mga tao na napatay sa mga away na ito.

Mahalaga rin sa dula ang mga pangalawang tauhan. Ang ama ni Juliet, na ginampanan ni A. Sekirin, ay namumukod-tangi sa kanyang natatanging karakter. Ang lalaking ito ay medyo malupit at matigas ang ulo, sigurado siya na ang kanyang anak na babae ay magiging masaya sa Paris, kahit na hindi niya ito tinanong tungkol dito. Ang Paris (V. Volkov) ay inilalarawan bilang isang nakakatawa, hangal na maliit na lalaki na nakita kung gaano kaganda si Juliet at nagpasyang tiyak na pakasalan siya, nang hindi iniisip kung mahal niya siya o hindi...”

Semenyuta Zhenya

Sa kanilang mga paunang gawa, ang mga mag-aaral sa ika-7 baitang sa karamihan ng mga kaso ay hindi binibigyang pansin ang ideya ng pagganap, ang simbolismo ng mga detalye at tanawin, at iba pa. Unti-unti, ang mga pagsusuri ay nagiging mas masinsinan at maalalahanin na mga pagmumuni-muni sa mga tampok ng produksyon, ang kakaiba ng mga pagtatanghal ng mga aktor, at ang papel na ginagampanan ng mga tanawin at kasuotan. Samakatuwid, kapag nagtatrabaho sa ikawalong baitang, maaari mong maiwasan ang pasalitang talakayan ng dula sa klase at hikayatin silang tumutok sa kanilang sariling mga iniisip. Sa halip na isang plano, para maiwasang gawing sunud-sunod na mga sagot ang pagsusuri sa mga tanong na may karaniwang mga pahayag tulad ng "Nagustuhan ko ang pagganap na ito," maaaring gumamit ang mga estudyante ng mga pansuportang salita at ekspresyon, na mas mabuting hindi nakaayos nang sunud-sunod:

Ang pag-aayos na ito ay nakapagpapaalaala ng isang mosaic, na, kung tipunin sa isang pagkakasunud-sunod o iba pa, ay magbibigay sa amin ng isang medyo kumpletong pagsusuri ng pagganap.

Pagninilay-nilay sa dulang "Tuso at Pag-ibig" sa Bolshoi Drama Theater, ang mga nasa ikawalong baitang una sa lahat ay binibigyang pansin ang mga tampok ng pamagat (na binuo sa prinsipyo ng antithesis) at ang balangkas ng dula (isang walang hanggang kuwento ng pag-ibig):

"Ang pagtatanghal ng isang dula sa Bolshoi Drama Theater ay kinakailangang nangangailangan ng mga mahuhusay na aktor, orihinal na direksyon, at sikat na mga dula. Ang lahat ng ito ay pinagsama sa trahedya na "Tuso at Pag-ibig". Ito ay isang kuwento mula sa buhay ng burgesya, laban sa mundo ng kayamanan at maharlika. Dito nagsasalubong ang dalawang prinsipyo: panlilinlang at pag-ibig. Ano pa ang meron sa dula? Naiintindihan namin ang pag-ibig na iyon..."

Zlobina Vika

“Ang dula ni Schiller na “Cunning and Love” ay hango sa trahedya na kuwento ng pag-ibig nina Louise at Ferdinand. Ang pamagat mismo ay naglalaman ng kaibahan sa pagitan ng dalawang prinsipyo: ang panlilinlang ay sumasalungat sa kapangyarihan ng pag-ibig, at sa pagganap ng BDT, sa palagay ko, mayroong higit na panlilinlang kaysa sa pag-ibig. Ang mga bayani ng trahedya ay nahahati sa dalawang grupo: ang mga philistine na naghahanap ng katotohanan at kaligayahan sa malupit na mundong ito, na kinakatawan ng guro ng musika na si Miller at mga miyembro ng kanyang pamilya (ang kanyang asawa at anak na babae na si Louise) at ang mga magalang na aristokratikong bilog (Presidente). von Walter, Hall Marshal Kalb, Lady Milford, Secretary Wurm)..."

Kuprik Nadya

"Pagmamahal! Ang pag-ibig ang pinakamaganda sa lahat ng damdamin ng tao. Ngunit gaano kalungkot kapag may nakakasagabal sa pag-ibig. At kung gaano kakila-kilabot kapag ang dalawang mapagmahal na puso ay nakatakdang mamatay.

Ang walang kamatayang plot ng "Romeo and Juliet" ay naulit sa trahedya ni Friedrich Schiller na "Cunning and Love." Dalawang kabataan ang umiibig sa isa't isa. Ngunit ang kanilang pagmamahalan ay nahahadlangan ng pagkakaiba ng katayuan sa lipunan: sila ay kabilang sa iba't ibang uri. Siya ay isang mayor, ang anak ng pangulo sa palasyo ng isang German duke. Siya ay isang burgis, anak ng isang guro sa musika. Lahat ay sumasalungat sa kanilang pag-ibig. Si Louise at Ferdinand, na nadaig ng kawalan ng pag-asa, ay nagpasiyang magpakamatay.”

Zheleznova Ksenia

Mula sa mga aklat-aralin at kritikal na mga artikulo sa mga magasin, ang mga mag-aaral ay maaaring matuto ng karagdagang impormasyon tungkol sa trabaho, ang mga aktor at ang teatro at isama ito sa pagsusuri.

“Naalala ko ang performance na ito dahil marami akong nakitang artistang kilala ko mula sa mga pelikula at serial television productions. Ito ay si A.Yu. Tolubeev, K.Yu. Lavrov, N. Usatova at, siyempre, Alisa Freundlich, sikat mula sa pelikulang "The Three Musketeers". Naaalala ko ang mga karakter nila. Ang bayani na si von Walter ay napaka-nababago: sa una ay tila mabuti siya, pagkatapos ay masama, pagkatapos ay mabuti muli. Naaalala ko si Lady Milford sa kanyang madamdamin na pag-ibig, natamaan ako ng mapanirang kapangyarihan ng Wurm, na lumilikha lamang para sa sarili nitong kabutihan. Ito ang mga totoong buhay na tao na may kanilang tunay na nabubuhay na damdamin at hindi kathang-isip na pag-uugali. Nananatili sa aking alaala ang mga larawan nina Ferdinand at Louise. Bagaman ginampanan sila ng mga hindi masyadong batang artista na sina M. Morozov at E. Popova, perpektong ginampanan nila ang mga tungkulin ng mga batang bayani.

Ivanov Zhenya

"Ang trahedya ni Schiller na "Tuso at Pag-ibig" ay naging tuktok ng realismong pang-edukasyon, at si Schiller ang unang nagsulat hindi lamang tungkol sa mga hari at maharlika, kundi pati na rin sa mga ordinaryong tao. Ang ideyang ito ay inilipat sa entablado at kahanga-hangang isinama sa dula ni T.N. Chkheidze.”

Abramov Zhenya

Kasama sa mga katangian ng pangunahin at pangalawang karakter na ibinigay ng mga nasa ikawalong baitang ang paglalarawan ng mga katangiang likas sa isang partikular na karakter, pati na rin ang mga personal na paghuhusga at pagtatasa.

"Ang trahedyang ito ay itinanghal sa Bolshoi Drama Theater ng stage director na si T.N. Chkheidze. Maraming sikat na aktor ang naglalaro sa dula: K. Lavrov, N. Usatova, A. Freundlich at iba pa. Ito, tila sa akin, ay ang tagumpay ng pagganap. Pinanood ko silang maglaro ng may halong hininga, lalo na nang lumabas si Alisa Freindlich sa entablado (nga pala, noong araw na iyon ay nakatanggap siya ng Golden Mask award para sa magagandang tagumpay sa sining). Ang mga aktor ng teatro na ito ay gumaganap nang napakaganda na ikaw ay kaagad at walang pasubali na naakit sa balangkas.

Kung tungkol sa mga tungkulin, hindi sila magkatulad. Halimbawa, si von Walter ay ginampanan ni K.Yu. Lavrov. Nagawa ng aktor na ipakita sa amin ang isang matigas, matatag, mapagpasyahan, makapangyarihan at hindi mapagpatawad na pinuno at isang mabait, mapagmahal na ama na nagtatago ng kanyang damdamin mula sa kanyang anak, hindi alam kung paano ipahayag ang mga ito. Ang ama na ito ay kaibahan sa isa pang ama, mas tapat at malambing sa kanyang anak na babae - ang guro ng musika na si Miller, na ginampanan ni V.M. Ivchenko. Ang papel ni Wurm, ang personal na kalihim ng Pangulo, ay ginagampanan ni A.Yu. Tolubeev. Ito ay isang napakatusong bayani na ginagawa ang lahat para sa kanyang sariling kapakinabangan. Mapapansin mong lumilitaw siya sa mga episode na iyon kung saan may nangyayaring nakakaintriga, na para bang isa siyang espiya para sa Duke. Si Von Kalb ay gumaganap bilang A.F. Chevychelov. Sa tingin ko ito ay isang napaka-kagiliw-giliw na papel, na kumakatawan sa lahat ng mga socialite na patuloy na tsismis tungkol sa isa't isa. Ferdinand na ginanap ni M.L. Si Morozov, kahit na isang maharlika sa kapanganakan, ay hindi katulad ng kanyang ama, ang pangulo, at ang kanyang entourage. Totoo, sa ilang mga kaso ay lumilitaw sa kanya ang mga marangal na pagkiling, ngunit siya ay napaka-emosyonal, siya ay isa sa mga Sturmer na laban sa umiiral na kaayusan at nakipaglaban para sa personal na kalayaan. Ang kanyang minamahal na si Louise (aktres na si E.K. Popova) ay isang kalmado, determinadong pangunahing tauhang babae, handang gawin ang anumang bagay para sa pag-ibig.

Kuprik Nadya

"Ang pinaka nagustuhan ko ay ang paraan ng paglalaro ni Miller, ang kanyang anak na babae na si Louise at ang anak ng presidente na si Ferdinand. Ang lahat ng mga tungkuling ito ay ginagampanan ng mga katutubong artista. Sa produksyon ni Chkheidze, si Louise ay isang batang babae na handang gawin ang lahat para sa pag-ibig. Si Ferdinand, sa kabilang banda, ay naiimpluwensyahan ng mga nakapaligid sa kanya, nagsusumikap para sa kapangyarihan, ngunit mapagmahal at hindi nakakalimutan ang tungkol sa katapatan. Si Miller ay isang mapagmalasakit na ama na nag-iisip kung gaano kalunos-lunos ang pag-ibig ng kanyang anak na babae. At naniniwala ako na tama siya kapag iniisip niyang hindi magiging masaya sa pag-ibig sina Louise at Ferdinand, mga kinatawan ng iba't ibang klase. Ang mga pangunahing kalaban ng kanilang pag-iibigan ay si Wurm, tuso, mapanlinlang, palaging lumilitaw kung saan may nangyayari, palagi siyang nakakakuha ng kanyang paraan; Si Lady Milford ay isang hindi maliwanag na tao; parehong panlilinlang at pagmamahal ay malinaw na ipinahayag sa kanya. Sa pagtatanghal na ito, sa aking opinyon, mayroon pa ring higit na pagmamahal kaysa panloloko.”

Abramov Zhenya

"Higit sa lahat nagustuhan ko ang pagganap ni Nina Usatova, na gumanap bilang ina ni Louise. Nang mabasa ko ang trahedya, ito mismo ang naisip ko. Ang pangunahing tauhang ito ay matapang, matalino at patas, siya ay ganap na nasa panig ng kanyang anak na babae; palagi niyang sinasabi ang iniisip niya, kahit tungkol sa mga courtier. Nagustuhan ko talaga si Alisa Freindlich. Nagawa ng kanyang Lady Milford na isama ang mga katangian ng mabait at matamis na burgis na babae noong kabataan niya, at ang maringal, mapagmataas na aristokrata.”

Kuprik Nadya

“...Pero, parang sa akin, the most striking character is Lady Milford. Ang papel na ito ay ginampanan ng People's Artist ng USSR na si Alisa Brunovna Freindlikh. Maraming naranasan si Lady Milford sa buhay: kahirapan, pagkamatay ng mga mahal sa buhay, hindi niya alam ang kaligayahan ng tao. Pinilit siya ng fatal passion na gawin ang lahat ng paraan upang makamit ang pag-ibig ni Ferdinand. Gayunpaman, napagtatanto na hindi niya masisira ang kadena na nagbubuklod sa kanyang mga manliligaw, umatras si Lady Milford. Sa pangunahing tauhang ito, nagsanib ang panlilinlang at pag-ibig. Ang papel na ito ay ginampanan nang napaka-emosyonal. Hindi nakakagulat, nang matapos ang pagtatanghal, inihayag na natanggap ni Alisa Freindlich ang Golden Mask award para sa pinakamahusay na imahe sa entablado. Mukhang nasanay na siya sa kanyang pangunahing tauhang babae, at tila ito ang isinulat ng ginang Schiller."

Zheleznova Ksenia

Nakatutuwang pagmasdan kung paano ginagamit ng direktor ang espasyo sa entablado.

"Ang producer na si Chkheidze, tulad ni Schiller, ay hindi natatakot na masira ang mga hangganan ng klasisismo. Nagustuhan ko na ang eksena ay nagpakita ng dalawang bahay nang sabay-sabay: bahay ni Ferdinand at bahay ni Louise. Ang mga silid sa mga bahay na ito ay pinaghihiwalay ng mga transparent na kurtina - nagbibigay-daan ito sa direktor na tumpak na maiparating ang kahulugan ng isang partikular na mise-en-scène.

Lazarev Misha

"Ang interior mismo ng eksena ay kumakatawan sa mga detalye ng tatlong magkakaibang bahay: sa bahay ni Miller ay may isang simpleng kahoy na mesa na may eksaktong parehong upuan, sa sala ni Lady Milford ay may komportable at marangyang sofa na may mesa para sa mga inumin, at sa sa loob ng palasyo ay may isang mesa na may mga papeles sa negosyo at isang tinta, at sa tabi nito ay isang malambot na upuan na may mataas na likod. Sa background ay may pinto na bumubukas paminsan-minsan. Sa likod ng pinto ay makikita mo ang isang sinag ng liwanag, para itong nasa ibang mundo: doon tumakbo si Louise, umiinom ng lason para makaiwas sa lahat ng problema niya."

Abramov Zhenya

“Nakakatuwa din ang scenery ng play. Sa isang entablado mayroong parehong tahanan ng isang simpleng mangangalakal at ang palasyo ng pangulo. Para bang dalawang mundo ang nag-uugnay: ang buhay ng mahihirap at mayayaman. Sa kabilang banda, ito ay dalawang mundo ng damdamin - panlilinlang at pag-ibig. At sila ay pinaghiwalay lamang ng mga puting transparent na kurtina, na pagkatapos ay itinaas at pagkatapos ay ibinaba muli. Ang kahirapan sa loob ng bahay ni Miller ay binigyang-diin ng mababang mesa at dalawang upuan. At sa palasyo ng pangulo ay may isang marangyang mesa sa mga paa ng leon, doon ay may isang maliit na kandelero; sa tabi nito ay isang malaking upuan na may mataas na likod; ang luho ay binigyang diin din ng isang marangyang chandelier. Ang posisyon sa lipunan ay natukoy din sa pamamagitan ng pag-iilaw: Ang bahay ni Miller ay naiilawan mula sa ibaba, ang palasyo ni Lady Milford mula sa gilid, ang bahay ni von Walter mula sa itaas.

Kuprik Nadya

“Nagustuhan ko talaga yung scenery sa play. Namangha ako kung paanong ilang bahay at iba't ibang espasyo ang inilagay sa isang entablado. Tumataas ang kurtina, at nasa harap namin ang bahay ng musikero na si Miller; nahuhulog ang isa sa mga kurtina - nakita natin ang ating sarili sa mayamang bahay ni Pangulong von Walter; isa pang kurtina ang bumagsak - at kami ay nasa bahay ni Lady Milford, ang paborito ng Duke. Ito ay kung paano, salamat sa mga puting kurtina, makikita natin ang ating sarili sa iba't ibang lugar. Kapansin-pansin na ang direktor, na sumusunod sa manunulat ng dula, ay hindi natatakot na labagin ang mga alituntunin ng klasisismo. Ang dula ay hindi nagpapanatili ng pagkakaisa ng lugar (kami ay dinadala mula sa isang bahay patungo sa isa pa) at oras (dalawang diyalogo ay maaaring isagawa nang sabay-sabay sa magkaibang mga lugar).

Zheleznova Ksenia

“Nakuha rin ng music box ang atensyon ko. Nakatayo siya sa likod ng entablado at sa unang tingin ay hindi kaakit-akit sa anumang paraan. Ngunit sa katunayan, ang kahon ay gumaganap ng isang mahalagang papel: ito ay tulad ng isang link na nagkokonekta sa iba't ibang mga klase. Naniniwala ako na ang kahon ay sumisimbolo sa pagmamahalan nina Louise at Ferdinand, ang pagkakatugma ng kanilang mga kaluluwa.”

Suslova Masha

Sa pamamagitan ng paggawa ng isang konklusyon sa isang pagsusuri ng isang pagganap na makabuluhan at taos-puso, ang mga mag-aaral ay malamang na lampasan ang mga kilalang cliches sa isang pagtatangka na pinakatumpak na ipahayag kung bakit nila nagustuhan (o hindi nagustuhan) ang ibinigay na pagganap.

"Ang dula ay nagpapakita ng iba't ibang pag-ibig: ang romantikong pag-ibig nina Louise at Ferdinand, ang nakamamatay na pagnanasa ni Lady Milford, ang mapanirang pakiramdam ng malupit ngunit malakas na Wurm. Iba at pagmamahal ng magulang. At kahit na namatay ang pangunahing mga karakter, naiintindihan namin na ang pag-ibig ay nanalo pa rin."

Lazarev Misha

"Pagkatapos basahin ang trahedya na "Tuso at Pag-ibig," napagtanto ko na walang hadlang sa tunay na pag-ibig, at kahit na ang mga nagmamahal ay mamatay, ang pag-ibig ay mabubuhay magpakailanman. At lalo akong nakumbinsi ng teatro tungkol dito.”

Zheleznova Ksenia

Ang mga modernong programa sa panitikan ay nagbibigay ng mahusay na mga pagkakataon upang bumaling sa mga theatrical productions para sa isang mas malalim na pag-unawa sa mga dramatikong gawa. At pinapayagan ka ng mga nakasulat na gawa na maunawaan kung ano ang nakita mo sa entablado, ipahayag ang iyong saloobin sa pagganap, at bigyang-katwiran ang iyong pananaw. Ang isang maalalahanin na mambabasa ay natututong maging isang matalinong manonood. Ang teatro ay tumutulong upang "muling buhayin" ang pinakamahusay na mga likha ng klasikal na panitikan sa mundo.

Ang artikulo ay nai-publish sa suporta ng ArtKassir.ru website. Sa pamamagitan ng pagbisita sa site na ito, na matatagpuan sa http://ArtKassir.ru, maaari kang maging pamilyar sa mga poster ng teatro at konsiyerto ng Moscow. Gusto mo bang pasayahin ang iyong mga mahal sa buhay at magbigay ng orihinal na regalo? Ang mga tiket sa teatro ang magiging pinakamahusay na solusyon para sa iyo. Makakahanap ka rin ng mga tiket para sa mga sporting event at classical music concert sa website ng ArtKassir.ru. Ang maginhawang paghahanap ayon sa mga kategorya ng site, pati na rin ang isang flexible na sistema ng pagbabayad ay makakatipid sa iyo ng oras at pera.

Upang maisagawa ang paggawa ng teatro, kinakailangan ang ilang mga kundisyon, isang tiyak na espasyo kung saan gaganap ang mga aktor at matatagpuan ang madla. Sa bawat teatro - sa isang espesyal na itinayong gusali, sa plaza kung saan gumaganap ang mga naglalakbay na tropa, sa sirko, sa entablado - ang mga puwang ng auditorium at entablado ay inilatag sa lahat ng dako. Ang likas na katangian ng relasyon sa pagitan ng aktor at ng manonood at ang mga kondisyon para sa pag-unawa sa pagganap ay nakasalalay sa kung paano nauugnay ang dalawang puwang na ito, kung paano tinutukoy ang kanilang anyo, at iba pa. Ang pagbuo ng auditorium at lugar ng entablado ay tinutukoy hindi lamang ng panlipunan at aesthetic na mga kinakailangan ng isang partikular na panahon, ngunit din sa pamamagitan ng mga malikhaing tampok ng masining na paggalaw, na itinatag sa yugtong ito ng pag-unlad. Ang relasyon ng parehong mga puwang sa isa't isa, ang mga paraan ng kanilang kumbinasyon, ay bumubuo sa paksa ng kasaysayan ng yugto ng teatro.

Ang mga madla at mga entablado ay magkasama ang bumubuo sa theatrical space. Ang anumang anyo ng theatrical space ay batay sa dalawang prinsipyo ng lokasyon ng mga aktor at manonood na may kaugnayan sa bawat isa: axial at central. Sa ehe na solusyon ng teatro, ang lugar ng entablado ay matatagpuan nang harapan sa harap ng madla at sila ay, kumbaga, sa parehong axis kasama ang mga gumaganap. Sa gitna o, kung tawagin din nila, radial, ang mga upuan para sa mga manonood ay pumapalibot sa entablado sa tatlo o apat na gilid.

Ang pangunahing para sa lahat ng uri ng mga eksena ay ang paraan ng pagsasama-sama ng parehong espasyo. Dito, masyadong, maaari lamang magkaroon ng dalawang solusyon: alinman sa isang malinaw na paghihiwalay ng volume ng entablado at auditorium, o ang kanilang bahagyang o kumpletong pagsasama sa isang solong, hindi nahahati na espasyo. Sa madaling salita, sa isang bersyon, ang auditorium at ang entablado ay inilalagay, kumbaga, sa iba't ibang mga silid na magkadikit sa isa't isa, sa kabilang banda, ang auditorium at ang entablado ay matatagpuan sa isang solong spatial volume.

Depende sa mga solusyon sa itaas, posible na medyo tumpak na pag-uri-uriin ang iba't ibang mga hugis ng eksena (Larawan 1).

Ang isang yugto ng entablado na nakatali sa lahat ng panig ng mga dingding, na ang isa ay may malawak na pagbubukas na nakaharap sa auditorium, ay tinatawag na isang entablado ng kahon. Ang mga upuan para sa mga manonood ay matatagpuan sa harap ng entablado kasama ang harap nito sa loob ng normal na visibility ng playing area. Kaya, ang yugto ng kahon ay kabilang sa uri ng ehe ng teatro, na may matalim na paghihiwalay ng parehong mga puwang. Ang yugto ng kahon ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang nakapaloob na espasyo sa entablado at samakatuwid ay kabilang sa kategorya ng mga nakapaloob na yugto. Ang isang yugto kung saan ang mga sukat ng pagbubukas ng portal ay nag-tutugma sa lapad at taas ng auditorium ay isang uri ng kahon.

Ang entablado ng arena ay may di-makatwirang hugis, ngunit mas madalas ay isang bilog na plataporma, sa paligid kung saan matatagpuan ang mga upuan ng madla. Ang arena stage ay isang tipikal na halimbawa ng isang center theater. Ang mga espasyo ng entablado at bulwagan ay pinagsanib dito.

Ang isang spatial na yugto ay talagang isa sa mga uri ng arena at kabilang din sa gitnang uri ng teatro. Hindi tulad ng isang arena, ang isang spatial stage area ay hindi napapalibutan ng mga upuan para sa mga manonood sa lahat ng panig, ngunit bahagyang lamang, na may maliit na anggulo ng saklaw. Depende sa solusyon, ang spatial na eksena ay maaaring alinman sa axial o central. Sa mga modernong solusyon, upang makamit ang higit na kakayahang magamit ng espasyo ng entablado, ang isang spatial na yugto ay madalas na pinagsama sa isang yugto ng kahon. Ang yugto ng arena at espasyo ay nabibilang sa mga bukas na yugto ng uri at kadalasang tinatawag na mga bukas na yugto.

kanin. 1. Mga pangunahing anyo ng yugto: 1 - yugto ng kahon; 2 - entablado sa arena; 3 - spatial stage (a - open area, b - open area na may box stage); 4 - yugto ng singsing (a - bukas, b - sarado); 5 - sabay-sabay na yugto (a - solong platform, b - hiwalay na mga platform)

Mayroong dalawang uri ng ring stage: sarado at bukas. Sa prinsipyo, ito ay isang stage platform na ginawa sa anyo ng isang movable o fixed ring, sa loob kung saan may mga upuan para sa mga manonood. Karamihan sa singsing na ito ay maaaring maitago mula sa madla sa pamamagitan ng mga dingding, at pagkatapos ay ang singsing ay ginagamit bilang isa sa mga paraan upang gawing makina ang yugto ng kahon. Sa pinakadalisay na anyo nito, ang entablado ng singsing ay hindi nahihiwalay sa auditorium, na nasa parehong espasyo kasama nito. Ang yugto ng singsing ay kabilang sa kategorya ng mga eksena ng ehe.

Ang kakanyahan ng sabay-sabay na eksena ay ang sabay-sabay na pagpapakita ng iba't ibang mga eksena ng aksyon sa isa o ilang mga yugto na matatagpuan sa auditorium. Ang iba't ibang komposisyon ng mga palaruan at mga lugar para sa mga manonood ay hindi nagpapahintulot sa amin na uriin ang eksenang ito bilang isa o ibang uri. Isang bagay ang tiyak, na sa solusyong ito ng theatrical space ay makakamit ang pinakakumpletong pagsasama-sama ng entablado at mga sona ng manonood, na kung minsan ay mahirap matukoy ang mga hangganan nito.

Ang lahat ng umiiral na anyo ng theatrical space ay nag-iiba sa isang paraan o sa iba pang mga nabanggit na prinsipyo ng relatibong posisyon ng lugar ng entablado at mga upuan para sa mga manonood. Ang mga prinsipyong ito ay maaaring masubaybayan mula sa mga unang gusali ng teatro sa Sinaunang Greece hanggang sa mga modernong gusali.

Ang pangunahing yugto ng modernong teatro ay ang yugto ng kahon. Samakatuwid, bago lumipat sa pagtatanghal ng mga pangunahing yugto sa pag-unlad ng arkitektura ng teatro, kinakailangang pag-isipan ang istraktura, kagamitan at teknolohiya ng disenyo ng pagganap nito.

Monumental na sining(lat. monumento, mula sa moneo - Paalala ko sa iyo) - isa sa plastic spatial fine at non-fine arts; Ang ganitong uri ng mga ito ay kinabibilangan ng mga gawa ng malaking format, na nilikha alinsunod sa arkitektura o natural na kapaligiran, sa pamamagitan ng pagkakaisa ng komposisyon at pakikipag-ugnayan kung saan sila mismo ay nakakakuha ng ideolohikal at mapanlikhang pagkakumpleto, at nakikipag-usap sa kapaligiran. Ang mga gawa ng monumental na sining ay nilikha ng mga master ng iba't ibang mga malikhaing propesyon at gumagamit ng iba't ibang mga diskarte. Ang monumento na sining ay kinabibilangan ng mga monumento at pang-alaala na mga komposisyon ng eskultura, mga pintura at mosaic, pandekorasyon na dekorasyon ng mga gusali, mga stained glass na bintana