Gershenzon-Chegodaeva N. M
R. Klimov
Ang mga unang pagpapakita ng sining ng Renaissance sa Netherlands ay nagsimula sa simula ng ika-15 siglo.
Ang Dutch (talagang Flemish) ay masters noong ika-14 na siglo. nagtamasa ng mahusay na katanyagan sa Kanlurang Europa, at marami sa kanila ang may mahalagang papel sa pag-unlad ng sining ng ibang mga bansa (lalo na ang France). Gayunpaman, halos lahat ng mga ito ay hindi lumalabas sa mainstream ng medyebal na sining. Bukod dito, ang diskarte ng isang bagong butas sa pagpipinta ay hindi gaanong napapansin. Ang mga artista (halimbawa, Melchior Bruderlam, c. 1360-pagkatapos ng 1409) ay pinakamahusay na nagpaparami sa kanilang mga gawa ang bilang ng mga detalyeng naobserbahan sa kalikasan, ngunit ang kanilang mekanikal na stringing ay hindi nakakatulong sa pagiging totoo ng kabuuan.
Ang eskultura ay sumasalamin sa mga sulyap ng bagong kamalayan na mas maliwanag. Sa pagtatapos ng ika-14 na siglo Ginawa ni Klaus Sluter (d. c. 1406) ang mga unang pagtatangka na basagin ang mga tradisyonal na canon. Ang mga estatwa ni Duke Philip the Bold at ng kanyang asawa sa portal ng libingan ng mga duke ng Burgundian sa monasteryo ng Dijon ng Chanmol (1391-1397) ay nakikilala sa pamamagitan ng walang pasubaling portrait persuasiveness. Ang kanilang pagkakalagay sa mga gilid ng portal, sa harap ng estatwa ng Ina ng Diyos, na matatagpuan sa gitna, ay nagpapatotoo sa pagnanais ng iskultor na pag-isahin ang lahat ng mga pigura at lumikha mula sa kanila ng isang uri ng eksena ng pag-asa. Sa looban ng parehong monasteryo, si Sluter, kasama ang kanyang pamangkin at estudyante na si Claus de Werve (c. 1380-1439), ay lumikha ng komposisyon na "Golgotha" (1395-1406), ang pedestal na pinalamutian ng mga estatwa na bumaba sa amin (ang tinatawag na Well of the Prophets) ay nakikilala sa pamamagitan ng kapangyarihan ng mga anyo at dramatikong intensyon. Ang estatwa ni Moses, na bahagi ng gawaing ito, ay maaaring maiuri bilang isa sa mga pinakamahalagang tagumpay ng eskultura ng Europa noong panahon nito. Sa mga gawa ni Sluter at de Verve, dapat din nating pansinin ang mga pigura ng mga nagdadalamhati para sa libingan ni Philip the Bold (1384-1411; Dijon. Museum, at Paris, Cluny Museum), na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang matalim, tumaas na pagpapahayag sa naghahatid ng mga damdamin.
Gayunpaman, hindi maaaring ituring na si Klaus Sluger o Klaus de Werwe ang mga tagapagtatag ng Netherlandish Renaissance. Ang ilang pagmamalabis ng pagpapahayag, labis na literal na mga solusyon sa portrait at isang napakahina na pag-indibidwal ng imahe ay nagpapangyari sa atin na makita sa kanila ang mga nauna kaysa sa mga nagpasimula ng isang bagong sining. Sa anumang kaso, ang pag-unlad ng mga tendensya ng Renaissance sa Netherlands ay nagpatuloy sa ibang mga paraan. Ang mga landas na ito ay binalangkas sa isang Dutch miniature mula sa unang bahagi ng ika-15 siglo.
Dutch miniaturist noong ika-13-14 na siglo. nasiyahan sa pinakamalawak na katanyagan; marami sa kanila ang naglakbay sa labas ng bansa at nagkaroon ng napakalakas na impluwensya sa mga master, halimbawa, sa France. At sa larangan lamang ng miniature, nilikha ang isang monumento ng turning point - ang tinatawag na Turin-Milan Book of Hours.
Nabatid na si Jean, Duke ng Berry ang kostumer nito, at nagsimula ang gawain dito pagkalipas ng 1400. Ngunit hindi pa natatapos, binago ng Aklat ng Mga Oras na ito ang may-ari nito, at nag-drag ito hanggang sa ikalawang kalahati ng ika-15 siglo. Noong 1904, sa panahon ng sunog ng Turin National Library, karamihan sa mga ito ay nasunog.
Sa mga tuntunin ng artistikong pagiging perpekto at ang kahalagahan nito para sa sining ng Netherlands, kabilang sa mga miniature ng Book of Hours, isang grupo ng mga sheet na nilikha, tila, noong 1920s, ay namumukod-tangi. ika-15 c. Sina Hubert at Jan van Eykov ay tinawag na kanilang may-akda, o may kondisyong tinatawag na Punong Guro ng Aklat ng mga Oras.
Ang mga miniature na ito ay hindi inaasahang totoo. Inilalarawan ng master ang mga berdeng burol na may mga naglalakad na batang babae, isang dalampasigan na may mga puting tupa ng alon, malalayong lungsod at isang cavalcade ng matatalinong mangangabayo. Ang mga ulap ay lumulutang sa mga kawan sa kalangitan; Ang mga kastilyo ay makikita sa tahimik na tubig ng ilog, isang serbisyo ay nangyayari sa ilalim ng maliwanag na mga vault ng simbahan, isang bagong panganak na abala sa silid. Nilalayon ng artist na ihatid ang walang katapusan, buhay, lahat-ng-matalim na kagandahan ng Earth. Ngunit sa parehong oras, hindi niya sinusubukang i-subordinate ang imahe ng mundo sa isang mahigpit na konsepto ng pananaw sa mundo, tulad ng ginawa ng kanyang mga kontemporaryong Italyano. Hindi ito limitado sa muling paglikha ng isang eksenang tukoy sa plot. Ang mga tao sa kanyang mga komposisyon ay hindi tumatanggap ng isang nangingibabaw na papel at hindi humiwalay mula sa kapaligiran ng landscape, palaging ipinakita na may matalas na pagmamasid. Sa isang binyag, halimbawa, ang mga tauhan ay inilalarawan sa harapan, ngunit nakikita ng manonood ang tanawin sa pagkakaisa nito: isang lambak ng ilog na may kastilyo, mga puno, at maliliit na larawan ni Kristo at ni Juan. Bihirang para sa kanilang oras, ang katapatan sa kalikasan ay minarkahan ang lahat ng mga kulay, at sa pamamagitan ng kanilang airiness, ang mga miniature na ito ay maaaring ituring na isang pambihirang kababalaghan.
Para sa mga miniature ng Turin-Milan Book of Hours (at, mas malawak, para sa pagpipinta ng 20s ng ika-15 siglo), napaka katangian na ang artist ay hindi gaanong binibigyang pansin ang maayos at makatwirang organisasyon ng mundo, ngunit sa natural na spatial na lawak nito. Sa esensya, ang mga tampok ng artistikong pananaw sa mundo ay ipinakita dito, na medyo tiyak, na walang mga pagkakatulad sa kontemporaryong sining ng Europa.
Para sa isang pintor ng Italyano noong unang bahagi ng ika-15 siglo, ang napakalaking pigura ng isang tao, kumbaga, ay naglagay ng anino nito sa lahat, na nagpasakop sa lahat sa sarili nito. Sa turn, ang espasyo ay binibigyang-kahulugan na may diin na rasyonalismo: malinaw na tinukoy ang mga hangganan, lahat ng tatlong dimensyon ay malinaw na ipinahayag dito, at ito ay nagsilbing perpektong kapaligiran para sa mga pigura ng tao. Ang Dutchman ay hindi hilig na makita ang mga tao bilang sentro ng uniberso. Ang tao para sa kanya ay bahagi lamang ng sansinukob, marahil ang pinakamahalaga, ngunit hindi umiiral sa labas ng kabuuan. Ang tanawin sa kanyang mga gawa ay hindi kailanman nagiging background, at ang espasyo ay walang kinakalkula na kaayusan.
Ang mga prinsipyong ito ay nagpatotoo sa pagbuo ng isang bagong uri ng pananaw sa mundo. At hindi sinasadya na ang kanilang pag-unlad ay lumampas sa makitid na mga limitasyon ng miniature, na humantong sa pag-renew ng buong Netherlandish na pagpipinta at ang pamumulaklak ng isang espesyal na variant ng Renaissance art.
Ang mga unang pagpipinta, na, tulad ng mga miniature ng Turin Book of Hours, ay maaari nang mauri bilang mga monumento ng maagang Renaissance, ay nilikha ng magkapatid na Hubert at Jan van Eyck.
Pareho silang - Hubert (namatay noong 1426) at Jan (c. 1390-1441) - ay gumanap ng isang mapagpasyang papel sa pagbuo ng Dutch Renaissance. Halos walang alam tungkol kay Hubert. Si Jan ay, tila, isang napaka-edukadong tao, nag-aral ng geometry, kimika, kartograpya, nagsagawa ng ilang mga diplomatikong misyon ng Duke ng Burgundy na si Philip the Good, sa paglilingkod kung saan, sa pamamagitan ng paraan, naglakbay siya sa Portugal. Ang mga unang hakbang ng Renaissance sa Netherlands ay maaaring hatulan ng mga larawang gawa ng mga kapatid, na ginawa noong 20s, at kabilang sa mga ito tulad ng "mga babaeng nagdadala ng mira sa libingan" (maaaring bahagi ng isang polyptych; Rotterdam, Museum Boijmans -van Beiningen), "Madonna sa Simbahan" (Berlin), "St. Jerome" (Detroit, Art Institute).
Sa pagpipinta ng Madonna in the Church ni Jan van Eyck, ang mga partikular na natural na obserbasyon ay tumatagal ng napakalaking espasyo. Ang nakaraang sining ng Europa ay hindi alam ang gayong mga likas na larawan ng totoong mundo. Ang artist ay maingat na gumuhit ng mga detalye ng eskultura, hindi nakakalimutang magsindi ng mga kandila malapit sa estatwa ng Madonna sa hadlang ng altar, minarkahan ang isang bitak sa dingding, at sa labas ng bintana ay nagpapakita ng malabong balangkas ng isang lumilipad na puwit. Ang loob ay puno ng liwanag na ginintuang liwanag. Ang liwanag ay dumadausdos sa mga vault ng simbahan, nakahiga tulad ng mga sinag ng araw sa mga slab ng sahig, malayang bumubuhos sa mga pintuan na nakabukas upang salubungin ito.
Gayunpaman, sa napakalaking nakakumbinsi na interior na ito, inilalagay ng master ang pigura ni Maria, ang kanyang ulo ay umaabot sa mga bintana ng ikalawang baitang. II, gayunpaman, ang gayong malakihang kumbinasyon ng pigura at arkitektura ay hindi nagbibigay ng impresyon ng hindi kapani-paniwala, dahil hindi gaanong mga relasyon at koneksyon ang nangingibabaw sa pagpipinta ni van Eyck tulad ng sa buhay. Ang liwanag na tumatagos dito ay totoo, ngunit binibigyan din nito ang larawan ng mga tampok ng kahanga-hangang kaliwanagan at nagbibigay sa mga kulay ng hindi pangkaraniwang intensity ng tunog. Hindi nagkataon lamang na ang asul na balabal ni Maria at ang kanyang pulang damit ay tumagos sa buong simbahan - ang dalawang kulay na ito ay kumikislap sa korona ni Maria, nagsabit sa mga damit ng mga anghel na nakikita sa kailaliman ng simbahan, lumiwanag sa ilalim ng mga arko at sa krusipiho na korona. ang hadlang sa dambana, na pagkatapos ay gumuho sa maliliit na kislap sa pinakamalayong stained-glass window ng katedral.
Sa Dutch art ng 20s. ika-15 c. ang pinakadakilang katumpakan sa paglipat ng kalikasan at mga bagay ng paggamit ng tao ay pinagsama sa isang mas mataas na pakiramdam ng kagandahan, at higit sa lahat, ang kulay, makulay na sonority ng isang tunay na bagay. Ang ningning ng kulay, ang malalim na panloob na pagkabalisa at isang uri ng solemne na kadalisayan ay nag-aalis sa mga gawa ng 1920s. anumang pang-araw-araw na gawain - kahit na sa mga kaso kung saan ang isang tao ay inilalarawan sa isang domestic na kapaligiran.
Kung ang aktibidad ng tunay na simula sa mga gawa ng 1420s. ay isang karaniwang tanda ng kanilang kalikasan ng Renaissance, kung gayon ang kailangang-kailangan na diin sa kahanga-hangang kaliwanagan ng lahat ng bagay sa lupa ay nagpapatotoo sa perpektong pagka-orihinal ng Renaissance sa Netherlands. Ang kalidad ng pagpipinta ng Netherlandish ay nakatanggap ng isang malakas na sintetikong ekspresyon sa sentral na gawain ng hilagang Renaissance - sa sikat na Ghent altar ng mga kapatid na van Eyck.
Ang Ghent altar (Ghent, ang simbahan ng St. Bavo) ay isang engrande, maraming bahagi na istraktura (3.435 X 4.435). Kapag isinara, ito ay isang dalawang-tier na komposisyon, ang mas mababang baitang kung saan ay inookupahan ng mga larawan ng mga estatwa ng dalawang Juan - ang Baptist at ang Ebanghelista, sa mga gilid kung saan may mga nakaluhod na customer - sina Jodocus Veid at Elizabeth Burlut; ang itaas na baitang ay nakalaan para sa eksena ng Annunciation, na nakoronahan ng mga pigura ng mga sibyl at propeta, na kumukumpleto sa komposisyon.
Ang mas mababang baitang, dahil sa paglalarawan ng mga totoong tao at ang pagiging natural at tangibility ng mga rebulto, ay higit pa sa itaas na baitang na konektado sa kapaligiran kung saan matatagpuan ang manonood. Ang scheme ng kulay ng tier na ito ay tila siksik, mabigat. Sa kabaligtaran, ang "Annunciation" ay tila mas malayo, ang kulay nito ay maliwanag, at ang espasyo ay hindi sarado. Itinulak ng pintor ang mga bayani - ang anghel na nag-eebanghelyo at si Maria na nagpasalamat - sa mga gilid ng entablado. At ang buong espasyo ng silid ay lumaya, napuno ng liwanag. Ang liwanag na ito, sa isang mas malaking lawak kaysa sa "Madonna sa Simbahan", ay may dalawahang katangian - ito ay nagdadala ng simula ng kahanga-hanga, ngunit ito rin ay nagpapatula ng dalisay na kaginhawaan ng isang ordinaryong kapaligiran sa bahay. At parang upang patunayan ang pagkakaisa ng dalawang aspeto ng buhay na ito - unibersal, dakila at tunay, araw-araw - ang mga sentral na panel ng "Annunciation" ay binibigyan ng view ng malayong pananaw ng lungsod at ang imahe ng isang nakakaantig na detalye ng sambahayan. gamitin - isang washbasin na may nakasabit na tuwalya sa tabi nito. Masigasig na iniiwasan ng artista ang mga limitasyon ng espasyo. Ang liwanag, kahit na maliwanag, ito ay nagpapatuloy sa labas ng silid, sa likod ng mga bintana, at kung saan walang bintana, mayroong isang recess o angkop na lugar, at kung saan walang angkop na lugar, ang liwanag ay bumabagsak na parang sinag ng araw, paulit-ulit na manipis na mga sintas ng bintana sa dingding. .
sining ng Renaissance. Ang sining ng Netherland noong ika-15 siglo. Pagpipinta.
Kahit na ang isang makabuluhang bilang ng mga natitirang monumento ng Netherlandish na sining noong ika-15 at ika-16 na siglo ay dumating sa atin, ito ay kinakailangan, kapag isinasaalang-alang ang pag-unlad nito, upang isaalang-alang ang katotohanan na marami ang namatay kapwa sa panahon ng iconoclastic na kilusan, na nagpakita mismo sa isang bilang ng mga lugar sa panahon ng rebolusyon ng ika-16 na siglo, at sa paglaon, sa partikular na may kaugnayan sa kaunting pansin na binabayaran sa kanila sa mga huling panahon, hanggang sa simula ng ika-19 na siglo.
Ang kawalan sa karamihan ng mga kaso ng mga pirma ng mga artist sa mga painting at ang kakulangan ng dokumentaryong data ay nangangailangan ng makabuluhang pagsisikap ng maraming mga mananaliksik upang maibalik ang pamana ng mga indibidwal na artist sa pamamagitan ng isang masusing pagsusuri sa estilistiko. Ang pangunahing nakasulat na mapagkukunan ay ang Aklat ng mga Artist na inilathala noong 1604 (pagsasalin ng Ruso, 1940) ng pintor na si Karel van Mander (1548-1606). Naipon sa modelo ng "Biographies" ni Vasari, ang mga talambuhay ng mga Dutch artist noong ika-15-16 na siglo ni Mander ay naglalaman ng malawak at mahalagang materyal, ang espesyal na kahalagahan nito ay nasa impormasyon tungkol sa mga monumento na direktang pamilyar sa may-akda.
Sa unang quarter ng ika-15 siglo, isang radikal na rebolusyon ang naganap sa pag-unlad ng Western European painting - lumitaw ang isang easel painting. Iniuugnay ng makasaysayang tradisyon ang rebolusyong ito sa mga aktibidad ng magkakapatid na van Eyck, ang mga tagapagtatag ng Netherlandish na paaralan ng pagpipinta. Ang gawain ng van Eycks ay higit na inihanda ng mga makatotohanang pananakop ng mga masters ng nakaraang henerasyon - ang pag-unlad ng late Gothic sculpture at lalo na ang aktibidad ng isang buong kalawakan ng Flemish masters ng mga miniature ng libro na nagtrabaho sa France. Gayunpaman, sa pino, pinong sining ng mga masters na ito, lalo na ang magkapatid na Limburg, ang pagiging totoo ng mga detalye ay pinagsama sa kondisyon na imahe ng espasyo at ang pigura ng tao. Nakumpleto ng kanilang gawain ang pag-unlad ng Gothic at kabilang sa isa pang yugto ng pag-unlad ng kasaysayan. Ang mga aktibidad ng mga artistang ito ay naganap halos lahat sa France, maliban sa Bruderlam. Ang sining na nilikha sa teritoryo ng Netherlands mismo noong huling bahagi ng ika-14 at unang bahagi ng ika-15 na siglo ay pangalawang, probinsyal na kalikasan. Kasunod ng pagkatalo ng France sa Agincourt noong 1415 at ang paglipat ni Philip the Good mula Dijon patungong Flanders, tumigil ang paglipat ng mga artista. Ang mga artista ay nakakahanap ng maraming customer, bilang karagdagan sa korte ng Burgundian at simbahan, sa mga mayayamang mamamayan. Kasabay ng paglikha ng mga painting, nagpinta sila ng mga estatwa at relief, nagpinta ng mga banner, nagsasagawa ng iba't ibang pandekorasyon na gawa, at nagdedekorasyon ng mga kasiyahan. Sa ilang mga pagbubukod (Jan van Eyck), ang mga artista, tulad ng mga artisan, ay pinagsama sa mga guild. Ang kanilang mga aktibidad, na limitado sa mga limitasyon ng lungsod, ay nag-ambag sa pagbuo ng mga lokal na paaralan ng sining, na, gayunpaman, ay hindi gaanong nakahiwalay dahil sa maliliit na distansya kaysa sa Italya.
Ghent altar. Ang pinakasikat at pinakamalaking gawa ng magkapatid na van Eyck, The Adoration of the Lamb (Ghent, St. Bavo Church) ay kabilang sa mga dakilang obra maestra ng sining sa mundo. Ito ay isang malaking two-tier na nakatiklop na imahe ng altar, na binubuo ng 24 na magkakahiwalay na mga kuwadro na gawa, 4 sa mga ito ay inilalagay sa nakapirming gitnang bahagi, at ang natitira sa panloob at panlabas na mga pakpak). Ang mas mababang baitang ng panloob na bahagi ay bumubuo ng isang solong komposisyon, bagaman ito ay nahahati sa 5 bahagi ng mga frame ng sash. Sa gitna, sa isang parang na tinutubuan ng mga bulaklak, isang trono na may isang tupa ang bumangon sa isang burol, ang dugo mula sa sugat nito ay umaagos sa mangkok, na sumasagisag sa nagbabayad-salang sakripisyo ni Kristo; ang isang maliit na ibaba ay tinatalo ang bukal ng "pinagmulan ng tubig na buhay" (ibig sabihin, ang pananampalatayang Kristiyano). Ang mga pulutong ng mga tao ay nagtipon upang sambahin ang tupa - sa kanan ay nakaluhod na mga apostol, sa likod nila ay mga kinatawan ng simbahan, sa kaliwa - ang mga propeta, at sa likuran - ang mga banal na martir na umuusbong mula sa mga kakahuyan. Ang mga ermitanyo at mga peregrino na inilalarawan sa kanang bahagi ng mga pakpak, na pinamumunuan ng higanteng si Christopher, ay pumunta rin dito. Ang mga mangangabayo ay inilalagay sa kaliwang mga pakpak - mga tagapagtanggol ng pananampalatayang Kristiyano, na ipinahiwatig ng mga inskripsiyon bilang "mga kawal ni Kristo" at "Mga Matuwid na hukom". Ang kumplikadong nilalaman ng pangunahing komposisyon ay nakuha mula sa Apocalypse at iba pang mga teksto sa Bibliya at ebanghelyo at nauugnay sa holiday ng simbahan ng lahat ng mga banal. Bagaman ang mga indibidwal na elemento ay nagmula sa medieval iconography ng temang ito, hindi lamang sila makabuluhang kumplikado at pinalawak sa pamamagitan ng pagsasama ng mga imahe sa mga pintuan na hindi ibinigay ng tradisyon, ngunit isinalin din ng artist sa ganap na bago, kongkreto at buhay na mga imahe. Ang partikular na atensyon ay nararapat, sa partikular, ang tanawin, kung saan ang palabas ay nagbubukas; maraming mga species ng mga puno at shrubs, mga bulaklak, mga bato na natatakpan ng mga bitak at ang panorama ng distansya ng pagbubukas up sa background ay conveyed na may kamangha-manghang katumpakan. Bago ang matalas na titig ng pintor, na para bang sa unang pagkakataon, nahayag ang kasiya-siyang kayamanan ng mga anyo ng kalikasan, na ipinarating niya nang may paggalang. Ang interes sa pagkakaiba-iba ng mga aspeto ay malinaw na ipinahayag sa mayamang pagkakaiba-iba ng mga mukha ng tao. Sa kamangha-manghang kahusayan, ang mga mitre ng mga obispo ay pinalamutian ng mga bato, ang mayamang harness ng mga kabayo, at kumikinang na baluti. Sa "mga mandirigma" at "mga hukom" ay nabubuhay ang kahanga-hangang kariktan ng korte ng Burgundian at kabalyero. Ang pinag-isang komposisyon ng mas mababang tier ay sinasalungat ng malalaking figure ng itaas na tier na inilagay sa mga niches. Ang mahigpit na solemnidad ay nakikilala ang tatlong pangunahing mga pigura - ang Diyos Ama, ang Birheng Maria at si Juan Bautista. Ang isang matinding kaibahan sa maringal na mga imaheng ito ay ang mga hubad na pigura nina Adan at Eva, na pinaghihiwalay mula sa kanila ng mga larawan ng pag-awit at pagtugtog ng mga anghel. Para sa lahat ng archaism ng kanilang hitsura, ang pag-unawa ng mga artista sa istraktura ng katawan ay kapansin-pansin. Ang mga figure na ito ay nakakuha ng atensyon ng mga artista noong ika-16 na siglo, gaya ni Dürer. Ang mga angular na anyo ni Adan ay ikinukumpara sa bilog ng babaeng katawan. Sa malapit na pansin, ang ibabaw ng katawan, na sumasakop sa mga buhok nito, ay inilipat. Gayunpaman, ang mga paggalaw ng mga figure ay pinipigilan, ang mga poses ay hindi matatag.
Ang partikular na tala ay isang malinaw na pag-unawa sa mga pagbabago na nagreresulta mula sa isang pagbabago sa punto ng view (mababa para sa mga ninuno at mataas para sa iba pang mga figure).
Ang monochromaticity ng mga panlabas na pinto ay idinisenyo upang i-set off ang kayamanan ng mga kulay at ang kasiyahan ng mga bukas na pinto. Ang altar ay binuksan lamang kapag pista opisyal. Sa ibabang baitang ay may mga estatwa ni Juan Bautista (kung kanino orihinal na itinalaga ang simbahan) at si Juan na Ebanghelista, na ginagaya ang eskultura ng bato, at ang mga nakaluhod na pigura ng mga donor na si Iodokus Feit at ang kanyang asawa na nakatayo sa mga lugar na may lilim. Ang hitsura ng gayong kaakit-akit na mga imahe ay inihanda sa pamamagitan ng pagbuo ng portrait sculpture. Ang mga figure ng arkanghel at Maria sa eksena ng Annunciation na naglalahad sa isang solong, kahit na pinaghihiwalay ng mga sash frame, interior ay nakikilala sa pamamagitan ng parehong statuary plasticity. Nabibigyang pansin ang mapagmahal na paglilipat ng mga kasangkapan ng pabahay ng burgher at ang tanawin ng kalye ng lungsod na bumubukas sa bintana.
Ang isang inskripsiyon sa talata na inilagay sa altar ay nagsasabi na ito ay sinimulan ni Hubert van Eyck, "ang pinakadakila sa lahat", na tinapos ng kanyang kapatid na "pangalawa sa sining" sa ngalan ni Jodocus Feit, at inilaan noong Mayo 6, 1432. Ang indikasyon ng pakikilahok ng dalawang artista, natural, ay humantong sa maraming mga pagtatangka upang makilala sa pagitan ng bahagi ng pakikilahok ng bawat isa sa kanila. Gayunpaman, napakahirap gawin ito, dahil pare-pareho ang pictorial execution ng altar sa lahat ng bahagi. Ang pagiging kumplikado ng gawain ay nadagdagan ng katotohanan na, habang mayroon kaming maaasahang biograpikong impormasyon tungkol kay Jan, at higit sa lahat, mayroon kaming ilan sa kanyang hindi mapag-aalinlanganang mga gawa, halos wala kaming alam tungkol kay Hubert at wala kaming isang dokumentado na gawa ng kanyang . Ang mga pagtatangkang patunayan ang kamalian ng inskripsiyon at ideklara si Hubert na isang "maalamat na pigura" ay dapat ituring na hindi napatunayan. Ang hypothesis ay tila ang pinaka-makatwiran, ayon sa kung saan ginamit at tinapos ni Jan ang mga bahagi ng altar na sinimulan ni Hubert, ibig sabihin, ang "Adoration of the Lamb", at ang mga figure ng itaas na baitang na sa una ay hindi bumubuo ng isang solong kabuuan kasama niya, maliban kina Adan at Eva, na ganap na pinatay ni Jan; ang pag-aari ng buong panlabas na balbula sa huli ay hindi kailanman naging sanhi ng mga talakayan.
Hubert van Eyck. Nananatiling kontrobersyal ang pagiging may-akda ni Hubert (?-1426) kaugnay ng iba pang mga akdang iniuugnay sa kanya ng ilang mananaliksik. Isang painting lamang na "Three Marys at the tomb of Christ" (Rotterdam) ang maiiwan sa kanya nang walang pag-aalinlangan. Ang tanawin at mga babaeng figure sa pagpipinta na ito ay napakalapit sa pinakaluma na bahagi ng Ghent altar (ang ibabang kalahati ng gitnang pagpipinta ng mas mababang baitang), at ang kakaibang pananaw ng sarcophagus ay katulad ng perspektibong imahe ng fountain. sa Pagsamba sa Kordero. Walang alinlangan, gayunpaman, na si Jan ay nakibahagi din sa pagpapatupad ng larawan, kung kanino ang iba pang mga numero ay dapat na maiugnay. Ang pinaka-nagpapahayag sa kanila ay ang natutulog na mandirigma. Si Hubert, kung ihahambing kay Jan, ay gumaganap bilang isang artista na ang trabaho ay nauugnay pa rin sa nakaraang yugto ng pag-unlad.
Jan van Eyck (c. 1390-1441). Sinimulan ni Jan van Eyck ang kanyang karera sa The Hague, sa korte ng Dutch counts, at mula 1425 siya ay isang pintor at courtier ng Philip the Good, kung saan siya ay ipinadala bilang bahagi ng isang embahada noong 1426 sa Portugal at noong 1428 sa Espanya; mula 1430 siya ay nanirahan sa Bruges. Nasiyahan ang artista sa espesyal na atensyon ng duke, na sa isa sa mga dokumento ay tinawag siyang "walang kapantay sa sining at kaalaman." Ang kanyang mga gawa ay malinaw na nagsasalita tungkol sa mataas na kultura ng artist.
Si Vasari, malamang na gumuhit sa isang naunang tradisyon, ay nagdetalye ng pag-imbento ng oil painting ng "sopistikadong alchemy" na si Jan van Eyck. Alam namin, gayunpaman, na ang linseed at iba pang mga drying oil ay kilala na bilang isang binder noong unang bahagi ng Middle Ages (mga tract ng Heraclius at Theophilus, ika-10 siglo) at medyo malawak na ginagamit, ayon sa mga nakasulat na mapagkukunan, noong ika-14 na siglo. Gayunpaman, ang kanilang paggamit ay limitado sa mga pandekorasyon na gawa, kung saan sila ay ginamit para sa higit na tibay ng naturang mga pintura kumpara sa tempera, at hindi dahil sa kanilang mga optical na katangian. Kaya, si M. Bruderlam, na ang altar ng Dijon ay pininturahan sa tempera, ay gumamit ng langis kapag nagpinta ng mga banner. Ang mga painting ng van Eycks at ng mga kalapit na Dutch artist noong ika-15 siglo ay kapansin-pansing naiiba sa mga painting na ginawa sa tradisyonal na tempera technique, na may espesyal na parang enamel na kislap ng mga kulay at lalim ng mga tono. Ang pamamaraan ng van Eycks ay batay sa pare-parehong paggamit ng mga optical na katangian ng mga pintura ng langis na inilapat sa mga transparent na layer sa underpainting at highly reflective chalky ground na nakikita sa pamamagitan ng mga ito, sa pagpapakilala ng mga resins na natunaw sa mahahalagang langis sa itaas na mga layer, at sa paggamit ng mataas na kalidad na mga pigment. Ang bagong pamamaraan, na lumitaw sa direktang koneksyon sa pagbuo ng mga bagong makatotohanang pamamaraan ng paglalarawan, ay lubos na pinalawak ang mga posibilidad ng matapat na pictorial na paghahatid ng mga visual na impression.
Sa simula ng ika-20 siglo, sa isang manuskrito na kilala bilang Turin-Milan Book of Hours, natuklasan ang isang bilang ng mga miniature na malapit sa altar ng Ghent, 7 dito ay namumukod-tangi sa kanilang napakataas na kalidad. Ang partikular na kapansin-pansin sa mga miniature na ito ay ang landscape, na ginawang may nakakagulat na banayad na pag-unawa sa mga relasyon sa liwanag at kulay. Sa miniature na "Prayer on the Seashore", na naglalarawan ng isang mangangabayo na napapalibutan ng isang retinue sa isang puting kabayo (halos magkapareho sa mga kabayo sa kaliwang pakpak ng Ghent Altar), na nagpapasalamat sa isang ligtas na pagtawid, ang mabagyong dagat at maulap na kalangitan ay kamangha-manghang naihatid. Ang hindi gaanong kapansin-pansin sa pagiging bago nito ay ang tanawin ng ilog na may kastilyo, na iluminado ng araw sa gabi ("St. Julian at Martha"). Ang loob ng burgher room sa komposisyon na "The Nativity of John the Baptist" at ang Gothic na simbahan sa "Requiem Mass" ay inihatid na may nakakagulat na panghihikayat. Kung ang mga nakamit ng makabagong artist sa larangan ng landscape ay hindi nakakahanap ng mga parallel hanggang sa ika-17 siglo, kung gayon ang manipis, magaan na mga numero ay ganap na nauugnay sa lumang tradisyon ng Gothic. Ang mga miniature na ito ay mula sa mga 1416-1417 at sa gayon ay nailalarawan ang unang yugto ng gawain ni Jan van Eyck.
Ang makabuluhang kalapitan sa huling nabanggit na mga miniature ay nagbibigay ng mga batayan upang isaalang-alang ang isa sa pinakamaagang mga painting ni Jan van Eyck "Madonna in the Church" (Berlin), kung saan ang liwanag na dumadaloy mula sa itaas na mga bintana ay kamangha-mangha na naihatid. Sa isang miniature triptych na isinulat medyo mamaya, na may imahe ng Madonna sa gitna, St. Michael kasama ang customer at St. Catherine sa mga panloob na pakpak (Dresden), ang impresyon ng nave ng simbahan na lumalalim sa espasyo ay umabot sa halos kumpletong ilusyon. Ang pagnanais na bigyan ang imahe ng isang nasasalat na katangian ng isang tunay na bagay ay lalo na binibigkas sa mga pigura ng arkanghel at Maria sa mga panlabas na pakpak, na ginagaya ang mga estatwa na gawa sa inukit na buto. Ang lahat ng mga detalye sa larawan ay pininturahan nang may pag-iingat na kahawig nila ng alahas. Ang impresyon na ito ay higit na pinahusay ng kislap ng mga kulay, kumikinang na parang mga mahalagang bato.
Ang magaan na kagandahan ng Dresden triptych ay sinasalungat ng mabigat na ningning ng Madonna ng Canon van der Pale. (1436, Bruges), na may malalaking pigura na itinulak sa masikip na espasyo ng isang mababang Romanesque apse. Hindi napapagod ang mata sa paghanga sa kamangha-manghang pininturahan na asul at gintong episcopal robe ng St. Donatian, mahalagang baluti at lalo na ang chain mail ng St. Michael, isang kahanga-hangang oriental na karpet. Kasing-ingat ng pinakamaliit na link ng chain mail, inihahatid ng artist ang mga fold at wrinkles ng malabo at pagod na mukha ng isang matalino at mabait na matandang customer - Canon van der Pale.
Isa sa mga tampok ng sining ni van Eyck ay ang detalyeng ito ay hindi nakakubli sa kabuuan.
Sa isa pang obra maestra, na nilikha ng kaunti mas maaga, "Madonna of Chancellor Rolen" (Paris, Louvre), ang espesyal na pansin ay binabayaran sa landscape, na kung saan ay tiningnan mula sa isang mataas na loggia. Ang lungsod sa pampang ng ilog ay nagbubukas sa amin sa lahat ng pagkakaiba-iba ng arkitektura nito, na may mga pigura ng mga tao sa mga lansangan at mga parisukat, na parang nakikita sa pamamagitan ng isang teleskopyo. Ang kalinawan na ito ay kapansin-pansing nagbabago habang ito ay lumalayo, ang mga kulay ay kumukupas - ang artist ay may pag-unawa sa aerial na pananaw. Na may katangiang kawalang-kinikilingan, ang mga tampok ng mukha at ang matulungin na hitsura ni Chancellor Rolen, isang malamig, masinop at mapaglingkod sa sarili na estadista na namuno sa patakaran ng estado ng Burgundian, ay ipinarating.
Ang isang espesyal na lugar sa mga gawa ni Jan van Eyck ay kabilang sa maliit na pagpipinta na "St. Barbara ”(1437, Antwerp), o sa halip, isang guhit na ginawa gamit ang pinakamahusay na brush sa isang primed board. Ang santo ay inilalarawan na nakaupo sa paanan ng katedral na tore na itinatayo. Ayon sa alamat, St. Nakakulong si Barbara sa isang tore, na naging katangian niya. Si Van Eyck, na pinapanatili ang simbolikong kahulugan ng tore, ay binigyan ito ng isang tunay na karakter, na ginagawa itong pangunahing elemento ng landscape ng arkitektura. Katulad na mga halimbawa ng interweaving ng symbolic at ang tunay, kaya katangian ng panahon ng paglipat mula sa theological-scholastic worldview sa makatotohanang pag-iisip, sa gawain ng hindi lamang Jan van Eyck, ngunit din ng iba pang mga artist ng simula ng siglo, ang isa ay maaaring magbanggit ng kaunti; maraming mga detalye-mga larawan sa mga kapital ng mga haligi, mga dekorasyon sa muwebles, iba't ibang mga gamit sa bahay sa maraming mga kaso ay may simbolikong kahulugan (halimbawa, sa eksena ng Pagpapahayag, isang washstand at isang tuwalya ang nagsisilbing simbolo ng kadalisayan ng birhen ni Maria).
Si Jan van Eyck ay isa sa mga dakilang master ng portrait. Hindi lamang ang kanyang mga nauna, kundi pati na rin ang mga Italyano sa kanyang panahon ay sumunod sa parehong pamamaraan ng larawan sa profile. Pinihit ni Jan van Eyck ang kanyang mukha ¾ at pinaliwanagan ito ng malakas; sa pagmomodelo ng mukha, gumagamit siya ng chiaroscuro sa mas mababang lawak kaysa sa mga relasyon sa tono. Ang isa sa kanyang pinaka-kahanga-hangang mga larawan ay naglalarawan ng isang binata na may isang pangit, ngunit kaakit-akit, kahinhinan at espirituwal na mukha, sa pulang damit at berdeng palamuti sa ulo. Ang Griyegong pangalan na "Timothy" (marahil ay tumutukoy sa pangalan ng sikat na Griyegong musikero), na ipinahiwatig sa batong balustrade, kasama ang lagda at petsang 1432, ay nagsisilbing epithet para sa pangalan ng inilalarawan, tila isa sa mga pangunahing musikero. na nasa serbisyo ng Duke ng Burgundy.
Ang "Portrait of an Unknown Man in a Red Turban" (1433, London) ay namumukod-tangi sa pinakamagandang pictorial performance at matalas na pagpapahayag. Sa kauna-unahang pagkakataon sa kasaysayan ng sining ng mundo, ang titig ng inilalarawan ay nakatuon nang husto sa manonood, na parang pumasok sa direktang pakikipag-usap sa kanya. Ito ay lubos na makatwiran na ipagpalagay na ito ay isang self-portrait ng artist.
Para sa "Portrait of Cardinal Albergati" (Vienna), isang kahanga-hangang pagguhit ng paghahanda sa pilak na lapis (Dresden), na may mga tala sa kulay, ay napanatili, tila ginawa noong 1431 sa isang maikling pananatili ng mahalagang diplomat na ito sa Bruges. Ang larawang larawan, na tila ipininta nang maglaon, sa kawalan ng isang modelo, ay nakikilala sa pamamagitan ng isang hindi gaanong matalas na paglalarawan, ngunit isang mas binibigyang-diin na kahalagahan ng karakter.
Ang huling portrait work ng artist ay ang tanging babaeng portrait sa kanyang pamana - "Portrait of his wife" (1439, Bruges).
Ang isang espesyal na lugar hindi lamang sa gawa ni Jan van Eyck, kundi pati na rin sa lahat ng sining ng Dutch noong ika-15-16 na siglo ay kabilang sa "Portrait of Giovanni Arnolfini at ng kanyang asawa" (1434, London. Si Arnolfini ay isang kilalang kinatawan ng kolonya ng kalakalang Italyano sa Bruges). Ang mga imahe ay ipinakita sa intimate setting ng isang maaliwalas na interior ng burgher, ngunit ang mahigpit na simetrya ng komposisyon at mga kilos (nakataas ang kamay ng lalaki, na parang nanunumpa, at ang magkasanib na kamay) ay nagbibigay sa eksena ng isang mariin na solemne na karakter. Itinutulak ng artista ang mga hangganan ng isang purong larawang larawan, ginagawa itong isang eksena sa kasal, sa isang uri ng apotheosis ng katapatan sa pag-aasawa, ang simbolo kung saan ay ang aso na inilalarawan sa paanan ng mag-asawa. Hindi namin mahahanap ang gayong dobleng larawan sa interior sa European art hanggang sa isinulat ang "Mga Mensahero" ni Holbein makalipas ang isang siglo.
Inilatag ng sining ni Jan van Eyck ang mga pundasyon kung saan nabuo ang sining ng Netherland sa hinaharap. Dito, sa kauna-unahang pagkakataon, isang bagong saloobin sa katotohanan ang natagpuan ang matingkad na pagpapahayag nito. Ito ang pinaka-advanced na kababalaghan sa masining na buhay noong panahon nito.
Flemish master. Ang mga pundasyon ng bagong makatotohanang sining ay inilatag, gayunpaman, hindi lamang ni Jan van Eyck. Kasabay nito, nagtrabaho ang tinatawag na Flemalsky master, na ang gawain ay hindi lamang binuo nang nakapag-iisa sa sining ng van Eyck, ngunit, tila, ay may isang tiyak na impluwensya sa unang bahagi ng gawain ni Jan van Eyck. Karamihan sa mga mananaliksik ay kinikilala ang artist na ito (pinangalanan pagkatapos ng tatlong mga kuwadro na gawa ng Frankfurt Museum, na nagmula sa nayon ng Flemal malapit sa Liège, kung saan ang isang bilang ng iba pang hindi kilalang mga gawa ay nakalakip ayon sa mga tampok na pangkakanyahan) kasama ang master na si Robert Campin (c. 1378-1444). ) na binanggit sa ilang dokumento mula sa lungsod ng Tournai.
Sa unang bahagi ng gawain ng artist - "The Nativity" (c. 1420-1425, Dijon), ang malapit na kaugnayan sa mga miniature ng Jacquemart mula sa Esden (sa komposisyon, ang pangkalahatang katangian ng landscape, liwanag, kulay-pilak na kulay) ay malinaw. ipinahayag. Ang mga archaic na tampok - mga laso na may mga inskripsiyon sa mga kamay ng mga anghel at kababaihan, isang uri ng "pahilig" na pananaw ng canopy, katangian ng sining ng ika-14 na siglo, ay pinagsama dito sa mga sariwang obserbasyon (maliwanag na katutubong uri ng mga pastol).
Sa triptych na The Annunciation (New York), ang tradisyunal na relihiyosong tema ay naglalahad sa isang detalyado at mapagmahal na katangian ng burgher interior. Sa kanang pakpak - ang susunod na silid, kung saan ang matandang karpintero na si Joseph ay gumagawa ng mga mousetrap; Sa bintana ng sala-sala, bumungad ang tanawin ng plaza ng bayan. Sa kaliwa, sa pintuan na humahantong sa silid, nakaluhod ang mga pigura ng mga customer - ang mga mag-asawang Ingelbrecht. Ang masikip na espasyo ay halos ganap na puno ng mga figure at mga bagay na inilalarawan sa isang matalim na pagbawas ng pananaw, na parang mula sa isang napakataas at malapit na punto ng view. Nagbibigay ito sa komposisyon ng isang flat-decorative na karakter, sa kabila ng dami ng mga figure at bagay.
Ang pagkakakilala ni Jan van Eyck sa gawaing ito ng Flemal master ay nakaimpluwensya sa kanya noong nilikha niya ang "Annunciation" ng Ghent Altarpiece. Ang paghahambing ng dalawang kuwadro na ito ay malinaw na nagpapakilala sa mga tampok ng nauna at kasunod na mga yugto sa pagbuo ng isang bagong makatotohanang sining. Sa gawain ni Jan van Eyck, na malapit na nauugnay sa korte ng Burgundian, ang gayong interpretasyong puro burgher ng relihiyosong balangkas ay hindi nakakatanggap ng karagdagang pag-unlad; sa Flemalsky master, nakipagkita kami sa kanya ng higit sa isang beses. Ang "Madonna by the Fireplace" (c. 1435, St. Petersburg, Hermitage) ay itinuturing na isang pang-araw-araw na larawan; isang nagmamalasakit na ina ang nagpainit ng kamay sa tabi ng fireplace bago hawakan ang hubo't hubad na katawan ng bata. Tulad ng Annunciation, ang larawan ay naiilawan sa isang matatag, malakas na liwanag at pinananatili sa isang malamig na scheme ng kulay.
Ang aming mga ideya tungkol sa gawain ng master na ito, gayunpaman, ay magiging malayo sa kumpleto kung ang mga fragment ng dalawa sa kanyang mga dakilang gawa ay hindi dumating sa amin. Mula sa triptych na "Descent from the Cross" (kilala ang komposisyon nito mula sa isang lumang kopya sa Liverpool), ang itaas na bahagi ng kanang pakpak na may pigura ng isang magnanakaw na nakatali sa isang krus, malapit sa kung saan nakatayo ang dalawang Romano (Frankfurt), ay napanatili. Sa monumental na imaheng ito, pinanatili ng artist ang tradisyonal na ginintuang background. Ang hubad na katawan na namumukod dito ay inihahatid sa paraang kaiba sa kung saan nakasulat si Adan ng Ghent altar. Ang mga pigura ng Madonna at St. Veronica" (Frankfurt) - mga fragment ng isa pang malaking altar. Ang paglipat ng plastik ng mga anyo, na parang binibigyang diin ang kanilang materyalidad, ay pinagsama dito sa banayad na pagpapahayag ng mga mukha at kilos.
Ang tanging napetsahan na gawa ng artist ay ang sash, na may larawan sa kaliwa ni Heinrich Werl, isang propesor sa Unibersidad ng Cologne at John the Baptist, at sa kanan - St. Ang mga barbaro, na nakaupo sa isang bangko sa tabi ng fireplace at nakalubog sa pagbabasa (1438, Madrid), ay tumutukoy sa huling panahon ng kanyang trabaho. Kwarto ng St. Ang Varvara ay halos kapareho sa isang bilang ng mga detalye sa pamilyar na mga interior ng artist at sa parehong oras ay naiiba sa kanila sa isang mas nakakumbinsi na paglipat ng espasyo. Ang bilog na salamin na may mga figure na makikita sa kaliwang pakpak ay hiniram kay Jan van Eyck. Mas malinaw, gayunpaman, kapwa sa gawaing ito at sa Frankfurt wings, may mga katangian ng pagiging malapit sa isa pang mahusay na master ng Dutch school, si Roger van der Weyden, na isang estudyante ng Kampen. Ang pagiging malapit na ito ay humantong sa ilang mga iskolar na tumututol sa pagkakakilanlan ng master ng Flémalle kay Campin upang magtaltalan na ang mga gawa na iniuugnay sa kanya ay sa katunayan ay mga gawa ng unang panahon ni Roger. Ang puntong ito ng pananaw, gayunpaman, ay tila hindi nakakumbinsi, at ang mga idiniin na tampok ng pagpapalagayang-loob ay lubos na naipaliliwanag sa pamamagitan ng impluwensya ng isang partikular na matalinong mag-aaral sa kanyang guro.
Roger van der Weyden. Ito ang pinakamalaki, pagkatapos ni Jan van Eyck, isang pintor ng paaralang Netherlandish (1399-1464). Ang mga dokumento ng archival ay naglalaman ng mga indikasyon ng kanyang pananatili sa mga taong 1427-1432 sa pagawaan ng R. Campin sa Tournai. Mula 1435, nagtrabaho si Roger sa Brussels, kung saan hawak niya ang posisyon ng pintor ng lungsod.
Ang kanyang pinakatanyag na akda, na nilikha sa kanyang kabataan, ay Descent from the Cross (c. 1435, Madrid). Sampung figure ay inilagay sa isang ginintuang background, sa isang makitid na espasyo ng foreground, tulad ng isang polychrome relief. Sa kabila ng kumplikadong pagguhit, ang komposisyon ay napakalinaw; lahat ng mga figure na bumubuo sa tatlong grupo ay pinagsama sa isang hindi mapaghihiwalay na kabuuan; ang pagkakaisa ng mga pangkat na ito ay binuo sa mga ritmikong pag-uulit at balanse ng mga indibidwal na bahagi. Ang kurba ng katawan ni Maria ay inuulit ang kurba ng katawan ni Kristo; ang parehong mahigpit na paralelismo ay nakikilala ang mga pigura ni Nicodemus at ang babaeng sumusuporta kay Maria, gayundin ang mga pigura nina Juan at Maria Magdalena na nagsasara ng komposisyon sa magkabilang panig. Ang mga pormal na sandali na ito ay nagsisilbi sa pangunahing gawain - ang pinakamatingkad na pagsisiwalat ng pangunahing dramatikong sandali at, higit sa lahat, ang emosyonal na nilalaman nito.
Sinabi ni Mander tungkol kay Roger na pinayaman niya ang sining ng Netherlands sa pamamagitan ng paghahatid ng mga paggalaw at "lalo na ang mga damdamin, tulad ng kalungkutan, galit o kagalakan, alinsunod sa balangkas." Ang paggawa ng mga indibidwal na kalahok sa isang dramatikong kaganapan na nagdadala ng iba't ibang kulay ng kalungkutan, pinipigilan ng artist ang pag-indibidwal ng mga imahe, tulad ng pagtanggi niyang ilipat ang eksena sa isang tunay, kongkretong setting. Ang paghahanap para sa pagpapahayag ay nanaig sa kanyang trabaho kaysa sa layunin na pagmamasid.
Gumaganap bilang isang pintor, na lubhang naiiba sa kanyang malikhaing aspirasyon mula kay Jan van Eyck, naranasan ni Roger, gayunpaman, ang direktang epekto ng huli. Ang ilan sa mga unang pagpipinta ng master ay mahusay na nagsasalita tungkol dito, sa partikular, The Annunciation (Paris, Louvre) at The Evangelist Luke Painting the Madonna (Boston; repetitions - St. Petersburg, the Hermitage at Munich). Sa pangalawa ng mga kuwadro na ito, ang komposisyon ay umuulit na may bahagyang pagbabago sa komposisyon ng Jan van Eyck's Madonna ng Chancellor Rolin. Ang alamat ng Kristiyano na nabuo noong ika-4 na siglo ay itinuturing na si Lucas ang unang pintor ng icon na naglalarawan sa mukha ng Ina ng Diyos (isang bilang ng mga "makahimalang" mga icon ay iniugnay sa kanya); noong ika-13-14 na siglo, kinilala siya bilang patron ng mga pagawaan ng mga pintor na lumitaw noong panahong iyon sa ilang bansa sa Kanlurang Europa. Alinsunod sa makatotohanang oryentasyon ng Dutch art, inilarawan ni Roger van der Weyden ang ebanghelista bilang isang kontemporaryong artista, na gumagawa ng portrait sketch mula sa kalikasan. Gayunpaman, sa interpretasyon ng mga figure, ang mga tampok na katangian ng master na ito ay malinaw na namumukod-tangi - ang nakaluhod na pintor ay puno ng paggalang, ang mga fold ng damit ay nakikilala sa pamamagitan ng Gothic ornamentation. Ipininta bilang isang altar para sa kapilya ng mga pintor, ang pagpipinta ay napakapopular, na pinatutunayan ng maraming pag-uulit.
Ang Gothic stream sa gawain ni Roger ay lalo na binibigkas sa dalawang maliit na triptychs - ang tinatawag na "Altar of Mary" ("Lamentation", sa kaliwa - "Holy Family", sa kanan - "The Appearance of Christ Mary" ) at kalaunan - "Ang Altar ng St. Juan" ("Bautismo", sa kaliwa - "Ang Kapanganakan ni Juan Bautista", sa kanan - "Ang Pagbitay kay Juan Bautista", Berlin). Ang bawat isa sa tatlong pakpak ay naka-frame ng isang Gothic portal, na isang kaakit-akit na pagpaparami ng isang sculptural frame. Ang frame na ito ay organikong naka-link sa architectural space na inilalarawan dito. Ang mga eskultura na inilagay sa portal plot ay umaakma sa mga pangunahing eksena na lumalabas laban sa backdrop ng landscape at sa interior. Habang sa paglilipat ng espasyo, si Roger ay binuo ang mga pananakop ni Jan van Eyck, sa interpretasyon ng mga figure sa kanilang matikas, pahabang proporsyon, kumplikadong mga liko at kurba, siya ay katabi ng mga tradisyon ng huli na Gothic na iskultura.
Ang gawain ni Roger, sa mas malawak na lawak kaysa sa gawa ni Jan van Eyck, ay nauugnay sa mga tradisyon ng medieval na sining at puno ng diwa ng mahigpit na pagtuturo ng simbahan. Ang pagiging totoo ni Van Eyck, kasama ang halos panteistikong pagdiyos ng uniberso, tinutulan niya ang sining, na may kakayahang isama ang mga kanonikal na larawan ng relihiyong Kristiyano sa malinaw, mahigpit at pangkalahatan na mga anyo. Ang pinakanagpapahiwatig sa bagay na ito ay ang Huling Paghuhukom - isang polyptych (o sa halip, isang triptych kung saan ang nakapirming gitnang bahagi ay may tatlo, at ang mga pakpak, naman, dalawang dibisyon), na isinulat noong 1443-1454 sa pamamagitan ng utos ni Chancellor Rolen para sa ang ospital na itinatag niya sa lungsod ng Bon (na matatagpuan doon). Ito ang pinakamalaking sukat (ang taas ng gitnang bahagi ay halos 3 m, ang kabuuang lapad ay 5.52 m) na gawa ng artist. Ang komposisyon, na pareho para sa buong triptych, ay binubuo ng dalawang tier - ang "makalangit" na globo, kung saan ang hieratic figure ni Kristo at ang mga hanay ng mga apostol at mga santo ay inilalagay sa isang ginintuang background, at ang "makalupang" na may ang muling pagkabuhay ng mga patay. Sa compositional construction ng larawan, sa flatness ng interpretasyon ng figures, marami pa rin ang medyebal. Gayunpaman, ang magkakaibang mga galaw ng mga hubad na pigura ng mga nabuhay na mag-uli ay naihatid nang may ganoong kalinawan at panghihikayat na nagsasalita ng isang maingat na pag-aaral ng kalikasan.
Noong 1450 naglakbay si Roger van der Weyden sa Roma at nasa Florence. Doon, inatasan ng Medici, lumikha siya ng dalawang pagpipinta: "The Entombment" (Uffizi) at "Madonna with St. Pedro, Juan Bautista, Cosmas at Damian" (Frankfurt). Sa iconography at komposisyon, mayroon silang mga bakas ng pamilyar sa mga gawa nina Fra Angelico at Domenico Veneziano. Gayunpaman, ang kakilala na ito ay hindi nakakaapekto sa pangkalahatang katangian ng gawa ng artist.
Sa triptych na nilikha kaagad pagkatapos bumalik mula sa Italya na may kalahating pigura na mga imahe, sa gitnang bahagi - sina Kristo, Maria at Juan, at sa mga pakpak - Magdalene at John the Baptist (Paris, Louvre), walang mga bakas ng impluwensyang Italyano. Ang komposisyon ay may isang archaic simetriko character; ang gitnang bahagi, na binuo ayon sa uri ng deesis, ay nakikilala sa pamamagitan ng halos iconic na mahigpit. Ang tanawin ay itinuturing lamang bilang isang background para sa mga figure. Ang gawaing ito ng artist ay naiiba sa mga nauna sa pamamagitan ng intensity ng kulay at ang subtlety ng makulay na kumbinasyon.
Ang mga bagong tampok sa gawa ng artist ay malinaw na nakikita sa Bladelin Altarpiece (Berlin, Dahlem) - isang triptych na may imahe sa gitnang bahagi ng Nativity, na kinomisyon ni P. Bladelin, pinuno ng pananalapi ng estado ng Burgundian, para sa simbahan ng ang lungsod ng Middelburg na itinatag niya. Sa kaibahan sa relief construction ng komposisyon, katangian ng maagang panahon, dito ang aksyon ay nagbubukas sa kalawakan. Ang tagpo ng kapanganakan ay puno ng banayad, liriko na kalooban.
Ang pinakamahalagang gawain ng huling panahon ay ang Adoration of the Magi triptych (Munich), na may larawan sa mga pakpak ng Annunciation at ang Presentation. Dito, ang mga uso na lumitaw sa altar ng Bladelin ay patuloy na umuunlad. Ang aksyon ay nagbubukas sa kailaliman ng larawan, ngunit ang komposisyon ay kahanay sa eroplano ng larawan; ang simetrya ay umaayon sa kawalaan ng simetrya. Ang mga paggalaw ng mga figure ay nakakuha ng higit na kalayaan - sa bagay na ito, ang matikas na pigura ng isang matikas na batang mangkukulam na may mga tampok ng mukha ni Charles the Bold sa kaliwang sulok at ang anghel, na bahagyang humipo sa sahig sa Annunciation, lalo na nakakaakit ng pansin. Ang mga damit ay ganap na kulang sa materyalidad na katangian ni Jan van Eyck - binibigyang diin lamang nila ang anyo at paggalaw. Gayunpaman, tulad ni Eick, maingat na nire-reproduce ni Roger ang kapaligiran kung saan nagbubukas ang aksyon, at pinupuno ang mga interior ng chiaroscuro, na iniiwan ang matalas at pare-parehong katangian ng pag-iilaw ng kanyang maagang panahon.
Si Roger van der Weyden ay isang natatanging pintor ng portrait. Ang kanyang mga larawan ay naiiba sa mga larawan ni Eyck. Binibigyang-diin niya ang mga tampok na partikular na namumukod-tangi sa mga terminong physiognomic at sikolohikal, na binibigyang-diin at pinalalakas ang mga ito. Upang gawin ito, ginagamit niya ang pagguhit. Sa tulong ng mga linya, binabalangkas niya ang hugis ng ilong, baba, labi, atbp., na nagbibigay ng kaunting espasyo sa pagmomodelo. Ang bust na imahe sa 3/4 ay namumukod-tangi laban sa isang kulay - asul, maberde o halos puting background. Sa lahat ng mga pagkakaiba sa mga indibidwal na katangian ng mga modelo, ang mga larawan ni Roger ay may ilang karaniwang mga tampok. Ito ay higit sa lahat dahil sa ang katunayan na halos lahat ng mga ito ay naglalarawan ng mga kinatawan ng pinakamataas na maharlika ng Burgundian, na ang hitsura at kilos ay malakas na naiimpluwensyahan ng kapaligiran, tradisyon at pagpapalaki. Ito ay, sa partikular, "Karl the Bold" (Berlin, Dahlem), ang militanteng "Anton of Burgundy" (Brussels), "Unknown" (Lugano, Thyssen collection), "Francesco d" Este "(New York)," Larawan ng isang kabataang babae "(Washington). Maraming katulad na mga larawan, lalo na ang "Laurent Fruamont" (Brussels), "Philippe de Croix" (Antwerp), kung saan ang itinatanghal ay inilalarawan na may nakatiklop na mga kamay sa panalangin, na orihinal na nabuo sa kanan pakpak ng kalaunan na nakakalat na mga diptych, sa kaliwang pakpak na kadalasang bust ng Madonna at Child.Ang isang espesyal na lugar ay kabilang sa "Portrait of an Unknown Woman" (Berlin, Dahlem) - isang magandang babae na nakatingin sa manonood, nakasulat sa paligid 1435, kung saan malinaw na lumilitaw ang pag-asa sa larawang gawa ni Jan van Eyck.
Si Roger van der Weyden ay may napakalaking impluwensya sa pag-unlad ng sining ng Netherland sa ikalawang kalahati ng ika-15 siglo. Ang gawa ng artist, na may posibilidad na lumikha ng mga tipikal na imahe at bumuo ng mga kumpletong komposisyon na nakikilala sa pamamagitan ng isang mahigpit na lohika ng konstruksiyon, sa isang mas malawak na lawak kaysa sa gawa ni Jan van Eyck, ay maaaring magsilbing isang mapagkukunan ng mga paghiram. Nag-ambag ito sa higit pang malikhaing pag-unlad at sa parehong oras ay bahagyang naantala ito, na nag-aambag sa pagbuo ng mga paulit-ulit na uri at mga scheme ng komposisyon.
Petrus Christus. Hindi tulad ni Roger, na namuno sa isang malaking workshop sa Brussels, si Jan van Eyck ay mayroon lamang isang direktang tagasunod sa katauhan ni Petrus Christus (c. 1410-1472/3). Bagaman ang artist na ito ay hindi naging burgess ng lungsod ng Bruges hanggang 1444, walang alinlangan na nagtrabaho siya sa malapit na kaugnayan kay Eyck bago ang oras na iyon. Ang kanyang mga gawa tulad ng Madonna kasama ang St. Barbara and Elisabeth and a Monk Customer" (Rothschild collection, Paris) at "Jerome in a Cell" (Detroit), marahil, ayon sa isang bilang ng mga mananaliksik, ay sinimulan ni Jan van Eyck at natapos ni Christus. Ang kanyang pinaka-kagiliw-giliw na trabaho ay St. Eligius” (1449, koleksyon ng F. Leman, New York), maliwanag na isinulat para sa pagawaan ng mga mag-aalahas, na ang patron saint ay itinuturing na santong ito. Ang maliit na larawang ito ng isang batang mag-asawa na pumipili ng mga singsing sa isang tindahan ng alahas (halos hindi nakikita ang halo sa kanyang ulo) ay isa sa mga unang pang-araw-araw na pagpipinta sa Netherlandish na pagpipinta. Ang kahalagahan ng gawaing ito ay higit na pinahusay ng katotohanan na wala ni isa sa mga kuwadro na gawa sa pang-araw-araw na paksa ni Jan van Eyck, na binanggit sa mga mapagkukunang pampanitikan, ang nakarating sa atin.
Ang malaking interes ay ang kanyang mga gawa sa portrait, kung saan ang isang kalahating figure na imahe ay inilalagay sa isang tunay na espasyo sa arkitektura. Partikular na kapansin-pansin sa bagay na ito ay ang "Portrait of Sir Edward Grimeston" (1446, Verulam collection, England).
Mga Bangka ng Direk. Ang problema ng paglilipat ng espasyo, lalo na ang tanawin, ay sumasakop sa isang partikular na malaking lugar sa gawain ng isa pa, mas malaking artista ng parehong henerasyon - Dirik Boats (c. 1410 / 20-1475). Isang katutubo ng Harlem, nanirahan siya sa Louvain sa pagtatapos ng apatnapu't, kung saan nagpatuloy ang kanyang karagdagang artistikong aktibidad. Hindi natin alam kung sino ang kanyang guro; ang pinakaunang mga painting na dumating sa amin ay minarkahan ng malakas na impluwensya ni Roger van der Weyden.
Ang kanyang pinakatanyag na gawa ay "Ang Altar ng Sakramento ng Komunyon", na isinulat noong 1464-1467 para sa isa sa mga kapilya ng Simbahan ng St. Peter sa Louvain (na matatagpuan doon). Ito ay isang polyptych, ang gitnang bahagi nito ay naglalarawan ng Huling Hapunan, habang sa mga gilid sa gilid ng mga pakpak ay mayroong apat na mga eksena sa Bibliya, ang mga balangkas na kung saan ay binibigyang kahulugan bilang mga prototype ng sakramento ng komunyon. Ayon sa kontrata na dumating sa amin, ang tema ng gawaing ito ay binuo ng dalawang propesor mula sa Unibersidad ng Louvain. Ang iconography ng Huling Hapunan ay naiiba sa interpretasyon ng temang ito na karaniwan noong ika-15 at ika-16 na siglo. Sa halip na isang dramatikong kuwento tungkol sa hula ni Kristo sa pagtataksil kay Hudas, ang institusyon ng sakramento ng simbahan ay inilalarawan. Ang komposisyon, na may mahigpit na simetrya, ay nagbibigay-diin sa gitnang sandali at binibigyang-diin ang kataimtiman ng eksena. Sa buong panghihikayat, ang lalim ng espasyo ng Gothic hall ay naihatid; ang layuning ito ay nagsisilbi hindi lamang sa pamamagitan ng pananaw, kundi pati na rin ng isang maalalahaning paghahatid ng pag-iilaw. Wala sa mga Dutch masters noong ika-15 siglo ang nakamit ang organikong koneksyon sa pagitan ng mga figure at espasyo, tulad ng ginawa ng Mga Bangka sa napakagandang larawang ito. Tatlo sa apat na eksena sa mga panel sa gilid ay nagbubukas sa landscape. Sa kabila ng medyo malaking sukat ng mga figure, ang tanawin dito ay hindi lamang isang background, ngunit ang pangunahing elemento ng komposisyon. Sa pagsusumikap na makamit ang higit na pagkakaisa, iniiwasan ng mga Bangka ang yaman ng detalye sa mga tanawin ng Eik. Sa "Ilya in the Wilderness" at "Gathering Manna from Heaven" sa pamamagitan ng isang paikot-ikot na kalsada at ang pag-aayos ng eksena ng mga mound at bato, sa unang pagkakataon ay nakaya niyang ikonekta ang tradisyonal na tatlong plano - harap, gitna at likod. Gayunpaman, ang pinaka-kapansin-pansin sa mga landscape na ito ay ang mga epekto ng pag-iilaw at pangkulay. Sa Pagtitipon ng Manna, ang pagsikat ng araw ay nagliliwanag sa harapan, na iniiwan ang gitnang lupa sa anino. Si Elijah sa Disyerto ay naghahatid ng malamig na kalinawan ng isang malinaw na umaga ng tag-araw.
Ang higit na kamangha-manghang sa bagay na ito ay ang mga kaakit-akit na tanawin ng mga pakpak ng isang maliit na triptych, na naglalarawan ng "Adoration of the Magi" (Munich). Ito ay isa sa mga pinakabagong gawa ng master. Ang pansin ng pintor sa maliliit na mga kuwadro na ito ay ganap na ibinibigay sa paglipat ng tanawin, at ang mga pigura nina John the Baptist at St. Si Christopher ay pangalawang kahalagahan. Ang partikular na kapansin-pansin ay ang paghahatid ng malambot na pag-iilaw sa gabi na may mga sinag ng araw na sumasalamin mula sa ibabaw ng tubig, na bahagyang umaalon sa isang tanawin na may St. Christopher.
Ang mga bangka ay dayuhan sa mahigpit na objectivity ni Jan van Eyck; ang kanyang mga landscape ay puno ng isang mood consonant sa balangkas. Ang pagkahilig sa elehiya at liriko, kawalan ng drama, tiyak na static at higpit ng mga pose ay ang mga katangiang katangian ng isang artista na ibang-iba sa aspetong ito kay Roger van der Weyden. Ang mga ito ay lalo na maliwanag sa kanyang mga gawa, ang balangkas na puno ng drama. Sa "The Torment of St. Erasmus ”(Louvain, Church of St. Peter), ang santo ay nagtitiis ng masakit na pagdurusa nang may matatag na tapang. Puno rin ng kalmado ang grupo ng mga taong naroroon sa parehong oras.
Noong 1468, si Boates, na hinirang na pintor ng lungsod, ay inatasan na magpinta ng limang mga pintura para sa dekorasyon ng bagong natapos na kahanga-hangang gusali ng town hall. Dalawang malalaking komposisyon ang napanatili na naglalarawan ng mga maalamat na yugto mula sa kasaysayan ni Emperor Otto III (Brussels). Ang isa ay nagpapakita ng pagpapatupad ng bilang, na sinisiraan ng empress, na hindi nakamit ang kanyang pag-ibig; sa pangalawa - ang pagsubok sa pamamagitan ng apoy sa harap ng korte ng emperador ng balo ng bilang, na nagpapatunay sa kawalang-kasalanan ng kanyang asawa, at sa background ang pagpapatupad ng empress. Ang ganitong mga "eksena ng hustisya" ay inilagay sa mga bulwagan kung saan nakaupo ang korte ng lungsod. Ang mga pagpipinta na may katulad na kalikasan na may mga eksena mula sa kuwento ni Trajan ay isinagawa ni Roger van der Weyden para sa Brussels City Hall (hindi napanatili).
Ang pangalawa sa "eksena ng hustisya" ni Boates (ang una ay ginawa na may makabuluhang partisipasyon ng mga mag-aaral) ay isa sa mga obra maestra sa mga tuntunin ng kasanayan kung saan ang komposisyon ay nalutas at ang kagandahan ng kulay. Sa kabila ng labis na pagkakuripot ng mga kilos at kawalang-kilos ng mga pose, ang tindi ng mga damdamin ay naihatid nang may matinding panghihikayat. Nakakaakit ng pansin ang mahuhusay na portrait na larawan ng retinue. Ang isa sa mga larawang ito ay dumating sa amin, walang alinlangan na kabilang sa brush ng artist; itong "Portrait of a Man" (1462, London) ay maaaring tawaging unang intimate portrait sa kasaysayan ng European painting. Ang isang pagod, abala at puno ng kabaitan na mukha ay banayad na nailalarawan; Sa bintana ay tanaw mo ang kanayunan.
Hugo van der Goes. Sa kalagitnaan at ikalawang kalahati ng siglo, isang malaking bilang ng mga mag-aaral at tagasunod ng Weiden at Bouts ang nagtrabaho sa Netherlands, na ang trabaho ay isang likas na epigone. Laban sa background na ito, namumukod-tangi ang makapangyarihang pigura ni Hugo van der Goes (c. 1435-1482). Maaaring ilagay ang pangalan ng artist na ito sa tabi nina Jan van Eyck at Roger van der Weyden. Natanggap noong 1467 sa guild ng mga pintor sa lungsod ng Ghent, sa lalong madaling panahon ay nakamit niya ang mahusay na katanyagan, nakakuha ng agarang, at sa ilang mga kaso ay nangunguna sa bahagi sa malalaking pandekorasyon na mga gawa sa maligaya na dekorasyon ng Bruges at Ghent sa okasyon ng pagtanggap kay Charles ang Bold. Sa kanyang maagang maliit na laki ng easel na mga kuwadro na gawa, ang pinakamahalaga ay ang diptych na The Fall and Lamentation of Christ (Vienna). Ang mga pigura nina Adan at Eba, na inilalarawan sa gitna ng isang marangyang tanawin sa timog, ay nakapagpapaalaala sa mga pigura ng mga ninuno ng altar ng Ghent sa kanilang elaborasyon ng plastik na anyo. Ang Panaghoy, na katulad ni Roger van der Weyden sa mga kalunos-lunos nito, ay kapansin-pansin sa matapang, orihinal na komposisyon nito. Tila, ang isang altar triptych na naglalarawan sa Adoration of the Magi ay ipininta sa ibang pagkakataon (St. Petersburg, the Hermitage).
Noong unang bahagi ng dekada sitenta, si Tommaso Portinari, ang kinatawan ng Medici sa Bruges, ay inatasan si Hus ng isang triptych na naglalarawan sa Kapanganakan. Ang triptych na ito ay nasa isa sa mga kapilya ng simbahan ng Site Maria Novella sa Florence sa halos apat na siglo. Ang triptych Portinari Altarpiece (Florence, Uffizi) ay ang obra maestra ng artist at isa sa pinakamahalagang monumento ng Dutch painting.
Ang artista ay binigyan ng isang hindi pangkaraniwang gawain para sa pagpipinta ng Dutch - upang lumikha ng isang malaki, monumental na gawain na may malalaking sukat (ang laki ng gitnang bahagi ay 3 × 2.5 m). Pinapanatili ang mga pangunahing elemento ng iconographic na tradisyon, si Hus ay lumikha ng isang ganap na bagong komposisyon, na makabuluhang pinalalim ang espasyo ng larawan at inilalagay ang mga figure sa kahabaan ng mga diagonal na tumatawid dito. Ang pagkakaroon ng pagtaas ng sukat ng mga numero sa laki ng buhay, pinagkalooban sila ng artist ng makapangyarihan, mabibigat na anyo. Ang mga pastol ay sumambulat sa solemneng katahimikan mula sa kaibuturan sa kanan. Ang kanilang simple at magaspang na mga mukha ay naliliwanagan ng walang muwang na kagalakan at pananampalataya. Ang mga taong ito mula sa mga tao, na inilalarawan na may kamangha-manghang pagiging totoo, ay may katumbas na kahalagahan sa iba pang mga pigura. Sina Maria at Jose ay pinagkalooban din ng mga katangian ng mga ordinaryong tao. Ang gawaing ito ay nagpapahayag ng isang bagong ideya ng isang tao, isang bagong pag-unawa sa dignidad ng tao. Ang parehong innovator ay si Gus sa paghahatid ng ilaw at kulay. Ang pagkakasunud-sunod kung saan ang pag-iilaw ay naihatid at, sa partikular, ang mga anino mula sa mga figure, ay nagsasalita ng isang maingat na pagmamasid sa kalikasan. Ang larawan ay pinananatili sa malamig, puspos na mga kulay. Ang mga pakpak sa gilid, mas madidilim kaysa sa gitnang bahagi, ay matagumpay na nakumpleto ang gitnang komposisyon. Ang mga larawan ng mga miyembro ng pamilyang Portinari na inilagay sa kanila, sa likod kung saan tumataas ang mga pigura ng mga santo, ay nakikilala sa pamamagitan ng mahusay na sigla at espirituwalidad. Ang tanawin ng kaliwang pakpak ay kapansin-pansin, na naghahatid ng malamig na kapaligiran ng isang maagang umaga ng taglamig.
Marahil, ang "Adoration of the Magi" (Berlin, Dahlem) ay ginanap nang mas maaga. Tulad ng sa Portinari altar, ang arkitektura ay pinutol ng isang frame, na nakakamit ng isang mas tamang relasyon sa pagitan nito at ng mga figure at pinahuhusay ang monumental na katangian ng solemne at kahanga-hangang palabas. Ang Adoration of the Shepherds ni Berlin, Dahlem, na isinulat sa huli kaysa sa Portinari altarpiece, ay may makabuluhang kakaibang katangian. Ang pinahabang komposisyon ay nagsasara sa magkabilang panig na may kalahating pigura ng mga propeta, na naghihiwalay sa kurtina, sa likod kung saan nagbubukas ang isang tanawin ng pagsamba. Ang mapusok na pagtakbo ng mga pastol na nagmamadaling pumasok mula sa kaliwa, kasama ang kanilang mga mukha na nasasabik, at ang mga propeta, na napuno ng emosyonal na pananabik, ay nagbigay sa larawan ng isang hindi mapakali, tensiyonado na karakter. Ito ay kilala na noong 1475 ang artist ay pumasok sa monasteryo, kung saan, gayunpaman, siya ay nasa isang espesyal na posisyon, pinapanatili ang malapit na pakikipag-ugnay sa mundo at patuloy na nagpinta. Ang may-akda ng monasteryo salaysay ay nagsasabi tungkol sa mahirap na estado ng pag-iisip ng artist, na hindi nasisiyahan sa kanyang trabaho, na sinubukang magpakamatay sa mga akma ng mapanglaw. Sa kwentong ito, nahaharap tayo sa isang bagong uri ng artista, na naiiba sa medieval guild craftsman. Ang nalulumbay na espirituwal na kalagayan ni Hus ay makikita sa pagpipinta na "Ang Kamatayan ni Maria" (Bruges), na puno ng pagkabalisa, kung saan ang mga damdamin ng kalungkutan, kawalan ng pag-asa at pagkalito na humawak sa mga apostol ay naihatid nang may matinding puwersa.
Memling. Sa pagtatapos ng siglo, mayroong isang pagpapahina ng malikhaing aktibidad, ang bilis ng pag-unlad ay bumabagal, ang pagbabago ay nagbibigay daan sa epigonismo at konserbatismo. Ang mga tampok na ito ay malinaw na ipinahayag sa gawain ng isa sa mga pinaka makabuluhang artist sa oras na ito - Hans Memling (c. 1433-1494). Isang katutubo ng isang maliit na bayan ng Aleman sa Main, nagtrabaho siya noong huling bahagi ng limampu sa pagawaan ni Roger van der Weyden, at pagkatapos ng pagkamatay ng huli ay nanirahan siya sa Bruges, kung saan pinamunuan niya ang lokal na paaralan ng pagpipinta. Maraming nanghihiram si Memling kay Roger van der Weyden, paulit-ulit na ginagamit ang kanyang mga komposisyon, ngunit ang mga paghiram na ito ay may panlabas na kalikasan. Malayo sa kanya ang dramatization at pathos ng teacher. Makakahanap ka ng mga feature na hiniram mula kay Jan van Eyck (detalyadong pag-render ng mga burloloy ng oriental carpets, brocade fabrics). Ngunit ang mga pundasyon ng pagiging totoo ni Eik ay kakaiba sa kanya. Nang hindi pinayaman ang sining gamit ang mga bagong obserbasyon, gayunpaman ay ipinakilala ni Memling ang mga bagong katangian sa pagpipinta ng Netherlandish. Sa kanyang mga gawa ay makikita natin ang isang pinong kagandahan ng mga postura at galaw, kaakit-akit na kagandahan ng mga mukha, lambing ng damdamin, kalinawan, kaayusan at eleganteng dekorasyon ng komposisyon. Ang mga tampok na ito ay lalong malinaw na ipinahayag sa triptych na "Betrothal of St. Catherine" (1479, Bruges, St. John's Hospital). Ang komposisyon ng gitnang bahagi ay nakikilala sa pamamagitan ng mahigpit na simetrya, na pinasigla ng iba't ibang mga poses. Sa gilid ng Madonna ay ang mga pigura ng St. sina Catherine at Barbara at dalawang apostol; ang trono ng Madonna ay nasa gilid ng mga pigura nina Juan Bautista at Juan na Ebanghelista na nakatayo laban sa background ng mga hanay. Ang matikas, halos incorporeal na mga silhouette ay nagpapahusay sa pandekorasyon na pagpapahayag ng triptych. Ang ganitong uri ng komposisyon, paulit-ulit na may ilang mga pagbabago sa komposisyon ng isang naunang gawain ng artist - isang triptych kasama ang Madonna, mga santo at mga customer (1468, England, koleksyon ng Duke ng Devonshire), ay paulit-ulit na uulitin at iba-iba ng artist . Sa ilang mga kaso, ipinakilala ng artist ang mga indibidwal na elemento na hiniram mula sa sining ng Italya sa pandekorasyon na grupo, halimbawa, hubad na putti na may hawak na mga garland, ngunit ang impluwensya ng sining ng Italyano ay hindi umabot sa paglalarawan ng pigura ng tao.
Ang Adoration of the Magi (1479, Bruges, St. John's Hospital), na bumalik sa katulad na komposisyon ni Roger van der Weyden, ngunit sumailalim sa pagpapasimple at schematization, ay nagpapakilala rin sa frontality at static na karakter. Ang komposisyon ng "Huling Paghuhukom" ni Roger ay muling ginawa sa isang mas malaking lawak sa triptych ni Memling na "Ang Huling Paghuhukom" (1473, Gdansk), na kinomisyon ng kinatawan ng Medici sa Bruges - Angelo Tani (mahusay na mga larawan niya at ng kanyang asawa ay inilagay sa mga pakpak). Ang sariling katangian ng artista ay nagpakita ng sarili sa gawaing ito lalo na nang maliwanag sa mala-tula na paglalarawan ng paraiso. Sa hindi mapag-aalinlanganang birtuosidad, ang mga magagandang hubad na pigura ay pinaandar. Ang miniature thoroughness ng execution, na katangian ng The Last Judgment, ay mas kitang-kita sa dalawang painting, na isang cycle ng mga eksena mula sa buhay ni Kristo (The Passion of the Christ, Turin; The Seven Joys of Mary, Munich). Ang talento ng miniaturist ay matatagpuan din sa mga nakamamanghang panel at medalyon na pinalamutian ang maliit na Gothic na "St. Ursula" (Bruges, St. John's Hospital). Ito ay isa sa pinakasikat at sikat na mga gawa ng artista. Karamihan mas makabuluhan, gayunpaman, artistically monumental triptych "Saints Christopher, Moor at Gilles" (Bruges, City Museum). Ang mga imahe ng mga banal sa loob nito ay nakikilala sa pamamagitan ng inspiradong konsentrasyon at marangal na pagpigil.
Ang kanyang mga larawan ay lalong mahalaga sa pamana ng artista. Ang "Portrait of Martin van Nivenhove" (1481, Bruges, St. John's Hospital) ay ang tanging portrait na diptych ng ika-15 siglo na nakaligtas nang buo. Ang Madonna at Bata na inilalarawan sa kaliwang pakpak ay kumakatawan sa karagdagang pag-unlad ng uri ng portrait sa interior. Ipinakilala ni Memling ang isa pang inobasyon sa komposisyon ng portrait, na inilalagay ang bust image na naka-frame sa pamamagitan ng mga column ng isang open loggia, kung saan makikita ang landscape ("Paired portraits of Burgomaster Morel and his wife", Brussels), pagkatapos ay direkta laban sa background ng landscape ("Larawan ng isang Nagdarasal na Tao", The Hague; "Larawan ng isang hindi kilalang medalist", Antwerp). Ang mga larawan ni Memling ay walang alinlangan na naghatid ng isang panlabas na pagkakahawig, ngunit sa lahat ng pagkakaiba sa mga katangian, makikita natin sa kanila ang maraming pagkakatulad. Ang lahat ng mga taong inilalarawan niya ay nakikilala sa pamamagitan ng pagpigil, maharlika, espirituwal na lambot at madalas na kabanalan.
G. David. Si Gerard David (c. 1460-1523) ay ang huling pangunahing pintor ng South Netherlandish na paaralan ng pagpipinta noong ika-15 siglo. Isang katutubong ng Northern Netherlands, nanirahan siya sa Bruges noong 1483, at pagkamatay ni Memling ay naging sentrong pigura ng lokal na paaralan ng sining. Ang gawain ni G. David sa maraming aspeto ay lubhang naiiba sa gawain ni Memling. Sa magaan na kagandahan ng huli, inihambing niya ang mabigat na karangyaan at maligaya na solemnidad; ang kanyang sobrang timbang na pandak na mga numero ay may binibigkas na dami. Sa kanyang malikhaing paghahanap, umasa si David sa artistikong pamana ni Jan van Eyck. Dapat pansinin na sa oras na ito, ang interes sa sining ng simula ng siglo ay nagiging isang katangian na kababalaghan. Ang sining ng panahon ni Van Eyck ay nakakuha ng kahulugan ng isang uri ng "klasikal na pamana", na, sa partikular, ay nahahanap ang pagpapahayag sa hitsura ng isang makabuluhang bilang ng mga kopya at imitasyon.
Ang obra maestra ng artist ay ang malaking triptych na "The Baptism of Christ" (c. 1500, Bruges, City Museum), na nakikilala sa pamamagitan ng isang mahinahon na marilag at solemne na pagkakasunud-sunod. Ang unang bagay na nakakuha ng mata dito ay ang anghel na nakatayo sa harapan sa isang napakahusay na pininturahan na brocade chasuble, na ginawa sa tradisyon ng sining ni Jan van Eyck. Lalo na kapansin-pansin ang tanawin, kung saan ang mga paglipat mula sa isang plano patungo sa isa pa ay ibinibigay sa banayad na mga lilim. Ang nakakumbinsi na paghahatid ng pag-iilaw sa gabi at ang mahusay na paglalarawan ng transparent na tubig ay nakakaakit ng pansin.
Ang malaking kahalagahan para sa characterization ng artist ay ang komposisyon ng Madonna sa mga Banal na Birhen (1509, Rouen), na nakikilala sa pamamagitan ng mahigpit na simetrya sa pag-aayos ng mga numero at maalalahanin na scheme ng kulay.
Napuno ng mahigpit na espiritu ng simbahan, ang gawain ni G. David sa pangkalahatan, tulad ng gawain ni Memling, konserbatibo sa kalikasan; sinasalamin nito ang ideolohiya ng mga patrician circle ng humihinang Bruges.
PAKSA 25. SINING SA PAGPIPINTA SA GERMANY XV-XVI SIGLO.
4 na oras ng gawain sa silid-aralan at 8 oras ng independiyenteng trabaho
Lektura84. Pagpipinta sa Alemanya noong ika-15 - ika-16 na siglo
4 na oras ng lecture work at 4 na oras ng self-study
Planlections
1. Pagpinta sa Germany noong unang ikatlong bahagi ng ika-15 siglo. Ang gawain ng Upper Rhine master, ang gawain ni Master Franke.
2. Pagpinta sa Germany noong ikalawang ikatlong bahagi ng ika-15 siglo. Ang gawain ni Hans Mulcher, ang gawain ni Konrad Witz, ang gawain ni Stefan Lochner.
3. Pagpinta sa Germany noong huling ikatlong bahagi ng ika-15 siglo. Ang gawain ni Martin Schongauer, ang gawain ni Michael Pacher.
4. Pagpinta sa Germany sa pagliko ng XV-XVI na siglo. Ang gawain ni Matthias Grunewald, ang gawain ni Lucas Cranach the Elder, ang gawain ni Albrecht Dürer, ang gawain ng mga artista ng "Danube school": Albrecht Altdorfer.
5. Pagpinta sa Alemanya noong ika-16 na siglo Kababalaghan ng repormasyon.
1. Pagpinta sa Germany noong unang ikatlong bahagi ng ika-15 siglo. Ang gawain ng Upper Rhine master, ang gawain ng Master Franke
Pangkalahatang katangian ng sining ng Renaissance sa Alemanya noong ika-15 siglo. Sa pagpipinta ng Aleman noong ika-15 siglo, tatlong yugto ang maaaring makilala: ang una - mula sa simula ng siglo hanggang 1430s, ang pangalawa - hanggang 1470s. at ang pangatlo - halos hanggang sa katapusan ng siglo. Ang mga German masters ay lumikha ng mga gawa sa anyo ng mga altar ng simbahan.
Sa panahon ng 1400-1430s. Ang mga altar ng Aleman ay bumubukas sa harap ng mga manonood sa magandang Mountain World, na humihikayat sa mga tao sa sarili nito tulad ng ilang napaka-nakaaaliw na fairy tale. Ito ay maaaring kumpirmahin ng pagpipinta na "Garden of Eden", na nilikha ng isang hindi kilalang Upper Rhine master sa paligid
1410-1420s
Ito ay pinaniniwalaan na ang pakpak ng altar ni St. Thomas na may eksenang "The Adoration of the Magi to the Infant Christ" ay ginawa ng Master Franke mula sa Hamburg, na aktibong nagtatrabaho sa unang ikatlong bahagi ng ika-15 siglo. Ang kahanga-hangang kaganapan ng ebanghelyo.
2. Pagpipinta sa Alemanya noong ikalawang ikatlong bahagi ng siglo XV. Ang gawain ni Hans Mulcher, ang gawain ni Konrad Vitz, ang gawain ni Stefan Lochner
Sa yugto ng 1430-1470s. Ang mga gawa ng pinong sining sa Germany ay puno ng mga plastik na malalaking pigura ng tao, na nakalubog sa isang artistikong dinisenyong espasyo. Mga Visualization
PAKSA 25. SINING SA PAGPIPINTA SA GERMANY XV-XVI SIGLO.
iba't ibang mga aspeto ng pakikiramay ng mga character na larawan ay nakalantad sa makalupang pagdurusa ni Kristo, kadalasang ipinakita bilang isang pantay na tao sa ibang mga tao, na dumaranas ng maraming pagdurusa ng makalupang pag-iral. Ang nagpapahayag na pagiging totoo ng mga senswal na ipinahayag na mga kaganapan ng Banal na Kasulatan, na isinasaalang-alang ang mabagyo na empatiya ng mga tagapakinig ng mga pagdurusa ni Kristo bilang kanilang sarili. Sa mga taong ito, ang mga artista na sina Hans Mulcher at Konrad Witz ay nagtrabaho nang napaka-interesante sa mga lungsod ng Aleman ng Basel at Ulm.
Isang mamamayan ng lungsod ng Ulm, si Hans Mulcher ay kilala bilang isang pintor at iskultor. Sa sculptural works ng master - ang palamuti ng mga front window ng Ulm City Hall (1427) at ang plastic na disenyo ng western facade ng Ulm Cathedral (1430-1432). Olandes na impluwensya, na nagpapahintulot sa amin na tapusin na ang artist ay gumugol at nag-aral sa Tournai. Mula sa mga pintura ni Mulcher, dalawang altar ang bumagsak sa mga pira-piraso. Ang pinakamahalagang gawain ng master ay ang "Wurtsakh Altar" (1433-1437), kung saan napanatili ang walong pakpak na naglalarawan sa buhay ni Maria sa labas at ang Pasyon ni Kristo sa loob. Mula sa Sterzin Altar ng Birheng Maria (1456-1458), iilan lamang ang mga pakpak sa gilid at indibidwal na inukit na mga pigurang kahoy ang nakaligtas hanggang ngayon.
Ang pagpipinta na "Si Kristo bago si Pilato" ay isang fragment ng panloob na bahagi ng "Wurtsakh Altar". Iba't ibang ugali ng mga tauhan sa itinatanghal na aksyon. Ang isa pang pakpak ng "Wurtsakh Altar" ay ang pagpipinta na "The Resurrection of Christ".
Ang isang katutubong ng Swabia at isang mamamayan ng lungsod ng Basel Konrad Witz ay kilala bilang may-akda ng dalawampung mga panel ng altar. Ang lahat ng mga ito ay nagpapakita ng impluwensya sa artist ng gawain ng mga Dutch masters bilang Robert Campin at Rogier van der Weyden. Ang mga gawa ni Witz ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagnanais na makamit ang isang makatotohanang detalyadong paglipat ng laman ng mga bagay at spatial na kalinawan sa pamamagitan ng pagmomolde ng liwanag at lilim.
Noong 1445-1446. Si Conrad Witz, habang nasa Geneva, sa utos ni Cardinal Francois de Mise, ay nagsagawa ng "Altar ng St. Peter's Cathedral". Pagpinta ng reverse side ng altar na "Wonderful Catch".
Ang artistikong espasyo ng trabaho, na pinagsasama ang dalawang plot ng ebanghelyo na "The Miraculous Catch" at "Walking on the Waters", ay nakikita ang mga dahilan na hindi nagpapahintulot sa pag-abot sa isang relihiyosong koneksyon sa Makapangyarihan sa lahat. Pagkakasala ng tao, pagkawala ng pananampalataya sa Panginoon.
AT unang kalahati ng ika-15 siglo. ang pagka-orihinal ng mga gawa ng mga pintor ng Aleman ng lungsod ng Cologne, lalo na ang mga pagpipinta ng altar,
nilikha ni Stefan Lochner. Ipinakita ng mga pag-aaral na sa kanyang orihinal na akda, umasa ang artista sa mga nagawa ng Franco-Flemish na miniature ng magkapatid na Limburg kasama ang pagpipino at katangi-tanging colorism, pati na rin ang lokal na tradisyon ng Cologne, na kinakatawan ng Master of St. Veronica. Lalo na madalas na nagpinta si Lochner ng mga larawan na naglalarawan sa Ina ng Diyos kasama ang batang Kristo. Sa bagay na ito, ang pinakasikat na pagpipinta ni Stefan Lochner ay si Mary in Pink
PAKSA 25. SINING SA PAGPIPINTA SA GERMANY XV-XVI SIGLO.
Lektura 84. Pagpinta sa Alemanya XVXVI siglo.
hardin" (c. 1448). Ang kakaiba ng komposisyon ng larawan sa anyo ng isang annular curved line.
3. Pagpinta sa Germany noong huling ikatlong bahagi ng ika-15 siglo. Ang gawain ni Martin Schongauer, ang gawain ni Michael Pacher
Sa panahon ng 1460-1490s. ang proseso ng paglikha ng mga gawa ng pinong sining sa Germany ay naimpluwensyahan ng Italian Renaissance ng Trecento (pangunahin ang paglikha ni Simone Martini) at ang gawain ng mga Dutch masters na sina Rogier van der Weyden at Hugo van der Goes. Ang problema ng visualization ng gamut ng mga damdamin.
Isa sa mga nangungunang German na pintor ng ikalawang kalahati ng ika-15 siglo. ay si Martin Schongauer. Ang artista ay orihinal na hinulaang isang karera bilang isang pari. Nag-aral ng pagpipinta si Schongauer kay Kaspar Isenman sa Colmar. Ang pagguhit sa paraan ni Rogier van der Weyden ay nagpapatunay sa katotohanan ng pananatili ni Schongauer sa Burgundy.
Ang akdang "The Adoration of the Shepherds" (1475-1480). Isang visual na pagpapahayag ng espirituwal na katapatan ng mga bayani ng kaakit-akit na aksyon. Sa kaganapang itinatanghal ni Schongauer, ang pangunahing pansin ay binabayaran sa kung gaano taos-puso ang lahat ng mga karakter sa kanilang mga aksyon at pag-iisip.
Ang gawain ni Michael Pacher. Ang artist ay nag-aral sa Pustertal, at gumawa din ng isang pang-edukasyon na paglalakbay sa Northern Italy, na malinaw na napatunayan ng Italianized plastic na wika ng kanyang mga gawa.
Kabilang sa mga pinakamahusay na pagpipinta ni Michael Pacher ay ang Altar ng mga Ama ng Simbahan (1477-1481). Ang pagpipinta na "The Prayer of St. Wolfgang" ay ang itaas na bahagi ng kanang panlabas na pakpak ng "Altar ng mga Ama ng Simbahan".
Ang artistikong espasyo ng akda ay nagpapakita na ito ay ang katapatan at katapatan ng panalangin ng Obispo ng Regensburg na nag-ambag sa banal na pagtutuos ni Wolfgang sa ranggo ng mga Santo at ang pag-akyat ng kanyang kaluluwa sa kaitaasan ng Makalangit na Mundo.
4. Pagpinta sa Germany sa pagliko ng XV-XVI na siglo. Ang gawain ni Matthias Grunewald, ang gawain ni LucasCranach the Elder, ang gawain ni Albrecht Dürer, ang gawain ng mga artista ng "Danubian school": Albrecht Altdorfer
Ang pinong sining ng Alemanya sa pagliko ng XV-XVI na siglo ay ang pinakamataas na yugto ng Renaissance ng Aleman, ang pinakamahusay na mga panahon ng pagkamalikhain nina Albrecht Dürer at Nithart Gotthart (Matthias Grunewald), Lucas Cranach the Elder at Hans Holbein the Younger. Kadalasan ang isang hiwalay at kahit natural na nalutas na solong motif ay itinaas sa antas ng isang ideya ng pangkalahatan at unibersal. Sa artistikong mga likha, ang makatuwiran at mystical na mga prinsipyo ay magkakasamang nabubuhay.
PAKSA 25. SINING SA PAGPIPINTA SA GERMANY XV-XVI SIGLO.
Lektura 84. Pagpinta sa Alemanya XVXVI siglo.
Si Matthias Grunewald ay isa sa mga pinakadakilang pintor ng "masigasig" na Renaissance ng Aleman, na ang gawain ay konektado sa mga rehiyon ng Alemanya na matatagpuan sa kahabaan ng mga bangko ng Main at gitnang Rhine. Ito ay kilala na ang artista ay halili na nagtrabaho sa Seligenstadt, Aschaffenburg, Mainz, Frankfurt, Halle, Isenheim.
Ang gawain ay upang mailarawan ang mga tampok ng mapanlikhang pakikiramay, empatiya, pagkakakilanlan, pagtanggap sa pagdurusa ng nagdurusa na Kristo bilang sariling sakit. Pagbabahagi ng artist ng mga pananaw ni Thomas a Kempis. Noong panahon ni Grunewald, ang aklat ni Thomas a Kempis na On the Imitation of Christ ay napakapopular anupat ito ay pangalawa lamang sa Bibliya sa mga tuntunin ng bilang ng mga edisyon.
Ang pinakamahalagang gawain ni Matthias Grunewald ay ang "Isenheim Altar" (1512-1516), na nilikha para sa simbahan ng St. Anthony sa Isenheim.
Ang altar ay binubuo ng isang dambana na may eskultura at tatlong pares ng mga pakpak - dalawang palipat-lipat at isang nakapirming. Ang iba't ibang pagbabago sa mga pintuan ng altar ay nangangailangan ng paggalaw ng mga eksena ng pagkakatawang-tao at ang sakripisyo ng Tagapagligtas.
AT Kapag isinara, ang gitnang bahagi ng altar ay nagpapakita ng tanawin ng Pagpapako sa Krus ni Kristo. Sa limitasyon, ang "The Entombment" ay kaakit-akit na inihayag, at sa gilid ng mga pakpak ay "Saint Anthony" at "Saint Sebastian".
AT Sa pangkalahatan, ang mga relihiyosong kaganapan na inilalarawan sa mga pintuan ng altar ay nagpapakita ng ideya ng dakilang sakripisyo ni Jesucristo at ang mga piniling pinuno ng Simbahang Kristiyano para sa pagbabayad-sala ng mga kasalanan ng tao, malinaw na ipinahayag ang panalangin ng Katoliko na "Agnus Dei" - "Kordero. ng Diyos, na nag-alis ng mga kasalanan ng sanlibutan, maawa ka sa amin." Ang nagpapahayag na pagiging totoo ng mga kaganapan sa Banal na Kasulatan, na isinasaalang-alang ang mabagyo na empatiya ng mga tagapakinig ng mga pagdurusa ni Kristo bilang kanilang sarili. Mga limitasyon ng pakikiramay. Mga tradisyon ng mga master ng Dutch. Paraan ng pagbibigay ng makatotohanang detalyadong laman ng mga bagay
at spatial na kalinawan.
Ang artistikong espasyo ng painting na "The Crucifixion of Christ" ay kumakatawan kay Hesukristo na ipinako sa krus kasama ng ilang paparating. Ang Tagapagligtas ay napakalaki at napakasakit. Ang inilalarawang katawan ni Kristo ay nagpapatotoo sa mabagsik na pagdurusa kung saan ang Mesiyas ay sumailalim. Ito ay ganap na natatakpan ng daan-daang mga kahila-hilakbot na sugat. Si Hesus ay ipinako sa krus gamit ang mga higanteng pako na literal na pumuputol sa Kanyang mga kamay at paa. Ang ulo ay pumangit dahil sa matutulis na mga spike ng koronang tinik.
Sa kaliwa ng krus ng Kalbaryo, si Juan na Ebanghelista ay inilalarawan, na sumusuporta sa Madonna, na pinahina ng mahabang panalangin, at ang makasalanang si Maria Magdalena, na, lumuhod sa paanan ng krus, ay bumaling sa Tagapagligtas sa marubdob na panalangin.
Sa kanan ng larawan ni Kristo ay inilalarawan si Juan Bautista at ang Kordero ng Diyos. Ang presensya ni Juan Bautista sa eksenang "Ang Pagpapako sa Krus" ay nagbibigay sa tema ng Golgota ng isang karagdagang dimensyon, na naaalala ang pagtubos kung saan ginawa ang sakripisyo ni Kristo. Ang kaganapan ng ebanghelyo ay ipinakita na may tulad na nagpapahayag na kapangyarihan na hindi nito maiiwan ang sinuman na walang malasakit.
PAKSA 25. SINING SA PAGPIPINTA SA GERMANY XV-XVI SIGLO.
Lektura 84. Pagpinta sa Alemanya XVXVI siglo.
Hindi nang walang dahilan, malapit sa pigura ni Juan Bautista, na tumuturo kay Jesu-Kristo, mayroong isang inskripsiyon: "Dapat siyang lumaki, dapat akong lumiit."
Sa pagbukas ng mga pintuan ng "Isenheim Altar", ang gitnang panel ng trabaho ay nagpapakita ng eksenang "Pagluwalhati ni Maria", sa kaliwa kung saan ang "Annunciation" ay inilalarawan, at sa kanan - "Ang Muling Pagkabuhay ni Kristo".
Compositionally at coloristically, ang pagpipinta na "Glorification of Mary" ay nahahati sa dalawang bahagi, ang bawat isa ay nagpapakita ng sarili nitong espesyal na kaganapan ng kaluwalhatian ng Madonna.
Ang pagpipinta na "The Resurrection of Christ", na may bukas na mga pinto ng "Isenheim Altar", na matatagpuan sa tabi ng painting na "The Glorification of Mary", ay kumakatawan sa Tagapagligtas sa anyo ng isang kabalyero na umakyat sa ibabaw ng lupa sa ningning ng mystical liwanag. Knight Christ, na nabuhay mula sa mga patay, sa pamamagitan ng mismong katotohanan ng Pagkabuhay na Mag-uli ay nanalo ng todong tagumpay laban sa mga armadong sundalo. Ang simbolismo ng takip ng sarcophagus, kung saan nakapaloob ang katawan ng Tagapagligtas. Ang kahulugan ng pagkilos ng paggulong sa bato ng libingan ni Kristo. Ang slab ng libingan kung saan bumangon ang Panginoon bilang isang tapyas na naglalaman ng talaan ng Batas sa Lumang Tipan. Ang personipikasyon ng tagumpay laban sa mga sumusunod sa mga prinsipyo ng Lumang Tipan, ay sumisimbolo sa tagumpay ng Batas ng ebanghelyo.
Ang pag-aayos ng "Isenheim Altarpiece" ay nag-aambag hindi lamang sa pagbubukas, kundi pati na rin sa karagdagang paggalaw ng mga pinto na may larawan, na nagpapakita ng sculptural na bahagi ng trabaho na may mga estatwa ng St. Augustine, St. Anthony at St. Jerome, bilang pati na rin ang isang predella na may sculptural half-figures ni Kristo at ang labindalawang apostol. Sa likod ng inner flaps, sa isang banda, ang eksenang "St. Anthony's Conversation with St. Paul the Hermit", at sa kabilang banda - "The Temptation of St. Anthony".
Ang artistikong espasyo ng pagpipinta na "The Temptation of St. Anthony".
Ang gawa ni Lucas Cranach the Elder ay ang pintor ng korte ng Saxon elector na si Frederick the Wise, pati na rin ang isang kahanga-hangang graphic artist. Ang Cranach ay itinuturing na tagapagtatag at pinakamalaking kinatawan ng paaralang sining ng Saxon. Kasabay ng kanyang malikhaing aktibidad, ang master ay nagsagawa ng mahalagang gawaing munisipyo sa Wittenberg: nagmamay-ari siya ng isang tavern, isang parmasya, isang bahay-imprenta, at isang silid-aklatan. Si Cranach ay kahit na isang miyembro ng Konseho ng Lungsod, at sa panahon mula 1537 hanggang 1544. Tatlong beses siyang nahalal na burgomaster ng Wittenberg.
Sa kabila ng katotohanan na maraming makabuluhang mga gawa ni Lucas Cranach the Elder ang namatay sa panahon ng Repormasyon at ang apoy na sumira sa Wittenberg noong 1760, ang mga gawa na nakaligtas hanggang ngayon ay nagpapakita ng pagkakaiba-iba ng talento ng master. Nagpinta siya ng mahusay na mga larawan, at lumikha din ng mga kuwadro na gawa sa mga paksang relihiyoso at mitolohiya. Ang mga sikat na hubo't hubad ni Cranach ay marami - Venus, Eve, Lucretia, Salome, Judith. Kapag lumilikha ng mga gawa, ginamit ng master ang mga tema mula sa mga kontemporaryong mapagkukunan ng humanistic.
PAKSA 25. SINING SA PAGPIPINTA SA GERMANY XV-XVI SIGLO.
Lektura 84. Pagpinta sa Alemanya XVXVI siglo.
Ang artistikong espasyo ng pagpipinta ni Lucas Cranach na "Cupid's Punishment". Ang diyosa ng pag-ibig ay tinawag ng kanyang hubad na kagandahan upang hugasan ang kaluluwa ng tao mula sa kasamaan ng makasalanang karumihan, upang alisin sa puso ng tao ang kawalang-galang at pagkasira. Ang gawain ay pukawin ang malinaw na kristal na enerhiya ng pag-ibig, sa gayon ay hinihila ang kaluluwa ng tao mula sa malagkit na putik ng pang-araw-araw na kabastusan. Mga tampok ng spiral na komposisyon ng trabaho.
Ang gawaing "Martin Luther", na ginanap noong 1529, ay nagpapakita kay Lucas Cranach the Elder bilang isang mahusay na pintor ng portrait.
Ang dakilang Aleman na repormador ng Simbahang Katoliko ay inilalarawan, sa "matuwid na pang-araw-araw na buhay" na nakikipag-usap sa Diyos.
Ang gawain ni Albrecht Dürer - ang mahusay na pintor ng Aleman, graphic artist at engraver ng huling bahagi ng XV - ang unang ikatlong bahagi ng XVI siglo. Ang gawain ni Dürer ay nailalarawan sa pamamagitan ng:
1. Pagbabago ng propesyonal na interes mula sa pangkalahatan na mga pilosopikal na larawan hanggang sa matibay na naturalistic na visual na representasyon;
2. Ang pang-agham na batayan ng aktibidad, isang kumbinasyon ng mga praktikal na kasanayan na may malalim at tumpak na kaalaman (Dürer ang may-akda ng mga teoretikal na treatise na "Gabay sa pagsukat gamit ang isang compass at ruler" at "Apat na mga libro sa proporsyon ng tao");
3. Ang pagtuklas ng mga bagong posibilidad para sa paglikha ng mga graphic at pictorial na gawa (ukit, na bago sa kanya ay naunawaan bilang isang itim na guhit sa isang puting background, si Dürer ay naging isang espesyal na uri ng sining, ang mga gawa kung saan, kasama ang mga itim at puting kulay, ay may isang malaking bilang ng mga intermediate shade);
4. Ang pagtuklas ng mga bagong artistikong genre, tema at plot (Si Dürer ang una sa Germany na lumikha ng isang gawa ng landscape genre (1494), ang una sa German na sining na naglalarawan ng isang hubad na babae (1493), ang unang nagpakita ng kanyang sarili na hubad sa isang self-portrait (1498), atbp.);
5. Propetikong kalunos-lunos ng mga likhang sining.
Dalawang taon bago ang kanyang kamatayan, nilikha ni Albrecht Dürer ang kanyang sikat na pictorial diptych na "The Four Apostles" (1526), na labis niyang pinahahalagahan.
Ang artistikong espasyo ng kaliwang larawan ng diptych ay kumakatawan sa mga apostol na sina Juan at Pedro, at sa kanan - ang mga apostol na sina Paul at Mark.
Ang inilalarawang mga apostol ay nagpapakilala sa mga ugali ng tao. Ang ebanghelistang si John, na ipinakita bilang bata at mahinahon, ay naglalarawan ng isang mapagmahal na ugali. Si Saint Peter, na inilalarawan bilang matanda at pagod, ay sumisimbolo sa isang phlegmatic na ugali. Ang Evangelist na si Mark, na ipinakita sa mapusok na paggalaw na may kumikinang na mga mata, ay nagpapakilala sa choleric na ugali. Si St. Paul, na ipinakitang madilim at maingat, ay nagmamarka ng isang mapanglaw na ugali.
Ang gawain ay tulad ng pinaka-mahusay na analytical mirror ng mga kaluluwa ng tao. Isang visual na representasyon ng buong hanay ng mga ugali.
PAKSA 25. SINING SA PAGPIPINTA SA GERMANY XV-XVI SIGLO.
Lektura 84. Pagpinta sa Alemanya XVXVI siglo.
Sa kabilang banda, ang gawain ay isang nakikitang ebidensya ng katotohanan ng pagpapakita ng mga propeta, na nagpapalaganap ng doktrinang Kristiyano sa ngalan ng Panginoon, at hindi sa Diyablo. Mga katangian ng larawan ng mga apostol.
Ang parehong mga pagpipinta sa ibaba ng imahe ay naglalaman ng mga espesyal na piniling teksto mula sa Bagong Tipan, sa ngalan ni Dürer, na maingat na isinagawa ng calligrapher na si Neiderfer.
Ang diptych na "Adam at Eba", na nilikha ni Durer noong 1507, pati na rin ang gawaing "Apat na Apostol", ay binubuo ng dalawang medyo independiyenteng mga gawa ng pagpipinta. Ang artistikong espasyo ng kanang larawan ay kumakatawan kay Eba, na nakatayo malapit sa Puno ng kaalaman ng mabuti at masama at tumatanggap ng pulang mansanas mula sa mapang-akit na ahas. Ang artistikong espasyo ng kaliwang larawan ay kumakatawan kay Adan na may sanga ng prutas ng puno ng mansanas sa kanyang kamay.
Isang paalala sa mga tao ng pagiging makasalanan ng bawat tao, isang babala tungkol sa nakamamatay na kahihinatnan ng orihinal na kasalanan.
Ang ukit sa tansong "Knight, Death and the Devil" (1513) ay isa sa mga pinakamahusay na graphic na gawa ng Albrecht Dürer. Ang artistikong espasyo ng trabaho ay kumakatawan sa isang equestrian knight na may mabigat na baluti, na sinusubukang hadlangan ang landas ng Kamatayan at ng Diyablo.
Ang balangkas ng ukit ay nauugnay sa treatise ni Erasmus ng Rotterdam na "The Guide of the Christian Warrior" (1504) - isang moral at etikal na pagtuturo kung saan ang may-akda ay umaapela sa lahat ng mga kabalyero ni Kristo na may panawagan na huwag matakot. kahirapan kung ang mga kahila-hilakbot na nakamamatay na mga demonyo ay humaharang sa daan. Pagpapakita ng kapangyarihan ng kaluluwa, walang pagod na nagsusumikap para sa Espiritu ng Diyos, na walang sinuman at wala sa mundo, maging ang Kamatayan at ang Diyablo, ang kayang pigilan.
Isang lubhang kakaibang kababalaghan ng German Renaissance sa simula ng ika-16 na siglo. ay ang aktibidad ng mga artista ng "Danube School" (German: Donauschule), na natuklasan ang genre ng romantikong kamangha-manghang tanawin sa kanilang trabaho. Ang mga kuwadro na gawa ng Danube ay naglarawan sa ideya ng pangangailangang pag-isahin ang buhay ng tao sa buhay ng kalikasan, ang natural na ritmo ng pag-iral nito at isang organikong organikong koneksyon sa Diyos.
Ang nangungunang master ng Danube School ay si Albrecht Altdorfer. Ipinakita ng mga pag-aaral na ang pagbuo ng malikhaing pamamaraan ng artist ay naiimpluwensyahan ng mga gawa nina Lucas Cranach the Elder at Albrecht Dürer.
Ang isang kinatawan na gawain ng paunang yugto ng gawain ni Altdorfer ay ang pagpipinta na "Panalangin para sa Chalice", na isinagawa ng master noong unang bahagi ng 1510s. Ang artistikong espasyo ng akda, na senswal na naghahayag ng balangkas ng ebanghelyo, ay kumakatawan sa kalikasan bilang isang uri ng sensitibong buhay na organismo na aktibong tumutugon sa mga kaganapang nagaganap sa mundo ng tao.
Sa paligid ng simula ng 1520s. Ang mga makabuluhang pagbabago ay naganap sa artistikong aktibidad ng Altdorfer. Sentral na tema
PAKSA 25. SINING SA PAGPIPINTA SA GERMANY XV-XVI SIGLO.
Lektura 84. Pagpinta sa Alemanya XVXVI siglo.
Ang visualization ng mga kumplikado ng pakikipag-ugnayan ng mundo ng banal na kalikasan sa mundo ng isang tao na inabandona ng Diyos ay naging malikhaing gawa ng master. Para sa yugtong ito ng aktibidad ng artist, ang pagpipinta na "Landscape with a Bridge" (1520s) ay nagpapahiwatig. Ang sentral na tema ay ang visualization ng mga kumplikado ng pakikipag-ugnayan ng mundo ng banal na kalikasan sa mundo ng isang tao na inabandona ng Diyos.
Ang tuktok ng sining ni Altdorfer ay ang pagpipinta na "The Battle of Alexander the Great", na nilikha ng master noong 1529 sa pamamagitan ng utos ni Duke Wilhelm ng Bavaria.
Ang artistikong espasyo ng akda ay kumakatawan sa panorama ng Uniberso. Ang mga banal na elemento ng solar na apoy, makalangit na hangin, tubig sa karagatan at mabatong lupa ay inilalarawan bilang nabubuhay ayon sa iisang batas ng Uniberso, patuloy at sa halip ay mahigpit na nakikipag-ugnay sa isa't isa. Gayunpaman, hindi ito isang mapanirang labanan ng mga elemento sa kanilang sarili, ngunit ang prinsipyo ng kanilang natural na pakikipag-ugnayan. Ang prinsipyo ng natural na pakikipag-ugnayan ng mga elemento na nabubuhay ayon sa iisang batas ng Uniberso.
5. Pagpinta sa Alemanya noong ika-16 na siglo Kababalaghan ng repormasyon
Ang kasaysayan ng Renaissance sa Germany ay biglang natapos. Sa pamamagitan ng 1530-1540. sa totoo lang tapos na ang lahat. Ang Repormasyon ay gumanap ng isang mapaminsalang papel dito. Ang ilang agos ng Protestante ay direktang lumabas na may mga iconoclastic slogan at determinasyon na sirain ang mga monumento ng sining bilang mga tagapaglingkod ng mga ideya ng Katolisismo. Sa mga lupain ng Aleman kung saan ang relihiyosong primacy ay ipinasa sa Protestantismo, ang mga larawang dekorasyon ng mga simbahan ay tuluyang iniwan, kaya naman karamihan sa mga artista ay nawala ang batayan ng kanilang pag-iral. Sa kalagitnaan lamang ng siglo XVI. sa Alemanya mayroong ilang muling pagkabuhay ng artistikong aktibidad, at kahit na sa mga lugar na nanatiling tapat sa Katolisismo. Dito, tulad ng sa Netherlands, umuunlad ang Romanismo.
Sa ikalawang kalahati ng ika-16 na siglo, ang mga pinong sining ng Germany ay aktibong sumali sa pangkalahatang mannerist stream ng Western European painting. Gayunpaman, ngayon ang mga halimbawa ng sining ng Aleman ay hindi nabuo ng mga lokal na masters, ngunit ng mga Dutch at Flemish artist na inimbitahan na magtrabaho sa bansa.
Ang gawa ni Hans Holbein the Younger ay isang German na pintor at graphic artist. Tulad ng kanyang kapatid na si Ambrosius, sinimulan ni Hans Holbein ang kanyang edukasyon sa workshop ng kanyang ama.
Sa paunang panahon ng pagkamalikhain, ang master ay naimpluwensyahan ng mga gawa ni Matthias Grunewald, na personal niyang nakilala sa Isenheim noong 1517. Gayundin, sa mga unang gawa ng Holbein, ang impluwensyang Italyano ay naramdaman, sa kabila ng katotohanan na walang katibayan ng ang artistang bumibisita sa Italya. Ang akdang "Pagpapako sa Krus" ay tumutukoy sa unang panahon ng aktibidad ni Hans Holbein.
PAKSA 25. SINING SA PAGPIPINTA SA GERMANY XV-XVI SIGLO.
Lektura 84. Pagpinta sa Alemanya XVXVI siglo.
Marami sa mga gawa ni Holbein, na nilikha sa Alemanya, noong Pebrero 1529 ay naging biktima ng "iconoclasm" ng repormista. Ito ang pangunahing dahilan na sa taong iyon sa wakas ay nanirahan ang master sa England. Sa Inglatera, pangunahing nagtrabaho si Holbein bilang isang pintor ng larawan sa korte ng London, unti-unting nakakuha ng reputasyon bilang pinakamahalagang pintor ng larawan sa Hilagang Europa.
Simula noong 1536, pumasok ang artista sa serbisyo ni Haring Henry VIII, kung saan gumawa siya ng maraming paglalakbay sa kontinente upang lumikha ng mga larawan ng mga prinsesa, na itinuturing na posibleng angkop na mga partido.
Ang mga larawan ng panahon ng Ingles ay pangunahing naglalarawan ng mga miyembro ng maharlikang pamilya at mga kinatawan ng pinakamataas na aristokrasya.
Ang akdang "Henry VIII" (c. 1540s) ay kabilang sa pinakamahusay na mga likha ng larawan ng master. Bilang karagdagan sa mga portrait, ang master ay gumawa ng maraming mga kuwadro na gawa sa dingding, pati na rin ang mga sketch ng mga costume at kagamitan. Ang tunay na obra maestra ni Holbein ay ang kanyang woodcut na "Dance of Death", na nilikha noong 1538.
"Huwag magtiwala sa isang computer na hindi mo maitatapon sa labas ng bintana." - Steve Wozniak
Ang pintor ng Netherlandish, kadalasang kinikilala sa Flemal master - isang hindi kilalang pintor na nakatayo sa pinagmulan ng tradisyon ng maagang pagpipinta ng Netherlandish (ang tinatawag na "Flemish primitives"). Mentor ng Rogier van der Weyden at isa sa mga unang portrait painters sa European painting.
(The Liturgical Vestments of the Order of the Golden Fleece - The Cope of the Virgin Mary)
Isang kontemporaryo ng mga miniaturist na nagtatrabaho sa pag-iilaw ng manuskrito, gayunpaman ay nakamit ni Campin ang isang antas ng pagiging totoo at pagmamasid na wala pang ibang pintor na nakita bago siya. Gayunpaman, ang kanyang mga isinulat ay mas archaic kaysa sa kanyang mga nakababatang kapanahon. Ang demokrasya ay kapansin-pansin sa pang-araw-araw na mga detalye, kung minsan ay mayroong pang-araw-araw na interpretasyon ng mga paksang panrelihiyon, na sa kalaunan ay magiging katangian ng pagpipinta ng Netherlandish.
(Birhen at Bata sa Isang Panloob)
Matagal nang sinubukan ng mga istoryador ng sining na hanapin ang mga pinagmulan ng Northern Renaissance, upang malaman kung sino ang unang master na naglatag ng istilong ito. Sa loob ng mahabang panahon ay pinaniniwalaan na ang unang artista na bahagyang umalis sa mga tradisyon ng Gothic ay si Jan van Eyck. Ngunit sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, naging malinaw na si van Eyck ay nauna sa isa pang artista, na ang brush ay kabilang sa triptych na may Annunciation, na dating pag-aari ni Countess Merode (ang tinatawag na "Merode triptych"), pati na rin ang ang tinatawag na. Flemish altar. Ipinapalagay na ang parehong mga gawang ito ay pagmamay-ari ng kamay ng Flemal master, na ang pagkakakilanlan ay hindi pa naitatag noong panahong iyon.
(Ang Kasal ng Birhen)
(Banal na Birhen sa Kaluwalhatian)
(Werl Altarpiece)
(Trinity of the Broken Body)
(Blessing Christ and Praying Virgin)
(The Nuptials of the Virgin - St. James the Great at St. Clare)
(Birhen at Bata)
Gertgen tot Sint Jans (Leiden 1460-1465 - Haarlem hanggang 1495)
Ang maagang namatay na pintor na ito, na nagtrabaho sa Haarlem, ay isa sa pinakamahalagang pigura sa pagpipinta ng North Netherlandish sa pagtatapos ng ika-15 siglo. Posibleng sinanay sa Haarlem sa pagawaan ni Albert van Auwater. Pamilyar siya sa gawa ng mga artista ng Ghent at Bruges. Sa Haarlem, bilang isang apprentice na pintor, siya ay nanirahan sa ilalim ng Order of St. John - kaya ang palayaw na "mula [sa monasteryo] St. John" (tot Sint Jans). Ang istilo ng pagpipinta ni Hertgen ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang banayad na emosyonalidad sa interpretasyon ng mga paksang pangrelihiyon, atensyon sa mga phenomena ng pang-araw-araw na buhay at isang maalalahanin, patula-espirituwal na pagpapaliwanag ng mga detalye. Ang lahat ng ito ay bubuo sa makatotohanang pagpipinta ng Dutch sa mga susunod na siglo.
(Nativity, sa Gabi) 
(Birhen at Bata)
(Ang Puno ni Jesse)
(Gertgen tot Sint Jans St. Bavo)
Karibal ni Van Eyck para sa pamagat ng pinaka-maimpluwensyang master ng maagang pagpipinta ng Netherlandish. Nakita ng artist ang layunin ng pagkamalikhain sa pag-unawa sa sariling katangian ng indibidwal, siya ay isang malalim na psychologist at isang mahusay na pintor ng portrait. Nang mapangalagaan ang espiritismo ng medyebal na sining, pinunan niya ang mga lumang pictorial scheme ng konsepto ng Renaissance ng isang aktibong personalidad ng tao. Sa pagtatapos ng kanyang buhay, ayon sa TSB, "tinatanggihan ang unibersalismo ng artistikong pananaw sa mundo ni van Eyck at nakatuon ang lahat ng pansin sa panloob na mundo ng tao."
(Pagbubunyag ng mga labi ni St. Hubert)
Ipinanganak sa pamilya ng isang wood carver. Ang mga gawa ng artist ay nagpapatotoo sa isang malalim na kakilala sa teolohiya, at noong 1426 siya ay tinawag na "master Roger", na nagpapahintulot sa amin na magmungkahi na mayroon siyang edukasyon sa unibersidad. Nagsimula siyang magtrabaho bilang isang iskultor, sa isang mature na edad (pagkatapos ng 26 taon) ay nagsimulang mag-aral ng pagpipinta kasama si Robert Campin sa Tournai. Siya ay gumugol ng 5 taon sa kanyang pagawaan.
(Pagbasa kay Maria Magdalena)
Ang panahon ng pagbuo ng malikhaing Rogier (kung saan, tila, ang Louvre "Annunciation" ay nabibilang) ay hindi gaanong sakop ng mga mapagkukunan. Mayroong isang hypothesis na siya ang, sa kanyang kabataan, ay lumikha ng mga gawa na nauugnay sa tinatawag na. Flemalsky master (isang mas malamang na kandidato para sa kanilang pagiging may-akda ay ang kanyang tagapagturo na si Campin). Natutunan ng apprentice ang pagnanais ni Campin na ibabad ang mga eksena sa bibliya ng mga maginhawang detalye ng buhay sa tahanan na halos imposibleng makilala ang kanilang mga gawa noong unang bahagi ng 1430s (parehong hindi nilagdaan ng mga artista ang kanilang mga gawa).
(Larawan ni Anton ng Burgundy)
Ang unang tatlong taon ng independiyenteng gawain ni Rogier ay hindi nakadokumento sa anumang paraan. Marahil ay ginugol niya sila sa Bruges kasama si van Eyck (na malamang na nagkrus ang landas niya noon sa Tournai). Sa anumang kaso, ang kanyang kilalang komposisyon na "The Evangelist Luke Painting the Madonna" ay puno ng halatang impluwensya ni van Eyck.
(Ang Ebanghelistang si Lucas ay nagpinta ng Madonna)
Noong 1435, lumipat ang artista sa Brussels na may kaugnayan sa kanyang kasal sa isang katutubo ng lungsod na ito at isinalin ang kanyang tunay na pangalan na Roger de la Pasture mula sa Pranses sa Dutch. Naging miyembro ng city guild ng mga pintor, yumaman. Nagtrabaho siya bilang isang pintor ng lungsod sa mga utos mula sa ducal court ng Philip the Good, mga monasteryo, maharlika, mga mangangalakal na Italyano. Pinintura niya ang bulwagan ng lungsod ng mga kuwadro ng pangangasiwa ng hustisya ng mga sikat na tao noong nakaraan (nawala ang mga fresco).
(Larawan ng isang babae)
Sa simula ng panahon ng Brussels ay nabibilang ang engrande sa emosyonalidad na "Descent from the Cross" (ngayon ay nasa Prado). Sa gawaing ito, radikal na inabandona ni Rogier ang pictorial background, na nakatuon ang atensyon ng manonood sa mga trahedya na karanasan ng maraming karakter na pumupuno sa buong espasyo ng canvas. Ang ilang mga mananaliksik ay may hilig na ipaliwanag ang turn sa kanyang trabaho bilang isang pagkahilig para sa doktrina ni Thomas a Kempis.
(Pagbaba mula sa krus kasama ang donor na si Pierre de Ranchicourt, Obispo ng Arras)
Ang pagbabalik ni Rogier mula sa magaspang na realismo ng Campenian at pagpino ng Vaneik proto-Renaissance sa medieval na tradisyon ay pinaka-maliwanag sa Last Judgment polyptych. Ito ay isinulat noong 1443-1454. kinomisyon ni Chancellor Nicolas Rolen para sa altar ng kapilya ng ospital, na itinatag ng huli sa lungsod ng Burgundian ng Beaune. Ang lugar ng mga kumplikadong background ng landscape dito ay inookupahan ng isang gintong liwanag na naranasan ng mga henerasyon ng kanyang mga nauna, na hindi makagambala sa manonood mula sa paggalang sa mga banal na imahe.
(Altar ng Huling Paghuhukom sa Bonn, kanang panlabas na pakpak: Impiyerno, kaliwang panlabas na pakpak: Paraiso)
Noong jubilee year 1450, si Rogier van der Weyden ay naglakbay sa Italya at binisita ang Roma, Ferrara at Florence. Siya ay malugod na tinanggap ng mga Italian humanist (Si Nicholas ng Cusa ay sikat sa kanyang papuri), ngunit siya mismo ay interesado sa mga konserbatibong artista tulad ng Fra Angelico at Gentile da Fabriano.
(Pagpugot kay Juan Bautista)
Sa paglalakbay na ito sa kasaysayan ng sining, kaugalian na iugnay ang unang kakilala ng mga Italyano sa pamamaraan ng pagpipinta ng langis, na pinagkadalubhasaan ni Rogier sa pagiging perpekto. Sa pamamagitan ng pagkakasunud-sunod ng mga dinastiya ng Italyano na Medici at d "Este, pinatay ng Fleming ang Madonna mula sa Uffizi at ang sikat na larawan ni Francesco d'Este. Ang mga impresyon ng Italyano ay na-refracted sa mga komposisyon ng altar ("The Altar of John the Baptist", ang triptychs " Seven Sacraments" at "Adoration of the Magi"), ginawa ang mga ito sa kanilang pagbabalik sa Flanders.
(Pagsamba sa mga Mago)
Ang mga larawan ni Rogier ay may ilang mga karaniwang tampok, na higit sa lahat ay dahil sa ang katunayan na halos lahat ng mga ito ay naglalarawan ng mga kinatawan ng pinakamataas na maharlika ng Burgundy, na ang hitsura at kilos ay na-imprint ng pangkalahatang kapaligiran, pagpapalaki at tradisyon. Ang artist ay gumuhit nang detalyado sa mga kamay ng mga modelo (lalo na ang mga daliri), nagpapalaki at nagpapahaba ng mga tampok ng kanilang mga mukha.
(Larawan ni Francesco D "Este)
Sa mga nagdaang taon, nagtrabaho si Rogier sa kanyang workshop sa Brussels, na napapalibutan ng maraming mga mag-aaral, kung saan, tila, ay mga kilalang kinatawan ng susunod na henerasyon bilang Hans Memling. Pinalaganap nila ang kanyang impluwensya sa buong France, Germany at Spain. Sa ikalawang kalahati ng ika-15 siglo sa hilagang Europa, ang pagpapahayag ni Rogier ay nanaig sa mas teknikal na mga aralin nina Campin at van Eyck. Kahit noong ika-16 na siglo, maraming pintor ang nanatili sa ilalim ng kanyang impluwensya, mula Bernart Orlais hanggang Quentin Masseys. Sa pagtatapos ng siglo, ang kanyang pangalan ay nagsimulang makalimutan, at noong ika-19 na siglo, ang artist ay naalala lamang sa mga espesyal na pag-aaral sa unang bahagi ng pagpipinta ng Netherlandish. Ang pagpapanumbalik ng kanyang malikhaing landas ay kumplikado sa pamamagitan ng katotohanan na hindi niya pinirmahan ang alinman sa kanyang mga gawa, maliban sa larawan ng Washington ng isang babae.
(Annunciation of Mary)
Hugo van der Goes (c. 1420-25, Ghent - 1482, Auderghem)
Flemish pintor. Itinuring siya ni Albrecht Dürer na pinakamalaking kinatawan ng maagang Netherlandish na pagpipinta kasama sina Jan van Eyck at Rogier van der Weyden.
(Larawan ng Isang Tao ng Panalangin kasama si San Juan Bautista)
Ipinanganak sa Ghent o sa bayan ng Ter Goes sa Zeeland. Ang eksaktong petsa ng kapanganakan ay hindi alam, ngunit ang isang utos ng 1451 ay natagpuan na nagpapahintulot sa kanya na bumalik mula sa pagkatapon. Dahil dito, sa oras na iyon ay nagawa niyang gumawa ng mali at gumugol ng ilang oras sa pagkatapon. Sumali sa Guild of St. Luke. Noong 1467 siya ay naging master ng guild, at noong 1473-1476 siya ang dean nito sa Ghent. Nagtrabaho siya sa Ghent, mula 1475 sa Augustinian monastery ng Rodendal malapit sa Brussels. Sa parehong lugar noong 1478 kinuha niya ang monastikong dignidad. Ang kanyang mga huling taon ay nabahiran ng sakit sa isip. Gayunpaman, nagpatuloy siya sa trabaho, tinutupad ang mga order para sa mga portrait. Sa monasteryo, binisita siya ng hinaharap na emperador ng Holy Roman Empire, Maximilian ng Habsburg.
(Ang Pagpapako sa Krus)
Ipinagpatuloy niya ang artistikong tradisyon ng pagpipinta ng Dutch noong unang kalahati ng ika-15 siglo. Iba-iba ang mga aktibidad sa sining. Ang impluwensya ni Bouts ay kapansin-pansin sa kanyang maagang trabaho.
Lumahok bilang isang dekorador sa dekorasyon ng lungsod ng Bruges sa okasyon ng kasal noong 1468 ng Duke ng Burgundy, Charles the Bold at Margaret ng York, kalaunan sa disenyo ng mga pagdiriwang sa lungsod ng Ghent sa okasyon ng pagpasok sa lungsod ng Charles the Bold at ang bagong Countess of Flanders noong 1472. Malinaw, ang kanyang papel sa mga gawaing ito ay nangunguna, dahil, ayon sa mga nakaligtas na dokumento, nakatanggap siya ng mas malaking bayad kaysa sa iba pang mga artista. Sa kasamaang palad, ang mga kuwadro na bahagi ng disenyo ay hindi napanatili. Ang malikhaing talambuhay ay may maraming mga kalabuan at mga puwang, dahil wala sa mga kuwadro na gawa ang napetsahan ng artist o pinirmahan niya.
(Benedictine Monk)
Ang pinakatanyag na gawa ay ang malaking altarpiece na "Adoration of the Shepherds", o "Portinari Altarpiece", na ipininta c. 1475 na kinomisyon ni Tommaso Portinari, isang kinatawan ng Medici bank sa Bruges, at nagkaroon ng malalim na impluwensya sa mga pintor ng Florentine: Domenico Ghirlandaio, Leonardo da Vinci at iba pa.
(Portinari Altarpiece)
Jan Provost (1465-1529)
Mayroong mga sanggunian sa master Provost sa mga dokumento ng 1493, na nakaimbak sa bulwagan ng bayan ng Antwerp. At noong 1494 lumipat ang master sa Bruges. Alam din natin na noong 1498 ay pinakasalan niya ang balo ng pintor ng Pranses at miniaturist na si Simon Marmion.
(Ang Pagkamartir ni St. Catherine)
Hindi natin alam kung kanino nag-aral si Provost, ngunit ang kanyang sining ay malinaw na naimpluwensyahan ng mga huling klasiko ng unang bahagi ng Netherlandish Renaissance, sina Gerard David at Quentin Masseys. At kung hinahangad ni David na ipahayag ang ideya ng relihiyon sa pamamagitan ng drama ng sitwasyon at mga karanasan ng tao, kung gayon sa Quentin Masseys ay makakahanap tayo ng iba pa - isang labis na pananabik para sa mainam at maayos na mga imahe. Una sa lahat, apektado dito ang impluwensya ni Leonardo da Vinci, na ang trabaho ni Masseys sa kanyang paglalakbay sa Italya.
Sa mga kuwadro na gawa ng Provost, ang mga tradisyon nina G. David at K. Masseys ay pinagsama sa isa. Sa koleksyon ng State Hermitage mayroong isang gawa ng Provost - "Mary in Glory", ipininta sa isang kahoy na board gamit ang pamamaraan ng pintura ng langis.
(Ang Birheng Maria sa Kaluwalhatian)
Ang malaking pagpipinta na ito ay naglalarawan sa Birheng Maria, na napapalibutan ng ginintuang ningning, na nakatayo sa isang gasuklay na buwan sa mga ulap. Nasa kanyang mga bisig ang batang Kristo. Sa itaas ng kanyang hover sa himpapawid Diyos Ama, St. Espiritu sa anyo ng isang kalapati at apat na anghel. Sa ibaba - nakaluhod si Haring David na may alpa sa kanyang mga kamay at Emperador Augustus na may korona at setro. Bilang karagdagan sa kanila, ang pagpipinta ay naglalarawan ng mga sibyl (mga karakter ng sinaunang mitolohiya, paghula sa hinaharap at pagbibigay kahulugan sa mga panaginip) at mga propeta. Sa mga kamay ng isa sa mga sibyl ay isang balumbon na may nakasulat na "Ang dibdib ng birhen ay magiging kaligtasan ng mga bansa."
Sa kaibuturan ng larawan, kitang-kita ang isang landscape na kapansin-pansin sa pagiging subtlety at tula nito na may mga gusali ng lungsod at isang daungan. Ang buong kumplikado at theologically masalimuot na balangkas ay tradisyonal para sa Dutch art. Kahit na ang pagkakaroon ng mga sinaunang karakter ay nakita bilang isang uri ng pagtatangka sa isang relihiyosong pagbibigay-katwiran ng mga sinaunang klasiko at hindi nakakagulat sa sinuman. Ang tila kumplikado sa amin ay madaling napansin ng mga kontemporaryo ng artista at isang uri ng alpabeto sa mga kuwadro na gawa.
Gayunpaman, ang Provost ay gumagawa ng isang tiyak na hakbang pasulong sa mastering ito relihiyosong kuwento. Pinagsasama-sama niya ang lahat ng kanyang mga karakter sa isang espasyo. Pinagsama niya ang makalupa (Haring David, Emperador Augustus, sibyls at propeta) at makalangit (Maria at mga anghel) sa isang eksena. Ayon sa tradisyon, inilalarawan niya ang lahat ng ito laban sa backdrop ng isang tanawin, na higit na nagpapahusay sa impresyon ng katotohanan ng nangyayari. Masigasig na isinalin ng Provost ang aksyon sa kontemporaryong buhay. Sa mga pigura nina David at Augustus, madaling mahulaan ng isa ang mga customer ng pagpipinta, mga mayayamang Dutch. Ang mga sinaunang sibyl, na ang mga mukha ay halos nakalarawan, ay maliwanag na kahawig ng mga mayamang babaeng bayan noong panahong iyon. Kahit na ang kahanga-hangang tanawin, sa kabila ng lahat ng kamangha-manghang bagay, ay lubos na makatotohanan. Siya, bilang ito ay, synthesizes ang likas na katangian ng Flanders sa kanyang sarili, idealizes ito.
Karamihan sa mga painting ng Provost ay may likas na relihiyon. Sa kasamaang palad, ang isang makabuluhang bahagi ng mga gawa ay hindi napanatili, at halos imposible na muling likhain ang isang kumpletong larawan ng kanyang trabaho. Gayunpaman, ayon sa mga kontemporaryo, alam natin na ang Provost ay nakibahagi sa disenyo ng solemne na pagpasok ni Haring Charles sa Bruges. Ito ay nagsasalita ng katanyagan at dakilang mga merito ng master.
(Birhen at Bata)
Ayon kay Dürer, kung kanino naglakbay ang Provost nang ilang panahon sa Netherlands, ang pasukan ay nilagyan ng mahusay na karangyaan. Mula sa mga pintuan ng lungsod hanggang sa bahay kung saan nanatili ang hari ay pinalamutian ng mga arcade sa mga haligi, mayroong mga korona, mga korona, mga tropeo, mga inskripsiyon, mga sulo sa lahat ng dako. Mayroon ding maraming buhay na mga kuwadro na gawa at alegorikal na paglalarawan ng "mga talento ng emperador".
Malaki ang naging bahagi ng provost sa disenyo. Ang sining ng Netherland noong ika-16 na siglo, na inilalarawan ni Jan Provost, ay nagbunga ng mga gawa na, sa mga salita ni B. R. Wipper, "hindi gaanong nakakaakit ng mga likha ng mga namumukod-tanging master, ngunit bilang katibayan ng isang mataas at magkakaibang kulturang sining."
(Christian Allegory)
Jeroen Antonison van Aken (Hieronymus Bosch) (circa 1450-1516)
Ang Dutch artist, isa sa mga pinakadakilang masters ng Northern Renaissance, ay itinuturing na isa sa mga pinaka misteryosong pintor sa kasaysayan ng Western art. Sa bayan ng Bosch ng 's-Hertogenbosch, binuksan ang isang sentro para sa pagkamalikhain ni Bosch, na nagpapakita ng mga kopya ng kanyang mga gawa.
Jan Mandijn (1500/1502, Haarlem - 1559/1560, Antwerp)
Dutch Renaissance at Northern Mannerist na pintor.
Si Jan Mandijn ay kabilang sa grupo ng mga artista ng Antwerp na sumusunod kay Hieronymus Bosch (Peter Hayes, Herri met de Bles, Jan Wellens de Kokk), na nagpatuloy sa tradisyon ng mga kamangha-manghang larawan at naglatag ng mga pundasyon ng tinatawag na Northern Mannerism bilang laban sa Italian. Ang mga gawa ni Jan Mandijn, kasama ang kanyang mga demonyo at masasamang espiritu, ay pinakamalapit sa pamana ng mahiwaga.
(Saint Christopher. (State Hermitage Museum, St. Petersburg))
Ang may-akda ng mga kuwadro na iniuugnay kay Mandane, maliban sa The Temptations of St. Anthony", ay hindi pa tiyak. Ito ay pinaniniwalaan na si Mundane ay hindi marunong bumasa at sumulat at samakatuwid ay hindi maaaring pumirma sa kanyang "Temptations" sa Gothic script. Iminumungkahi ng mga istoryador ng sining na kinopya lang niya ang lagda mula sa natapos na sample.
Nabatid na noong bandang 1530 naging master si Mandijn sa Antwerp, sina Gillis Mostert at Bartholomeus Spranger ang kanyang mga estudyante.
Marten van Heemskerk (tunay na pangalan Marten Jacobson van Ven)
Si Marten van Ven ay ipinanganak sa North Holland sa isang pamilyang magsasaka. Laban sa kalooban ng kanyang ama, pumunta siya sa Haarlem, upang pag-aralan ang artist na si Cornelis Willems, at noong 1527 ay pumunta siya bilang isang apprentice kay Jan van Scorel, at sa kasalukuyan, ang mga art historian ay hindi laging matukoy ang eksaktong pag-aari ng mga indibidwal na pagpipinta. sa pamamagitan ng Scorel o Hemskerk. Sa pagitan ng 1532 at 1536 ang artista ay nakatira at nagtatrabaho sa Roma, kung saan ang kanyang mga gawa ay napakatagumpay. Sa Italya, nililikha ni van Heemskerk ang kanyang mga kuwadro na gawa sa artistikong istilo ng Mannerism.
Pagkatapos bumalik sa Netherlands, nakatanggap siya ng maraming mga order mula sa simbahan para sa parehong pagpipinta ng altar at ang paglikha ng mga stained glass na bintana at mga tapiserya sa dingding. Isa siya sa mga nangungunang miyembro ng Guild of Saint Luke. Mula 1550 hanggang sa kanyang kamatayan noong 1574, si Marten van Heemskerk ay nagsilbi bilang church warden sa simbahan ng St. Bavo sa Haarlem. Sa iba pang mga gawa, kilala si van Heemskerk sa kanyang serye ng mga painting na Seven Wonders of the World.
(Larawan ni Anna Codde 1529)
(San Luke Painting the Virgin and Child 1532)
(Man of Sorrows 1532)
(The Unhappy Lot of the Rich 1560)
(Self-Portrait sa Rome kasama ang Colosseum1553)
Joachim Patinir (1475/1480, Dinant sa lalawigan ng Namur, Wallonia, Belgium - Oktubre 5, 1524, Antwerp, Belgium)
Flemish painter, isa sa mga tagapagtatag ng European landscape painting. Nagtatrabaho sa Antwerp Ginawa niya ang kalikasan bilang pangunahing bahagi ng imahe sa mga komposisyon sa mga paksang panrelihiyon, kung saan, kasunod ng tradisyon ng magkapatid na Van Eyck, sina Gerard David at Bosch, lumikha siya ng isang maringal na panoramic na espasyo.
Nagtatrabaho sa Quentin Masseys. Marahil, marami sa mga akdang iniuugnay ngayon sa Patinir o Masseys ay sa katunayan ang kanilang magkasanib na mga gawa.
(Labanan ng Pavia)
(Himala ni St. Catherine)
(Landscape with The Flight into Egypt)
Nakilala ni Herri si de Bles (1500/1510, Bouvignes-sur-Meuse - mga 1555)
Flemish artist, kasama si Joachim Patinir, isa sa mga tagapagtatag ng European landscape painting.
Halos walang mapagkakatiwalaang kilala tungkol sa buhay ng artista. Sa partikular, ang kanyang pangalan ay hindi kilala. Ang palayaw na "meet de Bles" - "with a white spot" - malamang ay nakatanggap siya ng puting kulot sa kanyang buhok. Tinaglay din niya ang palayaw na Italyano na "Civetta" (Italian Civetta) - "kuwago" - dahil ang kanyang monogram, na ginamit niya bilang pirma sa kanyang mga pintura, ay isang maliit na pigurin ng isang kuwago.
(Landscape na may tanawin ng paglipad patungong Egypt)
Nakilala ni Herri si de Bles na ginugol ang karamihan sa kanyang karera sa Antwerp. Ipinapalagay na siya ay pamangkin ni Joachim Patinir, at ang tunay na pangalan ng pintor ay Herry de Patinir (Dutch. Herry de Patinir). Sa anumang kaso, noong 1535 isang Herri de Patinier ang sumali sa Antwerp guild ng Saint Luke. Kasama rin si Herri met de Bles sa grupo ng mga artista ng South Netherlandish - mga tagasunod ni Hieronymus Bosch, kasama sina Jan Mandijn, Jan Wellens de Kock at Peter Geis. Ipinagpatuloy ng mga masters na ito ang tradisyon ng kamangha-manghang pagpipinta ni Bosch, at ang kanilang trabaho ay tinatawag na "Northern Mannerism" (kumpara sa Italian Mannerism). Ayon sa ilang mga mapagkukunan, namatay ang artista sa Antwerp, ayon sa iba - sa Ferrara, sa korte ng Duke del Este. Ni ang taon ng kanyang kamatayan o ang mismong katotohanan na siya ay bumisita sa Italya ay hindi alam.
Nakilala ni Herri si de Bles na pangunahing ipininta, kasunod ng modelo ng Patinir, mga landscape, na naglalarawan din ng mga multi-figured na komposisyon. Ang kapaligiran ay maingat na inihahatid sa mga landscape. Karaniwan para sa kanya, pati na rin para sa Patinir, ay isang inilarawan sa pangkinaugalian na imahe ng mga bato.
Lucas van Leiden (Luke ng Leiden, Lucas Huygens) (Leiden 1494 - Leiden 1533)
Nag-aral siya ng pagpipinta kay Cornelis Engelbrekts. Napakaaga niyang pinagkadalubhasaan ang sining ng pag-uukit at nagtrabaho sa Leiden at Middelburg. Noong 1522 sumali siya sa Guild of Saint Luke sa Antwerp, pagkatapos ay bumalik sa Leiden, kung saan siya namatay noong 1533.
(Triptych na may mga sayaw sa paligid ng gintong guya. 1525-1535. Rijksmuseum)
Sa mga eksena sa genre, gumawa siya ng isang matapang na hakbang patungo sa isang matalim na makatotohanang paglalarawan ng katotohanan.
Sa mga tuntunin ng kanyang husay, si Luke ng Leiden ay hindi mas mababa kay Dürer. Isa siya sa mga unang Dutch graphic artist na nagpakita ng pag-unawa sa mga batas ng light-air perspective. Bagaman, sa mas malaking lawak, interesado siya sa mga problema ng komposisyon at pamamaraan, sa halip na katapatan sa tradisyon o emosyonal na tunog ng mga eksena sa mga tema ng relihiyon. Noong 1521, sa Antwerp, nakilala niya si Albrecht Dürer. Ang impluwensya ng gawain ng mahusay na master ng Aleman ay ipinakita sa mas mahigpit na pagmomolde at sa isang mas nagpapahayag na interpretasyon ng mga figure, ngunit si Luke ng Leiden ay hindi kailanman nawala ang mga tampok na likas lamang sa kanyang estilo: matangkad, maayos na mga figure sa medyo mannered poses. at pagod na mga mukha. Sa huling bahagi ng 1520s, ang impluwensya ng Italyano na engraver na si Marcantonio Raimondi ay nagpakita mismo sa kanyang trabaho. Halos lahat ng mga ukit ni Luke ng Leiden ay nilagdaan ng inisyal na "L", at halos kalahati ng kanyang mga gawa ay napetsahan, kasama ang sikat na serye ng Passion of the Christ (1521). Humigit-kumulang isang dosena ng kanyang mga woodcuts ang nakaligtas, karamihan ay naglalarawan ng mga eksena mula sa Lumang Tipan. Sa maliit na bilang ng mga nakaligtas na mga pintura ni Luke ng Leiden, isa sa pinakatanyag ay ang Last Judgment triptych (1526).
(Charles V, Cardinal Wolsley, Margaret ng Austria)
Jos van Cleve (hindi alam ang petsa ng kapanganakan, marahil ay Wesel - 1540-41, Antwerp)
Ang unang pagbanggit kay Jos van Cleve ay tumutukoy sa 1511, nang siya ay natanggap sa Antwerp Guild ng St. Luke. Bago ito, nag-aral si Jos van Cleve sa ilalim ni Jan Joost van Kalkar kasama si Bartholomeus Brein the Elder. Siya ay itinuturing na isa sa mga pinaka-aktibong artista sa kanyang panahon. Ang kanyang mga pintura at posisyon bilang isang pintor sa korte ni Francis I ay nagpapatotoo sa kanyang pananatili sa France. May mga katotohanan na nagpapatunay sa paglalakbay ni Jos sa Italya.
Ang mga pangunahing gawa ni Jos van Cleve ay dalawang altar na naglalarawan sa Assumption of the Virgin (kasalukuyang nasa Cologne at Munich), na dati ay naiugnay sa isang hindi kilalang artista, ang Master of the Life of Mary.
(Adoration of the Magi. 1st third of the 16th century. Art Gallery, Dresden)
Si Jos van Cleve ay inuri bilang isang nobelista. Sa kanyang mga pamamaraan ng malambot na pagmomodelo ng mga volume, nararamdaman niya ang isang echo ng impluwensya ng sfumato ni Leonardo da Vinci. Gayunpaman, malapit siyang konektado sa tradisyon ng Dutch sa maraming mahahalagang aspeto ng kanyang trabaho.
Ang "Assumption of the Virgin" mula sa Alte Pinakothek ay dating nasa Cologne Church of the Virgin Mary at inatasan ng mga kinatawan ng ilang mayayamang pamilyang Cologne. Ang altarpiece ay may dalawang gilid na pakpak na naglalarawan sa mga patron santo ng mga patron. Ang gitnang sintas ay ang pinakamalaking interes. Sumulat si Van Mander tungkol sa artista: "Siya ang pinakamahusay na colorist sa kanyang panahon, alam niya kung paano ihatid ang napakagandang kaluwagan sa kanyang mga gawa at inihatid ang kulay ng katawan na napakalapit sa kalikasan, gamit lamang ang isang kulay ng balat. Ang kanyang mga gawa ay lubos na pinahahalagahan ng mga mahilig sa sining, na nararapat sa kanila.
Naging artista rin ang anak ni Jos van Cleve na si Cornelis.
Flemish pintor ng Northern Renaissance. Nag-aral siya ng pagpipinta kasama si Bernard van Orley, na nagpasimula ng kanyang pagbisita sa Italian peninsula. (Ang Coxcie ay minsan binabaybay na Coxie, tulad ng sa Mechelen sa isang kalye na nakatuon sa artist). Sa Roma noong 1532, ipininta niya ang kapilya ng Cardinal Enckenvoirt sa simbahan ng Santa Maria Delle "Anima at Giorgio Vasari, ang kanyang gawain ay ginawa sa paraang Italyano. Ngunit ang pangunahing gawain ni Coxey ay ang pagbuo para sa mga engraver at ang pabula ni Psyche. sa tatlumpu't dalawang sheet ni Agostino Veneziano at ang master sa Daia magandang halimbawa ng kanilang craft.
Pagbalik sa Netherlands, makabuluhang binuo ni Coxey ang kanyang kasanayan sa larangang ito ng sining. Bumalik si Coxey sa Mechelen, kung saan idinisenyo niya ang altar sa kapilya ng Guild of St. Luke. Sa gitna ng altar na ito, si St. Luke the Evangelist, ang patron saint ng mga artista, ay inilalarawan na may imahe ng Birhen, sa mga gilid na bahagi ay may tanawin ng pagiging martir ni St. Vitus at ang Vision ni St. ang Ebanghelista sa Patmos. Siya ay tinangkilik ni Charles V, ang Emperador ng Roma. Ang kanyang mga obra maestra noong 1587 - 1588 ay naka-imbak sa katedral sa Mechelen, sa katedral sa Brussels, mga museo sa Brussels at Antwerp. Siya ay kilala bilang ang Flemish Raphael. Namatay siya sa Mechelen noong 5 Mat 1592, nahulog sa hagdanan.
(Christina ng Denmark)
(Pagpatay kay Abel)
Marinus van Reimerswale (c. 1490, Reimerswaal - pagkatapos ng 1567)
Ang ama ni Marinus ay miyembro ng Antwerp Artists' Guild. Si Marinus ay itinuturing na isang mag-aaral ng Quentin Masseys, o hindi bababa sa naimpluwensyahan niya sa kanyang trabaho. Gayunpaman, hindi lamang nagpinta si van Reimerswale. Pagkatapos umalis sa kanyang katutubong Reimerswal, lumipat siya sa Middelburg, kung saan siya ay lumahok sa pagnanakaw ng simbahan, pinarusahan at pinalayas mula sa lungsod.
Si Marinus van Reimerswale ay nanatili sa kasaysayan ng pagpipinta salamat sa kanyang mga larawan ng St. Si Jerome at ang mga larawan ng mga bangkero, usurero at maniningil ng buwis na may detalyadong damit na maingat na ipininta ng pintor. Ang gayong mga larawan ay napakapopular noong mga panahong iyon bilang personipikasyon ng kasakiman.
Pintor at graphic artist ng South Dutch, ang pinakasikat at makabuluhan sa mga artista na nagdala ng pangalang ito. Master ng mga eksena sa landscape at genre. Ama ng mga pintor na sina Pieter Brueghel the Younger (Hellish) at Jan Brueghel the Elder (Paradise).
Ang Netherlands ay isang makasaysayang rehiyon na sumasakop sa bahagi ng malawak na mababang lupain sa hilagang baybayin ng Europa mula sa Gulpo ng Finland hanggang sa English Channel. Sa kasalukuyan, ang mga estado ng Netherlands (Holland), Belgium at Luxembourg ay matatagpuan sa teritoryong ito.
Matapos ang pagbagsak ng Imperyong Romano, ang Netherlands ay naging isang motley na koleksyon ng malalaki at maliliit na semi-independiyenteng estado. Ang pinakamahalaga sa kanila ay ang Duchy of Brabant, ang mga county ng Flanders at Holland, at ang Obispo ng Utrecht. Sa hilaga ng bansa, ang populasyon ay pangunahing Aleman - ang mga Frisian at ang Dutch, sa timog ang mga inapo ng mga Gaul at Romano - ang mga Fleming at Walloon - ay nangingibabaw.
Ang Dutch ay nagtrabaho nang walang pag-iimbot sa kanilang espesyal na talento "nang walang pagkabagot na gawin ang pinaka-nakakainis na mga bagay," gaya ng sinabi ng Pranses na istoryador na si Hippolyte Taine tungkol sa mga taong ito, na lubos na nakatuon sa pang-araw-araw na buhay. Hindi nila alam ang matayog na tula, ngunit mas magalang na pinarangalan ang pinakasimpleng mga bagay: isang malinis, komportableng tahanan, isang mainit na apuyan, katamtaman ngunit masarap na pagkain. Ang Dutchman ay ginagamit upang tingnan ang mundo bilang isang malaking bahay kung saan siya ay tinatawag na upang mapanatili ang kaayusan at ginhawa.
Ang mga pangunahing tampok ng sining ng Renaissance ng Netherlands
Karaniwan sa sining ng Renaissance sa Italya at sa mga bansa sa Gitnang Europa ay ang pagnanais para sa isang makatotohanang paglalarawan ng tao at ng mundo sa paligid niya. Ngunit ang mga gawaing ito ay nalutas nang iba dahil sa pagkakaiba sa katangian ng mga kultura.Para sa mga Italyano na artista ng Renaissance, mahalaga na gawing pangkalahatan at lumikha ng isang perpekto, mula sa punto ng view ng humanismo, imahe ng isang tao. Para sa kanila, ang agham ay may mahalagang papel - ang mga artista ay bumuo ng mga teorya ng pananaw at mga turo tungkol sa mga sukat.
Ang mga Dutch masters ay naaakit sa pagkakaiba-iba ng indibidwal na hitsura ng mga tao at ang kayamanan ng kalikasan. Hindi nila hinahangad na lumikha ng isang pangkalahatang imahe, ngunit ihatid ang katangian at espesyal. Ang mga artista ay hindi gumagamit ng teorya ng pananaw at iba pa, ngunit ipinapahayag ang impresyon ng lalim at espasyo, mga optical effect at ang pagiging kumplikado ng mga relasyon sa liwanag at lilim sa pamamagitan ng maingat na pagmamasid.
Sila ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagmamahal sa kanilang lupain at kamangha-manghang pansin sa lahat ng maliliit na bagay: sa kanilang katutubong hilagang kalikasan, sa mga kakaibang katangian ng buhay, sa mga detalye ng interior, mga kasuutan, sa pagkakaiba sa mga materyales at mga texture ...
Ang mga Dutch artist ay gumagawa ng pinakamaliit na detalye nang may lubos na pangangalaga at muling likhain ang kumikinang na kayamanan ng mga kulay. Ang mga bagong pictorial na gawain na ito ay malulutas lamang sa tulong ng bagong pamamaraan ng oil painting.
Ang pagtuklas ng oil painting ay iniuugnay kay Jan van Eyck. Mula sa kalagitnaan ng ika-15 siglo, pinalitan din ng bagong "Flemish na paraan" ang lumang tempera technique sa Italy. Hindi sinasadya na sa mga altar ng Dutch, na isang salamin ng buong uniberso, makikita mo ang lahat ng binubuo nito - bawat talim ng damo at puno sa tanawin, mga detalye ng arkitektura ng mga katedral at mga bahay ng lungsod, mga tahi ng burdado na burda. sa mga damit ng mga santo, pati na rin ang maraming iba, pinakamaliit, mga detalye.
Ang sining ng ika-15 siglo ay ang ginintuang panahon ng pagpipinta ng Netherlandish.
Ang pinakamaliwanag na kinatawan nito Jan Van Eyck. OK. 1400-1441.
Ang pinakadakilang master ng European painting:
binuksan sa kanyang trabaho ang isang bagong panahon ng Early Renaissance sa Dutch art.
Siya ang pintor ng korte ng Duke ng Burgundy, si Philip the Good.
Isa siya sa mga unang nakabisado ang plastik at nagpapahayag na mga posibilidad ng pagpipinta ng langis, gamit ang manipis na transparent na mga layer ng pintura na inilatag ng isa sa ibabaw ng isa (ang tinatawag na Flemish na paraan ng multi-layered transparent na pagpipinta).
Ang pinakamalaking gawa ni Van Eyck ay ang Ghent Altarpiece, na ginampanan niya kasama ang kanyang kapatid.
Ang Ghent altar ay isang grand multi-tiered polyptych. Ang taas nito sa gitnang bahagi ay 3.5 m, ang lapad kapag binuksan ay 5 m.
Sa labas ng altar (kapag nakasara) ang pang-araw-araw na cycle ay inilalarawan:
- Ang mga donor ay inilalarawan sa ilalim na hilera - ang naninirahan sa lungsod na si Jodok Veidt at ang kanyang asawa, na nagdarasal sa harap ng mga estatwa ng mga Santo John the Baptist at John theologian, mga patron ng simbahan at ng kapilya.
- sa itaas ay ang eksena ng Annunciation, at ang mga pigura ng Ina ng Diyos at ng Arkanghel Gabriel ay pinaghihiwalay ng imahe ng isang bintana kung saan ang tanawin ng lungsod ay umuusad.
Ang festive cycle ay inilalarawan sa loob ng altar.
Kapag bumukas ang mga pintuan ng altar, isang tunay na nakamamanghang pagbabago ang magaganap sa harap ng mga mata ng manonood:
- ang laki ng polyptych ay nadoble,
- ang larawan ng pang-araw-araw na buhay ay agad na napalitan ng panoorin ng isang makalupang paraiso.
- Ang masikip at madilim na mga aparador ay nawawala, at ang mundo ay tila bumukas: ang maluwang na tanawin ay nagliliwanag sa lahat ng mga kulay ng palette, maliwanag at sariwa.
Ang pagpipinta ng festive cycle ay nakatuon sa tema ng tagumpay ng transfigured world, na bihira sa Kristiyanong sining, na dapat dumating pagkatapos ng Huling Paghuhukom, kapag ang kasamaan ay sa wakas ay matatalo at ang katotohanan at pagkakaisa ay itatag sa lupa.
Nangungunang hilera:
- sa gitnang bahagi ng altar, ang Diyos Ama ay inilalarawan na nakaupo sa isang trono,
- ang Ina ng Diyos at si Juan Bautista ay nakaupo sa kaliwa at kanan ng trono,
- sa magkabilang panig ay may kumakanta at tumutugtog ng mga anghel,
- ang mga hubo't hubad na pigura nina Adan at Eba ay nagsasara ng hilera.
Ang ilalim na hanay ng mga painting ay naglalarawan ng isang tanawin ng pagsamba sa Banal na Kordero.
- sa gitna ng parang ay tumataas ang isang altar, dito nakatayo ang isang puting Kordero, ang dugo ay umaagos mula sa kanyang tinusok na dibdib patungo sa isang tasa
- mas malapit sa manonood ay isang balon kung saan umaagos ang buhay na tubig. 
Hieronymus Bosch (1450 - 1516)
Ang koneksyon ng kanyang sining sa mga katutubong tradisyon, alamat.
Sa kanyang mga gawa, kakaiba niyang pinagsama ang mga tampok ng medieval fantasy, folklore, philosophical parable at satire.
Gumawa siya ng mga multi-figure na relihiyoso at alegorikal na komposisyon, mga kuwadro na gawa sa mga tema ng katutubong kasabihan, kasabihan at talinghaga.
Ang mga gawa ni Bosch ay puno ng maraming eksena at yugto, parang buhay at kakaibang kamangha-manghang mga imahe at detalye, puno ng kabalintunaan at alegorya.
Ang gawa ni Bosch ay nagkaroon ng malaking epekto sa pagbuo ng mga makatotohanang uso sa pagpipinta ng Netherlandish noong ika-16 na siglo.
Komposisyon "The Temptation of St. Anthony" - isa sa pinakatanyag at mahiwagang gawa ng artista. Ang obra maestra ng master ay ang triptych na "The Garden of Delights", isang masalimuot na alegorya na nakatanggap ng maraming iba't ibang interpretasyon. Sa parehong panahon, ang triptychs na "The Last Judgment", "The Adoration of the Magi", ang mga komposisyon na "St. Juan sa Patmos, Juan Bautista sa Ilang.
Kasama sa huling panahon ng trabaho ni Bosch ang triptych na "Heaven and Hell", ang mga komposisyon na "The Tramp", "Carrying the Cross".
Karamihan sa mga pagpipinta ng Bosch noong mature at late period ay mga kakaibang grotesques na naglalaman ng malalim na pilosopiko na mga tono.
Ang malaking triptych na "Hay Carriage", na lubos na pinahahalagahan ni Philip II ng Spain, ay kabilang sa mature na panahon ng trabaho ng artist. Ang komposisyon ng altar ay malamang na nakabatay sa isang lumang kasabihan ng Dutch: "Ang mundo ay isang haystack, at lahat ay sumusubok na kunin hangga't kaya niya mula dito."
Tukso ng St. Anthony. Triptych. Gitnang bahagi Kahoy, langis. 131.5 x 119 cm (gitna), 131.5 x 53 cm (mga dahon) National Museum of Ancient Art, Lisbon 
Garden of Delights. Triptych. Bandang 1485. Gitnang bahagi
Kahoy, langis. 220 x 195 cm (gitna), 220 x 97 cm (mga pintuan) Prado Museum, Madrid
sining ng Dutch noong ika-16 na siglo. minarkahan ng paglitaw ng interes sa sinaunang panahon at ang mga aktibidad ng mga masters ng Italian Renaissance. Sa simula ng siglo, nabuo ang isang kilusan batay sa imitasyon ng mga modelong Italyano, na tinatawag na "romanismo" (mula sa Roma, ang Latin na pangalan para sa Roma).
Ang tugatog ng Dutch painting sa ikalawang kalahati ng siglo ay ang gawa ng Pieter Brueghel the Elder. 1525/30-1569. Palayaw na Muzhitsky.
Gumawa siya ng isang malalim na pambansang sining batay sa mga tradisyon ng Dutch at lokal na alamat.
Malaki ang papel niya sa pagbuo ng genre ng magsasaka at ng pambansang tanawin. Sa akda ni Brueghel, ang magaspang na katutubong katatawanan, liriko at trahedya, makatotohanang mga detalye at kamangha-manghang katawa-tawa, interes sa detalyadong salaysay at ang pagnanais para sa malawak na paglalahat ay magkakaugnay.
Sa mga gawa ng Brueghel - malapit sa moralizing performances ng medieval folk theater.
Ang clownish duel sa pagitan ng Maslenitsa at Lent ay isang karaniwang eksena ng mga patas na pagtatanghal na ginanap sa Netherlands sa mga araw ng paglabas ng taglamig.
Buhay ay puspusan sa lahat ng dako: may isang bilog na sayaw, ang mga bintana ay naghuhugas dito, ang iba ay naglalaro ng dice, ang iba ay nangangalakal, may namamalimos, may dinadala para ilibing ...
Kawikaan. 1559. Ang pagpipinta ay isang uri ng encyclopedia ng Dutch folklore.
Ang mga karakter ni Brueghel ay humahantong sa isa't isa sa pamamagitan ng ilong, umupo sa pagitan ng dalawang upuan, pinalo ang kanilang mga ulo sa dingding, nakabitin sa pagitan ng langit at lupa... Ang kasabihang Dutch na "At may mga bitak sa bubong" ay malapit sa kahulugan sa Ruso " At ang mga dingding ay may mga tainga." Ang Dutch na "magtapon ng pera sa tubig" ay nangangahulugang kapareho ng Ruso na "mag-aaksaya ng pera", "mag-aaksaya ng pera". Ang buong larawan ay nakatuon sa pag-aaksaya ng pera, lakas, lahat ng buhay - dito ay tinatakpan nila ang bubong ng mga pancake, bumaril ng mga arrow sa walang laman, naggugupit ng mga baboy, nagpainit sa kanilang sarili sa apoy ng isang nasusunog na bahay at umamin sa diyablo.
Ang buong mundo ay may isang wika at isang diyalekto. Sa paglipat mula sa silangan, nakakita sila ng isang kapatagan sa lupain ng Shinar at doon sila nanirahan. At sinabi nila sa isa't isa: "Gumawa tayo ng mga laryo at sunugin sila ng apoy." At sila ay naging mga laryo sa halip na mga bato, at lupang alkitran sa halip na apog. At kanilang sinabi, Magtayo tayo ng ating sarili ng isang lungsod at isang moog na kasing taas ng langit, at gumawa tayo ng pangalan para sa ating sarili, bago tayo mangalat sa ibabaw ng lupa. At bumaba ang Panginoon upang tingnan ang lungsod at ang tore na itinatayo ng mga anak ng tao. At sinabi ng Panginoon: “Ito ay isang bayan, at lahat ay may isang wika, at ito ang kanilang sinimulang gawin, at hindi sila mahuhuli sa kung ano ang kanilang binalak gawin. Bumaba tayo at lituhin natin ang kanilang wika roon, upang hindi maunawaan ng isa ang pananalita ng isa." At pinangalat sila ng Panginoon mula roon sa buong lupa; at itinigil nila ang pagtatayo ng lungsod at ng tore. Samakatuwid, binigyan ito ng isang pangalan: Babylon, sapagkat doon ginulo ng Panginoon ang wika ng buong lupa, at mula roon ay pinangalat sila ng Panginoon sa buong lupa (Genesis, ch. 11). Hindi tulad ng motley bustle ng mga unang gawa ni Brueghel, ang pagpipinta na ito ay tumatama sa manonood sa pagiging mahinahon nito. Ang tore na inilalarawan sa larawan ay kahawig ng Roman amphitheater Colosseum, na nakita ng artist sa Italya, at sa parehong oras - isang anthill. Ang walang pagod na trabaho ay puspusan sa lahat ng palapag ng napakalaking istraktura: ang mga bloke ay umiikot, ang mga hagdan ay inihagis, ang mga pigura ng mga manggagawa ay tumatakbo. Kapansin-pansin na ang koneksyon sa pagitan ng mga tagapagtayo ay nawala na, marahil dahil sa "paghahalo ng mga wika" na nagsimula: sa isang lugar ay puspusan ang pagtatayo, at sa isang lugar ang tore ay naging mga guho.
Matapos maibigay si Jesus para ipako sa krus, pinasan Siya ng mabigat na krus ng mga sundalo at dinala Siya sa lugar ng bungo na tinatawag na Golgota. Sa daan, sinunggaban nila si Simon na taga-Cirene, na pauwi na mula sa bukid, at pinilit siyang pasanin ang krus para kay Jesus. Maraming tao ang sumunod kay Hesus, kabilang sa kanila ang mga babaeng umiiyak at umiiyak para sa Kanya. Ang “Carrying the Cross” ay isang relihiyoso, Kristiyanong larawan, ngunit hindi na ito larawan ng simbahan. Iniugnay ni Brueghel ang mga katotohanan ng Banal na Kasulatan sa personal na karanasan, na sinasalamin sa mga teksto ng Bibliya, binigyan sila ng sarili niyang interpretasyon, i.e. lantarang nilabag ang utos ng imperyal noong 1550, na ipinapatupad noong panahong iyon, na, sa ilalim ng kirot ng kamatayan, ay nagbabawal sa malayang pag-aaral ng Bibliya.
Lumilikha ang Brueghel ng isang serye ng mga landscape na "Mga Buwan". Ang "Hunters in the Snow" ay Disyembre-Enero.
Ang bawat panahon para sa master ay, una sa lahat, isang natatanging estado ng lupa at langit.
Isang pulutong ng mga magsasaka, nahuli ng mabilis na ritmo ng sayaw.
