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Hohe Kunst ist für viele eine komplexe und unverständliche Sache. Renaissance-Malerei mit ihrem Idealbild zieht viele Bewunderer an, aber nicht jeder kann leicht glauben, dass die Werke von Picasso und Kandinsky wirklich sagenhaftes Geld kosten können. Die Fülle an nackten Menschen auf dem Bild ist ein weiteres Rätsel, ebenso wie das Paradox, dass gute Bilder nicht schön sein müssen.

Seite? ˅ Die Antworten auf einige interessante Fragen zur Malerei erfuhr ich, indem ich mir die Werke von Kunsthistorikern und Kulturwissenschaftlern ansah.

1. Ist Malerei wirklich so teuer?

Hin und wieder hören wir von den enormen Summen, die für dieses oder jenes Bild ausgelegt sind. Aber in der Tat ist diese Art von Geld das Los der sehr wenigen Jobs. Die meisten Künstler haben noch nie riesige Geldsummen gesehen. Der Kunstkritiker Jonathan Binstock glaubt, dass es weltweit nur etwa 40 Autoren gibt, deren Bilder als Summe mit vielen Nullen geschätzt werden.

Marken regieren Kunst

Lassen Sie uns das vielleicht auffälligste Beispiel anführen. Sie haben wahrscheinlich schon von dem Graffiti-Künstler Banksy gehört. Die scharfe gesellschaftliche Ausrichtung des Werkes und die mit einer Aura der Geheimhaltung überzogene Biografie haben ihren Zweck erfüllt. Heute ist Banksy eine Künstlerin, deren Werk mehrfach geschätzt wird. Sein Gemälde "Girl with a Balloon" wurde für 1.042 Millionen Pfund verkauft und die ganze Welt begann sofort nach dem Verkauf über die Aufführung zu sprechen, um es zu zerstören.

Banksy ist eine Marke und Marken verkaufen sich gut... Auf diese Weise, Der Preis eines Gemäldes wird weitgehend vom Ruhm seines Autors bestimmt.

Der erfolgreiche Verkauf eines Gemäldes ist der Schlüssel zum Erfolg anderer

Ein Künstler kann lange kein Glück haben, er wird in Armut und Unsicherheit dahinvegetieren und seine Werke nicht gewinnbringend verkaufen. Doch sobald es ihm gelingt, eines seiner Bilder für viel Geld zu verkaufen, seien Sie versichert, dass der Preis für seine anderen Werke in die Höhe schnellen wird.

Seltenheit, Mangel, Einzigartigkeit

Der niederländische Künstler Jan Vermeer wird heute als unbezahlbar bezeichnet. Zu seinem Pinsel gehörten nicht so viele Gemälde - nur 36. Der Künstler schrieb ganz langsam... Das 1990 verschollene niederländische Gemälde "Concert" wird heute auf etwa 200 Millionen Dollar geschätzt. Seltenheit und Mangel Leinwände beeinflussen die Tatsache, dass ihre Preise einfach exorbitant sind.

Der legendäre Van Gogh ist eine Supermarke. Die Gemälde des Künstlers sind wenige, und das ist offensichtlich er wird nichts anderes schaffen... Seine Werke sind einzigartig.

Vor 10 Jahren wurde Malewitschs "Suprematist Composition" für 60 Millionen Dollar verkauft, vielleicht wären es ohne die Krise 100 Millionen Dollar gewesen. Malewitschs Gemälde in Privatsammlungen, und wann ein Ding dieser Klasse das nächste Mal auf den Markt kommt, ist unbekannt. Vielleicht in 10 Jahren oder vielleicht in 100.

Generell ist klar: Käufer sind bereit, fabelhaftes Geld zu zahlen für extrem seltene Artikel.

Innovation ist teuer

Eines der Werke von Richard Prince in Richtung "künstlerische Anleihe".

Malerei übernimmt die Funktion eines Wahrzeichens

Heute nimmt das Niveau des Kulturtourismus zu und die Malerei erfüllt die Funktion des Attraktion... Stundenlange Touristenschlangen reihen sich in berühmten Museen aneinander. Und um sich zu behaupten und Weltklasse-Ruhm zu beanspruchen, muss die Galerie sicherlich die Originale berühmter und beliebter Maler besitzen.

Auch künstlich geschaffene Zentren des Kulturtourismus wachsen, beispielsweise im Nahen Osten und in China. Frisch königliche Familie Katar einen privaten Deal gemacht für $ 250 Millionen- alles damit das Land ein Bild hat Cezanne "Die Kartenspieler".

Wenn alles da ist, fängt es an für die Kunst zu ziehen

2017 verkaufte der Milliardär Dmitry Rybolovlev dieses Gemälde für 450 Millionen Dollar an Leonardo da Vinci, jetzt ist es der teuerste Deal der Welt der Malerei.

Wenn Sie 4 Häuser und ein G5-Flugzeug haben, was gibt es sonst noch zu tun? Es bleibt nur noch in die Malerei zu investieren, denn das eine der stärksten "Währungen"».

Laut Daten von 2015 gibt es weltweit 34 Millionen Dollar Millionäre. Und selbst wenn wir uns vorstellen, dass sich nur 1% von ihnen für Kunst interessiert, stellt sich heraus, dass sie in der Welt leben 340.000 Menschen, die bereit sind, große Summen für Gemälde auszugeben... Und die Bilder berühmter Autoren selbst sind, wie wir oben geschrieben haben, sehr wenige, insbesondere im Vergleich zur Zahl der Millionäre. Darüber hinaus sind auch diejenigen, die sich nicht für Malerei interessieren, bereit, im Interesse des Prestiges oder der Stabilität einer solchen Investition in sie zu investieren.

Es stellt sich also heraus, dass die hohen Lackierkosten größtenteils darauf zurückzuführen sind, dass zu viel Geld ist auf der Jagd nach einer kleinen Menge an Waren.

2. Brauchen alle Bilder Rahmen?

Gemälde von Georges Seurat "Kanal bei Gravlin, Great Fort Philippe".

Susie Hodges Buch Why There Are So Many Naked People in Art spricht über den Zweck von Rahmen. Also sind sie Bildränder schützen und darauf aufmerksam machen... Einige Rahmen sind anmaßend, andere sind ganz einfach, sie lenken nicht von der Kontemplation ab. Der Rahmen soll das Bild ergänzen und bestmöglich zur Geltung bringen.

Aber der abstrakte Künstler Pete Mondrian vergleich rahmen mit die Wand, die zwischen dem Betrachter und dem Bild steht... Er wollte dieses Gefühl der Distanz beseitigen. Und der Künstler malte an den Rändern der Leinwände und sogar an der Seite.

Georges Seurat mochte den Schatten nicht von den Rahmen auf das Gemälde geworfen. Und oft malte er selbst Rahmen aus winzigen Punkten in verschiedenen Farben. Übrigens, nach einem ähnlichen Prinzip von Seurats Gemälden wird in einem halben Jahrhundert ein Farbfernseher funktionieren.

3. Warum sind auf den Bildern so viele nackte Menschen zu sehen?

Fragment von Michelangelos Fresko "Die Erschaffung Adams".

Schon die alten Griechen glaubten, dass ein nackter Körper unglaublich schön ist.

In der Kunst ist Nacktheit am häufigsten - es ist ein symbol... Ein Symbol für neues Leben, Aufrichtigkeit, Hilflosigkeit eines Lebewesens sowie Leben und Tod.

Auch nichts verursacht so starke Emotionen der Betrachter ist wie Nacktheit. Es kann Interesse, Unbeholfenheit, Scham oder Bewunderung sein.

4. Warum ist alles so flach und im Allgemeinen unrealistisch?

Gemälde des tschechischen Künstlers Bohumil Kubista "Der Hypnotiseur".

Einer der häufigsten Vorwürfe gegen moderne Meister klingt vielleicht so: Künstler haben vergessen, die Realität auf ähnliche Weise zu vermitteln... Daher der Irrglaube, dass Objekte flach aussehen.

Aber schauen wir uns zum Beispiel die Leinwände an Kubisten... Sie brechen die Perspektive, zeigen aber gleichzeitig Objekte aus verschiedenen Blickwinkeln und auch zu unterschiedlichen Zeiten... Daher kann nicht gesagt werden, dass das Bild auf der Leinwand zweidimensional ist.

Es ist nicht mehr nötig "ähnlich" zu zeichnen - die Fotografie kann es. Daher muss nach einer Antwort auf die Frage gesucht werden, warum ein Künstler die Realität in einem bestimmten Gemälde flach dargestellt hat. Idee des Autors... Einige Details des Bildes entfernend, konzentriert sich der Künstler auf andere. Das Bild vereinfachend, er

Aber professionell Avantgarde-Künstler des 19.-20. Jahrhunderts hatte eine künstlerische Ausbildung und eine starke Basis hinter sich. Sie wussten, wie man schreibt, wie sie wollten aber irgendwann beschlossen, es so zu machen Nachahmung der Primitivisten. Es ist, wie man sagt, so konzipiert, weil dies eine völlig neue (und daher für Alte-Müden interessante) Art der Beeinflussung des Betrachters ist.

Künstler würden mit einem Gemälde im Geiste des akademischen Klassizismus gute Arbeit leisten, und deshalb war es ihnen langweilig. Der junge Picasso malte berührende und eher realistische Porträts. Aber ein reifer Künstler hat für sich einen Weg gewählt, der schockiert, das Auge belebt, der dabei hilft, kühles Gespür für Farbe und Formgefühl zu demonstrieren.

6. Müssen Bilder schön sein?

Schön bedeutet nicht Kunst, und Kunst selbst repräsentiert nicht immer Schönheit. Jeder hat eine andere Vorstellung von Schönheit und die Meinung einer einzelnen Person kann nicht als Standard angesehen werden.

Lassen Sie uns von der Malerei abschweifen und eine Parallele zum Kino ziehen. Unter Kunstkritikern treffen wir auf eine solche Meinung: Zu behaupten, dass Bilder mit Sicherheit schön sein müssen, ist dasselbe wie zu sagen, dass echtes Kino nur eine romantische Komödie oder ein Melodram mit Happy End ist. Und Psychodramen, Actionfilme, Thriller sind überhaupt kein Kino. Stimmen Sie zu, das ist logisch.

Kunst (einschließlich Malerei) sollte die Sprache ihrer Zeit sprechen. Und um ein Bild zu genießen, auch ein realistisches, müssen Sie wissen, was darauf abgebildet ist. Bei Ausstellungen lesen wir normalerweise die Bildunterschriften und verwenden sogar den Audioguide.

Welche Art von Malerei liegt Ihnen nahe?

HALLO ZUSAMMEN! Mit dir wie immer die fröhliche Dreammy! Dieser Beitrag wurde erstellt, um allen, die sich für Künstler interessieren, einige Fragen zu beantworten. Im gleichen Sinne meine ich, dass es einige, na ja, nicht sehr seltsame Fragen gibt, die Künstler von Menschen / Monstern verletzen können

Ich wiederhole noch einmal dieser Beitrag wird nur einige Fragen beantworten warum ein Künstler .....?

Wenn Sie ein Schriftsteller oder Sänger sind, dann seien Sie nicht beleidigt!

Eine Frage wird vielleicht einige vereinen!

Kommen wir zur Frage!)

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(Einige Punkte aus meiner Erfahrung werden übernommen)

1. Warum sind Künstler traurig?

Hm. Nun, das erste, was ich sagen kann, ist Kritik, denn einige Mitglieder der URA-Community äußern genau diese Kritik nicht in milder Form, was die Gefühle des Künstlers verletzt.

Nicht bis zum Verständnis von Freunden / Verwandten

Künstler sehen diese Welt ganz anders und nicht jeder kann verstehen, was und wie sie unsere Welt sehen.

Und wie immer kann man Gefühle sagen, die sich genauso manifestieren wie wir im Alltag.

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2. Warum arbeiten Künstler nachts?

Künstler können die ganze Nacht lang malen

Lass mich morgen um sieben Uhr aufstehen

Träume vertreiben

Schließlich ist die Nacht die Zeit der Inspiration!

Und die Nacht ist nicht die Zeit für Träume.

Künstler können.

Farbe.

Ich denke, die Antwort ist klar, aber wenn nicht dann.

Die Nacht ist eine ruhige Zeit, in der Inspiration kommt und Sie Ruhe sagen können, in der Sie niemand stört oder zieht.

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3. Warum finde ich Künstler seltsam?

Auf diese Frage habe ich zwei Antworten.

1. Kreative Menschen sind talentierte Menschen, die es lieben, nützlich zu sein und anderen Gutes zu tun. Sie mögen Freiheit, daher werden alle Einschränkungen von ihnen als Verletzung von Rechten wahrgenommen. Viele Menschen glauben, dass kreative Menschen einsam und unglücklich sind und nicht lange leben. Glücklicherweise ist dies nicht der Fall. Talent wird einem Menschen von Gott gegeben, Sie müssen nur den Moment nicht verpassen und rechtzeitig beginnen, Ihre Fähigkeiten zu entwickeln.

Es ist erwähnenswert, dass es unter den Geeks tatsächlich viele unglückliche Menschen gibt, da ihre Arbeit für andere nicht immer klar ist. In der Regel findet die Gehirnaktivität des Durchschnittsmenschen in einem bestimmten Rahmen statt, und alles, was über diesen Rahmen hinausgeht, wird als etwas Unnatürliches und Abnormales wahrgenommen. Aus diesem Grund ist es für kreative Menschen sehr schwierig, in dieser grausamen Welt zu überleben, in der es so viele hartnäckige Stereotype und Weiterentwicklungsunwillen gibt.

Die Neurowissenschaft bestätigt, dass talentierte Menschen anders denken und handeln. Das Denken kreativer Menschen ist buchstäblich darauf ausgelegt, einzigartig zu denken, nicht wie die meisten. Ein solches Geschenk der Natur kann jedoch das Leben erheblich erschweren und die Beziehungen zu anderen belasten. Wenn Sie einen kreativen Menschen kennen, haben Sie wahrscheinlich mehr als einmal den Gedanken, dass er in einer ganz anderen Welt lebt. In den meisten Fällen ist der Versuch, eine solche Person zu verstehen, genauso sinnlos wie der Versuch, sie zu ändern. Um sich an einen solchen Menschen anpassen zu können, müssen Sie lernen, die Welt mit seinen Augen zu betrachten.

2. Meistens sind Künstler gewöhnliche pragmatische Menschen mit einer entwickelten visuellen Wahrnehmung der Welt, die das Leben in Bildern sehen. Die Geschichte ihres Wahnsinns ist eine Lüge.

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4. Warum sind Künstler einsam?

Nun, das erste ist, dass nicht alle Künstler.

Tatsächlich sind alle kreativen Menschen aus mehreren Gründen einsam. Erstens Genies. ein wirklich kreativer Mensch kann in allem etwas Schönes sehen, aber viele Menschen verstehen es nicht. Dieses Missverständnis erzeugt Misstrauen. zweitens denken und sehen kreative Menschen die Welt auf ihre eigene Weise, anders. drittens haben sie eine viel besser entwickelte Intuition und fühlen die Gefühle und sehen die Gedanken anderer. ein kreativer Mensch ist eine neue Runde in der Vollkommenheit der Welt. je mehr solche Menschen es gibt, desto besser können die einfachen Leute die Probleme der ganzen Welt sehen. was bedeutet, dass es mehr Chancen gibt, es zu beheben. Daher sind kreative Menschen die Führer des Rests, wir lenken die Gedanken der Menschen in die richtige Richtung.

Ich hoffe es ist klar.

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5. Warum kündigen manche Künstler ihre Jobs und machen etwas anderes?

Ich gebe dir das Beispiel meines guten Freundes (aus der Depression raus; -; bitte.)

Leider ist der genaue Fall, warum er alles entfernt hat, nicht bekannt, aber einige Momente können dennoch dazu führen.

1. Dies ist die gleiche Kritik, die nicht in milder Form, sondern in einer grausamen und nicht zutreffenden Form vorgebracht wird.

2. Das sind die gleichen Kritiker, aber in der Form, dass sie sagen, wie es geht, oder wie manche sie nennen "Fake Teachers" oder "ChSV sind keine Künstler"

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Nun, diese Frage ist nicht warum, sondern wie ist diese kleine Ausnahme?

6. Wie beruhige ich den Künstler?

Russischer Student Frühjahr 2017

Regie: Journalismus

Nominiert: Bester redaktioneller Beitrag

Warum sind Kreative ein bisschen komisch?

"Es gibt kaum eine höhere Freude als die Freude am Schaffen."

N.V. Gogol

Sie haben den Ausdruck "kreativer Mensch" wahrscheinlich mindestens einmal in Ihrem Leben gehört, und normalerweise hat er eine leicht ironische Konnotation mit der Bedeutung "ungewöhnlich, wunderbar". Kreative Menschen denken, handeln und sprechen manchmal sogar anders als normale Menschen. Sie haben seltsame, unverständliche Gewohnheiten und Tagesabläufe. Sie können sich lächerlich kleiden und übermäßig emotional, kindisch und exzentrisch sein. Aber das Überraschendste ist, dass sie sich selbst überhaupt nicht als seltsam empfinden. Sie haben einfach keine Zeit, auf solche Kleinigkeiten zu achten, weil sie ganz in ihre Kreativität vertieft sind, und auch wenn ein Individuum in den Augen der Öffentlichkeit im Allgemeinen talentlos ist, liebt er seine Arbeit auf jeden Fall sehr.

Warum sind kreative Menschen komisch? Von ihnen wird oft gesagt, dass sie "in den Wolken fliegen" oder "nicht von dieser Welt". Und das ist absolut wahr. Die Kreativität eines Menschen manifestiert sich in erster Linie durch seine Vorstellungskraft. Im Zentrum von Bachs Musik, Puschkins Poesie und Picassos Gemälden stand die Fantasie. Dank erhöhter Sensibilität wird der Schöpfer in seinem täglichen Leben ständig mit der Unvollkommenheit der Welt, Disharmonie, Chaos und Widersprüchen konfrontiert und bewegt sich daher mit Hilfe seiner Vorstellungskraft in eine wundervolle fiktive Welt, in der es keinen Platz gibt für alltägliche Probleme und Widrigkeiten. Es ist dort sehr gut, und hier geht der Schöpfer hin, wenn er einen Pinsel in die Hand nimmt / Spitzenschuhe anzieht / sich ans Klavier setzt (notwendiges unterstreichen). Der Prozess der Kreativität bereitet ihm große Freude, also arbeitet er Tag und Nacht und vergisst Schlaf und Essen. Und er versucht, die Ergebnisse seiner schöpferischen Impulse anderen zu zeigen, um ihnen einen Teil seiner idealen Welt zu geben, um ihr Leben harmonischer, perfekter und schöner zu machen. In jedem Schöpfer steckt ein Romantiker, der davon träumt, die Realität zum Besseren zu verändern.

Eine weitere Eigenschaft kreativer Menschen ist die Fähigkeit, das Ungewöhnliche im Gewöhnlichen zu sehen. Schöpfer sind wie Kinder bereit, über alles erstaunt zu sein! Sie sind sehr aufmerksam, neugierig und lernen gerne. Der ständige Wunsch, Neues auszuprobieren, unterscheidet einen kreativen Menschen von einem gewöhnlichen Menschen. Ein kreativer Mensch muss sich ständig weiterentwickeln und wachsen und seine Fähigkeiten verbessern.

Manchmal werden kreative Individuen aufgrund ihrer Unabhängigkeit im Urteilsvermögen und ihres kreativen Mutes in der Gesellschaft nur unzureichend wahrgenommen. Der Schöpfer hat immer seine eigene Meinung, und die Meinung anderer berührt ihn viel weniger als ein typischer Laie. Dem Schöpfer ist es egal, was andere von ihm denken, und die Missachtung der öffentlichen Meinung führt oft zu negativen Urteilen von außen. Kreativität an sich geht über Stereotypen und Muster hinaus, und dieses Verhalten wird, wie Sie wissen, von der Masse nicht begrüßt. Die Masse hat ihre eigenen Regeln, und Kreative passen nicht genau in sie.

Psychologen nennen eine weitere Eigenschaft kreativer Menschen eine positive Einstellung zu schwierigen Aufgaben. Schwierigkeiten motivieren sie nur, härter und härter zu arbeiten. Erwähnenswert ist übrigens die Arbeitsfähigkeit der Schöpfer. Sie werden sicher nicht kopfüber von der Arbeit rennen, sobald es abends um sechs Uhr schlägt. In ihrem Privatleben mögen sie sorglos faul erscheinen, aber in ihrem Geschäft sind sie sehr diszipliniert, verbindlich und fleißig.

Und die letzte, wahrscheinlich wichtigste Eigenschaft eines Schöpfers ist Talent. Das Talent ist einem Menschen von Natur aus in seinen geistigen Fähigkeiten und anatomischen Eigenschaften gegeben. "Talent ist wie eine Warze - entweder existiert es oder es existiert nicht", sagte Faina Ranevskaya. Schon in der Kindheit merken Eltern, dass ihr Kind etwas besser macht als andere Kinder. Wahrscheinlich werde ich jetzt eine allgemeine Wahrheit sagen, aber Talent kann für immer verschwinden, wenn es nicht rechtzeitig aufgegriffen und durch harte Arbeit entwickelt wird. Kreative haben neben Talent meist ein gesteigertes Verlangen nach Schönheit, sozusagen ein ausgeprägtes ästhetisches Empfinden.

Zusammenfassend möchte ich sagen, dass kreative Persönlichkeiten nicht geboren werden, sondern werden. Es gibt eine Vielzahl von Beispielen, in denen Selbstdisziplin und harte Arbeit wahre Genies hervorgebracht haben, nicht schlechter als diejenigen, die ursprünglich talentiert waren. Mittlerweile gibt es viele Schulungen zur Kreativitätsentwicklung und Tests, um ihre kreativen Neigungen zu erkennen. Aber im Allgemeinen spielt dies alles keine Rolle, wenn Ihnen die Kreativität, die Sie ausüben, Freude bereitet. Und auch wenn Sie nicht tanzen können, es aber wirklich mögen, wagt es niemand, Sie aufzuhalten!

Fotoquelle: http://dance-theatre.ru/centr-sovremennoi-horeorgafii/

Sind alle Bilder gerahmt?

Peter Mondrian. Komposition mit Gelb, Rot, Blau, Schwarz und Grau. 1920

Georges Seurat. Sonntagnachmittag in La Grande Jatte. 1884

Zitat aus dem Buch

„Normalerweise werden Gemälde gerahmt und ausgestellt. Rahmen lenken die Aufmerksamkeit auf das Gemälde und schützen die Kanten. Einige der Rahmen sind prätentiös, besonders in den alten Werken, die einst in Villen aufgehängt wurden. Andere Rahmen sind ganz einfach, sie lenken nicht von der Betrachtung der Kunst ab. Der Zweck der Rahmen besteht darin, die Gemälde im Inneren zu ergänzen, sie von ihrer besten Seite zu zeigen.

Pete Mondrian glaubte, dass Rahmen wie Wände seien. Manchmal scheint es, als stünden sie zwischen Publikum und Kunst, als würden sie ein Hindernis schaffen, das die Malerei vom Rest der Welt trennt. Mondrian wollte, dass alle seine Arbeit genießen und sich nicht von ihnen getrennt fühlen. Er malte an den Rändern der Leinwand. Und manchmal sogar an den Seitenwänden.

Er hat diese Mauern zerstört!

Georges Seurat gefiel nicht, dass die Rahmen Schatten auf die Bildränder werfen. Und er hat den Rahmen selbst bemalt. Es besteht aus Tausenden von kleinen Punkten in mehr als 25 verschiedenen Farben.

Wussten Sie, dass ein Bild auf einem Fernsehbildschirm aus Punkten besteht, die Pixel genannt werden? Dieses Bild wurde über 50 Jahre vor der Erfindung des Farbfernsehens gemalt!"

Ein Kommentar

Es mag lächerlich erscheinen, Frames ein ganzes Kapitel zu geben, umso mehr, damit praktisch ein Buch zu beginnen. Aber das hat seine eigenen Gründe. Erstens betrachten wir niemals ein Bild im leeren Raum. Das Licht, die Höhe, in der es sich befindet, benachbarte Werke, Anmerkungen - all das schafft Raum um es herum. Wenn man von zeitgenössischer Skulptur spricht, spricht man sicherlich vom „poetischen Raum“, der sie umgibt: Die Bedeutung einer abstrakten Skulptur entsteht erst, wenn der Betrachter sie betrachtet. Zweitens wird der Rahmen tatsächlich oft zum Gegenstand des Gemäldes selbst – wie die amüsanten Beispiele oben belegen. Schließlich ist der Rahmen ein unverzichtbares Glied in der Kette von Fragen und Antworten, das zum besseren Verständnis der Arbeit beiträgt. Nachdem Sie herausgefunden haben, wer der Autor ist und ob er die Kunstgeschichte beeinflusst hat, können Sie sich den Rahmen nebenbei ansehen. 1990 hatte die New Yorker Metropolitan übrigens eine Art Gegenausstellung: Das Museum zeigte viele leere Rahmen, um auf eine oft ignorierte Realität aufmerksam zu machen.

Warum ist alles flach?

Nebamon jagt in den Sümpfen. Grab von Nebamon, c. 1350 v. Chr. NS.

Jean Metzinger. Tisch am Fenster. 1917

Zitat aus dem Buch

„Nicht alle Kunstobjekte sehen dreidimensional aus.

2D- oder 2D-Bilder sind flach, wie diese Seite. Dreidimensional oder 3D - haben eine Höhe, Breite und Tiefe, wie eine Kugel.

Zu verschiedenen Zeiten war Kunst entweder so flach wie die Oberfläche, auf der Künstler malten, oder voluminös wie echte Dinge.

Viele alte Kunstwerke, wie ägyptische Wandmalereien, sehen flach aus. Es sieht eher aus wie Diagramme und unterscheidet sich völlig vom Leben.

Schon in der Antike konnten Künstler Volumen vermitteln und zeichneten absichtlich flache Bilder.

Im alten Ägypten wurden edle Menschen zusammen mit ihren Schätzen in bemalten Gräbern begraben. Die Wände des Grabes waren mit Zeichnungen geschmückt, die nicht für die Lebenden bestimmt waren. Sie zeigten den Göttern, was die Menschen zu Lebzeiten taten.

Das Bild sieht flach aus, um es den Göttern klarer zu machen.

<…>Was ist auf dem Tisch? Sehen Sie in der Nähe eine Vase mit Blumen, ein Glas, eine Spielkarte und ein Fenster?

Jean Metzinger respektiert nicht die Gesetze der Perspektive, möchte aber dennoch zeigen, dass die Objekte im Gemälde dreidimensional sind. Deshalb stellt er sie gleichzeitig aus verschiedenen Blickwinkeln dar. Diese Technik wird Kubismus genannt."

Ein Kommentar

Dieser Punkt spiegelt die allgemeine Skepsis wider, dass Künstler vergessen haben, die dreidimensionale Realität zuverlässig abzubilden - grob gesagt "ähnlich zeichnen". Die Autorin von Naked People, Susie Hodge, wirbt um die Unterstützung von antiken Künstlern, abstrakten Künstlern und Kubisten. Sie unter dem „flachen“ Marker zusammenzufügen ist ziemlich lächerlich - Kubisten schaffen zumindest mehr als drei Ebenen in ihrer Malerei und stellen manchmal sogar dasselbe Objekt zu verschiedenen Zeiten dar, sodass ihre Arbeit nicht als flach bezeichnet werden kann. Trotzdem gibt es keine einzige Antwort auf diese kindische Frage, und jedes Mal muss man darüber nachdenken, warum der Künstler beschlossen hat, alles flach zu machen. Hodge vergisst die kulturellen Besonderheiten: Perspektive ist eine europäische Erfindung und in der Kunst vieler Länder grundsätzlich nicht zu finden. Das Argument, dass das flache Bild dekorativer und abstrakter wird, ist durchaus berechtigt – ebenso wie die Assoziation von „flach“ und „alt“. Gleichzeitig vermeidet Hodge aus irgendeinem Grund eine sehr einfache und offensichtliche Schlussfolgerung: Wenn der Autor einige Details aus dem Bild entfernt, konzentriert er sich auf andere. Grob gesagt kann ein Künstler durch Vereinfachung (und Abflachung) eines Bildes es ausdrucksvoller machen, und in vielen Fällen wird es ihm aufgrund der Vereinfachung leichter fallen, diese Ausdruckskraft zu kontrollieren.

Warum gibt es in der Kunst so viele nackte Menschen?

Sandro Botticelli. Geburt der Venus. 1486

Yves Klein. Anthropometrie ohne Namen. 1960

Zitat aus dem Buch

„In der Malerei, Skulptur und Fotografie sind nackte Menschen weit verbreitet.

Alles kam von den alten Griechen, die glaubten, dass der nackte Körper schön und es wert ist, studiert zu werden. Noch heute lernen Künstler, nackte Menschen zu zeichnen, um die Körperform besser zu verstehen. Dies nennt man Malerei aus einer lebendigen Natur.

Die nackte Venus, die römische Göttin der Liebe und Schönheit, schwebt in einer Muschelschale. Einer alten Legende zufolge wurde Venus als Erwachsene geboren und zog über das Meer. Botticelli malte sein Bild viele Jahre nach der Entstehung dieser Legende.

In der Kunst bedeutet Nacktheit oft neues Leben. Zu Botticellis Tagen bedeckten Frauen ihre Körper sorgfältig. Aber Venus ist nackt, da sie eine Göttin ist, keine gewöhnliche Frau!

Viele Künstler glauben, dass der Körper einer Frau schöner ist als der eines Mannes, weshalb nackte Frauen in der Kunst häufiger vorkommen als nackte Männer.

1960 entwickelte Yves Klein eine neue Darstellungsweise weiblicher Körper. Er malte nackte Frauen mit blauer Farbe und legte sie auf eine riesige Leinwand auf den Boden. Sie dienten als "lebende Quasten".

Ein Kommentar

Das faszinierendste Kapitel des Buches ist der Titel - der im Allgemeinen durchaus verständlich ist. Aber auch hier werden wir keine eindeutige Antwort auf die Frage finden - unter den vorgeschlagenen Optionen wurden mehrere auf einmal gesammelt: das Studium der Plastizität des Körpers und seiner Schönheit, ein Symbol des Lebens und ein Schlag ins Gesicht der Öffentlichkeit Meinung. Hier gibt es jedoch kein Geheimnis: Nur wenige Dinge auf der Welt rufen bei einem Menschen die gleiche starke Reaktion hervor - Interesse und Unbeholfenheit, Scham und Verlangen, Bewunderung oder im Gegenteil Ekel - wie Nacktheit. Der nackte menschliche Körper in der Kunst - und aus verschiedenen Gründen der weibliche Körper - ist das stärkste Symbol für Leben und Tod. In diesem Sinne ist der nackte Körper ein Werkzeug des Künstlers, das er entweder in einem Gemälde darstellen oder im wirklichen Leben zeigen kann. Im letzteren Fall sprechen wir über Leistung. Eine Akt-Performance wird spannender, manchmal zerbrechlich, manchmal unangenehm. Darüber hinaus ist der nackte Körper auch ein obligatorisches Symbol der Aufrichtigkeit, das Lucian Freud gerne benutzte, um die Hilflosigkeit eines Menschen zu zeigen. Gleichzeitig ist der nackte Körper in der europäischen Tradition so eng mit dem Schönheitsideal verbunden, dass die Demonstration eines unnötig unangenehmen Körpers, wie es Freud gerne tat, nicht weniger schockierend ist und an Altern und Verblassen denken lässt . Mit dem Streit um die Vorherrschaft nackter Frauen über Männer ist auch nicht alles so einfach: Im zaristischen Russland zum Beispiel konnte nur nackte männliche Natur gezeichnet werden, und für Künstlerinnen ging es traditionell nach Italien.

Muss ich die Handlung der Bilder kennen?

John Everett Millais. Ophelie. 1851-1852

Cornelia Parker. Cold Dark Matter: Beobachtung der Zerstörung. 1991

Zitat aus dem Buch

„Geschichten werden in allen Kunstformen erzählt, von der Malerei über die Skulptur bis zum Kino.

Ein Kunstwerk ist ein Fenster in die Vorstellungskraft einer anderen Person. Wir sehen Fakten und Geschichten durch die Augen anderer.

Vor etwa 160 Jahren gab es eine Bewegung namens Präraffaelitenbruderschaft. Die Künstler dieser Bewegung schrieben Geschichten, die oft der Geschichte entnommen wurden. Ihre Gemälde wurden manchmal "gerahmte Romane" genannt. Hirse war ein Präraffaelit.

<…>Die schöne Ophelia hat sich ertränkt, und die Künstlerin stellt sich vor, wie das passieren konnte. Um das Bild interessanter zu gestalten, schmückt er es mit zahlreichen Symbolen. Rote Mohnblumen und blaue Vergissmeinnicht bedeuten zum Beispiel Gedenken oder Gedenken an die Toten.

Dies ist eine bekannte Handlung, und die Leute strömten zur Royal Academy in London, wo das Gemälde 1852 zum ersten Mal ausgestellt wurde.

Dieses Kunstwerk hat seine eigene Geschichte. Cornelia Parker wollte eine Stimmung, eine Atmosphäre schaffen, uns zum Nachdenken über unser Leben und das, was wir hinterlassen werden, anregen.

Wir halten wenig von dem Gartenhaus. Darin speichern wir unnötige Dinge, die wir schnell vergessen. Parker beschloss, es in die Luft zu jagen!

Dann sammelte sie die Stücke aus verkohltem Holz und verzogenem Metall auf und hängte sie mit einer Schnur von der Decke. Sie stellte eine Lampe in die Mitte, um unheilvolle Schatten an die Wände zu werfen.

Ein Kommentar

In diesem Kapitel macht der Autor einen klugen Schachzug und versucht, die Geschichte des Gemäldes mit seiner Handlung gleichzusetzen. Warum wird das benötigt? Im 20. Jahrhundert ist die Kunst weitgehend handlungslos geworden, und wenn es früher unmöglich war, Kunst zu verstehen, ohne die Geschichte zu verstehen (z in dieser Arbeit), jetzt ist es viel wichtiger geworden, die Geschichte des Künstlers und die Geschichte der Entstehung eines bestimmten Gemäldes. Es wurde ebenso spannend, die Biografie des Autors zu verfolgen wie die Staffeln langlebiger Fernsehserien: Er zog nach Europa, begann sich mehr um Migranten zu kümmern, aber dadurch wurde er plötzlich weniger interessant, oder sagen wir Tsai Guoqiang - umgeschult zum Meister des großen technischen Feuerwerks und alles verloren. Aber Richard Long: Sein ganzes Leben lang hat er Wege um die Welt getrampelt, seine Ideen nicht verraten, für die er alle Lehrbücher der Land Art eingetragen hat.

Wer sind all diese Leute?

Edward Hopper. Chop-Suey. 1929

Mark Quinn. I. 2006

Zitat aus dem Buch

„Viele Bilder sind voller Menschen, aber wer sind sie?

In der Vergangenheit, noch bevor die Fotografie erfunden wurde, gaben Adelige ihre Porträts in Auftrag. Die Künstler mussten zeigen, wie mächtig, schön und reich die Kunden sind. Oft posierten ganze Familien für Gruppenporträts für den Künstler.

<…>Das Porträt von Edward Hopper zeigt zwei Modefrauen an einem Tisch in einem Restaurant. Im Gegensatz zu den Porträts der Vergangenheit sind diese Frauen keine wichtigen Personen. Sie sind die häufigsten und unterscheiden sich nicht von Gelegenheitsbesuchern. In der Menge sehen wir viele uns unbekannte Menschen, und sie wollte Hopper darstellen.

Und obwohl er zwei Fremde zeigt, diente Hoppers Frau beiden als Vorbild!

<…>Mark Quinn benutzte sein eigenes Blut, um den Kopf zu gießen. Die Skulptur wird in der Kälte aufbewahrt, sonst schmilzt sie.

Laut Quinn erinnert dies daran, wie zerbrechlich das Leben ist. Alle fünf Jahre macht der Bildhauer einen neuen Kopf, damit man sieht, wie er alt wird."

Ein Kommentar

Wenn Sie darüber nachdenken, wer auf dem Bild abgebildet ist, müssen Sie zunächst an den Kunden des Werks denken. Vergleicht man Schreibzeit und Hauptfigur, kann man sogar eine Hypothese über den Erfolg des Künstlers aufstellen. Biblische Geschichten wurden oft auf Wunsch der Kirche geschrieben, obwohl es natürlich private Aufträge gab. Vor den Impressionisten wurden Porträts hauptsächlich auf Bestellung für reiche Leute gemalt, daher machten französische Künstler eine Revolution, als sie anfingen, gewöhnliche Menschen zu malen - aber dann mussten sie darüber nachdenken, wie sie all diese Gemälde verkaufen könnten. Und aus dem Werk von Mark Quinn lässt sich leicht schließen, dass der Künstler nicht verhungert und die Probleme der Impressionisten nicht erlebt: Seine Werke erfordern weniger Mut als solide Budgets.

Warum sind auf den Bildern Früchte?

Paul Cézanne. Äpfel und Orangen. 1899

Jan van Kessel. Stillleben "Vanitas". 1665-1670

John Lorbier. Tarzan / Stehendes Bein. 2002

Zitat aus dem Buch

„Künstler malen oft Äpfel und Orangen, aber warum?

Zuallererst sind Früchte zuverlässig. Im Gegensatz zu menschlichen Modellen blinzeln, zucken oder verlangen sie nicht nach Tee.

Die Darstellung von Früchten hilft Künstlern, die Formen, Farben und Töne der Natur zu erkunden.

Diese Art der Malerei nennt man Stillleben. Bevor die Fotografie erfunden wurde, demonstrierten Künstler ihr Talent, indem sie lebensechte Stillleben schufen. Aber dann änderte sich alles...

Paul Cezanne hat dieses Bild nach der Erfindung der Kamera gemalt, und er sah es nicht als seine Aufgabe an, die Realität zu kopieren. Das hätte auch ein Fotograf machen können!

Er malte runde Früchte auf flacher Leinwand, aber auf eine neue Art und Weise. Um die Formen der Frucht zu zeigen, stellte er jeden Apfel gleichzeitig aus vielen Blickwinkeln und aus verschiedenen Blickwinkeln dar. Es scheint, als würden die Äpfel vom Tisch fallen.

<…>Dieses Bild hat eine doppelte Bedeutung. Neben den Blumen hat Jan van Kessel einen Totenkopf dargestellt - ein Symbol des Todes. Dies ist eine Warnung, die an die Gebrechlichkeit des Lebens erinnert. Wir dürfen nicht vergessen, dass wir am Ende sterben werden!

Stillleben ist ein französisches Wort für tote Natur. Auf der Leinwand sehen die Blumen aus, als ob sie lebendig wären, aber im wirklichen Leben verwandeln sie sich in Eiter.

<…>John Lorbier ist ein optischer Illusionist, berühmt für seine eingefrorenen Figuren.

Das ist ziemlich verwirrend. Er ist das gleiche Objekt wie eine in einem Stillleben festgehaltene Frucht, aber gleichzeitig lebendig und nicht gemalt. Die Zeit vergeht, aber er bleibt regungslos und hängt wie ein Gemälde an der Wand.

Ein Kommentar

Gute Antwort auf die Frage, aber es fehlt eine wichtige Betonung. Stillleben ist in erster Linie eine Studie der reinen Form. Und wenn ein Künstler selten ein Stillleben malt, wie es beispielsweise viele Impressionisten taten, bedeutet dies, dass es ihm nicht um die formalen Qualitäten des Bildes geht, sondern um das momentane Gefühl, das es vermittelt. Die Idee der Gebrechlichkeit des Lebens ist in Stillleben wirklich eingebettet - aber man kann sie nicht als absolut akzeptieren: Schließlich sind viele Helden in Porträts auch sterblich. Die Vorstellung, dass eine Aufführung manchmal ein Stillleben sein kann, ist auch ziemlich amüsant - aber denken Sie daran, dass es sehr selten ist.