Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Ang Venetian Renaissance ay isang hiwalay, natatanging bahagi ng all-Italian Renaissance. Nagsimula ito dito nang maglaon, ngunit tumagal nang mas matagal. Ang papel ng mga sinaunang tradisyon sa Venice ay ang pinakamaliit, at ang koneksyon sa kasunod na pag-unlad ng pagpipinta ng Europa ay ang pinaka-direkta. Sa Venice, ang pagpipinta ay nangingibabaw, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng maliwanag, mayaman at masayang mga kulay.

Ang panahon ng High Renaissance (sa Italyano ay parang "Cinquecento") sa Venice ay sinakop ang halos buong ika-16 na siglo. Maraming mga natatanging artista ang nagpinta sa malaya at masayang paraan ng Venetian Renaissance.

Ang pintor na si Giovanni Bellini ay naging kinatawan ng panahon ng paglipat mula sa Maagang Renaissance hanggang sa Mataas na Renaissance. Sa kanya ang sikat na painting" Lawa ng Madonna"ay isang magandang pagpipinta na naglalaman ng mga pangarap ng isang ginintuang edad o makalupang paraiso.

Isang estudyante ni Giovanni Bellini, ang artist na si Giorgione ay itinuturing na unang master ng High Renaissance sa Venice. Ang kanyang canvas" Natutulog si Venus"ay isa sa mga pinaka mala-tula na larawan ng hubad na katawan sa sining ng mundo. Ang gawaing ito ay isa pang sagisag ng pangarap ng mga simple ang pag-iisip, masaya at inosenteng mga tao na namumuhay nang ganap na naaayon sa kalikasan.

Mayroong isang pagpipinta sa State Hermitage Museum "Judith", na kabilang din sa brush ng Giorgione. Ang gawaing ito ay naging isang kapansin-pansin na halimbawa ng pagkamit ng isang three-dimensional na imahe hindi lamang sa tulong ng chiaroscuro, kundi pati na rin sa paggamit ng light gradation.

Giorgione "Judith"

Si Paolo Veronese ay maaaring ituring na pinakakaraniwang artista ng Venice. Ang kanyang malakihan, multi-figure na komposisyon ay naglalarawan ng mga mararangyang hapunan sa Venetian palazzo kasama ang mga musikero, jester at aso. Walang relihiyon tungkol sa kanila. "Ang huling Hapunan"- ito ay isang imahe ng kagandahan ng mundo sa simpleng makalupang pagpapakita at paghanga sa pagiging perpekto ng magagandang laman.

Paolo Veronese "Ang Huling Hapunan"

Mga gawa ni Titian

Ang ebolusyon ng pagpipinta ng Venetian ng Cinquecento ay makikita sa gawa ni Titian, na unang nagtrabaho kasama si Giorgione at malapit sa kanya. Ito ay makikita sa malikhaing istilo ng artist sa mga akdang "Heavenly Love and Earthly Love", "Flora". Ang mga babaeng imahe ni Titian ay kalikasan mismo, na nagniningning sa walang hanggang kagandahan.

- ang hari ng mga pintor. Nakagawa siya ng maraming pagtuklas sa larangan ng pagpipinta, bukod sa kung saan ay ang kayamanan ng kulay, pagmomolde ng kulay, orihinal na anyo at paggamit ng mga nuances ng mga kulay. Malaki ang naging kontribusyon ni Titian sa sining ng Venetian Renaissance;

Ang Late Titian ay malapit na sa masining na wika nina Velazquez at Rembrandt: tonal relationships, spots, dynamic strokes, texture of the colorful surface. Pinalitan ng mga Venetian at Titian ang dominasyon ng linya ng mga pakinabang ng hanay ng kulay.

Titian Vecellio "Self-Portrait" (circa 1567)

Ang pamamaraan ng pagpipinta ni Titsin ay kamangha-mangha kahit ngayon, dahil ito ay isang gulo ng mga pintura. Sa kamay ng pintor, ang mga pintura ay isang uri ng luwad kung saan kinulit ng pintor ang kanyang mga gawa. Nabatid na sa pagtatapos ng kanyang buhay ay pininturahan ni Titian ang kanyang mga canvases gamit ang kanyang mga daliri. kaya ang paghahambing na ito ay higit sa nararapat.

Titian's Denarius of Caesar (circa 1516)

Mga pintura ni Titian Vecellio

Kabilang sa mga painting ni Titian ay ang mga sumusunod:

• "Assunta"

• "Bacchus at Ariadne"

• "Venus ng Urbino"

• "Larawan ni Pope Paul III"

• "Larawan ni Lavinia"

• "Venus sa harap ng salamin"

• "Penitent Magdalene"

• "Saint Sebastian"

Kaakit-akit at pakiramdam O Ang mga three-dimensional na anyo ng Titian ay nasa kumpletong balanse. Ang kanyang mga figure ay puno ng isang pakiramdam ng buhay at paggalaw. Ang pagiging bago ng compositional technique, hindi pangkaraniwang kulay, at libreng stroke ay ang mga natatanging katangian ng pagpipinta ni Titian. Ang kanyang trabaho ay naglalaman ng mga pinakamahusay na tampok ng paaralan ng Venetian ng Renaissance.

Mga tampok na katangian ng pagpipinta ng Venetian Renaissance

Ang huling luminary ng Venetian Cinquecento ay ang artist na si Tintoretto. Sikat ang kanyang mga painting "Labanan ng Arkanghel Michael kay Satanas" at "Ang Huling Hapunan". Ang pinong sining ay naglalaman ng ideya ng Renaissance ng perpekto, pananampalataya sa kapangyarihan ng isip, ang pangarap ng isang maganda, malakas na tao, isang maayos na binuo na personalidad.

Jacopo Tintoretto "Ang Labanan ng Arkanghel Michael kay Satanas" (1590)
Jacopo Tintoretto "The Crucifixion"

Ang mga gawa ng sining ay nilikha sa tradisyunal na relihiyon at mitolohiyang paksa. Dahil dito, ang modernidad ay itinaas sa ranggo ng kawalang-hanggan, kaya iginiit ang pagiging maka-Diyos ng isang tunay na tao. Ang mga pangunahing prinsipyo ng paglalarawan sa panahong ito ay ang panggagaya sa kalikasan at ang realidad ng mga tauhan. Ang isang pagpipinta ay isang uri ng bintana sa mundo, dahil ang artist ay naglalarawan dito kung ano ang kanyang nakita sa katotohanan.

Jacopo Tintoretto "Ang Huling Hapunan"

Ang sining ng pagpipinta ay batay sa mga nagawa ng iba't ibang agham. Matagumpay na nakabisado ng mga pintor ang mga larawan ng pananaw. Sa panahong ito, naging personal ang pagkamalikhain. Ang mga gawa ng easel art ay lalong umuunlad.

Jacopo Tintoretto "Paraiso"

Lumilitaw ang isang sistema ng genre sa pagpipinta, na kinabibilangan ng mga sumusunod na genre:

• relihiyon - mitolohiya;
• historikal;
• tanawin ng sambahayan;
• portrait.

Lumilitaw din ang pag-ukit sa panahong ito, at ang pagguhit ay gumaganap ng isang mahalagang papel. Ang mga gawa ng sining ay pinahahalagahan sa kanilang sarili, bilang isang masining na kababalaghan. Ang isa sa pinakamahalagang sensasyon kapag nakikita ang mga ito ay kasiyahan. Ang mga de-kalidad na reproductions ng mga painting mula sa Venetian Renaissance ay magiging isang magandang karagdagan sa iyong interior.

Ang sining ng Venice ay kumakatawan sa isang espesyal na variant ng pag-unlad ng mismong mga prinsipyo ng artistikong kultura ng Renaissance at may kaugnayan sa lahat ng iba pang mga sentro ng Renaissance art sa Italya.

Sa kronolohikal, ang sining ng Renaissance ay nabuo sa Venice na medyo huli kaysa sa karamihan ng iba pang mga pangunahing sentro ng Italya noong panahong iyon. Ito ay nabuo, sa partikular, sa ibang pagkakataon kaysa sa Florence at sa Tuscany sa pangkalahatan. Ang pagbuo ng mga prinsipyo ng Renaissance artistic culture sa fine arts ng Venice ay nagsimula lamang noong ika-15 siglo. Ito ay hindi nangangahulugang natukoy ng pagkaatrasado ng ekonomiya ng Venice. Sa kabaligtaran, ang Venice, kasama ang Florence, Pisa, Genoa, at Milan, ay isa sa mga pinaka-maunlad na sentro ng Italya noong panahong iyon. Ito ay ang maagang pagbabago ng Venice sa isang mahusay na kalakalan at, higit pa rito, nakararami sa pangangalakal sa halip na kapangyarihan sa pagmamanupaktura, na nagsimula noong ika-12 siglo at lalo na pinabilis sa panahon ng mga Krusada, na dapat sisihin sa pagkaantala na ito.

Ang pagpipinta ng Venetian, na nakikilala sa pamamagitan ng kayamanan at kayamanan ng kulay, ay umabot sa isang espesyal na pag-unlad. Ang paganong paghanga sa pisikal na kagandahan ay pinagsama dito na may interes sa espirituwal na buhay ng tao. Ang sensory perception ng mundo ay mas direkta kaysa sa Florentines, at naging sanhi ng pag-unlad ng landscape.

Ang isang katangian na halimbawa ng pansamantalang pagkaantala ng kulturang Venetian sa paglipat nito sa Renaissance kumpara sa ibang mga rehiyon ng Italya ay ang arkitektura ng Palasyo ng Doge (ika-14 na siglo). Sa pagpipinta, ang labis na katangian ng sigla ng mga tradisyong medyebal ay malinaw na makikita sa huling gawaing Gothic ng mga masters noong huling bahagi ng ika-14 na siglo, tulad nina Lorenzo at Stefano Veneziano. Ipinadama nila ang kanilang sarili kahit na sa mga gawa ng gayong mga artista noong ika-15 siglo, na ang sining ay mayroon nang ganap na katangian ng Renaissance. Ganyan ang mga "Madonnas" ni Bartolomeo, Alvise Vivarini, ganyan ang gawa ni Carlo Crivelli, isang banayad at matikas na master ng Early Renaissance. Sa kanyang sining, ang mga medieval reminiscences ay naramdaman nang mas malakas kaysa sa mga kontemporaryong artist ng Tuscany at Umbria. Ito ay katangian na ang mga proto-Renaissance tendencies, katulad ng sining nina Cavalini at Giotto, na nagtrabaho din sa Venetian Republic (isa sa kanyang pinakamahusay na mga siklo ay nilikha para sa Padua), ay nagparamdam sa kanilang sarili nang mahina at paminsan-minsan.

Mula lamang sa kalagitnaan ng ika-15 siglo masasabi natin na ang hindi maiiwasan at natural na proseso ng paglipat ng sining ng Venetian tungo sa mga sekular na posisyon, na katangian ng buong artistikong kultura ng Renaissance, ay nagsimulang ganap na maisakatuparan. Ang pagka-orihinal ng Venetian Quattrocento ay naipakita pangunahin sa pagnanais para sa pagtaas ng kasiyahan ng kulay, para sa isang kakaibang kumbinasyon ng banayad na pagiging totoo na may dekorasyon sa komposisyon, sa isang mas malaking interes sa background ng landscape, sa kapaligiran ng landscape na nakapalibot sa isang tao; Bukod dito, ito ay katangian na ang interes sa urban landscape ay marahil ay mas binuo kaysa sa interes sa natural na tanawin. Ito ay sa ikalawang kalahati ng ika-15 siglo na ang Renaissance paaralan ay nabuo sa Venice bilang isang makabuluhan at orihinal na kababalaghan na sumakop sa isang mahalagang lugar sa sining ng Italian Renaissance. Sa oras na ito, kasama ang sining ng archaizing Crivelli, ang gawain ni Antonello da Messina ay nabuo, nagsusumikap para sa isang mas holistic, pangkalahatan na pang-unawa sa mundo, isang patula, pandekorasyon at monumental na pang-unawa. Hindi naglaon, lumitaw ang isang mas salaysay na linya ng pag-unlad ng sining ng Gentile Bellini at Carpaccio.

Dapat pansinin na ang mga tampok na katangian ng paaralan ng Venetian ay tiyak ang nangingibabaw na pag-unlad ng pagpipinta ng langis at ang mas mahina na pag-unlad ng pagpipinta ng fresco. Sa panahon ng paglipat mula sa medyebal na sistema hanggang sa makatotohanang sistema ng Renaissance ng monumental na pagpipinta, ang mga Venetian, natural, tulad ng karamihan sa mga tao na lumipat mula sa Middle Ages hanggang sa yugto ng Renaissance ng pag-unlad ng artistikong kultura, halos ganap na inabandunang mga mosaic. Ang lalong makinang at pandekorasyon na kulay nito ay hindi na ganap na matugunan ang mga bagong masining na layunin. Siyempre, ang mosaic technique ay patuloy na ginamit, ngunit ang papel nito ay nagiging hindi gaanong kapansin-pansin. Gamit ang mosaic technique, posible pa rin sa Renaissance na makamit ang mga resulta na medyo nasiyahan sa mga aesthetic na pangangailangan ng panahon. Ngunit tiyak na ang mga tukoy na katangian ng mosaic smalt, ang katangi-tanging sonorous na ningning nito, surreal shimmer at sa parehong oras nadagdagan ang decorativeness ng pangkalahatang epekto ay hindi maaaring ganap na mailapat sa ilalim ng mga kondisyon ng bagong artistikong ideal. Totoo, ang tumaas na liwanag na ningning ng iridescent shimmering mosaic painting, bagama't binago, di-tuwirang, ay nakaimpluwensya sa Renaissance painting ng Venice, na palaging nakahilig sa matingkad na kalinawan at nagliliwanag na kayamanan ng kulay. Ngunit ang napaka-istilong sistema kung saan nauugnay ang mosaic, at dahil dito ang pamamaraan nito, ay kailangang, na may ilang mga pagbubukod, ay umalis sa globo ng mahusay na monumental na pagpipinta. Ang mosaic technique mismo, na ngayon ay mas madalas na ginagamit para sa mas tiyak at makitid na mga layunin, sa halip na isang pandekorasyon at inilapat na kalikasan, ay hindi ganap na nakalimutan ng mga Venetian. Bukod dito, ang Venetian mosaic workshops ay isa sa mga sentrong iyon na nagdala ng mga tradisyon ng mga mosaic technique, sa partikular na smalt, sa ating panahon.

Napanatili din ng stained glass painting ang ilang kabuluhan dahil sa "liwanag" nito, bagama't dapat itong aminin na hindi ito kailanman nagkaroon ng parehong kahalagahan alinman sa Venice o sa Italya sa kabuuan na ginawa nito sa kultura ng Gothic ng France at Germany. Ang ideya ng Renaissance plastic na muling pag-iisip ng visionary radiance ng medieval stained glass painting ay ibinigay ni "St. George" (ika-16 na siglo) ni Mochetto sa simbahan ng San Giovanni e Paolo.

Sa pangkalahatan, sa sining ng Renaissance, ang pag-unlad ng monumental na pagpipinta ay naganap alinman sa mga anyo ng pagpipinta ng fresco, o batay sa bahagyang pag-unlad ng tempera, at higit sa lahat sa monumental at pandekorasyon na paggamit ng pagpipinta ng langis (mga panel sa dingding ).

Ang Fresco ay isang pamamaraan kung saan ang mga obra maestra gaya ng cycle ni Masaccio, mga stanza ni Raphael at mga pagpipinta ng Sistine Chapel ni Michelangelo ay nilikha noong Early and High Renaissance. Ngunit sa klima ng Venetian ay ipinakita nito ang kawalang-tatag nito nang maaga at hindi laganap noong ika-16 na siglo. Kaya, ang mga fresco ng patyo ng Aleman na "Fondaco dei Tedeschi" (1508), na isinagawa ni Giorgione kasama ang pakikilahok ng batang Titian, ay halos ganap na nawasak. Ilang kalahating kupas na mga fragment lamang, na nasira ng kahalumigmigan, ang nakaligtas, kasama ng mga ito ang pigura ni Giorgione ng isang hubad na babae, na puno ng halos Praxitelean na kagandahan. Samakatuwid, ang lugar ng pagpipinta sa dingding, sa wastong kahulugan ng salita, ay kinuha ng isang panel ng dingding sa canvas, na idinisenyo para sa isang partikular na silid at ginanap gamit ang pamamaraan ng pagpipinta ng langis.

Ang pagpipinta ng langis ay nakatanggap ng isang partikular na malawak at mayamang pag-unlad sa Venice, gayunpaman, hindi lamang dahil ito ay tila ang pinaka-maginhawa para sa pagpapalit ng mga fresco ng isa pang pamamaraan ng pagpipinta na inangkop sa mahalumigmig na klima, kundi pati na rin dahil ang pagnanais na ihatid ang imahe ng isang taong malapit na koneksyon sa likas na kapaligiran sa paligid niya, ang interes sa makatotohanang sagisag ng tonal at coloristic na kayamanan ng nakikitang mundo ay maaaring maihayag nang may partikular na pagkakumpleto at kakayahang umangkop nang tumpak sa pamamaraan ng pagpipinta ng langis. Sa pagsasaalang-alang na ito, kasiya-siya sa kanyang malaking intensity ng kulay at malinaw na nagniningning na sonority, ngunit mas pandekorasyon sa kalikasan, ang pagpipinta ng tempera sa mga board sa mga komposisyon ng easel ay dapat natural na magbigay daan sa langis, at ang prosesong ito ng pagpapalit ng tempera sa oil painting ay lalo na patuloy na isinasagawa sa Venice. Hindi natin dapat kalimutan na para sa mga pintor ng Venetian, ang isang partikular na mahalagang pag-aari ng pagpipinta ng langis ay ang kakayahang mas nababaluktot, kumpara sa tempera, at fresco, masyadong, ihatid ang liwanag na kulay at spatial na lilim ng kapaligiran ng tao, ang kakayahang malambot at sonorously sculpt ang hugis ng katawan ng tao.

Ang gawa ni Giorgione.

Si Giorgione ay isang Italian artist, kinatawan ng Venetian school of painting; isa sa mga pinakadakilang master ng High Renaissance.

Si Giorgione ay ipinanganak sa maliit na bayan ng Castelfranco, isang bayan sa Veneto malapit sa Venice.

Ang tunay na pangalan ng artist ay Giorgio, ngunit siya ay karaniwang tinatawag sa kanyang palayaw na Giorgione...

Sa kasamaang palad, ang mga manuskrito ng artist o ang kanyang mga tala sa sining, pagpipinta at musika ay hindi nakaligtas, kahit ang kanyang mga sulat ay hindi nakaligtas. Noong bata pa siya, dumating si Giorgione sa Venice. Nabatid na sa edad na labing-anim ang pintor ng Italyano ay nag-aaral na at nagtatrabaho sa workshop ng sikat na Venetian artist na si Giovanni Bellini. Sa totoo lang, ito ay sa pagpipinta ng Venice na ang mga bagong humanistic ideya ay pinaka-malinaw na ipinahayag. Ang pagpipinta ng Venetian noong unang bahagi ng ika-16 na siglo ay hayagang sekular sa kalikasan.

Nasa dulo na ng ika-15 siglo, sa halip na mga icon sa Venice, lumitaw ang maliliit na easel painting, na nagbibigay-kasiyahan sa mga indibidwal na panlasa ng mga customer. Ang mga artista ngayon ay interesado hindi lamang sa mga tao, kundi pati na rin sa kanilang kapaligiran at tanawin. Si Giorgione ang una sa lahat ng Italyano na pintor na nagtalaga ng isang mahalagang lugar sa relihiyoso, mitolohiya at makasaysayang mga pagpipinta sa isang mala-tula na naisip, maganda, at hindi dayuhan sa natural na tanawin. Kasama ang mga komposisyon sa mga relihiyosong tema ("Adoration of the Shepherds"), ang pintor ng Italyano ay lumikha ng mga kuwadro na gawa sa sekular, mitolohiko na mga paksa, na nakakuha ng pangunahing kahalagahan sa kanyang trabaho. Sa mga gawa ni Giorgione ("Judith"; "The Three Philosophers"; "The Thunderstorm"; "Sleeping Venus"), ang mga patula na ideya ng artist tungkol sa kayamanan ng mahahalagang pwersa na nakatago sa mundo at tao ay inihayag hindi sa pagkilos, ngunit sa isang estado ng unibersal na tahimik na espirituwalidad.

Ang "Madonna of Castelfranco" ang pinakamalaki sa laki (200 x 152 cm) at ang tanging gawang ipininta ni Giorgione para sa simbahan.

Sa mga huling gawa ni Giorgione ("Sleeping Venus"; "Rural Concert") ang pangunahing tema ng gawa ng artist ay ganap na tinukoy - ang maayos na pagkakaisa ng tao at kalikasan. Ito ay kinakatawan ng mga natuklasan ni Giorgione sa larangan ng masining na wika, na may mahalagang papel sa pag-unlad ng European oil painting. Ang pagpapanatili ng kalinawan ng lakas ng tunog, kadalisayan at melodic na pagpapahayag ng mga contour, si Giorgione, sa tulong ng malambot na transparent na chiaroscuro, ay nakamit ang isang organikong pagsasanib ng pigura ng tao sa landscape at nakamit ang isang hindi pa naganap na pictorial integridad ng larawan. Nagbigay siya ng buong-dugo na init at pagiging bago sa tunog ng mga pangunahing spot ng kulay, pinagsasama ang mga ito sa iba't ibang mga makukulay na nuances, na magkakaugnay sa mga gradasyon ng pag-iilaw at gravitating patungo sa pagkakaisa ng tonal. Ang malikhaing konsepto ni Giorgione ay kakaibang nag-refract ng kontemporaryong natural na mga ideyang pilosopiko na nakaimpluwensya sa pagbuo ng Venetian humanism, at sumasalamin sa Renaissance na pag-ibig para sa kagandahan ng tao at makalupang pag-iral.

Ang sikat na pagpipinta ni Giorgione na "The Thunderstorm" ay pinalamutian ang gallery ng pilantropo na si Gabriele Vendramina, ang "The Three Philosophers" ay nasa koleksyon ni Taddeo Contarini, at ang pagpipinta na "Sleeping Venus" ay minsan sa koleksyon ng musikero na si Girolamo Marcello. Si Giorgione, bilang isang kaibigan ng mga mahilig sa sining na ito, ay nagkaroon ng pagkakataon na pag-aralan ang mga koleksyon ng mga humanista (nalaman na ang kanyang kostumer na si Gabriel Vendramin "ay mayroong maraming napakahalagang mga pagpipinta ng mahusay na mga masters at maraming mga iginuhit ng kamay na mga mapa, mga antigo, maraming mga libro, ulo, bust, plorera, mga antique na medalya"), na, walang alinlangan, ay makikita sa kanyang trabaho, sa espesyal na pagiging sopistikado at espirituwalidad ng kanyang mga imahe, sa kanyang pagkahilig sa pampanitikan at sekular na mga tema. Tinukoy ng pangkalahatang direksyon ng gawa ng artist ang intimate at liriko na pangkulay ng mga larawang ipininta niya ("Portrait of a Young Man"; ang tinatawag na "Laura").

Ang malikhaing konsepto ng Italyano na pintor ay katangi-tanging nagre-refracte sa natural na pilosopikal na mga konsepto ng panahon, nagkaroon ng pagbabagong epekto sa pagpipinta ng paaralang Venetian, at higit na binuo ng kanyang mag-aaral na si Titian. Sa kabila ng transience ng buhay ni Giorgione, marami siyang estudyante, na kalaunan ay naging sikat at sikat na mga artista, halimbawa. Sebastiano del Piombo, Giovanni da Udine, Francisco Torbido (Il Moro) at, siyempre, Tiziano Veccellio. Ang isang makabuluhang bilang ng mga masters ng pagpipinta ay ginaya ang malikhaing konsepto at istilo ni Giorgione, kabilang sina Lorenzo Lotto, Palma the Elder, Giovanni Cariani, Paris Bordone, Colleone, Zanchi, Pordenone, Girol Pennachi, Rocco Marcone at iba pa, na kung minsan ay iniuugnay ang mga painting bilang gawa. ng dakilang panginoon. Ang Venetian na pintor ng High Renaissance na si Giorgio Barbarelli mula sa Castelfranco sa kanyang pagpipinta ay nagsiwalat ng pinong pagkakasundo ng isang taong mayaman sa espirituwal at perpektong pisikal. Tulad ni Leonardo da Vinci, ang gawa ni Giorgione ay nakikilala sa pamamagitan ng malalim na intelektwalismo at tila mala-kristal na katalinuhan. Ngunit, hindi katulad ng mga gawa ni da Vinci, ang malalim na liriko ng kung saan ang sining ay napakatago at, kung baga, napapailalim sa kalunos-lunos na intelektwalismo, ang liriko na prinsipyo, sa malinaw na pagkakasundo nito sa makatuwirang prinsipyo sa mga pagpipinta ni Giorgione, ay gumagawa ng sarili nito. nadama nang may pambihirang puwersa. Ang Italyano na pintor ay namatay nang maaga sa Venice sa panahon ng epidemya ng salot noong taglagas ng 1510.

"Banal na Pamilya", 1500, National Gallery of Art, Washington

"Pagsubok sa pamamagitan ng Apoy ni Moses", 1500-1501, Uffizi, Florence

"Ang Paghuhukom ni Solomon", 1500-1501, Uffizi, Florence

"Judith", 1504, State Hermitage Museum, St. Petersburg

"Madonna ng Castelfranco". 1504, St. Liberale, Castelfranco

"Nagbabasa ng Madonna" 1505, Museo ng Ashmolean, Oxford

"Adoration of the Magi", 1506-1507, National Gallery, London

"The Adoration of the Shepherds", 1505-1510, National Gallery of Art, Washington

"Laura", 1506, Kunsthistorisches Museum, Vienna

"Young Man with an Arrow", 1506, Kunsthistorisches Museum, Vienna

"Ang Matandang Babae", 1508, Galleria dell'Accademia (Venice)

"Bagyo ng pagkulog", humigit-kumulang. 1508, Galleria dell'Accademia, Venice.

"Sleeping Venus", ca. 1508, Gallery ng Old Masters, Dresden.

"Tatlong Pilosopo", 1509, Kunsthistorisches Museum, Vienna

"Portrait of a Young Man", 1508-1510, Museo ng Fine Arts, Budapest.

Ang Renaissance sa Venice ay isang hiwalay at natatanging bahagi ng Italian Renaissance. Nagsimula ito dito nang maglaon, tumagal nang mas matagal, at ang papel ng mga sinaunang uso sa Venice ay ang pinakamaliit. Ang posisyon ng Venice sa iba pang mga rehiyon ng Italya ay maihahambing sa posisyon ng Novgorod sa medieval na Rus'. Ito ay isang mayaman, maunlad na republika ng patrician-merchant na may hawak ng mga susi sa mga ruta ng kalakalang pandagat. Ang lahat ng kapangyarihan sa Venice ay kabilang sa "Council of Nine," na inihalal ng naghaharing caste. Ang aktwal na kapangyarihan ng oligarkiya ay ginamit nang lihim at brutal, sa pamamagitan ng espiya at lihim na pagpatay. Ang panlabas na bahagi ng buhay ng Venetian ay hindi maaaring magmukhang mas maligaya.

Sa Venice, nagkaroon ng kaunting interes sa mga paghuhukay ng sinaunang mga sinaunang panahon; Matagal nang pinananatili ng Venice ang malapit na relasyon sa kalakalan sa Byzantium, sa Arab East, at nakipagkalakalan sa India. Ang kultura ng Byzantium ay nag-ugat ng malalim, ngunit hindi ang kalubhaan ng Byzantine ang naitanim dito, ngunit ang makulay at ginintuang ningning nito. Ginawa muli ng Venice ang parehong mga tradisyon ng Gothic at oriental (ang stone lace ng Venetian architecture, na nakapagpapaalaala sa Moorish Alhambra, ay nagsasalita tungkol sa kanila).

Ang St. Mark's Cathedral ay isang walang uliran na monumento ng arkitektura, ang pagtatayo nito ay nagsimula noong ika-10 siglo. Ang kakaiba ng katedral ay ang pagkakatugma nitong pinagsasama ang mga haligi na kinuha mula sa Byzantium, Byzantine mosaic, sinaunang Romanong iskultura, at Gothic na iskultura. Ang pagkakaroon ng hinihigop ang mga tradisyon ng iba't ibang kultura, ang Venice ay bumuo ng sarili nitong istilo, sekular, maliwanag at makulay. Ang maikling panahon ng maagang Renaissance ay nagsimula dito hindi mas maaga kaysa sa ikalawang kalahati ng ika-15 siglo. Noon ay lumitaw ang mga kuwadro na gawa nina Vittore Carpaccio at Giovanni Bellini, na kaakit-akit na naglalarawan sa buhay ng Venice sa konteksto ng mga kwentong panrelihiyon. Si V. Carpaccio sa cycle na “The Life of Saint Ursula” ay inilalarawan nang detalyado at patula ang kanyang bayang kinalakhan, ang tanawin nito, at ang mga naninirahan dito.

Si Giorgione ay itinuturing na unang master ng High Renaissance sa Venice. Ang kanyang "Sleeping Venus" ay isang gawa ng kamangha-manghang espirituwal na kadalisayan, isa sa mga pinaka-makatang larawan ng hubad na katawan sa sining ng mundo. Ang mga komposisyon ni Giorgione ay balanse at malinaw, at ang kanyang pagguhit ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang bihirang kinis ng mga linya. Ang Giorgione ay may kalidad na katangian ng buong paaralan ng Venetian - colorism. Hindi itinuring ng mga Venetian ang kulay bilang pangalawang elemento ng pagpipinta tulad ng mga Florentine. Ang pag-ibig para sa kagandahan ng kulay ay humahantong sa mga Venetian artist sa isang bagong pictorial na prinsipyo, kapag ang materyalidad ng imahe ay nakakamit hindi sa pamamagitan ng chiaroscuro, ngunit sa pamamagitan ng gradations ng kulay. Ang gawa ng Venetian artist ay malalim na emosyonal na gumaganap ng isang mas malaking papel dito kaysa sa mga pintor ng Florence.

Si Titian ay nabuhay ng isang maalamat na mahabang buhay - parang siyamnapu't siyam na taon, kung saan ang kanyang pinakahuling panahon ang pinakamahalaga. Dahil naging malapit kay Giorgione, naimpluwensyahan siya sa maraming paraan. Ito ay lalo na kapansin-pansin sa mga kuwadro na "Earthly and Heavenly Love" at "Flora" - mga gawa na matahimik sa mood at malalim ang kulay. Kung ikukumpara kay Giorgione, si Titian ay hindi kasing liriko at sopistikado, ang kanyang mga babaeng imahe ay mas "down to earth", ngunit ang mga ito ay hindi gaanong kaakit-akit. Ang kalmado, ginintuang buhok, ang mga babae ni Titian, hubad o may mayayamang pananamit, ay parang likas na hindi nababagabag, "nagniningning na may walang hanggang kagandahan" at ganap na malinis sa lantad nitong kahalayan. Ang pangako ng kaligayahan, pag-asa para sa kaligayahan at kumpletong kasiyahan sa buhay ay bumubuo ng isa sa mga pundasyon ng gawain ni Titian.

Si Titian ay intelektuwal, ayon sa isang kontemporaryo, siya ay "isang napakahusay, matalinong kausap na marunong humatol sa lahat ng bagay sa mundo." Sa buong mahabang buhay niya, nanatiling tapat si Titian sa matataas na mithiin ng humanismo.

Si Titian ay nagpinta ng maraming mga portrait, at bawat isa sa kanila ay natatangi, dahil ito ay nagbibigay ng indibidwal na kakaibang likas sa bawat tao. Noong 1540s, ipininta ng pintor ang larawan ni Pope Paul III, ang pangunahing patron ng Inquisition, kasama ang kanyang mga apo na sina Alessandro at Ottavio Farnese. Sa mga tuntunin ng lalim ng pagsusuri ng karakter, ang larawang ito ay isang natatanging gawa. Ang mandaragit at mahinang matandang nakasuot ng papal na damit ay kahawig ng isang sulok na daga, na handang kumalas sa isang lugar sa gilid. Dalawang kabataang lalaki ang kumikilos nang mapang-alipin, ngunit ang pagiging aliping ito ay mali: nararamdaman natin ang kapaligiran ng paggawa ng pagtataksil, panlilinlang, at intriga. Isang retrato na nakakakilabot sa kanyang walang humpay na pagiging totoo.

Sa ikalawang kalahati ng ika-16 na siglo, ang anino ng reaksyong Katoliko ay nahulog sa Venice; bagaman ito ay nanatiling isang pormal na independiyenteng estado, ang Inkisisyon ay tumagos din dito - at ang Venice ay palaging sikat sa kanyang relihiyosong pagpaparaya at sekular, malayang diwa ng sining. Isa pang sakuna ang dumarating sa bansa: nasalanta ito ng epidemya ng salot (namatay din si Titian sa salot). Kaugnay nito, nagbabago rin ang pananaw ni Titian sa mundo;

Sa kanyang mga huling gawa ay madarama ng isang tao ang matinding espirituwal na kalungkutan. Sa kanila, namumukod-tangi sina “Penitent Mary Magdalene” at “Saint Sebastian”. Ang pamamaraan ng pagpipinta ng master sa "Saint Sebastian" ay dinala sa pagiging perpekto. Sa malapitan, tila ang buong larawan ay isang kaguluhan ng mga brushstroke. Ang pagpipinta ng yumaong Titian ay dapat tingnan sa malayo. Pagkatapos ay nawala ang kaguluhan, at sa kadiliman ay nakikita natin ang isang binata na namamatay sa ilalim ng mga palaso, sa likuran ng naglalagablab na apoy. Ang mga malalaking, sweeping stroke ay ganap na sumisipsip sa linya at nagbubuod ng mga detalye. Ang mga Venetian, at higit sa lahat Titian, ay gumawa ng bagong malaking hakbang, pinapalitan ang statuary ng dynamic na kaakit-akit, pinapalitan ang dominasyon ng linya ng dominasyon ng isang color spot.

Si Titian ay maharlika at mahigpit sa kanyang huling larawan sa sarili. Ang karunungan, ganap na pagiging sopistikado at kamalayan ng malikhaing kapangyarihan ng isang tao ay huminga sa mapagmataas na mukha na may isang matangos na ilong, isang mataas na noo at isang hitsura na espirituwal at matalim.

Ang huling mahusay na pintor ng Venetian High Renaissance ay si Tintoretto. Siya ay nagpinta ng maraming at mabilis - mga monumental na komposisyon, lampshades, malalaking mga kuwadro na gawa, umaapaw sa mga figure sa nakakahilo na mga anggulo at may mga pinaka-kahanga-hangang mga constructions ng pananaw, unceremoniously pagsira sa istraktura ng eroplano, pagpilit saradong interior upang ilipat bukod at huminga ng espasyo. Ang ikot ng kanyang mga pagpipinta na nakatuon sa mga himala ng St. Marcos (pinalaya ni San Marcos ang alipin). Ang kanyang mga guhit at pagpipinta ay isang ipoipo, presyon, nagniningas na enerhiya. Hindi pinahihintulutan ni Tintoretto ang kalmado, pangharap na mga pigura, kaya literal na bumagsak si St. Mark mula sa langit papunta sa mga ulo ng mga pagano. Ang kanyang paboritong tanawin ay mabagyo, na may mabagyong ulap at mga kidlat ng kidlat.

Kawili-wili ang interpretasyon ni Tintoretto sa plot ng Last Supper. Sa kanyang pagpipinta, malamang na nagaganap ito sa isang madilim na tavern na may mababang kisame. Ang mesa ay inilalagay sa pahilis at dinadala ang mata sa kailaliman ng silid. Sa mga salita ni Kristo, lumilitaw ang buong hukbo ng mga transparent na anghel sa ilalim ng kisame. Lumilitaw ang kakaibang triple illumination: ang makamulto na liwanag ng mga anghel, ang pabagu-bagong liwanag ng lampara, ang liwanag ng halos sa paligid ng mga ulo ng mga apostol at ni Kristo. Ito ay isang tunay na mahiwagang phantasmagoria: maliwanag na kumikislap sa takip-silim, umiikot at nagniningning na liwanag, ang paglalaro ng mga anino ay lumikha ng isang kapaligiran ng pagkalito.

Renaissance sa Italya.

Ang mga panahon sa kasaysayan ng kulturang Italyano ay karaniwang itinalaga ng mga pangalan ng mga siglo: Ducento (XIII siglo) - Proto-Renaissance(katapusan ng siglo), trecento (XIV siglo) - pagpapatuloy ng Proto-Renaissance, quattrocento (XV siglo) - Maagang Renaissance, Cinquicento (XVI siglo) – Mataas na Renaissance(unang 30 taon ng siglo). Hanggang sa katapusan ng ika-16 na siglo. ito ay nagpapatuloy lamang sa Venice; ang termino ay mas madalas na ginagamit sa panahong ito "huling Renaissance".

Ang mga natatanging natural na kondisyon ay higit na tinutukoy ang mga katangian ng arkitektura ng Venetian. Ang lungsod, na matatagpuan sa 118 isla, ay nahahati sa 160 kanal, kung saan humigit-kumulang 400 tulay ang itinapon. Karamihan sa mga gusali dito ay itinayo sa mga stilts, ang mga bahay ay dikit-dikit.

Sa dami ng kahanga-hangang panorama, Mga nakalutang na palasyo at mga templo, Para bang mga barkong naka-angkla, Para silang naghihintay ng makatarungang hangin na magpapakilos sa kanilang mga layag! Ang kagalang-galang na kagandahan ay mukhang maalalahanin at malabo sa mga Palasyo! Sa kanilang mga dingding ay may mga siglong sulat-kamay, Ngunit ang kanilang mga alindog ay walang halaga, Kapag ang kanilang balangkas ay iginuhit Sa ilalim ng puting liwanag ng buwan. Ang pait ay nagbigay sa madilim na mga muog na ito na lambot, matambok at gilid, At ang kanilang batong tela ay kumikinang na parang transparent na puntas. Gaano kahiwaga ang lahat, kung gaano kakaiba Sa kahariang ito ng kamangha-manghang kagandahan: Ang anino ng isang patula na panaginip ay patuloy na bumabagsak sa lahat... P. A. Vyazemsky. "Larawan ng Venice"

Aklatan ng Jacopo Sansovino ng San Marco 1536 Venice. Sa pakikilahok ng sikat na arkitekto na si Jacopo Sansovino (), isang mag-aaral ng Bramante, natapos ang pagbuo ng lungsod. Dito niya itinayo ang gusali ng bagong aklatan ng San Marco. Ang dalawang palapag na gusali na may openwork na facade ay pinalamutian ng mga antigong order arcade. Sa unang palapag sa likod ng gallery ay may mga retail na lugar, at sa pangalawa ang aklatan mismo. Mga malalaking arko, mga dekorasyong eskultura, mga relief sa mga friezes - lahat ng ito ay nagbibigay sa gusali ng isang espesyal na kagandahan at kasiyahan.

Jacopo Sansovino. Aklatan ng San Marco, Venice

Andrei Palladio. Villa "Rotunda"

Ang pinakamalaking arkitekto ng Venice ay si Andrea Palladio (), na ang istilo ay nakikilala sa pamamagitan ng pagiging perpekto sa pagtatayo ng mga sinaunang order, natural na pagkakumpleto at mahigpit na pagkakasunud-sunod ng mga komposisyon, kalinawan at kahusayan ng pagpaplano, at ang koneksyon ng mga istrukturang arkitektura sa nakapaligid na kalikasan.

Ang palasyo ay hindi lamang ang tahanan na tirahan ng pinuno ng lungsod, ang Doge. Ngunit din lungsod at courtrooms, isang bilangguan. At gayundin ang dambuhalang Sala del Maggiorio Consiglio - ang tirahan ng mga nahalal na kinatawan ng mga tao ng Venetian parliament. Ang pattern ng openwork sa anyo ng isang sala-sala ay nagbibigay ng isang oriental na impresyon, ngunit ang pagbubukas ng façade sa pamamagitan ng mga arcade ay mayroon nang mahabang tradisyon sa Venice, na umaabot sa tuktok nito sa pagtatayo ng mga huling Gothic na palasyo.

Ca d'Oro. Venice

"The Golden House" - ito ay kung paano isinalin ang Ca d'Oro - isa sa mga pinakalumang gusali sa Venice. Itinayo ito sa utos ni Mariino Contarini, tagausig ng Katedral ng San Marco. Lumitaw ang pangalan nito dahil sa una ay ginintuan ang mga palamuti at sculptural na mga dekorasyon. Ang impresyon ay higit na pinahusay ng katotohanan na ang bahay, na nagniningning na may asul at pula na mga kulay, ay makikita sa tubig ng kanal.

Si Giovanni Bellini (ok) Si Giovanni Bellini (ok) ay nararapat na itinuturing na tagapagtatag ng paaralan ng pagpipinta ng Venetian, na ang istilo ay nakikilala sa pamamagitan ng pinong maharlika at nagliliwanag na kulay. Gumawa siya ng maraming mga pagpipinta na naglalarawan ng Madonnas, simple at seryoso, medyo maalalahanin at palaging malungkot. Siya ay nagmamay-ari ng ilang mga larawan ng mga kontemporaryo ng mga kilalang mamamayan ng Venice, na pinangarap na makita ang kanilang mga sarili na nakuha sa mga canvases ng dakilang master.

Tingnang mabuti ang mga napaka-ekspresibong katangian ni Doge Leonardo Loredano, pinuno ng pamahalaan ng Republika ng Venice. Puro at kalmado, ang Doge ay inilalarawan nang detalyado, mula sa malalalim na kulubot sa kanyang matanda na mukha hanggang sa mayaman na brocade ng kanyang pananamit. Ang manipis na mga tampok ng mukha at mahigpit na naka-compress na mga labi ay ipinagkanulo ang paghihiwalay ng kanyang kalikasan. Ang malamig na tono ng mga seremonyal na kasuotan ay malinaw na namumukod-tangi laban sa azure na background. Ang artist ay mahusay na pinamamahalaang isama ang mga tampok ng isang tao na bumaba sa kasaysayan bilang isang mang-uusig ng agham at paliwanag. Giovanni Bellini. Larawan ng Doge Leonardo Loredano National Gallery, London

Maraming mag-aaral si Bellini na mapagbigay niyang ipinasa sa kanyang mayamang karanasan sa pagkamalikhain. Kabilang sa mga ito, dalawang artista na sina Giorgione at Titian ang namumukod-tangi. Ang buhay ni Giorgione (1476/), na nababalot ng misteryo, ay maikli at maliwanag. Sa husay nakipagkumpitensya siya kay Leonardo mismo. Ayon kay Vasari, “pinagkalooban siya ng kalikasan ng isang talento na napakagaan at masaya, ang kanyang kulay sa langis at fresco ay kung minsan ay masigla at maliwanag, kung minsan ay malambot at pantay at napakalilim sa mga paglipat mula sa liwanag; sa anino na kinilala siya ng marami sa mga panginoon noon bilang isang pintor na ipinanganak upang magbigay ng buhay sa mga pigura...”

Giorgione. Judith g

Ang maganda at mahinhin na si Judith ay hindi talaga mahilig makipagdigma. Ang kanyang tingin ay ibinaling sa lupa, at sa kanyang abang pose ay walang bakas ng kalupitan o karahasan. Sa kabaligtaran, siya ay itinuturing na nagpapakilala sa pinakamataas na hustisya at awa. Nakalimutan na ba talaga ng artista ang tungkol sa kuwento sa Bibliya? Ang tanging nagpapaalala sa kanya ay ang kakila-kilabot na tropeo na maingat na tinatapakan ni Judith! Nahihirapan kaming paniwalaan na ang babaeng ito ay maaaring gumawa ng gayong brutal na pagpatay. Si Judith ay hindi nasisiyahan sa tagumpay, ngunit ipinikit ang kanyang mga mata at nakikinig, bahagyang nakangiti sa mga sulok ng kanyang mga labi. Ang espirituwal na imaheng ito ay may lahat: lambing at dignidad, kaamuan at panghihinayang, panloob na lakas at kagandahan. Ang mood ng larawan ay pinahusay ng liriko na tanawin. Ang isang banayad na maaliwalas na background, isang bahagyang kulay-rosas na kalangitan sa umaga, isang malakas na puno ng kahoy na pinutol sa gilid ng frame, at maingat na iginuhit na mga halaman ay idinisenyo upang lumikha ng isang elegiac na mood at maakit ang pansin sa sikolohikal na aspeto ng alamat ng Bibliya. Giorgione. Judith Mr.

Ang isang tunay na obra maestra ng gawa ni Giorgione ay ang "Sleeping Venus," isa sa mga pinakaperpektong babaeng larawan ng Renaissance. Sa gitna ng isang maburol na parang, ang sinaunang diyosa ng pag-ibig at kagandahan, si Venus, ay nakahiga sa isang madilim na pulang kumot. Giorgione. Natutulog si Venus. 1507"1508

Giorgione. Natutulog si Venus. 1507"1508 Picture gallery, Dresden She sleeps serenely. Ang larawan ng kalikasan ay nagbibigay ng isang espesyal na kadakilaan at kalinisang-puri sa imaheng ito. Sa likod ng Venus, sa abot-tanaw, mayroong isang maluwang na kalangitan na may puting ulap, isang mababang tagaytay ng asul na mga bundok, isang banayad landas patungo sa isang burol na tinutubuan ng mga halaman, ang kakaibang profile ng burol, na umaalingawngaw sa mga balangkas ng pigura ng diyosa, ang grupo ng mga tila walang nakatira na mga gusali, ang mga damo at mga bulaklak sa parang ay maingat na nilikha ng artista sa larawang ito, nais kong ulitin pagkatapos ng A.S. Pushkin: Ang lahat ng nasa loob nito ay kahanga-hanga, Lahat sa itaas ng mundo at mga hilig , Titian at Durer, Poussin at Velazquez, Rembrandt at Rubens, Gauguin at Manet ay lumikha ng kanilang mga gawa sa paksang ito.

Ang artistikong mundo ng Titian Spanish artist noong ika-17 siglo. Sumulat si Diego Velazquez: "Ang Venice ay mayroong lahat ng pagiging perpekto ng kagandahan! Ibinibigay ko ang unang lugar sa pagpipinta, kung saan si Titian ang standard-bearer." Nabuhay si Titian ng mahaba (halos isang siglo!) na buhay () at nanalo ng katanyagan sa buong mundo kasama ng iba pang mga titans ng High Renaissance. Ang kanyang mga kontemporaryo ay sina Columbus at Copernicus, Shakespeare at Giordano Bruno. Sa edad na siyam siya ay ipinadala sa isang workshop ng mosaicist, nag-aral sa Venice kasama si Bellini, at kalaunan ay naging katulong ni Giorgione. Ang malikhaing pamana ng artista, na may masiglang ugali at kamangha-manghang pagsusumikap, ay malawak. Nagtatrabaho sa iba't ibang genre, nagawa niyang ipahayag ang diwa at mood ng kanyang panahon.

Titian. Self-portrait ni Messrs. Prado, Madrid

Ano ang hitsura ni Titian? Tingnan ang kanyang self-portrait (), na ginawa sa edad na 90. Nakita namin ang isang matangkad na matanda na may malalaki at masculine features. Bahagya siyang yumuko sa bigat ng kanyang maitim at nakatiklop na damit. Ang isang makitid na strip ng kwelyo ay pumuputol tulad ng isang sinag sa isang malago na pilak na balbas. Ang itim na takip ay binibigyang diin ang intensity ng kanyang malakas na profile. Ang mga daliri ng kanang kamay ay marahang pinipisil ang marupok na kamay. Walang alinlangan, sa harap natin ay isang aktibo, malikhaing kalikasan, puno ng uhaw sa buhay. Sumandal ang pintor, na parang nakasilip sa mukha ng kanyang kausap. Ang matalim na tingin ng isang taong matalino sa pamamagitan ng karanasan sa buhay ay marilag at kalmado. Ang itim na balabal ay mayaman at eleganteng, ito ay magkakasuwato na pinagsama sa scheme ng kulay na pilak ng pangkalahatang kulay. Napakaraming pag-aaral ang naisulat tungkol sa kahusayan ni Titian sa kulay. cyanogen. Self-portrait ni Messrs. Prado, Madrid “Sa kulay ay walang katumbas... ito ay sumasabay sa kalikasan mismo. Sa kanyang mga pagpipinta, ang kulay ay nakikipagkumpitensya at naglalaro sa mga anino, tulad ng nangyayari sa kalikasan mismo” (L. Dolce).

Ang "Venus of Urbino" ay isang tunay na obra maestra ng artista. Sinabi ng mga kontemporaryo tungkol sa pagpipinta na ito na si Titian, hindi tulad ni Giorgione, na sa ilalim ng kanyang impluwensya ay walang alinlangan, "nagbukas ng mga mata ni Venus at nakita namin ang mamasa-masa na titig ng isang babaeng umiibig, na nangangako ng malaking kaligayahan." Sa katunayan, niluwalhati niya ang nagniningning na kagandahan ng isang babae, pininturahan siya sa loob ng isang mayamang Venetian na bahay. Sa likuran, dalawang katulong ang abala sa mga gawaing bahay: kumukuha sila ng mga gamit sa banyo para sa kanilang maybahay mula sa isang malaking dibdib. Sa paanan ni Venus, nakabaluktot sa isang bola, isang maliit na aso ang natutulog. Ang lahat ay karaniwan, simple at natural, at sa parehong oras ay napakaganda at simboliko.

Maganda ang mukha ng babaeng nakahiga sa natutulog na kama. Proudly and calmly she looked straight at the viewer, hindi man lang nahiya sa kanyang nakakasilaw na kagandahan. Halos walang anino sa kanyang katawan, at binibigyang-diin lamang ng gusot na kumot ang matikas na balingkinitan at init ng kanyang nababanat na katawan. Ang pulang tela sa ilalim ng sheet, ang pulang kurtina, ang pulang damit ng isa sa mga kasambahay, at mga carpet na may parehong kulay ay lumikha ng isang mainit at makulay na kulay. Ang larawan ay puno ng simbolismo. Si Venus ay ang diyosa ng pag-ibig sa pag-aasawa, maraming mga detalye ang nagsasalita tungkol dito. Ang isang plorera na may myrtle sa bintana ay sumisimbolo sa katatagan, ang isang rosas sa kamay ni Venus ay isang tanda ng pangmatagalang pag-ibig, at ang isang aso na nakabaluktot sa kanyang mga paa ay isang tradisyonal na simbolo ng katapatan.

Ang pagpipinta ni “Penitent Mary Magdalene” ni Titian na “Penitent Mary Magdalene” ay naglalarawan ng isang dakilang makasalanan na minsang naghugas ng mga paa ni Kristo ng kanyang mga luha at saganang pinatawad niya. Mula noon, hanggang sa kamatayan ni Hesus, hindi siya iniwan ni Maria Magdalena. Sinabi niya sa mga tao ang tungkol sa kanyang mahimalang Pagkabuhay na Mag-uli. Isinasantabi ang aklat ng Banal na Kasulatan, taimtim siyang nanalangin, ibinaling ang kanyang tingin sa langit. Ang kanyang mukha na puno ng luha, mga alon ng makapal na umaagos na buhok, ang nagpapahayag na kilos ng isang magandang kamay na nakadikit sa kanyang dibdib, ang mga simpleng damit ay pininturahan ng artist na may espesyal na pangangalaga at kasanayan. Ang isang basong pitsel at isang bungo ay inilalarawan sa malapit, isang simbolikong paalala ng transience ng makalupang buhay at kamatayan. Binibigyang-diin ng makulimlim na mabagyong kalangitan, mabatong kabundukan at mga punong umaalingawngaw mula sa hangin ang drama ng mga nangyayari. Titian. Nagsisisi Maria Magdalena. Circa 1565 State Hermitage Museum, St. Petersburg "Portrait of a Young Man with a Glove" ay isa sa pinakamagandang likha ng Titian. Ang nangingibabaw na mahigpit, madilim na mga tono ay idinisenyo upang mapahusay ang pakiramdam ng pagkabalisa at pag-igting. Ang mga kamay at mukha na nahuli sa liwanag ay nagbibigay-daan sa iyo upang mas masusing tingnan ang taong inilalarawan. Walang alinlangan, sa harap natin ay isang espirituwal na personalidad, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng katalinuhan, maharlika, at sa parehong oras ang kapaitan ng mga pagdududa at pagkabigo. Sa mga mata ng binata ay may isang balisang pag-iisip tungkol sa buhay, ang gulo ng isip ng isang matapang at determinadong lalaki. Ang isang tense na tingin "sa loob" ay nagpapahiwatig ng isang kalunos-lunos na alitan ng kaluluwa, isang masakit na paghahanap para sa isang "Ako." Sa mga huling taon ng kanyang buhay, na ganap na pinagkadalubhasaan ang elemento ng kulay, nagtrabaho si Titian sa isang espesyal na paraan. Narito kung paano pinag-usapan ito ng isa sa kanyang mga estudyante:

Nagtrabaho si Titian sa isang espesyal na paraan. Ganito ang usapan ng isa sa kanyang mga estudyante: “Tinakip ni Titian ang kanyang mga canvases ng isang makulay na misa, na para bang nagsisilbing... bilang pundasyon ng nais niyang ipahayag sa hinaharap. Ako mismo ay nakakita ng gayong masiglang ginawang mga underpainting, na isinagawa gamit ang isang makapal na puspos na brush, alinman sa isang purong pulang tono, na nilayon upang balangkasin ang kalahating tono, o gamit ang parehong brush, inilubog ito sa pula, pagkatapos ay itim, pagkatapos ay dilaw pintura, binuo niya ang kaluwagan Sa parehong mahusay na kasanayan, sa tulong ng apat na kulay lamang, pinukaw niya ang pangako ng isang magandang pigura mula sa limot... Ginawa niya ang mga huling retoke sa pamamagitan ng magaan na mga hagod ng kanyang mga daliri, pinakinis ang mga paglipat mula sa ang pinakamaliwanag na mga highlight sa mga halftone at kung minsan ay pinupunasan ang isang tono sa isa pa gamit ang kanyang daliri ay naglapat siya ng makapal na anino sa ilang sulok upang pagandahin ang lugar na ito... Sa dulo ay talagang higit siyang nagpinta gamit ang kanyang mga daliri kaysa sa isang brush.

Hindi tulad ng sining ng Central Italy, kung saan binuo ang pagpipinta na may malapit na koneksyon sa arkitektura at iskultura, sa Venice noong ika-14 na siglo. nangingibabaw ang pagpipinta. Sa mga gawa nina Giorgione at Titian, naganap ang isang paglipat sa pagpipinta ng easel. Ang isa sa mga dahilan para sa paglipat ay tinutukoy ng klima ng Venice, kung saan ang fresco ay hindi gaanong napanatili. Ang isa pang dahilan ay ang pagpipinta ng easel ay lumilitaw na may kaugnayan sa paglago ng mga sekular na tema at pagpapalawak ng hanay ng mga bagay na kasama sa atensyon ng mga pintor. Kasabay ng pagtatatag ng easel painting, tumaas ang pagkakaiba-iba ng mga genre. Kaya, lumikha si Titian ng mga pintura batay sa mga paksang mitolohiya, larawan, at komposisyon batay sa mga paksa sa Bibliya. Sa gawain ng mga kinatawan ng Late Renaissance - Veronese at Tintoretto, nagkaroon ng bagong pagtaas sa monumental na pagpipinta.

Si Giorgio da Castelfranco, na may palayaw na Giorgione (1477-1510), ay nabuhay ng maikling buhay. Ang pangalang Giorgione ay nagmula sa salitang "zorzo", na sa Venetian dialect ay nangangahulugang "isang tao ng pinakamababang kapanganakan." Ang kanyang pinagmulan ay hindi pa tiyak na naitatag, at walang maaasahang impormasyon tungkol sa mga taon ng kanyang pag-aprentis sa Bellini. Si Giorgione ay nasa loob ng cultural strata ng Venice. Ang mga paksa ng kanyang mga painting tulad ng "The Thunderstorm" at "Three Philosophers" ay mahirap bigyang-kahulugan. Noong 1510 namatay si Giorgione sa salot.

Ang easel painting ay isang uri ng pagpipinta na ang mga gawa ay may independiyenteng kahulugan at nakikita anuman ang kapaligiran. Ang pangunahing anyo ng pagpipinta ng easel ay isang larawang pinaghihiwalay ng isang frame mula sa paligid nito.

Titian Vecelli (1476/77-1576). Ang Titian ay nagmula sa bayan ng Cadore sa paanan ng mga Dolomites. Nag-aral ang artista kay Giovanni Bellini. Noong 1507, pumasok si Titian sa pagawaan ni Giorgione, na ipinagkatiwala kay Titian ang pagkumpleto ng kanyang mga gawa. Pagkatapos ng kamatayan ni Giorgione, natapos ni Titian ang ilan sa kanyang mga gawa at tinanggap ang ilan sa kanyang mga order, at nagbukas ng kanyang sariling pagawaan.
Sa oras na ito, sa isang bilang ng mga larawan, kabilang ang "Salome", "Lady at the Toilet" at "Flora", isinama niya ang kanyang ideya ng kagandahan. Noong 1516, nilikha ng artista ang "The Ascension of Our Lady" (Assunta) para sa Church of Santa Maria Gloriosa dei Frari sa Venice - ipinapakita ng pagpipinta kung paano nakikita ng isang grupo ng mga animated na kumikilos na mga apostol ang Ina ng Diyos na umakyat sa langit na napapalibutan ng mga anghel. Noong 1525, pinakasalan ni Titian si Cecilia, ang kanyang minamahal, kung saan nagkaroon siya ng dalawang anak na lalaki.

Sa oras na ito, gustong-gusto ni Titian ang malusog, sensual na mga imahe at gumamit ng matino at malalalim na kulay. Pagkatapos ng kamatayan ni Bellini, ang posisyon ng artist ng Venetian School of the Republic ay ipinasa kay Titian. Binubuo ng Titian ang reporma ng pagpipinta, na pinasimulan ni Giorgione: binibigyan ng kagustuhan ng artist ang malalaking canvases na nagbibigay-daan sa malawak at libreng aplikasyon ng mga kulay. Sa paunang layer, kaagad pagkatapos na matuyo, naglapat siya ng mas marami o hindi gaanong siksik ngunit tuluy-tuloy na mga stroke, na may halong transparent at makintab na mga barnis, tinatapos ang larawan sa pamamagitan ng pagpapatindi ng pinakamaliwanag na mga tono at mga anino na may mga stroke na nakakuha ng halos parang corpus na karakter. Ang sketch ay pare-pareho sa pangkalahatang emosyonal na paghahanda, ngunit kumpleto sa sarili nito.

Sa imbitasyon ni Pope Paul III, lumipat si Titian sa Roma. Lumilitaw ang mga bagong tema sa kanyang sining - ang drama ng pakikibaka, pag-igting. Kaya, sa pagpipinta na "Here is a Man," inilipat ng artist ang balangkas ng ebanghelyo sa isang kontemporaryong setting, na naglalarawan kay Pietro Aretino sa imahe ni Pilato, at ang Venetian Doge sa pagkukunwari ng isa sa mga Pariseo. Ito ay hindi nakalulugod sa papa, at si Titian at ang kanyang anak ay umalis patungong Augsburg upang bisitahin si Charles V. Sa korte ni Charles V, si Titian ay nagsusulat ng maraming, lalo na nakatanggap ng maraming mga order mula sa Espanya na si Haring Philip II ay nag-utos sa kanya ng ilang mga pagpipinta. Noong unang bahagi ng 50s. Bumalik si Titian sa Venice, ngunit patuloy na nagtatrabaho para sa hari ng Espanya. Ang mga larawan ni Titian ay nakikilala sa pamamagitan ng sigla. Ang “Portrait of Pope Paul III with Alexandro and Ottavio Farnese” ay nagpapakita ng pagkikita ng tatlong tao, na ang bawat isa ay konektado sa iba pang lihim na damdamin. Noong 1548, nagpinta si Titian ng dalawang larawan ni Charles V. Sa isa, ipinakita siya bilang isang matagumpay, na nanalo ng isang tagumpay - nakasuot ng baluti, sa isang helmet na may balahibo, si Charles ay nakasakay sa isang kabayo sa gilid ng kagubatan.
Nang si Titian ay nagpinta ng larawan ni Emperor Charles V, ibinagsak niya ang kanyang brush, at kinuha ito ng emperador. Pagkatapos ay sinabi ng artista: "Kamahalan, ang iyong lingkod ay hindi karapat-dapat sa gayong karangalan." Kung saan ang emperador diumano ay sumagot: "Si Titian ay karapat-dapat na paglingkuran ni Caesar."

Ang pangalawang larawan ay nagpapakita ng Emperor sa isang tradisyonal na Spanish black suit, nakaupo sa isang upuan na may loggia sa background.
Noong unang bahagi ng 50s. Si Titian, na inatasan ni Philip II, na naging emperador pagkatapos ng pagbibitiw ng kanyang ama na si Charles V, ay nagpinta ng pitong canvases sa mga paksang mitolohiya, na tinawag niyang "tula," na binibigyang-kahulugan ang mga paksang mitolohiya bilang mga metapora para sa buhay ng tao. Kabilang sa mga tula ang "The Death of Actaeon", "Venus and Adonis", "The Rape of Europa". Ang mga huling taon ng kanyang buhay ay nanirahan si Titian sa Venice. Ang pagkabalisa at pagkabigo ay lumalaki sa kanyang mga gawa. Sa mga relihiyosong pagpipinta, lalong bumaling si Titian sa mga dramatikong paksa - mga eksena ng pagkamartir at pagdurusa, kung saan maririnig din ang mga trahedya.

Huling Renaissance. Paolo Veronese (1528-1588). Si P. Caliari, na tinawag na Veronese pagkatapos ng kanyang lugar ng kapanganakan, ay isinilang sa Verona noong 1528. Pagdating sa Venice, agad siyang nakakuha ng pagkilala sa kanyang trabaho sa Palazzo ng Doge. Hanggang sa katapusan ng kanyang buhay, sa loob ng 35 taon, nagtrabaho si Veronese upang palamutihan at luwalhatiin ang Venice. Ang pagpipinta ni Veronese ay gawa sa kulay. Alam niya kung paano i-juxtapose ang mga indibidwal na kulay sa paraan na ang rapprochement na ito ay lumikha ng isang partikular na matinding tunog. Nagsisimula silang magsunog tulad ng mga mahalagang bato. Hindi tulad ni Titian, na pangunahing pintor ng easel, si Veronese ay isang ipinanganak na dekorador. Bago ang Veronese, ang mga indibidwal na easel painting ay inilagay sa mga dingding upang palamutihan ang mga interior at walang pangkalahatang pandekorasyon na pagkakaisa, isang sintetikong pagsasanib ng pagpipinta at arkitektura. Si Veronese ang una sa mga Venetian artist na lumikha ng buong pandekorasyon na ensemble, pagpinta ng mga dingding ng mga simbahan, monasteryo, palasyo at villa mula sa itaas hanggang sa ibaba, na isinasama ang kanyang pagpipinta sa arkitektura. Para sa mga layuning ito ginamit niya ang pamamaraan ng fresco. Sa kanyang mga kuwadro na gawa at higit sa lahat sa kanyang lampshades, gumamit si Veronese ng malalakas na foreshortenings, bold spatial cuts, na idinisenyo upang tingnan ang larawan mula sa ibaba hanggang sa itaas. Sa kanyang lampshades ay "binuksan niya ang kalangitan."

Jacopo Tintoretto. Tunay na pangalan Jacopo Robusti (1518-1594). Ang pagpipinta ni Tintoretto ay minarkahan ang pagkumpleto ng Italyano na bersyon ng Renaissance. Nahilig si Tintoretto sa mga pictorial cycle ng isang kumplikadong pampakay na katangian; Kaya, sa pinalawak na salaysay ng malaking cycle ng Scuola di San Rocco, kasama ang maraming kilalang mga yugto mula sa Luma at Bagong Tipan, hindi gaanong karaniwan at kahit na ganap na mga bagong motif ay ipinakilala - "The Temptation of Christ" at landscape compositions na may Magdalena at Maria ng Ehipto. Ikot tungkol sa mga himala ng St. Ang selyo sa Venetian Academy at sa Brera ng Milan ay ipinakita sa mga anyo na malayo sa karaniwang mga solusyon sa larawan.

Ang Palasyo ng Doge na naglalarawan ng mga labanan ay nagpapakita ng kasaganaan ng pagkakaiba-iba at katapangan ng disenyo. Sa sinaunang tema ng mitolohiya, ipinagpatuloy ni Tintoretto ang libreng patula na interpretasyon ng mga motif, na nagsimula sa "tula" ni Titian. Ang isang halimbawa nito ay ang pagpipinta na "Ang Pinagmulan ng Milky Way." Gumamit siya ng mga bagong pinagmumulan ng plot. Kaya, sa pagpipinta na "The Rescue of Arsinoe," ang artist ay nagpatuloy mula sa pagbagay ng tula ng Romanong may-akda na si Lucan sa alamat ng medieval ng Pransya, at "Tancred at Clorinda" na isinulat niya batay sa tula ni Tasso.

Paulit-ulit na binalingan ni Tintoretto ang plot ng The Last Supper. Kung sa solemne na hugis frieze na "Huling Hapunan" sa simbahan ng Santa Maria Marcuola ay ipinakita ang isang debate sa paksa kung paano maunawaan ang mga salita ng guro, pagkatapos ay sa pagpipinta mula sa simbahan ng Santa Trovaso ang mga salita ni Kristo, tulad ng mga suntok, nakakalat ang mga nagulat na mga alagad, at sa canvas mula sa Scuola di San Rocco, pinagsasama nito ang dramatikong aspeto ng aksyon at ang simbolismo ng sakramento sa simbahan ng San Giorgio Maggiore, ang sakramento ng Eukaristiya ay nakuha ang kalidad ng isang unibersal na puwersang nagpapasigla. Kung ang mga pintor ng klasikal na uri ay may posibilidad na maghatid ng oras, na walang simula o wakas, kung gayon ang Tintoretto ay gumagamit ng prinsipyo ng paghahatid ng isang kaganapan. Ang isang partikular na tampok ng mga gawa ni Tintoretto ay ang pagiging suhestiyon, dynamics, maliwanag na ningning ng mga natural na motif, at spatial na multidimensionality.