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Internationales Festival„Sterne der weißen Nächte“ begannen dieses Jahr mit der Uraufführung von Pjotr ​​Tschaikowskis Oper „Die Pique Dame“ unter der Regie von Alexey Stepanyuk. Drei Uraufführungen fanden vom 27. bis 29. Mai statt neue Bühne Mariinski-Theater, was das Publikum in Staunen versetzt. Der Regisseur ging sorgfältig mit der Partitur und dem Libretto um und inszenierte die Aufführung, als hätte er gruselige Informationen aus Newsfeeds auf die Bühne übertragen.

Spiele für Erwachsene

Was ist unser Leben? Oberflächlich betrachtet ist die Antwort natürlich ein Spiel. Wir spielen mit Liebe und Loyalität (bis zur ersten Versuchung), mit Politik (bis ein Schuss unerwartet auf einer Brücke oder in einem Eingang ertönt, je nach Glück), mit Seriosität (bis zur ersten Übertragung von Malakhov oder Gordon). Erwachsene haben viele Spiele, vom Spielen an der Börse bis zum Spielen menschliche Schicksale. Und der Verlierer? Er weint, das ist sein Schicksal. Der Gewinner kann sich jedoch in einem Moment an der Stelle desjenigen wiederfinden, der gerade gewonnen hat.

„The Queen of Spades“ von Alexey Stepanyuk handelt von solchen Spielen.

Grausam und gnadenlos. Es scheint, dass es dem Regisseur nie in den Sinn gekommen ist, die Aufführung näher an unsere Zeit zu verlegen, und es hatte auch keinen Sinn, dies zu tun. Nein, es handelt sich um die Zeiten, die in Puschkins Geschichte beschrieben werden, die zur Grundlage des Librettos von Modest Tschaikowski wurde. Vor uns liegt „das neunzehnte Jahrhundert, das eiserne“, wie der Dichter darüber schrieb. Aber – auch hier können wir nicht auf ein Zitat verzichten: „In der Vergangenheit reift die Zukunft.“

In Stepanyuks Auftritt „reift“ vieles, oder besser gesagt, viele.

Von Rodion Romanovich Raskolnikov bis zu den verrückten Politikern unseres Jahrhunderts. Sie alle sind mit einem Virus infiziert – dem Virus der Macht. Jeder will das „Recht zu haben“. Und das sind bei weitem nicht die gleichen Charaktere, die über die Tränen eines Kindes nachdenken. Gefühle beeinträchtigen Spiele für Erwachsene.

„Ich habe ein Gefühl für dich…“

Stepanjuk prophezeite für sich selbst die „Pik-Dame“, verzauberte sie und führte sie aus. Vor anderthalb Jahren mit dem gleichen Team ( Musikdirektor Produktionen Valery Gergiev, Künstler Alexander Orlow Und Irina Cherednikova) inszenierte er das ergreifende und zarte „Eugen Onegin“ auf der neuen Bühne des Mariinsky-Theaters. Eine Aufführung, in der es Liebe gab, aber kein Glück, Frieden, aber keinen Willen, in der Augustäpfel nach Kindheit dufteten.

In diesem „Eugen Onegin“ erschien im dritten Akt, in der Szene des Greminsky-Balls, wo der souveräne Fluss der Newa durch die Fenster sichtbar war, eine Figur, die nicht dort gewesen sein konnte. Sie war eine trockene und elegante Dame, sehr alt und erinnerte an eine Figur aus einem berühmten Stich von Goya. Gräfin Anna Fedotowna? Nun ja, das ist sie.

Der Direktor beschwor einen Geist wie bei einer Séance Pik-Dame, also erschien sie.

Zuerst zu ihm und dann zu Herman. Dem Erfolg von Eugen Onegin folgte das Angebot, „Die Pik-Dame“ zu inszenieren.

Allerdings ist in der Neuinszenierung des Mariinsky-Theaters nicht alles so einfach. Eigentlich tut Stepanyuk das einfach nie. Die Inszenierung ist wie ein Morgengarten im Nebel in einen Dunst aus Assoziationen gehüllt. Jede Szene der Aufführung provoziert und erfordert Anspannung von Herz und Geist. Es ist, als würden wir von Erinnerungen an Dostojewskis Leidenschaften zu Freuds Theorien eilen, wir ersticken vor Zärtlichkeit in der Szene von Polina und Lisa in deren Zimmer und fangen die Motive der Studenten der Welt der Künste ein, wir sehen das galatische Zeitalter in den Träumen von Konstantin Somov. Es ist kein Zufall, dass der Bühnenbildner diese Episode in einen vergoldeten Rahmen zu hüllen schien.

Vor uns liegt ein schreckliches Petersburg, eine mystische Stadt mit Schatten, eine Stadt, die unglaublich schön ist und Einsamkeit hervorruft.

Existenzielle Stadt. Alexander Orlow sah ihn durch schwarze Säulen und Tüll, durch lebende goldene Statuen. In dieser Szenografie liegt eine Art Thanatos-Poesie, ein Charme des Verblassens und eine Sehnsucht nach dem Licht.

Das ist die Interpretation des Regisseurs, und in diesem Sinne hat er einen Verbündeten. Dies ist der musikalische Leiter der Produktion Valery Gergiev. Wie tragisch, wie mystisch klingt das Orchester unter seiner Leitung! Gergiev scheint die Tragödie, die sich auf der Bühne abspielt, durch sein eigenes Herz gehen zu lassen.

Die Arbeit des Orchesters in dieser Aufführung ist auch eine Art musikalische Psychoanalyse.

Es gibt noch eine weitere Ebene in dieser mysteriösen Inszenierung (sind Puschkins Geschichte und Tschaikowskys Musik nicht mysteriös?). Das ist fast eine schmerzhafte Ironie des Regisseurs. Ironie, das heißt „eine Krankheit, die den geistigen und körperlichen Ärzten unbekannt ist“, wenn der Patient darüber lacht und niemand weiß, was er als nächstes tun wird.

Wird er Essigessenz trinken und verrückt werden? Die klügsten und talentiertesten Menschen aus den ersten Jahren des letzten Jahrhunderts, als in Russland die Zeitlosigkeit begann, waren unter denen, die an dieser Krankheit litten. Und wie ironisch der Regisseur seine Helden betrachtet! Wie sehr es ihnen schmerzt...

Kartenhaus

Die Aufführung beginnt schweigend. Ein Junge mit Dreispitz geht über das Proszenium, ruhig und nicht kindisch gelassen. Und in der Mitte angekommen, baut er ein Haus – ein Kartenhaus. Ein fragiles Haus, noch fragiler als ein Haus auf Sand. Dieses Kartenhaus wird uns während der gesamten Aufführung weiterhin an das Spiel erinnern.

Die Liebesgeschichte zwischen Lisa (Irina Churilova) und German (Maxim Aksenov) läuft irgendwie nicht gut.

Zunächst legt der Regisseur den Schwerpunkt so, dass der Zuschauer das Gefühl hat, dass es nicht um Hermans Wunsch geht, Lisa zu heiraten und die soziale Leiter zu erklimmen. Gräfin ( Maria Maksakova) erregt ihn mehr; in den Szenen mit ihr ist dieser Mann mit dem Profil Napoleons (oh, was für eine nicht zufällige Bemerkung!) aufrichtiger und wirkungsvoller. Die Gräfin ist diejenige, die bei der Umsetzung der Pläne helfen kann. Und sie sind überhaupt nicht ehelich.

Der Held von Maxim Aksenov ist neurasthenisch, er hetzt umher, all dies wird sowohl durch Plastizität als auch durch stimmliche Ausdruckskraft unterstrichen. Bereits in der Szene seines ersten Treffens mit Lisa erreicht der Sänger ein hohes emotionales Niveau. Er verbringt fast die gesamte Aufführung in einem angespannten Zustand, er ist eine zusammengedrückte Feder, die sich erst in der Szene in seinem Zimmer entspannt, als er die Gräfin sieht.

Wie immer bei Alexey Stepanyuk baut er den Künstlern tadellos ein psychologisches Bildgerüst auf. Er führt German-Aksenov von einer fixen Idee fast zu deren Umsetzung, als das Delirium für kurze Zeit zur Realität wird.

Wie unerwartet hat sich der Regisseur für das Bild der Gräfin entschieden! Die Frau, die mit Saint Germain befreundet war, kann nicht gewöhnlich sein. Sie ist jung und altersschwach zugleich, sie hat immer noch ein recht attraktives Aussehen, aber einen Gang, der an die Parkinson-Krankheit erinnert. Wer weiß, ob Saint Germain ihr vielleicht ein Rezept für ewige Jugend gegeben hat?

Maria Maksakova hat leider kein aristokratisches Erscheinungsbild, passt genau in die vom Regisseur gesetzten Bildgrenzen und stimmlich ist die Rolle anständig gelungen. Als sie Herman sieht, fallen ihr offensichtlich als Erstes Amors Pfeile ein.

Es ist beängstigend, seine Jugend und Schönheit zu verlieren, es ist beängstigend, kalte Neugier in den Augen seines Gegenübers zu sehen.

Aber was braucht Herman wirklich, was hat der Regisseur in Tschaikowskys Oper gesehen? „Da liegen haufenweise Gold, und sie gehören mir – mir allein!“ - Nach diesem Satz fügte sich das Puzzle zusammen. Gold ist kein Ziel, Gold ist ein Mittel, ein Mittel zur Errichtung einer Diktatur, Ihrer Kontrolle über Menschen.

Ein Mann mit Napoleons Profil „sieht Napoleons an.“ Oh, wie viele dieser „Napoleons“ schauen uns fast täglich von Fernsehbildschirmen aus an, wie verachten sie „kleine Leute“. Macht ist für einen bestimmten Psychotyp attraktiv, aber es ist ein Spiel, bei dem oft das Leben auf dem Spiel steht. Die Gräfin ist tot, die naive Lisa – von ihr ist nur noch eine Hülle übrig. Wie eine Schlafwandlerin geht sie langsam zwischen den Spielern hindurch, am Spieltisch vorbei. Wo?..

Und im Finale geht der Junge mit dem Dreispitz wieder langsam, so ein kleiner, allwissender und verständnisvoller alter Mann.

Irgendwie berührt er Hermans Gesicht sanft mit seiner Hand und schließt die Augen. Die reine Kinderseele scheint die sündige Seele Hermans zu vertreiben.

„The Queen of Spades“ hinterlässt einen Nachgeschmack, ein wenig Bitterkeit und ein wenig unbekannte Gewürze. Ich möchte danach nicht mit dem Spielen beginnen, ich möchte in aller Ruhe über die banalsten Dinge nachdenken – die Klänge der Harfe, ruhiger Abend, die Kühle des Sommergartens. Über diese geheimnisvolle Stadt, in der verschiedene Dinge passieren seltsame Geschichten- so verlockend, aber trügerisch, schwer fassbar, wo Luxus in einen düsteren Palastbrunnen verwandeln kann. Und völlige Einsamkeit – schließlich sind sie alle, Lisa, Gräfin, Hermann, hoffnungslos allein.

Menschen wie Herman haben jedoch keine Angst vor der Einsamkeit. Ein Diktator ist immer allein. Er setzt seine Einsamkeit aufs Spiel, in der Hoffnung, die Bank zu sprengen.

Fotos mit freundlicher Genehmigung des Pressedienstes des Mariinsky-Theaters

Beeindruckende Überraschungen aus der Oper „Die Pique Dame“
Ich habe im Sommer im Mariinsky-Theater die Neufassung von Tschaikowskys Oper „Die Pique Dame“ gesehen und gehört und wusste, dass sie wunderschön, solide, fast traditionell war (inszeniert von Alexei Stepanyuk). Und die Besetzung der Künstler am 9. Januar dieses Jahres war attraktiv – Tatyana Pavlovskaya, Yulia Matochkina, Mikhail Vekua, Lyubov Sokolova. Sie waren es, mit Ausnahme von Mikhail Vekua, die ich im Juli hörte. Sie waren sehr gut. Obwohl ich am meisten daran interessiert war, zwei führenden Baritonen des Theaters zuzuhören – Vladislav Sulimsky als Graf Tomsky und Alexei Markov als Prinz Yeletsky. Ich hatte sie bereits auf Tonträgern gehört, wollte sie nun aber live im Theater hören. Kurz gesagt, ich habe keine besonderen Überraschungen erwartet, und wie sich herausstellte, war es vergebens! Graf Tomsky, gespielt von Vladislav Sulimsky, wurde wahrscheinlich die beste, farbenfrohste und einprägsamste Figur des Sängers unter seinen nicht weniger wunderbaren Helden dieser Saison - Mazepa aus gleichnamige Oper Tschaikowsky, Kovalev aus Schostakowitschs Oper „Die Nase“, Simon Boccanegra, Georges Germont und Amonasro aus Verdis „Simon Boccanegra“, „La Traviata“ und „Aida“!
Die Rolle des Grafen Tomsky hat die Aufführung wirklich aufgeheitert! In der Schneidersprache war es wie ein gut geschnittener und perfekt sitzender Anzug, er passte wie angegossen! Im ersten Akt ist Graf Tomsky von Vladislav Sulimsky ein raffinierter und selbstbewusster Mensch, so aktiv und energisch. In der letzten Szene des dritten Aktes gibt es einen fröhlichen Rabelaisschen Nachtschwärmer, praktisch einen russischen Porthos. Ein absolut lebendiger Charakter! Aber das Wichtigste ist der Gesang! Verspielt, leicht frivol, voller rein männlicher Witze, Tomskys Lied wurde von ihm so reich vorgetragen, dass man es endlos anhören kann! Und lachen Sie mit Vergnügen und freuen Sie sich, dass diese Rolle neue Facetten des immensen Talents der Sängerin eröffnet! Als Tomsky mit dem berühmten „Russischen Tanz und dann einer Kniebeuge“ begann, war das Publikum völlig begeistert! Und sein Zlatogor blieb nicht unbemerkt! Was für ein verführerischer Entertainer und lustiger Mann! Dieses fröhliche, anmutige Pastoral in der Ballszene ist bezaubernd! Alle darin sind wunderschön (Anna Denisova (Prilepa), Yulia Matochkina (Milovzor)) und Zlatogor ist einfach unwiderstehlich! So viel Humor, Begeisterung und Unfug!
Tomsky ist natürlich eine sehr prominente Figur in der Oper; er „rührt tatsächlich den ganzen Schlamassel auf“, indem er eine Geschichte über drei Karten erzählt, die auf den „losen Boden“ von Hermans entzündetem Bewusstsein fällt und dort fatale Wurzeln schlägt. führt dazu tragisches Ende. Aber nur das lebhafte Temperament des Interpreten kann es wiederbeleben. Und im Fall von Vladislav Sulimsky hatten wir, das Publikum, unglaubliches Glück! An so etwas kann ich mich bei der Pik-Dame im Juli nicht erinnern. Es gab ein Lied von Tomsky, lustig, und das ist alles ...
Fürst Jeletski von Alexej Markow ist eindeutig ein zurückhaltender, edler und „zugeknöpfter“ Prominenter. Und für ihn wirkt die Liebeserklärung an seine Braut, die in der berühmten Arie „Ich liebe dich, ich liebe dich unendlich ...“ erklingt, wie eine extreme Manifestation seiner Gefühle, die der Anstand zulässt. Sein Held zeichnete sich auch durch seine Weitsicht aus. Im 18. Jahrhundert war es für Aristokraten, die heirateten, sehr ungewöhnlich, dass sie sich für die Gefühle einer Frau interessierten, geschweige denn, sie selbst zu erleben und ihrer Braut nach der Verlobung freie Wahl zu lassen. Die Stimme von Alexey Markov klang in der Liebesarie stark und schön, mit den nötigen Modulationen. IN letzte Szene dritter Akt - sogar herrisch und wütend, als er beschloss, mit einem Gegner Karten zu spielen, der ihm die Ruhe genommen hatte glückliches Leben, damit, seiner Meinung nach, Emporkömmling Herman! In diesem Fragment war er besonders ausdrucksstark! Die führenden Baritonisten des Mariinski-Theaters haben die gestrige Aufführung von „Die Pik-Dame“ wirklich aufgeheitert!
Obwohl das Spiel des Fürsten Jeletski natürlich nicht so gewinnbringend ist wie das Spiel des Grafen Tomski! Es ist kleiner im Volumen, musikalisch und emotional spärlicher. Und da Vladislav Sulimsky am 30. Januar als dessen Darsteller bekannt gegeben wurde, habe ich versucht, ihn mir in dieser Rolle vorzustellen. Erstens dachte ich, dass es dasselbe ist, wenn man ihn dazu bringt, Fürst Jeletski zu singen, wenn er SO ein unwiderstehlicher Graf von Tomski ist, als würde man mit dem königlichen Siegel Nüsse knacken (wie es der Bettlerjunge tat, der sich an der Stelle des englischen Königs in Markus befand). Twains Geschichte „Der Prinz und der Bettler““)! Zweitens hatte ich das Gefühl, dass Fürst Jeletski von Wladislaw Sulimski so anders sein würde (es ist schließlich unmöglich, sein natürliches Temperament und seine Art der Gesangsdarbietung zu verbergen), dass viele im Publikum am Ende der Oper unwillkürlich eine Frage haben würden: Warum hat Liza ihren Bräutigam gegen einen neurasthenischen und geistesgestörten eingetauscht? Hermans Verstand? Und wie glücklich war ich, als bekannt wurde, dass Vladislav Sulimsky am 30. Januar erneut den Grafen Tomsky singen würde! Und ich wollte mich bei demjenigen bedanken, der diese Entscheidung getroffen hat!
Mikhail Vekua war ein ganz guter Hermann, obwohl er eher wie Wagners Siegfirid oder Loge klang, aber er sang beeindruckend mit einer starken Stimme. Sowohl Lisa (Tatyana Pavlovskaya) als auch Polina (Yulia Matochkina) waren zufrieden, es wurde charmant gesungen berühmtes Duett. Am beeindruckendsten war Lisas Arie am Ufer („Mitternacht naht, aber Herman ist immer noch nicht da ...“), sehr gefühlvoll und ehrfurchtsvoll vorgetragen! Als sie sich jedoch auf Wunsch des Direktors auf den Bürgersteig setzte, konnte ich nicht umhin, mich an den ewigen Matsch von St. Petersburg zu erinnern und mich über solche Handlungen einer Prominenten nicht zu wundern.
Und gestern überraschte mich die Szene im Schlafzimmer der Gräfin, wo sie sich an ihre Jugend erinnert. Aus irgendeinem Grund singt die Gräfin (Lyubov Sokolova) wie leise, was in einem Film wahrscheinlich normal wäre, aber in der riesigen Halle des neuen Mariinsky-Gebäudes ist das seltsam, weil lauter Gesang hier oft „aufgelöst“ wird Tiefen der Bühne, wenn sie sich in ihrer ganzen Tiefe entfaltet, wie zum Beispiel in den ersten beiden Akten dieser Inszenierung der Pik-Dame. Und dann ist im Saal ein deutlicher Mangel an Klang in den Stimmen der Sänger zu spüren, der teilweise zurückgeht, insbesondere wenn sich die Sänger vom Proszenium entfernen oder sich beim Singen zur Seite oder nach hinten drehen. Obwohl in der Schlafzimmerszene der Raum durch Dekorationen begrenzt war, die den Schall in den Flur reflektierten, half dies nicht. Und das Orchester „starb“ aufgrund des leisen Gesangs fast bis zu einem Mückenquietschen. Wenn Sie sich an diese Szene erinnern, die Obraztsova in der berühmten Aufnahme des Stücks mit Atlantov in der Rolle des Herman aufgeführt hat, fragen Sie sich, warum es notwendig war, die Aufführung dort zu ändern?
Und noch ein weiterer Gedanke, der mich während der gesamten Aufführung beschäftigte und mir schon vorher ein Rätsel bereitete. Warum begeistern die Stimmen mancher Sänger, man möchte ihnen endlos zuhören, sie rufen spirituelle Beklemmung, Freude hervor, manchmal sind diese Gefühle sogar beängstigend. Im Mariinsky-Theater sind das für mich die Stimmen von Vladislav Sulimsky, Tatyana Serzhan, Dmitry Voropaev, unter den Sängern der Vergangenheit – Pavel Lisitsian, Sergei Lemeshev, Mario Lanza... Und nicht weniger schön, starke Stimmen Schön Opernsänger Lassen Sie mich gleichgültig, obwohl ich intellektuell verstehe, dass sie gut singen. Und wir sprechen hier nicht von äußeren Manifestationen dramatischer Begabung, sondern vom Klang der Stimme, denn der gleiche Effekt tritt beim Anhören von Audioaufnahmen auf... In meiner Kindheit hat meine Familie viel über ein ähnliches Thema gesprochen – über das Gesang von Beniamino Gigli, Mario del Monaco und Mario Lanza. Die Antwort lag in der Emotionalität des Gesangsstils, aber sie fügten hinzu, dass da noch etwas anderes war ... Was? Vielleicht spielt es keine Rolle? Hauptsache, es gibt sie!

PETERSBURG TRÄUME – 2015

Nicht weniger ein Geheimnis als Carmen und Don Juan, "Pik-Dame" Tschaikowsky - ernsthafte Herausforderung für Intelligenz, Psyche und BerufNationales Können des Regisseurs, der dem heutigen Zuschauer-Zuhörer etwas Bedeutsames erzählen möchte. Zu schrecklich ist der Abgrund, in den Tschaikowsky blickt und jeden mitreißt, der ihn ernsthaft berührt.
Es ist nicht das erste Mal, dass Regisseur Alexey Stepanyuk und Bühnenbildner Alexander Orlov sich diesem wunderschönen und unheimlichen Abgrund nähern, um sein Geheimnis zu lüften. Und Valery Gergiev, der alle Symphonien, Ballette und Opern von Pjotr ​​Iljitsch dirigierte und Materie mit seinem eigenen Wesen spürt, könnte für „Die Pik-Dame“ wahrscheinlich mehr als ein Konzept liefern. Aber der Maestro hat die seltene Fähigkeit, sofort zu erkennen, was die Bühne ihm bietet – und oft sieht er aufgrund seiner übermenschlichen Geschäftigkeit das endgültige Bühnenprodukt erst in den letzten Tagen vor der Premiere. Ob das gut oder schlecht ist, ist eine andere Frage, aber das Anwesen selbst ist phänomenal: Der Maestro dirigiert die inszenierte Aufführung in der Regel genau so und nicht anders.
Das Bühnenbild von „Die Pik-Dame“ von Stepanyuk-Orlov ähnelt den Visionen oder Träumen eines Verrückten. Hermans Existenz ist aus vergänglichen Träumen gewoben, leidenschaftliche Wünsche, Komplexe, Ambitionen und Angst. (Nicht umsonst wiederholen die Tschaikowsky-Brüder im Libretto von „Die Pik-Dame“ den Satz „Ich habe Angst“ als bezaubernden Refrain und die höllische Schönheit des Orchesterrauschens und -klopfens, manchmal den Dunst eines klingenden Pianissimo haben eine stärkere Wirkung als dynamische Explosionen.) Die Anziehungskraft und der Widerstand des Todes, die schmerzhafte Liebesanziehung, der Durst nach Macht sind in dieser Performance zu einem zähflüssigen Ball verflochten. Alles lebt auf der Bühne im Schnellfeuermodus, als ob es in einem losgelösten Teil des Bewusstseins des Helden wäre. Und die etwas langsameren Tempi von Gergievs Orchester unterstreichen dies nur mit distanzierter Gemächlichkeit, musikalische Phrasen hängen ohne Reaktion und lösen sich in einer unheimlichen, fast stillen Atmosphäre auf. Um dann mit kraftvollen Höhepunkten zu explodieren.
Durch die Umsetzung seiner eigenen Wahrnehmung des Stoffes verknüpft der Regisseur diesen deklarativ mit den Motiven bedeutende Arbeit Musiktheater in den letzten Jahren. Die Fäden ziehen sich in Form offensichtlicher Assoziationen zu früheren Inszenierungen: Der Junge, der in den Achtzigern im Prolog von Temirkanovs Stück auf ein Bein sprang, wird zu Stepanyuks kleinem Hermann-Napoleon, herrisch und düster.

Diese Figur durchläuft nacheinander die gesamte Aufführung, befehligt eine Gruppe von Jungen in der Kinderszene, trifft sich kurz mit dem erwachsenen Herman und erscheint am Anfang oder Ende fast jedes Bildes, um die Bühnenereignisse miteinander zu verbinden (manchmal etwas förmlich, aber häufiger präzise und zielgerichtet).
Die Dame in einer Krinoline an der Brüstung des St. Petersburger Ufers erinnert an die relativ junge „Pik-Dame“ von Galibino aus dem Jahr 1999. Hier funktioniert dieses Bild wie eine deformierte Kinderphantasie: Der Träger der Totenmaske bietet dem Jungen eine tödliche Chance – drei Karten. Und die distanzierte Einsamkeit des kleinen Herman-Napoleon wächst zu einer selbstzerstörerischen Kraft kolossalen Ausmaßes.
Mehr über nicht zufällige, denke ich, Assoziationen: die betont nicht senile Plastizität der Gräfin, ihr Tempo Bühnenleben, die Haare mit einem weißen Netz nach hinten gekämmt, wenn eine elegante Perücke entfernt wird – vor allem, wenn die nicht so gut singende, aber schlanke Maria Maksakova auf der Bühne steht – lässt entfernte Analogien zu dem choreografischen Bild entstehen, das Roland Petit für Ilze Liepa in geschaffen hat das Ballett „Die Pique Dame“ Bolschoi-Theater 2001 Und die zum Leben erwachten Statuen sind eine Hommage an den polnischen Auftritt von „Boris Godunow“, der 1990 von Tarkowski inszeniert wurde. Und schließlich schwebt deutlich über der Aufführung der Geist des Kaisers, der „... um zwölf Uhr nachts“ aus dem Sarg steigt. Schukowski-Glinka.
Das alles ist keine Kreditaufnahme. Dies ist eine Schichtgrundlage, die mit der fernen und nicht so fernen Vergangenheit unserer Kultur verknüpft ist.
Orlovs Szenografie verleiht der Aufführung eine besondere Noblesse. Die von ihm vorgeschlagene Technik der visuellen Fluidität ist der Instabilität des Bewusstseins des zunächst verrückten Herman angemessen. Sanft und leicht bewegen sich bronzefarbene Säulen, gruppieren sich zu grafischen Strukturen, die Inszenierung wird unmerklich durch Maschenvorhänge verdeckt, statische und plötzlich zum Leben erwachende Kompositionen schweben aus der Tiefe. Beim Wechseln von Gemälden erzeugt die sanfte Überschneidung vertikaler und horizontaler linearer Schichten den Effekt einer Fata Morgana, des Übergangs einer visuellen Formel in eine andere. Die szenografische Dramaturgie ist aus diesen Motiven wunderbar verwoben und lässt im Einklang mit der Musik komplexe, verstörende Empfindungen entstehen.
Insgesamt handelt es sich um eine sehr schöne Aufführung, konzipiert für einen intelligenten Zuschauer, eine Aufführung mit interessanten Absichten und unerwarteten Lösungen. Aber das eine sind die künstlerischen und produktionstechnischen Absichten, das andere die Wahrnehmung des Publikums. Und hier sind sie nicht immer perfekt harmoniert. Für einen Musiker oder einfach nur einen Zuschauer mag die ständige Bewegung der Säulen, ihre Neuanordnung und die Häufigkeit der Veränderungen im Bühnenbild übertrieben erscheinen. Und die fast ununterbrochene langsame Bewegung der Charaktere ist eintönig. Und er, der Zuschauer, wird einigermaßen recht haben: Das Leitmotiv der unsteten, schläfrigen Fließfähigkeit wird irgendwo wirklich nervig. Oder vielleicht einfach nur ausdauernd und ganz natürlich diese Entscheidung? Es kommt auf die Stimmung des Darstellers und des Publikums an. Obwohl es grundsätzlich besser ist, die Toleranz der Öffentlichkeit nicht zu missbrauchen.
Wenn wir über die visuelle Tonalität der Aufführung als Ganzes sprechen, dann ist dies eine künstlerische Paraphrase auf die Motive des Barock und des Jugendstils, ebenfalls ein typisch St. Petersburger Stil, der wiederum pseudobarocke Elemente des Klassizismus enthält und würzige orientalische Motive. Was die völlig unerwartete Einrichtung von Lisas Zimmer rechtfertigt: ein mit Teppich ausgelegtes Boudoir mit einem großen Sofa, Kissen, Hockern und einer Harfe. Kostümdesignerin Irina Cherednikova kleidete die Mädchen recht freizügig – es gab Korsettkleider, lockere Umhänge, weiße Perücken und Turbane; Die Posen sind frei und entspannt, die Gruppen malerisch. Erinnert an einen orientalischen Harem oder einen exotischen Salon um die Jahrhundertwende IX und XX. Abgesehen von Lisas sehr unglücklichem Kleid ist alles schön und sinnlich, aber seltsam. Obwohl eine starke Intensität der Leidenschaften in einer solchen Atmosphäre durchaus angemessen ist.
In Stepanyuks Auftritt ist alles ein wenig seltsam, wie in einem Traum – die sterbenden Charaktere verlassen einfach die Bühne und lösen sich im schmerzhaften Bewusstsein des Helden „wie ein Traum, wie Morgennebel“ auf. Bei ihrer letzten Bemerkung beginnt die verzweifelte Liza, sich in die Tiefe zu begeben; eine statische, inszenierte und ausdrucksstarke Komposition eines Spielhauses schwebt in gespenstischem Licht (auf einem Lastwagen) aus dem Treppenhaus auf sie zu. Lisa geht wie durch die Spieler hindurch und verschwindet irgendwo außer Sichtweite. Der in Innovationen erfahrene Zuschauer hat einen Gedanken: Das bedeutet, dass es im Finale real erscheinen wird und nicht in der Fantasie des sterbenden Herman! Aber nein, überhaupt nicht. Sie löste sich auf, löste sich auf.
Die tote Gräfin erhebt sich vom umgedrehten Voltaire-Stuhl und verschwindet zwischen den beweglichen Säulen. Um in der Kasernenszene sehr wirkungsvoll aus Hermans Bett aufzustehen.
Auf die Orchester-Epilog-Katharsis im Finale antwortet die bewegungslose Gestalt Hermanns in der Pose einer reuigen Magdalena und eines Jungen, der seine Augen mit der Handfläche bedeckt. Und am Ende, bereits außerhalb der Musik, schaltet sich das Metronom ein, Herman steht auf und geht mit festem Schritt irgendwo zwischen Portal und erstem Vorhang ... in eine andere Dimension. „Um zwölf Uhr nachts…“
Um ihre Fantasien zu verwirklichen, verfügten die Regisseure über eine Reihe hervorragender Schauspieler-Sänger, die nicht nur für hochwertigen Gesang sorgen, sondern auch den komplexen Inhalt der Rollen offenbaren konnten. Zunächst einmal zwei bedeutende, stimmlich vollständige, echte Hermans. Dies sind Maxim Aksenov und Mikhail Vekua. German Aksyonova ist eine Romantikerin, eine Verrückte, eine verwundete, leidende, aber stolze Seele. In Vekua ist der Held direkter von der Idee von Macht, dem Besitz eines Geheimnisses und einer Frau besessen. Eine stärkere und ganzheitlichere Natur.

Vekua ist erfahrener und mutiger – er ist einer der wenigen Deutschen, die singen letzte Arie in der Originaltonart, ohne die allgemein übliche Transportart einen Ton tiefer. Aber Aksyonov ist subtiler, stimmlich vielfältiger, interessanter in der Darstellung der Rolle und menschlich.
Zweifellos großartig in den italienischen Rollen, kam Tatiana Serzhan nicht sofort auf die Russin Lisa zu. Aber bei diesem Auftritt kamen ihre warme Weiblichkeit und ihr Temperament voll zur Geltung. Im zweiten Bild wird die gedämpfte Trägheit der Stimme und die Plastizität durch panische Angst und dann durch offene, starke Leidenschaft ersetzt. Die Stimme vibriert wunderschön, die Natur des Schauspielers bricht aus – was ist ihr rasanter Lauf zum Balkon nach dem Besuch der Gräfin wert: Lisa entscheidet, dass Herman gegangen ist. Und in der Szene sind die Grooves der freie Flug des Gesangs ohne Spannung und der meisterhafte Wechsel des Schauspielers von einem Zustand in einen anderen.

Imposant, entspannt und flexibel, zynisch gutmütig, aber keineswegs einfach, der farbenfrohste Tomsky von Viktor Korotich. Der Klang der Stimme und die klare Lautstärke der Worte sind einfach hervorragend. Ein anderer Darsteller dieser Rolle, Roman Burdenko, hat ein wunderschönes Timbre, aber sein Charakter ist fauler.
Yeletsui in ausgezeichneter Qualität Gesangsdarbietung Vladislav Sulimsky wurde von den Regisseuren offensichtlich ganz bewusst in den Schatten gedrängt. Edel und wohlklingend, aber nicht zu auffällig, kann Yeletsky im Schicksal der Helden keine nennenswerte Rolle spielen. Für den ehrgeizigen Herman ist er nur eine lästige Komplikation. Dem hervorragenden Sänger, der es gewohnt ist, auf der Bühne ein Held zu sein, zu verdanken ist, dass Sulimsky die schauspielerische Aufgabe sehr taktvoll erfüllt.
Die leicht verschmitzte, extravagante Polina von Ekaterina Sergeeva ist eine sinnliche Dame mit einem Hauch von Sünde, wie aus dem Salon von Zinaida Gippius. Sergeeva tritt auch als stilvolle Schauspielerin in Gestalt einer höfischen Hirtin in der Nebenschau auf. Die Intelligenz dieser Sängerin und Schauspielerin ist immer spürbar – sowohl bei einer Theateraufführung als auch auf der Konzertbühne.
Die Arbeit von Chor und Mimanz ist musikalisch und plastisch hervorragend organisiert. Ihre Rolle bei der Schaffung der besonderen Atmosphäre der Aufführungs-Trugbilder, in der sich die meisten Solisten so ungewöhnlich befinden, ist hier außerordentlich groß. Sowie die hervorragend präzise Arbeit des Lichtdesigners Alexander Sivaev.
Wie jedes subtile und mehrdeutige Kunstwerk ist das Neue Bühnenversion„Die Pik-Dame“ erfordert eine besonders sorgfältige Verteilung. Es ist allzu leicht, das Gesamtgleichgewicht durcheinander zu bringen – durch andere Orchestertempi oder Nachlässigkeit im Bühnentemporhythmus, durch eine andere Art des Schauspiels oder durch technische Mängel. Signifikant in der Bedeutung Opernbühne Es ist schwer zu schaffen, aber noch schwieriger zu pflegen.

Nora Potapova
St. Petersburg
Juni 2015

Material für Online-Magazin vorbereitet OperaNews

Am Mittwoch sind meine Mutter und ich wieder einmal dabei hohe Kunst Wir besuchten nämlich das Mariinski-Theater für die Oper „Die Pik-Dame“. In diesem Fall wurde unsere Wahl nicht so sehr durch unsere Liebe zu Tschaikowsky und Puschkin erklärt, sondern durch unsere Teilnahme an der Aktion von Wassili Gerello. Darüber hinaus gab es, der Reaktion des Publikums nach zu urteilen, viele so kluge Leute :)
IN In letzter Zeit Bei Theaterbesuchen bekam ich zunehmend Angst vor der Möglichkeit, jemandem über den Weg zu laufen moderne Produktion und sehen Sie einen Blick auf klassisch ein nächster kreativer Kamerad. Kürzlich habe ich im Fernsehen gehört, dass einige moderne Opernproduktionen mit zehn Minuten Stille beginnen würden. Anscheinend wird der nächste Punkt sein Ballettaufführung, die mit zehn Minuten Dunkelheit beginnen wird ( Eine Idee patentieren lassen?). Und deshalb war ich zunächst einmal froh, dass wir dieses Mal keine Überraschungen erlebten und die klassische Inszenierung „Die Pik-Dame“ (die 1984 im Mariinski-Theater Premiere hatte, als das Theater noch hieß) genießen konnten das nach Kirow benannte Leningrader Opern- und Balletttheater).
Die Kostüme und Bühnenbilder sind sehr schön. Und auch die Landschaft ist in ihrer Größe beeindruckend. Aufgrund dieses Ausmaßes nimmt der Wechsel zwar einige Zeit in Anspruch, aber es lohnt sich.
Unter den Darstellern freute sich natürlich Vasily Gerello (Graf Tomsky). Ich hatte nicht damit gerechnet, Irina Bogacheva (Gräfin) auf der Bühne zu sehen – ich hätte nicht gedacht, dass sie noch auftritt. Gut gemacht! Maxim Aksyonov (Herman) sang im ersten Akt, gelinde gesagt, nicht so heiß, aber im zweiten Akt verlor er die Beherrschung. Ich nehme an, er brach in ein Lied aus. Zu den anderen Darstellern kann ich nichts sagen – Alexander Gergalov (Prinz Yeletsky), Tatyana Pavlovskaya (Liza) und Ekaterina Sergeeva (Polina).
Wir hatten Sitzplätze in der zweiten Loge des ersten Rangs. Als wir die Tickets kauften, gab es nicht viel Auswahl, aber wenn es eine Wahl gäbe, würde ich nicht empfehlen, diese Plätze einzunehmen – von dort aus ist nicht die gesamte Bühne klar zu sehen. Vor allem, wenn man mit seinen Nachbarn sagenhaftes Glück hat – neben uns saßen Mutter und Tochter, die fast aus der Kiste hingen, um besser sehen zu können. Und natürlich dachten sie nicht daran, dass sie damit anderen Zuschauern die Möglichkeit nehmen, zumindest etwas zu sehen. Ich musste zweimal eine Bemerkung machen. Nachdem wir jedoch in der Pause einen Dialog zwischen diesem Paar über die dorischen und ionischen Ordnungen erwischt hatten, verschwanden alle Fragen irgendwie sofort :))
Aber von unseren Plätzen aus war es bequem, dem Orchester zuzusehen. So habe ich zum Beispiel herausgefunden, dass der Dirigent (Pavel Smelkov), wie sich herausstellte, sitzt.
Es war nicht möglich, das Programm zu kaufen – es ist nicht das erste Mal, dass ich auf die Tatsache stoße, dass sie in der ersten Pause nur noch für verfügbar sind Englische Sprache. Ich frage mich, warum das passiert?
Ein wesentlicher Nachteil der alten Bühne des Mariinsky-Theaters sind immer noch die kleinen Toiletten ( Ich frage mich, ob es einen Plan gibt, dieses Problem während der Renovierung zu lösen?). Daher muss man vor der Pause aus dem Saal rennen und unter dem freundlichen Gelächter der Theatermitarbeiter zur Toilette laufen ( Fairerweise muss ich sagen, dass ich der Erste war, der lachte). Ansonsten besteht die Gefahr, dass ich die ganze Pause lang Schlange stehen muss – als ich ging, hatten sich bereits etwa dreißig Leute versammelt. Ich beneide Menschen, die vier Stunden ohne diese Attraktion auskommen können.
Nachdem ich ins Theater gegangen war, hatte ich den Wunsch, Puschkin noch einmal zu lesen – ich scheine mich an die Handlung zu erinnern, aber die Details sind bereits aus meinem Gedächtnis gelöscht.
Besonderer Dank an

Wenn während der Einführung Auf dem Proszenium spielt ein Junge an einem Kartenhaus herum – besteht kein Zweifel daran, dass das Haus im Finale einstürzen wird? Das ist nicht nötig, denn die Regie von Alexey Stepanyuk besteht immer aus solch völlig kalkulierten Nebensächlichkeiten. Allerdings muss man sich die Aufführung in drei Akten anhören, um am Ende der siebten Szene davon überzeugt zu sein, dass sich die zu Beginn der ersten Szene getroffene Annahme bestätigt hat. Die Banalität des Denkens des Regisseurs widerspricht jedoch nicht dem Mangel an Logik darin. Der Junge, im Programm „kleiner Herman“ genannt, wagt einen Schritt in die Tiefe der Bühne und entpuppt sich als Anführer der spielenden Jungen Sommergarten in einen Soldaten. Danach kommt erwartungsgemäß der erwachsene Herman heraus. Wie kann ein und dieselbe Figur gleichzeitig eine Vision aus der Vergangenheit in der konventionellen Realität und ein echter Junge im Sommergarten sein? Allerdings war der gesunde Menschenverstand nie die Stärke von Herrn Stepaniuk.

Obwohl natürlich im Vergleich mit seinen anderen Werken – zum Beispiel mit „Onegin“, das hier im Mariinsky-2 gezeigt wird, wo Lensky mit Olga im Heuhaufen fleischlichen Genüssen frönt, oder mit „ Der Barbier von Sevilla„V Konzerthalle, wo jeder jeden „tröstet“, unabhängig von Geschlecht, Alter und sozialer Status, diese „Pik-Dame“ ist Stepanyuk-light. Darin wirft Herman in der vierten Szene Lisa nur zu Boden, und selbst dann fast schon in den Kulissen und in den letzten Takten. Gleichzeitig steht die Gräfin, die gerade aus unbekannten Gründen gestorben ist, von ihrem Stuhl auf und entfernt sich, um die Aufmerksamkeit von der pikanten Verschwörung zwischen ihrem unwissenden Mörder und ihrer Enkelin abzulenken.

Zum Glück eine solche Regie Die Aufführung ist nicht reich an Fundstücken und die gestalterische Hauptfunktion wurde von der Szenografie von Alexander Orlow übernommen. Von den Seiten bewegen sich an Stangen befestigte goldene Säulen sanft heraus und schweben davon, während die gleichen Stuckgesimse parallel absteigen und ansteigen. Die Flüge dunkler transparenter Vorhänge reimen sich auf diese Manöver – ein Selbstzitat aus „Spade“ 1999, inszeniert von Alexander Galibin, das ebenfalls von Orlov entworfen wurde. Die szenische Gestaltung des Balletts ist so schön, dass es für die Tänzer am sinnvollsten wäre, einfach nur da zu stehen und zu singen – in den besten Momenten passiert das auch.

Fährt lautlos hinter der Bühne Vorne ist eine riesige Plattform mit mehrstufigen Stufen, mit Teppichen bedeckt und mit Kandelabern ausgestattet – Lisas Zimmer im zweiten Bild gleicht einem luxuriösen Harem, ebenfalls mit goldener Harfe und Cembalo.

Im dritten Bild - Auf dem Ball von Catherines Edelmann ist alles einfach golden, auch die Skulpturen, die bald zum Leben erwachen und sich der Modenschau schicker Kleider von Irina Cherednikova anschließen.

Kostüme - Styling für Ende des 18. Jahrhunderts, als das Libretto von Modest Tschaikowsky spielt. Aber die seit langem bestehende Debatte ist, ob dieser Zeitpunkt eingehalten oder der erste zurückgegeben werden soll dritter XIX Jahrhundert, wie Puschkin, oder sagen wir, alles auf unsere Tage übertragen, ist für diese Aufführung nicht relevant. Seine Wirkung tritt ein, egal wann und bei wem es unbekannt ist.

Neben dem gesammelten, kompletten innere Würde von Prinz Yeletsky (Vladislav Sulimsky) - Graf Tomsky, den Roman Burdenko aus irgendeinem Grund als dummen Kerl darstellte. Maxim Aksenov – Herman porträtiert fleißig Graf Dracula. Die 37-jährige Maria Maksakova reduzierte ihre Arbeit an der Rolle der 87-jährigen Gräfin darauf, ihr ein Netz ins Haar zu legen. Usw.

Aber egal, wie man diese Oper inszeniert, Pjotr ​​Iljitsch wird seinen Willen durchsetzen. Zum Beispiel löste sich Irina Churilova – Liza nach und nach und sang so sehr „Ah, ich bin erschöpft vor Trauer“, dass es unmöglich war, nicht mitzufühlen.

Und genauso herzlich Der Chor verabschiedete sich vom unglücklichen Herman. Und genauso – oft in einem langsamen Tempo, als würde es es genießen – spielte das Orchester von Valery Gergiev die brillante Partitur.

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