Mit deren Hilfe sich japanische Geschichtenerzähler oder Sänger während der Aufführung begleiteten. Das nächste europäische Analogon des Shamisen ist. Shamisen zusammen mit Hayashi- und Shakuhachi-Flöten, Tsudzumi-Trommel usw. Bezieht sich auf traditionelle japanische Musikinstrumente.

Der Name steht im Gegensatz zum Musikgenre für bunraku und kabuki - nagauta (langes Lied). Der bekannteste und schwierigste Aufführungsstil ist der Gidayu, benannt nach Takemoto Gidayu (1651-1714), einer Bunraku-Puppentheaterfigur aus Osaka. Ich führe die größten Instrumente und Plektren, und der Führer selbst ist sowohl Sänger als auch Kommentator des Bühnengeschehens. Die Arbeit des Geschichtenerzählers ist so schwierig, dass mitten in der Aufführung der Führer ersetzt wird. Der Erzähler muss den Text und die Melodie absolut genau kennen. Seit dem 19. Jahrhundert sind auch onna-guidayu, weibliche Geschichtenerzählerinnen, erschienen.

Herkunft

Shamisen in seiner ursprünglichen Form stammt aus den Tiefen Westasiens, von dort gelangte es nach China (XIII . Dieses Ereignis ist – im Gegensatz zur Zeit des Erscheinens anderer Musikinstrumente – in der Geschichte sehr deutlich gekennzeichnet und geht auf das Jahr 1562 zurück.

Der Vorgänger des Shamisen ist Sanshin, das im Königreich Ryukyu gespielt wurde, das zu dieser Zeit eine Präfektur wurde. Sanshin wiederum leitet sich vom chinesischen Instrument Sanjian ab, das sich aus zentralasiatischen Instrumenten entwickelt hat.

Der Shamisen war auch ein unverzichtbares Instrument für die umherziehenden blinden Goze-Musiker, die in den frühen Tagen des Tokugawa-Shogunats auftauchten.

Im Gegensatz zu Europa, wo traditionellen / antiken Instrumenten nicht viel Aufmerksamkeit geschenkt wird, sind Shamisen und andere nationale Instrumente in Japan weithin bekannt und beliebt. Die Popularität ist nicht nur auf den Respekt der Japaner für ihre Kultur und Geschichte zurückzuführen, sondern auch auf die Verwendung nationaler Instrumente, insbesondere des Shamisen, im traditionellen japanischen Theater - vor allem in den Theatern Kabuki und Bunraku.

Das Shamisen war in der Tokugawa-Ära am weitesten verbreitet, und die Fähigkeit, es zu spielen, wurde in das obligatorische Ausbildungsprogramm für Maiko - Schüler der Geisha - aufgenommen. Deshalb wurden die "fröhlichen Viertel" oft "Viertel, in denen die Schamisen nie aufhört" genannt.

Sorten und Anwendung

Es gibt verschiedene Arten von Instrumenten, die sich in der Dicke des Halses unterscheiden.

Werkzeuge mit enger Hals werden genannt hosozao und werden hauptsächlich in der Musik verwendet nagauta.

Werkzeuge mit mittleres Griffbrett Dicken heißen chuzao und werden in Musikgenres verwendet, wie z kiyomoto, tokiwazu, jiuta usw.

In Nordjapan, insbesondere in der Region Tsugaru (westlicher Teil der Präfektur Aomori), ist eine separate verschiedene Shamisen mit dickem Hals — tsugarujamisen, das Spiel, das besondere Virtuosität erfordert. Der Tsugarujamisen mit dem dicksten Hals heißt futozao und verwendet in joruri.

Gerät

Der Shamisen-Körper ist ein Holzrahmen, der eng mit Haut bedeckt ist. Auf den Ryukyu-Inseln wurde beispielsweise Schlangenhaut verwendet, in Japan selbst wurde dafür die Haut von Katzen oder Hunden verwendet. Der Korpus ist auf beiden Seiten mit Leder bezogen, zusätzlich ist ein kleines Stück Leder auf die vordere Membran geklebt, um sie vor Plektrum-(Baty-)Schlägen zu schützen.

Zwischen den Stimmwirbeln und dem unteren Ende des Halses, der in die Mitte des Unterkorpus hineinragt, sind drei unterschiedlich dicke Saiten gespannt. Die Saiten bestehen aus Seide, Nylon und Telon. Der Shamisen ist etwa 100 cm lang.

Das Shamisen wird mit einem großen Bati-Plektrum gespielt, das aus Materialien wie Holz, Elfenbein, Schildpatt, Buivolin-Horn und Kunststoff besteht. Bachi für Nagauta und Dziuta sind fast regelmäßige Dreiecke mit sehr scharfen Kanten.

Tsugarujamisen schlägt ein kleineres Plektrum vor, das eher an das Blatt des Ginkgobaums erinnert.

Shamisen-Technik

Drei Stile des Shamisen-Spiels haben sich entwickelt:

Uta-Mono ist ein Song-Stil. Eines der wichtigsten Genres der musikalischen Begleitung von Theateraufführungen Kabuki... Dieses Genre wird durch lange musikalische Zwischenspiele repräsentiert, die vom Hayashi-Ensemble gespielt werden (dieses Ensemble begleitet normalerweise Theateraufführungen, es besteht aus einer Flöte und drei Trommeltypen).

Katari-mono ist ein fantastischer Stil. Sie ist am charakteristischsten für die traditionelle japanische Musik und wird durch eine bestimmte Art von Gesang repräsentiert.

Minyo ist ein Volkslied.

Als die Shamisen zum ersten Mal in Japan auftauchten, wurden die Saiten mit einem kleinen Plektrum (Yubikake) gespielt, und erst im Laufe der Zeit begannen die Musiker, das Plektrum zu verwenden, was die Klangfarbe des Instruments erheblich erweiterte. Immer wenn die untere Saite gezupft wird, sind zusätzlich zum Erklingen Obertöne und leichte Geräusche zu hören, dieses Phänomen wird als "Savari" ("Touch") bezeichnet. Savari erscheinen auch, wenn andere Saiten mit der unteren Saite mitschwingen, insbesondere wenn die Tonhöhe zwischen den Saiten eine Oktave beträgt (zwei Oktaven, drei, Quinten usw.). Die Fähigkeit, diesen zusätzlichen Klang zu verwenden, ist ein Zeichen für das große Können des Interpreten, und der akustische Effekt selbst wird von den Shamisen-Machern streng kontrolliert.

Das Plektrum wird in der rechten Hand gehalten und im richtigen Moment stoppt der Saitenklang mit drei Fingern der linken Hand auf einem bundlosen Griffbrett. Daumen und kleiner Finger werden im Spiel nicht verwendet. Die charakteristischste Technik des Shamisen-Spiels ist das gleichzeitige Anschlagen des Plektrums auf der Membran und auf der Saite. Darüber hinaus gibt es viele andere wichtige Faktoren, die die Spezifität des Klangs bestimmen, zum Beispiel die Dicke der Saiten, Hals, Membran, wo das Plektrum auf die Saiten trifft usw. Auch beim Shamisen können Sie die Saiten mit der linken Hand zupfen, um ein anmutigeres Timbre zu erhalten. Diese Fähigkeit, die Klangfarbe zu ändern, ist eines der Markenzeichen des Shamisen.

Neben der Spielweise kann das Timbre des Instruments durch Variation der Länge von Saite, Hals oder Plektrum sowie deren Abmessungen, Dicke, Gewicht, Material verändert werden - Masseindikatoren! Es gibt fast zwei Dutzend Shamisen, die sich in Tonhöhe und Klangfarbe voneinander unterscheiden, und die Musiker wählen das Instrument, das ihrem Musikgenre am nächsten kommt, oder konfigurieren es kurz vor der Aufführung neu.

In der Musik für die Shamisen stimmt die Stimmlinie praktisch mit der auf dem Instrument überein: Die Stimme ist der Melodie nur geringfügig voraus, was das Hören und Verstehen des Textes ermöglicht und auch den Kontrast zwischen dem Klang der Stimme und die Schamisen.

Shamisen in der zeitgenössischen Musik

Aufgrund seines spezifischen Sounds wird der Shamisen oft verwendet, um den "nationalen" Sound in einigen japanischen Filmen und Animes (etwa wie in Russland) zu verbessern. Shamisen klingt also im Soundtrack der Anime-Serie Naruto, Puni Puni Poemi.

Agatsuma Hiromitsu spielt im New-Age-Stil.

Es wird von Vertretern der europäischen Musikavantgarde (zB Henri Pousseur) verwendet.

Kompositionen der Yoshida Brothers sind sehr beliebt, ihr Shamisen klingt nach.

Michiro Sato führt Improvisationen auf dem Shamisen auf, und der Jazzpianist Glenn Horiuchi hat Fragmente des Shamisen in seine Kompositionen eingefügt.

Gitarrist Kevin Kmetz leitet die kalifornische Gruppe Shamisen God, in der er den Tsugarujamisen spielt.

Video: Shamisen auf Video + Ton

Dank dieser Videos können Sie das Instrument kennenlernen, ein echtes Spiel darauf sehen, seinen Klang hören und die Besonderheiten der Technik fühlen:

Verkauf: Wo kaufen/bestellen?

Die Enzyklopädie enthält noch keine Informationen darüber, wo Sie dieses Werkzeug kaufen oder bestellen können. Das kannst du ändern!

Ich habe einmal versprochen, Ihnen von japanischen Musikinstrumenten zu erzählen. Diese Zeit ist gekommen. Biwa ist mir ganz zufällig in die Arme gefallen, aber es fiel ihr zu, das Thema zu eröffnen :)

Heute werden unsere Aufmerksamkeit von den magischen – wenn auch nicht liebevollen und nicht luftigen, sondern eher harschen, metallischen und rhythmischen – Klängen eines traditionellen japanischen Musikinstruments namens Biwa gefangen genommen.
Biwa ist eine japanische Lauten- oder Mandolineart, sie kam im 7. Jahrhundert aus China nach Japan, in China heißt ein ähnliches Instrument Pipa, und nach China kam sie im 4. Jahrhundert n. Chr. aus Persien.
Auch die Wurzeln der europäischen Laute reichen bis nach Zentralasien zurück.
In Japan sind in über tausend Jahren biwa-Entwicklung viele Modelle, viele Spiel- und Gesangsschulen erschienen.

(Dies ist eine Art Konzert für Biwa und Orchester. Gion shoja. Komponist Hirohisa Akigishi
Die Aufnahme enthält den Prolog von "The tale" s of Heike" (Heike-Geschichte, auch "Taira monogatari" genannt). Dies ist das wichtigste zeitgenössische Stück, das in biwa gesungen wird. Diese Aufnahme entstand 2004 in Seoul beim Sejong Center)

Das Werkzeug hat die Form einer nach oben gerichteten Mandel. Die Vorderwand des Gehäuses ist leicht nach vorne gewölbt, die Rückseite ist flach. Die Wände - also zwei Holzbretter - stehen nicht weit auseinander, das Werkzeug ist ziemlich flach. In der Vorderwand befinden sich drei Löcher.
Die Biwa hat vier oder fünf Saiten aus feinsten Seidenfäden, die mit Reiskleber verklebt sind. Das Griffbrett hat fünf sehr hohe Bünde.

Die Saiten sind ziemlich locker gespannt, das heißt sie sind nicht sehr straff. Der Musiker, der die Saite stärker drückt, ändert ihre Spannung, dh erhöht die Tonhöhe. Wir können sagen, dass das Instrument überhaupt nicht im westeuropäischen Sinne gestimmt ist, aber ein Musiker kann bestimmte Töne anschlagen, indem er die Stärke des Saitendrucks ändert.
Aber es geht beim Spielen gar nicht darum, den richtigen Ton zu treffen. Daher gibt es kein Festklemmen der Saite, der Finger ändert ständig den Druck, wodurch der Klang schwebt. Außerdem kann man die Saite mit dem Finger entlang breiter Bünde bewegen, was die Saite zum Summen bringt, wie bei indischen Saiteninstrumenten wie Sitar oder Wine.

Die Biwa wird vertikal gehalten und beim Spielen wird ein dreieckiges Holzhack in Form eines kleinen Fächers verwendet. Eine seiner Seiten erreicht eine Länge von 30 Zentimetern, es ist eine Art Schulterblatt. Diese Klingen herzustellen ist eine große Kunst, sie müssen gleichzeitig fest und elastisch sein. Der Pickbaum wird zehn Jahre lang getrocknet. Natürlich wird ein seltener Baum verwendet.
Man kann nicht nur die Saiten mit einem Plektrum schlagen, sondern auch den Korpus, sowie die Saiten kratzen, jedoch sagen die Meister, dass dies eine moderne Technik ist, die es zuvor noch nicht gegeben hat.
Aber klar ist, dass man mit einem so großen Plektrum eine Saite auf mehr als eine Weise anschlagen kann – und das ist natürlich perfekt hörbar.

BIWA (Königsaufzeichnungen, 1990)
Die CD enthält zwei Instrumental-Tracks und vier Gesangs- und Instrumental-Tracks. Am beeindruckendsten ist das epische Lied "Kawanakajima" ("Insel zwischen zwei Flüssen") von Enomoto Shisui.
Enomoto Shizui starb 1978 und wurde im 19. Jahrhundert geboren. Er gehörte zu den berühmten Biwa-Meistern der Vorkriegszeit.
Im 19. Jahrhundert und in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts erlebte die Kunst der Biwa ein Revival, allein in Tokio gab es 30 Meister des Musikinstrumentenbaus, nach dem Krieg in ganz Japan – und weltweit – blieb nur einer übrig. Diese Kunst hatte eine Chance, unwiderruflich zu verschwinden, denn die Texte der Lieder waren von dem politisch unkorrekten Samurai-Geist durchdrungen, der geworden war.
Im Vergleich zur neuen Sängergeneration klingt die Stimme von Enomoto Shizui tragischer, hysterischer und, würde ich sagen, rücksichtsloser.
Die Insel, der dieses Lied gewidmet ist, ist ein Landstreifen zwischen zwei Flüssen. An diesem Ort fanden im 16. Jahrhundert mehrere Schlachten zwischen den Armeen der beiden Kommandanten statt.
Irgendwie kann ich nicht glauben, dass dies unterhaltsame Musik ist, die man abends müde von wichtigen Dingen hört. Nein, nein, diese Musik erinnert die Samurai deutlich an ihre Pflicht und entzündet ihren Kampfgeist.

Eine andere berühmte Sache ist Atsumori, und auf dem Bild ist auch eine Biwa zu sehen.

Die harten Metallschläge - wie ein Schwertschlag - kontrastieren mit der sich langsam entfaltenden Stimme des Sängers. Die Vokale halten lange, der Rhythmus ist frei, es gibt viele Pausen in der Musik, aber träge kann man es auf keinen Fall nennen. Sie ist sehr angespannt und konzentriert.
Pausen, Leerstellen, Momente der Stille gelten in der japanischen Tradition übrigens auch als akustisches Element, also als Klang. Es wird mit dem Wort "ma" bezeichnet. Schweigen kann kurz oder lang, angespannt oder ruhig, unerwartet oder logisch sein. Stille akzentuiert einige Klänge und verschiebt die Betonung einer musikalischen Phrase.

In der Geschichte der Biwa gab es zwei parallele Strömungen: Zum einen war die Biwa Teil der Hofkapelle. Eine uralte Biwa lag waagerecht auf dem Boden und wurde mit einem kleinen Plektrum gespielt. Sie war ein Schlaginstrument.
Im Mittelalter spielten Aristokraten und ihre Vasallen die Biwa, die vermutlich rein instrumental war. In der klassischen Literatur gibt es viele Beschreibungen der mittelalterlichen Solo-Biwa, ihres anmutigen und raffinierten Klangs und ihrer erhabenen Melodien, die aus China stammen, aber die Tradition der Hofmusik der Solo-Biwa hat sich bis heute nicht erhalten. Im Gagaku-Orchester ist der Part der Biva so einfach, dass man den Eindruck nicht loswerden kann, dass im Laufe der Jahrhunderte etwas Wichtiges verloren gegangen ist.
Die Tradition der Biwa als Soloinstrument wurde im 13. Jahrhundert unterbrochen und erst im 20. Jahrhundert wiederbelebt.

"Ichinotani" und loben Biwa von Silvain Guignard (Fragment). Europäische Leistung, wie leicht sie zu sehen ist

Aber die Hauptfunktion der biwa besteht darin, lange Lieder und Geschichten zu begleiten.
Bis ins 20. Jahrhundert wurde die Biwa fast ausschließlich von blinden Musikern gespielt, sie wurden Biwahoshi genannt. Einige von ihnen waren buddhistische Mönche und rezitierten Sutras und Hymnen, aber dennoch erzählten die meisten Sänger von den Kriegen und Schlachten legendärer Helden.
Das bekannteste Heldenepos aus dem Biwahoshi-Repertoire ist Heike Monogatari.
Dies ist ein riesiges und ziemlich blutiges Gedicht darüber, wie der Haike-Clan (alias Tahire) nach einer kurzen Blütezeit in der zweiten Hälfte des 12. Jahrhunderts vom Genji-Clan (alias Minamoto) besiegt wurde.
Das Gedicht hat 200 Episoden, von denen 176 gewöhnliche, 19 geheime und die restlichen 5 streng geheim sind.

(Entschuldigung für die Qualität von Bild und Ton. Spielt Yukihiro Goto)
Alle Geschichten illustrieren auf die eine oder andere Weise buddhistische Vorstellungen von Ursache und Wirkung sowie die Vergänglichkeit des Schicksals.
Heute wird Haike Monogatari nur noch von wenigen der biwa-Musiker gespielt. Alle anderen haben ein viel moderneres Repertoire.
Es besteht jedoch die Meinung, dass die im Mittelalter von blinden Mönchen vorgetragenen Heldenlieder sowie die Tradition der instrumentalen Hofbiva verschwunden sind. Die Tradition des heroischen Singens wurde mehrfach wiederbelebt und höchstwahrscheinlich gar nicht mehr in der Form, in der sie vor 700 Jahren existierte.
Obwohl die Geschichte des Instruments bis ins 7. Jahrhundert zurückreicht, hat die Musik, die bis heute überlebt hat, anscheinend keinen Bezug zum Mittelalter, der Stil, der heute als antik und klassisch bezeichnet wird, wurde vor nicht allzu langer Zeit geformt.
Ein wichtiger Moment in der Geschichte von Biwa ist das 16. Jahrhundert.
Dann entstand ein neues Instrument, Satsuma biwa: Der Anführer des Satsuma-Clans gab den Befehl, die leise und bescheidene Laute der blinden Mönche zu einem lauten Instrument mit beeindruckendem und rauem Klang zu verbessern. Biwa wurde größer, sein Korpus war aus härterem Holz. Ihr Sound wurde maskuliner, wenn nicht sogar aggressiver.
http://youtu.be/7udqvSObOo4
(besserer Klang, aber Einbetten ist verboten)
Außerdem wurden neue Lieder komponiert. Der Zweck dieser Aktion war Bildung und Propaganda: Junge Männer, die eine militärische Ausbildung machten, dh zukünftige Samurai, mussten im Geiste stärker werden und die Grundlagen ritterlicher Tapferkeit erlernen, während sie diese Lieder hörten.
Dann gab es keinen Kanon des Spielens und Singens - jeder Samurai konnte einen heroischen Text schreien und für mehr Ausdruckskraft von Zeit zu Zeit auf die Saiten schlagen. Die Lieder riefen nicht mehr nur die Jugend zu Heldentaten auf, auch die Samurai, die den Krieg überlebten, erzählten zu den Klängen einer Biva von ihren Feldzügen.
Im Laufe der Zeit begann sich eine völlig friedliche Bevölkerung für diese militaristische Musik zu interessieren. Dementsprechend gab es einen Stil für Zivilisten: Machi Fu (urbaner Stil) – und für Militär: Shi Fu (Samurai-Stil).
Neue Varianten des Instruments erschienen. Chikuzen-biwa (chikuzen-biwa) zum Beispiel erschien im 19. Jahrhundert, es hat eine zusätzliche hohe Saite. Daher gilt diese Biwa als feminin, weicher. Es wird jeweils von Frauen gespielt.

In allen epischen Liedern, die mit einer Biwa begleitet werden, ist der Text rhythmisierte Prosa mit kurzen poetischen Passagen. Einige Phrasen werden zu kanonischen Melodien gesungen, gefolgt von kurzen Instrumentaldarbietungen. Aber in der Regel ertönt am Ende jeder Phrase oder Strophe ein oder zwei Schläge auf den Biva-Saiten. Diese Beats unterscheiden sich in der Klangfarbe - die Biwa hat viel mehr Möglichkeiten als die Trommel.
Wenn die Klänge der Biwa veranschaulichen, worüber der Erzähler singt, dann ausschließlich im Timbre - ein subtiler oder dumpfer Klang, es klingt metallisch oder zischend ... Der Text wird in klassischem Japanisch gesungen, der Hörer sollte verstehen, worum es geht: Intonation , Rhythmus und Farbton, die mit dem Inhalt des Dramas verbunden sind.
Das ist Musik zum direkten Zuhören, für diejenigen, die sich in die Handlung einfühlen, ganz eingefangen von ihr.
Wir, die die Sprache nicht kennen, nehmen in dieser Musik anscheinend nicht viel wahr, aber überraschenderweise wird sie dadurch nicht exotisch, skurril oder phantastisch. Nein, nein, es behält seine Aussagekraft und Überzeugungskraft.
Interessant ist auch, dass dies sehr emotionale Musik ist, sehr angespannt, offen. Und die Japaner - wie alle anderen Buddhisten - scheinen es zu vermeiden, ihre Gefühle zu zeigen.

In Japan wird die Kraft, die das Universum antreibt, Ki genannt. Es ist eine spirituelle Kraft ähnlich dem griechischen Pneuma.
Der Ausdruck Ki hat in allen japanischen Künsten höchste Priorität. Im Makrokosmos entsprechen Winde dem Ki und im Mikrokosmos der menschlichen Atmung. Im Japanischen gibt es viele Wörter, die mit ki verbunden sind: ki-shф (Wetter), ki-haku (Geist).
Die Singstimme basiert auf der Atmung, daher ist das Singen eine der Manifestationen des Ki.
Die alten Japaner glaubten, dass sie durch das Aussprechen oder besser Ausatmen, das Ausblasen eines Wortes eine spirituelle Handlung vollzogen. Und im Russischen sind sich die Worte „Atem“ und „Geist“ keineswegs fremd.
Die japanische Gesangstradition steht in direktem Zusammenhang mit dieser Auffassung des Wortes als bedeutungsvoller Atem.

Und diese kurze Aufnahme ist nicht nur ein Musikstück, es ist Gagaku, die zeremonielle Musik des japanischen Kaiserpalastes.

Europäischer Gesang basiert – wie alle andere Musik – auf Tonhöhe und Klangdauer. Im alten Japan verschmolz das Singen akustische Elemente wie die Farbe des Klangs, seine Energie, Lautstärke und seine Qualität zu einer einzigen Klanghieroglyphe.
Das ist etwas unermesslich mehr als nur die richtige Note.
Und biwas Musik unterscheidet sich in vielerlei Hinsicht von westeuropäischer Musik. Ein japanisches Instrument setzt eine ganz andere Einstellung zum Klang, zum Rhythmus voraus.
Der japanische Komponist der Moderne Toru Takemitsu hat mehrere Kompositionen geschrieben, in denen Biwa zusammen mit einem Sinfonieorchester verwendet wird. Es gibt eine traditionelle Art, Biwa-Musik aufzunehmen - im Vergleich zu Westeuropäisch erscheint sie sehr ungefährlich.

Kwaidan Music, Haochi the Earles, Tôru Takemitsu, 1964

Dies ist Tohru Takemitsu . gewidmet

Als sich die Biwa-Darstellerin in einer seiner Kompositionen freiwillig meldete, westeuropäische Notation zu studieren, verbot Takemitsu ihr dies. „Das ist das Letzte, was ich von Ihnen erwarten würde“, sagte der Komponist. „Ich werde die traditionelle Aufnahme von Biwa-Musik selbst studieren und lernen, sie anzuwenden, man braucht keine westlichen Noten. Heute stirbt der traditionelle Klangsinn aufgrund des westlichen Systems der Feinabstimmung von Musikinstrumenten und der Aufnahme von Musik mit Noten.

Eines Tages verlor Kaiser Tennoh eine alte Biwa aus seinem Palast. Ihr Name war Genjo. Es hatte keinen Preis, es war sehr teuer. Der Kaiser konnte keinen Platz für sich finden. Wenn es gestohlen wurde, musste der Dieb es zerbrechen - es war unmöglich, es zu verkaufen. Der Kaiser war sich sicher, dass seine Biwa gestohlen worden war, um seine Seele zu verdunkeln.
Minamoto no Hiromasa war ein Aristokrat und ein ausgezeichneter Musiker. Auch er war sehr traurig über den Verlust.
Eines Nachts hörte er den Klang einer Saite - kein Zweifel: Das ist Genjos Biwa. Hiromasa weckte den Diener und sie gingen, um den Dieb zu fangen. Sie kamen dem Geräusch näher, aber es ging immer weiter zurück. Auf der Biwa spielte ein Geist - nur Hiromasa konnte die Klänge der Saiten hören.
Er folgte dem Geräusch, bis er den südlichsten Punkt von Kyoto erreichte - das ominöse Rasemon-Tor. Hiromasa und sein Diener standen unter dem Tor, von oben war der Klang einer Laute zu hören. "Das ist kein Mensch", flüsterte Hiromasa, "das ist ein Dämon."
Er erhob seine Stimme: „Hey, wer spielt dort Genjo! Kaiser Tenno sucht seit dem Verschwinden des Instruments. Ich weiß, dass du hier bist, ich bin dir vom Palast selbst gefolgt!“
Die Musik verstummte, etwas fiel von oben herab und hing im Gang. Hiromasa taumelte zurück – er dachte, es sei ein Dämon. Aber von oben an einem Seil hing Genjos Laute.
Der Kaiser freute sich sehr über Genjos Rückkehr, niemand zweifelte daran, dass es der Dämon war, der den Schatz gestohlen und dann verschenkt hat. Hiromasa wurde reich belohnt.
Genjo ist immer noch im kaiserlichen Palast. Dies ist nicht nur eine Laute, sondern etwas Lebendiges mit eigenem Charakter. Wenn ein ungeschickter Musiker es aufnimmt, macht es keinen Ton.
Einmal brannte es im Palast. Alle rannten raus und keiner dachte daran, Genjo zu retten. Aber auf mysteriöse Weise wurde sie auf dem Rasen vor dem Palast gefunden, wo sie offensichtlich zu sich selbst kam!

Andrey Gorokhov © 2001 Deutsche Welle

Musikinstrument: Laute

Im Zeitalter von Überschallgeschwindigkeit und Nanotechnologie möchte man manchmal wirklich entspannen, dem hektischen Alltag entfliehen und sich in einer anderen Welt wiederfinden, in der es keine modernen Turbulenzen gibt, beispielsweise in der Romantik der Renaissance. Derzeit muss man dafür keine Zeitmaschine erfinden, sondern einfach irgendwo im Izmailovsky Kreml oder Sheremetyevsky Palace ein Konzert mit authentischer Musik besuchen. Dort hören Sie nicht nur schöne Melodien, die gedanklich in die Vergangenheit versetzen, sondern lernen auch interessante Musikinstrumente kennen, die vor einigen Jahrhunderten von unseren fernen Vorfahren gespielt wurden. Das Interesse an alter Musik wächst heute immer mehr, moderne Interpreten beherrschen mit Begeisterung die Instrumente vergangener Epochen, darunter die Traversflöte, Viola da Gamba, Diskantbratsche, barocke Kontrabassviolone, Cembalo und zweifellos ist die Laute ein Instrument der privilegierten Stände und verdient besondere Aufmerksamkeit. Ihre Araber im Mittelalter nannten sie zu Recht die Königin der Musikinstrumente.

Klang

Die Laute gehört zur Familie der Saiten- und Zupfinstrumente, klanglich ähnelt sie ein wenig einer Gitarre, dennoch ist ihre Stimme viel weicher und zarter und ihr Timbre ist samtig und zitternd, da sie gesättigter ist mit Obertönen. Die Klangquelle der Laute sind gepaarte und einzelne Saiten, die der Interpret mit der rechten Hand zupft und mit der linken an die Bünde drückt, ihre Länge verändert und dadurch die Tonhöhe verändert.

Der Notentext für das Instrument wurde mit Buchstaben auf einer sechszeiligen Linie geschrieben, und die Dauer der Klänge wurde durch Noten über den Buchstaben angezeigt. Bereich Das Instrument ist ungefähr 3 Oktaven lang. Das Gerät besitzt keine eindeutige Standardeinstellung.

Foto:

Interessante Fakten

• Für viele Völker diente das Bild der Laute als Symbol für Harmonie, Jugend und Liebe. Im Chinesischen bedeutete es Weisheit sowie Harmonie in Familie und Gesellschaft. Für Buddhisten - Harmonie in der Götterwelt, für Christen - bedeutete eine Laute in den Händen von Engeln die Schönheit des Himmels und die Versöhnung der Naturkräfte. In der Kunst der Renaissance symbolisierte es Musik, und ein Instrument mit baumelnden Saiten deutete auf Uneinigkeit und Zwietracht hin.
• Die Laute war ein Emblem - ein symbolisches Bild der Liebenden.
• Die Laute während der Renaissance wurde sehr oft auf Gemälden gezeigt, sogar Orpheus und Apollo, die Künstler dieser Zeit malten nicht mit einer Leier, sondern mit einer Laute. Und eine harmonischere Komposition als ein Mädchen oder ein Junge kann man sich mit diesem romantischen Instrument nicht vorstellen.
• Die sehr beliebte Laute galt einst als privilegiertes Instrument des weltlichen Kreises, des Adels und des Königshauses. Im Osten wurde sie die Sultanin der Instrumente genannt, und in europäischen Ländern gab es ein Sprichwort, dass die Orgel der „König aller Instrumente“ und die Laute „das Instrument aller Könige“ war.
• Der große englische Dichter und Dramatiker W. Shakespeare erwähnte in seinen Werken sehr oft die Laute. Er bewunderte ihren Sound und schrieb ihr die Fähigkeit zu, die Zuhörer in einen ekstatischen Zustand zu versetzen.
• Der größte italienische Bildhauer, Maler, Dichter und Denker Michelangelo Buonarroti bewunderte die Leistung des berühmten Lautenspielers Francesco da Milano und sagte, dass er von der Musik göttlich inspiriert wurde und alle seine Gedanken zu dieser Zeit zum Himmel gerichtet waren.
• Der Lautenspieler wird Lautenspieler genannt, und der Handwerker, der die Instrumente herstellt, wird Laute genannt.
• Die im 17. und 18. Jahrhundert geschaffenen Werkzeuge der Bologneser Meister - Geigenbauer L. Mahler und G. Frey sowie Vertreter der Handwerkerfamilie Tiffenbrucker aus Venedig und Padua - waren nach diesen Maßstäben astronomisches Geld wert.
• Das Erlernen des Lautenspiels war nicht so schwer, aber das Stimmen des Instruments, das viele Saiten aus Naturmaterialien hatte, aber aufgrund von Temperatur- und Feuchtigkeitsschwankungen schlecht gestimmt war, war problematisch. Es gab einen sehr berühmten Witz: Ein Musiker, der zwei Drittel der Zeit Laute spielt, ist damit beschäftigt, das Instrument zu stimmen, und ein Drittel spielt die Musik auf einem ungestimmten Instrument.

Entwurf

Das sehr elegante Design der Laute umfasst einen Korpus und einen Hals, der mit einem Stimmwirbel endet. Der birnenförmige Körper umfasst ein Deck und einen Körper, der als Resonator wirkt.

• Der Korpus besteht aus geschwungenen, halbkugelförmigen Segmenten aus Harthölzern: Ebenholz, Palisander, Kirsche oder Ahorn.
• Das Deck ist der vordere Teil des Körpers, der den Körper bedeckt. Es ist flach, oval und wird meist aus Resonatorfichte gefertigt. Auf dem Deck im unteren Teil befindet sich ein Ständer, und in der Mitte befindet sich ein Schallloch in Form eines eleganten, komplizierten Musters oder einer schönen Blume.

Der relativ breite, aber kurze Hals der Laute schließt bündig mit dem Resonanzboden an den Korpus an. Darauf wird ein Ebenholz-Overlay geklebt, und Catgut-Bundtrennzeichen sind ebenfalls gebunden. Oben auf dem Griffbrett befindet sich eine Mutter, die die Tonhöhe der Saiten beeinflusst.

Auch der Lautenstimmblock, an dem sich die Einstellstifte für die Saitenspannung befinden, hat seine eigene Besonderheit. Es liegt darin, dass der Block in Bezug auf den Halshals in einem ziemlich großen, fast rechten Winkel angeordnet ist.

Die Anzahl der gepaarten Saiten auf verschiedenen Lauten variiert stark: 5 bis 16 und manchmal 24.

Gewicht das Werkzeug ist sehr klein und wiegt ca. 400 g., Länge Werkzeug - ca. 80 cm.

Sorten

Die Laute, die sich einst großer Beliebtheit erfreute, entwickelte sich sehr intensiv. Musikmeister experimentierten ständig mit Form, Saitenzahl und Stimmung. Als Ergebnis hat sich eine ziemlich bedeutende Anzahl von Instrumentenvarianten herausgebildet. Zum Beispiel hatten die Renaissancelauten zusätzlich zu den traditionellen Instrumenten, zu denen Instrumente mit einer unterschiedlichen Anzahl von Saitenpaaren gehören - Chöre, Typen verschiedener Größen, die den Registern der menschlichen Stimme ähnelten: kleine Oktave, kleine Höhen, Höhen, Alt, Tenor, Bass und Oktavbass. Darüber hinaus umfasst die Lautenfamilie die Barocklaute al-ud, Erzlaute, Torban, Kobza, Theorba, Kittaron, Zither, Bandora, Cantabile Laute, Orfarion, Vandervogel-Laute, Mandora, Mandola.

Anwendung

Kunstkritiker halten die Laute nicht nur für eines der interessantesten, sondern auch für ein grundlegend wichtiges Instrument in der europäischen Musikgeschichte des 16.-17. Jahrhunderts. Es wurde von Mitgliedern aller Gesellschaftsschichten, vom Bürgerlichen bis zum Königshaus, gelobt und wurde als Begleit-, Solo- und Ensembleinstrument verwendet. Die schnell wachsende Popularität der Laute erforderte ständig Auffüllung und Erneuerung des Repertoires. Sehr oft waren die Komponisten von Werken gleichzeitig Interpreten, so dass eine ganze Galaxie bemerkenswerter Lautenkomponisten in europäischen Ländern auftrat. In Italien - F. Spinacino, F. Milano, V. Galilei, A. Rippe, G. Morley, V. Capirola, A. Piccinini. In Spanien - L. Milan, M. Fuenlana. In Deutschland - H. Neusiedler, M. Neusiedler, I. Kapsberger, S. Weiss, W. Lauffensteiner. In England - D. Dowland, D. Johnson, F. Cutting, F. Rosseter, T. Campion. In Polen - V. Dlugoraj, J. Reis, D. Kato, K. Klabon. In Frankreich - E. Gaultier, D. Gaultier, F. Dufau, R. Wiese. Es sollte auch beachtet werden, dass selbst so große Meister wie IST. Bach, A. Vivaldi, G. Händel, J. Haydn widmeten sich der Laute und bereicherten ihr Repertoire mit ihren Werken.

Das Interesse an der Alten Musik und damit an der Laute lässt derzeit nicht nach. Sein Klang ist immer häufiger auf den Bühnen von Konzertsälen zu hören. Unter den zeitgenössischen Komponisten, die heute für dieses Instrument komponieren, sind viele interessante Werke von I. David, V. Vavilov, S. Kallos, S. Lundgren, T. Sato, R. McFarlain, P. Galvao, R. McKillop, J . zu erwähnen Wissems, A. Danilevsky, R. Turovsky-Savchuk, M. Zvonarev.

Bemerkenswerte Darsteller

In Renaissance und Barock ungewohnt in Mode, aber von anderen Instrumenten verdrängt und zu Unrecht vergessen, stößt die Laute heute wieder auf großes Interesse, nicht nur bei authentischen Musikern. Sein Klang ist nun immer häufiger an verschiedenen Konzertorten zu hören, und zwar nicht nur solo, sondern auch im Ensemble mit anderen wunderbaren alten Musikinstrumenten. Im 21. Jahrhundert sind die bekanntesten Virtuosen, die viel zur Popularisierung des Instruments beitragen, V. Kaminik (Russland), P. O "Dett (USA), O. Timofeev (Russland), A. Krylov (Russland, Kanada) , A. Suetin (Russland), B. Yang (China), J. Imamura (Japan), R. Lislevand (Norwegen), E. Karamazov (Kroatien), J. Held (Deutschland), L. Kirchhof (Deutschland), E. Aiguez (Argentinien), H. Smith (USA), J. Lindbergh (Schweden), R. Barto (USA), M. Lowe (England), N. North (England), J. van Lennep (Niederlande) und viele andere...

Geschichte

Die gesamte Entstehungsgeschichte der Laute, die in den östlichen Ländern als eines der vollkommensten Instrumente galt, lässt sich nicht nachvollziehen. Bereits vor viertausend Jahren waren solche Instrumente in vielen Ländern der Welt weit verbreitet. Sie spielten Musik in Ägypten, Mesopotamien, China, Indien, Persien, Assyrien, dem antiken Griechenland und Rom. Kunstwissenschaftler vermuten jedoch, dass die Laute einen unmittelbaren Vorgänger hatte - es ist die Oud - ein Instrument, das im Nahen Osten noch immer mit besonderer Ehrfurcht gehalten wird, und behaupten, es sei das Ergebnis der Schöpfung des Enkels des Propheten. Die Oud hatte einen birnenförmigen Korpus, der aus Walnuss- oder Birnbaumholz gefertigt war, ein Kieferndeck, einen kurzen Hals und einen nach hinten gebogenen Kopf. Der Ton wurde mit einem Plektrum extrahiert.

Die Laute begann ihre Eroberung Europas im 8. Jahrhundert mit Spanien und Katalonien, nachdem die Mauren die Iberische Halbinsel erobert hatten. Das Instrument fügte sich nicht nur sehr schnell in die Kulturen dieser Länder ein, sondern breitete sich infolge der Kreuzzüge auch in anderen europäischen Ländern schnell aus: Italien. Frankreich, Deutschland, verdrängte andere Instrumente, die zu dieser Zeit verwendet wurden, wie die Cistra und die Pandura. Die immer beliebter werdende Laute erfuhr ständig verschiedene Verbesserungen. Die Handwerker nahmen Änderungen am Design des Instruments vor, modifizierten Korpus und Hals, fügten Saiten hinzu. Hatte er anfangs 4 - 5 gepaarte Streicher - Chöre, so stieg später die Zahl allmählich an. Bis zum 14. Jahrhundert war die Laute in Europa nicht nur voll ausgebildet, sondern wurde nicht nur in der Hofmusik, sondern auch in der Hausmusik zu einem der beliebtesten Instrumente. Sie wurde bereits nicht nur als Begleitinstrument, sondern auch als Soloinstrument eingesetzt. Für die Laute komponierten sie viel unterschiedliche Musik, arrangierten nicht nur populäre Lieder und Tänze, sondern auch geistliche Musik. Im 15. Jahrhundert nimmt die Popularität des Instruments noch zu, Maler stellen es oft auf ihren Kunstleinwänden dar. Komponisten bereichern ihr Repertoire weiterhin intensiv. Die Interpreten geben das Plektrum auf und bevorzugen die Fingerextraktionsmethode, die die technischen Möglichkeiten erheblich erweitert und die Darbietung sowohl harmonischer Begleitung als auch polyphoner Musik ermöglicht. Lauten wurden immer besser und die sechssaitigen Instrumente wurden zu den beliebtesten.

Im 16. Jahrhundert erreichte die Popularität der Laute ihren Höhepunkt. Sie wurde sowohl von professionellen Musikern als auch von Amateuren dominiert. Das Instrument erklang in den Palästen der Könige und des höchsten Adels sowie in den Häusern der einfachen Bürger. Auf ihr wurden Solo- und Ensemblestücke aufgeführt, von Sängern und Chören begleitet und darüber hinaus an Orchester herangeführt. In verschiedenen Ländern wurden Schulen für die Herstellung von Lauteninstrumenten gegründet, von denen sich die berühmteste in Italien in Bologna befand. Die Instrumente wurden ständig modifiziert, die Anzahl der gepaarten Saiten stieg: erst zehn, dann vierzehn und in der Folge 36, was entsprechend Änderungen in der Konstruktion des Instruments erforderte. Es gab viele Arten von Lauten, darunter sieben, die der Beschaffenheit der menschlichen Stimme entsprachen, von Diskont bis Bass.

Gegen Ende des 17. Jahrhunderts begann die Popularität der Laute merklich zu sinken, da sie nach und nach durch Instrumente wie Gitarre, Cembalo, und wenig später das Klavier. Im 18. Jahrhundert wurde sie praktisch nicht mehr verwendet, mit Ausnahme einiger weniger Sorten, die in Schweden, der Ukraine und Deutschland existierten. Und erst an der Wende des 19. und 20. Jahrhunderts, durch das erneute Interesse englischer Liebhaber an alten Instrumenten, angeführt vom Instrumentalmeister, Berufsmusiker und Musikwissenschaftler Arnold Dolmich, nahm die Aufmerksamkeit wieder stark zu.

Die Laute ist ein altes anmutiges Musikinstrument mit einer schönen sanften Stimme, das einst aus dem Alltag verdrängt und zu Unrecht vergessen wurde. Die Zeit verging, die Musiker erinnerten sich an ihn, interessierten sich und brachten ihn wieder auf die Konzertbühne, um die Zuhörer mit raffiniertem Klang zu erobern. Heute nimmt die Laute häufig an Konzerten mit authentischer Musik teil und tritt sowohl als Soloinstrument als auch als Ensembleinstrument auf.

Video: Laute anhören

Dutar. Du - zwei. Tar ist eine Zeichenfolge. Ein Instrument mit aufdringlichen Bünden und zwei Adern. Denken Sie, je weniger Saiten, desto einfacher ist es zu spielen?

Dann hören Sie sich einen der besten Dutar-Spieler an - Abdurahim Hayit, einen Uiguren aus Xinjiang, China.
Es gibt auch eine turkmenische Dutar. Die Saiten und Bünde der turkmenischen Dutar sind aus Metall, der Korpus ist ausgehöhlt, aus einem einzigen Stück Holz, der Klang ist sehr hell, sonor. Der turkmenische Dutar war in den letzten drei Jahren eines meiner Lieblingsinstrumente, und der auf dem Foto gezeigte Dutar wurde mir erst vor kurzem aus Taschkent gebracht. Ein entzückendes Werkzeug!

Aserbaidschanische Saz. Die neun Saiten sind in drei Gruppen unterteilt, die jeweils unisono gestimmt sind. Ein ähnliches Instrument in der Türkei heißt Baglama.

Hören Sie sich unbedingt an, wie dieses Instrument in den Händen eines Meisters klingt. Wenn die Zeit knapp ist, dann schauen Sie mindestens ab 2:30 Uhr.
Das griechische Instrument Bouzouki und seine irische Version sind von Saz und Baglama abgeleitet.

Ud oder al-ud, wenn Sie dieses Instrument auf Arabisch nennen. Aus dem arabischen Namen dieses Instruments leitet sich der Name der europäischen Laute ab. Al-ud – wild, Laute – hörst du? Das gewöhnliche Oud hat keine Bünde - die Bünde dieses Exemplars aus meiner Sammlung sind auf meine Initiative hin entstanden.

Hören Sie einen Meister aus Marokko Oud spielen.

Aus der chinesischen zweisaitigen Erhu-Geige mit einem einfachen Resonanzkörper und einer kleinen Membran aus Leder entstand der zentralasiatische Gidjak, der im Kaukasus und in der Türkei Kemancha genannt wurde.

Hören Sie, wie Kemancha klingt, wenn Imamyar Khasanov es spielt.

Rubab hat fünf Saiten. Die ersten vier von ihnen sind verdoppelt, jedes Paar ist unisono gestimmt und die Basssaite ist eine. Der lange Hals hat fast zwei Oktaven Bünde entsprechend der chromatischen Tonleiter und einen kleinen Resonator mit Ledermembran. Was meinen Sie, was bedeuten die nach unten gebogenen Hörner, die vom Hals zum Instrument kommen? Erinnert Sie seine Form an einen Widderkopf? Aber okay die Form - was für ein Sound! Sie sollten den Klang dieses Instruments gehört haben! Es vibriert und zittert selbst mit seinem massiven Hals, es füllt den gesamten Raum mit seinem Klang aus.

Hören Sie den Klang des Kashgar Rubab. Aber mein Rubab klingt ehrlich gesagt besser.

Der iranische Teer hat einen doppelt ausgehöhlten Körper aus einem einzigen Stück Holz und eine Membran aus dünner Fischhaut. Sechs gepaarte Saiten: zwei Stahlsaiten, gefolgt von einer Kombination aus Stahl und dünnem Kupfer, und das nächste Paar stimmt in einer Oktave ab - eine dicke Kupfersaite stimmt eine Oktave unter der dünnen Stahlsaite. Der iranische Teer hat aufdringliche Bünde aus den Adern.

Hören Sie, wie der iranische Teer klingt.
Iranischer Teer ist der Vorfahre mehrerer Instrumente. Einer von ihnen ist der indische Setar (se - drei, tar - string), und über die anderen beiden werde ich weiter unten sprechen.

Der aserbaidschanische Tar hat nicht sechs, sondern elf Saiten. Sechs sind die gleichen wie im iranischen Tar, ein weiterer Bass und vier Saiten, die nicht gespielt werden, aber beim Spielen mitschwingen, den Klang mit Echos ergänzen und den Klang länger machen. Tar und Kemancha sind vielleicht die beiden Hauptinstrumente der aserbaidschanischen Musik.

Hören Sie ab 10.30 Uhr oder zumindest ab 13.50 Uhr einige Minuten zu. Sie haben so etwas noch nie gehört und konnten sich auch nicht vorstellen, dass eine solche Aufführung auf diesem Instrument möglich ist. Es wird vom Bruder von Imamyar Khasanov gespielt - Rufat.

Es gibt eine Hypothese, dass Tar der Vorfahre der modernen europäischen Gitarre ist.

Als ich kürzlich über den Elektro-Kazan sprach, wurden mir Vorwürfe gemacht - man sagt, ich nehme die Seele aus dem Kessel. Wahrscheinlich wurde das Gleiche zu einer Person gesagt, die vor 90 Jahren vermutete, einen Tonabnehmer auf eine Akustikgitarre zu setzen. Etwa dreißig Jahre später entstanden feinste E-Gitarren, die bis heute Standard sind. Ein Jahrzehnt später erschienen die Beatles, die Rolling Stones, gefolgt von Pink Floyd.
Und all dieser Fortschritt hat die Akustikgitarrenbauer und klassischen Gitarristen in keinster Weise aufgehalten.

Aber nicht immer breiten sich Musikinstrumente von Ost nach West aus. Zum Beispiel wurde das Akkordeon im 19. Jahrhundert in Aserbaidschan zu einem ungewöhnlich beliebten Instrument, als die ersten deutschen Siedler dort auftauchten.

Mein Akkordeon wurde von demselben Meister gebaut, der die Instrumente für Aftandil Israfilov geschaffen hat. Hören Sie, wie ein solches Instrument klingt.

Die Welt der orientalischen Musikinstrumente ist groß und vielfältig. Ich habe Ihnen noch nicht einmal einen Teil meiner Sammlung gezeigt, und sie ist noch lange nicht vollständig. Aber ich muss Ihnen unbedingt von zwei weiteren Tools erzählen.
Eine Pfeife mit einer Glocke an der Spitze wird Zurna genannt. Und das Instrument darunter heißt Duduk oder Balaban.

Feiern und Hochzeiten beginnen mit den Klängen der Zurna im Kaukasus, in der Türkei und im Iran.

So sieht ein ähnliches Tool in Usbekistan aus.

In Usbekistan und Tadschikistan wird Zurna Surnay genannt. In Zentralasien und im Iran müssen zu den Klängen von Surnaya und Tamburinen die anhaltenden Klänge eines anderen Instruments, des Karnay, hinzugefügt werden. Karnay-surnay ist eine stabile Phrase, die den Beginn eines Urlaubs markiert.

Es ist interessant, dass in den Karpaten ein verwandtes Karnay-Instrument existiert und sein Name vielen bekannt ist - Trembita.

Und die zweite auf meinem Foto gezeigte Pfeife heißt Balaban oder Duduk. In der Türkei und im Iran wird dieses Instrument auch Mei genannt.

Hören Sie, wie Alikhan Samedov Balaban spielt.

Wir werden zum Balaban zurückkehren, aber jetzt möchte ich Ihnen erzählen, was ich in Peking gesehen habe.
Wie Sie sich vorstellen können, sammle ich Musikinstrumente. Und sobald ich während meiner Reise nach Peking eine freie Minute hatte, ging ich sofort in einen Musikinstrumentenladen. Was ich selbst in diesem Laden gekauft habe, erzähle ich Ihnen ein anderes Mal. Und nun zu dem, was ich nicht gekauft habe und was mir schrecklich leid tut.
Auf dem Schaufenster war eine Pfeife mit einer Glocke, deren Struktur genau an eine Zurna erinnerte.
- Wie heißt es? - Ich fragte durch den Übersetzer.
- Sona, - sie antworteten mir.
- Wie ähnlich "Sorna - Surnay - Zurna" - dachte ich laut. Und der Übersetzer bestätigte meine Vermutung:
- Die Chinesen sprechen den Buchstaben p nicht mitten im Wort aus.

Sie können mehr über die chinesische Sorte von Zurna erfahren.
Aber wissen Sie, Zurna und Balaban gehen Hand in Hand. Ihr Design hat viel gemeinsam – vielleicht deshalb. Und was denkst du zu dir? Neben dem Sona-Instrument war ein weiteres Instrument - der Guan oder Guanji. So sah es aus:

So sieht es aus. Leute, Genossen, Gentlemen, das ist ein Duduk!
Wann ist er dort angekommen? Im achten Jahrhundert. Daher können wir davon ausgehen, dass es aus China stammt - der Zeitpunkt und die Geographie sind gleich.
Bisher ist nur dokumentiert, dass sich dieses Instrument von Xinjiang nach Osten ausbreitete. Nun, wie wird dieses Instrument im modernen Xinjiang gespielt?

Sehen und hören Sie ab der 18. Sekunde! Hören Sie nur, was für ein luxuriöser Klang der uigurische Balaman hat - ja, hier wird er genau so genannt wie in der aserbaidschanischen Sprache (so eine Aussprache des Namens gibt es auch).

Suchen wir nach zusätzlichen Informationen in unabhängigen Quellen, zum Beispiel in der Iranik-Enzyklopädie:
BĀLĀBĀN
CH. ALBRIGHT
ein zylindrisch gebohrtes, etwa 35 cm langes Doppelblatt-Blasinstrument mit sieben Grifflöchern und einem Daumenloch, gespielt in Ost-Aserbaidschan im Iran und in der Republik Aserbaidschan.

Oder sympathisiert Iranika mit Aserbaidschaner? Nun, hier sagt TSB auch, dass das Wort Duduk türkischen Ursprungs ist.
Haben Aserbaidschaner und Usbeken die Compiler bestochen?
Nun gut, Sympathie für die Türken kann man den Bulgaren sicher nicht unterstellen!
auf einer sehr seriösen bulgarischen Seite für das Wort duduk:
duduk, duduk; duduk, duduk (aus dem tur. düdük), Quietscher, Svorche, Vokal, zusätzlich - Naroden darven Musikinstrument vom Typ auf Aerophonit, halbgeschlossen trbi.
Sie weisen erneut auf den türkischen Ursprung des Wortes hin und nennen es ihr Volksinstrument.
Wie sich herausstellte, ist dieses Werkzeug hauptsächlich unter den Turkvölkern oder unter den Völkern, die mit den Türken in Kontakt stehen, weit verbreitet. Und jede Nation betrachtet es vernünftigerweise als ihr Volksinstrument. Aber nur einer schreibt sich seine Schöpfung zu.

Nur die Faulen hörten schließlich nicht, dass "der Duduk ein altes armenisches Instrument ist". Gleichzeitig wird angedeutet, dass der Duduk vor dreitausend Jahren – also in unbeweisbarer Vergangenheit – entstanden ist. Aber Tatsachen und elementare Logik zeigen, dass dem nicht so ist.

Gehen Sie zurück zum Anfang dieses Artikels und werfen Sie einen weiteren Blick auf Musikinstrumente. Fast alle diese Instrumente werden auch in Armenien gespielt. Aber es ist absolut klar, dass all diese Werkzeuge bei viel zahlreicheren Völkern mit einer klaren und verständlichen Geschichte auftauchten, unter denen die Armenier lebten. Stellen Sie sich ein kleines Volk vor, das verstreut unter anderen Nationen mit seinen eigenen Staaten und Imperien lebt. Werden solche Leute einen kompletten Satz von Musikinstrumenten für ein ganzes Orchester erschaffen?
Ich muss gestehen, dass ich mir auch gedacht habe: "Okay, das waren große und komplexe Instrumente, lassen wir sie mal beiseite. Aber könnten die Armenier eine Pfeife finden?" Aber es stellt sich heraus, dass sie nicht darauf gekommen sind. Wenn ja, dann hätte diese Pfeife einen rein armenischen Namen und keinen poetisch-metaphorischen Tsiranopokh (die Seele eines Aprikosenbaums), sondern was auch immer einfacher, populärer, mit einer Wurzel oder sogar lautmalerisch ist. Inzwischen weisen alle Quellen auf die turkische Etymologie des Namens dieses Musikinstruments hin, und die Geographie und Verbreitungsdaten zeigen, dass der Duduk seine Verbreitung von Zentralasien aus begann.
Okay, machen wir noch eine Annahme und sagen, dass der Duduk aus dem alten Armenien nach Xinjiang kam. Aber wie? Wer hat es dorthin gebracht? Welche Völker wanderten um die Jahrtausendwende aus dem Kaukasus nach Zentralasien aus? Es gibt keine solchen Völker! Aber die Türken zogen ständig von Zentralasien nach Westen. Sie hätten dieses Werkzeug durchaus im Kaukasus und auf dem Territorium der modernen Türkei und sogar in Bulgarien verbreiten können, wie aus den Dokumenten hervorgeht.

Ich sehe noch ein Argument der Verteidiger der Version des armenischen Ursprungs des Duduk voraus. Sie sagen, dass ein echter Duduk nur aus einem Aprikosenbaum hergestellt wird, der auf Latein Prúnus armeniáca genannt wird. Aber erstens sind Aprikosen in Zentralasien nicht weniger verbreitet als im Kaukasus. Der lateinische Name weist nicht darauf hin, dass sich dieser Baum aus dem Gebiet des Gebietes, das den geografischen Namen Armenien trägt, in die ganze Welt verbreitet hat. Gerade von dort drang sie nach Europa ein und wurde vor etwa 300 Jahren von Botanikern beschrieben. Im Gegenteil, es gibt eine Version, in der sich die Aprikose vom Tien Shan aus verbreitet, die teils in China und teils in Zentralasien liegt. Zweitens zeigt die Erfahrung sehr talentierter Menschen, dass dieses Instrument sogar aus Bambus hergestellt werden kann. Und mein Lieblingsbalaban ist aus Maulbeerbäumen und klingt viel besser als Aprikosen, die ich auch habe und in Armenien produziert werden.

Hören Sie, wie ich in ein paar Jahren gelernt habe, dieses Instrument zu spielen. An der Aufnahme nahmen der Volkskünstler Turkmenistans Hasan Mamedov (Violine) und der Volkskünstler der Ukraine, mein Landsmann in Fergana, Enver Izmailov (Gitarre), teil.

Mit all dem möchte ich dem großen armenischen Duduk-Darsteller Jivan Gasparyan Tribut zollen. Es war dieser Mann, der den Duduk zu einem weltberühmten Instrument machte, und dank seiner Arbeit entstand in Armenien eine wunderbare Schule des Duduk-Spiels.
Aber "armenischen Duduk" zu sagen, ist nur in Bezug auf bestimmte Instrumente legitim, wenn sie in Armenien hergestellt werden, oder über die Art von Musik, die dank J. Gasparyan entstanden ist. Nur wer sich unbegründete Aussagen erlaubt, kann auf die armenische Herkunft des Duduk hinweisen.

Bitte beachte, dass ich selbst weder den genauen Ort noch den genauen Zeitpunkt des Erscheinens des Duduk angebe. Wahrscheinlich lässt sich dies nicht mehr feststellen und der Prototyp des Duduk ist älter als alle lebenden Völker. Aber ich baue meine Hypothese über die Verbreitung von Duduk auf, indem ich mich auf Fakten und elementare Logik stütze. Wenn mir jemand widersprechen möchte, dann möchte ich vorab fragen: Bitte verlassen Sie sich bei der Aufstellung von Hypothesen ebenso auf beweisbare und verifizierte Tatsachen aus unabhängigen Quellen, scheuen Sie nicht die Logik und suchen Sie nach einer anderen verständlichen Erklärung für die aufgeführten Fakten.

Xi Jinping, Präsident der Volksrepublik China, sprach auf einem Symposium zum 69. Jahrestag des Sieges über die japanischen Invasoren im Weltkrieg und forderte Japan auf, bei der Bewertung ...

hinzugefügt: 04.03.2014

Nationale japanische Musik und Instrumente

Das Land der aufgehenden Sonne Japan hat eine unverwechselbare und einzigartige Kultur. Das Erbe einer großen Nation ist eng mit der Musik verbunden. Nationale japanische Musik ist das gleiche charakteristische Phänomen, das auf die Isolation des Landes zurückzuführen war.

Die Japaner behandeln die Kulturdenkmäler ihrer Heimat stets mit Sorgfalt und Respekt. Ohne Musikinstrumente ist jede Musik unmöglich. Die Musikkultur Japans hat ihr eigenes einzigartiges Genre. Dies erklärt die Vielfalt der Instrumente, die verwendet werden, um musikalische Meisterwerke zu schaffen.

Berühmte Musikinstrumente

Eines der bekanntesten japanischen Musikinstrumente ist shamisen, die der Laute analog ist. Es gehört zur Kategorie der dreisaitigen Zupfinstrumente. Es kam von sansina die wiederum aus sanxian, deren Heimat China ist.

Japanische Musik und Tanz sind ohne Shamisen nicht komplett, das auf den japanischen Inseln immer noch verehrt wird und oft im japanischen Theater verwendet wird. Bunraku und Kabuki... Wichtig ist auch, dass das Spielen des Shamisen im Trainingsprogramm für Geisha - Maiko enthalten ist.

Auch die japanische Nationalmusik ist untrennbar mit Flöten verbunden. Musikinstrument fue gehört zur Familie der Flöten, die für ihren hohen Klang bekannt sind. Sie sind aus Bambus gefertigt. Diese Flöte stammt von einer chinesischen Flöte - " paixiao«.

Die bekannteste Flöte aus der Familie fue ist Shakuhachi, das von zen-buddhistischen Mönchen als Musikinstrument verwendet wird. Der Legende nach wurde die Shakuhachi von einem einfachen Bauern erfunden. Als er Bambus transportierte, hörte er eine wundervolle Melodie, die aus dem Bambus erklang, wenn der Wind hineinbläst.

Die Fue-Flöte wird wie die Shamisen oft zur Begleitung im Banraku- und Kabuki-Theater und in allen möglichen Ensembles verwendet. Ein Teil des Fouets kann westlich gestimmt und so zu Solisten werden. Interessanterweise war das Fü-Spielen früher nur für japanische Wandermönche charakteristisch.

Suikinkutsu

Ein weiteres Werkzeug, das die japanische Kultur repräsentiert, ist suikinkutsu... Es hat die Form eines umgedrehten Krugs, aus dem Wasser von oben fließt. Wenn Sie durch bestimmte Löcher in das Innere gelangen, macht das Instrument einen Klang, der dem Läuten einer Glocke sehr ähnlich ist. Dieses Instrument wird vor der Teezeremonie gespielt und wird auch als Attribut eines traditionellen japanischen Gartens verwendet.

Übrigens kann die Teezeremonie der Einfachheit halber im Garten abgehalten werden. Der Klang des Instruments taucht einen Menschen in ein unerklärliches Gefühl der Entspannung, erzeugt eine besinnliche Stimmung. Dieser Zustand eignet sich sehr gut zum Eintauchen in das Zen, da das Entspannen im Garten während der Teezeremonie zur Zen-Tradition gehört.

Verständlicher für unsere Wahrnehmung ist das Werkzeug Taiko,was ins Russische übersetzt bedeutet "Trommel". Taiko wurde übrigens in militärischen Angelegenheiten berühmt, ebenso wie seine Kollegen in anderen Ländern. In den Chroniken von Gundzi Yeshu heißt es, neun mal neun Schläge bedeuteten einen Aufruf zum Kampf und neun mal drei bedeuteten, dass der Feind verfolgt werden musste.

Zu bedenken ist, dass bei der Darbietung des Schlagzeugers auf die Ästhetik der Darbietung geachtet wird, da nicht nur Melodie und Rhythmus der Darbietung wichtig sind, sondern auch das Erscheinungsbild des Instruments, auf dem die Melodie gespielt wird .

Japanische Musikgenres

Die japanische Volksmusik hat in ihrer Entwicklung einen langen Weg zurückgelegt. Seine Ursprünge waren magische Lieder, später wurde die Entwicklung und Bildung des Musikgenres vom Konfuzianismus und Buddhismus beeinflusst. So wird japanische Musik auf die eine oder andere Weise mit Ritualen, traditionellen Feiertagen, Theateraufführungen und anderen Aktivitäten in Verbindung gebracht. Japanische ethnische Musik, die in der modernen Welt zu jeder Tageszeit und überall online gehört werden kann, ist zu einem wichtigen Teil des kulturellen Erbes des Landes geworden.

Es gibt zwei Hauptarten der japanischen Nationalmusik, die am beliebtesten sind.

• Der erste ist shomyo das sind buddhistische Gesänge.
• Zweite - gagaku, das ist Orchester-Hofmusik.

Aber es gibt auch Genres, die keine alten Wurzeln haben. Diese schließen ein Yasugi Bushi und Enka.

Das beliebteste Genre japanischer Volkslieder ist Yasugi Bushi, die nach der Stadt Yasugi benannt ist. Das Thema des Genres ist mit der antiken Geschichte sowie mythologischen und poetischen Legenden verbunden. Aber Yasugi Bushi ist nicht nur ein Lied, sondern auch ein Tanz. dojo sukui sowie die Kunst des Jonglierens mit Musik Zeni Daiko, das mit Münzen gefüllte Bambusstiele als Musikinstrument verwendet.

Enka, als Genre, entstand erst vor relativ kurzer Zeit, in der Nachkriegszeit. Darin werden japanische Volksmotive mit Jazz- und Bluesmusik verwoben. Somit hat japanische Musik ihre eigenen nationalen Besonderheiten und unterscheidet sich somit von anderen Musikgenres in anderen Ländern. So gibt es Musikinstrumente, die als singende Brunnen bezeichnet werden, die Sie nirgendwo auf der Erde sehen werden, außer vielleicht in Tibet.

Japanische Musik zeichnet sich durch ein ständig wechselndes Tempo und Rhythmus aus. Es fehlt oft an Größe. Japanische Musik ist den Klängen der Natur nahe, was sie noch mysteriöser und ungewöhnlicher macht.

Video: Japanische Musik online