Typische Merkmale des Operngenres. Opern-Comic

RUSSISCHE OPER. Die russische Opernschule ist – neben der italienischen, deutschen und französischen – von globaler Bedeutung; Dies betrifft vor allem eine Reihe von Opern, die in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts entstanden, sowie mehrere Werke des 20. Jahrhunderts. Eine der beliebtesten Opern auf der Weltbühne Ende des 20. Jahrhunderts. - Boris Godunow M.P. Mussorgsky, wird oft auch genannt Die Pikkönigin P.I. Tschaikowsky (seltener seine anderen Opern, hauptsächlich Eugen Onegin); ist bekannt Prinz Igor A. P. Borodin; von 15 Opern von N.A. Rimsky-Korsakov erscheint regelmäßig Der goldene Hahn... Unter den Opern des 20. Jahrhunderts. das meiste Repertoire Feuerengel S.S. Prokofjew und Lady Macbeth von Mzensk D. D. Schostakowitsch. Damit ist der Reichtum der staatlichen Opernschule natürlich noch lange nicht erschöpft. siehe auch OPER.

Die Entstehung der Oper in Russland (18. Jahrhundert). Die Oper war eines der ersten westeuropäischen Genres, das auf russischem Boden Fuß fasste. Bereits in den 1730er Jahren entstand eine italienische Hofoper, für die in Russland tätige ausländische Musiker schrieben ( cm... RUSSISCHE MUSIK); öffentliche Opernaufführungen erscheinen in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts; Opern werden auch in Leibeigenen Theatern aufgeführt. Die erste russische Oper gilt als Miller - Zauberer, Betrüger und Kuppler Mikhail Matveyevich Sokolovsky über den Text von A. O. Ablesimov (1779) - einer Haushaltskomödie mit Musiknummern mit Liedcharakter, die den Grundstein für eine Reihe populärer Werke dieses Genres legte - frühe komische Oper. Darunter sind die Opern von Wassili Alekseevich Pashkevich (ca. 1742-1797) ( Geizig, 1782; St. Petersburg Gostiny Dvor, 1792; Das Unglück der Kutsche, 1779) und Evstigney Ipatovich Fomin (1761-1800) ( Kutscher auf einer Aufstellung, 1787; Die Amerikaner, 1788). Im Genre der Opernreihe entstanden zwei Werke des größten Komponisten dieser Zeit, Dmitry Stepanovich Bortnyansky (1751-1825), in französischen Libretti - Falke(1786) und Der rivalisierende Sohn oder moderne Stratonica(1787); es gibt interessante Erfahrungen in den Genres Melodram und Musik für eine dramatische Aufführung.

Oper vor Glinka (19. Jahrhundert). Im nächsten Jahrhundert nahm die Popularität des Operngenres in Russland noch mehr zu. Die Oper war der Gipfel der Bestrebungen russischer Komponisten des 19. Jahrhunderts, und selbst diejenigen, die kein einziges Werk in diesem Genre hinterlassen haben (z. Die Gründe dafür liegen auf der Hand: Erstens war die Oper, wie Tschaikowsky feststellte, eine Gattung, die es ermöglichte, „in der Sprache der Massen zu sprechen“; zweitens ermöglichte es die Oper, die großen ideologischen, historischen, psychologischen und anderen Probleme, die das russische Volk im 19. Jahrhundert beschäftigten, künstlerisch zu beleuchten; Schließlich gab es in der jungen Berufskultur eine starke Hinwendung zu Genres, die neben Musik auch Wort, Bühnenbewegung und Malerei umfassten. Darüber hinaus hat sich bereits eine gewisse Tradition entwickelt – ein Erbe, das im Musik- und Theatergenre des 18. Jahrhunderts hinterlassen wurde.

In den ersten Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts. Hof- und Privattheater ausgestorben

Das Monopol wurde in den Händen des Staates konzentriert. Das Musik- und Theaterleben beider Hauptstädte war sehr lebendig: Das erste Vierteljahrhundert war die Blütezeit des russischen Balletts; im 19. Jahrhundert gab es in St. Petersburg vier Theatertruppen - russische, französische, deutsche und italienische, von denen die ersten drei sowohl Schauspiel als auch Oper inszenierten, die letzte einzige Oper; mehrere Truppen arbeiteten auch in Moskau. Die italienische Kompanie erwies sich als die stabilste - noch in den frühen 1870er Jahren musste der junge Tschaikowsky, der im kritischen Bereich auftrat, um eine anständige Position der Moskauer russischen Oper im Vergleich zur italienischen kämpfen; Raek Mussorgsky, in einer der Episoden, in der die Leidenschaft des Petersburger Publikums und die Kritik an berühmten italienischen Sängern lächerlich gemacht wird, wurde ebenfalls um die Wende der 1870er Jahre geschrieben.

Die russische Oper ist ein wertvoller Beitrag zur Schatzkammer des Weltmusiktheaters. Geboren in der Ära der klassischen Blütezeit der italienischen, französischen und deutschen Oper, russische Oper im 19. Jahrhundert. andere nationale Opernschulen nicht nur eingeholt, sondern auch überholt. Die Vielschichtigkeit der Entwicklung des russischen Opernhauses im 19. Jahrhundert. trug zur Bereicherung der weltrealistischen Kunst bei. Die Werke russischer Komponisten eröffneten einen neuen Bereich des Opernschaffens, führten neue Inhalte, neue Prinzipien des Aufbaus des Musikdramas ein und brachten die Oper anderen Arten der musikalischen Kreativität, vor allem der Sinfonie, näher.

Die Geschichte der russischen klassischen Oper ist untrennbar mit der Entwicklung des gesellschaftlichen Lebens in Russland, mit der Entwicklung des fortschrittlichen russischen Denkens verbunden. Die Oper zeichnete sich bereits im 18. Jahrhundert durch diese Verbindungen aus, die sich in den 70er Jahren, der Ära der Entwicklung der russischen Aufklärung, als nationales Phänomen herauskristallisierte. Die Bildung der russischen Opernschule erfolgte unter dem Einfluss pädagogischer Ideen, die sich in dem Wunsch äußerten, das Leben der Menschen wahrheitsgetreu darzustellen.

So hat sich die russische Oper von ihren ersten Schritten an als demokratische Kunst entwickelt. In den Handlungssträngen der ersten russischen Opern wurden oft Vorstellungen von der Leibeigenschaft vorgebracht, die auch für das russische Schauspiel und die russische Literatur des ausgehenden 18. Jahrhunderts charakteristisch waren. Diese Tendenzen waren jedoch noch nicht zu einem integralen System geformt, sie drückten sich empirisch in Szenen aus dem bäuerlichen Leben aus, zeigten ihre Unterdrückung durch die Gutsbesitzer, in einer satirischen Darstellung des Adels. Dies sind die Handlungen der ersten russischen Opern: "Unglück aus der Kutsche" von V. A. Pashkevich (ca. 1742-1797), Libretto von Ya. B. Knyazhnin (Post, 1779); „Coachmen on a set-up“ von E. I. Fomin (1761-1800). In der Oper "Der Müller - der Zauberer, der Betrüger und der Heiratsvermittler" mit dem Text von AO Ablessimov und der Musik von MM Sokolovsky (in der zweiten Auflage - EI Fomin), die Idee des Adels der Arbeit der Bauer wird geäußert und die Arroganz des Adels belächelt. In der Oper von M. A. Matinsky - V. A. Pashkevich "St. Petersburg Gostiny Dvor" werden der Wucherer und der Bestechungsgelder in satirischer Form gezeigt.

Die ersten russischen Opern waren Stücke mit musikalischen Episoden auf dem Weg. Gesprächsszenen waren in ihnen sehr wichtig. Die Musik der ersten Opern war eng mit dem russischen Volkslied verwandt: Komponisten nutzten ausgiebig die Melodien gängiger Volkslieder, bearbeiteten sie und bildeten die Grundlage der Oper. In Melnik zum Beispiel werden alle Charaktereigenschaften mit Hilfe von Volksliedern anderer Art vermittelt. Die Oper "St. Petersburg Gostiny Dvor" reproduziert die volkstümliche Hochzeitszeremonie mit großer Genauigkeit. In "Kutscher auf Ständer" schuf Fomin das erste Beispiel einer Volkschoroper und legte damit den Grundstein für eine der typischen Traditionen der späteren russischen Oper.

Die russische Oper entwickelte sich im Kampf um ihre nationale Identität. Die Politik des zaristischen Hofes und der Elite der Adelsgesellschaft, die ausländische Truppen bevormundete, richtete sich gegen den Demokratismus der russischen Kunst. Die Arbeiter der russischen Oper mussten Opernfertigkeiten nach dem Vorbild der westeuropäischen Oper erlernen und gleichzeitig die Eigenständigkeit ihrer nationalen Regie verteidigen. Dieser Kampf wurde viele Jahre lang zur Existenzbedingung der russischen Oper und nahm auf neuen Bühnen neue Formen an.

Zusammen mit der Opernkomödie im 18. Jahrhundert. auch andere Operngattungen erschienen. Im Jahr 1790 fand am Hof eine Aufführung unter dem Titel "Olegs erste Verwaltung" statt, deren Text von Kaiserin Katharina II. geschrieben und die Musik gemeinsam von den Komponisten K. Canobbio, G. Sarti und VA Pashkevich komponiert wurde. Die Aufführung hatte weniger opern- als vielmehr oratorischen Charakter und kann gewissermaßen als das erste Beispiel der im 19. Jahrhundert so verbreiteten musikhistorischen Gattung gelten. In den Werken des herausragenden russischen Komponisten DSBortnyansky (1751-1825) ist das Operngenre durch die lyrischen Opern Der Falke und Der Rivale Sohn vertreten, deren Musik in Bezug auf die Entwicklung der Opernformen und des Könnens aufgelegt werden kann auf Augenhöhe mit zeitgenössischen Beispielen westeuropäischer Oper.

Das Opernhaus wurde im 18. Jahrhundert genutzt. sehr berühmt. Nach und nach drang die Oper aus der Hauptstadt in die Schlosstheater ein. Das Leibeigenentheater an der Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert gibt einzelne hochkünstlerische Beispiele für die Aufführung von Opern und Einzelrollen. Nominiert sind talentierte russische Sänger und Schauspieler, wie die Sängerin E. Sandunova, die auf der Bühne der Hauptstadt aufgetreten ist, oder die Leibeigene Schauspielerin des Sheremeteva-Theaters, P. Zhemchugova.

Künstlerische Errungenschaften der russischen Oper des 18. Jahrhunderts gab im ersten Viertel des 19. Jahrhunderts den Anstoß zur rasanten Entwicklung des Musiktheaters in Russland.

Die Verbindung des russischen Musiktheaters mit den Ideen, die das geistige Leben der damaligen Zeit prägten, wurde besonders während des Vaterländischen Krieges von 1812 und in den Jahren der Dekabristenbewegung verstärkt. Das Thema Patriotismus, das sich in historischen und zeitgenössischen Themen widerspiegelt, wird zur Grundlage vieler dramatischer und musikalischer Aufführungen. Ideen des Humanismus, Protest gegen soziale Ungleichheit inspirieren und befruchten die Theaterkunst.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts. doch kann man nicht von Oper im vollen Sinne des Wortes sprechen. Im russischen Musiktheater spielen gemischte Genres eine wichtige Rolle: Tragödie mit Musik, Varieté, komische Oper, Opernballett. Vor Glinka kannte die russische Oper keine Werke, deren Dramaturgie nur auf Musik ohne Konversationsepisoden basieren würde.

O. A. Kozlovsky (1757-1831) war ein herausragender Komponist der "Tragödie über die Musik", der Musik für die Tragödien von Ozerov, Katenin, Shakhovsky komponierte. Die Komponisten A. A. Alyabyev (1787-1851) und A. N. Verstovsky (1799-1862) arbeiteten erfolgreich im Genre des Varietés, die Musik für eine Reihe von humorvollen und satirischen Inhalten des Varietés komponierten.

Oper zu Beginn des 19. Jahrhunderts. entwickelte die Traditionen der Vorperiode. Alltägliche Aufführungen, begleitet von Volksliedern, waren ein typisches Phänomen. Beispiele dieser Art sind die Aufführungen: "Yam", "Sitting", "Devishnik" usw., deren Musik der Amateurkomponist A. N. Titov (1769-1827) geschrieben hat. Aber damit war das reiche Theaterleben der Epoche nicht erschöpft. Die Anziehungskraft auf die typischen romantischen Tendenzen dieser Zeit drückte sich in der Faszination der Gesellschaft mit fantastischen und fantastischen Darbietungen aus. Besonders erfolgreich war die mehrteilige Dnjepr-Meerjungfrau (Lesta). Die Musik zu diesen Opern, die sozusagen Romankapitel darstellten, stammten von den Komponisten S. I. Davydov, K. A. Kavos; teilweise wurde die Musik des österreichischen Komponisten Cauer verwendet. „Dnjepr-Meerjungfrau“ verließ die Bühne lange Zeit nicht, nicht nur wegen der amüsanten Handlung, die in ihren Hauptkonturen die Handlung von Puschkins „Meerjungfrau“ vorwegnahm, nicht nur wegen der großartigen Inszenierung, sondern auch wegen der melodischen, einfache und zugängliche Musik.

Der italienische Komponist K.A.Kavos (1775-1840), der schon in jungen Jahren in Russland wirkte und sich viel um die Entwicklung der russischen Opernaufführung bemühte, unternahm den ersten Versuch, eine historische und heroische Oper zu schaffen. 1815 inszenierte er in St. Petersburg die Oper Ivan Susanin, in der er ausgehend von einer der Episoden des Kampfes des russischen Volkes gegen die polnische Invasion zu Beginn des 17. Jahrhunderts versuchte, eine nationalpatriotische Aufführung zu schaffen . Diese Oper reagierte auf die Stimmung der Gesellschaft, die den Befreiungskrieg gegen Napoleon überlebte. Cavos' Oper hebt sich unter den zeitgenössischen Werken durch das Können eines professionellen Musikers, das Vertrauen auf die russische Folklore und die Lebendigkeit der Handlung hervor. Dennoch übertrifft sie nicht das Niveau der zahlreichen "Heilsopern" französischer Komponisten auf derselben Bühne; Kavos war nicht in der Lage, darin ein volkstragisches Epos zu schaffen, das Glinka zwanzig Jahre später nach derselben Handlung schuf.

Der größte Komponist des ersten Drittels des 19. Jahrhunderts. Hervorzuheben ist A. N. Verstovsky, der als Autor von Musik für Varieté genannt wurde. Seine Opern Pan Tvardovsky (nach 1828), Askolds Grab (nach 1835), Vadim (nach 1832) und andere bildeten eine neue Etappe in der Entwicklung der russischen Oper vor Glinka. Die charakteristischen Merkmale der russischen Romantik spiegelten sich in Werstowskis Werk wider. Die russische Antike, poetische Legenden der Kiewer Rus, Märchen und Sagen bilden die Grundlage seiner Opern. Das magische Element spielt in ihnen eine bedeutende Rolle. Verstovskys Musik, die tief verwurzelt ist und auf der Volksliedkunst basiert, hat im weitesten Sinne volkstümliche Ursprünge in sich aufgenommen. Seine Charaktere sind typisch für die Volkskunst. Als Meister des Operndramas schuf Verstovsky romantische und farbenfrohe Szenen mit fantastischem Inhalt. Ein Beispiel für seinen Stil ist die Oper "Askolds Grab", die bis heute im Repertoire überliefert ist. Es zeigte die besten Eigenschaften von Verstovsky - eine melodische Gabe, ein ausgezeichnetes dramatisches Flair, die Fähigkeit, lebendige und charakteristische Bilder der Charaktere zu schaffen.

Werstowskis Werke gehören zur vorklassischen Periode der russischen Oper, obwohl ihre historische Bedeutung sehr groß ist: Sie verallgemeinern und entwickeln die besten Qualitäten der vorherigen und zeitgenössischen Entwicklung der russischen Opernmusik.

Seit den 30er Jahren. XIX Jahrhundert. Die russische Oper tritt in die Klassik ein. Der Begründer der russischen Opernklassiker MI Glinka (1804-1857) schuf die historische und tragische Oper Ivan Susanin (1830) und das sagenhafte Epos Ruslan und Lyudmila (1842). Diese Säulen legten den Grundstein für zwei Haupttrends im russischen Musiktheater: historische Oper und magisch-episch; Glinkas kreative Prinzipien wurden von der nächsten Generation russischer Komponisten umgesetzt und weiterentwickelt.

Glinka entwickelte sich als Künstler in einer von den Ideen des Dekabrismus überschatteten Ära, die es ihm ermöglichte, den ideologischen und künstlerischen Inhalt seiner Opern auf eine neue, bedeutende Ebene zu heben. Er war der erste russische Komponist, in dessen Werk das verallgemeinerte und tiefgreifende Bild des Volkes zum Mittelpunkt des gesamten Werkes wurde. Das Thema Patriotismus in seinem Werk ist untrennbar mit dem Thema des Unabhängigkeitskampfes des Volkes verbunden.

Die vorangegangene Periode der russischen Oper bereitete das Erscheinen von Glinkas Opern vor, aber ihr qualitativer Unterschied zu früheren russischen Opern ist sehr bedeutend. In Glinkas Opern manifestiert sich der Realismus des künstlerischen Denkens nicht in seinen einzelnen Aspekten, sondern fungiert als ganzheitliche schöpferische Methode, die eine musikalische und dramatische Verallgemeinerung von Idee, Thema und Handlung der Oper ermöglicht. Glinka verstand das Problem der Nationalität neu: Für ihn bedeutete es nicht nur die musikalische Entwicklung von Volksliedern, sondern auch eine tiefe, facettenreiche musikalische Besinnung auf das Leben, die Gefühle und Gedanken der Menschen, die Offenlegung der Eigenart Merkmale seiner spirituellen Erscheinung. Der Komponist beschränkte sich nicht darauf, die volkstümliche Lebensweise zu reflektieren, sondern verkörperte die typischen Merkmale der volkstümlichen Weltanschauung in der Musik. Glinkas Opern sind komplette musikalische und dramatische Werke; es gibt keine dialogischen Dialoge, der Inhalt wird durch Musik ausgedrückt. Anstelle einzelner, unentwickelter Solo- und Chornummern der komischen Oper schafft Glinka große, erweiterte Opernformen und entwickelt sie mit echter symphonischer Meisterschaft.

In Ivan Susanin verherrlichte Glinka die heroische Vergangenheit RUSSLANDS. Typische Bilder des russischen Volkes werden in der Oper mit großer künstlerischer Wahrheit verkörpert. Die Entwicklung des Musikdramas basiert auf dem Gegensatz verschiedener nationaler Musiksphären.

Ruslan und Lyudmila ist eine Oper, die den Grundstein für volkskundliche russische Opern legte. Die Bedeutung von Ruslan für die russische Musik ist sehr groß. Die Oper hat nicht nur theatralische Genres beeinflusst, sondern auch symphonische. Die majestätisch-heroische und geheimnisvoll-magische, sowie die farbenfrohen orientalischen Bilder von "Ruslan" nähren seit langem die russische Musik.

Nach Glinka sprach A.S.Dargomyzhsky (1813-1869), ein typischer Künstler der Ära der 40-50er Jahre. XIX Jahrhundert. Glinka hatte einen großen Einfluss auf Dargomyzhsky, aber gleichzeitig traten in seiner Arbeit neue Qualitäten auf, die aus neuen sozialen Bedingungen und neuen Themen in der russischen Kunst hervorgingen. Eine glühende Sympathie für einen gedemütigten Menschen, ein Bewusstsein für die Schädlichkeit sozialer Ungleichheit, eine kritische Haltung gegenüber der Gesellschaftsstruktur spiegelten sich in den Arbeiten von Dargomyzhsky, verbunden mit den Ideen des kritischen Realismus in der Literatur, wider.

Dargomyzhskys Weg als Opernkomponist begann mit der Schaffung der Oper "Esmeralda", nach V. Hugo (post. 1847), und als zentrales Opernwerk des Komponisten ist "Meerjungfrau" (nach dem Drama von Alexander Puschkin) zu bezeichnen. , inszeniert 1856 In dieser Oper zeigte sich Dargomyzhskys Talent voll und ganz und die Richtung seines Schaffens wurde festgelegt. Das Drama der sozialen Ungleichheit der sich liebenden Müllerstochter Natascha und des Prinzen zog den Komponisten mit der Aktualität des Themas an. Dargomyzhsky verstärkte die dramatische Seite der Handlung, indem er das Phantastische abschwächte. "Mermaid" ist die erste russische lyrisch-psychologische Alltagsoper. Ihre Musik ist sehr beliebt; Auf der Grundlage des Liedes schuf der Komponist lebendige Heldenbilder, entwickelte den deklamatorischen Stil in den Teilen der Hauptfiguren, entwickelte Ensembleszenen und dramatisierte sie deutlich.

Dargomyzhskys letzte Oper, Der Steinerne Gast, nach Puschkin (post. 1872, nach dem Tod des Komponisten), gehört bereits dazu. eine weitere Periode in der Entwicklung der russischen Ehrungen. Dargomyzhsky stellte darin die Aufgabe, eine realistische Musiksprache zu schaffen, die die Sprachintonationen widerspiegelt. Der Komponist hat hier traditionelle Opernformen aufgegeben - Arien, Ensemble, Chor; die Gesangspartien der Oper überwiegen den Orchesterpart, Der steinerne Gast markierte den Beginn einer der Richtungen der nachfolgenden Periode der russischen Oper, der sogenannten Kammerrezitativoper, später präsentiert von Rimsky-Korsakovs Mozart und Salieri, Rachmaninows Der begehrliche Ritter und andere. Die Besonderheit dieser Opern besteht darin, dass sie alle auf dem unveränderten Volltext von Puschkins "kleinen Tragödien" geschrieben sind.

In den 60er Jahren. Die russische Oper ist in eine neue Phase ihrer Entwicklung eingetreten. Auf der russischen Bühne erscheinen die Werke der Komponisten des Balakirevsky-Kreises ("The Mighty Handful") und Tschaikowsky. In den gleichen Jahren entwickelte sich die Arbeit von A.N.Serov und A.G. Rubinstein.

Das Opernwerk des als Musikkritiker berühmt gewordenen A. N. Serov (1820-1871) kann nicht zu den ganz bedeutenden Phänomenen des russischen Theaters gezählt werden. Eine Zeit lang spielten seine Opern jedoch eine positive Rolle. In der Oper Judith (Fasten, 1863) schuf Serov ein Werk von heroisch-patriotischem Charakter über ein biblisches Thema; in der Oper Rogneda (op. und post. 1865) wandte er sich der Ära der Kiewer Rus zu und wollte die Linie der Ruslan fortsetzen. Allerdings war die Oper nicht tief genug. Von großem Interesse ist Serovs dritte Oper "Die Macht des Feindes", basierend auf dem Drama von A. N. Ostrovsky "Lebe nicht, wie du willst" (post. 1871). Der Komponist beschloss, eine Liedoper zu schaffen, deren Musik auf Primärquellen basieren sollte. Die Oper hat jedoch kein einheitliches dramatisches Konzept, und ihre Musik erhebt sich nicht zu den Höhen realistischer Verallgemeinerung.

A. G. Rubinshtein (1829-1894) begann als Opernkomponist mit der Komposition der historischen Oper Die Schlacht von Kulikovo (1850). er schuf die lyrische Oper Feramors und die romagische Oper Kinder der Steppe. Die beste Oper von Rubinstein, "Der Dämon" nach Lermontov (1871), hat sich im Repertoire erhalten. Diese Oper ist ein Beispiel für die russische lyrische Oper, in der die talentiertesten Seiten den Gefühlen der Helden gewidmet sind. Genreszenen "Der Dämon", in dem der Komponist Volksmusik des Kaukasus verwendet, bringt lokales Flair. "Die Oper "Dämon" war ein Erfolg unter Zeitgenossen, die in der Hauptfigur das Bild eines Mannes der 40-50er Jahre sahen.

Das opernhafte Schaffen der Komponisten von The Mighty Handful und Tschaikowsky war eng mit der neuen Ästhetik der 60er Jahre verbunden. Neue gesellschaftliche Bedingungen stellen russische Künstler vor neue Aufgaben. Das Hauptproblem der Epoche war das Problem der Reflexion des Volkslebens in all seiner Komplexität und Widersprüchlichkeit in Kunstwerken. Der Einfluss der Ideen revolutionärer Demokraten (vor allem Chernyshevsky) manifestierte sich im Bereich des musikalischen Schaffens, der Hinwendung zu allgemein bedeutsamen Themen und Handlungen, der humanistischen Ausrichtung der Werke, der Verherrlichung der hohen geistigen Kräfte des Volkes. Das historische Thema ist in dieser Zeit von besonderer Bedeutung.

Das Interesse an der Geschichte ihres Volkes war in diesen Jahren nicht nur für Komponisten typisch. Die Geschichtswissenschaft selbst entwickelt sich weit; Schriftsteller, Dichter und Dramatiker wenden sich einem historischen Thema zu; Historienmalerei entwickelt sich. Von größtem Interesse sind die Epochen der Staatsstreiche, Bauernaufstände und Massenbewegungen. Einen wichtigen Platz nimmt das Problem des Verhältnisses zwischen Volk und zaristischer Regierung ein. Diesem Thema sind die historischen Opern von M.P. Mussorgsky und N.A.Rimsky-Korsakov gewidmet.

Opern von MP Mussorgsky (1839-1881) Boris Godunov (1872) und Chowanschtschina (vollendet von Rlmsky-Korsakov 1882) gehören zum historischen und tragischen Zweig der russischen klassischen Oper. Der Komponist nannte sie "Volksmusikdramen", da die Parodie im Zentrum beider Werke steht. Die Hauptidee von "Boris Godunov" (basierend auf der gleichnamigen Tragödie von Puschkin) ist ein Konflikt: Zar - Volk. Diese Idee war eine der wichtigsten und ergreifendsten in der Zeit nach der Reform. Mussorgski wollte in den Ereignissen der Vergangenheit Russlands eine Analogie zur Moderne finden. Der Widerspruch zwischen Volksinteressen und autokratischer Macht zeigt sich in den Szenen der Volksbewegung und mündet in einen offenen Aufstand. Gleichzeitig widmet der Komponist der "Tragödie des Gewissens" des Zaren Boris große Aufmerksamkeit. Das facettenreiche Bild von Boris Godunov ist eine der höchsten Errungenschaften der Weltoper.

Das zweite Musikdrama von Mussorgsky, Chowanschtschina, ist den Streltsy-Aufständen Ende des 17. Jahrhunderts gewidmet. Das Element der Volksbewegung in all seiner Gewalt wird durch die Musik der Oper bemerkenswert ausgedrückt, die auf dem kreativen Umdenken der Volksliedkunst basiert. Die Musik von "Khovanshchina" ist wie die Musik von "Boris Godunov" von hoher Tragik geprägt. Die melodische Meile beider Opern basiert auf der Synthese von Gesangs- und Deklamationsprinzipien. Mussorgskys Innovation, geboren aus der Neuheit des Konzepts, der zutiefst originellen Lösung der Probleme des Musikdramas, macht seine beiden Opern zu den höchsten Errungenschaften des Musiktheaters.

Auch die Oper von AP Borodin (1833-1887) "Prinz Igor" reiht sich in die Gruppe der historischen Musikwerke ein (seine Handlung war "The Lay of Igor's Campaign"). Die Idee der Liebe zum Vaterland, die Idee der Vereinigung im Angesicht des Feindes wird vom Komponisten mit großem Drama (Szenen in Putivl) enthüllt. Der Komponist verband in seiner Oper die Monumentalität einer epischen Gattung mit einem lyrischen Beginn. In der poetischen Verkörperung des Polovtsian-Lagers wurden die Vorschriften von Glinka verkörpert; Borodins musikalische Ostbilder wiederum inspirierten viele russische und sowjetische Komponisten zu orientalischen Bildern. Borodins bemerkenswerte melodische Begabung manifestierte sich im breit gesungenen Stil der Oper. Borodin hatte keine Zeit, die Oper zu beenden; Fürst Igor wurde von Rimski-Korsakow und Glasunow vollendet und 1890 in ihrer Ausgabe inszeniert.

Das Genre des historischen Musikdramas wurde auch von N. L. Rimsky-Korsakov (1844-1908) entwickelt. Die Pskower Ehrenbürger, die gegen Iwan den Schrecklichen rebellieren (Oper "Die Pskowiterin", 1872), werden vom Komponisten mit epischer Größe dargestellt. Das Bild des Königs ist ein Baldachin wahrer Dramatik. Das lyrische Element der Oper, das mit der Heldin Olga verbunden ist, bereichert die Musik und führt Merkmale erhabener Zärtlichkeit und Sanftmut in das majestätische tragische Konzept ein.

PI Tschaikowsky (1840-1893), vor allem für seine psychologischen und psychologischen Ehrungen bekannt, war der Autor von drei historischen Opern. Die Opern Der Oprichnik (1872) und Mazepa (1883) sind dramatischen Ereignissen der russischen Geschichte gewidmet. In der Oper „Die Jungfrau von Orleans“ (1879) wandte sich der Komponist der Geschichte Frankreichs zu und schuf das Bild der französischen Nationalheldin Jeanne D „Arc.

Die Besonderheit von Tschaikowskys historischen Opern ist ihre Beziehung zu seinen lyrischen Opern. Der Komponist enthüllt in ihnen die charakteristischen Züge der Epoche, die durch das Schicksal einzelner Personen dargestellt wird. Die Bilder seiner Figuren zeichnen sich durch die Tiefe und Wahrhaftigkeit der Übertragung der komplexen Innenwelt eines Menschen aus.

Neben volksgeschichtlichen Musikdramen in der russischen Oper des 19. Jahrhunderts. einen wichtigen Platz nehmen Volksmärchenopern ein, die im Werk von NA Rimsky-Korsakov weit verbreitet sind, die besten Märchenopern von Rimsky-Korsakov - "The Snow Maiden" (1881), "Sadko" (1896), „Kashey the Immortal“ (1902) und „The Golden Cockerel“ (1907). Einen besonderen Platz nimmt die Oper "The Legend of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia" (1904) ein, die auf der Grundlage von Volkslegenden über die tatarisch-mongolische Invasion geschrieben wurde.

Opern von Rimsky-Korsakov verblüffen mit der Vielfalt der Interpretationen des Volksmärchengenres. Entweder ist es eine poetische Interpretation alter Volksvorstellungen über die Natur, ausgedrückt in einer wunderbaren Geschichte über das Schneemädchen, oder ein mächtiges Bild des alten Nowgorod oder ein Bild von Russland zu Beginn des 20. Jahrhunderts. im allegorischen Bild des kalten Kashchey-Königreiches, dann eine echte Satire auf das verrottete autokratische System in fabelhaften Volksdrucken ("The Golden Cockerel"). In verschiedenen Fällen sind die Methoden der musikalischen Darstellung der Charaktere und die Techniken von Rimsky-Korsakovs Musikdrama unterschiedlich. In all seinen Opern kann man jedoch die tiefe kreative Inspiration des Komponisten in der Welt der Volksaufführungen, im Volksglauben, in der Weltanschauung der Menschen spüren. Die Musik seiner Opern orientiert sich an der Sprache der Volkslieder. Das Vertrauen in die Volkskunst, die Charakterisierung der Charaktere durch die Verwendung verschiedener Volksgenres ist ein typisches Merkmal von Rimsky-Korsakov.

Der Höhepunkt von Rimsky-Korsakovs Werk ist das majestätische Epos über den Patriotismus des russischen Volkes in der Oper The Legend of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia, in der der Komponist einen enormen Höhepunkt der musikalischen und symphonischen Verallgemeinerung des Themas erreichte .

Unter anderen Spielarten der russischen klassischen Oper gehört einer der Hauptorte der lyrisch-psychologischen Oper, deren Beginn von Dargomyzhskys "Meerjungfrau" gelegt wurde. Der größte Vertreter dieses Genres in der russischen Musik ist Tschaikowsky, der Autor genialer Werke, die in das Weltopernrepertoire aufgenommen wurden: Eugen Onegin (1877-1878), Die Zauberin (1887), Die Pikkönigin (1890), Iolanta (1891 .) ). Tschaikowskys Innovation ist mit der Ausrichtung seines Werkes verbunden, die sich den Ideen des Humanismus, dem Protest gegen die Demütigung des Menschen, dem Glauben an eine bessere Zukunft der Menschheit widmet. Die innere Welt der Menschen, ihre Beziehungen, ihre Gefühle werden in Tschaikowskys Opern offenbart, indem sie theatralische Effizienz mit der konsequenten symphonischen Entwicklung der Musik verbinden. Tschaikowskys Opernwerk ist eines der größten Phänomene der Weltmusiktheaterkunst des 19. Jahrhunderts.

Im Opernwerk russischer Komponisten, der Komödienoper, sind weniger Werke vertreten. Aber auch diese wenigen Exemplare zeichnen sich durch ihre nationale Originalität aus. Da ist keine unterhaltsame Leichtigkeit, keine Comics. Die meisten basieren auf Gogols Erzählungen aus Abends auf einem Bauernhof in der Nähe von Dikanka. Jede der Komödienopern spiegelte die individuellen Eigenschaften der Autoren wider. In Tschaikowskys Oper "Chere vichki" (1885; in der Erstausgabe - "Schmied Vakula", 1874) überwiegt das lyrische Element; in "May Night" von Rimsky-Korsakov (1878) - fantastisch und zeremoniell; in "Sorochinskaya Yarmarka" von Mussorgsky (70er, nicht fertig) - rein komödiantisch. Die genannten Opern sind Beispiele für die Kunst der realistischen Reflexion des Volkslebens im Genre der Figurenkomödie.

An russische Opernklassiker grenzen eine Reihe sogenannter Parallelphänomene im russischen Musiktheater. Wir meinen das Werk von Komponisten, die keine Werke von bleibender Bedeutung geschaffen haben, obwohl sie ihren Beitrag zur Entwicklung der russischen Oper geleistet haben. Hier ist es notwendig, die Opern von Ts. A. Cui (1835-1918), einem Mitglied des Balakirev-Kreises, einem prominenten Musikkritiker der 60-70er Jahre, zu nennen. Cuis Opern William Ratcliff und Angelo, die nicht über den konventionell romantischen Stil hinausgehen, sind frei von Dramatik und manchmal heiterer Musik. Cuis spätere Stützen sind von geringerer Bedeutung ("Die Tochter des Kapitäns", "Mademoiselle Fifi" usw.). Begleitend zur klassischen Oper war die Arbeit des Dirigenten und Musikdirektors der Oper in St. Petersburg E. F. Napravnik (1839-1916). Am bekanntesten ist seine Oper Dubrovsky, die in der Tradition von Tschaikowskys lyrischen Opern komponiert wurde.

Von den Komponisten, die Ende des 19. Jahrhunderts auftraten. auf der Opernbühne muss man A. S. Arensky (1861-1906), den Autor der Opern „Dream on. Wolga“, „Raphael“ und „Nal und Damayanti“, sowie M. M. Ishulitova-Ivanov (1859-1935), deren Oper „Asya“ nach I. S. Turgenev in der lyrischen Manier von Tschaikowsky geschrieben wurde. Stand in der Geschichte der russischen Oper "Oresteia" von SI Tanejew (1856-1915) nach Aischylos, die als Theateroratorium bezeichnet werden kann.

Gleichzeitig trat er als Opernkomponist S. V. Rachmaninow (1873-1943) auf, der bis zum Ende des Konservatoriums (1892) einen einaktigen Honra „Aleko“ komponierte, der in der Tradition Tschaikowskys getragen wurde. Rachmaninows spätere Opern Francesca da Rimini (1904) und Der begehrliche Ritter (1904) wurden im Charakter von Opernkantaten geschrieben; in ihnen ist das Bühnengeschehen maximal komprimiert und der musikalische und symphonische Beginn sehr entwickelt. Die Musik dieser Opern, talentiert und hell, trägt den Stempel der Originalität des kreativen Stils des Autors.

Von den weniger bedeutenden Phänomenen der Opernkunst zu Beginn des 20. Jahrhunderts. nennen wir die Oper von AT Grechaninov (1864-1956) "Dobrynya Nikitich", in der die charakteristischen Züge einer märchenhaften klassischen Oper einem romantischen Text wichen, sowie die Oper von AD Kastalsky (1856-1926) "Klara Milich", in dem Elemente des Naturalismus mit einer aufrichtigen, beeindruckenden Lyrik kombiniert werden.

Das 19. Jahrhundert ist die Ära der russischen Opernklassiker. Russische Komponisten haben Meisterwerke in verschiedenen Genres der Opernkunst geschaffen: Drama, Epos, heroische Tragödie, Komödie. Sie schufen ein innovatives Musikdrama, das in enger Verbindung mit den innovativen Inhalten der Oper entstand. Die wichtige, prägende Rolle der Massenvolksszenen, die facettenreiche Charakterisierung der Charaktere, eine Neuinterpretation traditioneller Opernformen und die Schaffung neuer Prinzipien der musikalischen Einheit des Gesamtwerkes sind charakteristische Merkmale russischer Opernklassiker.

Die russische klassische Oper, die sich unter dem Einfluss des philosophischen und ästhetisch fortschrittlichen Denkens, unter dem Einfluss der Ereignisse des öffentlichen Lebens entwickelte, wurde im 19. Jahrhundert zu einem der bemerkenswerten Aspekte der russischen Nationalkultur. Der gesamte Entwicklungsweg des russischen Opernschaffens im letzten Jahrhundert verlief parallel zur großen Befreiungsbewegung des russischen Volkes; Komponisten wurden von den erhabenen Ideen des Humanismus und der demokratischen Aufklärung inspiriert, und ihre Werke sind für uns großartige Beispiele wirklich realistischer Kunst.

Oper(italienische Oper - Geschäft, Arbeit, Arbeit; von lateinisch Oper - Arbeit, Produkt, Arbeit) - eine Gattung der musikalischen und dramatischen Kunst, in der der Inhalt durch Musikdramatik, hauptsächlich durch Vokalmusik, verkörpert wird. Die literarische Grundlage der Oper ist das Libretto.

Geschichte des Genres

Oper erschien in Italien in den Mysterien, dh spirituellen Aufführungen, bei denen die episodisch eingeführte Musik auf einem niedrigen Niveau war. Spirituelle Komödie: "Die Bekehrung des hl. Paul“ (1480), Beverini, ist bereits ein ernsteres Werk, in dem Musik die Handlung von Anfang bis Ende begleitet. Mitte des 16. Jahrhunderts waren Hirtenspiele oder Hirtenspiele, bei denen sich die Musik auf Chöre beschränkte, im Charakter einer Motette oder eines Madrigals sehr beliebt. In Amfiparnasso von Orazio Vecchi diente der Chorgesang backstage in Form eines fünfstimmigen Madrigals zur Begleitung der Schauspieler auf der Bühne. Diese "Commedia armonica" wurde erstmals 1597 am Hof von Modena verliehen.

Am Ende des 16. Jahrhunderts brachten Versuche, monophonen Gesang (Monodie) in solche Kompositionen einzuführen, die Oper auf den Weg, auf dem ihre Entwicklung schnell voranschritt. Die Verfasser dieser Versuche nannten ihre musikalischen und dramatischen Werke Drama in musica oder drama per musica; der Name "Oper" wurde in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts verwendet. Später griffen einige Opernkomponisten, beispielsweise Richard Wagner, wieder auf den Namen „Musikdrama“ zurück.

Das erste Opernhaus für öffentliche Aufführungen wurde 1637 in Venedig eröffnet; früher diente die Oper nur der höfischen Unterhaltung. Die erste große Oper kann als "Daphne" von Jacopo Peri angesehen werden, die 1597 aufgeführt wurde. Die Oper verbreitete sich bald in Italien und dann im restlichen Europa. In Venedig sind seit der Eröffnung der öffentlichen Shows in 65 Jahren 7 Theater aufgetreten; 357 Opern wurden für sie von verschiedenen Komponisten geschrieben (bis zu 40). Die Pioniere der Oper waren: in Deutschland - Heinrich Schütz (Daphne, 1627), in Frankreich - Cambert (La pastorale, 1647), in England - Purcell; in Spanien erschienen die ersten Opern zu Beginn des 18. Jahrhunderts; in Russland schrieb Araya als erster eine Oper (Mullet und Procrida) über einen unabhängigen russischen Text (1755). Die erste russische Oper, geschrieben in russischer Sitte - "Tanyusha oder Happy Meeting", Musik von FG Volkov (1756).

Opernvariationen

Gewisse Formen der Opernmusik haben sich historisch entwickelt. Angesichts einiger allgemeiner Gesetze des Operndramas werden alle seine Komponenten je nach Operntyp unterschiedlich interpretiert.

große Oper (opera seria - italienisch, Tragwerk "edie lyrique, later grand-op"-Ära - französisch),

halbkomisch (Semiseria),

komische Oper (opera-buffa - italienisch, op "era-comique - französisch, Spieloper - deutsch),

romantische Oper, auf einer romantischen Handlung.

In der komischen Oper, Deutsch und Französisch, ist der Dialog zwischen Musiknummern erlaubt. Es gibt auch ernste Opern, in die zum Beispiel Dialoge eingefügt werden. Beethovens Fidelio, Cherubinis Medea, Webers Magic Shooter.

Opern für Kinder (zum Beispiel die Opern von Benjamin Britten - "Der kleine Schornsteinfeger", "Arche Noah", Opern von Lev Konov - "König Matt der Erste", "Asgard", "Das hässliche Entlein", "Kokinwakasu" ).

Opernelemente

Oper ist ein synthetisches Genre, das verschiedene Arten von Künsten in einer einzigen Theateraktion kombiniert: Schauspiel, Musik, bildende Kunst (Sets, Kostüme), Choreographie (Ballett).

Die Operngruppe umfasst: Solist, Chor, Orchester, Militärorchester, Orgel. Opernstimmen: (weiblich: Sopran, Mezzosopran, Alt; männlich: Countertenor, Tenor, Bariton, Bass).

Das Opernwerk gliedert sich in Akte, Bilder, Szenen, Nummern. Vor den Akten gibt es einen Prolog, am Ende der Oper - einen Epilog.

Teile eines Opernwerkes - Rezitative, Ariosos, Lieder, Arien, Duette, Trios, Quartette, Ensembles usw. Aus symphonischen Formen - Ouvertüre, Introduktion, Pausen, Pantomime, Melodram, Prozessionen, Ballettmusik.

Die Charaktere der Helden werden am besten in Solonummern offenbart (Arie, Arioso, Arietta, Cavatine, Monolog, Ballade, Lied). Das Rezitativ hat in der Oper verschiedene Funktionen - musikalische Intonation und rhythmische Wiedergabe der menschlichen Sprache. Nicht selten verbindet er (in einer Handlung und musikalisch) einzelne ganze Nummern; ist oft ein wirksamer Faktor im Musikdrama. In einigen Genres der Oper, hauptsächlich komödiantischen, wird Umgangssprache anstelle von Rezitativ verwendet, normalerweise in Dialogen.

Ein musikalisches Ensemble (Duett, Trio, Quartett, Quintett usw.), dessen Besonderheit es ermöglicht, Konfliktsituationen zu schaffen, nicht nur die Entwicklung der Handlung, sondern auch das Aufeinanderprallen von Charakteren und Ideen aufzuzeigen, entspricht dem Bühnendialog, Schauplatz einer dramatischen Aufführung in der Oper. Daher treten Ensembles oft in den Höhepunkten oder letzten Momenten einer Opernaufführung auf.

Der Chor in der Oper wird unterschiedlich interpretiert. Es kann ein Hintergrund sein, der nichts mit der Haupthandlung zu tun hat; manchmal eine Art Kommentator des Geschehens; sein künstlerisches Potenzial ermöglicht es ihm, monumentale Bilder des Volkslebens zu zeigen, die Beziehung zwischen dem Helden und der Masse aufzuzeigen (z.

Im Musikdrama der Oper kommt dem Orchester eine wichtige Rolle zu, sinfonische Ausdrucksmittel dienen der vollständigen Erschließung der Bilder. Die Oper enthält auch eigenständige Orchesterepisoden - Ouvertüre, Pause (Einführung in einzelne Akte). Ein weiterer Bestandteil einer Opernaufführung sind Ballett, choreografische Szenen, in denen plastische Bilder mit musikalischen kombiniert werden.

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Opernvariationen

Die Oper beginnt ihre Geschichte an der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert im Kreis der italienischen Philosophen, Dichter und Musiker - "Camerata". Der erste Aufsatz in diesem Genre erschien im Jahr 1600, die Schöpfer nahmen den berühmten die Geschichte von Orpheus und Eurydike ... Seitdem sind viele Jahrhunderte vergangen, aber Komponisten schreiben weiterhin Opern mit beneidenswerter Regelmäßigkeit. Im Laufe seiner Geschichte hat dieses Genre viele Veränderungen erfahren, die von Themen über musikalische Formen bis hin zu seiner Struktur reichen. Welche Arten von Opern gibt es, wann sie erschienen sind und was ihre Merkmale sind - lass es uns herausfinden.

Opernvarianten:

Ernsthafte Oper(opera seria, opera seria) ist eine Operngattung, die an der Wende des 17. zum 18. Jahrhundert in Italien entstand. Solche Werke wurden zu historischen und heroischen, legendären oder mythologischen Themen komponiert. Eine Besonderheit dieses Operntyps war übertriebener Pomp in allem - die Hauptrolle spielten virtuose Sänger, die einfachsten Gefühle und Emotionen wurden in langen Arien präsentiert, auf der Bühne herrschten prächtige Kulissen. Kostümkonzerte - so hießen die Seria-Opern.

Komische Oper stammt aus Italien im 18. Jahrhundert. Sie hieß Opera-Buffa und entstand als Alternative zur „langweiligen“ Oper der Reihe. Daher der kleine Umfang des Genres, eine geringe Anzahl von Charakteren, komische Techniken im Gesang, zum Beispiel Zungenbrecher, und eine Zunahme der Anzahl von Ensembles - eine Art Rache für die "langen" Virtuosen-Arien. In verschiedenen Ländern hatte die komische Oper ihre eigenen Namen - in England ist sie eine Balladeoper, Frankreich definiert sie als komödiantische Oper, in Deutschland heißt sie Singspiel und in Spanien heißt sie Tonadilla.

Halb ernste Oper(opera semiseria) ist ein Grenzgenre zwischen ernster und komischer Oper, dessen Heimat Italien ist. Diese Art von Oper entstand Ende des 18. Jahrhunderts, die Handlung basierte auf ernsten und manchmal tragischen Geschichten, aber mit einem Happy End.

Große Oper(Große Oper) - entstand Ende des 1. Drittels des 19. Jahrhunderts in Frankreich. Dieses Genre zeichnet sich durch einen großen Umfang (5 Akte statt der üblichen 4), die obligatorische Präsenz eines Tanzaktes, eine Fülle von Kulissen aus. Sie wurden hauptsächlich zu historischen Themen erstellt.

Romantische Oper - entstand im 19. Jahrhundert in Deutschland. Diese Art von Oper umfasst alle Musikdramen, die auf romantischen Handlungen basieren.

Opernballett hat seinen Ursprung in Frankreich an der Wende des XVII-XVIII Jahrhunderts. Der zweite Name dieses Genres ist französisches Hofballett. Solche Werke wurden für Maskeraden, Hirten und andere Feste an königlichen und bedeutenden Höfen geschaffen. Solche Aufführungen zeichneten sich durch ihre Helligkeit und ihre schönen Dekorationen aus, aber die Zahlen in ihnen waren gemäß der Handlung nicht miteinander verbunden.

Operette- "kleine Oper", erschien in Frankreich in der 2. Hälfte des 19. Jahrhunderts. Ein charakteristisches Merkmal dieses Genres ist eine komische, unprätentiöse Handlung, ein bescheidener Maßstab, einfache Formen und "leichte", leicht zu merkende Musik.

Geschichte des Genres

Jacopo Peri

Als Ursprünge der Oper kann auch die antike Tragödie angesehen werden. Die Oper entstand als eigenständiges Genre in Italien an der Wende des 16. und 17. Jahrhunderts in einem Kreis von Musikern, Philosophen und Dichtern in der Stadt Florenz. Der Kreis der Kunstfreunde hieß "Camerata". Die Teilnehmer der „camerata“ träumten davon, die antike griechische Tragödie wiederzubeleben, indem sie Schauspiel, Musik und Tanz in einer Aufführung vereinen. Die erste derartige Aufführung fand 1600 in Florenz statt und erzählte von Orpheus und Eurydike. Es gibt eine Version, dass die erste musikalische Darbietung mit Gesang 1594 auf der Handlung des antiken griechischen Mythos über den Kampf des Gottes Apollo mit der Schlange Python inszeniert wurde. Nach und nach entstanden in Italien Opernschulen in Rom, Venedig und Neapel. Dann verbreitete sich die Oper schnell in ganz Europa. Im späten 17. und frühen 18. Jahrhundert wurden die Hauptspielarten der Oper gebildet: Opera - seria (große ernste Oper) und Oper - buffa (komische Oper).

Ende des 18. Jahrhunderts wurde in St. Petersburg das Russische Theater eröffnet. Zunächst wurden nur ausländische Opern aufgeführt. Die ersten russischen Opern waren komisch. Fomin gilt als einer der Gründer. 1836 fand in St. Petersburg die Uraufführung von Glinkas Oper Ein Leben für den Zaren statt. Die Oper in Russland hat eine perfekte Form angenommen, ihre Merkmale wurden bestimmt: die lebendigen musikalischen Eigenschaften der Hauptfiguren, das Fehlen von gesprochenen Dialogen. Im 19. Jahrhundert wenden sich die besten russischen Komponisten der Oper zu.

Opernvariationen

Gewisse Formen der Opernmusik haben sich historisch entwickelt. Angesichts einiger allgemeiner Gesetze des Operndramas werden alle seine Komponenten je nach Operntyp unterschiedlich interpretiert.

große Oper ( Opernserie- ital., tragédie lyrique später Grand-Oper- Französisch),
halbkomisch ( Halbserie),
komische Oper ( Oper-Buffa- ital., opéra-comique- Französisch, Spieloper- Deutsch),
romantische Oper, auf einer romantischen Handlung.
Halboper, Halboper, Vierteloper ( halb- lat. half) ist eine Form der englischen Barockoper, die orales Drama (Genre) Drama, vokale Mise-en-Scenes, Govek und symphonische Werke kombiniert. Einer der Anhänger der Semi-Oper ist der englische Komponist Henry Purcell /

Aus der komischen Oper entstand die Operette, die sich vor allem in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts verbreitete.
Opern für Kinder (zum Beispiel die Opern von Benjamin Britten - "Der kleine Schornsteinfeger", "Arche Noah", Opern von Lev Konov - "König Matt der Erste", "Asgard", "Das hässliche Entlein", "Kokinwakasu" ).

Opernelemente

Es ist ein synthetisches Genre, das verschiedene Arten von Künsten in einer einzigen Theateraktion kombiniert: Schauspiel, Musik, bildende Kunst (Landschaft, Kostüme), Choreographie (Ballett).

Die Operngruppe umfasst: Solist, Chor, Orchester, Militärorchester, Orgel. Opernstimmen: (weiblich: Sopran, Mezzosopran, Alt; männlich: Countertenor, Tenor, Bariton, Bass).

Das Opernwerk gliedert sich in Akte, Bilder, Szenen, Nummern. Vor den Akten gibt es einen Prolog, am Ende der Oper - einen Epilog.

Die Charaktere der Helden werden in . am vollständigsten enthüllt Solonummern(Arie, Arioso, Arietta, Cavatine, Monolog, Ballade, Lied). Opera hat verschiedene Funktionen Rezitativ- musikalische Intonation und rhythmische Wiedergabe der menschlichen Sprache. Nicht selten verbindet er (in einer Handlung und musikalisch) einzelne ganze Nummern; ist oft ein wirksamer Faktor im Musikdrama. In einigen Genres der Oper, hauptsächlich der Komödie, verwenden sie anstelle des Rezitativs umgangssprachliche Rede, normalerweise - in Dialogen.

Der Bühnendialog, der Bühne einer dramatischen Aufführung in der Oper entspricht musikalisches Ensemble(Duett, Trio, Quartett, Quintett usw.) Daher treten Ensembles oft in den Höhepunkten oder letzten Momenten einer Opernaufführung auf.

Chor in der Oper wird unterschiedlich interpretiert. Es kann ein Hintergrund sein, der nichts mit der Haupthandlung zu tun hat; manchmal eine Art Kommentator des Geschehens; sein künstlerisches Potenzial ermöglicht es ihm, monumentale Bilder des Volkslebens zu zeigen, die Beziehung zwischen dem Helden und der Masse aufzuzeigen (z.

Im Musikdrama der Oper kommt dem eine große Rolle zu Orchester sinfonische Ausdrucksmittel dienen einer vollständigeren Offenlegung von Bildern. Die Oper enthält auch eigenständige Orchesterepisoden - Ouvertüre, Pause (Einführung in einzelne Akte). Ein weiterer Bestandteil einer Opernaufführung ist Ballett, choreografische Szenen, in denen plastische Bilder mit musikalischen kombiniert werden.

Opernhaus

Opernhäuser sind Gebäude von Musiktheatern, die speziell für die Aufführung von Opernaufführungen konzipiert sind. Im Gegensatz zu Freilichtbühnen ist das Gebäude des Opernhauses mit einer großen Bühne mit aufwendiger technischer Ausstattung ausgestattet, darunter ein Orchestergraben und ein Auditorium in einer oder mehreren Ebenen, übereinander angeordnet oder in Form von Logen dekoriert. Dieses architektonische Modell des Opernhauses ist das wichtigste. Die größten Opernhäuser der Welt in Bezug auf die Zahl der Zuschauerplätze sind die Metropolitan Opera in New York (3.800 Plätze), die Opera in San Francisco (3.146 Plätze) und die Mailänder Scala in Italien (2.800 Plätze).

In den meisten Ländern ist der Unterhalt von Opernhäusern unrentabel und erfordert staatliche Subventionen oder Spenden von Philanthropen. Zum Beispiel belief sich das Jahresbudget des Teatro La Scala (Mailand, Italien) im Jahr 2010 auf 115 Millionen Euro (40 % - staatliche Subventionen und 60 % - Spenden von Einzelpersonen und Kartenverkauf) und 2005 erhielt die Scala 25 % von 464 Millionen Euro - der Betrag, der aus dem italienischen Haushalt für die Entwicklung der bildenden Künste bereitgestellt wird. Und die Estnische Nationaloper erhielt 2001 7 Millionen Euro (112 Millionen Kronen), was 5,4 % der Mittel des estnischen Kulturministeriums entsprach.

Opernstimmen

Zu den Anfängen der Oper, als die elektronische Klangverstärkung noch nicht erfunden war, entwickelte sich die Technik des Operngesangs dahingehend, einen Klang zu erzeugen, der laut genug ist, um den Klang des begleitenden Sinfonieorchesters zu überlagern. Die Kraft der Opernstimme erreichte aufgrund der koordinierten Arbeit von drei Komponenten (Atmung, Arbeit des Kehlkopfes und Regulierung der Resonanzhöhlen) 120 dB in einem Meter Entfernung.

Sänger werden nach den Opernstimmen nach der Art der Stimme (Textur, Timbre und Charakter) eingeteilt. Unter den männlichen Opernstimmen gibt es:

Countertenor,

und unter den Frauen:

Die beliebtesten Opernkomponisten im gleichen Zeitraum waren Verdi, Mozart und Puccini - 3.020, 2.410 bzw. 2.294 Aufführungen.

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siehe auch

Notizen (Bearbeiten)

Links

Die umfassendste russischsprachige Website für Oper und Opernveranstaltungen
Verzeichnis "100 Operas", herausgegeben von M. S. Druskin. Kurzinhalt (Synopse) von Opern

Musikalische Formen
Stimmformen	Versform Sing-Chorus-Form
Einfache Formen	Zeitraum Einfaches zweiteiliges Formular Einfaches dreiteiliges Formular
Komplexe Formen	Zusammengesetzte Liedformen Rondo Variation Form Sonata Form Rondo Sonata
Zyklische Formen	Suitesonaten-Sinfoniezyklus Cantata Oratorio
Polyphone Formen	Kanon Fuge
Spezifische Formen des europäischen Mittelalter und Renaissance	Bar Virele Ballata ́ Estampi ́ Le Madrigal
Spezifische Formen der Barockzeit	Einfache Barockformen Alte Sonatenform Barocke zusammengesetzte Formen Alte Konzertform Chorarrangement
Spezifische Formen der Epoche der Romantik	Freie Formen Mischformen Einteilige zyklische Form
Formen des Musiktheaters	Operettenballett
Musik Musiktheorie

Oper Bedingungen

Anfahrt zum Theater
Theater

Oper ist das höchste Genre nicht nur der dramatischen Familie, sondern aller Arten von interagierender Musik. Es kombiniert ein potenziell großes Volumen, eine inhaltliche Vielseitigkeit mit einem Konzept, das es einer Sinfonie in der reinen und programmatischen Musik oder einem Oratorium in der Familie der Musik und Worte ähnelt. Aber im Gegensatz zu ihnen setzt die vollwertige Wahrnehmung und Existenz der Oper eine materiell-volumetrische Bühnenverkörperung der Handlung voraus.
Dieser Umstand - Spektakuläre, sowie die direkt damit verbundene Komplexität der künstlerischen Synthese in einer Opernaufführung, die Musik, Wort, Schauspiel und Bühnenbild vereint, lassen uns manchmal in der Oper ein besonderes Kunstphänomen sehen, das nicht nur der Musik zukommt und nicht in die Hierarchie der Musikrichtungen einordnen. Nach dieser Auffassung entstand und entwickelt sich die Oper an der Schnittstelle verschiedener Kunstgattungen, von denen jede besondere und gleiche Aufmerksamkeit erfordert8. Die Definition des ästhetischen Status der Oper hängt unserer Meinung nach vom Standpunkt ab: Im Kontext der gesamten Kunstwelt kann sie als besonderer synthetischer Typus angesehen werden, aus musikalischer Sicht ist sie jedoch genau ein Musikgenre, ungefähr gleich den höheren Genres anderer Gattungen und Familien.
Diese typologische Definition verbirgt den grundlegenden Aspekt des Problems. Die hier vorgeschlagene Auffassung von Oper hat die Musik als Dominante der künstlerischen Interaktion im Sinn, von der die Voreingenommenheit ihrer Betrachtung in diesem Kapitel abhängt. „Oper ist zuallererst ein Werk
musical "- diese bedeutenden Worte des größten Opernklassikers Rimsky-Korsakov werden durch ein riesiges Erbe, die Praxis mehrerer Jahrhunderte, einschließlich unseres Jahrhunderts, das über einen vollen Fundus künstlerisch würdiger, wahrhaft musikalischer Opern verfügt, bestätigt: Denken Sie nur an die Namen von Strawinsky, Prokofjew und Schostakowitsch, Berg oder Puccini.
Die dominierende Rolle der Musik in der Oper und die besonderen modernen Formen ihres Daseins werden bestätigt: das Hören im Radio, in Tonband- oder Grammophonaufnahmen sowie die in letzter Zeit häufiger auftretenden Konzertauftritte. Nicht umsonst ist der Ausdruck „Oper hören“ im Alltag noch weit verbreitet und gilt auch beim Theaterbesuch als richtig.
Die Originalität der künstlerischen Synthese in der Oper unter der Schirmherrschaft der Musik, so die gerechte Schlußfolgerung von V. Konen, "entspricht einigen grundlegenden Gesetzen der menschlichen Psychologie". In diesem Genre manifestiert sich das Bedürfnis nach intonatorischer Empathie "für den Subtext einer dramatischen Handlung, ihre ideologische und emotionale Atmosphäre, die genau und nur in der Musik für maximalen Ausdruck zugänglich ist, und die Bühnenrealität verkörpert in konkret-sinnvoller Form eine breitere, allgemeine Idee, verkörpert in einer Opernpartitur" 9. Das Primat der musikalischen Ausdruckskraft bildet das ästhetische Gesetz der Oper in ihrer Geschichte. Und obwohl in dieser Geschichte viele verschiedene Varianten aufeinandergetroffen sind und jetzt besonders gepflegt werden [künstlerische Synthese mit mehr oder weniger Gewicht von Worten und Handlungen, können diese Werke nur dann als Oper im eigentlichen Sinne erkannt werden, wenn ihr Drama eine integrale musikalische Verkörperung findet.
Oper ist also eines der vollwertigen Musikgenres. Es gibt jedoch kaum ein Beispiel für ein Genre, das in der gesamten Musikwelt so widersprüchlich ist. Dieselbe synthetische Qualität, die der Oper Vollständigkeit, Vielseitigkeit und Wirkungsbreite verleiht, ist mit einem ursprünglichen Widerspruch behaftet, an dem Krisen, Ausbrüche polemischer Auseinandersetzungen, Reformversuche und andere dramatische Ereignisse die Geschichte des Musiktheaters in Hülle und Fülle begleitet haben abhängig. Nicht umsonst war Asafjew zutiefst besorgt über das Paradox der bloßen Existenz der Oper; "Wie ist die Existenz dieser in ihrer Irrationalität monströsen Form und die immer wieder neue Anziehungskraft des unterschiedlichsten Publikums auf sie zu erklären?"
Der Hauptwiderspruch der Oper wurzelt in der Notwendigkeit der gleichzeitigen Verbindung von dramatischer Handlung und Musik, die ihrer Natur nach grundlegend unterschiedliche künstlerische Zeiten erfordern. Flexibilität, künstlerische Reaktionsfähigkeit der musikalischen Materie, ihre Fähigkeit, sowohl das innere Wesen der Phänomene als auch ihre äußere, plastische Seite zu reflektieren, führen zu einer detaillierten musikalischen Verkörperung des gesamten Aktionsprozesses. Der unersetzliche ästhetische Vorteil der Musik ist aber zugleich die besondere Kraft der symbolischen Verallgemeinerung, die im Zeitalter der Entstehung der klassischen Oper durch die fortschreitende Entwicklung der homophonen Thematik und Symphonie verstärkt wurde, von diesem Prozess ablenken lässt, Ausdruck seine einzelnen Momente in weit verbreiteten und relativ vollständigen Formen, weil nur in diesen Formen die höchste ästhetische Berufung der Musik maximal verwirklicht werden kann.
In der Musikwissenschaft herrscht die Meinung vor, dass der generalisierend-symbolische Aspekt der Oper, der sich am großzügigsten in der Musik ausdrückt, "innere Handlung", also eine besondere Brechung des Dramas, darstellt. Diese Ansicht ist legitim und steht im Einklang mit der allgemeinen Theorie des Dramas. Ausgehend von dem weiten ästhetischen Konzept des Liedtextes als Selbstausdruck (in der Oper vor allem Helden, aber teilweise auch der Autor) ist es jedoch vorzuziehen, den musikalisch-generalisierenden Aspekt als Lyrik zu interpretieren: Dies ermöglicht ein klareres Verständnis der Struktur der Oper aus der Sicht der künstlerischen Zeit.
Wenn eine Arie, ein Ensemble oder eine andere verallgemeinernde „Nummer“ im Verlauf der Oper auftaucht, ist sie ästhetisch nicht anders zu verstehen als ein Wechsel auf eine andere künstlerische Zeitebene, wo die Handlung selbst ausgesetzt oder vorübergehend unterbrochen wird. Jede noch so realistische Motivation für eine solche Episode erfordert eine psychologisch andere Wahrnehmung, ein anderes Maß an ästhetischer Konvention als die tatsächlichen dramatischen Opernszenen.
Ein weiterer Aspekt der Oper hängt mit dem musikalisch-generalisierenden Plan der Oper zusammen: die Beteiligung des Chores als soziales Umfeld der Handlung oder die dazu kommentierende „Stimme des Volkes“ (nach Rimsky-Korsakov). Da Musik in Massenszenen das kollektive Bild der Menschen oder ihre Reaktion auf Ereignisse skizziert, die zudem oft außerhalb der Bühne stattfinden, kann dieser Aspekt, der sozusagen eine musikalische Beschreibung der Handlung darstellt, zu Recht als episch bezeichnet werden. Die Oper, die potenziell mit einem großen Umfang an Inhalten und einer Vielzahl künstlerischer Mittel verbunden ist, ist aufgrund ihres ästhetischen Charakters zweifellos dafür prädisponiert.
Somit gibt es in der Oper ein widersprüchliches, aber natürliches und fruchtbares Zusammenspiel aller drei generischen ästhetischen Kategorien - Drama, Lyrik und Epos. In diesem Zusammenhang ist die weit verbreitete Interpretation der Oper als „von Musik geschriebenes Drama“ (B. Pokrovsky) zu klären. Tatsächlich ist das Drama der zentrale Angelpunkt dieses Genres, da es in jeder Oper einen Konflikt gibt, die Entwicklung der Beziehungen zwischen den Charakteren, ihre Handlungen, die die verschiedenen Handlungsphasen bestimmen. Dabei ist die Oper nicht nur ein Schauspiel. Auch seine Bestandteile sind lyrisch und in vielen Fällen episch. Dies ist genau der grundlegende Unterschied zwischen Oper und Schauspiel, wo die Linie der "inneren Handlung" nicht isoliert ist und Massenszenen, obwohl wichtig, immer noch besondere Elemente des Dramas im Maßstab der gesamten Gattung sind. Die Oper hingegen kann ohne lyrisch-epische Verallgemeinerung nicht leben, was die innovativsten Beispiele der Musikdramatik der letzten zwei Jahrhunderte „durch Widerspruch“ belegen.
Die ästhetische Komplexität des Genres liegt unter anderem an seiner Herkunft: Die Schöpfer der Oper ließen sich von der antiken Tragödie leiten, die dank des Chores und der langen Monologe auch nicht nur ein Drama war.
Die Bedeutung des lyrisch-epischen Beginns für die Oper zeigt sich offenbar in der Komposition des Opernlibrettos. Hier haben sich starke Traditionen entwickelt. Bei der Verarbeitung zu einem Libretto wird die Originalquelle in der Regel reduziert: Die Zahl der Akteure wird reduziert, Seitenlinien werden abgeschaltet, die Handlung wird auf den zentralen Konflikt und dessen Durchentwicklung fokussiert. Und umgekehrt werden alle Momente, die den Helden die Möglichkeit zur Selbstdarstellung bieten, großzügig genutzt, sowie diejenigen, die es ermöglichen, die Einstellung der Menschen zu den Ereignissen zu betonen ("Ist es möglich, es so zu gestalten, dass ... waren die Leute da?" - Tschaikowskys berühmte Anfrage an Shpazhinsky über das Ergebnis "Zauberinnen"). Der Vollständigkeit halber greifen die Autoren von Opern oft auf größere Änderungen der Originalquelle zurück. Ein beredtes Beispiel ist die Pik-Königin mit ihrem brennenden, schmerzhaften Gefühl von Liebe und Leid, das trotz Puschkin als Initialzündung für Hermans Handlungen dient und zu einer tragischen Auflösung führt.
Die komplexe Verschränkung von Drama, Lyrik und Epos bildet eine spezifisch opernhafte Synthese, in der diese ästhetischen Aspekte ineinander übergehen können. Die für die Handlung entscheidende Schlacht wird beispielsweise in Form eines symphonischen Bildes ("Die Schlacht bei Kerschenez" in Rimski-Korsakows Legende) dargestellt: Das Drama wird zum Epos. Oder der wichtigste Moment der Handlung – der Anfang, der Höhepunkt, der Abschluss – wird im Ensemble musikalisch verkörpert, wo die Charaktere ihre durch diesen Moment verursachten Gefühle zum Ausdruck bringen (das Quintett „Ich habe Angst“ in „Die Pik-Königin“ ", der Kanon "Was für ein wunderbarer Moment" in "Ruslan", Quartett im letzten Bild "Rigoletto" usw.). In solchen Situationen wird Drama zu Lyrik.
Die unausweichliche Anziehungskraft des Dramas in der Oper auf die lyrisch-epische Ebene erlaubt natürlich eine Betonung eines dieser Aspekte des Dramas. Daher ist das Musiktheater weitaus stärker als das dramatische von entsprechenden Voreingenommenheiten in der Interpretation der Operngattung geprägt. Es ist kein Zufall, dass die lyrische Oper des 19. Jahrhunderts. in Frankreich oder die russische epische Oper waren bedeutende historische Phänomene, die ziemlich hartnäckig waren und andere nationale Schulen beeinflussten.
Das Verhältnis von dramatischen und lyrisch-epischen Plänen und die damit verbundene Qualität der künstlerischen Zeit ermöglicht es, die Gattung Oper in zwei Hauptspielarten zu differenzieren - klassische Oper und Musikdrama. Bei aller Relativität dieser Unterscheidung und der Fülle von Zwischenoptionen (auf die wir weiter unten eingehen werden), bleibt sie ästhetisch wichtig. Die klassische Oper hat eine zweigleisige Struktur. Sein dramatischer Plan, der sich in Rezitativen und Schnittszenen entfaltet, ist eine direkte musikalische Reflexion der Handlung, in der Musik eine suggestive Funktion ausübt und dem Prinzip der Resonanz gehorcht. Der zweite, lyrisch-epische Plan besteht aus vollständigen Nummern, die eine verallgemeinernde Funktion erfüllen und das Prinzip der Musikautonomie umsetzen. Dies schließt natürlich ihre Verbindung mit dem Resonanzprinzip (weil in ihnen zumindest ein indirekter Zusammenhang mit der Handlung erhalten ist) und ihre Ausübung der für die Musik universellen suggestiven Funktion nicht aus. Die spezifisch theatralisch-reproduzierende Funktion ist auch im musikalisch-verallgemeinernden Plan enthalten und erweist sich damit als funktionell am vollständigsten, was sie für die klassische Oper am wichtigsten macht. Beim Übergang von einem dramatischen Plan zum anderen kommt es zu einem tiefen, für den Hörer immer spürbaren Wechsel der künstlerischen Zeit.
Die dramatische Zweiflächigkeit der Oper wird durch eine besondere Eigenschaft des künstlerischen Wortes im Theater unterstützt, die es von der Literatur unterscheidet. Das Wort auf der Bühne hat immer einen doppelten Fokus: sowohl beim Partner als auch beim Betrachter. In der Oper führt diese doppelte Ausrichtung zu einer spezifischen Aufteilung: Im effektiven Plan des Dramas wird das vokal intonierte Wort geleitet; hauptsächlich auf einen Partner, in einem musikalischen und verallgemeinernden Plan, hauptsächlich auf einen Zuschauer.
Das Musikdrama basiert auf einer engen Verflechtung, idealerweise einer Verschmelzung beider Pläne des Operndramas. Es ist eine kontinuierliche Reflexion des Handelns in der Musik mit all ihren Elementen, und der Kontrast der künstlerischen Zeit wird in ihr bewusst überwunden: Beim Abweichen von der lyrisch-epischen Seite erfolgt der Wechsel in der Zeit so sanft und unmerklich wie möglich.
Aus der obigen Gegenüberstellung der beiden Hauptvarianten wird deutlich, dass die nummerierte Struktur, die traditionell als Zeichen der klassischen Oper dient, nichts anderes als eine Folge der Differenzierung ihrer beiden Pläne ist, von denen einer die ästhetische Vollständigkeit seiner Verbindungen, während die kontinuierliche Komposition eines Musikdramas das Ergebnis seiner dramatischen Solidität ist, eine kontinuierliche Reflexion des Handelns in der Musik. Die Gegenüberstellung legt auch nahe, dass sich diese Operntypen zwischen sich selbst und ihren konstituierenden Genres unterscheiden müssen. Wie die weitere Darstellung zeigen wird, ist dieser Gattungsunterschied zwischen den beiden Operntypen in der Tat bedeutsam und eng mit ihrer Gesamtstruktur verbunden.
O. V. Sokolow.