Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Na nagpapahintulot sa iyo na ipakita sa isang maikling balangkas ang mga salungatan ng lipunan, ang mga damdamin at relasyon ng mga karakter, at ihayag ang mga isyu sa moral. Ang trahedya, komedya at maging ang mga modernong sketch ay lahat ng uri ng sining na ito, na nagmula sa Sinaunang Greece.

Drama: isang libro na may kumplikadong karakter

Isinalin mula sa Griyego, ang salitang "drama" ay nangangahulugang "upang kumilos." Ang dula (kahulugan sa panitikan) ay isang akdang naglalantad ng tunggalian sa pagitan ng mga tauhan. Ang katangian ng mga tauhan ay ipinahayag sa pamamagitan ng mga aksyon, at ang kaluluwa - sa pamamagitan ng mga diyalogo. Ang mga gawa ng genre na ito ay may isang dynamic na balangkas, na binubuo sa pamamagitan ng mga diyalogo ng mga character, mas madalas - monologues o polylogues.

Noong dekada 60, lumabas ang salaysay bilang isang drama. Ang mga halimbawa ng mga gawa ni Ostrovsky na "Minin-Sukhoruk", "Voevoda", "Vasilisa Melentyevna" ay ang pinakamalinaw na halimbawa ng bihirang genre na ito. Ang trilogy ng Count A.K. Tolstoy: "Ang Kamatayan ni Ivan the Terrible", "Tsar Feodor Ioannovich" at "Tsar Boris", pati na rin ang mga salaysay ni Chaev ("Tsar Vasily Shuisky") ay nakikilala sa parehong mga pakinabang. Ang nakatutuwang drama ay likas sa mga gawa ni Averkin: "Mamaevo's Massacre", "Comedy tungkol sa Russian nobleman na si Frol Skobeev", "Kashirskaya Antiquity".

Modernong dramaturhiya

Ngayon, ang drama ay patuloy na umuunlad, ngunit sa parehong oras ay itinayo ito ayon sa lahat ng mga klasikal na batas ng genre.

Sa Russia ngayon, ang drama sa panitikan ay kinabibilangan ng mga pangalan tulad ng Nikolai Erdman, Mikhail Chusov. Habang lumalabo ang mga hangganan at kombensiyon, nauuna ang liriko at magkasalungat na tema, na ginalugad nina Wisten Auden, Thomas Bernhard at Martin McDonagh.

Isang napaka-kailangan at kapaki-pakinabang na aralin! :)) Kahit papaano naging kapaki-pakinabang ito sa akin.

Ang mga konsepto ng "genus", uri", "genre"

Ang isang pampanitikan genus ay isang serye ng mga akdang pampanitikan na magkatulad sa uri ng kanilang organisasyon ng pagsasalita at nagbibigay-malay na pokus sa isang bagay o paksa, o ang gawa ng masining na pagpapahayag mismo.

Ang paghahati ng panitikan sa genera ay batay sa pagkakaiba ng mga pag-andar ng salita: ang salita ay naglalarawan sa layunin ng mundo, o nagpapahayag ng estado ng nagsasalita, o muling ginawa ang proseso ng verbal na komunikasyon.

Ayon sa kaugalian, tatlong uri ng pampanitikan ay nakikilala, ang bawat isa ay tumutugma sa isang tiyak na pag-andar ng salita:
epiko (visual function);
lyrics (nagpapahayag function);
drama (komunikatibo function).

Target:
Ang paglalarawan ng pagkatao ng tao ay layunin, sa pakikipag-ugnayan sa ibang tao at mga pangyayari.
item:
Ang panlabas na mundo sa dami ng plastik nito, spatio-temporal na lawak at intensity ng kaganapan: mga karakter, pangyayari, panlipunan at natural na kapaligiran kung saan nakikipag-ugnayan ang mga karakter.
Nilalaman:
Ang layunin na nilalaman ng katotohanan sa materyal at espirituwal na aspeto nito, na ipinakita sa mga tauhan at pangyayari na masining na inilalarawan ng may-akda.
Ang teksto ay may nakararami na deskriptibo-salaysay na istraktura; isang espesyal na papel ang ginagampanan ng sistema ng mga detalye ng object-visual.

Target:
Pagpapahayag ng kaisipan at damdamin ng may-akda-makata.
item:
Ang panloob na mundo ng indibidwal sa pagiging impulsiveness at spontaneity nito, ang pagbuo at pagbabago ng mga impression, pangarap, mood, asosasyon, pagmumuni-muni, pagmumuni-muni na dulot ng pakikipag-ugnayan sa labas ng mundo.
Nilalaman:
Ang subjective na panloob na mundo ng makata at ang espirituwal na buhay ng sangkatauhan.
Mga tampok ng samahan ng sining mga talumpati:
Ang teksto ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagtaas ng pagpapahayag; ang isang espesyal na papel ay ginampanan ng mga makasagisag na kakayahan ng wika, ang maindayog at maayos na organisasyon nito.

Target:
Isang paglalarawan ng pagkatao ng tao sa pagkilos, salungat sa ibang tao.
item:
Ang panlabas na mundo, na ipinakita sa pamamagitan ng mga karakter at may layuning pagkilos ng mga karakter, at ang panloob na mundo ng mga bayani.
Nilalaman:
Ang layunin na nilalaman ng katotohanan, na ipinakita sa mga tauhan at pangyayari na masining na inilalarawan ng may-akda at ipinapalagay na sagisag ng yugto.
Mga tampok ng samahan ng sining mga talumpati:
Ang teksto ay may pangunahing diyalogo na istraktura, na kinabibilangan ng mga monologo ng mga tauhan.
Ang uri ng pampanitikan ay isang matatag na uri ng istrukturang patula sa loob ng isang genre ng pampanitikan.

Ang genre ay isang pangkat ng mga akda sa loob ng isang uri ng pampanitikan, na pinagsasama ng karaniwang pormal, nilalaman o mga katangiang gumagana. Ang bawat panahon at kilusang pampanitikan ay may sariling tiyak na sistema ng mga genre.

Epiko: mga uri at genre

Malaking anyo:
Epiko;
Novel (Mga genre ng nobela: Family-domestic, Social-psychological, Philosophical, Historical, Fantastic, Utopian novel, Educational novel, Romance novel, Adventure novel, Travel novel, Lyric-epic (nobela sa taludtod))
Epikong nobela;
Epikong tula.

Mga katamtamang anyo:
Kuwento (mga genre ng kuwento: Pamilya-sambahayan, Socio-psychological, Pilosopikal, Historical, Fantastic, Fairy-tale, Adventure, Tale sa taludtod);
Tula (mga genre ng tula: Epic, Heroic, Lyrical, Lyric-epic, Dramatic, Ironic-comic, Didactic, Satirical, Burlesque, Lyric-dramatic (romantic));

Maliit na anyo:
Kuwento (mga genre ng kuwento: Sanaysay (naglalarawan-salaysay, "moral-naglalarawan"), Novellistic (conflict-narrative);
Novella;
Fairy tale (mga genre ng fairy tale: Magical, Social-everyday, Satirical, Socio-political, Lyrical, Fantastic, Animalistic, Scientific-educational);
Pabula;
Sanaysay (mga genre ng sanaysay: Fiction, Journalistic, Documentary).

Ang epiko ay isang monumental sa anyo ng epikong gawain ng mga pambansang isyu.

Ang nobela ay isang malaking anyo ng epiko, isang akda na may detalyadong balangkas, kung saan ang salaysay ay nakatuon sa mga hantungan ng ilang indibidwal sa proseso ng kanilang pagbuo, pag-unlad at pakikipag-ugnayan, na inilalahad sa isang masining na espasyo at oras na sapat upang maihatid ang "organisasyon" ng mundo at suriin ang makasaysayang kakanyahan nito. Bilang isang epiko ng pribadong buhay, ang nobela ay naglalahad ng indibidwal at panlipunang buhay bilang relatibong independiyenteng mga elemento, hindi kumpleto at hindi sumisipsip sa isa't isa. Ang kuwento ng indibidwal na kapalaran sa nobela ay may pangkalahatan, malaking kahulugan.

Ang isang kuwento ay ang gitnang anyo ng isang epiko, isang akda na may isang balangkas ng salaysay, bilang panuntunan, kung saan ang salaysay ay nakatuon sa kapalaran ng isang indibidwal sa proseso ng pagbuo at pag-unlad nito.

Tula - isang malaki o katamtamang laki ng akdang patula na may salaysay o liriko na balangkas; sa iba't ibang mga pagbabago sa genre ay inilalantad nito ang sintetikong katangian nito, pinagsasama ang moral na naglalarawan at kabayanihan na mga prinsipyo, matalik na karanasan at mahusay na makasaysayang kaguluhan, liriko-epiko at monumental na mga tendensya.

Ang maikling kuwento ay isang maliit na epikong anyo ng kathang-isip, maliit sa mga tuntunin ng dami ng mga pangyayari sa buhay na inilalarawan, at samakatuwid sa mga tuntunin ng dami ng teksto, isang akdang tuluyan.

Ang maikling kwento ay isang maliit na prosa na genre na maihahambing sa dami sa isang maikling kuwento, ngunit naiiba dito sa matalim na sentripetal na balangkas nito, kadalasang kabalintunaan, kawalan ng deskriptibidad at tibay ng komposisyon.

Ang isang literary fairy tale ay isang masining na prosa o patula na gawa ng isang may-akda, batay sa alinman sa mga pinagmulan ng alamat, o purong orihinal; Ang akda ay nakararami sa kamangha-manghang, mahiwagang, na naglalarawan sa mga kahanga-hangang pakikipagsapalaran ng kathang-isip o tradisyonal na mga tauhan ng engkanto, kung saan ang mahika, himala ay gumaganap ng papel ng isang salik na bumubuo ng balangkas, at nagsisilbing pangunahing panimulang punto para sa paglalarawan.

Ang pabula ay isang maliit na anyo ng epiko na may likas na didaktiko, isang maikling kuwento sa taludtod o prosa na may tuwirang nabuong moral na konklusyon, na nagbibigay sa kuwento ng isang alegorikal na kahulugan. Ang pagkakaroon ng pabula ay unibersal: ito ay naaangkop sa iba't ibang okasyon. Ang artistikong mundo ng mga pabula ay may kasamang tradisyunal na hanay ng mga larawan at motif (mga hayop, halaman, eskematiko na mga pigura ng mga tao, nakapagtuturo na mga balangkas), kadalasang may kulay sa mga tono ng komedya at panlipunang kritisismo.

Ang sanaysay ay isang uri ng maliit na anyo ng epikong panitikan, na naiiba sa isang maikling kuwento at isang maikling kuwento sa kawalan ng isang solong, mabilis na nalutas na salungatan at ang higit na pagbuo ng isang naglalarawang imahe. Ang sanaysay ay hindi gaanong nakakaapekto sa mga problema ng pagbuo ng karakter ng isang indibidwal sa mga salungatan nito sa itinatag na kapaligirang panlipunan, ngunit sa halip sa mga problema ng sibil at moral na estado ng "kapaligiran" at may malaking pagkakaiba-iba ng pag-iisip.

Lyrics: mga pangkat na pampakay at genre

Mga pangkat na pampakay:
Mapagninilay lyrics
Intimate lyrics
(friendly and love lyrics)
Landscape lyrics
Sibil (socio-political) lyrics
Pilosopikal na liriko

Mga Genre:
Ay oo
Himno
Elehiya
Idyll
Soneto
Kanta
Romansa
Dithyramb
Madrigal
Naisip
Mensahe
Epigram
Balada

Ang Ode ay ang nangungunang genre ng mataas na istilo, pangunahing katangian ng tula ng klasisismo. Ang oda ay nakikilala sa pamamagitan ng mga kanonikal na tema (pagluwalhati sa Diyos, amang bayan, karunungan sa buhay, atbp.), mga diskarte ("tahimik" o "mabilis" na pag-atake, ang pagkakaroon ng mga digression, pinahihintulutang "lyrical disorder") at mga uri (espirituwal na odes, solemne odes - "pindaric", moralizing - "Horasian", pag-ibig - "Anacreontic").

Ang awit ay isang solemne na awit na batay sa programmatic verses.

Ang Elehiya ay isang genre ng liriko na tula, isang tula na may katamtamang haba, meditative o emosyonal na nilalaman (karaniwan ay malungkot), kadalasan sa unang panauhan, nang walang natatanging komposisyon."

Ang Idyll ay isang genre ng lyricism, isang maliit na akda na naglalarawan ng isang walang hanggang magandang kalikasan, kung minsan ay kabaligtaran sa isang hindi mapakali at mabisyo na tao, isang mapayapang banal na buhay sa kandungan ng kalikasan, atbp.

Ang soneto ay isang tula ng 14 na linya na bumubuo ng 2 quatrains at 2 tercets o 3 quatrains at 1 couplet. Ang mga sumusunod na uri ng sonnet ay kilala:
"French" sonnet - abba abba ccd eed (o ccd ede);
“Italian” soneto - abab abab cdc dcd (o cde cde);
"English sonnet" - abab cdcd efef gg.

Ang Wreath of Sonnets ay isang cycle ng 14 na sonnet, kung saan ang unang taludtod ng bawat isa ay inuulit ang huling taludtod ng nauna (na bumubuo ng isang "garland"), at ang mga unang talatang ito ay magkakasamang bumubuo sa ika-15, "pangunahing" sonnet (na bumubuo ng isang glossa).

Ang romansa ay isang maikling tula na isinulat para sa solong pag-awit na may instrumental na saliw, ang teksto na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng malambing na himig, sintaktikong pagiging simple at pagkakatugma, pagkakumpleto ng pangungusap sa loob ng mga hangganan ng saknong.

Ang Dithyramb ay isang genre ng sinaunang lyric na tula na lumitaw bilang isang choral song, isang himno bilang parangal sa diyos na si Dionysus, o Bacchus, at kalaunan bilang parangal sa ibang mga diyos at bayani.

Ang Madrigal ay isang maikling tula ng higit sa lahat na mapagmahal at komplimentaryong (hindi gaanong madalas abstract at meditative) na nilalaman, kadalasang may kabalintunaan na paghahasa sa dulo.

Ang Duma ay isang lyric-epic na kanta, ang istilo kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga simbolikong larawan, negatibong paralelismo, retardation, tautological na parirala, at pagkakaisa ng utos.

Ang mensahe ay isang genre ng liriko, isang patula na liham, ang pormal na tanda kung saan ay ang pagkakaroon ng isang apela sa isang partikular na addressee at, nang naaayon, ang mga motibo tulad ng mga kahilingan, kagustuhan, pangaral, atbp. Ang nilalaman ng mensahe ayon sa tradisyon (mula kay Horace) ay pangunahing moral, pilosopiko at didaktiko, ngunit mayroong maraming mga mensahe: salaysay, panegyric, satirical, pag-ibig, atbp.

Ang epigram ay isang maikling satirical na tula, kadalasang may matalas na punto sa dulo.

Ang balad ay isang tula na may dramatikong pag-unlad ng balangkas, na batay sa isang pambihirang kuwento na sumasalamin sa mahahalagang sandali ng pakikipag-ugnayan sa pagitan ng isang tao at lipunan o interpersonal na relasyon. Ang mga katangian ng isang balad ay isang maliit na volume, isang tense na plot, kadalasang puno ng trahedya at misteryo, biglang pagsasalaysay, dramatikong diyalogo, melodiousness at musicality.

Synthesis ng lyrics sa iba pang uri ng panitikan

Mga genre (uri) ng liriko-epiko - mga akdang pampanitikan at masining na pinagsasama ang mga katangian ng tula ng epiko at liriko; ang pagsasalaysay ng balangkas ng mga kaganapan ay pinagsama sa mga ito na may emosyonal at mapagnilay-nilay na mga pahayag ng tagapagsalaysay, na lumilikha ng isang imahe ng liriko na "I". Ang koneksyon sa pagitan ng dalawang prinsipyo ay maaaring gumanap bilang pagkakaisa ng tema, bilang pagninilay sa sarili ng tagapagsalaysay, bilang sikolohikal at pang-araw-araw na pagganyak ng kuwento, bilang direktang partisipasyon ng may-akda sa paglalahad ng balangkas, bilang paglalantad ng may-akda sa kanyang sariling mga pamamaraan. , nagiging elemento ng masining na konsepto. Sa komposisyon, ang koneksyon na ito ay madalas na pormal sa anyo ng mga lyrical digressions.

Ang tulang tuluyan ay isang liriko na akdang nasa anyong tuluyan na may mga katangian ng isang liriko na tula bilang isang maliit na volume, nadagdagan ang emosyonalidad, karaniwan ay isang walang plot na komposisyon, at isang pangkalahatang pagtuon sa pagpapahayag ng isang pansariling impresyon o karanasan.

Ang isang liriko na bayani ay ang imahe ng isang makata sa liriko na tula, isa sa mga paraan upang ihayag ang kamalayan ng may-akda. Ang isang liriko na bayani ay isang masining na "doble" ng may-akda-makata, na lumalago mula sa teksto ng mga liriko na komposisyon (isang cycle, isang libro ng mga tula, isang liriko na tula, ang buong katawan ng lyrics) bilang isang malinaw na tinukoy na pigura o papel sa buhay. , bilang isang taong pinagkalooban ng katiyakan ng indibidwal na kapalaran, ang sikolohikal na kalinawan ng panloob na mundo, at kung minsan ay may mga tampok ng plastik na hitsura.

Mga anyo ng liriko na pagpapahayag:
monologo sa unang tao (A.S. Pushkin - "Mahal kita ...");
role-playing lyrics - isang monologo sa ngalan ng karakter na ipinakilala sa teksto (A.A. Blok - "Ako si Hamlet, / Ang dugo ay malamig ...");
pagpapahayag ng damdamin at kaisipan ng may-akda sa pamamagitan ng isang imahe ng bagay (A.A. Fet - "Nakatulog ang lawa...");
pagpapahayag ng damdamin at kaisipan ng may-akda sa pamamagitan ng mga pagmumuni-muni kung saan ang mga layunin na imahe ay gumaganap ng isang subordinate na papel o sa panimula ay may kondisyon (A.S. Pushkin - "Echo");
pagpapahayag ng damdamin at kaisipan ng may-akda sa pamamagitan ng diyalogo ng mga maginoo na bayani (F. Villon - "Ang pagtatalo sa pagitan ni Villon at ng kanyang kaluluwa");
pagtugon sa isang hindi kilalang tao (F.I. Tyutchev - "Silentium");
balangkas (M.Yu. Lermontov - "Tatlong Palma").

Trahedya - "Trahedya ng Bato", "Mataas na Trahedya";
Komedya - Komedya ng mga tauhan, Komedya ng pang-araw-araw na buhay (morals), Komedya ng mga sitwasyon, Komedya ng mga maskara (commedia del’arte), Komedya ng intriga, Komedya-slapstick, Lyrical comedy, Satirical comedy, Social comedy, "High comedy";
Drama (uri) - "Pittish Drama", Psychological Drama, Lyrical Drama, Narrative (Epic) Drama;
Tragikomedya;
Misteryo;
Melodrama;
Vaudeville;
Farce.

Ang trahedya ay isang uri ng dula na batay sa hindi malulutas na salungatan ng mga bayaning tauhan sa mundo at ang kalunos-lunos na kinalabasan nito. Ang trahedya ay minarkahan ng mahigpit na kabigatan, inilalarawan ang katotohanan sa pinaka-tinuturong paraan, bilang isang namuong mga panloob na kontradiksyon, ay nagpapakita ng pinakamalalim na salungatan ng katotohanan sa isang napakatindi at mayamang anyo, na nakakakuha ng kahulugan ng isang masining na simbolo.

Ang komedya ay isang uri ng drama kung saan ang mga tauhan, sitwasyon, at aksyon ay inilalahad sa mga nakakatawang anyo o puno ng komiks. Ang komedya ay pangunahing naglalayong libakin ang pangit (salungat sa isang sosyal na ideyal o pamantayan): ang mga bayani ng komedya ay panloob na bangkarota, hindi naaayon, hindi tumutugma sa kanilang posisyon, layunin, at sa gayon ay isinakripisyo sa pagtawa, na nagpapawalang-bisa sa kanila, sa gayon pagtupad sa "ideal" na misyon nito.

Ang dula (uri) ay isa sa mga pangunahing uri ng dula bilang isang genre ng panitikan, kasama ang trahedya at komedya. Tulad ng komedya, pangunahing ginagawa nito ang pribadong buhay ng mga tao, ngunit ang pangunahing layunin nito ay hindi upang kutyain ang moral, ngunit upang ilarawan ang indibidwal sa kanyang dramatikong relasyon sa lipunan. Tulad ng trahedya, ang drama ay may posibilidad na muling lumikha ng matinding kontradiksyon; sa parehong oras, ang mga salungatan nito ay hindi masyadong matindi at hindi maiiwasan at, sa prinsipyo, pinapayagan ang posibilidad ng isang matagumpay na paglutas, at ang mga karakter ay hindi masyadong katangi-tangi.

Ang tragicomedy ay isang uri ng drama na may mga katangian ng parehong trahedya at komedya. Ang tragicomic na saloobin na pinagbabatayan ng tragicomedy ay nauugnay sa isang pakiramdam ng relativity ng umiiral na pamantayan sa buhay at ang pagtanggi sa moral na absolute ng komedya at trahedya. Ang tragicomedy ay hindi kinikilala ang ganap, ang subjective dito ay makikita bilang layunin at vice versa; ang isang pakiramdam ng relativity ay maaaring humantong sa kumpletong relativism; ang labis na pagpapahalaga sa mga prinsipyong moral ay maaaring bumaba sa kawalan ng katiyakan sa kanilang pagiging makapangyarihan o sa huling pagtanggi sa matatag na moralidad; ang isang hindi malinaw na pag-unawa sa katotohanan ay maaaring magdulot ng nag-aalab na interes dito o ganap na kawalang-interes; maaari itong magresulta sa hindi gaanong katiyakan sa pagpapakita ng mga batas ng pag-iral o kawalang-interes sa kanila at maging ang kanilang pagtanggi - hanggang sa pagkilala sa pagiging hindi makatwiran ng mundo.

Ang Misteryo ay isang genre ng teatro sa Kanlurang Europa noong huling bahagi ng Middle Ages, na ang nilalaman nito ay mga kuwento sa Bibliya; ang mga eksenang panrelihiyon ay pinalitan ng mga interlude, ang mistisismo ay pinagsama sa pagiging totoo, ang kabanalan sa kalapastanganan.

Ang melodrama ay isang uri ng dula, isang dula na may matinding intriga, labis na emosyonalidad, isang matalim na kaibahan sa pagitan ng mabuti at masama, at isang moral at nakapagtuturo na ugali.

Ang Vaudeville ay isang uri ng drama, isang magaan na dula na may nakakaaliw na intriga, na may mga couplet na kanta at sayaw.

Ang Farce ay isang uri ng katutubong teatro at panitikan ng mga bansa sa Kanlurang Europa noong ika-14-16 na siglo, pangunahin ang France, na nakikilala sa pamamagitan ng isang komiks, madalas na satirical na oryentasyon, makatotohanang konkreto, malayang pag-iisip at puno ng buffoonery.

Ang lahat ng mga uri ng panitikan, at mayroong tatlo sa kanila - epiko, liriko at drama - ay may maraming pagkakatulad. Una sa lahat, mayroon silang isang karaniwang paksa ng imahe - isang tao.

Ang panitikan - lahat ng genera nito - ay naiiba sa ibang genera at uri ng sining dahil mayroon itong iisang paraan ng representasyon - ang salita.

Ang pagiging malapit sa isa't isa ng lahat ng tatlong uri ng panitikan ay nakasalalay sa katotohanan na ang bawat isa sa kanila ay tila tumagos sa isa't isa. Ang dula ay may ilang mga tampok ng epiko at liriko, ang liriko na tula ay kadalasang may ilang mga tampok ng drama, at ang epiko ay mayroon ding ilang mga tampok ng drama at liriko. Pinag-uusapan natin kung paano pangunahing inilalarawan ng isang gawa ng isang partikular na katawan ng panitikan ang isang tao.

Alalahanin natin sandali ang mga natatanging katangian ng bawat uri ng panitikan.

Ang epiko ay isang sinaunang salitang Griyego. Ibig sabihin ay "awit". Ang epiko ay nagmula sa sinaunang panahon, kapag walang nakasulat na wika at kapag ang mga makasaysayang salaysay tungkol sa nakaraan, na kadalasang nauugnay sa mga pagsasamantala ng militar, ay napanatili sa memorya ng mga tao sa mga alamat at naalala sa mga kanta. Ang mga epikong kanta ng unang panahon, gayunpaman, ay mayroon ding mga tema ng pag-ibig, paggawa at maging sa palakasan.

Ang paksa ng epikong paglalarawan ay isa o ibang panahon ng panlipunang pag-unlad, mayaman sa mahahalagang pangyayari.

Tulad ng sa lahat ng iba pang mga kaso - sa sining sa pangkalahatan at sa panitikan sa partikular - ang oras ay inilalarawan hindi abstractly, ngunit sa pamamagitan ng mga bayani, sa pamamagitan ng mga tao.

Kaya, ang epiko ay naglalaman ng imahe ng panahon sa mga bayani nito. Alalahanin natin ang pinakasikat na epikong gawa sa ating panahon. Halimbawa, ang "Quiet Don" ni Sholokhov. Walang magsasabi na ang gawaing ito ay nakatuon sa paglalarawan ni Grigory Melekhov, bagaman ito ay gayon. Si Grigory Melekhov at ang kanyang kapalaran ay nasa gitna ng salaysay, ngunit ang gawain sa kabuuan ay naglalarawan ng isang panahon na puno ng mga kaganapan ng napakalaking kahalagahan - ang buhay bago ang digmaan ng Cossack Don Army, at ang Unang Digmaang Pandaigdig, at ang rebolusyon. Ang rebolusyonaryong Petrograd at Moscow, ang mga harapan ng digmaang sibil ay inilarawan. Ang bayani ay tila naglalakad sa oras, at ang oras ay tila dumaan sa kaluluwa ng bayani.

Maging ang mga maikling kwento o kwento sa pamamagitan ng mga tauhan ay nagpapakita ng larawan ng panahon kung saan sila nabubuhay. Alalahanin natin ang kwento ni A. S. Pushkin "Ang Anak na Babae ng Kapitan". Tila ang lahat ay nakatuon sa isang bayani, sa kwento ni Grinev. Ngunit sa pamamagitan nito, inihayag ang oras, ang panahon ng kilusang Pugachev.

Ang terminong "lyric" ay nagmula rin sa sinaunang salitang Griyego, mula sa pangalan ng instrumentong may kuwerdas na "lira". Ang mga liriko, hindi tulad ng epiko, ay pangunahing lumikha ng isang imahe ng panloob na estado ng isang tao, na naglalarawan ng isang karanasan, kadalasang panandalian, na nararanasan ng isang tao sa sandaling ito.

Alalahanin natin ang tula ni M. Yu. Lermontov "Lumalabas akong mag-isa sa kalsada." Ito ay naglalarawan ng isang tiyak na estado ng pag-iisip, na kinikilala natin dahil ang bawat isa sa atin ay malamang na nakaranas ng isang katulad na pilosopikal na mood, na, kumbaga, isa sa isa sa malawak na mundo ng uniberso. Ang isang mahusay na makata ay mahusay dahil siya ay naglalaman sa kanyang sarili at maaaring ipahayag ang mga mood na katangian at naiintindihan ng maraming tao.

Kung paanong ang epiko ay hindi walang mga elemento ng liriko, pilosopikong pagmumuni-muni ng kaluluwa, mga personal na karanasan, gayon din ang liriko ay hindi wala sa mga elemento ng epiko, isang paglalarawan ng kapaligiran ng tao, kalikasan.

Malaki ang pagkakatulad ng drama sa parehong epiko at liriko na tula. Ang drama, tulad ng epiko, ay naglalarawan ng isang tao sa isang partikular na panahon, ay lumilikha ng larawan ng panahon. Ngunit sa parehong oras, ang drama ay may makabuluhang pagkakaiba mula sa epiko at sa sarili nitong mga partikular na tampok. Una, ang drama ay, sa prinsipyo, ay wala sa pananalita ng tagapagsalaysay, mga katangian ng may-akda, mga komento ng may-akda, at mga larawan ng may-akda. Ang panuntunang ito ay may alam na mga pagbubukod. Halimbawa, sa modernong dramaturhiya, ang isang tao mula sa may-akda ay lalong lumilitaw - ang nagtatanghal, na kumukuha sa kanyang sarili ng komentaryo ng may-akda sa mga kaganapan, paglalarawan ng mga karakter, kung saan tinutukoy ng nagtatanghal ang istraktura ng komposisyon. Ginamit din ng may-akda ng mga linyang ito ang pamamaraang ito. Sa dulang “Truth! Walang iba kundi ang katotohanan!!" Tinutukoy ng nagtatanghal ang buong kurso ng aksyon, komposisyon, nagsasalita sa ngalan ng may-akda, at mga komento. Sa ganitong mga kaso, mayroon tayong paghahambing ng dramatikong aksyon, dramaturhiya, at mga elemento ng epiko (prosa), na magkakasamang nabubuhay ngunit hindi naghahalo. Sa wika ng kimika, hindi ito isang "solusyon", ngunit isang "suspensyon".

Kung ang nagtatanghal ay nakakuha ng isang malaking lugar sa isang dramatikong gawain na ang pangunahing atensyon ng manonood ay lumipat sa kanya, ang dramatikong komposisyon ay babagsak.

Ang drama, tulad ng epiko, ay naglalarawan ng mga makasaysayang at kontemporaryong kaganapan na nagaganap sa isang partikular na pamayanang panlipunan. Ngunit ang paksa ng dramaturhiya ay palaging tinukoy. Ang isang dramatikong gawain ay lumilikha ng isang imahe ng isang tiyak na salungatan sa lipunan. Siyempre, ang imahe ng panlipunang salungatan ay namamalagi din sa puso ng mga epikong gawa, halimbawa, sa puso ng anumang modernong nobela. Gayunpaman, ang salungatan sa isang dramatikong gawain ay binuo ng may-akda sa isang panimula na naiibang batayan. Ito ay tungkol sa relasyon sa pagitan ng mga aksyon ng mga bayani at ang paggalaw ng tunggalian.

Bumaling muli tayo sa “Quiet Don”. Ang bayani ng nobela, si Grigory Melekhov, ay isang hindi pangkaraniwang aktibong tao. Siya ay isang bayani ng digmaan sa harap ng Russian-German. Siya ay nakikipaglaban sa mga puti laban sa mga pula. Siya ay isang pulang kumander. Siya ay aktibong kalahok sa kontra-rebolusyonaryong pag-aalsa ng Cossack. Siya ay isang "berde" - isang miyembro ng isang anti-Soviet gang. Gayunpaman, gaano man siya nagmamadali mula sa isang palaban patungo sa isa pa, ang kinalabasan ng panlipunang tunggalian na inilalarawan sa nobela - ang digmaang sibil - ay hindi nakasalalay sa kanya. Ang tunggalian na inilalarawan ng may-akda sa epikong akda ay, kaugnay ng bayani, layunin sa kalikasan. Ang pinakamataas na kaya ng isang bayani ay upang matukoy ang kanyang personal na lugar, ang kanyang kapalaran sa maelstrom ng mga kaganapan. Oo, at dito siya ay hindi ganap na malaya.

Sa isang dramatikong akda, ang tunggalian ay binuo mula simula hanggang wakas bilang ang paglikha ng mga tauhan mismo. Sinisimulan nila, pinangunahan at tapusin. Ang kinalabasan ng itinatanghal na tunggalian ay ganap na nakasalalay sa pag-uugali, paraan ng pag-iisip at pagkilos ng bayani. Ang isang panlipunang salungatan sa anumang sukat, sabihin, ang parehong digmaang sibil, ay ipinahayag sa isang dramatikong gawain sa pamamagitan ng pagmuni-muni sa isang "patak ng tubig" - sa isang naibigay na sagupaan ng mga bayani, ang simula, kurso at kinalabasan na sinusundan ng manonood .

Ang dula ni K. A. Trenev na "Yarovaya Love" ay hindi, at hindi, nagbibigay ng panorama ng digmaang sibil. Sa loob nito, gamit ang halimbawa ng salungatan ng tao na ito - si Lyubov Yarovaya at ang kanyang asawa - ang tenyente ng White Guard na si Yarovoy - ang playwright sa isang "maliit" na espasyo, sa isang dula na idinisenyo para sa tatlong oras na pagpapatupad sa entablado, ay nagpapakita ng napakalalim na lalim ng panlipunan. split, na naging sanhi ng kahit na malapit, kahit na ang mga taong nagmamahalan sa iba't ibang panig ng mga barikada.

Ang kabiguang maunawaan ang pangunahing pagkakaiba sa pagitan ng pagbuo ng epiko at dramatikong salungatan, ang pangangailangang isalin ang epikong salungatan sa dramatikong pagsasadula kapag ang pagtatanghal o pagsasapelikula ng isang epikong akda (nobela o kuwento) ang pangunahing dahilan ng pagkabigo ng ilang mga pagsasadula at mga adaptasyon sa pelikula.

Maraming mga may-akda ang nagkakamali sa paniniwala na ang paksa ng drama ay maaaring maging anumang banggaan, kabilang ang mga hindi panlipunan, sabihin, ang banggaan ng isang tao na may natural na phenomena, halimbawa, sa isang rumaragasang karagatan. Hindi ito nangangahulugan na walang mga dramatikong gawa kung saan ang matinding mga salungatan sa lipunan ay lumaganap sa konteksto ng mga natural na sakuna. Ngunit ang kakanyahan ng naturang gawain ay upang ipakita kung paano kumilos ang mga tao sa isa't isa sa matinding mga kondisyon. Ang isang natural na sakuna, anumang kaso ng paglaban sa mga natural na phenomena, ay gumaganap sa isang dramatikong gawain ng papel ng mga pangyayari kung saan ang isang banggaan ay nangyayari sa pagitan ng mga tao. Hindi ito dapat maging isang partido sa itinatanghal na tunggalian.

Ang isang tampok ng dramaturgy, ang organikong pag-aari nito, ay ang pagiging totoo ng imahe. Maaaring lumitaw ang tanong: hindi ba tayo nakakakita ng mga kamangha-manghang o fairy-tale na mga eksena sa entablado? Hindi ba gumaganap ang mga fairy-tale heroes at fictional heroes sa mga gawa ng drama? Hindi ba conventional ang palamuti? Hindi ba medyo mabilis ang daloy ng yugto ng oras?

Pinag-uusapan natin ang makatotohanang batayan ng imahe, ang pagiging totoo ng mga relasyon ng tao, na dapat maging batayan ng anumang dramatikong gawain. Sa entablado, halimbawa, sa isang teatro ng mga bata, ang pakikipag-usap sa mga hares at bear ay maaaring ilarawan, at sa pinaka-hindi pangkaraniwang mga relasyon para sa mga tunay na liyebre at oso. Ngunit ito ay magiging kawili-wili sa mga tao, kabilang ang mga maliliit, hanggang sa ang mga hares at bear na ito ay maglalarawan ng mga relasyon ng tao.

Ang mga pabula ay batay din sa parehong pamamaraan. Krylov's quartet ay isang asno, isang kambing, isang unggoy at isang clumsy bear. Ang paksa ng satirical na paglalarawan ng pabula, gayunpaman, ay ang katangiang saloobin ng ilang mga tao sa kanilang mga kakayahan - mga pagtatangka na gumawa ng isang bagay na higit sa kanilang mga lakas at kakayahan.

Ang isang dramatikong gawain ay palaging nakabatay sa isang ganap na totoong sitwasyon ng tao. Ito ay mahalaga dahil ang taong darating sa teatro ay dapat makiramay sa mga nangyayari sa entablado. Ngunit ang isang tao ay maaari lamang makiramay sa nakikilala, ang tunay.Hindi siya makikiramay sa hindi katotohanan kung saan ang manonood ay hindi nakakahanap ng pagkakatulad sa pamilyar na mga sitwasyon sa buhay. Samakatuwid, ang pagkakilala, at samakatuwid ang katotohanan ng mga relasyon ng tao na inilalarawan sa isang pagtatanghal, ay isang ganap na ipinag-uutos na kinakailangan ng dramaturhiya.

Para sa dramaturgy, bilang isang ari-arian, ang modernity ay obligado. Masasabi nating ang hindi moderno ay hindi masining sa entablado.

Ang pagiging moderno ng isang akda ay hindi talaga katumbas ng kronolohikal, modernidad ng kalendaryo. Ni ang mga modernong kasuotan, o ang modernong jargon, o kahit na ang indikasyon ng modernong petsa ay hindi ginagawang moderno ang dula. At, sa kabaligtaran, ang mga gawa na nakatuon sa makasaysayang mga paksa, malayo sa ating panahon, ay maaaring maging ganap na moderno.

Pinag-uusapan natin ang pagiging moderno ng mga isyu kung saan nakatuon ang gawain. Muli, maaari kang makiramay sa teatro lamang sa mga buhay, sa nabubuhay ngayon. Imposibleng makiramay sa isang patay na tao. Samakatuwid, ang manonood ay masasabik at madadamay lamang sa kung ano ang naroroon sa kanyang buhay ngayon. Mula sa puntong ito, ang isang makasaysayang dula ay maaaring maging ganap na moderno.

Nang isulat ni Pushkin ang "Boris Godunov," ang problema ng mga tao at ng tsar, ang mga tao at ang gobyerno ay napaka-kaugnay. Siyempre, hindi niya ito malulutas gamit ang kontemporaryong materyal mula sa pag-aalsa noong Disyembre 14, 1825.

Hindi nakita ni "Boris Godunov" ang entablado sa panahon nito, kaya nauugnay ang gawaing ito, na nakatuon sa mga kaganapan sa huling bahagi ng ika-16 - unang bahagi ng ika-17 siglo. Maraming tulad na mga halimbawa ang maaaring ibigay.

Kaya, ang dula ay nangangailangan ng isang tunggalian batay sa mga modernong isyu. Ito ay hindi isinaalang-alang sa isang pagkakataon ng tinatawag na conflict-free theory, na nagtalo na dahil ang mga antagonistic na uri ay inalis na sa ating bansa at walang mga hindi mapagkakasunduang mga kontradiksyon ng uri, hindi dapat magkaroon ng mga salungatan sa lipunan sa drama ng Sobyet. Ang teoryang ito ay matagal nang nalampasan ang pagiging kapaki-pakinabang nito, ngunit ang mga pagbabalik nito sa pagsasanay ng drama ay nakatagpo sa anyo ng walang problemang kalikasan ng ilang mga gawa.

Siyempre, may ilang uri ng tunggalian sa bawat dula. Ito ay nangyayari na may problema sa isang akda, ngunit ito ay "lipas na", kahapon, ay nalutas na ng lipunan o naihayag na nang husto sa mga nakaraang akda. Ang mga ganitong isyu ay hindi rin makakainteres sa manonood at magpapalamig sa kanya.

Ang mga gawa ng dula ay dapat may kahalagahang panlipunan. Maaari lamang silang kopyahin nang sama-sama. Ang isang tula ay maaaring umiral kahit na walang pag-record, sa ulo ng isang makata, na maaaring basahin ito mula sa memorya sa madla at sa gayon ay ihatid ang kanyang trabaho sa mga tao. Upang maabot ng isang gawa ng drama ang manonood, isang buong koponan ng teatro, pelikula o telebisyon ang kasangkot sa gawain. Sampu at minsan daan-daang tao ang nagtatrabaho sa loob ng maraming linggo o buwan upang kopyahin ang gawaing ito, upang bigyan ito ng buhay. Upang bigyang-buhay ang gawain ng tulad ng isang malaking grupo, ang may-akda ay dapat lumikha ng isang gawa ng sapat na unibersal na kahalagahan. Sa kabilang banda, ang isang gawa ng drama ay ginaganap para sa malalaking madla at pinaghihinalaang sama-sama. Salamat sa telebisyon, ngayon ang isang dramatikong gawain ay sabay-sabay na pinapanood ng sampu-sampung milyong tao. Naglalagay ito ng napakalaking responsibilidad sa manunulat ng dula para sa ideolohikal at masining na kahalagahan ng kanyang gawain.

Ang dramaturgy ay may isang karaniwang gawain sa lahat ng sining, kasama ang lahat ng panitikan - isang impluwensyang pang-edukasyon sa isang tao sa pamamagitan ng paraan ng emosyonal na pagkabigla. Minsan ito ay nagiging isang mas malakas na paraan kaysa sa direktang paghahatid ng isang naibigay na kaisipan sa kanya.

Sinabi ni Marx na sa lahat ng mga kuta, ang pinaka hindi magugupo ay ang bungo ng tao. Mayroong maraming mga paraan upang "masira sa" kuta na ito. Nagsisilbi rin ang sining sa layuning ito. Ang dramaturgy sa tulong ng mga paraan ng pagpaparami - teatro, telebisyon - ay isa sa makapangyarihang paraan ng pag-impluwensya sa isang tao. Ngunit ang karunungan sa pag-iisip ng tao at damdamin ng tao ay posible lamang kung ang artistikong kapangyarihan ng akda ay sapat para dito.

Upang mas maunawaan ang mga detalye ng mekanismo ng impluwensya ng isang dramatikong akda sa kamalayan, sa manonood, bumalik tayo sandali sa prosa at tula, sa epiko at liriko na tula.

Ang prinsipyo ng impluwensya ng mga gawa ng prosa at tula sa isang tao ay maaaring kondisyon na tinatawag na "pamamaraan ng keyboard". Ang may-akda ng isang prosa o poetic na gawa ay tumutugon sa indibidwal na karanasan ng mambabasa, "pinipindot" ang isang tiyak na "susi" sa utak ng mambabasa, na nagbubunga ng isang tiyak na larawan batay sa kanyang sariling karanasan sa buhay. Sinabi ni Goethe: "Kung sino ako, ako lang ang nakakaalam." Masasabi nating, bahagyang binabago ang ideyang ito: kung ano ang nakikita ko kapag nagbabasa ng libro, ako lang ang nakakakita. Hindi mangyayari na ang dalawang tao na nagbabasa ng parehong pahina, paglalarawan ng parehong kaganapan o karakter, ay nakikita ang parehong bagay. Ang bawat isa ay gumuhit ng kanilang sariling imahe. Kung mas mahuhusay ang manunulat, mas sapat ang lahat ng iba't ibang larawang ito sa ulo ng iba't ibang tao, mas malapit ang mga larawang ito sa nais ipakita ng may-akda. Kunin natin bilang halimbawa ang mga linya mula sa tula ni Vadim Shefner na "Forest Fire".

“At kinaumagahan ay pinawi ng hangin ang mga ulap

At ang namamatay na apoy ay nabuhay,

At, showering sparks, sa gitna ng clearing

Inilatag niya ang kanyang pulang-pulang basahan.

At ang kagubatan ay umuugong ng nagniningas na blizzard,

Ang mga puno ng kahoy ay nahulog na may yelo,

At tulad ng mga snowflake, lumipad mula sa kanila ang mga spark

Sa paglipas ng mga kulay-abo na drift ng abo."

Tila ang hindi magkatugma ay konektado. Ang mga spark ay inihambing sa mga snowflake. Ngunit ito ay tiyak na nagbibigay-daan sa iyo upang makita ang larawan ng maraming lumilipad na spark na mas maliwanag at mas mahusay. Ang "Crimson rags" ay isang maliwanag na imahe. Ngunit ang bawat isa sa mga nagbabasa ng mga linyang ito ay makikita sa iba't ibang paraan. Ang isa sa kanan ay magkakaroon ng mas mataas na pagtaas ng apoy, isa pa sa kaliwa, ang pangatlo ay magkakaroon ng mas maitim na "pulang-pula", ang ikaapat ay mas magaan...

Minsan mas umaasa ang makata sa tulong ng imahinasyon ng mambabasa. Alalahanin natin kung ano ang nilikha ng isang kumplikadong imahe ni Mayakovsky sa kanyang sikat na mga tula:

Paglalahad ng parada

mga page ko mga tropa,

Naglalakad ako

kasama ang linya sa harap

Ang mga tula ay nagkakahalaga

mabigat na tingga,

handa sa kamatayan

at sa walang kamatayang kaluwalhatian.

Nagyelo ang mga tula

pagpindot sa nguso sa nguso

naka-target

nakanganga na mga pamagat.

minamahal

haltak sa boom

kabalyero ng mga witticism,

pagtataas ng mga tula

matalas na mga taluktok

Inihambing ng may-akda ang tula sa isang hukbo. Dapat nating isipin kung paano tumayo ang mga kanyon, pinindot "sa nguso... sa nguso," isipin ang mga kabalyero na may mga matatalas na pikes. Mula sa ideyang ito kailangan nating bumalik sa ideya ng mga taludtod, ang kanilang malinaw na organisasyon, tula, ritmo... Ang pagdama ay dapat gumawa ng isang mahirap na trabaho. Nang magawa ito, nakuha namin ang imahe, ang katangian na nais ibigay ni Mayakovsky sa kanyang trabaho.

Naiimpluwensyahan din tayo ng prosa gamit ang "pamamaraan ng keyboard". Ang may-akda ay nagbibigay sa atin ng isang paglalarawan at bawat isa sa atin, na nagpapakilos sa ating karanasan, ay gagawa ng ating sariling natatanging larawan. Kunin natin, halimbawa, ang sikat na kuwento ni Chekhov na "Vanka". Ganito naisip ni Vanka Zhukov ang kanyang lolo na si Konstantin Makarych: "Ito ay isang maliit, payat, ngunit hindi pangkaraniwang maliksi at aktibong matandang lalaki, mga animnapu't limang taong gulang, na may palaging tumatawa na mukha at lasing na mga mata..."

Nakikita ng mambabasa ang lolo na ito, lasing, tumatawa... Gayunpaman, makikita ng bawat mambabasa dito ang ilang uri ng "kanyang" lolo. At mabubuo ng mambabasa ang kanyang imahe mula sa maraming mga lolo na nakilala niya sa kanyang buhay.

Hindi tulad ng prosa at tula, na nakakaimpluwensya sa perceiving consciousness sa pamamagitan ng pagsasama ng kanyang sariling karanasan sa akda, ang pagsasama ng kamalayan ng mambabasa sa antas ng co-author, ang isang dramatikong akda ay idinisenyo para sa ibang mekanismo ng impluwensya. Naiimpluwensyahan nito ang kamalayan ng pang-unawa ayon sa mga prinsipyo ng impluwensya ng buhay mismo at ng kapaligiran. Nakakaapekto ito sa mga sensasyon, reflexes, at damdamin ng manonood.

Ang isang dramatikong gawain ay nakakumbinsi sa manonood na may empatiya. Mula sa puntong ito ng view, ang pinaka "malleable", ang pinakamahusay na manonood ay mga bata. Para sa kanila, ang epekto ng empatiya, co-presence, na parang sa isang tunay na kaganapan, ay umaabot sa ganap.

Kapag lumitaw ang mga kaaway na pwersa sa entablado, nagbabanta sa mabubuting bayani, halimbawa, pagbabanta ni Barmaley kina Vanya at Tanya, o isang masamang lobo na gustong kumain ng Little Red Riding Hood, ang bulwagan ng mga bata ay tumutugon dito na para bang ito ay ganap na totoong mga kaganapan. Nagsisigawan ang mga bata, binabalaan ang mabubuting bayani na iligtas ang kanilang sarili at magtago.

Para sa isang "nagsisimula" na tao, ang buong mundo ay lilitaw na ganap na bago, para sa kanya ang lahat ay pantay na hindi inaasahan at pantay na kapani-paniwala. Para sa kanya ay wala pa ring pinagkaiba ang tunay na kaganapan sa mga nakikita niya sa entablado. Naiintindihan ng isang may sapat na gulang na manonood na ang buhay ay isang bagay, at ang entablado ay iba. Para ma-excite siya, mabigla, para makiramay siya sa mga nangyayari sa entablado, kailangan ng strong means. Bukod dito, kinakailangan upang makamit ang kolektibong empatiya. Kung ang lahat ay nagbabasa ng isang libro nang mag-isa, kung gayon ang isang karaniwang emosyonal na reaksyon sa kung ano ang nangyayari ay dapat lumabas sa madla. Ang bulwagan ay sabay-sabay na sumabog sa malakas na pagtawa, o sa parehong oras ay nagyeyelo sa sandali ng pag-igting ng aksyon.

Mayroong isang karaniwang termino - "spectator belt". Ibig sabihin, para bang lahat ng naroroon sa auditorium ay natatakpan ng isang sinturon. Ang psychophysiological na batayan para sa paglitaw ng kolektibong empatiya ay hindi pa sapat na pinag-aralan.

Siyempre, hindi madaling lumikha ng kolektibong persepsyon, kolektibong atensyon, kolektibong interes, kolektibong pagnanasa, kolektibong pagkabigla, nakakatawa man o trahedya. Ang manonood ay dumarating sa auditorium na nalubog sa kanyang sariling mga gawain. May nag-iisip tungkol sa trabaho, may nag-iisip tungkol sa pamilya, may nag-aalala tungkol sa isang insidente sa transportasyon habang papunta sa teatro. Ang isang buong bulwagan bago magsimula ang isang pagtatanghal ay hindi pa isang madla, ito ay isang "korum", isang kabuuan ng mga yunit, isang kabuuan ng mga indibidwal, na ang bawat isa ay nabubuhay kung ano ang kanyang pinuntahan dito. Ang panahon ng gayong simpleng akumulasyon ng mga manonood ay tinatawag na pre-communication. Ang pangkalahatang komunikasyon sa bulwagan ay hindi pa lumilitaw. Pagkatapos ng pagtatanghal, maaari ding obserbahan ang tinatawag na post-communication period, kapag natapos na ang pagtatanghal, ngunit hindi umaalis ang mga manonood. May mga pagkakataon na ang mga manonood ay nagkakaisang tahimik sa loob ng ilang oras, at pagkatapos lamang ng isang paghinto ay biglang sumambulat sa palakpakan. Napakalakas ng impresyon ng pagtatanghal kaya hindi agad makaalis ang mga manonood sa estado ng empatiya sa mga nangyayari sa entablado.

Ngunit kami ay interesado sa kung ano ang nasa pagitan ng mga panahon bago at pagkatapos ng komunikasyon, ang oras ng direktang komunikasyon sa pagitan ng madla at ng entablado, kapag naobserbahan namin ang isang direktang koneksyon sa pagitan ng entablado at ng madla at feedback. Ang auditorium naman ay nakakaimpluwensya sa entablado. Halimbawa, ang kawalan ng laman sa bulwagan ay may malakas na epekto sa mga gumaganap. Ang isang maliit na bilang ng mga manonood, at maging ang mga nakakalat sa buong bulwagan, ay hindi lilikha ng isang "sinturon" ng madla o isang pinag-isang reaksyon.

Alam ng mga aktor na mayroong isang "mabigat na bulwagan", isang madla na mahirap iling, upang isama sa komunikasyon ng Stage-Hall, dahil ang komunikasyon ng Hall-Stage ay hindi gumagana.

Sa isang pagkakataon, sa paunang salita sa Faust, nagreklamo si Goethe tungkol sa mga kahirapan ng pag-impluwensya sa publiko:

“Sino ang audience mo, pwede ba kitang tanungin?

May lumapit sa amin para pawiin ang pagkabagot.

Ang isa pa, na napuno ng mas mahigpit ang kanyang tiyan, ay pumunta rito upang matunaw ang tanghalian.

At ang pangatlo, na marahil ay mas masahol pa para sa atin,

Dumating siya para hatulan tayo sa mga tsismis sa mga pahayagan.”

Kaya, sa auditorium, ang isang gawa ng drama ay dapat na pukawin ang sama-samang empatiya. Mahalagang bigyang-diin na pinag-uusapan natin ang tungkol sa malalim na empatiya, na may maraming mga kakulay. Ang empatiya ng manonood at ang empatiya ng "tagahanga" sa istadyum ay malayo sa parehong bagay. Ang fan ay naka-program na magkaroon ng pare-parehong karanasan. Siya ay nagmamalasakit sa bilang ng mga layunin. Ang kanyang karanasan ay one-dimensional - isang pakiramdam ng kaguluhan.

Ang manonood ay matatawag lamang na "tagahanga" sa isang kahulugan. Palagi siyang "tagahanga" ng mabuting koponan na umiiskor ng "mga layunin" laban sa kasamaan.

Sa anong mga paraan, partikular, nakakamit ng isang manunulat ng dula, sa tulong ng teatro, ang epekto ng co-presence at empathy, emosyonal na pagkabigla? Lumilikha siya ng isang modelo, isang gumaganang modelo ng mga relasyon ng tao. Tiyak kong binibigyang-diin ang modelo ng relasyon ng tao. Ito ay hindi nangangahulugang isang modelo ng isang totoong sitwasyon sa buhay, dahil ang mga bayani ng pantasya, mga mystical na bayani, mga demonyo, at mga mangkukulam ay maaaring kumilos sa entablado, ang mga hayop ay maaaring magsalita, ang isang fairy-tale na sitwasyon ay maaaring i-play out.

Ang gawa ng playwright ay dapat na potensyal na naglalaman ng epekto ng empatiya, ang kaguluhan ng manonood, na lalabas sa ibang pagkakataon, sa oras ng pagganap ng trabaho. At kung lapitan natin ang sinabi mula sa punto ng pananaw ng dramatikong kasanayan, ang manunulat ng dula ay tila kinokopya ang kanyang gawa mula sa hinaharap, haka-haka na pagganap. Kung, sa oras ng paggawa sa isang dula, hindi niya nakikita ang kanyang isinulat sa entablado, hindi nauunawaan kung paano ilalagay ang kanyang isinulat, hindi siya makakasulat ng isang dramatikong gawain. Kaya, sa likas na katangian ng kanyang trabaho, ang manunulat ng dula ay dapat na isang direktor - ang unang direktor ng kanyang trabaho.

Kaya, ang gawain ng manunulat ng dula ay magbigay ng empatiya, emosyonal na kaguluhan, pagkabigla sa manonood sa hinaharap na pagganap ayon sa mga prinsipyo kung saan ang mga kaganapan sa totoong buhay ay nakakaimpluwensya sa isang tao.

Naturally, maraming mga pagkakataon upang makamit ito, at walang dramatikong gawain ang dapat na katulad ng isa pa, ang bawat isa ay dapat magkaroon ng sariling artistikong kapangyarihan.

Gayunpaman, maaari nating pangalanan ang ilang mga pangunahing kondisyon, kung wala ang empatiya ay hindi lilitaw. Una sa lahat, pagkilala sa mga nangyayari. Eksakto sa kahulugan ng katotohanan ng mga relasyon ng tao mismo. Pangalawa. Ito ang interes ng manonood sa mga nangyayari. "Ang isang hindi kawili-wiling dula ay isang sementeryo ng mga ideya, kaisipan at mga imahe," isinulat ni A. N. Tolstoy.

Ang interes ay isang malawak na konsepto. Upang maging interesado ang manonood, dapat mangyari ang isang bagay na batay sa mga modernong isyu, talamak sa mga tuntunin ng mga isyu, at sa wakas, kawili-wili lamang mula sa punto ng view ng pagkahumaling. Sa isang pagkakataon, pinayuhan ni Stanislavsky: unang maakit, at pagkatapos ay magtanim ng isang ideya.

Sa wakas, ang pinakamahalagang kondisyon para magkaroon ng artistikong epekto ang isang gawa ng drama ay ang paglikha ng isang kumpletong larawan, isang kumpletong imahe ng kaganapan. Kung sa isang epikong gawa, sabihin nating, sa isang nobela, isang imahe ng isang panahon, isang imahe ng oras, ay nilikha, tulad ng sinasabi natin, kung gayon ang temporal na imaheng ito ay maaaring umiral nang walang pagkakumpleto ng balangkas. Maraming mga may-akda ng mahusay na mga epikong gawa ang paulit-ulit na nagsalita tungkol dito. Halimbawa, si Cervantes, nang magsimulang magsulat ng Don Quixote, ay binalak ito nang mas maikli, at pagkatapos ay habang sumusulat siya, ang may-akda ay nagsama ng higit at higit pang mga bagong kaganapan. Ang nobela, tulad ng sinabi ni Cervantes, ay gumalaw na parang sliding table.

Nagpatotoo si Goethe na noong sinimulan niyang isulat ang kanyang nobelang The Sorrows of Young Werther, hindi niya alam sa simula na magpapakamatay si Werther. Ang lohika ng mga pangyayari, ang lohika ng kilusan mismo, ang pag-unlad ng bayani, ang kanyang karakter ay humantong sa katotohanan na nakita ng may-akda ang tanging wakas kung saan dapat dumating ang bayani.

Sa liriko na tula, kung saan ang isang imahe ng isang mood, isang imahe ng isang estado ay nilikha, ang isang ipinag-uutos na konklusyon ng balangkas ay hindi kinakailangan.

Ang drama ay lumilikha ng isang imahe ng isang kaganapan sa salungatan, isang imahe ng isang social clash. Ang larawang ito ay dapat mayroong tatlong mandatoryong elemento na tumutukoy sa integridad nito. Una sa lahat, kailangang ipaliwanag kung ano ang nangyayari, saan, bakit at bakit nangyari ang banggaan. Kung wala ito hindi magiging malinaw. Ito ay kinakailangan upang ipakita ang pag-unlad ng banggaan, ang kakanyahan nito. At sa wakas, ito ay kinakailangan upang ipakita kung ano ang pag-unlad na ito ay humantong sa.

"Kung ano ang humantong sa" ay hindi katumbas ng konsepto na "kung paano ito natapos." Anumang kaganapan sa buhay, at lalo na sa ilalim ng panulat ng may-akda, ay maaaring ganap na magwakas nang hindi sinasadya, at hindi bilang isang resulta ng isang naibigay na pag-unlad, hindi bilang isang resulta ng pakikibaka ng mga kontradiksyon na nagpakita ng kanilang sarili sa isang naibigay na salungatan.

Ang paglikha ng isang holistic na imahe ng isang kaganapan ay isang ipinag-uutos na artistikong kinakailangan para sa isang gawa ng drama. Ipinakikita ng kasaysayan ng drama na sa lahat ng pagkakataon kapag ang integridad na ito ay nalabag, ang gawa ay mas mahina kaysa sa maaaring mangyari, at kung minsan ay hindi ito mapapanatili.”

Masasabi nating ang batayan ng bawat gawain ng dula ay isang pundamental na dayagram na binubuo ng tatlong elementong ito: ang simula ng pakikibaka, ang takbo ng pakikibaka at ang resulta ng pakikibaka.

Hindi mo dapat simulan ang isang dula nang hindi mo alam kung paano ito magtatapos. Ang pagtatapos ng akda ay dapat na malinaw sa may-akda sa layunin nito. Ang malinaw na pag-unawa sa pagtatapos ng kanyang akda ay isang pag-unawa din kung bakit kinuha ng may-akda ang kanyang akda.

Ang sikat na direktor ng Sobyet at theater theorist na si N.P. Akimov ay umalis sa kanyang mga libro at sa memorya ng mga taong nagtrabaho sa kanya ng maraming magagandang kaisipan na ipinahayag sa aphoristic form. Matagumpay niyang nasuri ang kababalaghan na pinag-uusapan: "Nakakita at nakabasa ako ng maraming masasamang dula," sabi niya, "ngunit sa mga ito ay wala akong natatandaan ni isa na nagsimula nang masama." Sa katunayan, halos lahat ng masamang dula ay nagsisimulang kawili-wili. Ang may-akda ay nakabuo o nakakita ng isang talagang kawili-wiling episode, ngunit hindi alam kung ano ang susunod na gagawin dito. Samantala, ang isang katotohanan ng buhay, bilang panuntunan, ay nagiging isang katotohanan ng dramaturhiya lamang kung ito ay inilalagay sa isang tiyak na dramatikong istruktura, iyon ay, ginagamit sa loob ng balangkas ng pag-unlad ng isang panlipunang tunggalian, na nagpapakita ng simula ng pakikibaka, ang kurso ng pakikibaka, ang resulta ng pakikibaka.

Ang isa at ang parehong katotohanan, na ginagamit ng isang manunulat ng dula, ay maaaring bumuo sa paligid ng kanyang sarili na ganap na magkakaibang mga gawa, hindi lamang sa balangkas, kundi pati na rin sa genre, depende sa lugar na sinasakop nito sa istraktura ng akda. Halimbawa, ang katotohanan - ang desisyon ng mag-asawa na hiwalayan, na inilagay sa simula ng dula, ay maaaring bumuo ng isang komedya na may masayang pagtatapos - isang masayang pagkakasundo. Ang parehong katotohanan - ang desisyon ng mga mag-asawa na hiwalayan, na inilagay sa finale, ay hindi angkop para sa pagkumpleto ng isang comedic development at presupposes drama.

Sa madaling salita, ang katotohanang inilalarawan sa isang dramatikong akda ay isang elemento lamang ng artistikong istruktura - isang dramatikong komposisyon na dapat likhain ng may-akda.

Diksyunaryo ng Drama.

Drama(drama /Griyego/ - aksyon) - isa sa tatlong uri ng panitikan, kasama ng liriko at epiko, na isinulat sa diyalogong anyo at nilayon para sa pagpapatupad sa entablado. Ang drama ay nabibilang sa parehong teatro at panitikan; bilang pangunahing batayan ng pagganap, ito ay sabay-sabay na nakikita sa pagbabasa. Ang drama ay nabuo batay sa ebolusyon ng pagtatanghal sa teatro: ang foregrounding ng mga aktor, pinagsama ang pantomime sa binibigkas na salita, ay minarkahan ang paglitaw nito bilang isang uri ng panitikan. Ang drama ay inilaan para sa kolektibong pang-unawa, samakatuwid ito ay nakikitungo sa pinaka-pinipilit na mga problemang panlipunan; ang batayan nito ay mga sosyo-historikal na kontradiksyon, walang hanggan, unibersal na antinomiya. Ang drama ay pinangungunahan ng drama - isang pag-aari ng espiritu ng tao, na nagising sa mga sitwasyon kung saan ang pinahahalagahan o mahalaga para sa isang tao ay nananatiling hindi natutupad o nasa ilalim ng pagbabanta. Ang drama, bilang panuntunan, ay binuo sa isang panlabas (o panloob) na aksyon na may mga pagbabago na nauugnay sa direkta o panloob na paghaharap ng mga bayani. Ang unibersal na batayan ng komposisyon ng drama ay ang paghahati nito sa mga yugto ng yugto, kapag ang isang sandali ay malapit na. katabi ng katabi, kaya ang inilalarawan (tunay) na oras ay tumutugma sa oras ng pang-unawa (artistic). Ang pagsasalaysay (ang pagpapakilala ng boses ng may-akda sa dula, ang mga mensahe ng mga mensahero, ang mga kuwento ng mga tauhan tungkol sa nangyari kanina) ay subordinate, o kahit na ganap na wala. Ang mga salitang binigkas ng mga tauhan ay bumubuo ng tuluy-tuloy na linya sa dula, na kinumpirma ng mga aksyon. Bidirectional ang pagsasalita sa drama: ang tauhan ay pumapasok sa diyalogo kasama ang ibang mga tauhan (dialogic speech) o umaakit sa manonood (monologue speech). Ang talumpati sa drama ay inilaan na maihatid sa malawak na espasyo ng teatro, na idinisenyo para sa mass effect, puno ng theatricality, i.e. isang tiyak na uri ng kombensiyon. Halimbawa, si A.S. Pushkin ay naniniwala na sa lahat ng uri ng mga sulatin, "ang mga dramatikong komposisyon ay ang pinaka-hindi kapani-paniwala." Bagaman ang makasagisag na sistema ng drama ay palaging pinangungunahan ng mga katangian ng pagsasalita, ang teksto nito ay nakatuon sa kagila-gilalas na pagpapahayag at ang mga posibilidad ng diskarte sa entablado, samakatuwid ang isa sa pinakamahalagang katangian ng drama ay ang kanyang presensya sa entablado.

Aksyon (drama)- ang mga aksyon ng mga tauhan sa kanilang pagkakaugnay, na bumubuo sa pinakamahalagang aspeto ng dramatikong balangkas. Ang mga yunit ng aksyon ay mga pahayag, galaw, kilos, kilos sa mukha ng mga tauhan na nagpapahayag ng kanilang mga damdamin, pagnanasa at intensyon. Ang aksyon ay maaaring panlabas, batay sa mga pagbabago (halimbawa, sa W. Shakespeare o J.-B. Moliere), at panloob, kung saan ang mga pagbabago ay ginawa sa mindset ng mga karakter na may panlabas na kaganapan (halimbawa, sa A. Chekhov). Ang panlabas na pagkilos ay nagpapakita ng sarili, bilang isang panuntunan, upang buksan ang mga salungatan, mga komprontasyon sa pagitan ng mga bayani o kanilang mga posisyon sa buhay, na lumitaw, lumalaki at nalutas sa loob ng balangkas ng mga itinatanghal na kaganapan. Ang panloob na pagkilos ay sumasalamin sa mga salungatan na imanent, matatag, at hindi malulutas sa loob ng balangkas ng isang gawain. Ang mga aksyon ng mga karakter ay magkakaugnay, na bumubuo sa pagkakaisa ng aksyon, na (nagsisimula sa Aristotle's Poetics) ay itinuturing pa rin na pamantayan para sa dramatikong balangkas.

Salungatan (conflictus /lat./ - banggaan) - kontradiksyon bilang prinsipyo ng ugnayan sa pagitan ng mga larawan ng isang likhang sining. Ang salungatan ay naging tanda ng drama at teatro. Gaya ng isinulat ni Hegel: “Ang dramatikong pagkilos ay hindi limitado sa simple at mahinahong pagkamit ng isang tiyak na layunin; sa kabaligtaran, ito ay nagaganap sa isang kapaligiran ng mga salungatan at salungatan at napapailalim sa presyon ng mga pangyayari, ang presyon ng mga hilig at mga karakter na sumasalungat at lumalaban dito. Ang mga salungatan at banggaan na ito naman, ay nagbubunga ng mga aksyon at reaksyon, na sa isang tiyak na sandali ay nagdudulot ng pangangailangan para sa pagkakasundo” (Hegel G.V.F. Aesthetics. M., 1968. Vol. 1. P. 219). Ang dramatikong salungatan ay nagmumula sa sagupaan ng mga antagonistic na pwersa sa drama. Bilang batayan at puwersang nagtutulak ng aksyon, tinutukoy ng salungatan ang mga pangunahing yugto ng pagbuo ng balangkas: ang paunang walang kaganapan na sitwasyon - paglalahad, ang kaganapan na nag-aambag sa paglitaw ng salungatan - ang balangkas, ang kaganapan na nagmamarka ng pinakamataas na paglala ng salungatan - ang kasukdulan, ang kaganapang lumulutas sa salungatan (hindi palaging obligado) - ang denouement. Kadalasan, lumilitaw ang salungatan sa anyo ng isang banggaan (isang salitang magkasingkahulugan ng salungatan), i.e. sa anyo ng isang bukas na paghaharap sa pagitan ng magkasalungat na pwersa. Ang isang salungatan ay lumitaw kapag ang isang karakter, sa pagkamit ng kanyang layunin (pag-ibig, kapangyarihan, ideal), ay humarap sa isa pang karakter at nakatagpo ng isang sikolohikal, moral o nakamamatay na balakid. Ang kinalabasan ng salungatan ay hindi maaaring hindi konektado sa mga pathos ng trabaho: maaari itong maging komiks, i.e. conciliatory o tragic, kapag ang magkabilang panig ay hindi maaaring gumawa ng mga konsesyon nang hindi dumaranas ng pinsala (at iba pa, depende sa aesthetic specifics ng pathos). Ang isang tinatayang teoretikal na modelo ng lahat ng naiisip na dramatikong sitwasyon na tumutukoy sa likas na katangian ng theatrical action ay maaaring tukuyin bilang mga sumusunod: – tunggalian sa pagitan ng dalawang karakter para sa pang-ekonomiya, pag-ibig, moral, pampulitika at iba pang mga kadahilanan; – salungatan ng dalawang pananaw sa mundo, dalawang hindi mapagkakasunduang moral; – moral na pakikibaka sa pagitan ng subjective at layunin, pagmamahal at tungkulin, pagsinta at katwiran: ang problemang ito ay maaaring lumitaw sa kaluluwa ng isang bayani o sa pagitan ng dalawang “kampo” na nagsisikap na manalo sa bayani; – ang tunggalian ng mga interes ng indibidwal at lipunan; – ang moral o metapisiko na pakikibaka ng isang tao laban sa anumang prinsipyo o pagnanais na higit sa kanyang mga kakayahan (Diyos , kahangalan, ideyal, daigin ang sarili at iba pa. Ang salungatan (bangga) ay kadalasang naisasakatuparan sa anyo ng isang pandiwang tunggalian, sa isang pandiwang pakikibaka sa mga argumento at kontraargumento; angkop din dito ang isang monologo para sa paglalahad ng pangangatwiran na nagpapahayag ng pagsalungat. at salungatan ng mga ideya. Kasama ng conflict-collision, iyon ay, external conflict, noong ikadalawampu siglo. Ang ganitong kababalaghan tulad ng panloob na salungatan, bilang ang pandaigdigang walang hanggang hindi naaalis at walang pag-asa na pagkakapira-piraso ng tao, ang paghaharap sa pagitan ng panlipunan at biyolohikal, mulat at hindi malay, ang hindi malulutas na kontradiksyon ng isang malungkot na indibidwal na may realidad na nakahiwalay sa kanya, ay tumindi. Kung ang panlabas na salungatan ay nalutas sa anumang paraan sa loob ng balangkas ng isang gawain, kung gayon ang panloob na salungatan, batay sa pakikibaka ng isang tao sa kanyang sarili o sa pakikibaka ng mga unibersal na prinsipyo, ay hindi malulutas sa loob ng balangkas ng isang balangkas at ipinakita bilang matibay; dito, ang dialectic ng pagbuo ng gawa ng sining mismo, ang kontradiksyon sa pagitan ng anyo at nilalaman, komposisyon at tema, sa pagitan ng "texture" at "structure" (L. Vygotsky), ang paksa at kahulugan ng artistikong pagpapahayag (tingnan ang: teatro ng walang katotohanan) ay isinasaalang-alang sa isang mas malaking lawak.

Paglalahad(exposito, expouere /lat./ – upang maipakita) ay nagbibigay ng kinakailangang impormasyon upang masuri ang sitwasyon at maunawaan ang aksyon na ipapakita. Ang pag-alam sa paglalahad ay lalong mahalaga para sa pagkilos na may baluktot na pananabik. Para sa klasikal na drama, ang paglalahad ay may posibilidad na puro sa simula ng dula at kadalasang naisalokal sa kuwento ng isa o maraming tauhan. Kapag ang dramatikong istraktura ay nakakarelaks, kung saan ang salungatan ay hindi lumaganap ngunit sa simula ay ipinapalagay (halimbawa, umiiral na salungatan, intelektwal na drama, atbp.), na sinusundan ng pagsusuri sa mga dahilan na nagbunga nito, dito ang buong kasunod na teksto ay maaaring maging isang malawak na paglalahad, kaya ang konsepto ay nawawala ang tiyak na kahalagahan nito. Ang paglalahad ay makabuluhan para sa dula dahil ito ay nagbibigay ng mga tanong na sinasagot ng pag-unlad ng tunggalian: Sino ang mga pangunahing tauhan? Ano ang naghihiwalay sa kanila, ano ang pinagsasama-sama, ano ang kanilang mga layunin?Ano ang impresyon na ginawa ng dula? Anong kapaligiran at anong realidad ang muling ginawa? Kung ang lohika ng kathang-isip na mundo ay naiiba sa lohika ng totoong mundo, ano ang mga tuntunin nito (isang sukatan ng kumbensyon)? Paano malalaman ang sikolohikal, panlipunan at pag-ibig na mga motibasyon ng mga karakter? Ano ang ideya ng dula, kung paano magtatag ng isang kahanay sa totoong mundo? Kaya, sa isang malawak na kahulugan, ang paglalahad ay ang pag-unawa sa ilang ideolohikal, pandiwang , visual (kung pinag-uusapan natin ang sagisag ng dula sa entablado) na mga code para sa upang magkaroon ng data tungkol sa mga kathang-isip na pangyayari na ipinakita sa isang dramatikong akda. ng pagkilos sa isa at tanging direksyong ito, tungo sa paglitaw at pagpapalalim ng isang dramatikong tunggalian.

Kasukdulan(culmen /lat./ - peak) - isang kaganapan na nagmamarka ng pinakamataas na sandali ng pag-unlad (o pagpapalalim) ng tunggalian: ang tunggalian ay pinalala hanggang sa limitasyon, parehong kaganapan-matalino at emosyonal, pagkatapos ay mayroon lamang isang denouement.

Denouement ay isang yugto ng isang dramatikong gawain na sa wakas ay lumutas ng mga salungatan. Sa denouement, ang salungatan ay maaaring malutas sa pamamagitan ng pag-aalis ng isa sa mga partido sa hindi pagkakaunawaan o pagtukoy sa pagkakamali na pinagmulan ng salungatan; maaaring tanggalin dahil sa pagbabago sa paunang sitwasyon, kapag ang mga magkasalungat na partido ay naghiwalay sa paghatol sa isang lawak na walang nagbubuklod sa kanila; maaaring ipakita bilang isang "bukas na pagtatapos" (o isang pagbabalik sa orihinal na sitwasyon sa isang bilog), dahil hindi ito malulutas sa loob ng balangkas ng ipinakita na balangkas. Sa sinaunang drama at drama ng klasisismo, ginamit ang isang deus ex machina ("Diyos mula sa makina") na pagtatapos, kapag ang pagsalakay lamang ng banal (o iba pang puwersa na nasa labas ng balangkas) ang makakalutas ng isang walang pag-asa na sitwasyon.

Intriga(intricare /lat./ - para malito) - isang paraan ng pagsasaayos ng dramatikong aksyon sa tulong ng mga kumplikadong twists at turns. Ang intriga ay mas malapit sa serye ng balangkas kaysa sa balangkas, at nauugnay sa isang detalyadong pagkakasunud-sunod ng mga hindi inaasahang pagliko sa balangkas, isang interweaving at isang serye ng mga salungatan, mga hadlang at paraan na ginagamit ng mga tauhan upang mapagtagumpayan ang mga ito. Inilalarawan nito ang panlabas, nakikitang aspeto ng dramatikong pag-unlad, at hindi ang malalim na paggalaw ng panloob na pagkilos.

Peripeteia(peripeteia /Greek/ – hindi inaasahang pagbabago) – isang hindi inaasahang pagliko ng isang sitwasyon o aksyon, isang biglaang pagbabago. Ayon kay Aristotle, ang peripeteia ay nangyayari sa sandaling ang kapalaran ng bayani ay lumiliko mula sa kaligayahan tungo sa kasawian o kabaliktaran. Sa modernong kahulugan, ang mga twist at turn ay kadalasang nangangahulugan ng mga pagtaas at pagbaba ng aksyon, pakikipagsapalaran, o isang mas mababang episode kasunod ng isang malakas na sandali ng pagkilos.

Madulang pananalita(dulaan at dramatikong diskurso). Sa saklaw ng diskursong dula-dulaan, makikilala natin ang pagsasalita ng mise-en-scene at ang pagsasalita ng mga tauhan, kaya't maaari nating pag-usapan ang tungkol sa talumpati sa entablado (diskurso) kapwa sa kahulugan ng pagtatanghal at sa kahulugan ng teksto. ng dula, naghihintay ng akto ng pagbigkas sa entablado. Ang theatrical text (dramatic text, play text) ay hindi oral speech, ngunit may kondisyong nakasulat, na kumakatawan sa oral speech. Kaya, ang ibig sabihin ng pagsasalita ay kung ano ang pagkakaiba sa paggamit ng entablado ng aktibidad ng pagsasalita mula sa pagbigkas (dimensyon ng pandiwa) hanggang sa di-berbal (dimensyon ng visual): mga kilos, ekspresyon ng mukha, galaw, kasuotan, katawan, props, tanawin, atbp. Naisasakatuparan ang tekstong teatro gaya ng karaniwan sa anyong diyalogo at monologo. Ang pag-uusap sa pagitan ng dalawa o higit pang mga tauhan ay isang dramatikong diyalogo, bagama't ang ibang uri ng komunikasyon ay posible sa loob ng diyalogo: sa pagitan ng nakikita at di-nakikitang mga karakter, sa pagitan ng isang tao at ng Diyos o ng isang multo, sa pagitan ng isang may buhay na tao at mga bagay na walang buhay. Ang pangunahing criterion ng dialogue ay komunikasyon at reversibility ng komunikasyon. Ang diyalogo ay nakikita bilang ang pangunahing at pinaka-nagsisiwalat na anyo ng drama. Ang monologo ay gumaganap bilang isang pandekorasyon na elemento, maliit na naaayon sa prinsipyo ng verisimilitude. Gayunpaman, sa klasikal na drama ang diyalogo ay maaaring isang pagkakasunud-sunod ng mga monologo na may higit na awtonomiya kaysa sa pagpapalitan ng mga linya. At, sa kabaligtaran, maraming mga monologo, sa kabila ng pagkakaisa ng teksto ng pahayag, ay walang iba kundi mga diyalogo ng isang karakter na may isang bahagi ng kanyang sarili, na may isa pang haka-haka na karakter, o kasama ang buong mundo na tinatawag na saksi. Ang dramatikong diyalogo ay nailalarawan sa isang medyo mataas na rate ng "paghahatid" ng mga linya, pagkatapos lamang ito ay naging isang pandiwang tunggalian. Ayon sa isang hindi nakasulat na generic na tuntunin, sa teatro dialogue (pati na rin ang anumang pagsasalita ng mga character) ay isang aksyon sa pamamagitan ng pagsasalita. Salamat sa diyalogo, nagsisimulang maramdaman ng manonood ang pagbabago ng buong mundo ng pagganap, ang dynamics ng aksyon. Ang diyalogo at pananalita ay ang tanging elemento ng aksyon sa dula, dahil ito ay ang kilos ng pagsasalita, ang pagbigkas ng mga parirala, iyon lamang ang mabisang aksyon sa dula - isang salita-aksyon.

Monologue, sa turn, ay tinukoy bilang ang pagsasalita ng isang tauhan na hindi direktang tinutugunan sa kausap upang makakuha ng sagot mula sa kanya. Dahil ang monologo ay itinuturing na isang bagay na kontra-dramatiko, sa makatotohanan at naturalistikong drama ang monologo ay pinapayagan lamang sa mga pambihirang sitwasyon (sa isang panaginip, sa isang estado ng pagkalasing, bilang isang pagbubuhos ng damdamin), at sa drama ni Shakespeare o sa romantikong drama ang monologo ay napakapopular. Ang isang monologo ay tinatawag na panloob na diyalogo, na binuo sa isang espesyal na "panloob na wika", kung saan ang pagsasalita ko at ang pakikinig ay aking nilalahok. Ayon sa dramatikong pag-andar, maaari nating makilala ang "teknikal" o narrative na mga monologo (monologue-kuwento, pagtatanghal ng isa sa mga tauhan ng mga kaganapan na naganap na), liriko (isang monologo na binibigkas ng bayani sa sandali ng isang malakas na karanasan na nangangailangan ng pagsisiwalat ng saklaw ng damdamin), isang pagmuni-muni-monologo o isang monologo sa paggawa ng desisyon ( ang bayani sa isang sitwasyon ng moral na pagpili ay naglalahad sa kanyang sarili ng mga argumento para sa at laban). Sa kanilang anyong pampanitikan, ang mga monologo ay maaaring: - isang monologo na naghahatid ng kalagayan ng bayani; - isang monologo na nauugnay sa dialectics ng pangangatwiran, kapag ang lohikal na argumentasyon ay ipinakita sa anyo ng isang pagkakasunud-sunod ng mga semantiko at maindayog na pagsalungat; – panloob na monologo o “stream ng kamalayan”, kapag sinabi ng isang tauhan ang lahat ng pumapasok sa kanyang isipan, nang walang pakialam sa lohika, kaugnayan at pagkakumpleto ng pahayag; - isang monologo na nagpapahayag ng direktang salita ng may-akda, kapag ang may-akda ay direktang nakikipag-usap sa madla gamit ang ilang plot device, minsan sa musikal at patula na anyo, upang mapasaya ang manonood (upang kumpirmahin ang kanyang posisyon sa kanyang isipan) o upang pukawin siya; - monologue-dialogue alone, dialogue with a god or other off-stage character, paradoxical dialogue, kapag ang isa ay nagsasalita at ang isa ay hindi sumasagot. Sa drama ng ikadalawampu siglo, lalo na sa Brechtian at post-Brechtian drama, ang pangunahing punto ay ang kabuuan ng mga talumpati na binibigkas sa panahon ng dula, at hindi ang mga indibidwal na karakter na may kanilang indibidwal na kamalayan, kaya, ang monologo ay nangunguna sa posisyon sa modernong dramaturhiya. . Kaya't ang dula-dulaan at dramatikong diskurso ay binago sa isang monologo ng pangunahing tagapagsalita (iyon ay, isang awtoridad na pumapalit sa may-akda) o sa isang direktang diyalogo sa madla.

Replica- teksto na binibigkas ng isang karakter sa panahon ng isang diyalogo bilang tugon sa isang tanong o ilang iba pang aksyon. Ang isang replica ay may katuturan lamang sa pagsasama-sama ng nauna at kasunod na mga replika: replica/counterreplica, salita/counterword, aksyon/reaksyon. Ang pagpapalitan ng mga pangungusap ay lumilikha ng intonasyon, istilo ng paglalaro, at ritmo ng mise-en-scène. Binanggit ni Brecht na ang paggawa ng mga linya ay isinasagawa ayon sa prinsipyo ng tennis: “Ang intonasyon ay nahawakan nang mabilis at tumatagal; kaya't nagmumula ang pag-iiba-iba ng vibration at intonation na tumatagos sa buong mga eksena” (Brecht B. Voir Theatrarbeit. Frankfurt, 1961. 385). Ang tugon ay palaging nagpapakain sa dialectic ng mga sagot at mga tanong na nagtutulak sa aksyon na pasulong.

Aparte(apart /French/) – pagsasalita ng isang karakter, na hindi tinutugunan sa kausap, kundi sa kanyang sarili (at sa madla). Ito ay naiiba sa isang monologo sa kaiklian nito at pagsasama sa diyalogo. Ang Aparte ay ang pumutok na linya ng isang karakter, "sinasadyang" narinig ng madla, ngunit gayunpaman ay nilayon na mapansin sa konteksto ng sinasalitang diyalogo. Bilang isang patakaran, ang aparte ay ginawang pormal ng direksyon ng entablado - "sa gilid" o isang tiyak na lokasyon ng karakter sa proscenium. Sa magkahiwalay, ang karakter ay hindi kailanman nagsisinungaling, dahil ang isa ay hindi nagsisinungaling sa sarili, at inilalantad ang tunay na intensyon ng mga karakter. Ang mga sandali ng panloob na katotohanan ay naging isang uri ng "downtime" sa pagbuo ng aksyon, kung saan nabuo ng manonood ang kanyang paghatol. Alinsunod dito, maaaring magkaroon ng "epic" function ang aparte. (Maaaring ipagpalagay na ang mga zong sa "epikong teatro" ni Brecht ay walang iba kundi bukod). Ang Aparte ay pinupunan ang monologo dahil ito ay nagsasangkot ng pagmumuni-muni sa sarili, "pagkindat" sa madla, kamalayan, paggawa ng desisyon, pagtugon sa madla, atbp.

Soliloquy(solus /lat./ - isa at loqui /lat./ - magsalita) - pananalita na tinutugunan sa sarili, isang kasingkahulugan para sa isang monologo, ngunit higit pa sa isang monologo, dahil lumilikha ito ng isang sitwasyon kung saan ang karakter ay sumasalamin sa kanyang sikolohikal at moral na sitwasyon, salamat sa mga theatrical convention na nagpapatupad ng panloob na monologo para sa manonood. Inihahayag ng Soliloquy sa manonood ang kaluluwa o walang malay ng karakter o ang kanyang pagmuni-muni: samakatuwid ang epikong kahalagahan nito, liriko na kalunos-lunos at ang kakayahang maging napiling fragment, upang bigyan ito ng autonomous na kahulugan, gaya ng Hamlet's Soliloquy tungkol sa pag-iral. Ang Soliloquy ay nabibigyang katwiran sa drama sa pamamagitan ng katotohanan na maaari itong bigkasin sa sandali ng pagpili sa moral, sa sandali ng paghahanap para sa sarili, i.e. kapag ang dilemma ay dapat na bumalangkas nang malakas. Ang Soliloquy ay humahantong sa pagkawasak at theatrical illusion at kumakatawan sa isang theatrical convention para sa pagkakaroon ng direktang pakikipag-ugnayan sa audience.

Author sa drama(may-akda ng dula, manunulat ng dula) - sa mahabang panahon ay hindi nagsasarili ang propesyon ng may-akda ng dula. Hanggang sa ika-16 na siglo – isang tagapagbigay lamang ng mga teksto, isang tao ng teatro. Sa pagtatapos lamang ng panahon ng Repormasyon, sa panahon ng Klasisismo, ang manunulat ng dula ay nagiging isang tao sa panlipunang kahulugan, isang taong gumaganap ng pinakamahalagang papel sa gawain sa pagtatanghal. Sa kurso ng ebolusyon ng teatro, ang kanyang papel ay maaaring mukhang hindi proporsyonal na malaki kung ihahambing sa papel ng direktor at direktor (na ang mga tungkulin ay hindi tinukoy hanggang sa katapusan ng ika-19 na siglo) at lalo na kung ihahambing sa aktor, na, sa mga salita ni Hegel, naging "instrumento lamang kung saan tumutugtog ang may-akda." , isang espongha na sumisipsip ng mga kulay at nagpapadala ng mga ito nang walang anumang pagbabago" (Hegel G.V.F. Aesthetics. M., 1968. Vol. 1. P. 288). Modernong teatro may posibilidad na palitan ng teorya ang may-akda ng dula ng pandaigdigang tema ng diskursong dula-dulaan, na siyang kabuuang proseso ng pagbigkas, isang tiyak na katumbas ng tagapagsalaysay (kuwento) na matatagpuan sa teksto ng nobela. Ang paksa ng may-akda ay maaaring makuha sa mga direksyon ng entablado, direksyon ng entablado, koro o teksto ng tagapagsalita. Ang may-akda ng dula ay nababahala sa pagbubuo ng balangkas, ang montage ng mga aksyon, ang mahirap unawain na hanay ng mga pananaw at semantikong konteksto ng mga gumaganap na diyalogo. Sa wakas, pagdating sa isang klasikal na teksto, homogenous ang anyo, ang pagiging may-akda ay tiyak na inihayag, sa kabila ng maraming mga tungkulin. tumpak at matatag na sistema) link sa production chain , na humuhubog sa teksto sa pamamagitan ng mise-en-scène, dula ng may-akda, isang partikular na pagtatanghal sa entablado at ang pananaw nito ng publiko.

Didascalia(didascalia /Greek/ - pagtuturo, pagsasanay) - sa sinaunang teatro ng Greek, mga protocol ng mga produksyon at mga dramatikong kumpetisyon. Ang mga ito ay mga inskripsiyon sa mga marmol na slab, na naglalaman ng mga pangalan ng mga playwright at protagonist, ang mga pangalan ng mga dulang itinanghal at ang mga resulta ng mga kumpetisyon. Ang ilang mga extract mula sa didascalia, na isinagawa ni Aristotle at mga siyentipiko ng panahon ng Hellenistic, ay nakaligtas sa mga manuskrito ng mga trahedya at komedya, sa mga pagpapakilala sa mga indibidwal na dula. Sa makabagong pag-unawa, ang mga tagubiling ibinibigay ng may-akda sa kanyang mga gumaganap tungkol sa interpretasyon ng teksto ng dula ay katulad ng konsepto ng mga direksyon sa entablado (stage directions).

Remarque(remarque/French/ - note, mark), mga direksyon sa entablado - isang tala ng may-akda para sa mambabasa, direktor at aktor sa teksto ng dula, na naglalaman ng maikling paglalarawan ng tagpuan ng aksyon, hitsura, paraan ng pagbigkas at pag-uugali ng ang mga karakter. Kaya, ito ay anumang teksto na hindi sinasalita ng mga aktor at nilayon upang mapadali o ipahiwatig ang paraan ng pagganap. Ang pagkakaroon ng mga direksyon sa entablado at ang kahulugan ng mga ito ay malaki ang pagkakaiba-iba sa buong kasaysayan ng teatro, mula sa kanilang kawalan sa sinaunang teatro, sa kanilang labis na pambihira sa klasikal na drama, sa kanilang epikong kasaganaan sa melodrama at naturalistikong drama, at ang kanilang pagpuno sa buong dula sa teatro. ng walang katotohanan. Ang teksto ng dula ay hindi nangangailangan ng mga direksyon sa entablado kapag naglalaman ito ng lahat ng kinakailangang impormasyon tungkol sa mga tauhan at ang sitwasyong nakapaligid sa kanila. Ngunit sa pagtatapos ng ikalabinsiyam na siglo. at sa ikadalawampung siglo. sinisikap ng may-akda na matukoy nang tumpak at banayad hangga't maaari ang mga coordinate ng space-time, ang panloob na mundo ng mga tauhan at ang kapaligiran ng eksena - dito kinakailangan ang boses ng tagapagsalaysay, kaya ang teatro ay lumalapit sa anyong nobela. Ang ganitong mga direksyon sa entablado ay maaaring maging isang mahabang panloob na monologo na naglalarawan ng mga bagay sa entablado, o sa isang pantomime na nagse-set up ng diyalogo, atbp. Ang mga direksyon sa entablado, o mga direksyon sa entablado, ay ipinakita bilang bahagi ng kabuuan: teksto ng dula + mga direksyon = metatext, na tumutukoy sa parehong mga diyalogo sa kanilang sarili at sa buong produksyon sa kabuuan. Kung ang "katapatan" sa may-akda ay sinusunod, ang mga tagubilin ay sinusunod sa produksyon, ang interpretasyon ng dula ay napapailalim sa kanila. Kaya, ang mga direksyon sa entablado ay inihalintulad sa mga tagubilin ng direktor, mga direksyon sa entablado para sa dula.

Subtext(sub-text /Ingles/) – sa malawak na kahulugan ng salita, nangangahulugan ito ng pinagbabatayan na implicit na kahulugan na hindi tumutugma sa direktang kahulugan; ang subtext ay nakasalalay sa layunin at pagpapahayag ng pagbigkas, sa mga katangian ng sitwasyon ng pagsasalita. Ang subtext ay lumitaw bilang isang paraan ng katahimikan, "pangalawang pag-iisip" at kahit na kabalintunaan. Sa kasong ito, "ang mga direktang leksikal na kahulugan ng mga salita ay tumigil sa pagbabalangkas at pagtukoy sa panloob na nilalaman ng pananalita" (Vinogradov V. Mga Tanong ng Linggwistika. 1955. No. 1. P.79). Ang isang mas makitid na konsepto ng "subtext" ay lumitaw kaugnay sa "bagong drama" ng pagliko ng ika-19-20 na siglo. at lahat ng kasunod na drama ng ikadalawampu siglo. Ang subtext, o "dialogue ng pangalawang kategorya" (M. Maeterlinck), o "undercurrent" (Vl. Nemirovich-Danchenko) ay malapit na nauugnay sa panloob na aksyon at maaaring magpahayag ng isang kumplikadong mga kaisipan at damdamin na nilalaman sa teksto na sinasalita ng mga karakter, ngunit hindi gaanong inihahayag sa mga salita, gaya ng sa mga paghinto, sa panloob, hindi binibigkas na mga monologo. Kaya, ang subtext ay isang bagay na hindi tahasang sinabi sa teksto ng dula, ngunit nagmumula sa paraan ng pagbibigay-kahulugan sa teksto ng aktor. Ang subtext ay nagiging isang uri ng komentaryo, na ibinibigay ng pagganap ng aktor at ng buong produksyon, at ipinapaalam sa manonood ang kinakailangang panloob na kaalaman para sa tama at pinakakumpletong pang-unawa sa pagganap. Ang konseptong ito ay theoretically na ipinahayag ni K. Stanislavsky, kung saan ang subtext ay isang sikolohikal na tool na nagpapaalam tungkol sa panloob na estado ng isang karakter, na nagtatatag ng distansya sa pagitan ng kung ano ang sinabi sa teksto at kung ano ang ipinapakita sa entablado, samakatuwid ang subtext ay maaari ding tawaging na psychological at psychoanalytic imprint, na iniiwan ng aktor sa hitsura ng kanyang karakter sa panahon ng laro.

Overtext(sa pamamagitan ng pagkakatulad sa subtext) ay lumilitaw sa mga dramatikong gawa na may labis na kumbensyonal na balangkas, na may mga functional na karakter na kumikilos hindi batay sa kanilang panlipunang pagpapasiya o banayad na sikolohikal na mga karanasan, ngunit parang sa kalooban ng may-akda, na naglalarawan nito o ng pag-iisip ng may-akda. Sa ganitong mga dramatikong gawa, ang balangkas ay simple, kahit na primitive at umuurong sa background; ang mahalaga para sa may-akda ay ang kanyang apela sa kilala na (kahit na kilalang) materyal sa kultura ng mundo, na, sa tulong ng mga pamamaraan ng stylization , reminiscence, allusion, quotation, etc. ginagamit niya ito upang maunawaan ang ilang modernong moral, sikolohikal o politikal na sitwasyon. Ang overtext kaya lumilikha ng balangkas ng play-parable (parehong bukas at naka-encrypt), ang istraktura ng isang dramatikong parabola.

Intertext– batay sa teorya ng intertextuality ni Roland Brat, nabuo ang ideya na ang isang teksto ay mauunawaan lamang salamat sa paggana ng mga tekstong nauna rito, na, sa pamamagitan ng pagbabago, ay nakakaimpluwensya dito. Matatagpuan ang dramatic at theatrical (spectacular) na teksto sa loob ng mga dramatikong komposisyon at mga diskarte sa entablado. Maaaring isama ng direktor sa tela ng dulang ginagampanan ang mga extraneous na teksto na nauugnay sa dula ayon sa tema, parodikal, o maaaring ipaliwanag ito mula sa ibang anggulo. Binabago ng Intertext ang orihinal na teksto, "pinasabog" ang linear plot at theatrical illusion, paghahambing ng dalawa, madalas na magkasalungat, mga ritmo, mga uri ng pagsulat, na sinisira ang orihinal na teksto. Umiiral din ang intertextuality kapag, sa parehong tanawin, na may partisipasyon ng parehong mga aktor, ang direktor ay nag-stage ng dalawang teksto na hindi maiiwasang umaalingawngaw sa isa't isa.

Dramatikong espasyo at oras– Ang artistikong oras at espasyo (chronotope) ay ang pinakamahalagang katangian ng masining na imahe, na nagbibigay ng holistic na perception ng artistikong realidad at pag-aayos ng komposisyon ng akda. Ang sining ng mga salita ay nabibilang sa pangkat ng mga dynamic, pansamantalang sining, samakatuwid ay isang masining na imahe, na naglalahad sa oras (pagkakasunud-sunod ng teksto), kasama ang nilalaman nito ay muling gumagawa ng spatio-temporal na larawan ng mundo, bukod dito, sa simbolikong-ideolohikal, aspeto ng halaga nito. . Ang problema ng chronotope ay nabuo sa lokal na agham ng panitikan, pangunahin na may kaugnayan sa epiko. Kaugnay nito, dahil sa syncretic na katangian ng drama, makatuwirang pag-usapan ang tungkol sa mga spatio-temporal na katangian ng hindi lamang dramatiko, kundi pati na rin ang theatrical na teksto.

Oras - isa sa mga mahahalagang elemento ng isang dramatikong teksto o larawan ng entablado nito. Batay sa dalawahang katangian ng oras, kinakailangan upang matukoy ang oras kung kailan tinutukoy ang manonood (o oras ng yugto) at ang oras na muling itinayo ng may-akda gamit ang isang sistema ng pag-sign (o oras sa labas ng yugto). Ang oras ng entablado ay ang oras na nabuhay ng manonood, isang saksi sa isang theatrical na kaganapan (ibig sabihin, oras ng kaganapan na nauugnay sa kurso ng pagtatanghal). Ang oras ng entablado ay kinakatawan ng temporal at spatial na mga palatandaan ng isang naibigay na pagganap: mga pagbabago ng mga bagay, mga eksena sa aksyon, pag-iilaw, paglabas at paglabas ng mga aktor mula sa entablado, mga paggalaw, atbp. Ang bawat sistema ng gayong mga palatandaan ay may ritmo at sariling istraktura.Ang oras na hindi yugto (o dramatiko) ay ang oras ng mga pangyayari na sinasabi ng dula, i.e. isang kakaibang balangkas ng dula, hindi nauugnay sa mga kaganapang direktang ipinakita, ngunit sa ilusyon na may nangyayari, nangyari o mangyayari sa mundo ng posible o sa mundo ng pantasya. Tinutukoy ng dramatikong oras ang pagsalungat sa pagitan ng aksyon at intriga, balangkas at balangkas, kasaysayan at kuwento, lalo na ang kaugnayan sa pagitan ng temporal na pagkakasunud-sunod ng mga elemento sa isang mahigpit na pagkakasunod-sunod ng mga pangyayari at ang ilusyon ng kanilang temporal na pagkakasunud-sunod sa isang palabas sa teatro. Ang epekto ng oras ng teatro para sa manonood ay nakalimutan niya kung nasaan siya: nabubuhay siya sa kasalukuyang panahon, ngunit sa parehong oras ay nawawala ang koneksyon na ito at tumagos sa ibang mundo, sa haka-haka na mundo, na, sa turn, ay nagiging maranasan ng kasalukuyan - sa ito ay isang tampok ng theatrical convention. Naaalala ko ang pahayag ng pilosopong Pranses na si Etienne Souriot: "Ang buong teatro ay eksistensyal, ang pinakamataas na tagumpay nito, ang kabayanihan nito ay ginagawa nitong umiral ang mga haka-haka na karakter" (Sipi mula sa: Eric Bentley. Life of Drama. M., 1978. P .58) .Ang dramatikong oras ay maaaring napakatagal (halimbawa, sa makasaysayang mga talaan ni Shakespeare), ngunit ito ay nilalaro sa isang pagtatanghal at tumatagal ng dalawa hanggang tatlong oras. Ang aesthetics ng classicism ay humiling na ang aksyon ng dramatic time ay tumutugma sa stage time; ang pangangailangang ito ay humantong sa naturalistic aesthetics, kapag ang stage reality ay nagreproduce ng dramatic reality sa "life size". Ito ay tipikal din para sa modernong pagtatanghal, kapag ang dramatikong oras ay hindi ginagaya, ang yugto ng oras ay nananatiling mismo at hindi nakatago sa likod ng masining na imbensyon at ang panlabas na pagpapakita ng oras sa entablado. Napakabihirang, nagiging posible na palawakin ang saklaw ng oras ng yugto, na nagsasaad ng napakaikling panahon ng pagkilos (halimbawa, sa M. Maeterlinck, J. Priestley, sa theater of the absurd) Kapag nagtatanghal ng isang klasikal na teksto, ang problema sa makasaysayang panahon (ang historical-functional na aspeto ng akda) ay karaniwang idinaragdag sa ugnayan sa pagitan ng yugto at oras sa labas ng entablado. Sa kasong ito, dapat isaisip ang oras ng pahayag sa entablado (ang makasaysayang sandali kung kailan ang gawain ay itinanghal sa entablado, kung saan umapela ang direktor); makasaysayang panahon at lohika nito, na kinakatawan ng balangkas; ang panahon ng paglikha ng dula at ang antas ng teatro, ang istilo ng paglalaro ng mga aktor noong panahong iyon sa kasaysayan.

Space (theatrical) (espasyo sa teatro /Ingles/) - isang konseptong inilapat sa iba't ibang aspeto ng teksto ng isang produksyon. Maaari mong subukang tukuyin ang mga uri ng theatrical space: a) dramatic space, i.e. ang tinatalakay sa teksto ay isang abstract space na nilikha ng mambabasa at manonood sa tulong ng imahinasyon; b) stage space - ang tunay na espasyo ng yugto kung saan nagaganap ang aksyon; c) scenographic space (o theatrical) ay isang kumbinasyon ng espasyo sa entablado at "espasyo para sa publiko" na may isang tiyak na arkitektura, isang tiyak na pananaw sa mundo, na pangunahing nilikha ng mga aktor mismo at ng mga direktor ng dula; d) ang espasyo ng paglalaro (gestural) ay ang puwang na nilikha ng aktor , ang kanyang presensya at galaw, ang kanyang lugar na may kaugnayan sa iba pang mga aktor, ang kanyang lokasyon sa entablado (na konektado sa konsepto ng mise-en-scène); e) ang espasyo ng teksto ay espasyo sa kanyang graphic, phonic at rhetorical materiality, ang espasyo ng score, kung saan naitala ang mga pahiwatig at didascalia, ay lumilitaw kapag ang teksto ay hindi nilayon para sa dramatikong espasyo, ngunit ipinakita sa anyo ng materyal para sa visual at auditory perception; e) ang panloob na espasyo ay ang espasyo ng entablado kung saan ang isang pagtatangka upang ipakita ang mga phantasms , mga panaginip, mga pangitain ng manunulat ng dula o isa sa mga tauhan. Sa unang tingin, ang teatro ay isang lugar ng panlabas na kaayusan, kung saan ang isang tao ay maaaring magpakasawa sa pagmumuni-muni sa entablado, na pinapanatili kaugnay ng kanyang distansya. Ayon kay Hegel, ito ay isang lugar ng objectification at confrontation sa pagitan ng entablado at bulwagan, ibig sabihin, halata, nakikitang espasyo. Ngunit ang teatro ay isa ring lugar kung saan nagaganap ang proseso ng view ng manonood ng self-projection (catharsis at self-identification). At pagkatapos, sa pamamagitan ng interpenetration, ang teatro ay nagiging "inner space" ng manonood mismo, isang pagkakataon na paunlarin ang kanyang sarili at lahat ng kanyang mga kakayahan. Kaya, ang espasyo sa entablado ay nabubuo at nakukulayan ng sarili ng manonood.Ang dramatikong espasyo ay naghahatid ng larawan ng dramatikong istruktura ng dula, na kinabibilangan ng mga tauhan, kanilang mga kilos at ang mga relasyon sa pagitan ng mga tauhan. Binubuo namin ang dramatikong espasyo batay sa mga direksyon ng entablado ng may-akda, na isang uri ng premise-en-scene sa tulong ng mga spatio-temporal na tagubilin na nakapaloob sa diyalogo. Kaya, ang bawat manonood ay lumilikha ng kanyang sariling subjective na imahe ng dramatikong espasyo, at hindi nakakagulat na ang direktor ay pumili lamang ng isa sa mga posibleng tiyak na pagkakatawang-tao sa yugto. Ang dramatikong espasyo ay ang espasyo ng fiction, na kung saan, ay may impluwensya nito sa scenography. Dito umusbong ang walang hanggang tanong tungkol sa kung ano ang mauna: senograpiya o dramaturhiya sa pagtatanghal ng isang dula. Bagaman, siyempre, ang dramatikong konsepto ay dapat ilagay sa unang lugar, i.e. ideolohikal na salungatan sa pagitan ng mga karakter, mga makina ng pagkilos.

Plot at plot sa drama . Fabula (fabula /lat./ - kwento, pabula) - ang batayan ng kaganapan ng isang akda, na nakuha mula sa mga partikular na detalye ng masining at naa-access sa hindi masining na pag-unlad, muling pagsasalaysay (kadalasang hiniram mula sa mitolohiya, alamat, nakaraang panitikan, kasaysayan, mga talaan sa pahayagan, atbp.). Ang terminong plot ay nag-uugnay (nagkakaugnay) sa terminong plot (sujet /French/ - paksa). Maaaring ang "pormal na paaralan" ang unang nagkonsepto ng paggamit na ito. Ayon sa interpretasyon ng mga kinatawan ng OPOYAZ, kung tinutukoy ng balangkas ang pag-unlad ng mga kaganapan sa kanilang sarili sa buhay ng mga karakter, kung gayon ang balangkas ay kumakatawan sa pagkakasunud-sunod at paraan ng pag-uulat tungkol sa kanila ng may-akda. Sa kasalukuyan ang sumusunod na pagkakaiba ay tinatanggap sa agham: ang balangkas ay nagsisilbing materyal para sa balangkas; ibig sabihin, ang balangkas bilang isang hanay ng mga kaganapan at motibo sa kanilang lohikal na sanhi-at-bunga na relasyon; plot bilang isang set ng parehong mga kaganapan at motibo sa pagkakasunud-sunod at koneksyon kung saan ang mga ito ay isinalaysay sa akda sa masining (compositional) na pagkakasunud-sunod at sa lahat ng kabuuan ng imahe. Kaya, ang balangkas ng isang likhang sining ay isa sa pinakamahalagang paraan ng pag-generalize ng mga kaisipan ng manunulat, na ipinahayag sa pamamagitan ng pandiwang paglalarawan ng mga kathang-isip na karakter sa kanilang mga indibidwal na aksyon at relasyon, kabilang ang mga paggalaw ng kaisipan, "mga kilos" ng isang tao o bagay, isang binibigkas o "imagined" na salita. Batay sa teorya ng may-akda na si B. Corman, kasama ang isang pormal na substantibong pag-unawa sa balangkas, bilang isang hanay ng mga elemento ng "teksto, na pinag-isa ng isang karaniwang paksa (ang isa na nakakaunawa at naglalarawan) o isang karaniwang bagay (na nakikita at inilalarawan)”; "ang akda sa kabuuan ay isang pagkakaisa ng maraming plot ng iba't ibang antas at volume, at sa prinsipyo ay walang isang yunit ng teksto na hindi kasama sa isa sa mga plot" (Korman B. Ang integridad ng isang akdang pampanitikan at isang eksperimentong diksyunaryo ng mga terminong pampanitikan // Mga problema sa kasaysayan ng kritisismo at poetics ng realismo (Kuibyshev, 1981, p. 42). Kaya, maaari nating ipagpalagay na ang isang pantay na yunit ng plot ay maaaring maging isang post-text na elemento, isang supertext, isang subtext, at isang metatext. Dapat tandaan na ito ay kaugalian na pag-usapan ang ugnayan sa pagitan ng plot at plot higit sa lahat na may kaugnayan sa isang epikong gawa. Dahil sa klasikal na drama ang direktang salita ng may-akda sa dramatikong teksto ay hindi gaanong mahalaga, ang balangkas ng dramatikong gawain ay mas malapit hangga't maaari sa pagkakasunod-sunod ng balangkas. Ang balangkas ay maaaring maunawaan bilang materyal na nauuna sa komposisyon ng dula (halimbawa, isang alamat para sa isang sinaunang trahedya), o bilang nakabalangkas na mga kaganapan ng dula - pagganyak, mga salungatan, resolusyon, denouement - sa dramatikong (kondisyon) na espasyo/panahon. Ngunit ang balangkas sa kasong ito ay hindi sumasaklaw sa teksto ng dula mismo, mula noong ikadalawampu siglo. Ang elemento ng pagsasalaysay, sa likod kung saan nakatayo ang imahe ng may-akda na nagwawasto sa balangkas, ay lalong sumasalakay sa diyalogo at monolohikal na pananalita ng mga karakter. At siyempre, hindi nito masakop ang teksto ng produksyon ng dula sa teatro. (Ang modernong teatro ay nagpapahayag, nagpapaliwanag at naglalahad hindi ng balangkas, ngunit ang balangkas (sa interpretasyon ng may-akda) ng isang dramatikong akda. Dahil ang balangkas ng isang drama noong ikadalawampu siglo ay hindi lamang ilang hanay ng mga pangyayari sa buhay panlipunan, na kinokopya ang kanilang tunay pagkakasunud-sunod, ngunit isang tiyak na plano ng may-akda, kung saan ang kanyang mga saloobin tungkol sa lipunan ng tao ay ipinahayag.Sa proseso ng paggawa sa dula, ang balangkas ay nasa isang estado ng patuloy na pag-unlad, hindi lamang sa antas ng edisyon at teksto ng ang dula, ngunit din sa antas ng proseso ng pagtatanghal at pag-arte: pagpili ng mga eksena, trabaho sa papel at pagganyak ng mga aksyon ng mga karakter, koordinasyon ng iba't ibang mga sining ng pagganap, atbp. Upang lumikha ng isang balangkas para sa isang produksyon mula sa balangkas ng isang dula ay nangangahulugang magbigay ng interpretasyon (ng teksto para sa direktor at ang pagtatanghal para sa manonood), nangangahulugan ito ng pagpili ng isang tiyak na konsepto na nauugnay sa paglalagay ng mga punto. ibig sabihin, ngunit bilang isang dramatiko, mapaglaro, hermeneutikong pagpili. Kaya, masasabi natin na kung ang dramatikong balangkas (pati na rin ang epiko) ay sapat sa teksto ng dula, kung gayon ang dula-dulaan ay hindi maituturing bilang isang invariant ng ang teksto, ito ay nasa bawat bagong produksyon sa isang pagtatayo ng estado.

Tauhan, bayani, karakter, larawan –

1. Tauhan (persona /lat./ - maskara, mukha: personahe /Pranses/; tauhan /Ingles/; Figure /Aleman/; personaje /Spanish/) - sa sinaunang teatro ng Griyego persona - maskara, papel na ginagampanan ng isang aktor. Nahiwalay ang aktor sa kanyang karakter; siya lamang ang tagapalabas nito, hindi ang embodiment nito. Ang kasunod na ebolusyon ng teatro ay nauugnay sa pagkakakilanlan ng epektibong pag-andar ng karakter, na may tagpo ng konsepto ng karakter sa konsepto ng karakter, na tumutulong sa konsepto ng "karakter" upang maisama ang isang tiyak na panlipunan, sikolohikal at moral. kakanyahan ng bayani. Ang aktor at ang karakter ay hindi magkatulad, bagama't sa dula ay maaari nilang impluwensyahan ang isa't isa. Sa iba't ibang mga panahon ng pag-unlad ng kasaysayan, ang karakter ay kinakatawan bilang isang tiyak na holistic na artistikong imahe, isang indibidwal, isang uri, isang paksa ng aksyon, nakikilahok sa mga kaganapan ng drama, diumano'y independiyenteng ng playwright, sa loob ng balangkas ng kanyang socio- sikolohikal na determinismo. Ang karakter ay natutukoy sa pamamagitan ng kanyang kakanyahan (trahedya, komiks, atbp.), kalidad (kuripot, mistropy, tapang, atbp.), Isang hanay ng mga pisikal at moral na katangian - papel. Sa drama ng ikadalawampu siglo. ang karakter ay nakakakuha ng isang bilang ng mga bagong katangian na nag-uugnay sa kanyang imahe sa imahe ng may-akda, na may sariling katangian o intertextual na konteksto ng aktor (sa mga tuntunin ng paglalaro ng "teatro sa loob ng isang teatro", atbp.).

2. Bayani (heros /Greek/ - demigod o deified person) - isang masining na imahe, isa sa mga pagtatalaga ng holistic na pag-iral ng isang tao sa kabuuan ng kanyang hitsura, paraan ng pag-iisip, pag-uugali at espirituwal na mundo sa sining ng mga salita . Sa drama, simula sa sinaunang panahon, ang isang bayani ay isang uri ng karakter na pinagkalooban ng pambihirang lakas at kapangyarihan, ang kanyang mga aksyon ay dapat magmukhang kapuri-puri, ang kanyang kapalaran ay resulta ng malayang pagpili, siya mismo ang lumikha ng kanyang posisyon at humaharap sa pakikibaka at moral na tunggalian, pananagutan niya ang kanyang pagkakasala o pagkakamali. Ang isang kabayanihan ay umiiral lamang kapag ang mga kontradiksyon ng dula (sosyal, sikolohikal o moral) ay ganap na nakapaloob sa kamalayan ng bayani at ang kamalayang ito ay isang microcosm ng dramatikong uniberso. Sa kasong ito, ang konsepto ng "bayani" ay bumubuo ng isang theatrical role - hero/heroine (katulad ng konsepto ng "protagonist"). Mula noong ika-19 na siglo. Ang isang bayani ay tinatawag na parehong trahedya at isang komiks na karakter. Nawawala ang kahalagahan nito bilang isang modelo at nakakuha lamang ng isang kahulugan: ang pangunahing katangian ng isang dramatikong akda. Ang bayani ay maaaring negatibo, kolektibo (ang mga tao sa ilang makasaysayang drama), mailap (theater of the absurd), kahit na nasa labas ng entablado. Ang modernong bayani ay hindi na makakaimpluwensya sa mga kaganapan; wala siyang posisyon tungkol sa katotohanan. Mula noong ika-19 na siglo at sa modernong teatro ang bayani ay maaaring umiral sa pagkukunwari ng kanyang ironic at nakakatakot na doble - ang antihero. Dahil ang mga halagang pinahahalagahan ng klasikong bayani (protagonist) ay maaaring bumaba sa halaga o itinapon, ang antihero ay lumilitaw bilang ang tanging alternatibo upang ilarawan ang mga aksyon ng tao. Sa Brecht, halimbawa, ang tao ay lansag, nababawasan sa estado ng isang indibidwal, panloob na kontradiksyon at isinama sa isang kasaysayan na tumutukoy sa kanyang buhay nang higit pa kaysa sa kanyang pinaghihinalaan. Ang bayani ay hindi makaligtas sa muling pagtatasa ng mga halaga at sa pagkabulok ng kanyang sariling kamalayan, at upang mabuhay, siya ay pinilit na magmukhang isang antihero (ang isang antihero ay katulad ng isang marginal na bayani).

3. Imahe (artistic) - isang kategorya ng aesthetics na nagpapakilala sa isang espesyal na paraan ng mastering at pagbabago ng katotohanan, likas lamang sa sining. Ang isang imahe ay anumang kababalaghan na malikhaing nilikha muli sa isang gawa ng sining. Ang artistikong pagtitiyak ng isang imahe ay natutukoy hindi lamang sa pamamagitan ng katotohanan na ito ay sumasalamin at nauunawaan ang umiiral na katotohanan, ngunit din sa pamamagitan ng katotohanan na ito ay lumilikha ng isang bago, hindi pa nagagawang kathang-isip na mundo. Sa isang masining na imahe, nakakamit ang isang malikhaing pagbabago ng totoong materyal: mga kulay, tunog, salita, atbp. ang isang solong "bagay" ay nilikha (teksto, pagpipinta, pagganap), na sumasakop sa espesyal na lugar nito sa mga bagay ng totoong mundo. Ang imahe ng entablado ay malapit sa pinakamalawak na pag-unawa sa kategoryang aesthetic bilang isang anyo ng pagmuni-muni at pagbabago ng katotohanan sa pamamagitan ng paraan ng sining ng teatro. Sa isang makitid na kahulugan, ang imahe sa entablado ay nauunawaan bilang ang tiyak na nilalaman ng masasalamin na kababalaghan ng katotohanan, na muling nilikha ng playwright, direktor, aktor, artista, isang larawan ng buhay, karakter, karakter. Kasama sa konsepto ng imahe sa entablado, una sa lahat, ang imahe ng buong pagtatanghal, ang artistikong integridad at pakikipag-ugnayan ng lahat ng mga bahagi nito na pinagsama ng plano ng direktor at ang pagpapatupad nito, at sa isang mas makitid na kahulugan, ito ay ang imahe-character na nilikha ng ang aktor. Ang imahe ay gumaganap ng isang mas makabuluhang papel sa modernong theatrical practice, dahil ito ay laban sa hubad na teksto, plot o aksyon. Sa pamamagitan ng pagkuha ng visual na katangian ng pagtatanghal, ang teatro ay lumilikha ng sarili nitong matalinghagang larawan. Ang isang produksyon ay palaging isang makasagisag na embodiment, ngunit ito ay higit pa o hindi gaanong haka-haka at "imagining" ang paksa ng theatrical diskurso; ang naisip na mundo ay lumilitaw dito sa pamamagitan ng paglikha ng mga imahe na lumalapit sa katotohanan. Ngayon ang eksena ay malapit sa isang tanawin o isang imahe ng isip; nagtagumpay ito sa panggagaya ng isang bagay o pagtatalaga nito. Ang pagkakaroon ng tumigil na maging isang "machine para sa paglalaro", ang teatro ay nagsusumikap na maging isang "machine para sa mga pangarap", i.e. sa ilang mga lawak ay bumalik sa sinaunang syncretic na imahe ng pratheater, kung saan ang subtext ng kahulugan sa imahinasyon at kamalayan ng manonood ay higit na mas malaki kaysa sa hindi pangkaraniwang bagay na inilalarawan.

4. Tauhan (karahter /Greek/ – imprinted feature) – ang imahe ng isang tao sa isang akdang pampanitikan, kung saan parehong nakakondisyon sa lipunan at kasaysayan ang uri ng pag-uugali, kilos, kaisipan, pananalita, atbp., at ang moral at aesthetic na likas. sa may-akda ay inihayag ang konsepto ng pagkakaroon ng tao. Ang mga tauhan sa dula ay kombinasyon ng pisikal, sikolohikal at moral na katangian ng isang partikular na karakter. Malinaw na ipinakikita ng karakter ang sarili sa drama ng Renaissance at Classicism, natanggap ang buong pag-unlad nito noong ika-19 na siglo, sa panahon ng burges na indibidwalismo, at umabot sa rurok nito sa sining ng modernismo at sikolohiya. Ang pagtrato nang walang tiwala sa indibidwal, ang negatibong paksang ito ng burgesismo, avant-garde na sining ay nagsusumikap na malampasan ito, gayundin na lumampas sa mga limitasyon ng sikolohiya at makahanap ng mga relasyon sa pagitan ng mga uri at kamalayan na "hindi nakabalangkas at post-indibidwal". Ang karakter ay ang muling ginawang malalim na katangian ng isang kapaligiran o panahon. Kabalintunaan na ang panitikan o kritikal na pagsusuri ng isang karakter ay humahantong sa isang halos gawa-gawang paglikha sa kanya, kasing totoo at totoo ng mga taong nakakasalamuha natin sa pang-araw-araw na buhay. Ang "ideal" na karakter ay nagpapanatili ng balanse sa pagitan ng indibidwal (sikolohikal at moral) na mga katangian at sosyohistorikal na pagpapasiya. Pinagsasama ng isang stage-effective na karakter ang universality sa individuality, kaya pinapayagan ang paghahambing na gawin sa bawat isa sa atin. Para sa lihim ng anumang teatro na karakter ay na siya ay pareho sa amin (nakikilala namin ang aming sarili sa kanya sa sandali ng catharsis), at siya ay naiiba (pinananatili namin siya sa isang magalang na distansya mula sa ating sarili).

Ang dula (Old Greek drama - action) ay isang uri ng panitikan na sumasalamin sa buhay sa mga aksyong nagaganap sa kasalukuyan.

Ang mga dramatikong gawa ay inilaan para sa produksyon sa entablado; tinutukoy nito ang mga partikular na tampok ng drama:

1) kakulangan ng larawang nagsasalaysay-naglalarawan;

3) ang pangunahing teksto ng isang dramatikong gawain ay ipinakita sa anyo ng mga replika ng mga tauhan (monologo at diyalogo);

4) ang dula bilang isang uri ng panitikan ay walang iba't ibang masining at biswal na paraan gaya ng epiko: pananalita at aksyon ang pangunahing paraan ng paglikha ng imahe ng isang bayani;

5) ang dami ng teksto at oras ng pagkilos ay limitado sa entablado;

6) ang mga kinakailangan ng sining sa entablado ay nagdidikta ng isang tampok ng drama bilang isang tiyak na pagmamalabis (hyperbolization): "pagmamalabis ng mga kaganapan, pagmamalabis ng mga damdamin at pagmamalabis ng mga expression" (L.N. Tolstoy) - sa madaling salita, theatrical showiness, nadagdagan ang pagpapahayag; ramdam ng manonood ng dula ang conventionality ng mga nangyayari, na sinabi ni A.S. Pushkin: "ang pinaka kakanyahan ng dramatikong sining ay hindi kasama ang verisimilitude... kapag nagbabasa ng tula, isang nobela, madalas nating makalimutan ang ating sarili at naniniwala na ang insidente na inilarawan ay hindi kathang-isip, ngunit ang katotohanan. Sa isang oda, sa isang elehiya, maaari nating isipin na ang makata ay naglalarawan ng kanyang tunay na damdamin, sa totoong mga pangyayari. Ngunit nasaan ang kredibilidad sa isang gusali na nahahati sa dalawang bahagi, ang isa ay puno ng mga manonood na sumang-ayon atbp.

Ang dula (sinaunang Griyego δρᾶμα - gawa, aksyon) ay isa sa tatlong uri ng panitikan, kasama ang epiko at liriko na tula, na sabay na nabibilang sa dalawang uri ng sining: panitikan at teatro. Inilaan para sa paglalaro sa entablado, ang drama ay pormal na naiiba sa epiko at liriko na tula dahil ang teksto dito ay ipinakita sa anyo ng mga pahayag ng mga tauhan at mga pahayag ng may-akda at, bilang panuntunan, ay nahahati sa mga aksyon at phenomena. Kasama sa drama sa isang paraan o iba pa ang anumang akdang pampanitikan na binuo sa isang dialogical na anyo, kabilang ang komedya, trahedya, drama (bilang isang genre), komedya, vaudeville, atbp.

Mula noong sinaunang panahon, ito ay umiral sa alamat o pampanitikang anyo sa iba't ibang mga tao; Ang mga sinaunang Griyego, sinaunang Indian, Chinese, Japanese, at American Indian ay lumikha ng kanilang sariling mga dramatikong tradisyon nang hiwalay sa isa't isa.

Literal na isinalin mula sa sinaunang Griyego, ang drama ay nangangahulugang "aksyon."

Mga Uri ng Dula trahedya drama (genre) drama para sa pagbabasa (play para sa pagbabasa)

Melodrama hierodrama mystery comedy vaudeville farce zaju

Kasaysayan ng drama Ang simula ng drama ay nasa primitive na tula, kung saan ang mga huling elemento ng liriko, epiko at drama ay pinagsama kaugnay ng musika at mga galaw ng mukha. Mas maaga kaysa sa iba pang mga tao, ang drama bilang isang espesyal na uri ng tula ay nabuo sa mga Hindu at Griyego.

Mga sayaw ng Dionysian

Ang dramang Griyego, ang pagbuo ng mga seryosong relihiyosong-mitolohikal na mga balangkas (trahedya) at mga nakakatawang iginuhit mula sa modernong buhay (komedya), ay umabot sa mataas na pagiging perpekto at noong ika-16 na siglo ay isang modelo para sa European drama, na hanggang sa panahong iyon ay walang sining na tinatrato ang mga relihiyoso at pagsasalaysay ng mga sekular na plot (mga misteryo, mga drama sa paaralan at mga sideshow, fastnachtspiel, sottises).

Ang mga manunulat ng dulang Pranses, na ginagaya ang mga Griyego, ay mahigpit na sumunod sa ilang mga probisyon na itinuturing na hindi nababago para sa estetikong dignidad ng drama, tulad ng: pagkakaisa ng panahon at lugar; ang tagal ng episode na inilalarawan sa entablado ay hindi dapat lumampas sa isang araw; ang aksyon ay dapat maganap sa parehong lugar; ang drama ay dapat na bumuo ng tama sa 3-5 na mga gawa, mula sa simula (paglilinaw ng paunang posisyon at mga karakter ng mga karakter) hanggang sa gitnang pagbabago (pagbabago ng mga posisyon at relasyon) hanggang sa denouement (karaniwang isang sakuna); ang bilang ng mga character ay napakalimitado (karaniwan ay mula 3 hanggang 5); ang mga ito ay eksklusibo ang pinakamataas na kinatawan ng lipunan (mga hari, reyna, prinsipe at prinsesa) at ang kanilang mga pinakamalapit na tagapaglingkod-pinagkakatiwalaan, na ipinakilala sa entablado para sa kaginhawaan ng pagsasagawa ng diyalogo at paghahatid ng mga pangungusap. Ito ang mga pangunahing tampok ng French classical drama (Cornel, Racine).

Ang higpit ng mga kinakailangan ng klasikal na istilo ay hindi na naobserbahan sa mga komedya (Molière, Lope de Vega, Beaumarchais), na unti-unting lumipat mula sa kombensiyon patungo sa paglalarawan ng ordinaryong buhay (genre). Libre mula sa mga klasikal na kombensiyon, ang gawa ni Shakespeare ay nagbukas ng mga bagong landas para sa drama. Ang pagtatapos ng ika-18 at ang unang kalahati ng ika-19 na siglo ay minarkahan ng paglitaw ng mga romantikong at pambansang drama: Lessing, Schiller, Goethe, Hugo, Kleist, Grabbe.

Sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, ang realismo ang pumalit sa European drama (Dumas fils, Ogier, Sardou, Palieron, Ibsen, Sudermann, Schnitzler, Hauptmann, Beyerlein).

Sa huling quarter ng ika-19 na siglo, sa ilalim ng impluwensya nina Ibsen at Maeterlinck, nagsimulang sakupin ng simbolismo ang yugto ng Europa (Hauptmann, Przybyszewski, Bar, D'Annunzio, Hofmannsthal).

Disenyo ng isang dramatikong gawain Hindi tulad ng iba pang akdang tuluyan at patula, ang mga dramatikong akdang may mahigpit na tinukoy na istraktura. Ang isang dramatikong akda ay binubuo ng mga salit-salit na bloke ng teksto, bawat isa ay may sariling layunin, at na-highlight ng palalimbagan upang mas madaling makilala ang mga ito sa isa't isa. Maaaring kasama sa dramatikong teksto ang mga sumusunod na bloke:

Ang listahan ng mga character ay karaniwang matatagpuan bago ang pangunahing teksto ng trabaho. Kung kinakailangan, nagbibigay ito ng maikling paglalarawan ng bayani (edad, hitsura, atbp.)

Panlabas na pananalita - isang paglalarawan ng aksyon, sitwasyon, hitsura at pag-alis ng mga tauhan. Madalas na nai-type alinman sa pinaliit na laki, o sa parehong font tulad ng mga replika, ngunit sa mas malaking format. Ang mga panlabas na pahayag ay maaaring kasama ang mga pangalan ng mga bayani, at kung ang bayani ay lilitaw sa unang pagkakataon, ang kanyang pangalan ay karagdagang naka-highlight. Halimbawa:

Isang silid na tinatawag pa ring nursery. Ang isa sa mga pinto ay patungo sa silid ni Anya. madaling araw, sisikat na ang araw. Mayo na, namumulaklak ang mga puno ng cherry, ngunit malamig sa hardin, umaga na. Nakasara ang mga bintana sa kwarto.

Pumasok si Dunyasha na may dalang kandila at si Lopakhin na may hawak na libro.

Ang mga replika ay ang mga salitang binibigkas ng mga tauhan. Ang mga tugon ay dapat na unahan ng pangalan ng karakter at maaaring may kasamang panloob na mga komento. Halimbawa:

Dunyasha. Akala ko umalis ka na. (Listens.) Mukhang papunta na sila.

Lopakhin (nakikinig). Hindi... Kunin ang iyong bagahe, ito at iyon...

Ang mga panloob na pangungusap, hindi tulad ng mga panlabas, ay maikling naglalarawan ng mga aksyon na nagaganap sa panahon ng pagbigkas ng bayani ng isang linya, o ang mga tampok ng pagbigkas. Kung ang ilang kumplikadong aksyon ay nangyari sa panahon ng pagbigkas ng isang cue, dapat mong ilarawan ito gamit ang isang panlabas na cue, habang ipinapahiwatig alinman sa pangungusap mismo o sa pangungusap gamit ang isang panloob na pangungusap na ang aktor ay patuloy na nagsasalita sa panahon ng aksyon. Ang panloob na pangungusap ay tumutukoy lamang sa isang tiyak na kopya ng isang partikular na aktor. Ito ay pinaghihiwalay mula sa replica sa pamamagitan ng mga bracket at maaaring i-type sa italics.

Ang dalawang pinakakaraniwang paraan ng pagdidisenyo ng mga dramatikong gawa ay libro at cinematic. Kung sa isang format ng libro, maaaring gamitin ang iba't ibang estilo ng font, iba't ibang laki, atbp. upang paghiwalayin ang mga bahagi ng isang dramatikong gawa, kung gayon sa mga cinematic na script ay kaugalian na gumamit lamang ng isang monospaced typewriter na font, at upang paghiwalayin ang mga bahagi ng isang akda, gamitin spacing, typesetting para sa iba't ibang format, typesetting para sa lahat ng capitalization, space, atbp. - iyon ay, ang mga pasilidad lamang na available sa isang typewriter. Pinahintulutan nito ang mga pagbabago sa script na magawa nang maraming beses sa panahon ng produksyon habang pinapanatili ang pagiging madaling mabasa .

Drama sa Russia

Ang drama sa Russia ay dinala mula sa Kanluran sa pagtatapos ng ika-17 siglo. Ang malayang dramatikong panitikan ay lumitaw lamang sa pagtatapos ng ika-18 siglo. Hanggang sa unang quarter ng ika-19 na siglo, nangingibabaw ang klasikal na direksyon sa drama, kapwa sa trahedya at sa comedy at comedy opera; pinakamahusay na mga may-akda: Lomonosov, Knyazhnin, Ozerov; Ang pagtatangka ni I. Lukin na maakit ang atensyon ng mga manunulat ng dula sa paglalarawan ng buhay at moral ng Russia ay nanatiling walang kabuluhan: ang lahat ng kanilang mga dula ay walang buhay, stilted at alien sa realidad ng Russia, maliban sa sikat na "Minor" at "Brigadier" ni Fonvizin, "Sneak" ni Kapnist at ilang komedya ni I. A. Krylov .

Sa simula ng ika-19 na siglo, ang Shakhovskaya, Khmelnitsky, Zagoskin ay naging mga imitator ng magaan na French drama at comedy, at ang kinatawan ng stilted patriotic drama ay ang Puppeteer. Ang komedya ni Griboyedov na "Woe from Wit", kalaunan ay "The Government Inspector", ang "Marriage" ni Gogol, ay naging batayan ng pang-araw-araw na drama ng Russia. Pagkatapos ng Gogol, kahit na sa vaudeville (D. Lensky, F. Koni, Sollogub, Karatygin) ay may kapansin-pansing pagnanais na mapalapit sa buhay.

Nagbigay si Ostrovsky ng isang bilang ng mga kahanga-hangang makasaysayang salaysay at pang-araw-araw na komedya. Pagkatapos niya, ang dramang Ruso ay nakatayo sa matibay na lupa; ang pinakatanyag na mga manunulat ng dula: A. Sukhovo-Kobylin, I. S. Turgenev, A. Potekhin, A. Palm, V. Dyachenko, I. Chernyshev, V. Krylov, N. Ya. Solovyov, N. Chaev, gr. A. Tolstoy, gr. L. Tolstoy, D. Averkiev, P. Boborykin, Prinsipe Sumbatov, Novezhin, N. Gnedich, Shpazhinsky, Evt. Karpov, V. Tikhonov, I. Shcheglov, Vl. Nemirovich-Danchenko, A. Chekhov, M. Gorky, L. Andreev at iba pa.