Gemälde niederländischer Künstler. Holländische Malerei Die Hauptmerkmale der Kunst der Renaissance in den Niederlanden

Ich beschloss, eine Auswahl der meiner Meinung nach auf der ganzen Welt berühmten Niederländer zu treffen ...

Also lasst uns anfangen:

Ach ja, an erster Stelle natürlich - Vincent van Gogh, zu seinen Lebzeiten nicht anerkannt, aber von der modernen Welt wegen seiner leuchtenden Farben und seiner imaginären Einfachheit geliebt. Heute ist es der beliebteste Künstler unter Dieben.

Rembrandt van Rijn- der große niederländische Maler und Kupferstecher. Eines seiner berühmtesten Gemälde ist die Nachtwache, das Bild gilt als geheimnisvoll. Kunsthistoriker und Kunstliebhaber zerbrechen sich seit Jahrhunderten den Kopf über diese Leinwand. So verbrachte ein ehrwürdiger niederländischer Kunsthistoriker des frühen 19. Jahrhunderts Jahre damit, zu beweisen, dass die Abteilung zur Parade anlässlich der Ankunft der französischen Königin Marie de Medici in Amsterdam im Jahr 1639 geht. Das verlockendste unter den Geheimnissen der Wache ist das Bild eines seltsamen Mädchens in einem goldenen Outfit ... Die modernen Niederländer lieben und verehren diesen Künstler sehr ... Seit Anfang des 20. Jahrhunderts gibt es eine Politik, die Gemälde dieses Künstlers in ihre Heimat zurückzubringen.

Jan Vermeer aus Delft. Kurzlebig, schrieb wenig, öffnete spät. Das berühmteste und „tourneehafte“ Werk von Vermeer ist „Das Mädchen mit dem Perlenohrring“, das dem Haager Museum gehört. Die meisten Gemälde von Vermeer gehören Museen und privaten Sammlern in den Vereinigten Staaten. In Russland gibt es kein einziges Werk dieses holländischen Künstlers.

Anne Frank– Das Tagebuch der Niederländerin Anne Frank ist eines der berühmtesten und eindrücklichsten Dokumente über die Gräueltaten der Nazis. Anna führte vom 12. Juni 1942 bis zum 1. August 1944 ein Tagebuch. Zunächst schrieb sie nur für sich selbst, bis sie im Frühjahr 1944 im Radio eine Rede des niederländischen Erziehungsministers Bolkenstein hörte. Er sagte, dass alle Beweise der Holländer während der Besatzung öffentliches Eigentum werden sollten. Beeindruckt von diesen Worten beschloss Anna nach dem Krieg, ein Buch auf der Grundlage ihres Tagebuchs herauszugeben.

Paul Verhoeven berühmter niederländischer Regisseur. Der Schöpfer von Filmen wie: dem fantastischen Actionfilm „Robocop“ (1987), der an den Kinokassen mehr als 50 Millionen Dollar einspielte, dem Super-Actionfilm „Total Recall“ (1990) mit Arnold Schwarzenegger. Den größten Erfolg erwartete der Kultthriller Basic Instinct (1992), in dem Sharon Stone und Michael Douglas die Hauptrollen spielten. Das danach von Verhoeven gedrehte Erotikdrama Showgirls (1995) scheiterte an den Kinokassen komplett. Dem Regisseur gelang es, sich teilweise zu „rehabilitieren“, indem er den fantastischen Actionfilm Starship Troopers (1997) drehte. Als ebenso teilweise erfolgreich entpuppte sich der fantastische Thriller The Invisible (2000), nach dessen Veröffentlichung Verhoeven eine sechsjährige Schaffenspause einlegte.

Mata Hari- die wichtigste Kurtisane der Weltspionage. Margareta Gertrude Zelle heiratete den 38-jährigen Rudolf McLeod. Die Bekanntschaft des Paares, dessen Altersunterschied 20 Jahre betrug, geschah durch eine Anzeige in einer Zeitung: Ein Einzeloffizier McLeod wollte eine romantische Kommunikation mit dem anderen Geschlecht, und es war Margareta, die ihn als Objekt der Leidenschaft auswählte. Einige Zeit nach der Heirat und dem Umzug auf die Insel Java war Margareta jedoch desillusioniert von ihrer Auserwählten: Der Niederländer schottischer Herkunft McLeod litt unter Alkoholismus, ließ seinen ganzen Ärger und seine Unerfülltheit in militärischen Angelegenheiten an seiner Frau und seinen zwei Kindern aus, und hielten auch Geliebte. Die Ehe scheiterte und Margareta konzentrierte sich darauf, indonesische Traditionen zu studieren, insbesondere lokale Nationaltänze. Der Legende nach trat sie erstmals 1897 unter dem Pseudonym Mata Hari auf, was auf Malaiisch „Sonne“ bedeutet („Mata“ – Auge, „hari“ – Tag, wörtlich – „Auge des Tages“). Ab diesem Zeitpunkt beginnt die Verwandlung in einen Spion ...

Armin van Buuren– Für alle Fans elektronischer Musik ist der Name des Niederländers Armin van Buuren der Name einer echten Legende. Und das ist keine Übertreibung. Es ist wirklich schwer, die Bedeutung dieses Musikers, DJs und einfach eine außergewöhnlich energiegeladene Persönlichkeit für die gesamte Trance-Industrie zu überschätzen.

Tiesto– Richtiger Name: Thijs Vervest. Tiësto ist der Nummer-2-DJ der Welt (und oft die Nummer eins auf der DJMag-Liste). Tiesto hat den Weltrekord für das Trinken von Red Bull an einem Tag gebrochen, er konnte 31 Dosen trinken - fast die doppelte tödliche Dosis, aber er will es nicht mehr nehmen.

Dirk Nikolaus Advokat– Niederländischer Fußballspieler (Mittelfeldspieler) und Fußballtrainer, ehemaliger Trainer der Niederlande, der Vereinigten Arabischen Emirate, Südkoreas, Belgiens, Russlands sowie von Zenit St. Petersburg, Rangers und anderen Vereinen. Nachdem er 2007 mit Zenit die russische Fußballmeisterschaft gewonnen hatte, war Advocaat der erste ausländische Trainer, der dieses Turnier gewann. 28. Mai 2008 Dick Advocaat wurde der Titel eines Ehrenbürgers von St. Petersburg verliehen. Außerdem musste das Stadtparlament dafür ein Sondergesetz persönlich für den Trainer erlassen, da das St. Petersburger Gesetz „Über den Titel“ Ehrenbürger von St.

Benedikt Spinoza- Niederländischer rationalistischer Philosoph, Naturforscher, einer der Hauptvertreter der Philosophie der Neuzeit. Er wurde in eine jüdische Familie hineingeboren, aber die Juden exkommunizierten ihn aus der Kirche. Christen hassten ihn gleichermaßen. Obwohl der Gottesgedanke seine gesamte Philosophie beherrscht, warfen ihm die Kirchenmänner Atheismus vor. Die Lebensjahre Spinozas fielen mit dem Beginn der Neuzeit zusammen. In seiner Arbeit vollzog er eine Synthese der wissenschaftlichen Ideen der Renaissance mit griechischer, stoischer, neuplatonischer und scholastischer Philosophie.

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Frühniederländische Malerei(selten alte holländische Malerei) ist eine der Phasen der nördlichen Renaissance, einer Ära der niederländischen und insbesondere der flämischen Malerei, die sich seit dem zweiten Viertel des 15. Jahrhunderts über etwa ein Jahrhundert in der europäischen Kunstgeschichte erstreckt. Spätgotische Kunst wird zu dieser Zeit von der Frührenaissance abgelöst. Wenn die in Frankreich erschienene Spätgotik eine universelle Sprache der Kunstform geschaffen hat, zu der viele niederländische Meister der Malerei beigetragen haben, dann hat sich in der beschriebenen Zeit auf dem Gebiet der Niederlande eine klar erkennbare eigenständige Malschule herausgebildet, die geprägt war von eine realistische Schreibweise, die vor allem im Porträtgenre ihren Ausdruck fand.

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Seit dem 14. Jahrhundert vollzogen sich in diesen Territorien kulturelle und soziologische Veränderungen: An die Stelle der Kirche als Hauptabnehmer von Kunstwerken traten weltliche Mäzene. Das Kunstzentrum Niederlande begann, die Kunst der Spätgotik am französischen Hof zurückzudrängen.
Die Niederlande waren auch durch die gemeinsame burgundische Dynastie mit Frankreich verbunden, so dass flämische, wallonische und niederländische Künstler in Frankreich an den Höfen von Anjou, Orleans, Berry und dem französischen König selbst leicht Arbeit fanden. Herausragende Meister der internationalen Gotik, die Brüder Limburg aus Geldern, waren im Wesentlichen französische Künstler. Mit einer seltenen Ausnahme in der Person von Melchior Bruderlam blieben nur Maler niedrigeren Ranges in ihrer Heimat, den Niederlanden.
Am Ursprung der altniederländischen Malerei im engeren Sinne steht Jan van Eyck, der 1432 sein Hauptwerk, den Genter Altar, vollendete. Schon Zeitgenossen betrachteten die Arbeit von Jan van Eyck und anderen flämischen Künstlern als „neue Kunst“, als etwas völlig Neues. Chronologisch gesehen entwickelte sich die altniederländische Malerei etwa zur gleichen Zeit wie die italienische Renaissance.
Mit dem Aufkommen des Porträts wurde erstmals das weltliche, individualisierte Thema zum Hauptmotiv der Malerei. Den Durchbruch in der Kunst erlebten Genrebilder und Stillleben erst im niederländischen Barock des 17. Jahrhunderts. Der bürgerliche Charakter der frühen niederländischen Malerei spricht vom Aufkommen des Neuen Zeitalters. Zunehmend traten neben Adel und Klerus auch reicher Adel und Kaufleute als Kunden auf. Die Person auf den Bildern war nicht mehr idealisiert. Vor dem Betrachter erscheinen echte Menschen mit all ihren menschlichen Fehlern. Falten, Tränensäcke – alles ohne Schnörkel wurde natürlich auf dem Bild abgebildet. Die Heiligen lebten nicht mehr ausschließlich in Kirchen, sie betraten auch die Häuser der Bürger.

Maler

Einer der allerersten Vertreter der neuen künstlerischen Anschauungen gilt neben Jan van Eyck als Flemalsky-Meister, der heute als Robert Campin bezeichnet wird. Sein Hauptwerk ist das Altarbild (oder Triptychon) der Verkündigung (anderer Name: Merode Family Altarpiece; um 1425), das sich heute im Cloisters Museum in New York befindet.
Lange Zeit wurde die Existenz von Jan van Eycks Bruder Hubert in Frage gestellt. Neueste Forschungen haben gezeigt, dass der nur in wenigen Quellen erwähnte Hubert van Eyck nur ein mittelmäßiger Künstler der Genter Schule war, der weder eine familiäre noch eine sonstige Beziehung zu Jan van Eyck hatte.
Als Schüler Kampens gilt Rogier van der Weyden, der vermutlich an der Arbeit am Merode-Triptychon beteiligt war. Er wiederum beeinflusste Dirk Boats und Hans Memling. Memlings Zeitgenosse war der 1465 erstmals erwähnte Hugo van der Gus.
Aus dieser Reihe sticht der geheimnisvollste Künstler dieser Zeit, Hieronymus Bosch, hervor, dessen Werk noch keine eindeutige Deutung erfahren hat.
Neben diesen großen Meistern verdienen frühe niederländische Künstler wie Petrus Christus, Jan Provost, Colin de Koeter, Albert Bouts, Gosvin van der Weyden und Quentin Masseys Erwähnung.
Ein auffälliges Phänomen war die Arbeit von Künstlern aus Leiden: Cornelis Engelbrechtsen und seine Schüler Artgen van Leiden und Lucas van Leiden.
Nur ein kleiner Bruchteil der Werke der frühen niederländischen Künstler ist bis heute erhalten. Unzählige Gemälde und Zeichnungen fielen während der Reformation und der Kriege dem Bildersturm zum Opfer. Darüber hinaus waren viele Werke stark beschädigt und mussten kostspielig restauriert werden. Einige Werke sind nur in Kopien erhalten, während die meisten für immer verloren sind.
Die Arbeit der frühen Niederländer und Flamen ist in den größten Kunstmuseen der Welt vertreten. Aber einige Altäre und Gemälde befinden sich noch immer an ihrem alten Platz – in Kirchen, Kathedralen und Schlössern, wie der Genter Altar in der St.-Bavo-Kathedrale in Gent. Allerdings kann man es jetzt nur noch durch dickes Panzerglas betrachten.

Beeinflussen

Italien

In der Wiege der Renaissance, in Italien, genoss Jan van Eyck großen Respekt. Wenige Jahre nach dem Tod des Künstlers rief sogar der Humanist Bartolomeo Fazio van Eyck an "der Prinz unter den Malern des Jahrhunderts".
Während die italienischen Meister komplexe mathematische und geometrische Werkzeuge verwendeten, insbesondere das Perspektivsystem, gelang es den Flamen, die "Realität" ohne große Schwierigkeiten, wie es scheint, korrekt darzustellen. Die Handlung in den Gemälden fand nicht mehr wie in der Gotik gleichzeitig auf derselben Bühne statt. Die Räumlichkeiten werden nach den Gesetzen der Perspektive dargestellt, Landschaften sind kein schematischer Hintergrund mehr. Ein breiter, detaillierter Hintergrund führt das Auge ins Unendliche. Und Kleidung, Möbel und Einrichtungsgegenstände wurden mit fotografischer Genauigkeit ausgestellt.

Spanien

Die ersten Beweise für die Verbreitung nordischer Maltechniken in Spanien finden sich im Königreich Aragon, zu dem Valencia, Katalonien und die Balearen gehörten. Bereits 1431 schickte König Alfons V. seinen Hofmaler Louis Dalmau nach Flandern. 1439 zog der Künstler aus Brügge, Louis Alimbrot, von seinem Atelier ( Luis Alimbrot, Lodewijk Allyncbrood). Wahrscheinlich besuchte Jan van Eyck Valencia bereits 1427 als Teil einer burgundischen Delegation.
Valencia, damals eines der bedeutendsten Zentren des Mittelmeerraums, zog Künstler aus ganz Europa an. Neben den traditionellen Kunstschulen des "internationalen Stils" gab es Werkstätten, die sowohl im flämischen als auch im italienischen Stil arbeiteten. Hier entwickelte sich die sogenannte „spanisch-flämische“ Kunstrichtung, als deren Hauptvertreter Bartolome Bermejo gilt.
Die kastilischen Könige besaßen mehrere berühmte Werke von Rogier van der Weyden, Hans Memling und Jan van Eyck. Darüber hinaus wurde der Gastkünstler Juan de Flandes ("Jan von Flandern", Nachname unbekannt) zum Hofporträtmaler von Königin Isabella, die den Grundstein für die realistische Schule der spanischen Hofporträtmalerei legte.

Portugal

In Portugal entstand in der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts in der Lissaboner Werkstatt des Hofmalers Nuño Gonçalves eine eigenständige Malschule. Das Werk dieses Künstlers ist völlig isoliert: Er scheint weder Vorgänger noch Nachfolger gehabt zu haben. Der flämische Einfluss ist besonders in seinem Polyptychon zu spüren "Saint Vincent" Jan van Eyck und seine Zeit. Flämische Meister und der Süden 1430-1530. Ausstellungskatalog Brügge, Stuttgart 2002. Darmstadt 2002.
Bodo Brinkmann: Die flämische Buchmalerei am Ende des Burgunderreichs. Der Meister des Dresdner Gebetbuchs und die Miniaturisten seiner Zeit. Turnhout 1997. ISBN 2-503-50565-1
Birgit Franke, Barbara Welzel (Hg.): Die Kunst der burgundischen Niederlande. Eine Einführung. Berlin 1997. ISBN 3-496-01170-X
Max Jakob Friedländer: Altniederländische Malerei. 14 Bund. Berlin 1924-1937.
Erwin Panofsky: Die altniederländische Malerei. Ihr Ursprung und Wesen.Übersetzt und hrsg. von Jochen Sander und Stephan Kemperdick. Köln 2001. ISBN 3-7701-3857-0 (Original: Frühniederländische Malerei. 2 bde. Cambridge (Mass.) 1953)
Otto Pacht: Van Eyck, die Begründer der altniederländischen Malerei. München 1989. ISBN 3-7913-1389-4
Otto Pacht: Altniederländische Malerei. Von Rogier van der Weyden bis Gerard David. Std. von Monika Rosenauer. München 1994. ISBN 3-7913-1389-4
Jochen Sander, Stephan Kemperdick: Der Meister von Flémalle und Rogier van der Weyden: Die Geburt der neuzeitlichen Malerei: Eine Ausstellung des Städel Museums, Frankfurt am Main und der Gemäldegalerie der Staatlichen Museen zu Berlin Ostfildern: Hatje Cantz Verlag, 2008
Norbert Wolf: Trecento und altniederländische Malerei. Kunst-Epochen, Bd. 5 (Reclams Universal Bibliothek 18172).

Die Niederlande sind eine historische Region, die einen Teil des weiten Tieflandes an der nordeuropäischen Küste vom Finnischen Meerbusen bis zum Ärmelkanal einnimmt. Derzeit befinden sich in diesem Gebiet die Staaten der Niederlande (Holland), Belgien und Luxemburg.
Nach dem Zusammenbruch des Römischen Reiches wurden die Niederlande zu einer bunten Ansammlung großer und kleiner halbunabhängiger Staaten. Die bedeutendsten unter ihnen waren das Herzogtum Brabant, die Grafschaften Flandern und Holland sowie das Bistum Utrecht. Im Norden des Landes war die Bevölkerung hauptsächlich deutsch – die Friesen und Niederländer –, im Süden überwogen die Nachkommen der Gallier und Römer – die Flamen und Wallonen.
Selbstlos arbeiteten die Holländer mit ihrer besonderen Begabung „ohne Langeweile die langweiligsten Dinge zu tun“, wie es der französische Historiker Hippolyte Taine über diese dem Alltag ungeteilt ergebenen Menschen formulierte. Sie kannten keine erhabene Poesie, aber umso ehrfürchtiger verehrten sie die einfachsten Dinge: ein sauberes, gemütliches Zuhause, einen warmen Herd, bescheidenes, aber schmackhaftes Essen. Der Niederländer ist es gewohnt, die Welt als ein riesiges Haus zu betrachten, in dem er aufgefordert ist, für Ordnung und Komfort zu sorgen.

Die Hauptmerkmale der Kunst der Renaissance der Niederlande

Die Kunst des 15. Jahrhunderts ist das goldene Zeitalter der niederländischen Malerei.
Sein hellster Vertreter Jan van Eyck. OK. 1400-1441.
Der größte Meister der europäischen Malerei:
eröffnete mit seinem Werk eine neue Ära der Frührenaissance in der niederländischen Kunst.
Er war Hofmaler des Herzogs von Burgund, Philipp des Guten.
Als einer der ersten beherrschte er die plastischen und expressiven Möglichkeiten der Ölmalerei, indem er dünne transparente Farbschichten übereinander legte (die sogenannte flämische Art der mehrschichtigen transparenten Malerei).

Van Eycks größtes Werk war der Genter Altar, den er mit seinem Bruder aufführte.
Der Genter Altar ist ein großes mehrstöckiges Polyptychon. Seine Höhe im Mittelteil beträgt 3,5 m, die Breite im geöffneten Zustand 5 m.
Auf der Außenseite des Altars (im geschlossenen Zustand) ist der Tagesablauf dargestellt:
- In der unteren Reihe sind Spender abgebildet - der Stadtbewohner Yodok Veidt und seine Frau, die vor den Statuen der Heiligen Johannes des Täufers und Johannes des Theologen beten, Schutzherren der Kirche und der Kapelle.
- Oben ist die Szene der Verkündigung, und die Figuren der Muttergottes und des Erzengels Gabriel sind durch das Bild eines Fensters getrennt, in dem die Stadtlandschaft auftaucht.

Der Festzyklus ist auf der Innenseite des Altars dargestellt.
Wenn sich die Altartüren öffnen, vollzieht sich vor den Augen des Betrachters eine wahrhaft atemberaubende Verwandlung:
- die Größe des Polyptychons wird verdoppelt,
- das Bild des Alltags wird sofort durch das Schauspiel eines irdischen Paradieses ersetzt.
- beengte und düstere Schränke verschwinden, und die Welt scheint sich aufzuschwingen: Die weitläufige Landschaft erstrahlt in allen Farben der Palette, hell und frisch.
Die Malerei des Festzyklus widmet sich dem Thema des in der christlichen Kunst seltenen Triumphs der verklärten Welt, der nach dem Jüngsten Gericht kommen soll, wenn das Böse endgültig besiegt und Wahrheit und Harmonie auf Erden errichtet werden.

Oberste Reihe:
- im Mittelteil des Altars ist Gott der Vater auf einem Thron sitzend dargestellt,
- links und rechts vom Thron sitzen die Gottesmutter und Johannes der Täufer,
- weiter auf beiden Seiten singende und spielende Engel,
- die nackten Figuren von Adam und Eva schließen die Reihe.
Die untere Gemäldereihe zeigt eine Szene der Anbetung des Göttlichen Lammes.
- mitten auf der Wiese erhebt sich ein Altar, darauf steht ein weißes Lamm, Blut fließt aus seiner durchbohrten Brust in einen Kelch
- Näher am Betrachter befindet sich ein Brunnen, aus dem lebendiges Wasser fließt.

Hieronymus Bosch (1450 - 1516)
Die Verbindung seiner Kunst mit Volkstraditionen, Folklore.
In seinen Werken kombinierte er auf skurrile Weise die Merkmale mittelalterlicher Fantasie, Folklore, philosophischer Parabel und Satire.
Er schuf mehrfigurige religiöse und allegorische Kompositionen, Gemälde zu Themen von Volkssprüchen, Sprüchen und Gleichnissen.
Boschs Werke sind voll von zahlreichen Szenen und Episoden, lebensechten und bizarr fantastischen Bildern und Details, voller Ironie und Allegorie.

Boschs Werk hatte einen großen Einfluss auf die Entwicklung realistischer Tendenzen in der niederländischen Malerei des 16. Jahrhunderts.
Komposition „Die Versuchung des hl. Anthony" - eines der berühmtesten und geheimnisvollsten Werke des Künstlers. Das Meisterwerk des Meisters war das Triptychon "Der Garten der Freuden", eine komplizierte Allegorie, die viele verschiedene Interpretationen erhalten hat. Im gleichen Zeitraum entstanden die Triptychen „Das Jüngste Gericht“, „Die Anbetung der Könige“, die Kompositionen „St. Johannes auf Patmos, Johannes der Täufer in der Wildnis.
Die Spätzeit von Boschs Schaffen umfasst das Triptychon „Himmel und Hölle“, die Kompositionen „Der Landstreicher“, „Das Kreuz tragen“.

Die meisten von Boschs Gemälden der reifen und späten Periode sind bizarre Grotesken mit tiefen philosophischen Untertönen.

Das von Philipp II. von Spanien hochgeschätzte große Triptychon „Heuwagen“ gehört in die reife Schaffensphase des Künstlers. Die Altarkomposition basiert wahrscheinlich auf einem alten holländischen Sprichwort: „Die Welt ist ein Heuhaufen, und jeder versucht, so viel wie möglich davon zu holen.“

Versuchung von St. Antonius. Triptychon. Mittelteil Holz, Öl. 131,5 x 119 cm (Mitte), 131,5 x 53 cm (Blätter) National Museum of Ancient Art, Lissabon
Garten der Freuden. Triptychon. Um 1485. Mittelteil
Holz, Öl. 220 x 195 cm (Mitte), 220 x 97 cm (Türen) Prado Museum, Madrid

Niederländische Kunst des 16. Jahrhunderts. geprägt vom aufkommenden Interesse an der Antike und den Aktivitäten der Meister der italienischen Renaissance. Zu Beginn des Jahrhunderts bildete sich in Anlehnung an die Nachahmung italienischer Vorbilder ein Trend, der den Namen „Romanism“ (von Roma, dem lateinischen Namen für Rom) erhielt.
Der Höhepunkt der niederländischen Malerei in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts war das Werk von Pieter Brueghel der Ältere. 1525/30-1569. Spitzname Muzhitsky.
Er schuf eine zutiefst nationale Kunst, die auf niederländischen Traditionen und lokaler Folklore basiert.
Er spielte eine große Rolle bei der Bildung des bäuerlichen Genres und der nationalen Landschaft.Brueghels Werk ist verwoben mit grobem Volkshumor, Lyrik und Tragödie, realistischen Details und fantastischer Groteske, Interesse an detaillierter Erzählung und dem Wunsch nach breiter Verallgemeinerung.

In den Werken von Brueghel - Nähe zu den moralisierenden Aufführungen des mittelalterlichen Volkstheaters.
Das clowneske Duell zwischen Maslenitsa und Lent ist ein üblicher Schauplatz von Jahrmarktsvorstellungen, die in den Niederlanden an den Tagen des Winterausklangs abgehalten werden.
Überall ist das Leben in vollem Gange: Es gibt einen Reigen, hier werden Fenster geputzt, die einen spielen Würfel, die anderen handeln, jemand bettelt um Almosen, jemand wird beerdigt ...

Sprichwörter. 1559. Das Gemälde ist eine Art Enzyklopädie der niederländischen Folklore.
Brueghels Charaktere führen einander an der Nase herum, sitzen zwischen zwei Stühlen, schlagen mit dem Kopf gegen die Wand, hängen zwischen Himmel und Erde ... Das niederländische Sprichwort "Und es gibt Risse im Dach" hat eine ähnliche Bedeutung wie das russische " Und die Wände haben Ohren." Das niederländische „Geld ins Wasser werfen“ bedeutet dasselbe wie das russische „Geld verschwenden“, „Geld verschwenden“. Das ganze Bild ist der Verschwendung von Geld, Kraft und ganzem Leben gewidmet - hier bedecken sie das Dach mit Pfannkuchen, schießen Pfeile ins Leere, scheren Schweine, wärmen sich an den Flammen eines brennenden Hauses und bekennen sich zum Teufel.

Die ganze Erde hatte eine Sprache und einen Dialekt. Sie zogen aus dem Osten, fanden eine Ebene im Land Shinar und ließen sich dort nieder. Und sie sagten zueinander: "Lasst uns Ziegel machen und sie mit Feuer verbrennen." Und sie wurden Ziegel statt Steine und irdener Teer statt Kalk. Und sie sagten: „Lasst uns eine Stadt und einen Turm bauen, so hoch wie der Himmel, und uns einen Namen machen, bevor wir über das Antlitz der Erde zerstreut werden. Und der Herr kam herab, um die Stadt und den Turm zu sehen, die die Menschensöhne bauten. Und der Herr sagte: „Dies ist ein Volk, und alle haben eine Sprache, und damit haben sie begonnen, und sie werden nicht hinter dem zurückbleiben, was sie vorhatten. Lasst uns hinabsteigen und dort ihre Sprache verwirren, sodass einer die Sprache des anderen nicht versteht.“ Und der Herr zerstreute sie von dort über die ganze Erde; und sie hörten auf, die Stadt und den Turm zu bauen. Deshalb wurde ihm ein Name gegeben: Babylon, denn dort verwirrte der Herr die Sprache der ganzen Erde, und von dort zerstreute der Herr sie über die ganze Erde (Genesis, Kap. 11). Anders als das bunte Treiben in Brueghels frühen Werken beeindruckt dieses Gemälde durch seine Ruhe. Der auf dem Bild abgebildete Turm ähnelt dem römischen Amphitheater Kolosseum, das der Künstler in Italien gesehen hat, und gleichzeitig - einem Ameisenhaufen. Auf allen Stockwerken des riesigen Bauwerks wird unermüdlich gearbeitet: Blöcke rotieren, Leitern werden umgeworfen, Arbeiterfiguren huschen umher. Auffallend ist, dass die Verbindung zwischen den Bauherren bereits verloren gegangen ist, vermutlich durch die einsetzende „Sprachmischung“: Irgendwo ist der Bau in vollem Gange, und irgendwo ist der Turm schon zur Ruine geworden.

Nachdem Jesus zur Kreuzigung übergeben worden war, legten ihm die Soldaten ein schweres Kreuz auf und führten ihn zur Schädelstätte namens Golgatha. Unterwegs ergriffen sie den vom Feld heimkehrenden Simon von Kyrene und zwangen ihn, das Kreuz für Jesus zu tragen. Viele Menschen folgten Jesus nach, darunter Frauen, die um ihn weinten und weinten. „Die Kreuztragung“ ist ein religiöses, christliches Bild, aber kein Kirchenbild mehr. Brueghel korrelierte die Wahrheiten der Heiligen Schrift mit persönlichen Erfahrungen, reflektierte biblische Texte, gab ihnen seine eigene Interpretation, d.h. offen gegen das damals geltende kaiserliche Dekret von 1550 verstieß, das unter Todesstrafe das selbständige Studium der Bibel verbot.

Brueghel schafft eine Reihe von Landschaften "Monate". "Jäger im Schnee" ist von Dezember bis Januar.
Jede Jahreszeit ist für den Meister zuallererst ein einzigartiger Zustand der Erde und des Himmels.

Eine Menge Bauern, gefangen vom schnellen Rhythmus des Tanzes.

Notiz. Die Liste umfasst neben den Künstlern der Niederlande auch die Maler Flanderns.

Niederländische Kunst des 15. Jahrhunderts
Die ersten Manifestationen der Renaissancekunst in den Niederlanden gehen auf den Beginn des 15. Jahrhunderts zurück. Die ersten Gemälde, die bereits den Denkmälern der Frührenaissance zuzuordnen sind, stammen von den Brüdern Hubert und Jan van Eyck. Beide – Hubert (gest. 1426) und Jan (um 1390-1441) – spielten eine entscheidende Rolle bei der Entstehung der holländischen Renaissance. Über Hubert ist fast nichts bekannt. Jan war anscheinend ein sehr gebildeter Mensch, studierte Geometrie, Chemie, Kartographie, führte einige diplomatische Missionen des Herzogs von Burgund Philipp des Guten durch, in dessen Dienst er übrigens nach Portugal reiste. Die ersten Schritte der Renaissance in den Niederlanden lassen sich an den Bildwerken der Brüder ablesen, die in den 20er Jahren des 15. Jahrhunderts entstanden, darunter „Myrrhe tragende Frauen am Grab“ (möglicherweise Teil eines Polyptychons; Rotterdam, Museum Boijmans-van Beiningen), „Madonna in the Church“ (Berlin), „Saint Jerome“ (Detroit, Art Institute).

Die Gebrüder van Eyck nehmen in der zeitgenössischen Kunst einen herausragenden Platz ein. Aber sie waren nicht allein. Gleichzeitig arbeiteten andere Maler mit ihnen, stilistisch und in problematischer Weise mit ihnen verwandt. Unter ihnen gehört der erste Platz zweifellos dem sogenannten flämischen Meister. Viele geniale Versuche wurden unternommen, um seinen wahren Namen und seine Herkunft zu bestimmen. Davon die überzeugendste Version, wonach dieser Künstler den Namen Robert Campin und eine ziemlich entwickelte Biografie erhält. Früher Meister des Altars (oder "Verkündigung") Merode genannt. Es gibt auch einen nicht überzeugenden Standpunkt, der die ihm zugeschriebenen Werke dem jungen Rogier van der Weyden zuschreibt.

Über Kampin ist bekannt, dass er 1378 oder 1379 in Valenciennes geboren wurde, 1406 in Tournai den Meistertitel erhielt, dort lebte, neben Gemälden viele dekorative Arbeiten ausführte, Lehrer einer Reihe von Malern war (darunter Rogier van der Weyden, auf den weiter unten eingegangen wird, ab 1426 und Jacques Dare ab 1427) und starb 1444. Die Kunst Kampins behielt alltägliche Züge im allgemeinen „pantheistischen“ Schema und stand damit der nächsten Generation niederländischer Maler sehr nahe. Die frühen Werke von Rogier van der Weyden und Jacques Dare, einem Autor, der stark von Campin abhängig war (z. B. seine Anbetung der Könige und Begegnung von Maria und Elisabeth, 1434-1435; Berlin), zeigen deutlich ein Interesse an der Kunst dieses Meisters, der sicherlich Zeittrend erscheint.

Rogier van der Weyden wurde 1399 oder 1400 geboren und starb 1464. Einige der größten Künstler der holländischen Renaissance (zum Beispiel Memling) studierten bei ihm, und er war nicht nur in seiner Heimat, sondern auch in Italien weithin bekannt (Der berühmte Wissenschaftler und Philosoph Nikolaus von Kues nannte ihn den größten Künstler; später notierte Dürer seine Arbeit). Das Werk von Rogier van der Weyden diente einer Vielzahl von Malern der nächsten Generation als nährende Grundlage. Es genügt zu sagen, dass seine Werkstatt – die erste so umfassend organisierte Werkstatt in den Niederlanden – einen starken Einfluss auf die Verbreitung des Stils eines Meisters hatte, der für das 15 spielte am Ende des Jahrhunderts sogar eine Rolle als Bremser der Malerei. Dabei lässt sich die Kunst der Mitte des 15. Jahrhunderts nicht auf die Rogier-Tradition reduzieren, obwohl sie eng mit ihr verbunden ist. Der andere Weg ist vor allem in den Arbeiten von Dirik Bouts und Albert Ouwater verkörpert. Die pantheistische Lebensbewunderung ist ihnen, wie Rogier, etwas fremd, und für sie verliert das Menschenbild zunehmend den Bezug zu den Fragen des Universums – philosophische, theologische und künstlerische Fragen, gewinnt immer mehr an Konkretheit und psychologischer Gewissheit. Aber Rogier van der Weyden, ein Meister des gehobenen dramatischen Tons, ein Künstler, der nach individuellen und gleichzeitig erhabenen Bildern strebte, interessierte sich hauptsächlich für die Sphäre der menschlichen geistigen Eigenschaften. Die Errungenschaften von Bouts und Ouwater liegen im Bereich der Steigerung der alltäglichen Authentizität des Bildes. Unter den formalen Problemen interessierten sie sich mehr für Probleme im Zusammenhang mit der Lösung weniger expressiver als visueller Probleme (nicht die Schärfe des Bildes und der Farbausdruck, sondern die räumliche Organisation des Bildes und die Natürlichkeit, Natürlichkeit des Lichts und Luftumgebung).

Bildnis einer jungen Frau, 1445, Gemäldegalerie, Berlin

Saint Ivo, 1450, National Gallery, London

Der heilige Lukas malt das Bild der Madonna, 1450, Groningen Museum, Brügge

Bevor wir uns jedoch mit dem Werk dieser beiden Maler befassen, ist es notwendig, auf ein Phänomen kleineren Maßstabs einzugehen, das zeigt, dass die Entdeckungen der Kunst der Mitte des Jahrhunderts gleichzeitig eine Fortsetzung der van Eyck-Kampen-Traditionen und der Abfall von ihnen waren in diesen beiden Eigenschaften zutiefst gerechtfertigt. Der konservativere Maler Petrus Christus demonstriert anschaulich die historische Unausweichlichkeit dieses Abfalls, selbst für Künstler, die nicht zu radikalen Entdeckungen neigen. Ab 1444 wurde Christus Bürger von Brügge (er starb dort 1472/1473) – das heißt, er sah die besten Werke von van Eyck und wurde unter dem Einfluss seiner Tradition geformt. Ohne auf den scharfen Aphorismus von Rogier van der Weyden zurückzugreifen, erreicht Christus eine individuellere und differenziertere Charakterisierung als van Eyck. Seine Porträts (E. Grimston – 1446, London, National Gallery; Kartäusermönch – 1446, New York, Metropolitan Museum of Art) zeugen jedoch gleichzeitig von einem gewissen Rückgang der Bildsprache in seinem Werk. In der Kunst wurde die Sehnsucht nach dem Konkreten, Individuellen und Besonderen immer ausgeprägter. Vielleicht manifestierten sich diese Trends am deutlichsten in der Arbeit von Bouts. Jünger als Rogier van der Weyden (geboren zwischen 1400 und 1410), war er weit entfernt von der dramatischen und analytischen Natur dieses Meisters. Und doch kommt Early Bouts in vielerlei Hinsicht von Rogier. Das Altarbild mit der „Kreuzabnahme“ (Granada, Kathedrale) und eine Reihe weiterer Gemälde wie „Die Grablegung“ (London, National Gallery) zeugen von einer intensiven Auseinandersetzung mit dem Werk dieses Künstlers. Aber schon hier macht sich die Originalität bemerkbar – Bouts gibt seinen Figuren mehr Raum, er interessiert sich weniger für das emotionale Umfeld als für die Handlung, im Prozess selbst sind seine Figuren aktiver. Dasselbe gilt für Porträts. In einem großartigen Porträt eines Mannes (1462; London, National Gallery) haben andächtig erhobene Augen, eine spezielle Mundlinie und sauber gefaltete Hände eine so individuelle Färbung, die van Eyck nicht kannte. Auch in den Details spürt man diese persönliche Note. Allen Werken des Meisters liegt eine etwas prosaische, aber naiv reale Reflexion zugrunde. Am auffälligsten ist er in seinen vielfigurigen Kompositionen. Und vor allem in seinem berühmtesten Werk - dem Altar der Löwenkirche St. Peter (zwischen 1464 und 1467). Wenn der Betrachter die Arbeit von van Eyck immer als ein Wunder der Kreativität, der Schöpfung wahrnimmt, dann kommen vor den Arbeiten von Bouts andere Gefühle auf. Bouts' kompositorisches Werk spricht eher von ihm als Regisseur. In Anbetracht der Erfolge einer solchen "Regie"-Methode (d. h. einer Methode, bei der es die Aufgabe des Künstlers ist, charakteristische Charaktere sozusagen aus dem Leben zu ordnen, um die Szene zu organisieren) in den folgenden Jahrhunderten sollte man aufmerksam sein dieses Phänomen im Werk von Dirk Bouts.

Der nächste Schritt in der Kunst der Niederlande fängt die letzten drei oder vier Jahrzehnte des 15. Jahrhunderts ein – eine äußerst schwierige Zeit für das Leben des Landes und seiner Kultur. Diese Periode beginnt mit der Arbeit von Jos van Wassenhove (oder Joos van Gent; zwischen 1435-1440 - nach 1476), einem Künstler, der eine bedeutende Rolle in der Entwicklung der neuen Malerei spielte, aber 1472 nach Italien ging, sich dort akklimatisierte und organisch in die italienische Kunst integriert. Sein Altarbild mit der „Kreuzigung“ (Gent, St.-Bavo-Kirche) zeugt von der Anziehungskraft zur Erzählung, gleichzeitig aber auch von dem Wunsch, der Erzählung die kalte Sachlichkeit zu nehmen. Letzteres will er mit Hilfe von Anmut und Zierlichkeit erreichen. Sein Altarbild ist weltlicher Natur, mit einem hellen Farbschema, das auf exquisiten schillernden Tönen basiert.
Diese Periode setzt sich fort mit der Arbeit des Meisters des außergewöhnlichen Talents - Hugo van der Goes. Er wurde um 1435 geboren, wurde 1467 Meister in Gent und starb 1482. Zu den frühesten Werken von Hus gehören mehrere Bilder der Madonna mit Kind, die sich im lyrischen Aspekt des Bildes unterscheiden (Philadelphia, Museum of Art, und Brussels, Museum), sowie das Gemälde „Saint Anna, Mary with Child and a Donor“. (Brüssel, Museum). In Anlehnung an die Erkenntnisse von Rogier van der Weyden sieht Hus in der Komposition weniger eine Möglichkeit der harmonischen Organisation des Dargestellten als vielmehr ein Mittel zur Konzentration und Offenlegung des emotionalen Inhalts der Szene. Eine Person ist für Gus nur durch die Stärke ihrer persönlichen Gefühle bemerkenswert. Gleichzeitig wird Gus von tragischen Gefühlen angezogen. Das Bild der heiligen Genoveva (auf dem Rücken der Klage) bezeugt jedoch, dass Hugo van der Goes auf der Suche nach nackten Emotionen begann, auch auf ihre ethische Bedeutung zu achten. Im Portinari-Altar versucht Hus, seinem Glauben an die spirituellen Fähigkeiten des Menschen Ausdruck zu verleihen. Aber seine Kunst wird nervös und angespannt. Gus' künstlerische Techniken sind vielfältig – besonders wenn es darum geht, die geistige Welt eines Menschen nachzubilden. Manchmal, wie bei der Darstellung der Reaktion der Hirten, stellt er nahe Gefühle in einer bestimmten Reihenfolge gegenüber. Manchmal, wie im Marienbild, skizziert der Künstler die allgemeinen Merkmale der Erfahrung, nach denen der Betrachter das Gefühl als Ganzes vervollständigt. Manchmal – in den Bildern eines engäugigen Engels oder Margaritas – greift er zur Entschlüsselung des Bildes auf kompositorische oder rhythmische Techniken zurück. Manchmal wird gerade die Unfassbarkeit des psychologischen Ausdrucks für ihn zu einem Mittel der Charakterisierung – so wie der Widerschein eines Lächelns auf dem trockenen, farblosen Gesicht von Maria Baroncelli spielt. Und Pausen spielen eine große Rolle – in der räumlichen Auflösung und im Handeln. Sie ermöglichen es, sich geistig zu entwickeln, um das Gefühl zu vervollständigen, das der Künstler im Bild skizziert hat. Die Natur der Bilder von Hugo van der Goes hängt immer davon ab, welche Rolle sie als Ganzes einnehmen sollen. Der dritte Hirte ist wirklich natürlich, Joseph ist völlig psychologisch, der Engel zu seiner Rechten ist fast surreal, und die Bilder von Margarete und Magdalene sind komplex, synthetisch und auf außergewöhnlich subtilen psychologischen Abstufungen aufgebaut.

Hugo van der Goes wollte schon immer die geistige Sanftheit eines Menschen, seine innere Wärme ausdrücken, in seinen Bildern verkörpern. Aber im Wesentlichen zeugen die letzten Porträts des Künstlers von der wachsenden Krise in Hus' Werk, denn seine spirituelle Struktur wird nicht so sehr durch das Bewusstsein für die individuellen Eigenschaften des Individuums generiert, sondern durch den tragischen Verlust der Einheit von Mensch und Mensch die Welt für den Künstler. In der letzten Arbeit - "Der Tod Mariens" (Brügge, Museum) - führt diese Krise zum Zusammenbruch aller kreativen Bestrebungen des Künstlers. Die Verzweiflung der Apostel ist hoffnungslos. Ihre Gesten sind bedeutungslos. Im Glanz Christi schwebend, mit seinem Leiden scheint es ihr Leiden zu rechtfertigen, und seine durchbohrten Handflächen werden dem Betrachter zugewandt, und eine Figur von unbestimmter Größe verletzt die großmaßstäbliche Struktur und den Realitätssinn. Es ist auch unmöglich, das Ausmaß der Realität der Erfahrung der Apostel zu verstehen, denn sie alle haben das gleiche Gefühl. Und es ist nicht so sehr ihre, sondern die des Künstlers. Aber seine Träger sind immer noch physisch real und psychologisch überzeugend. Ähnliche Bilder werden später wieder aufleben, wenn Ende des 15. Jahrhunderts in der holländischen Kultur die jahrhundertealte Tradition (mit Bosch) zu Ende geht. Ein seltsamer Zickzack bildet die Grundlage der Bildkomposition und organisiert sie: Der sitzende Apostel, nur regungslos den Betrachter anblickend, ist von links nach rechts geneigt, die niedergestreckte Maria von rechts nach links, Christus, schwebend, ist von links nach rechts links nach rechts. Und derselbe Zickzack in den Farben: Die Figur der sitzenden Farbe wird mit Maria assoziiert, die auf einem mattblauen Stoff liegende, in einem ebenfalls blauen Gewand, aber das Blau ist das letzte, extreme, dann das ätherische, immaterielle Blau Christi . Und um die Farben der Apostelgewänder: Gelb, Grün, Blau – unendlich kalt, klar, unnatürlich. Das Gefühl in "Assumption" ist nackt. Es lässt keinen Raum für Hoffnung oder Menschlichkeit. Am Ende seines Lebens ging Hugo van der Goes ins Kloster, seine allerletzten Jahre waren von psychischen Erkrankungen überschattet. Offenbar spiegelt sich in diesen biografischen Fakten die tragischen Widersprüche wider, die die Kunst des Meisters bestimmten. Hus' Arbeit war bekannt und geschätzt und erregte auch außerhalb der Niederlande Aufmerksamkeit. Jean Clouet der Ältere (Meister von Moulin) war stark von seiner Kunst beeinflusst, Domenico Ghirlandaio kannte und studierte das Altarbild von Portinari. Seine Zeitgenossen verstanden ihn jedoch nicht. Die niederländische Kunst tendierte stetig zu einem anderen Weg, und einige Spuren der Wirkung von Hus' Werk hoben nur die Stärke und Verbreitung dieser anderen Trends hervor. Sie manifestierten sich in größter Vollständigkeit und Konsequenz in den Werken von Hans Memling.

Irdische Eitelkeit, Triptychon, Mitteltafel,

Hell, linke Tafel des Triptychons "Earthly Vanity",
1485, Museum der Schönen Künste, Straßburg

Hans Memling, offenbar 1433 in Seligenstadt bei Frankfurt am Main geboren (gest. 1494), erhielt bei Rogier eine hervorragende Ausbildung und erlangte dort nach seinem Umzug nach Brügge große Popularität. Bereits relativ frühe Arbeiten zeigen die Richtung seiner Suche. Die Anfänge des Lichts und des Erhabenen erhielten von ihm eine viel weltlichere und irdischere Bedeutung, und alles Irdische - eine ideale Hochstimmung. Ein Beispiel ist der Altar mit Madonna, Heiligen und Stiftern (London, National Gallery). Memling versucht, das alltägliche Erscheinungsbild seiner wahren Helden zu bewahren und ihnen ideale Helden näher zu bringen. Der erhabene Anfang hört auf, Ausdruck bestimmter pantheistisch verstandener allgemeiner Weltkräfte zu sein, und wird zu einer natürlichen geistigen Eigenschaft eines Menschen. Deutlicher kommen die Prinzipien von Memlings Werk im sogenannten Floreins-Altar (1479; Brügge, Memling-Museum) zum Ausdruck, dessen Hauptbühne und rechter Flügel im Wesentlichen freie Kopien der entsprechenden Teile von Rogiers Münchener Altar sind . Er verkleinert den Altar drastisch, beschneidet Rogiers Komposition oben und an den Seiten, reduziert die Zahl der Figuren und rückt das Geschehen gleichsam näher an den Betrachter heran. Das Ereignis verliert seinen majestätischen Rahmen. Die Bilder der Teilnehmer werden ihrer Repräsentativität beraubt und erhalten private Züge, die Komposition ist ein Ton weicher Harmonie, und die Farbe verliert bei gleichzeitiger Reinheit und Transparenz vollständig Rogiers kalten, scharfen Klang. Es scheint mit hellen, klaren Farbtönen zu zittern. Noch charakteristischer ist die Verkündigung (um 1482; New York, Sammlung Leman), wo Rogiers Schema verwendet wird; das Marienbild erhält die Züge einer weichen Idealisierung, der Engel wird signifikant genreisiert und die Einrichtungsgegenstände sind mit van Eyckscher Liebe ausgeschrieben. Gleichzeitig dringen die Motive der italienischen Renaissance – Girlanden, Putten etc. – zunehmend in Memlings Werk ein, und die kompositorische Struktur wird immer maßvoller und klarer (Triptychon mit Madonna und Kind, Engel und Stifter, Wien ). Der Künstler versucht, die Grenze zwischen dem konkreten, bürgerlichen Anfang und dem idealisierenden, harmonischen zu verwischen.

Memlings Kunst zog die Aufmerksamkeit der Meister der nördlichen Provinzen auf sich. Aber sie interessierten sich auch für andere Merkmale – diejenigen, die mit dem Einfluss von Hus in Verbindung gebracht wurden. Die nördlichen Provinzen, einschließlich Holland, blieben in dieser Zeit sowohl wirtschaftlich als auch geistig hinter den südlichen zurück. Die frühe niederländische Malerei ging im Allgemeinen nicht über die spätmittelalterliche und doch provinzielle Form hinaus, und ihr Handwerk erreichte nie das Niveau der Kunstfertigkeit der flämischen Maler. Erst ab dem letzten Viertel des 15. Jahrhunderts änderte sich die Situation dank der Kunst von Hertgen tot sint Jans. Er lebte in Harlem bei den Mönchen von St. John (dem er seinen Spitznamen verdankt - Sint Jans bedeutet in der Übersetzung St. John) und starb jung - 28 Jahre alt (geboren in Leiden (?) um 1460/65, starb 1490-1495 in Harlem). Gertgen spürte vage die Angst, die Hus beunruhigte. Aber ohne sich zu seinen tragischen Einsichten zu erheben, entdeckte er den sanften Charme des einfachen menschlichen Gefühls. Er steht Gus mit seinem Interesse an der inneren, spirituellen Welt des Menschen nahe. Zu den Hauptwerken von Gertgen gehört ein Altarbild, das für die Harlem Johnites geschrieben wurde. Davon ist der rechte, jetzt gesägte zweiseitige Flügel erhalten. Auf der Innenseite befindet sich eine große mehrfigurige Trauerszene. Gertgen erfüllt beide Ziele der Zeit: Wärme, Menschlichkeit des Gefühls zu vermitteln und eine vital überzeugende Erzählung zu schaffen. Letzteres fällt besonders auf der Außenseite des Blattes auf, das die Verbrennung der sterblichen Überreste Johannes des Täufers durch Julian den Abtrünnigen darstellt. Die an der Handlung Beteiligten sind mit einem übertriebenen Charakter ausgestattet, und die Handlung ist in eine Reihe unabhängiger Szenen unterteilt, die jeweils mit lebhafter Beobachtung dargestellt werden. Ganz nebenbei schafft der Meister vielleicht eines der ersten Gruppenporträts in der europäischen Kunst der Neuzeit: Aufbauend auf dem Prinzip einer einfachen Kombination von Porträtmerkmalen nimmt er das Werk des 16. Jahrhunderts vorweg. Um das Werk von Gertgen zu verstehen, gibt seine „Familie Christi“ (Amsterdam, Rijksmuseum), präsentiert in einem Kirchenraum, interpretiert als reale räumliche Umgebung, viel her. Die Vordergrundfiguren bleiben bedeutend, ohne Gefühle zu zeigen, und bewahren mit ruhiger Würde ihre alltägliche Erscheinung. Der Künstler schafft Bilder, vielleicht die bürgerlichsten in der Kunst der Niederlande. Dabei ist bezeichnend, dass Gertgen Zärtlichkeit, gutes Aussehen und eine gewisse Naivität nicht als äußerlich charakteristische Zeichen, sondern als gewisse Eigenschaften der menschlichen Geisteswelt versteht. Und diese Verschmelzung von bürgerlichem Lebensgefühl mit tiefer Emotionalität ist ein wichtiges Merkmal von Hertgens Schaffen. Es ist kein Zufall, dass er den spirituellen Bewegungen seiner Helden keinen erhabenen universellen Charakter verlieh. Er verhindert bewusst, dass seine Figuren außergewöhnlich werden. Aus diesem Grund scheinen sie nicht individuell zu sein. Sie haben Zärtlichkeit und keine anderen Gefühle oder fremden Gedanken, die Klarheit und Reinheit ihrer Erfahrungen macht sie weit weg von der alltäglichen Routine. Die daraus resultierende Idealität des Bildes wirkt jedoch nie abstrakt oder künstlich. Diese Merkmale zeichnen auch eines der besten Werke des Künstlers aus, „Geburt Christi“ (London, National Gallery), ein kleines Bild voller Aufregung und Überraschung.
Gertgen starb früh, aber die Prinzipien seiner Kunst blieben nicht im Dunkeln. Der ihm näher stehende Meister des Braunschweiger Diptychons („St. Bavo“, Braunschweig, Museum; „Weihnachten“, Amsterdam, Rijksmuseum) und einige andere anonyme Meister entwickelten Hertgens Prinzipien jedoch nicht so sehr, sondern gaben ihnen den Charakter von ein gemeinsamer Maßstab. Der vielleicht bedeutendste unter ihnen ist der Meister Virgo inter virgines (benannt nach dem Gemälde des Amsterdamer Rijksmuseums, das Maria unter den heiligen Jungfrauen darstellt), der sich weniger für die psychologische Rechtfertigung von Emotionen als für die Schärfe ihres Ausdrucks im Kleinen interessierte , eher alltägliche und manchmal fast absichtlich hässliche Figuren (Grablegung, St. Louis, Museum; Beweinung, Liverpool; Verkündigung, Rotterdam). Aber auch. sein Werk ist eher Zeugnis der Erschöpfung einer uralten Tradition als Ausdruck ihrer Entwicklung.

Ein starker Rückgang des künstlerischen Niveaus macht sich auch in der Kunst der Südprovinzen bemerkbar, deren Meister sich immer mehr von kleinen alltäglichen Details mitreißen ließen. Interessanter als andere ist der erzählerische Meister der Legende der Hl. Ursula, die in den 80er-90er Jahren des 15. Jahrhunderts in Brügge wirkte („Die Legende der Hl. Ursula“; Brügge, das Kloster der Schwarzen Schwestern). ein unbekannter Autor von Porträts der Baroncelli-Ehegatten (Florenz, Uffizien), die nicht ohne Kunstfertigkeit waren, aber auch der sehr traditionsreiche Brügger Meister der Legende von St. Lucia ("Altar of St. Lucia", 1480, Brügge, St James Church, und auch ein Polyptychon, Tallinn, Museum). Die Herausbildung leerer Kleinkunst am Ende des 15. Jahrhunderts ist der unvermeidliche Gegenpol zu den Bestrebungen von Huss und Hertgen. Der Mensch hat die Hauptsäule seiner Weltanschauung verloren – den Glauben an eine harmonische und günstige Struktur des Universums. Aber wenn die weitverbreitete Folge davon nur die Verarmung des früheren Begriffs war, dann offenbarte ein genauerer Blick bedrohliche und mysteriöse Züge in der Welt. Um die unlösbaren Fragen der Zeit zu beantworten, wurden spätmittelalterliche Allegorien, Dämonologie und düstere Vorhersagen der Heiligen Schrift einbezogen. Im Kontext sich verschärfender gesellschaftlicher Widersprüche und schwerer Konflikte entstand Boschs Kunst.

Hieronymus van Aken, Spitzname Bosch, wurde in Hertogenbosch geboren (er starb dort 1516), also abseits der großen Kunstzentren der Niederlande. Seinen frühen Werken fehlt es nicht an Primitivität. Aber schon sie verbinden auf seltsame Weise einen scharfen und verstörenden Sinn für das Leben der Natur mit einer kalten Groteske in der Darstellung von Menschen. Bosch reagiert auf den Trend der modernen Kunst - mit ihrer Sehnsucht nach dem Realen, mit ihrer Konkretisierung des Bildes einer Person und dann - dem Rückgang ihrer Rolle und Bedeutung. Er nimmt diesen Trend bis zu einer gewissen Grenze. In der Kunst von Bosch tauchen satirische oder besser sarkastische Menschenbilder auf. Dies ist seine „Operation, um die Steine der Dummheit zu extrahieren“ (Madrid, Prado). Die Operation wird von einem Mönch durchgeführt – und hier sieht man ein böses Grinsen des Klerus. Aber derjenige, zu dem es gemacht wird, schaut den Betrachter aufmerksam an, dieser Blick lässt uns in das Geschehen verwickelt werden. In Boschs Werk wächst der Sarkasmus, er stellt Menschen als Passagiere auf einem Narrenschiff dar (ein Gemälde und eine Zeichnung dazu im Louvre). Er wendet sich dem volkstümlichen Humor zu – und dieser nimmt unter seiner Hand einen düsteren und bitteren Ton an.
Bosch kommt zur Bejahung der düsteren, irrationalen und niedrigen Natur des Lebens. Er bringt nicht nur seine Weltanschauung, sein Lebensgefühl zum Ausdruck, sondern gibt ihm eine moralisch-ethische Bewertung. Haystack ist eines der bedeutendsten Werke von Bosch. In diesem Altar verschmilzt nackter Realitätssinn mit Allegorik. Der Heuhaufen spielt auf das alte flämische Sprichwort an: „Die Welt ist ein Heuhaufen: und jeder nimmt davon, was er greifen kann“; Menschen in aller Öffentlichkeit küssen sich und spielen Musik zwischen einem Engel und einer teuflischen Kreatur; fantastische Kreaturen ziehen den Wagen, und der Papst, der Kaiser, einfache Leute folgen ihm freudig und gehorsam: einige laufen voraus, rasen zwischen die Räder und sterben zerquetscht. Die Landschaft in der Ferne ist weder fantastisch noch fabelhaft. Und über allem - auf einer Wolke - ein kleiner Christus mit erhobenen Händen. Es wäre jedoch falsch zu glauben, Bosch tendiere zur Methode der allegorischen Gleichnisse. Im Gegenteil, er strebt danach, dass seine Idee im Wesen künstlerischer Entscheidungen verkörpert wird, damit sie dem Betrachter nicht als verschlüsseltes Sprichwort oder Parabel, sondern als verallgemeinernde unbedingte Lebensweise erscheint. Mit einer dem Mittelalter ungewohnten Raffinesse der Fantasie bevölkert Bosch seine Bilder mit Kreaturen, die skurril verschiedene Tierformen oder Tierformen mit Objekten der unbelebten Welt kombinieren, sie in offensichtlich unwahrscheinliche Beziehungen bringen. Der Himmel färbt sich rot, Vögel mit Segeln fliegen durch die Luft, monströse Kreaturen kriechen über das Antlitz der Erde. Pferdebeinige Fische öffnen ihre Mäuler, und Ratten sind neben ihnen und tragen auf ihrem Rücken belebende Holzstümpfe, aus denen Menschen schlüpfen. Die Kruppe des Pferdes verwandelt sich in einen riesigen Krug, und ein Schwanzkopf schleicht irgendwo auf dünnen, nackten Beinen. Alles kriecht und alles ist mit scharfen, kratzenden Formen ausgestattet. Und alles ist mit Energie infiziert: Jedes Geschöpf - klein, hinterlistig, hartnäckig - wird von einer bösen und hastigen Bewegung erfasst. Bosch verleiht diesen phantasmagorischen Szenen die größte Überzeugungskraft. Er verlässt das Bild der sich im Vordergrund abspielenden Handlung und breitet es in die ganze Welt aus. Er verleiht seinen vielfigurigen dramatischen Extravaganzen in ihrer Allgemeinheit eine unheimliche Färbung. Manchmal bringt er eine Dramatisierung eines Sprichworts ins Bild – aber da ist kein Humor mehr drin. Und in die Mitte stellt er eine kleine wehrlose Figur des heiligen Antonius. So zum Beispiel der Altar mit der „Versuchung des Hl. Antonius“ an der zentralen Schärpe aus dem Lissabonner Museum. Aber hier zeigt Bosch einen beispiellos scharfen, nackten Realitätssinn (insbesondere in den Szenen an den Außentüren des erwähnten Altars). In den reifen Werken von Bosch ist die Welt grenzenlos, aber ihre Räumlichkeit ist anders – weniger ungestüm. Die Luft wirkt klarer und feuchter. So ist „Johannes auf Patmos“ geschrieben. Auf der Rückseite dieses Bildes, wo Szenen des Martyriums Christi in einem Kreis dargestellt sind, werden erstaunliche Landschaften präsentiert: transparent, sauber, mit weiten offenen Räumen des Flusses, einem hohen Himmel und anderen - tragisch und intensiv (" Kreuzigung"). Aber umso eindringlicher denkt Bosch an den Menschen. Er versucht, einen angemessenen Ausdruck ihres Lebens zu finden. Er greift auf die Form eines großen Altars zurück und schafft ein seltsames, phantasmagorisch grandioses Schauspiel des sündigen Lebens der Menschen – den „Garten der Lüste“.

Die neuesten Arbeiten des Künstlers verbinden auf seltsame Weise die Fantasie und Realität seiner früheren Arbeiten, aber gleichzeitig haben sie ein Gefühl trauriger Versöhnung. Gruppen von bösen Kreaturen werden verstreut, die sich zuvor triumphierend über das gesamte Bildfeld ausbreiten. Einzeln, klein, verstecken sie sich immer noch unter einem Baum, tauchen aus stillen Flussstrahlen auf oder laufen durch verlassene, mit Gras bewachsene Hügel. Aber sie nahmen an Größe ab und verloren an Aktivität. Sie greifen Menschen nicht mehr an. Und er (immer noch der heilige Antonius) sitzt zwischen ihnen - liest, denkt nach ("St. Anthony", Prado). Bosch interessierte sich nicht für die Stellung eines Menschen auf der Welt. Der heilige Antonius ist in seinen früheren Werken wehrlos, erbärmlich, aber nicht allein – tatsächlich wird ihm der Anteil an Unabhängigkeit genommen, der ihm erlauben würde, sich einsam zu fühlen. Jetzt wird die Landschaft nur noch mit einer Person assoziiert, und das Thema der menschlichen Einsamkeit in der Welt taucht in Boschs Werk auf. Mit Bosch endet die Kunst des 15. Jahrhunderts. Boschs Arbeit schließt diese Phase der reinen Einsichten, dann intensiven Suchen und tragischen Enttäuschungen ab.
Aber der durch seine Kunst verkörperte Trend war nicht der einzige. Nicht weniger symptomatisch ist ein weiterer Trend, der mit der Arbeit eines Meisters von unermesslich kleinerem Maßstab verbunden ist - Gerard David. Er starb spät - 1523 (geboren um 1460). Aber wie Bosch schloss er das 15. Jahrhundert ab. Schon seine frühen Werke (The Annunciation; Detroit) sind von einem prosaisch-wirklichen Warenlager; Werke vom Ende der 1480er Jahre (zwei Gemälde auf dem Grundstück des Hofes von Cambyse; Brügge, Museum) zeigen eine enge Beziehung zu Bouts; besser als andere Kompositionen lyrischer Natur mit einer entwickelten, aktiven Landschaftsumgebung („Ruhe auf der Flucht nach Ägypten“; Washington, National Gallery). Vor allem aber wird die Unmöglichkeit des Meisters, über das Jahrhundert hinauszugehen, in seinem Triptychon mit der Taufe Christi (frühes 16. Jahrhundert; Brügge, Museum) sichtbar. Die Geschlossenheit, Miniaturisierung der Malerei scheint in direktem Widerspruch zum großen Maßstab des Bildes zu stehen. Die Realität in seiner Vision ist leblos, entmannt. Hinter der Farbintensität verbirgt sich weder spirituelle Anspannung noch ein Sinn für die Kostbarkeit des Universums. Der Schmelz des Malstils ist kalt, in sich geschlossen und ohne emotionalen Fokus.

Das 15. Jahrhundert war in den Niederlanden eine Zeit großer Kunst. Am Ende des Jahrhunderts hatte es sich erschöpft. Neue historische Bedingungen, der Übergang der Gesellschaft in eine andere Entwicklungsstufe verursachten eine neue Stufe in der Entwicklung der Kunst. Es entstand zu Beginn des 16. Jahrhunderts. Aber in den Niederlanden, mit der ursprünglichen Verbindung des säkularen Prinzips, das noch von den van Eycks charakteristisch für ihre Kunst ist, mit religiösen Kriterien bei der Bewertung von Lebensphänomenen, mit der Unfähigkeit, einen Menschen in seiner selbstgenügsamen Größe außerhalb wahrzunehmen die Fragen der spirituellen Gemeinschaft mit der Welt oder mit Gott, eine neue Ära in den Niederlanden musste zwangsläufig erst nach der stärksten und schwersten Krise des gesamten bisherigen Weltbildes kommen. War in Italien die Hochrenaissance eine logische Konsequenz der Kunst des Quattrocento, so gab es in den Niederlanden keine solche Verbindung. Der Übergang in eine neue Zeit gestaltete sich als besonders schmerzhaft, da er in vielerlei Hinsicht mit der Verleugnung der bisherigen Kunst verbunden war. In Italien kam es bereits im 14. Jahrhundert zu einem Bruch mit mittelalterlichen Traditionen, und die Kunst der italienischen Renaissance behielt die Integrität ihrer Entwicklung während der gesamten Renaissance. In den Niederlanden ist die Situation anders. Die Nutzung des mittelalterlichen Erbes im 15. Jahrhundert machte es schwierig, etablierte Traditionen im 16. Jahrhundert anzuwenden. Für niederländische Maler war die Grenze zwischen dem 15. und 16. Jahrhundert mit einem radikalen Bruch im Weltbild verbunden.

06.05.2014

Der Lebensweg von Frans Hals war so hell und intensiv wie seine Bilder. Bis jetzt kennt die Welt Geschichten über die betrunkenen Schlägereien von Hals, die er hin und wieder nach großen Feiertagen arrangierte. Ein Künstler mit einer so fröhlichen und überschwänglichen Art konnte sich in einem Land, in dem der Calvinismus Staatsreligion war, keinen Respekt erkämpfen. Frans Hals wurde Anfang 1582 in Antwerpen geboren. Seine Familie verließ jedoch Antwerpen. 1591 kamen die Khals in Haarlem an. Frans' jüngerer Bruder wurde hier geboren...

10.12.2012

Jan Steen ist einer der berühmtesten Vertreter der niederländischen Malschule in der Mitte des 17. Jahrhunderts. In den Werken dieses Künstlers finden Sie weder monumentale noch elegante Leinwände noch lebendige Porträts großer Persönlichkeiten oder religiöse Bilder. Tatsächlich ist Jan Steen ein Meister der Alltagsszenen voller Spaß und sprühendem Humor seiner Zeit. Seine Bilder zeigen Kinder, Trinker, gewöhnliche Menschen, Gülen und viele, viele andere. Jan wurde um 1626 in der südlichen Provinz Holland, der Stadt Leiden, geboren...

07.12.2012

Die Arbeit des berühmten niederländischen Künstlers Hieronymus Bosch wird sowohl von Kritikern als auch von Kunstliebhabern immer noch zweideutig wahrgenommen. Was ist auf Boschs Leinwänden abgebildet: Dämonen der Unterwelt oder nur von der Sünde entstellte Menschen? Wer war Hieronymus Bosch wirklich: ein besessener Psychopath, ein Sektierer, ein Seher oder einfach nur ein großer Künstler, eine Art antiker Surrealist wie Salvador Dali, der Ideen aus dem Unbewussten schöpfte? Vielleicht sein Lebensweg...

24.11.2012

Der berühmte niederländische Künstler Pieter Brueghel der Ältere schuf seinen farbenfrohen Schreibstil, der sich deutlich von anderen Malern der Renaissance unterschied. Seine Bilder sind Bilder des volkstümlichen satirischen Epos, Bilder der Natur und des Dorflebens. Manche Werke faszinieren durch ihre Komposition – man möchte sie anschauen und anschauen, darüber streiten, was genau der Künstler dem Betrachter vermitteln wollte. Die Besonderheit von Brueghels Schrift und Weltanschauung erinnert an das Werk des frühen Surrealisten Hieronymus Bosch...

26.11.2011

Han van Meegeren (vollständiger Name - Henrikus Antonius van Meegeren) wurde am 3. Mai 1889 in der Familie eines einfachen Schullehrers geboren. Der Junge verbrachte seine ganze Freizeit in der Werkstatt seines geliebten Lehrers, dessen Name Korteling war. Dem Vater gefiel das nicht, aber es war Korteling, der es schaffte, in dem Jungen Geschmack und Fähigkeit zu entwickeln, die Schreibweise der Antike nachzuahmen. Van Meegeren erhielt eine gute Ausbildung. Mit 18 Jahren trat er in das Delft Institute of Technology ein, wo er einen Architekturkurs belegte. Gleichzeitig studierte er an der...

13.10.2011

Der berühmte niederländische Künstler Johannes Jan Vermeer, bei uns auch als Vermeer von Delft bekannt, gilt zu Recht als einer der klügsten Vertreter des goldenen Zeitalters der niederländischen Kunst. Er war ein Meister des Genreporträts und der sogenannten Alltagsmalerei. Der zukünftige Künstler wurde im Oktober 1632 in der Stadt Delft geboren. Jan war das zweite Kind in der Familie und der einzige Sohn. Sein Vater war Kunsthändler und Seidenweber. Seine Eltern waren mit dem Künstler Leonart Breimer befreundet, der...

18.04.2010

Der ohnehin schon abgedroschene Satz, dass alle Genies ein bisschen verrückt sind, passt einfach perfekt zum Schicksal des großen und brillanten postimpressionistischen Malers Vincent van Gogh. Nachdem er nur 37 Jahre gelebt hatte, hinterließ er ein reiches Erbe - etwa 1000 Gemälde und die gleiche Anzahl von Zeichnungen. Diese Zahl ist noch beeindruckender, wenn man erfährt, dass Van Gogh weniger als 10 Jahre seines Lebens der Malerei gewidmet hat. 1853 Am 30. März wurde im südholländischen Dorf Grot-Zundert der Junge Vincent geboren. Ein Jahr zuvor, in der Familie eines Priesters, in der er geboren wurde ...