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Jazz ist eine Musikrichtung, die sich durch die Kombination von Rhythmus mit Melodie auszeichnet. Ein separates Merkmal des Jazz ist die Improvisation. Ihre Popularität erlangte die Musikrichtung durch ihren ungewöhnlichen Klang und die Kombination mehrerer völlig unterschiedlicher Kulturen.

Die Geschichte des Jazz begann Anfang des 20. Jahrhunderts in den USA. Traditioneller Jazz nahm in New Orleans Gestalt an. In der Folge entstanden in vielen anderen Städten neue Jazz-Varianten. Bei aller Vielfalt an Klängen unterschiedlicher Stilrichtungen lässt sich die Jazzmusik aufgrund ihrer charakteristischen Merkmale sofort von einem anderen Genre unterscheiden.

Improvisation

Musikalische Improvisation ist eines der Hauptmerkmale des Jazz, der in all seinen Spielarten präsent ist. Die Interpreten machen spontan Musik, sie denken nie im Voraus, sie proben nicht. Jazz zu spielen und zu improvisieren erfordert Erfahrung und Geschick in diesem Bereich des Musikmachens. Darüber hinaus muss ein Jazzspieler auf Rhythmus und Tonalität achten. Die Beziehung zwischen den Musikern in der Gruppe ist von nicht geringer Bedeutung, denn der Erfolg der erhaltenen Melodie hängt vom Verständnis der Stimmung des anderen ab.

Improvisation im Jazz ermöglicht es Ihnen, jedes Mal etwas Neues zu schaffen. Der Klang der Musik hängt nur von der Inspiration des Musikers zum Zeitpunkt des Spiels ab.

Es kann nicht gesagt werden, dass dies kein Jazz mehr ist, wenn es keine Improvisation in der Aufführung gibt. Diese Art des Musizierens ging zum Jazz von afrikanischen Völkern. Da die Afrikaner keine Ahnung von Noten und Proben hatten, wurde die Musik nur durch das Auswendiglernen von Melodie und Thema aneinander weitergegeben. Und jeder neue Musiker könnte bereits dieselbe Musik auf neue Weise spielen.

Rhythmus und Melodie

Das zweite wichtige Merkmal des Jazzstils ist der Rhythmus. Musiker haben die Fähigkeit, spontan Klang zu erzeugen, da das ständige Pulsieren die Wirkung von Lebendigkeit, Spiel, Spannung erzeugt. Rhythmus schränkt auch die Improvisation ein und erfordert, dass Sie Klänge gemäß einem bestimmten Rhythmus produzieren.

Wie die Improvisation kam der Rhythmus aus afrikanischen Kulturen zum Jazz. Aber gerade diese Eigenschaft ist das Hauptmerkmal des musikalischen Satzes. Die frühen Interpreten des Free Jazz haben den Rhythmus vollständig aufgegeben, um völlig frei zu sein, Musik zu machen. Aus diesem Grund wurde die neue Richtung im Jazz lange Zeit nicht erkannt. Für den Rhythmus sorgen Percussion-Instrumente.

Jazz hat die Melodie der Musik aus der europäischen Kultur geerbt. Es ist die Kombination von Rhythmus und Improvisation mit harmonischer und sanfter Musik, die dem Jazz einen ungewöhnlichen Klang verleiht.

Das Wort "Jazz" tauchte zu Beginn des 20. Jahrhunderts auf. Dies ist eine neue musikalische Bewegung, die in Nordamerika entstand und sich später auf der ganzen Welt verbreitete. Die Eltern des Jazz sind afrikanische und unterdrückte Negersklaven.

Im 17. Jahrhundert tauchten in Amerika die ersten afrikanischen Sklaven auf, die gewaltsam aus ihrer Heimat verschleppt und in die Sklaverei verkauft wurden. Sie sehnten sich nach ihrer Heimat, und ihr einziger Trost war die Musik. Zunächst sangen die Schwarzen einfach ihre traditionellen Lieder zu klatschenden Händen oder schlagenden Holzkisten. Aber im Laufe der Zeit gerieten nationale afrikanische Motive in Vergessenheit, und in den Negermelodien tauchten Echos der Lieder weißer Menschen auf. Weiße hatten zu dieser Zeit Lieder zu religiösen Themen, und Schwarze begannen auch, spirituelle Lieder zu singen, aber auf ihre eigene Weise, mit einem charakteristischen Rhythmus und einer charakteristischen Melodie. Ihre spirituellen Lieder (Spirituals) waren voller Schmerz und Hoffnung auf Erlösung.

Im 19. Jahrhundert begannen schwarze Sklaven, von Traurigkeit und dekadenter Stimmung durchtränkte Lieder zu singen, die zur Begleitung (Blues) aufgeführt wurden. Die Darsteller spielten zusammen mit selbstgebauten Musikinstrumenten, denn sie konnten es sich nicht leisten, echte zu kaufen. Außerdem spielten Neger sehr gerne mit einem Orchester, und nach dem Bürgerkrieg von 1861- 1865 g ... Sie begannen, professionelle Musikinstrumente zu spielen, weil Militärkapellen wurden aufgelöst und Instrumente für ein paar Cent verkauft.

Überall spielten Negerbands: auf Hochzeiten, Partys und Beerdigungen. Die Musiker kannten keine Notenschrift und lernten, wenn man sich professionelle Musiker ansah, selbstständig zu spielen. Instrumentalmusik, die die Motive von Spirituals und Blues treffend wiedergab, wurde Jazz genannt. Seine Besonderheiten sind freier, schwungvoller Rhythmus (Swing) und Improvisation. Darüber hinaus improvisieren Jazzmusiker sowohl solo als auch kollektiv.

Jazz breitete sich zunächst in Amerika und dann auf der ganzen Welt schnell aus und zog immer mehr "weiße" Musiker und Komponisten an.

Duke Ellington, Louis Armstrong, Glen Miller und Benny Goodman und andere sind Jazzer, die einen großen Beitrag zur Popularisierung der Jazzmusik geleistet haben und heute der jüngeren Generation von Jazzmusikern ebenbürtig sind.

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Jazz- ein einzigartiges Phänomen in der Weltmusikkultur. Diese facettenreiche Kunstform wurde um die Jahrhundertwende (XIX und XX) in den Vereinigten Staaten geboren. Jazzmusik ist das geistige Kind der Kulturen Europas und Afrikas, eine Art Verschmelzung von Strömungen und Formen aus zwei Weltregionen. In der Folge ging Jazz über die Vereinigten Staaten hinaus und wurde fast überall populär. Diese Musik basiert auf afrikanischen Volksliedern, Rhythmen und Stilen. In der Geschichte der Entwicklung dieser Richtung des Jazz sind viele Formen und Typen bekannt, die auftauchten, als sie neue Rhythmen und Harmoniken beherrschten.

Eigenschaften des Jazz

Die Synthese zweier Musikkulturen machte den Jazz zu einem radikal neuen Phänomen in der Weltkunst. Die Besonderheiten dieser neuen Musik sind:

• Synkopierte Rhythmen, die Polyrhythmie erzeugen.
• Das rhythmische Pulsieren der Musik ist ein Beat.
• Der Beat-Deviation-Komplex ist ein Swing.
• Ständige Improvisation in Kompositionen.
• Eine Fülle von Obertönen, Rhythmen und Klangfarben.

Die Grundlage des Jazz, insbesondere in den frühen Entwicklungsstadien, war Improvisation verbunden mit einer durchdachten Form (und die Form der Komposition war nicht unbedingt irgendwo festgelegt). Und aus der afrikanischen Musik hat dieser neue Stil die folgenden charakteristischen Merkmale übernommen:

• Jedes Instrument als Trommel verstehen.
• Beliebte umgangssprachliche Intonationen bei der Aufführung von Kompositionen.
• Eine ähnliche Gesprächsimitation beim Spielen der Instrumente.

Generell unterscheiden sich alle Richtungen des Jazz in ihren eigenen lokalen Besonderheiten, daher ist es logisch, sie im Kontext der historischen Entwicklung zu betrachten.

Die Entstehung des Jazz, Ragtime (1880-1910er Jahre)

Es wird angenommen, dass der Jazz im 18. Jahrhundert unter schwarzen Sklaven entstand, die aus Afrika in die Vereinigten Staaten von Amerika gebracht wurden. Da die gefangenen Afrikaner nicht durch einen einzigen Stamm vertreten waren, mussten sie mit ihren Verwandten in der Neuen Welt eine gemeinsame Sprache finden. Diese Konsolidierung führte zur Entstehung einer einheitlichen afrikanischen Kultur in Amerika, zu der auch die Musikkultur gehörte. Erst in den 1880er und 1890er Jahren entstand in der Folge die erste Jazzmusik. Dieser Stil wurde durch die weltweite Nachfrage nach populärer Tanzmusik getrieben. Da die afrikanische Musikkunst an solchen rhythmischen Tänzen im Überfluss vorhanden war, wurde auf dieser Grundlage eine neue Richtung geboren. Tausende Amerikaner aus der Mittelschicht, die aristokratische klassische Tänze nicht beherrschen konnten, begannen im Ragtime-Stil zum Klavier zu tanzen. Ragtime brachte einige der zukünftigen Grundlagen des Jazz in die Musik ein. Der Hauptvertreter dieses Stils, Scott Joplin, ist also der Autor des „3 versus 4“-Elements (Kreuzklang rhythmischer Schemata mit 3 bzw. 4 Einheiten).

New Orleans (1910-1920er Jahre)

Klassischer Jazz erschien zu Beginn des 20. Jahrhunderts in den Südstaaten Amerikas, insbesondere in New Orleans (was logisch ist, denn im Süden war der Sklavenhandel weit verbreitet).

Hier haben afrikanische und kreolische Orchester gespielt, deren Musik von Ragtime, Blues und schwarzen Arbeiterliedern beeinflusst wurde. Nach dem Erscheinen vieler Musikinstrumente von Militärkapellen in der Stadt traten Amateurgruppen auf. Der legendäre New Orleans-Musiker, Schöpfer seines eigenen Orchesters, King Oliver, war ebenfalls Autodidakt. Ein wichtiges Datum in der Geschichte des Jazz war der 26. Februar 1917, als die Original Dixieland Jazz Band ihre erste Schallplatte veröffentlichte. Auch in New Orleans wurden die Hauptmerkmale des Stils festgelegt: der Beat der Percussion-Instrumente, ein meisterhaftes Solo, Vokalimprovisation mit Silben – Scat.

Chicago (1910-1920er Jahre)

In den 1920er Jahren, von den Klassikern als „Roaring Twenties“ bezeichnet, gelangte die Jazzmusik nach und nach in die Populärkultur und verlor die Titel „schamhaft“ und „unanständig“. Orchester treten in Restaurants auf und ziehen von den Südstaaten in andere Teile der Vereinigten Staaten. Chicago entwickelt sich zum Zentrum des Jazz im Norden des Landes, wo kostenlose nächtliche Auftritte von Musikern immer beliebter werden (während solcher Shows gab es häufig Improvisationen und Solisten von Drittanbietern). Komplexere Arrangements erscheinen im Musikstil. Die Jazz-Ikone dieser Zeit war Louis Armstrong, der von New Orleans nach Chicago zog. Anschließend wurden die Stile der beiden Städte zu einem Genre der Jazzmusik kombiniert - Dixieland. Das Hauptmerkmal dieses Stils war die kollektive Massenimprovisation, die die Grundidee des Jazz zum Absoluten erhob.

Swing und Bigbands (1930-1940er Jahre)

Die weiter steigende Popularität des Jazz führte zu einer Nachfrage nach großen Orchestern, die Tanzmelodien spielten. So entstand der Swing, der charakteristische Abweichungen vom Rhythmus in beide Richtungen darstellt. Swing wurde die wichtigste Stilrichtung dieser Zeit und manifestierte sich in der Arbeit von Orchestern. Die Ausführung harmonischer Tanzkompositionen erforderte ein harmonischeres Spiel des Orchesters. Jazzmusiker mussten gleichmäßig, ohne viel Improvisation (außer dem Solisten) teilnehmen, so dass die kollektive Improvisation von Dixieland der Vergangenheit angehört. In den 1930er Jahren florierten solche Gruppen, die Big Bands genannt wurden. Ein charakteristisches Merkmal der Orchester dieser Zeit war der Wettbewerb von Instrumentengruppen, Sektionen. Traditionell waren es drei: Saxophone, Trompeten, Schlagzeug. Die bekanntesten Jazzmusiker und ihre Orchester: Glenn Miller, Benny Goodman, Duke Ellington. Letzterer Musiker ist berühmt für seine Hingabe an die Negerfolklore.

Bebop (1940er)

Die Abkehr des Swing von den Traditionen des frühen Jazz und insbesondere von klassischen afrikanischen Melodien und Stilen hat unter Geschichtskennern für Unmut gesorgt. Bigbands und Swing-Performer, die zunehmend für das Publikum arbeiteten, begannen, sich der Jazzmusik kleiner Ensembles schwarzer Musiker zu widersetzen. Die Experimentatoren führten ultraschnelle Melodien ein, brachten lange Improvisationen, komplexe Rhythmen und die meisterhafte Beherrschung eines Soloinstruments zurück. Der neue Stil, der sich als exklusiv positionierte, wurde Bebop genannt. Die unverschämten Jazzmusiker Charlie Parker und Dizzy Gillespie wurden zu den Ikonen dieser Zeit. Die Revolte schwarzer Amerikaner gegen die Kommerzialisierung des Jazz, der Wunsch, dieser Musik ihre Intimität und Einzigartigkeit zurückzugeben, wurde zu einem zentralen Punkt. Ab diesem Moment und ab diesem Stil beginnt der Countdown der Geschichte des Modern Jazz. Gleichzeitig kommen Bigband-Leader zu kleinen Orchestern, die eine Pause von den großen Hallen machen wollen. In Ensembles, die Combos genannt wurden, hielten solche Musiker an einem Swing-Stil fest, bekamen aber die Freiheit, zu improvisieren.

Cool Jazz, Hard Bop, Soul Jazz und Jazz-Funk (1940-1960er Jahre)

In den 1950er Jahren begann sich eine Musikrichtung wie der Jazz in zwei gegensätzliche Richtungen zu entwickeln. Die Anhänger der klassischen Musik "kühlten" Bebop und brachten akademische Musik, Polyphonie und Arrangement wieder in Mode. Cool Jazz wurde bekannt für seine Zurückhaltung, Trockenheit und Melancholie. Die wichtigsten Vertreter dieser Jazzrichtung waren: Miles Davis, Chet Baker, Dave Brubeck. Aber die zweite Richtung begann im Gegenteil, die Ideen des Bebop zu entwickeln. Der Hardbop-Stil predigte die Idee, zu den Ursprüngen der schwarzen Musik zurückzukehren. Traditionelle Volksmelodien, helle und aggressive Rhythmen, explosive Soli und Improvisation sind wieder in Mode gekommen. Im Hard-Bop-Stil bekannt: Art Blakey, Sonny Rollins, John Coltrane. Dieser Stil entwickelte sich organisch zusammen mit Soul Jazz und Jazz-Funk. Diese Stile näherten sich dem Blues und machten den Rhythmus zu einem Schlüsselaspekt der Performance. Vor allem Funkjazz wurde von Richard Holmes und Shirley Scott eingeführt.

JAZZ-ENTWICKLUNGSGESCHICHTE

Jazz

Was Jazz ist, wird kaum jemand zu erklären wagen, denn selbst der große Mann der Jazzgeschichte, Louis Armstrong, hat dies nicht getan, der sagte, man müsse es nur verstehen und das war's. Tatsächlich sind Jazz, seine Geschichte, Ursprünge, Modifikationen und Zweige zu vielfältig und facettenreich, um eine einfache, umfassende Definition zu geben. Aber es gibt Punkte, die das Wesen dieser Musikrichtung verdeutlichen.

Jazz entstand als Kombination verschiedener Musikkulturen und nationaler Traditionen. Ursprünglich aus afrikanischen Ländern in den Kinderschuhen angekommen, und unter dem Einfluss der entwickelten westlichen Musik und ihrer Strömungen (Blues, Reg-Times) und der Kombination afrikanischer Musikfolklore mit ihnen, ein bis heute nicht ausgestorbener Stil - Jazz, hat sich herausgestellt.

Jazz lebt im Rhythmus, in der Inkonsistenz, in Überschneidungen und in der Nichtbeachtung von Tonalitäten und Tonhöhen. Alle Musik baut auf Konfrontation und Widersprüchlichkeit auf, aber in einem Musikstück vereint sich alles harmonisch und überrascht mit seiner Melodie und seinem besonderen Reiz.

Die ersten Jazzer schufen mit seltenen Ausnahmen die Tradition eines Jazzorchesters, in dem mit Klang, Geschwindigkeit oder Tempo improvisiert wird, es möglich ist, die Anzahl der Instrumente und Interpreten zu erweitern und symphonische Traditionen anzuziehen. Viele Jazzmusiker haben mit ihrer Kunst zur Entwicklung der Tradition des Jazzensembles beigetragen.

Nach der Entstehung eines genialen Interpreten, der sein ganzes Leben im Rhythmus des Jazz lebte, bleibt er bis heute eine Legende - Louis Armstrong, die Kunst der Jazz-Performance sah für sich neue ungewöhnliche Horizonte: Gesangs- oder Instrumental-Solo wird zum Zentrum der gesamte Performance, die die Idee des Jazz völlig verändert.

Und hier bietet sich die Gelegenheit, noch ein Merkmal des Jazzstils zu erläutern: Dies ist eine einzigartige Einzelleistung eines virtuosen Jazzmusikers, dies ist seine Leistung und der Genuss von ihm und den Musikhörern im Moment. Und der Garant für die ewige Jugend des Jazz ist die Improvisation. Jazz hat einen Geist, aber er hat kein Skelett, um alles zusammenzuhalten. Sie können das Saxophon gegen das Klavier austauschen, oder Sie können den Stuhl abstellen und das Mikrofon greifen, und wenn das nicht funktioniert, gehen Sie zurück zur Trompete und versuchen Sie, etwas zu spielen, das Armstrong und Bechet nicht gespielt haben.

Jazz ist nicht nur eine bestimmte Art der musikalischen Darbietung, sondern auch eine einzigartige und fröhliche Ära.

Ursprünge

Die Frage nach dem Geburtsort des Jazz ist bekannt – das ist Amerika, aber woher stammt es?

Jazz erscheint als einzigartige Fusion. Und einer seiner Bestandteile, der seine Herkunft sicherstellte, gilt als afrikanischer Herkunft. Afrikanische Siedler brachten ihre Kultur mit, die sich vor dem Hintergrund eines starken europäischen und amerikanischen Einflusses entwickelte.

Die Gemeinschaft und ihre Regeln (Verhaltensnormen, Traditionen) liegen den Ankömmlingen im Blut, obwohl die Verbindung zu ihren Vorfahren tatsächlich abgebrochen ist. Und Musik als integrale Manifestation einer ursprünglichen Kultur ist für Afrikaner und ein neues Leben auf einem anderen Kontinent zu einem der Bindeglieder dieser einheimischen Kultur geworden.

Die Vokalmusik der Afroamerikaner, gewürzt mit Rhythmus und Tänzen, Körperplastik, Klatschen, hat sich zu einer neuen musikalischen Subkultur entwickelt. Afrikanische Musik ist völlig anders als europäische Samples, sie hat keine Galaxie von Instrumenten, sie hat ihre Rituale und Bindung an Bräuche weitgehend bewahrt.

Ursprünge / Geschichte des Jazz

Diese Sklavenmusik brach schließlich die totalitären Regime, in denen klassische Orchester regierten und dem Willen des Dirigentenstabes völlig gehorchten. Nach Recherchen der Geschichts- und amerikanischen Kulturprofessorin Penny Van Eschen versuchte das US-Außenministerium, Jazz als ideologische Waffe gegen die UdSSR und die Ausweitung des sowjetischen Einflusses in der Dritten Welt einzusetzen. Die Ursprünge des Jazz sind mit dem Blues verbunden.

Jazz entstand Ende des 19. Jahrhunderts als Verschmelzung afrikanischer Rhythmen und europäischer Harmonie, aber seine Ursprünge sollten seit dem Moment gesucht werden, als die Sklaven aus Afrika in das Gebiet der Neuen Welt gebracht wurden. Die eingebrachten Sklaven stammten nicht aus demselben Clan und verstanden sich meist nicht einmal. Die Notwendigkeit der Konsolidierung führte zur Vereinigung vieler Kulturen und als Ergebnis zur Schaffung einer einzigen Kultur (einschließlich der Musik) der Afroamerikaner. Die Prozesse der Vermischung von afrikanischer und europäischer Musikkultur (die auch in der Neuen Welt große Veränderungen erfuhren) fanden ab dem 18.

Improvisation spielt eine grundlegende Rolle im authentischen Jazz. Darüber hinaus wird Jazz synkopiert (unter Hervorhebung von schwachen Beats und unerwarteten Akzenten) und einem besonderen Drive. Die letzten beiden Komponenten entstehen im Ragtime und werden dann auf das Spielen von Orchestern (Bands) übertragen, woraufhin das Wort "Jazz" diesen neuen Stil des Musizierens zu bezeichnen scheint, zuerst als "Jass", dann als "Jasz ." buchstabiert “ und hat erst seit 1918 sein modernes Aussehen erhalten. Darüber hinaus zeichnen sich viele Stilrichtungen des Jazz durch eine besondere Aufführungstechnik aus: „Swinging“ oder Swing. Die Wiege des Jazz war der Süden der USA und vor allem New Orleans. Am 26. Februar 1917 nahmen fünf weiße Musiker aus New Orleans im Victor-Studio in New York die erste Jazz-Schallplatte auf. Die Bedeutung dieser Tatsache ist kaum zu überschätzen: Jazz blieb vor dem Erscheinen dieser Scheibe eine Randerscheinung, musikalische Folklore und verblüffte danach für mehrere Wochen ganz Amerika. Die Aufnahme gehörte der legendären Original Dixieland Jazz Band.

Ursprünge / Aufstieg des Jazz

Die Ursprünge dieser Musikrichtung liegen in einer Mischung aus afrikanischen und europäischen Kulturen. Seltsamerweise begann der Jazz jedoch mit Christopher Columbus selbst. Natürlich war der große Reisende und Entdecker nicht der erste Jazzmusiker. Columbus öffnete Amerika für Europa und legte eine großartige Grundlage für die Durchdringung afrikanischer und europäischer Musiktraditionen.

Bei der Erforschung des amerikanischen Kontinents transportierten die Europäer eine große Anzahl schwarzer Feinde hierher, deren Zahl um 1700 mehr als 100.000 überstieg. Sklaven wurden von der Westküste Afrikas über den Atlantik transportiert.

Die Europäer konnten nicht einmal ahnen, dass sie zusammen mit den Sklaven die Musikkultur Amerikas und die afrikanische Musikkultur transportierten, die von einem erstaunlichen musikalischen Rhythmus geprägt war. In Afrika ist Musik seit jeher ein unverzichtbarer Bestandteil verschiedener Rituale. Der musikalische Rhythmus war hier von enormer Bedeutung.

Die europäische Kultur hingegen brachte Harmonie, Moll- und Dur-Standards, Melodie sowie einen solistischen melodischen Beginn in den Jazz.

Singen im Jazz

Jazzgesang ist nicht mit Gesang im allgemeinen Sinne gleichzusetzen. Der Jazz hatte anfangs keine Solostimme, es gab nur ein Instrument, und erst seit den Auftritten von Louis Armstrong (also seinem späteren Werk) gehört der Gesang zum "Werkzeugkasten" der Jazzer. Aber noch einmal - Jazz-Vocals, das ist etwas anderes.

Jazzgesang muss einige Besonderheiten haben, ich meine die Stimme des Interpreten. In Anbetracht der Grundlagen des Jazz - Improvisation, das Fehlen von Regeln, muss man verstehen, dass das gleiche für die Stimme des Interpreten gilt: die Fähigkeit, den Umfang eines "normalen" Songs zu erweitern, mit einer Stimme zu spielen, leicht zu improvisieren und ein gutes Gefühl zu haben Palette. Der Interpret muss sich an die Jazz-Aufführungsart halten: Phrasierung und "Angriff".

"Scat Singing" - dieser Begriff tauchte auf, als Louis Armstrong auf der Bühne arbeitete, der sang, während er spielte: Die Klänge seiner Stimme waren den Klängen seiner Trompete sehr ähnlich. Der Jazzgesang wird sich etwas später verändern und komplexer werden, wenn der "Bop"-Stil in Mode kommt. Die Zeit für "Bop"-Skeet kommt, und die "First Lady des Jazz" - Ella Fitzgerald wird zum Star.

Wenn die Verbindung zwischen Jazz und Blues nicht so stark ist, dann hat die Verbindung zwischen Gesang eine offensichtlichere Verbindung. Die genutzten Möglichkeiten der Klangextraktion (die Arbeit des Kehlkopfes, Keuchen und Flüstern, Falsett usw.) des Blues wurden von den Traditionen des Jazz gerne angenommen.

Die Namen der Sänger, die durch ihren Gesang in der Jazzgeschichte berühmt wurden: natürlich der Gründer - Louis Armstrong, gefolgt von Bing Crosby, neben ihm einfach "die Stimme", Frank Sinatra, Nat King Cole. Frauen haben ihren Beitrag geleistet und sind beachtlich: Bessie Smith, die den Spitznamen "Empress of the Blues" erhielt, gefolgt von den Namen von Billy Halliday, Ella Fitzgerald, einer einzigartigen Sängerin Sarah Voen.

DIE URSPRÜNGE DES JAZZ UND SEIN STIL.

Einführung

Einst fragte der Chefredakteur des bekanntesten amerikanischen Jazzmagazins "Down Beat", das in 124 Ländern der Welt vertrieben wird, in einem Interview eine Reporterin: "Was ist Jazz?" „Sie haben noch nie erlebt, dass ein Mensch so schnell auf der Stelle von einer so einfachen Frage erwischt wird!“ sagte dieser Redakteur später. Im Gegensatz zu ihm könnte Ihnen jede andere Jazzfigur als Antwort auf dieselbe Frage zwei Stunden oder länger von dieser Musik erzählen, ohne etwas konkret zu erklären, da es in Wirklichkeit noch keine genaue, kurze und nicht einmal die gleiche Zeit der Vollständigkeit gibt und objektive Definition des Wortes und des Begriffs "Jazz".

Aber es gibt einen großen Unterschied zwischen der Musik von King Oliver und Miles Davis, Benny Goodman und dem Modern Jazz Quartet, Stan Kenton und John Coltrane, Charlie Parker und Dave Brubeck. Viele Komponenten und die sehr ständige Weiterentwicklung des Jazz über 100 Jahre haben dazu geführt, dass auch das Gestern Set seiner exakten Charakteristika heute nicht mehr vollumfänglich angewendet werden kann und die Formulierungen von morgen diametral entgegengesetzt werden können (z.B. für Dixieland und Bebop, Swing Big Band und Combo-Jazzrock).

Es gibt auch Schwierigkeiten, Jazz zu definieren. die Tatsache, dass sie immer versuchen, dieses Problem frontal zu lösen und mit vielen Worten über Jazz zu sprechen, ohne dass es dazu kommt. Offensichtlich könnte es indirekt gelöst werden, indem all jene Merkmale definiert werden, die diese musikalische Welt in der Gesellschaft umgeben, und dann wird es leichter zu verstehen sein, was im Mittelpunkt steht. Gleichzeitig stellt sich die Frage "Was ist Jazz?" wird ersetzt durch "Was versteht man unter Jazz?" Und dann entdecken wir, dass dieses Wort für verschiedene Menschen sehr unterschiedliche Bedeutungen hat. Jeder Mensch füllt diese lexikalische Wortschöpfung nach eigenem Ermessen mit einer bestimmten Bedeutung.

Es gibt zwei Kategorien von Menschen, die dieses Wort verwenden. Manche Leute lieben Jazz, während andere nicht daran interessiert sind. Die meisten Jazzliebhaber haben einen sehr breiten Gebrauch dieses Wortes, aber keiner von ihnen kann feststellen, wo Jazz beginnt und endet, da jeder seine eigene Meinung zu diesem Thema hat. Sie können zwar eine gemeinsame Sprache finden, aber jeder ist überzeugt, dass er Recht hat und weiß, was Jazz ist, ohne auf Details einzugehen. Auch die Berufsmusiker selbst, die den Jazz leben und regelmäßig aufführen, definieren diese Musik sehr unterschiedlich und vage.

Die unendliche Vielfalt der Interpretationen lässt uns keine Chance, zu einem einzigen und unbestreitbaren Schluss zu kommen, dass es sich um Jazz aus rein musikalischer Sicht handelt. Dennoch ist hier ein anderer Ansatz möglich, der in der zweiten Hälfte der 50er Jahre von dem weltberühmten Musikwissenschaftler, Präsidenten und Direktor des New Yorker Instituts für Jazzforschung Marshall Stearns (1908-1966) vorgeschlagen wurde, der stets uneingeschränkten Respekt genoss Jazzkreise aller Länder der Alten und Neuen Welt. In seinem ausgezeichneten Lehrbuch The History of Jazz, erstmals 1956 erschienen, hat er diese Musik aus rein historischer Sicht definiert.

Stearns schrieb: "Zunächst einmal, wo immer man Jazz hört, ist es immer viel einfacher, ihn zu erkennen, als ihn mit Worten zu beschreiben. Traditionen - westeuropäisch und westafrikanisch - also die eigentliche Verschmelzung von weißer und schwarzer Kultur. Und obwohl" in musikalischer Hinsicht spielte hier die europäische Tradition eine vorherrschende Rolle, die rhythmischen Qualitäten, die den Jazz zu einer so charakteristischen, ungewöhnlichen und leicht erkennbaren Musik machten, führen zweifellos seinen Ursprung in Afrika Melodie und afrikanischer Rhythmus."

Aber warum hat der Jazz seinen Ursprung in Nordamerika und nicht in Süd- oder Mittelamerika, wo es auch genug Weiße und Schwarze gab? Denn wenn man von der Heimat des Jazz spricht, wird Amerika zwar immer als seine Wiege bezeichnet, gleichzeitig ist aber meist nur das moderne Territorium der USA gemeint. Tatsache ist, dass wenn die nördliche Hälfte des amerikanischen Kontinents historisch gesehen hauptsächlich von Protestanten (Briten und Franzosen) bewohnt war, darunter viele religiöse Missionare, die versuchten, Schwarze zum christlichen Glauben zu bekehren, dann im südlichen und zentralen Teil dieses riesigen Kontinent dominierten Katholiken (Spanier und Portugiesen), die schwarze Sklaven wie Zugtiere ansahen und sich nicht um das Heil ihrer Seelen kümmerten. Daher konnte es keine signifikante und tief genuge Durchdringung der Rassen und Kulturen gegeben haben, die sich wiederum direkt auf den Erhaltungsgrad der einheimischen Musik afrikanischer Sklaven, vor allem im Bereich ihres Rhythmus, auswirkte. Bisher gibt es in den Ländern Süd- und Mittelamerikas heidnische Kulte, geheime Rituale und hemmungslose Karnevale, die von afrokubanischen (oder lateinamerikanischen) Rhythmen begleitet werden. Es ist nicht verwunderlich, dass in dieser rhythmischen Hinsicht der südliche Teil der Neuen Welt bereits die gesamte Weltpopularmusik unserer Zeit merklich beeinflusst hat, während der Norden dem Schatz der modernen Musikkunst, zum Beispiel Spirituals, etwas anderes gegeben hat und Blues.

Konsequenterweise, so Sterns weiter, ist Jazz im historischen Sinne eine Synthese, die im Original aus 6 grundlegenden Quellen gewonnen wurde. Diese schließen ein:

1. Rhythmen Westafrikas;

2. Arbeitslieder (Feldrufer);

3. religiöse Negerlieder (spirituelle);

4. Weltliche Negerlieder (Blues);

5. Amerikanische Volksmusik der letzten Jahrhunderte;

6. Musik von Minnesängern und Straßenmusikkapellen.

1. Die Ursprünge des Jazz

Die ersten Festungen der Weißen im Golf von Guinea an der Küste Westafrikas erschienen bereits 1482. Genau 10 Jahre später fand ein bedeutendes Ereignis statt - die Entdeckung Amerikas durch Kolumbus. 1620 tauchten die ersten schwarzen Sklaven auf dem modernen Territorium der Vereinigten Staaten auf, die bequem von Westafrika aus mit Schiffen über den Atlantik transportiert wurden. In den nächsten hundert Jahren ist ihre Zahl dort auf hunderttausend angewachsen, und bis 1790 hatte sich diese Zahl verzehnfacht.

Wenn wir "Afrikanischer Rhythmus" sagen, dann müssen wir natürlich bedenken, dass westafrikanische Schwarze nie "Jazz" als solchen gespielt haben - wir sprechen nur über Rhythmus als integralen Bestandteil ihres Lebens in ihrer Heimat, wo sie wurde von einem rituellen "Trommelchor" mit seiner komplexen Polyrhythmie und vielem mehr repräsentiert. Aber Sklaven durften keine Musikinstrumente mit in die Neue Welt nehmen, und zunächst war es ihnen in Amerika sogar verboten, selbstgemachte Trommeln herzustellen, von denen Beispiele erst viel später in ethnographischen Museen zu sehen waren. Außerdem wird keiner von Menschen jeder Hautfarbe mit einem vorgefertigten Rhythmusgefühl geboren, es geht um Traditionen, d.h. in der Kontinuität der Generationen und der Umwelt wurden daher Negerbräuche und -rituale in den Vereinigten Staaten ausschließlich mündlich und aus dem Gedächtnis von Generation zu Generation afroamerikanischer Neger bewahrt und weitergegeben. Wie Dizzy Gillespie sagte: "Ich glaube nicht, dass Gott jemandem mehr geben kann als anderen, wenn er sich in den gleichen Bedingungen befindet. Sie können jeden Menschen nehmen, und wenn Sie ihn in die gleiche Umgebung bringen, dann wird seine Lebensreise definitiv ähnlich wie bei uns sein."

Der Jazz entstand in den Vereinigten Staaten als Ergebnis der Synthese zahlreicher Elemente der umgesiedelten Musikkulturen der Völker Europas einerseits und afrikanischer Folklore andererseits. Diese Kulturen hatten grundlegend unterschiedliche Qualitäten. Afrikanische Musik ist von Natur aus improvisatorisch, sie zeichnet sich durch eine kollektive Form des Musizierens mit starker Polyrhythmik, Polymetrie und Linearität aus. Die wichtigste Funktion darin ist der rhythmische Anfang, die rhythmische Polyphonie, aus der die Wirkung des Kreuzrhythmus entsteht. Der melodische und noch mehr harmonische Anfang ist im afrikanischen Musizieren weit weniger entwickelt als im europäischen. Musik für Afrikaner hat einen höheren Anwendungswert als für Europäer. Es wird oft mit Arbeitsaktivitäten in Verbindung gebracht, mit Ritualen, einschließlich Anbetung. Der Synkretismus verschiedener Kunstarten beeinflusst das Wesen des Musizierens – es tritt nicht unabhängig voneinander auf, sondern in Verbindung mit Tanz, Plastik, Gebet und Rezitation. In einem aufgeregten Zustand der Afrikaner ist ihre Intonation viel freier als die der Europäer, die in eine normalisierte Tonleiter gekettet sind. Call & Response Singen ist in der afrikanischen Musik weit verbreitet.

Die europäische Musik ihrerseits leistete ihren reichen Beitrag zur künftigen Synthese: Melodiekonstruktionen mit Leitstimme, modale Dur-Moll-Standards, harmonische Möglichkeiten und vieles mehr. Überhaupt, relativ gesehen, kollidierte die afrikanische Emotionalität, ein intuitiver Anfang, mit dem europäischen Rationalismus, der sich insbesondere in der Musikpolitik des Protestantismus manifestierte.

2. "Dritter Strom"

Der Begriff "dritter Strom" wurde vom Kritiker John Wilson geprägt. Er skizzierte eine Alternative bzw. Varianten der Synthese des ersten und zweiten Stroms, d.h. akademische Musik und Jazz. Diese Richtung entstand in den 50er Jahren und ist nicht mit einem bestimmten Stil verbunden. Experimentelle Werke verschiedener Musiker fangen symphonische Jazz-, Jazz-Rock- und Avantgarde-Trends ein.

Der Jazz als eine der markantesten musikalischen Künste des 20. Jahrhunderts begann nach und nach die ganze Welt zu erobern und erlangte schließlich einen internationalen Charakter. Dies geschah vor allem aufgrund der Tatsache, dass sich seine Komponisten und Interpreten in ihrer Arbeit oft der Musik anderer Länder und Völker zuwandten – indischer, südamerikanischer, arabischer und natürlich ihrer eigenen Folklore. Die wichtigste Inspirationsquelle für Jazzmusiker auf der Suche nach neuen Richtungen für die Entwicklung ihres Genres waren auch die besten Beispiele der europäischen klassischen Musik und ihrer etwas populäreren Spielarten.

Historische Kontakte klassischer Komponisten mit dem Jazz sind bekannt, hier könnten beispielsweise Dutzende berühmter Namen genannt werden (dies sind Dvorak, Strawinsky, Debussy, Ravel, Millau, Honegger, Kschenek sowie Copland, Gershwin und Bernstein), aber ihre Versuche wurden von dem Wunsch geleitet, nur bestimmte Elemente des Jazz in die akademische Musik einzubringen. Umgekehrt gibt es viele experimentelle Werke interessierter Jazzmusiker, die versucht haben, bestimmte Prinzipien der symphonischen Entwicklung anzuwenden und die ursprünglichen Prinzipien der klassischen Musik in ihren Jazzpartituren zu verwenden.

In verschiedenen Jahrzehnten führten solche Experimente manchmal sogar zur Entstehung neuer, wenn nicht gar Stile, so doch eigenständiger Zweige im Stammbaum der Jazzgeschichte - in den 1920er Jahren war es also "Symphonic Jazz" (Paul Whiteman, der wollte "aus dem Jazz eine Dame machen"), in den 40ern - "progressiv" (Stan Kenton) und in den 60ern - "der dritte Satz".

"Die dritte Strömung" wird gerade in der Jazzgeschichte erwähnt, weil dann die Jazzer von ihrer Seite dazu kamen und nicht die Klassiker. Es war eine experimentelle Richtung des modernen Jazz, deren Vertreter versuchten, umfangreiche Werke für gemischte Orchesterensembles zu schaffen, die sowohl akademische Interpreten als auch Jazzimprovisatoren umfassten.

Die Kompositionen des "dritten Trends" zeichnen sich durch eine organischere Verschmelzung europäischer Kompositionstechnik mit Jazztraditionen aus. Prominenteste Vertreter dieses Trends in den USA waren die Musiker und Komponisten Gunther Schuller, John Lewis (Leiter des Modern Jazz Quartet), Gary McFarland, Jimmy Juffrey und andere.

Bekannt sind zum Beispiel gemeinsame Aufführungen (und Aufnahmen) von Duke Ellington mit den Orchestern der Mailänder Scala und dem London Symphony. Mit dieser Kombination entstehen neue harmonische und instrumentale Schattierungen, sozusagen moderne "intellektuelle Musik". Es hat eine klassische Herangehensweise an das Thema, bleibt aber im Kern sehr jazzig. Es ist durchaus möglich, diese beiden Komponenten in einer Musikform zu synthetisieren, die sowohl dem Jazz (Improvisationsfreiheit, Swinggefühl, Frische neuer Klangfarben) als auch der Technik der "ernsten" Kompositionen (Techniken aus dem Bereich der 12- Tonmusik, Polyphonie, Polytonalität, Polyrhythmus, allgemeine thematische Entwicklung usw.).

Mit Kompositionen für Jazzquartett und Sinfonieorchester hat Dave Brubeck maßgeblich zum dritten Satz beigetragen. Die Tradition, ein Sinfonieorchester und ein Jazzensemble oder gar ein Orchester zu kombinieren, wird von Wynton Marsalis und seinem Lincoln Center Orchestra fortgeführt.

3. Zeitgenössischer Blues. Big Bands aus der Post-Swing-Ära

Historisch drang der Blues nach und nach in die großen Industriezentren vor und gewann dort schnell an Popularität. Es etablierte die charakteristischen Merkmale, die von der Musik der Afroamerikaner übernommen wurden, und definierte klar die 12-taktige Form (als die typischste) und definierte die harmonische Begleitung basierend auf der Blues-Tonleiter. Zu den bekanntesten Jazz-Blues-Interpreten der 50-60er Jahre. waren Jimmy Rushing (1903-1972) und Joe Williams (1918-1999).

In den späten 40er und frühen 50er Jahren entstand eine neue Spielart - "Rhythm and Blues" - es war eine urbane Modifikation des klassischen Blues, die sich in den schwarzen Vierteln der größten Städte der Vereinigten Staaten verbreitete. Mit den melodisch-harmonischen Hauptmitteln des Blues zeichnet sich "rnb" durch eine deutliche Steigerung der Instrumentalbegleitung, eine ausdrucksstarke Spielweise, schnellere Tempi, einen klar ausgeprägten Rhythmus und einen energischen Beat aus, der in Form von abwechselnd massiven und durchschlagender Schlag auf 1 und 3 Schlägen eines Taktes mit trockenem und gebrochenem Akzent auf den Schlägen 2 und 4. Die Darbietung zeichnet sich durch unnachgiebige emotionale Spannung, lauten Klang, betonende "Blues-Noten", häufige Übergänge des Sängers zum Falsett, maximale Intensität (Druck, "Drive") der Klangbegleitung aus und basiert auf der Antiphon von kurzen "Riffs" des Sängers und der Begleitung.

Bis Ende der 40er Jahre. "rnb" in "Live"-Ton und auf Schallplatten (in einer Reihe von sogenannten "Rassenaufnahmen") war hauptsächlich nur der Negerbevölkerung in großen Industriestädten bekannt. Die Favoriten dieses Trends waren in diesen Jahren die Saxophonisten Louis Jordan und Earl Bostic, die Gitarristen "T-Bone" Walker und Muddy Waters, der Pianist Jay McShann und etwas später Ray Charles, Sänger Big Joe Turner.

In den frühen 50er Jahren entstand jedoch auch bei Weißen Interesse an dieser rhythmischen Musik. Allmählich entstand bei der weißen Jugend eine wachsende Nachfrage nach "rnb" -Stücken, und eine Reihe von Musikern wandten sich dieser Richtung zu und wurden in diesen Jahren zu aktiven Propagandisten von "rnb", was dann die populäre Musik revolutionierte und zur Entstehung von " Rock'n'Roll". Als der weiße Gitarrist Bill Haley und seine Band am 12. April 1954 die berühmte R&B-Nummer Rock Around the Clock einspielten, gilt das Erscheinungsdatum dieser Aufnahme seitdem als Geburtstag des Rock and Roll, und das Thema selbst ist seine Hymne.

In diesen Jahren trat der weiße Discjockey Alan Freed (1922-1965) beim Radiosender Cleveland auf, der begann, regelmäßig Aufnahmen von "Rhythm and Blues"-Künstlern auszustrahlen, und jetzt können wir sagen, dass Freed fast allein dafür verantwortlich ist, den gesamten Kurs zu ändern Amerikanische Popmusik. Er war es, der schwarze Songwriter und Rhythm and Blues-Künstler aus dem rassischen Vorhang holte und sie einem breiten Publikum weißer Teenager vorstellte. In einem Anfall von Inspiration nannte er diese Aufnahmen "Rock and Roll" und machte den Begriff bei jungen Leuten auf der ganzen Welt populär.

Diese angepasste Version von "rnb" reduzierte sich auf drei Grundakkorde, ein paar einfache E-Gitarren-"Riffs" und einen schweren, monotonen Beat mit starken Akzenten auf dem 2. und 4. Beat des Taktes (also auf dem "Off Beat"). Die Harmonie des „Rock and Roll“ basierte jedoch noch immer auf dem 12-taktigen Blues-Schema, so dass sein Hauptverdienst darin bestand, dass er im musikalischen Massenbewusstsein weißer Amerikaner und nach ihnen Europäern das grundlegende Konzept des Blues etablierte. die ein enormes Potenzial für die Entwicklung von Rhythmus, Melodie und Harmonie hat. Der Blues belebte nicht nur die populäre Musik im Allgemeinen, sondern änderte auch seine frühere "weiße" europäische Ausrichtung und öffnete die Tür zu einem breiten Fluss von Innovationen und Anleihen aus Musikkulturen aus anderen Teilen der Welt, beispielsweise der lateinamerikanischen Musik.

Die harten wirtschaftlichen Bedingungen nach dem Zweiten Weltkrieg und die wechselnden Interessen von Publikum und Managern hatten radikale Auswirkungen auf viele Bigbands der Swing-Ära. Die meisten sind für immer weg. Anfang der 50er Jahre begann jedoch eine Wiederbelebung des Genres. Mit Mühe aber wurden die Orchester von Benny Goodman, Count Basie, wenig später restauriert - das Orchester von Duke Ellington. Das Publikum wollte wieder Vorkriegshits hören. Trotz der bedeutenden Erneuerung der Besetzungen und der Ankunft junger Musiker stellten die Leiter, die dem Willen des Publikums folgten, das alte Repertoire wieder her. Von diesen drei Säulen der Swing-Ära war nur Duke Ellington auf dem Weg der Veränderung. Dies betraf seine weit verbreitete Verwendung der Suitenform, die während der Kriegsjahre begann. Groß angelegte Suiten mit Programminhalten sind in seinem Repertoire erschienen. Eine bedeutende Etappe war die Entstehung der "Konzerte der Kirchenmusik" (1965-66) für Orchester, Chor, Solisten und Tänzer. Die energiegeladenen Darbietungen des Big-Band-Vibraphonisten Lionel Hampton setzten sich vor allem auf die Musikalität und den Charme ihres Leaders ab.

Nach und nach wurden einige der Orchester zu Gedenkformationen, die die etablierten Traditionen unterstützten. Dazu gehören das 1944 verstorbene Glenn Miller Orchestra, das Count Basie Orchestra, das nach dem Tod des Leaders 1984 unter dem gleichen Namen existiert, unter der Leitung von Mercer Ellington (Sohn von Duke) und dann von seinem Enkel Paul Mercer Ellington, dem Duke Ellington Orchestra (mind. 1974).

Progressive Orchester verloren nach und nach ihren experimentellen Geist und erlangten ein relativ normales Repertoire. Die Orchester von Woody Herman und Stan Kenton, die die interessantesten Solisten hervorgebracht hatten, gaben den Staffelstab an ihre jüngeren Kollegen weiter. Unter ihnen sind die Bands zu erwähnen, die einen neuen Klang geschaffen haben, der auf hellen Arrangements, Polystilistik und einer neuen Verwendung des Klangs von Blechblasinstrumenten, hauptsächlich Trompeten, basiert. Die Bands der Trompeter Maynard Fergusson und Don Ellis wurden in den 60er Jahren zu solchen Zentren des Orchesterklangs. Eine konsequente Bewegung in die eingeschlagene Richtung fand im Kreativlabor eines der Gründer der Cool Gil Evans statt. Seine eigenen Auftritte, Aufnahmen unter Beteiligung von Miles Davis an der Wende der 50er – 60er Jahre, weitere Experimente mit modaler Musik und Elementen des Jazz-Rock in den 70er Jahren waren eine wichtige Einzelbewegung in der Jazzgeschichte.

In den 70er Jahren gab ein Orchester, bestehend aus jungen und sehr starken Musikern der New Yorker Jazzszene, dem Trompeter Thad Jones, einem ehemaligen Mitglied der Basie-Band, und dem Schlagzeuger Mel Lewis, der spielte im Orchester Stan Kenton. Ein Jahrzehnt lang galt diese Band dank der großartigen modernen Arrangements und dem hohen Niveau der Instrumentalisten als die beste. Das Orchester löste sich durch Jones' Umzug nach Dänemark auf, doch Mel Louis versuchte lange Zeit, ihn in Zusammenarbeit mit dem Posaunisten und Arrangeur Bob Brookmeier zu unterstützen. Den ersten Platz in der Welthierarchie belegte in den 80er Jahren eine Band, die von der japanischen Pianistin und Arrangeurin Toshiko Akiyoshi zusammen mit ihrem Mann, dem Saxophonisten Lew Tabakin, gegründet wurde. Dieses Orchester ist schon insofern ungewöhnlich, als es von einer Frau geschaffen wurde, es spielt hauptsächlich ihre Werke, folgt aber weiterhin amerikanischen Orchestertraditionen. 1985 wurde das Orchester aufgelöst und Akiyoshi gründete eine neue Band namens "Toshiko Akiyoshi's New York Jazz Orchestra".

In den 90er Jahren trocknete das Genre der Big Bands nicht aus, sondern wurde vielleicht gestärkt. Gleichzeitig hat sich das Spektrum der Orchesterstilistik erweitert. Der konservative Flügel wird neben den Gedenkorchestern durch das Lincoln Center Orchestra repräsentiert, angeführt von einem der beliebtesten offiziellen Jazzmusiker, dem talentierten Trompeter und Komponisten Winton Marsalis. Dieses Orchester versucht, Duke Ellingtons Linie zu folgen, Stücke von großer Form und programmatischem Charakter zu schaffen. Vielfältiger ist die Arbeit der sehr starken und moderneren Charles Mingus Big Band. Diese Band zieht kreative Musiker an. Radikalere Ideen werden von verschiedenen "Workshops" vorübergehender Natur und von verschiedenen Bands mit avantgardistischen Ideen vertreten. Zu diesen Orchestern zählen die Bands von Sam Rivers, George Gruntz und zahlreiche europäische Mischkonzerne.

4. Hardbop. Funky

Im Gegensatz zur Raffinesse und Coolness des coolen Stils, der Rationalität des Progressiven an der Ostküste der USA, entwickelten junge Musiker Anfang der 50er Jahre den scheinbar erschöpften Bebop-Stil weiter. Der für die 1950er Jahre charakteristische Anstieg des Bewusstseins der Afroamerikaner spielte dabei eine wesentliche Rolle. Es wurde erneut darauf aufmerksam gemacht, den Glauben an afroamerikanische Improvisationstraditionen aufrechtzuerhalten. Gleichzeitig blieben alle Errungenschaften des Bebop erhalten, aber viele der Errungenschaften des Kul kamen sowohl im Bereich der Harmonie als auch im Bereich der rhythmischen Strukturen hinzu. Der Musikernachwuchs hatte in der Regel eine gute musikalische Ausbildung. Diese "Hardbop" genannte Bewegung erwies sich als sehr zahlreich. Dazu gehören die Trompeter Miles Davis, Fats Navarro, Clifford Brown, Donald Byrd, die Pianisten Thelonious Monk, Horace Silver, der Schlagzeuger Art Blakey, die Saxophonisten Sonny Rollins (Hank Mobley) Hank Mobley), Cannonball Adderly, der Kontrabassist Paul Chambers und viele andere.

Für die Entwicklung des neuen Stils erwies sich eine weitere technische Neuerung als wesentlich, nämlich das Erscheinen von LPs. Jetzt können Sie lange Soli aufnehmen. Für Musiker wurde dies zu einer Versuchung und einer schweren Prüfung, da sich nicht jeder lange Zeit vollständig und prägnant ausdrücken kann. Die ersten, die sich diese Vorteile zunutze machten, waren Trompeter, die Dizzy Gillespies Stil zu einem ruhigeren, aber tiefen Spiel modifizierten. Die einflussreichsten waren Fats Navarro und Clifford Brown (beide waren dazu bestimmt, einen zu kurzen Lebensweg einzuschlagen). Das Hauptaugenmerk dieser Musiker lag nicht auf virtuosen Hochgeschwindigkeitspassagen im oberen Register, sondern auf durchdachten und logischen Melodielinien.

Die musikalische Komplexität, die beispielsweise Art Blakey mit komplexen rhythmischen Strukturen erreichte, führte nicht zum Verlust der jazzigen, emotionalen Spiritualität. Gleiches gilt für die neue Formgebung in Horace Silvers Improvisationen oder in den polyrhythmischen Figurationen in Sonny Rollins Solo. Die Musik hat Härte, Schärfe und eine neue Dimension des Swing angenommen. Eine besondere Rolle bei der Entwicklung des Hardbop spielte Art Blakey, der 1955 das Ensemble „Jazz Messengers“ gründete. Diese Komposition spielte die Rolle einer Schule, in der das Talent zahlreicher Vertreter dieses Trends offenbart und gedeiht. Dazu zählen die Pianisten Bobby Timmons und Horace Silver, die Saxophonisten Benny Golson, Hank Mobley, die Trompeter Lee Morgan, Kenny Dorham, Winton Marsalis und viele andere. "Jazz Messenger" gibt es in der einen oder anderen Form bis heute, nachdem sie ihren Anführer (1993) überlebt haben.

Der Tenorsaxophonist Sonny Rollins nimmt in der Galaxis der Hardbop-Musiker einen besonderen Platz ein. Sein Stil besteht aus Parker-Linien und dem breiten Ton von Coleman Hawkins, und Innovation verdankt er seinem Temperament und seiner Spontaneität als Improvisator. Es zeichnet sich durch eine besondere Freiheit im Einsatz harmonischer Materialien aus. Mitte der 1950er Jahre machte Rollins mit den Besonderheiten seiner Phrasierung auf sich aufmerksam, die eine großartige polyrhythmische Figur ist, die das harmonische Material des Themas zerreißt. In seinen melodischen Improvisationen liegt eine Härte des Klangs, musikalischer Sarkasmus.

Ein Teil der Musik, die während der "Hardbop"-Periode entstand, absorbierte natürlich den Blues, der in einem langsamen bis mittleren Tempo mit einem besonderen Ausdruck verwendet wurde, der auf einem ausgeprägten Beat basiert. Dieser Stil wird "funky" genannt. Das Wort ist umgangssprachlich und bedeutet eine verstärkende Definition eines stechenden, stechenden Geruchs oder Geschmacks. Im Jazz steht es für bodenständige, "echte" Musik. Die Entstehung dieses Zweiges ist kein Zufall. In den 50er Jahren gab es im Jazz eine Abkehr von der alten Neger-Essenz des Jazz, und die Schwächung der Jazzsprache machte sich bemerkbar. Es ist immer schwieriger zu bestimmen, welche Art von Musik als Jazz wahrgenommen werden soll. Jazzmusiker experimentierten mit Folklore verschiedener Völker, sie fühlten sich von Impressionismus und Atonalismus angezogen, sie begannen sich von der Alten Musik mitreißen zu lassen. Diese Prozesse waren nicht für alle überzeugend genug. Eine Reihe von Musikern wandte sich Kompositionen zu, die stark vom Klang des traditionellen Blues und religiösen Gesängen geprägt waren. Ursprünglich war das religiöse Element eher dekorativ als funktional. Manchmal spielten die altmodischen Schreie der Baumwollfelder die Rolle einer Einführung in ganz traditionelle Bebop-Figuren. Sonny Rollins zeigt Zeichen dieses Stils, doch seinen markantesten Ausdruck findet sich im Pianisten Horace Silver, der den Funky Blues kreierte. Die Aufrichtigkeit seiner Musik wurde durch religiöse Motive verstärkt, die den Musiker leiteten.

Aus dem funkigen Stil ist die Figur des Charles Mingus gewachsen – ein Kontrabassist, Komponist und Bandleader, ein Musiker, der nicht in den Rahmen eines bestimmten Stils passt. Mingus hat es sich zur Aufgabe gemacht, beim Hörer ganz bestimmte emotionale Empfindungen hervorzurufen. Gleichzeitig wurde die Last zwischen der Komposition selbst und den Musikern verteilt, die improvisieren mussten und genau diese Emotionen erlebten. Mingusa darf wohl zu den ganz wenigen Jazzkomponisten zählen. Er selbst betrachtete sich als Anhänger von Duke Ellington und wandte sich dem gleichen Bereich der afroamerikanischen Kultur, Religiosität, Mystik zu - ein Bereich, der den Einsatz funkiger Stiltechniken erforderte..

5. Free-Jazz

In den frühen 60er Jahren war die nächste Runde in der Entwicklung von Jazzstilen zu einem großen Teil auf die Stärkung der rassischen Identität schwarzer Musiker zurückzuführen. In der Jugend dieser Zeit drückte sich dieser Prozess in sehr radikalen Formen aus, auch im Jazz, der seit jeher ein Ventil für die Kultur der Afroamerikaner war. In der Musik manifestierte sich dies wiederum in dem Wunsch, die europäische Komponente aufzugeben, zu den Wurzeln des Jazz zurückzukehren. Im neuen Jazz wandten sich schwarze Musiker nichtchristlichen Religionen zu, vor allem Buddhismus und Hinduismus. Andererseits ist diese Zeit geprägt vom Aufkommen von Protestwellen, sozialer Instabilität, unabhängig von der Hautfarbe (Hippiebewegung, Anarchismus, Faszination für östliche Mystik). Der damals entstandene "Free Jazz" hat sich vom ganzen Hauptentwicklungsweg des Jazz, vom Mainstream, scharf abgewendet. Die Kombination der Vollständigkeit spiritueller und ästhetischer Erfahrungen mit einer grundlegend neuen Herangehensweise an die Organisation von musikalischem Material grenzte den neuen Jazz vollständig von der Sphäre der populären Kunst ab. Dies war eine dramatische Beschleunigung des Prozesses, den die Boppers begannen.

Dixieland- und Swing-Stylisten schufen melodische Improvisationen, wobei Bebop-, Cool- und Hardbop-Musiker den Akkordstrukturen in ihren Soli folgten. Free Jazz war eine radikale Abkehr von früheren Stilen, da der Solist in diesem Stil nicht verpflichtet ist, einer bestimmten Richtung zu folgen oder eine Form nach den bekannten Kanons zu bilden, er kann in jede unvorhersehbare Richtung gehen. Das Hauptstreben der Führer des Free Jazz war zunächst eine destruktive Orientierung in Bezug auf Rhythmus, Struktur, Harmonie, Melodie. Die Hauptsache war für sie höchste Ausdruckskraft, geistige Blöße, Ekstase. Die ersten Experimente der neuen Jazzmusiker Cecil Taylor, Ornette Coleman, Don Cherry, John Coltrane, Archie Shepp, Albert Ayler brachen die Verbindung zu den Mainstream-Normen nicht. Die ersten Free-Jazz-Aufnahmen appellieren noch an harmonische Gesetze. Dieser Prozess erreicht jedoch nach und nach den äußersten Punkt des Traditionsbruchs. Als Ornette Coleman dem New Yorker Publikum den Free Jazz vollständig vorstellte (trotz der Tatsache, dass Cecil Taylor schon früher und ziemlich bekannt war), kamen viele der Bebop-Musiker und Jazzkenner zu dem Schluss, dass diese Musik nicht nur als Jazz, sondern auch als Jazz angesehen werden kann , eigentlich Musik. So wurden die ehemaligen Radikalen in weniger als 15 Jahren zu Konservativen.

Einer der frühesten Kanonenzerstörer war Cecil Taylor, der zum Zeitpunkt seines Erwachsenenalters ein hochqualifizierter Musiker war. Er absolvierte das Konservatorium, kannte Jazz gut und dachte darüber nach, die Prinzipien der Komponistenmusik auf den Improvisationsprozess anzuwenden. 1956 gelang ihm zusammen mit dem Saxophonisten Steve Lacy (Steve Lacy) eine CD mit einigen Ideen des neuen Jazz. Der früh verstorbene Pianist und Komponist Herbie Nichols ging weitgehend den gleichen Weg, größtenteils von Thelonious Monk. Trotz der Schwierigkeit, Musik wahrzunehmen, die keine gewöhnlichen Wahrzeichen enthält, wurde Cecil Taylor bereits 1958 zu einer berühmten Persönlichkeit, was durch seine Auftritte im Club "Five Spot" erleichtert wurde.

Im Gegensatz zu Taylor hatte Ornette Coleman, die andere Begründerin des Free Jazz, umfangreiche Erfahrung mit Auftritten und spielte nie "richtig". Vielleicht hat sich Coleman unwissentlich als Meister des Primitivismus herausgebildet. Dies wiederum verschaffte ihm die Grundlage für einen leichten Übergang zur nicht-normativen Musik, den er gemeinsam mit dem Trompeter Don Cherry durchführte. Die Musiker hatten Glück, sie interessierten sich für den Kontrabassisten Red Mitchell und den Pianisten John Lewis, die im Musikerumfeld Gewicht hatten. 1959 veröffentlichten die Musiker die Scheibe "Something Else!!" und bekam ein Engagement bei "Five Spot". Ein Meilenstein für den neuen Jazz war 1960 Ornette Colemans Doppelband-Platte „Free Jazz“.

Free Jazz überschneidet sich oft mit anderen Avantgarde-Bewegungen, die beispielsweise ihre Form und Abfolge rhythmischer Strukturen nutzen können. Free Jazz ist seit seinen Anfängen in der Hand einer kleinen Anzahl von Menschen geblieben und findet sich normalerweise im Underground, beeinflusst jedoch den modernen Mainstream sehr stark. Trotz der totalen Verleugnung hat sich im Free Jazz eine gewisse Normativität entwickelt, die es ermöglicht, ihn von anderen New-Jazz-Trends abzugrenzen. Diese Konventionen beziehen sich auf den Gesamtplan des Stückes, das Zusammenspiel der Musiker, die rhythmische Unterstützung und natürlich den emotionalen Plan. Anzumerken ist, dass die alte Form der kollektiven Improvisation im Free Jazz wieder aufgetaucht ist. Für den Free Jazz ist es charakteristisch geworden, mit einer „offenen Form“ zu arbeiten, die nicht an bestimmte Strukturen gebunden ist. Dieser Ansatz begann sich bei Musikern zu manifestieren, die nicht reiner Free Jazz sind - wie zum Beispiel Keith Jarretts spontane Improvisationen bei seinen Recitals.

Die Ablehnung des „New Jazz“ von europäischen Musiknormen führte zu einem großen Interesse an außereuropäischen Kulturen, vor allem im Osten. John Coltrane nahm indische Musik sehr ernst, Don Cherry - Indonesisch und Chinesisch, Farrow Sanders - Arabisch. Darüber hinaus ist diese Orientierung nicht oberflächlich, dekorativ, sondern tief, mit dem Wunsch, den ganzen Charakter nicht nur der entsprechenden Musik, sondern auch ihrer ästhetischen und spirituellen Umgebung zu verstehen und aufzunehmen.

Free Jazz-Idiome sind oft ein fester Bestandteil der polystylistischen Musik geworden. Eine der auffälligsten Manifestationen dieses Ansatzes ist die Kreativität der Gruppe schwarzer Musiker aus Chicago, die in den 60er Jahren unter der Schirmherrschaft der Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM) auftraten. Später gründeten diese Musiker (Lester Bowie, Joseph Jarman, Rascoe Mitchell, Malachi Favors, Don Moye) das "Chicago Art Ensemble", von afrikanischen Ritualzaubern über Gospelmusik bis hin zu Free Jazz. Eine andere Seite des gleichen Prozesses zeigt sich in der Arbeit des Klarinettisten und Saxophonisten Anthony Braxton, der eng mit dem Chicago Artistic Ensemble verbunden ist. Seine Musik ist sowohl frei als auch intellektuell. Manchmal verwendet Braxton mathematische Prinzipien für seine Kompositionen, zum Beispiel die Gruppentheorie, aber dies tut der emotionalen Wirkung seiner Musik keinen Abbruch. Die Debatte über die Möglichkeit dieser Art von Musik dauert bis heute an. So bezeichnet die offizielle Autorität des amerikanischen Jazz-Establishments, Winton Marsalis, Braxton verächtlich als "guten Schachspieler", gleichzeitig belegt Marsalis in den Umfragen der American Association of Jazz Journalists die nächste Reihe nach Braxton in der Kategorie von Jazzkomponisten.

Es sei darauf hingewiesen, dass das Interesse am Free Jazz Anfang der 70er Jahre begann, die kreativ denkenden Musiker Europas zu erfassen, die oft seine Prinzipien der "Freiheit" mit den Entwicklungen der europäischen Musikpraxis des 20 Technik, Aleatorik, Sonoristik usw. Auf der anderen Seite entfernen sich einige Führer des Free Jazz vom extremen Radikalismus und bewegen sich in den 80er Jahren hin zu einer Art Kompromiss, wenn auch originellen Musikversionen. Darunter Ornette Coleman mit dem Projekt "Prime Time", Archie Shepp und andere.

6. Entwicklung der Fusion: Jazz-Rock. Verschmelzung. ECM. Weltjazz

Die ursprüngliche Definition von "Jazzrock" war die klarste: die Kombination von Jazzimprovisation mit der Energie und den Rhythmen der Rockmusik. Bis 1967 existierten die Welten von Jazz und Rock fast getrennt. Aber zu dieser Zeit wird Rock kreativer und komplizierter, psychedelischer Rock, Soulmusik erscheint. Gleichzeitig wurde einigen Jazzmusikern der pure Hardbop zu langweilig, sie wollten aber keine schwer verständliche Avantgarde-Musik spielen. Infolgedessen begannen zwei verschiedene Idiome, sich auszutauschen und ihre Kräfte zu bündeln. Ab 1967 begannen Gitarrist Larry Coryell, Vibraphon Gary Burton, Schlagzeuger Billy Cobham 1969 mit der Band "Dreams", in der die Brecker Brothers spielten, neue stilistische Weiten zu meistern. In den späten 1960er Jahren hatte Miles Davis das Potenzial, zum Jazzrock überzugehen. Er war einer der Begründer des Modal Jazz, auf dessen Grundlage Miles mit 8/8-Rhythmus und elektronischen Instrumenten einen neuen Schritt geht und die Alben "Bitches Brew", "In a Silent Way" einspielt. Zusammen mit ihm gibt es zu dieser Zeit eine brillante Galaxie von Musikern, von denen viele später zu den Grundfiguren dieser Richtung werden - John McLaughlin, Joe Zawinul, Herbie Hancock. Askese, Lakonismus, philosophische Kontemplation, die für Davis charakteristisch sind, erwiesen sich im neuen Stil als sehr nützlich. In den frühen 1970er Jahren hatte Jazzrock als kreativer Jazzstil eine eigene Persönlichkeit, obwohl er von vielen Jazzpuristen belächelt wurde. Die Hauptbands der neuen Richtung waren "Return To Forever", "Weather Report", "The Mahavishnu Orchestra", verschiedene Ensembles von Miles Davis. Sie spielten hochwertigen Jazzrock, der eine große Bandbreite an Jazz- und Rocktechniken kombinierte.

Verschmelzung

Die interessantesten Jazz-Rock-Kompositionen zeichnen sich durch Improvisation in Verbindung mit kompositorischen Lösungen, die Verwendung harmonischer und rhythmischer Prinzipien der Rockmusik, die aktive Verkörperung der Melodie und den Rhythmus des Ostens, die kraftvolle Einführung elektronischer Mittel der Klangverarbeitung und -synthese aus in die Musik. In diesem Stil hat sich der Anwendungsbereich der Modalprinzipien erweitert, die ganze Reihe verschiedener, auch exotischer Modi. In den 70er Jahren wurde Jazzrock unglaublich populär, die aktivsten Musiker schlossen sich ihm an. Jazz-Rock, entwickelt in Bezug auf die Synthese verschiedener musikalischer Mittel, wurde "Fusion" (Fusion, Fusion) genannt. Ein zusätzlicher Impuls für "Fusion" war die nächste (nicht die erste in der Geschichte des Jazz) Verbeugung gegenüber der europäischen akademischen Musik. Tatsächlich setzt die Fusion in dieser Phase die Linie des "dritten Trends" der 50er Jahre fort.

Die Kombination verschiedener kultureller Einflüsse beeinflusst selbst die interessantesten Ensembles. Ein bemerkenswertes Beispiel ist "Weather Report", inszeniert von dem ursprünglich amerikanisierten österreichischen Keyboarder Joseph Zawinul und dem amerikanischen Saxophonisten Wayne Shorter, die jeweils zu unterschiedlichen Zeiten die Miles Davis School besuchten. Das Ensemble vereint Musiker aus Brasilien, der Tschechoslowakei, Peru. Später begannen Instrumentalisten und Sänger aus fast der ganzen Welt mit Zawinul zusammenzuarbeiten. Im Nachfolger von "Weather Report", dem Projekt "Syndicat", reicht die Geographie der Musiker von Tuva bis Südamerika.

Leider erwirbt Jazz-Rock im Laufe der Zeit weitgehend die Merkmale kommerzieller Musik, andererseits gibt der Rock selbst viele der kreativen Entdeckungen ab, die Mitte der 1970er Jahre gemacht wurden. In vielen Fällen wird Fusion tatsächlich zu einer Kombination von Jazz mit normalem Pop und leichtem Rhythm and Blues; Überkreuzung. Der Ehrgeiz der Fusionsmusik nach musikalischer Tiefe und Ermächtigung ist unerfüllt geblieben, obwohl die Suche in seltenen Fällen weitergeht, beispielsweise in Bands wie Tribal Tech und Chick Corea Ensembles.

Elektrischer Jazz

Der Einsatz von elektronischen Tonwandlern und Synthesizern hat sich für Musiker, die vornehmlich an der Grenze zu Rock- oder kommerzieller Musik stehen, als äußerst attraktiv erwiesen. Tatsächlich gibt es in der allgemeinen Masse der Elektromusik relativ wenige fruchtbare Beispiele. So gelang beispielsweise Joe Zawinul im Projekt "Weather Report" eine sehr wirkungsvolle Verschmelzung ethnischer und klanglicher Elemente. Herbie Hancock ist längst kein Idol des Publikums, sondern der Musiker geworden, die in den 70er und 80er Jahren Synthesizer, zahlreiche Keyboards und diverse elektronische Tricks einsetzten. In den 90er Jahren bewegt sich dieser Musikbereich zunehmend in den Nicht-Jazz-Bereich. Dies wird durch die erweiterten Möglichkeiten der Computermusikerstellung erleichtert, die mit bestimmten Vorteilen und Fähigkeiten den Bezug zur Hauptqualität des Jazz – der Improvisation – verliert.

Eine eigene Nische in der Gemeinschaft der Jazzstile besetzte seit den frühen 70er Jahren die deutsche Firma ECM (Edition of Contemporary Music), die nach und nach zu einem Zentrum für die Vereinigung von Musikern wurde, die sich nicht so sehr zum afroamerikanischen Ursprung des Jazz bekennen wie die Fähigkeit, unterschiedlichste künstlerische Aufgaben zu lösen, sich nicht auf einen bestimmten Stil zu beschränken, sondern im Einklang mit dem kreativen Improvisationsprozess. Im Laufe der Zeit entwickelte sich jedoch ein gewisses Gesicht des Unternehmens, das zur Trennung der Künstler dieses Labels in eine groß angelegte und ausgeprägte Stilrichtung führte. Die Ausrichtung des Labelgründers Manfred Eicher, eine Vielzahl von Jazz-Idiomen, Weltfolklore und neue akademische Musik in einem einzigen impressionistischen Klang zu vereinen, ermöglichte mit Hilfe dieser Mittel den Anspruch auf Tiefe und philosophisches Verständnis von Lebenswerten.

Das Hauptaufnahmestudio der Osloer Firma korreliert eindeutig mit einer führenden Rolle im Katalog skandinavischer Musiker. Das sind in erster Linie die Norweger Jan Garbarek, Terje Rypdal, Arild Andersen, Nils Petter Molvaer, Jon Christensen. Die Geographie von ECM umfasst jedoch die ganze Welt. Hier sind die Europäer John Surman, Dave Holland, Eberhard Weber, Rainer Bruninghaus, Tomasz Stanko, Mikhail Alperin und Vertreter außereuropäischer Kulturen Egberto Gismonti (Egberto Gismon) , Zakir Hussain, Flora Purim, Trilok Gurtu, Nana Vasconcelos, Hariprasad Chaurasia, Anouar Brahem und viele andere. Ebenso repräsentativ ist die American Legion - Keith Jarrett, Jack DeJohnette, Don Cherry, Charles Lloyd, Ralph Towner, Redman Dewey, Bill Frisell, John Abercrombie (John Abercrombie, Leo Smith. Aus dem anfänglichen revolutionären Impuls der Unternehmenspublikationen wurde im Laufe der Zeit ein meditativ-distanzierter Klang offener Formen mit sorgfältig polierten Klangschichten. Natürlich hat Eicher die unsichtbare Grenze überschritten, die zahlreiche Versuche trennte, Jazz und akademische europäische Musik zu verbinden. Dies ist kein dritter Trend, sondern einfach ein Trend, der nahtlos in die "New Series" von ECM mit akademischer Musik einfließt, die im Geiste Jazz-Veröffentlichungen sehr ähnlich ist. Die Ausrichtung der Auslandspolitik des Labels auf die Massenkultur führte jedoch zu einer Zunahme der Popularität dieser Musikrichtung, die als eine Art Paradox angesehen werden kann. Einige Anhänger des Mainstreams bestreiten den von den Musikern dieser Richtung eingeschlagenen Weg; jedoch entwickelt sich der Jazz als Weltkultur trotz dieser Einwände und liefert sehr beeindruckende Ergebnisse.

Weltjazz

"Weltjazz" (World Jazz) - ein Begriff, der auf Russisch seltsam klingt, bezieht sich auf die Verschmelzung der Musik der Dritten Welt, oder "Weltmusik" (World Music), mit Jazz. Diese sehr verzweigte Richtung kann in mehrere Typen unterteilt werden.

Ethnische Musik, die Jazzimprovisationen wie Latin Jazz beinhaltete. In diesem Fall wird manchmal nur das Solo improvisiert. Die Begleitung und Komposition sind im Wesentlichen die gleichen wie in der ethnischen Musik selbst;

Jazz, der begrenzte Aspekte der nicht-westlichen Musik beinhaltete. Beispiele sind Dizzy Gillespies alte Aufnahmen von A Night in Tunesien, Musik von einigen Keith Jarrett-Quartetten und -Quintetten, die in den 1970er Jahren auf Impulse veröffentlicht wurden, mit leicht modifizierten nahöstlichen Instrumenten und ähnlichen harmonischen Techniken. Dazu gehören einige von Sun Ras Musik aus den 50er bis 90er Jahren, die afrikanische Rhythmen enthält, einige von Yusef Lateefs Aufnahmen mit traditionellen islamischen Instrumenten und Techniken;

Neue Musikstile entstehen durch organische Wege der Kombination von Jazzimprovisation mit den ursprünglichen Ideen und Instrumenten, Harmonien, Kompositionstechniken und Rhythmen der bestehenden ethnischen Tradition. Das Ergebnis erweist sich als originell und spiegelt deutlich die wesentlichen Aspekte der Ethnizität wider. Beispiele für diesen Ansatz sind zahlreich und umfassen die Ensembles Don Cherry, Codona und Nu; einige der Musik von John McLaughlin aus den 70er bis 90er Jahren, basierend auf den Traditionen Indiens; einige der Musik von Don Ellis der 70er Jahre, die Ideen aus der Musik Indiens und Bulgariens entlehnt; die Arbeit von Andy Narell in den 90er Jahren, der Trinidads Musik und Instrumente mit Jazzimprovisation und Funky mischte.

Es ist nicht das erste Mal, dass "World Fusion Jazz" diesen Weg in der Geschichte des Jazz beschreitet, und dieser Trend selbst gilt nicht ausschließlich für den amerikanischen Jazz. Zum Beispiel wurde polynesische Musik im frühen 20. Jahrhundert mit westlichen Popstilen vermischt, und ihr Klang war bei einigen der frühesten Jazzmusiker offensichtlich. Karibische Tanzbeats wurden im Laufe des 20. Jahrhunderts zu einem bedeutenden Teil der amerikanischen Popkultur, und da Jazzmusiker oft zu Popthemen improvisierten, vermischten sie sich fast ständig. Django Reinhardt kombinierte in den 30er Jahren in Frankreich die Traditionen der Zigeunermusik, des französischen Impressionismus mit der Jazzimprovisation. Die Liste der im Grenzgebiet tätigen Musiker kann Hunderte oder Tausende von Namen umfassen. Darunter zum Beispiel so unterschiedliche Menschen wie Al DiMeola, Dead Can Dance, Joe Zawinul, Shakti, Lakshminarayana Shankar, Paul Winter, Trilok Gurtu und viele andere.

7. Pop - Jazz : Funk, Acid Jazz, Crossover, Smooth Jazz

Funk

Moderner Funk bezieht sich auf die populären Stilrichtungen des Jazz der 70er und 80er Jahre, in denen die Begleiter im Stil von Black Pop Soul und Funk Musik spielen, während ausgedehnte Soloimprovisationen eher kreativer und jazziger Natur sind. Anstatt die vielfältigen angesammelten Jazz-Idiome aus dem Arsenal moderner Jazz-Saxophonisten (Charlie Parker, Lee Konitz, John Coltrane, Ornette Coleman) zu verwenden, verwenden die meisten Saxophonisten dieses Stils ihre eigenen einfachen Phrasen, die aus Blues-Shouts und stöhnt. Sie bauen auf der Tradition auf, die von Saxophon-Soli in Rhythm-and-Blues-Gesangsaufnahmen wie King Curtis auf Coasters, Junior Walker mit Motown-Gesangsgruppen, David Sanborn Sanborn mit Paul Butterfields Blues Band übernommen wurde. Eine prominente Figur des Genres ist Grover Washington Jr., der oft Solos im Hank-Crawford-Stil mit funkiger Begleitung spielte. So sieht er in seinen berühmtesten Aufnahmen aus, obwohl Washington in der Lage ist, Musik in anderen Jazzstilen zu spielen. Die Jazz Crusaders Felder Wilton und Joe Sample erlangten große Popularität, veränderten ihr Repertoire in den 70er Jahren erheblich und entfernten das Wort "Jazz" aus dem Namen des Ensembles. Ein Großteil der Musik von Michael Brecker, Tom Scott und ihren Schülern folgt diesem Ansatz, obwohl sie genauso gut im Stil von John Coltrane oder Joe Henderson spielen könnten. Auch "Najee", Richard Elliott und ihre Zeitgenossen arbeiten im "Modern Funk"-Stil. Zwischen 1971 und 1992 leitete Miles Davis Ensembles, die eine komplexe Vielfalt dieses Stils aufführten, obwohl die Saxophonisten seiner Gruppe von John Coltrane beeinflusst waren und seine Gitarristen eine moderne Jazz-Mentalität zusammen mit dem Einfluss von Jimy Hendrix zeigten. Viel moderner Funk lässt sich auch als „Crossover“ einordnen.

Acid-Jazz

Viele halten die späten Kompositionen von Miles Davis für die Urahnen dieses Trends. Der Begriff "Acid Jazz" hat sich an eine der Arten von Light-Jazz-Musik gehalten, hauptsächlich des Dance-Genres, die darin besteht, dass sie teilweise von "Live"-Musikern gespielt wird und der Rest entweder in gesampelter Form, oder in Form von Klängen, die aus Schallplatten gewonnen werden, meistens alten, Vinyl-Fünfundvierzig, die für Diskotheken produziert werden. Das musikalische Ergebnis kann jedoch jeden Stil haben, jedoch mit verändertem Klang. Bevorzugter für diese Zwecke ist der radikale "Punk-Jazz", "Soul", "Fusion". Acid Jazz hat auch einen radikaleren Avantgarde-Flügel, wie das Werk des britischen Gitarristen Derek Bailey. Es unterscheidet sich von der Disco-Version des Acid Jazz durch den wesentlichen Beitrag des "Live"-Spiels der Musiker. Offenbar hat diese Richtung eine Zukunft, die es ihr erlaubt, sich zu entwickeln.

Frequenzweiche

Mit dem allmählichen Rückgang der Aktivität der Rockmusik (aus künstlerischer Sicht), beginnend in den frühen 70er Jahren, mit dem Rückgang des Ideenflusses aus der Welt des Rocks, der Fusionsmusik (die Kombination von Jazzimprovisation mit den Rhythmen von Rock) wurde einfacher. Zur gleichen Zeit begannen viele zu erkennen, dass Elektrojazz kommerzieller werden könnte, Produzenten und einige Musiker begannen, nach solchen Kombinationen von Stilen zu suchen, um die Marktfähigkeit zu erhöhen. Sie haben wirklich erfolgreich eine Art Jazz geschaffen, die für den durchschnittlichen Hörer zugänglicher ist. In den letzten zwei Jahrzehnten haben sich viele unterschiedliche Kombinationen herausgebildet, für die Veranstalter und Publizisten gerne den Begriff "Contemporary Jazz" verwenden, um die "Fusion" von Jazz mit Elementen aus Pop, Rhythm and Blues und Weltmusik zu beschreiben. Das Wort "Crossover" bezeichnet jedoch genauer das Wesen der Sache. Crossover und Fusion erreichten ihr Ziel und vergrößerten das Publikum für Jazz, vor allem dank derer, die von anderen Stilrichtungen die Nase voll hatten. In einigen Fällen verdient diese Musik Aufmerksamkeit, obwohl der Inhalt des Jazz in den meisten Fällen auf Null reduziert wird. Für einen Stil, der tatsächlich Pop mit einer leichten Improvisationsnote ist, der über Jazz hinausgeht, passt der Begriff "Instrumental-Pop" am besten. Beispiele für Crossover-Stile reichen von Al Jarreau und George Bensons Gesang bis hin zu Kenny G, Spyro Gyra und den Rippingtons. In all dem steckt ein Jazz-Einfluss, dennoch passt diese Musik in das Reich der Pop-Art, die von Gerald Albright, David Benoit, Michael Brecker, Randy Brecker, "The Crusaders", George Duke, Saxophonist Bill Evans vertreten wird , Dave Grusin, Quincy Jones, Earl Klugh, Hubert Laws, Chuck Manjone Mangione, Lee Ritenour, Joe Sample, Tom Scott, Grover Washington Jr.

Glatt

"Smooth Jazz" ist ein Produkt im Fusion-Stil, das die weiche, geglättete Seite der Musik betont. Generell setzt „Smooth Jazz“ eher auf Rhythmen und Melodielinien statt auf Improvisation. Es verwendet Klangschichten von Synthesizern, Funk-Rhythmen, Funk-Bass, elastische Linien von Gitarre und Trompete, Alt- oder Sopransaxophon. Die Musik ist nicht so intelligent wie Hardbop, aber auch nicht so energisch wie Funky oder Soul Jazz. Die Kompositionen des "Smooth Jazz" wirken schlicht, oberflächlich und poliert, wobei der Gesamtklang wichtiger ist als die einzelnen Teile. Typische Vertreter des „smooth“-Stils sind George Benson, Kenny G., Fourplay, David Sanborn, Spyro Gyra, The Yellowjackets, Russ Freeman.

Die Jazzbewegung in der Musik, die in den USA im Bundesstaat New Orleans gegründet wurde, verbreitete sich dann nach und nach auf der ganzen Welt. Diese Musik erfreute sich in den 30er Jahren größter Beliebtheit, in diese Zeit fiel die Blütezeit dieses Genres, das europäische und afrikanische Kultur verband. Jetzt können Sie viele Untergenres des Jazz hören, wie: Bebop, Avantgarde-Jazz, Soul-Jazz, Cool, Swing, Free Jazz, klassischer Jazz und viele andere.

Jazz verband mehrere Musikkulturen und kam natürlich aus afrikanischen Ländern zu uns, dies kann durch den komplexen Rhythmus und Stil der Aufführung verstanden werden, aber dieser Stil erinnerte eher an Ragtime, wodurch die Musiker Ragtime und Blues kombinierten bekam einen neuen Sound, den sie nannten - Jazz. Dank der Verschmelzung von afrikanischem Rhythmus und europäischer Melodie können wir jetzt Jazz genießen, und virtuose Darbietungen und Improvisationen machen diesen Stil einzigartig und unsterblich, da ständig neue rhythmische Muster eingeführt werden, wird ein neuer Auftrittsstil erfunden.

Jazz ist seit jeher bei allen Bevölkerungsschichten und Nationalitäten beliebt und auch heute noch für Musiker und Hörer auf der ganzen Welt interessant. Aber das Art Ensemble of Chicago war ein Pionier in der Verschmelzung von Blues und afrikanischen Rhythmen, es waren diese Jungs, die afrikanischen Motiven Jazzformen hinzufügten, was zu außerordentlichem Erfolg und Interesse bei den Zuhörern führte.

In der UdSSR beginnt die Jazz Tour in den 20er Jahren (wie in den USA) zu entstehen und der erste Schöpfer eines Jazzorchesters in Moskau ist der Dichter und Theateraktivist Valentin Parnakh, das Konzert dieser Gruppe fand am 1. Oktober 1922 statt , das als Geburtstag des Jazz in DER UdSSR gilt. Natürlich war die Haltung der Sowjetregierung zum Jazz zweiseitig, einerseits schienen sie dieses Musikgenre nicht zu verbieten, andererseits wurde der Jazz harscher Kritik ausgesetzt, schließlich haben wir uns angenommen dieser Stil aus dem Westen und alles, was immer neu und fremd war, wurde von den Behörden scharf kritisiert. Heute veranstaltet Moskau jährlich Festivals der Jazzmusik, es gibt Clublokale, in denen weltberühmte Jazzbands, Blueskünstler und Soulsänger eingeladen werden, dh für Liebhaber dieser Musikrichtung wird es immer Zeit und Ort geben, um das Lebendige zu genießen und einzigartiger Klangjazz.

Natürlich verändert sich die moderne Welt, auch die Musik verändert sich, Geschmäcker, Stile und Aufführungstechniken ändern sich. Wir können jedoch mit Sicherheit sagen, dass Jazz ein Klassiker des Genres ist, ja, der Einfluss moderner Klänge hat auch den Jazz nicht verschont, aber noch weniger werden Sie diese Töne nie mit anderen verwechseln, denn dies ist Jazz, ein Rhythmus, der hat keine Analoga, Rhythmus, der seine eigenen Traditionen hat und zur Weltmusik (World Music) wurde.